अमेरिकी परिदृश्य चित्रकार। स्कूल विश्वकोश
1776 में, अमेरिका ने अपनी स्वतंत्रता की घोषणा की, और उस समय से राष्ट्रीय ललित कलाओं का विकास, जिसे देश के इतिहास को प्रतिबिंबित करने के लिए डिज़ाइन किया गया था, वास्तव में शुरू हुआ।
१८वीं सदी के कलाकार ज्यादातर स्व-सिखाए गए थे और ब्रिटिश कला की शैली पर आधारित थे।
और XIX सदी में। पहला पेंटिंग स्कूल पहले ही स्थापित हो चुका था - हडसन रिवर स्कूल।
हडसन रिवर स्कूल
हडसन रिवर स्कूल अमेरिकी परिदृश्य चित्रकारों के एक समूह का नाम था। उनका काम रूमानियत की शैली में विकसित हुआ। चित्रों में हडसन नदी घाटी और उसके आसपास का चित्रण किया गया है। कलाकारों ने अक्सर अमेरिका के वन्य जीवन का चित्रण किया और तकनीकी प्रगति की व्यवहार्यता पर सवाल उठाया।
थॉमस कोल "ऑक्सबो" (1836)। मेट्रोपॉलिटन संग्रहालय (न्यूयॉर्क)
उस समय की पेंटिंग में हडसन रिवर स्कूल एक सजातीय घटना नहीं थी: उदाहरण के लिए, प्रभाववादी शैली में एक शाखा थी, जिसे कहा जाता था प्रकाशवाद... प्रकाशवाद ने कलाकार की प्रकाश की धारणा पर बहुत ध्यान दिया। ल्यूमिनिज्म प्रभाववाद से इस मायने में भिन्न है कि यह विवरणों पर अधिक ध्यान देता है, एक छिपा हुआ ब्रशस्ट्रोक बनाया जाता है। लेकिन सामान्य तौर पर, दो शैलियाँ समान होती हैं।
फिट्ज़ हेनरी लेन, शिप इन द फॉग (1860)
स्कूल के संस्थापक कलाकार थॉमस कोल थे। वह १८२५ के पतझड़ में हडसन नदी में गया। फिर उसके साथ उसका घनिष्ठ मित्र आशेर ब्राउन डूरंड भी जुड़ गया। अन्य स्कूल कलाकार:
अल्बर्ट बिएरस्टेड
जॉन विलियम कैसिलियर
फ्रेडरिक एडविन चर्च
थॉमस कोल
सैमुअल कोलमैन
जैस्पर फ्रांसिस क्रॉपसी
थॉमस डौटी
रॉबर्ट स्कॉट डंकनसन
सैनफोर्ड रॉबिन्सन गिफोर्ड
जेम्स मैकडॉगल हार्ट
विलियम हार्टो
विलियम स्टेनली हैसेल्टिन
मार्टिन जॉनसन हेडी डॉ।
हडसन स्कूल के कलाकारों की पेंटिंग इसकी सादगी और सहजता से अलग थी।
थॉमस कोल (1801-1848)
थॉमस कोल का जन्म इंग्लैंड में हुआ था। 1818 में, उनका परिवार संयुक्त राज्य अमेरिका चला गया। कोल ने यात्रा करने वाले चित्रकार स्टीन से पेशे की मूल बातें प्राप्त कीं। लेकिन पोर्ट्रेट पेंटिंग उनके लिए सफल नहीं रही और उन्होंने लैंडस्केप पेंट करना शुरू कर दिया। वह अलंकारिक चित्रों में भी सफल रहा, उदाहरण के लिए, श्रृंखला "जीवन की यात्रा", जिसमें एक व्यक्ति के जीवन की चार अवधियों के बारे में चित्र शामिल हैं: बचपन, युवा, परिपक्वता और बुढ़ापा। यह साइकिल नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट (वाशिंगटन, यूएसए) में रखी गई है।
टी. कोल "बचपन"
पहली तस्वीर में, कलाकार ने एक बच्चे को एक नाव में दिखाया जो जीवन की नदी पर तैरती है। यह नाव एक फरिश्ता चलाती है, क्योंकि बच्चा अभी स्वतंत्र होने में सक्षम नहीं है। उनके क्षितिज, जैसा कि चित्र में है, सीमित हैं। नाव के धनुष पर आकृति समय का प्रतीक एक घंटे का चश्मा रखती है।
टी. कोल "युवा"
वही नाव, लेकिन उसमें पहले से ही एक युवक है। वह पहले से ही अपने दम पर नाव को नियंत्रित करता है, लेकिन फरिश्ता अभी भी उसे नहीं छोड़ता है - वह उसे किनारे से देख रहा है।
देवदूत व्यक्ति का निरीक्षण करना जारी रखता है, लेकिन वह अपनी समस्याओं में डूबा रहता है जो उसे अभिभूत करता है - यह तस्वीर के उदास रंग पर जोर देता है, तूफान से पेड़ गिर गए ...
टी. कोल "ओल्ड एज"
और अब एक व्यक्ति का जीवन पथ समाप्त हो रहा है। घंटाघर के आंकड़े अब नाव पर नहीं हैं - सांसारिक जीवन का समय समाप्त हो गया है। और नाव पूरी तरह से जर्जर हो चुकी थी...
अभिभावक देवदूत उसके आगे के मार्ग को दूसरी दुनिया में निर्देशित करने के लिए उसके पास आए, और अन्य स्वर्गदूत दूरी में दिखाई दे रहे हैं। कोल ने इस तस्वीर के बारे में कहा: "शारीरिक अस्तित्व की बेड़ियां दूर हो जाती हैं, और मन पहले से ही अनन्त जीवन की झलक देखने में सक्षम होता है।"
विंसलो होमर (1836-1910)
1880 . से फोटो
अमेरिकी कलाकार और ग्राफिक कलाकार, यथार्थवादी पेंटिंग के संस्थापक। अपने समुद्री दृश्यों के लिए जाना जाता है। उन्होंने तेल और पानी के रंगों में चित्रित किया। उनके काम ने अमेरिकी चित्रकला के पूरे बाद के विकास को प्रभावित किया।
होमर विभिन्न कलात्मक आंदोलनों से प्रभावित था, लेकिन मुख्य रूप से विशुद्ध रूप से अमेरिकी विषयों पर आधारित था।
प्रारंभिक काल की उनकी पेंटिंग हल्की और शांत है, जबकि बाद की अवधि को गहरे स्वर और दुखद विषयों की विशेषता है।
डब्ल्यू होमर "फॉग सिग्नल"। ललित कला के बोस्टन संग्रहालय (यूएसए)
चित्र का विषय मनुष्य और समुद्र के बीच संघर्ष, नाजुक मानव जीवन और शाश्वत प्रकृति के बीच का संबंध है।
थॉमस काउपरथवेट एकिन्स (ऐकिन्स) (1844-1916)
अमेरिकी कलाकार, फोटोग्राफर, शिक्षक, अमेरिकी यथार्थवादी चित्रकला का सबसे बड़ा प्रतिनिधि।
टी. एकिन्स। सेल्फ़-पोर्ट्रेट (1902)
उन्होंने पेन्सिलवेनिया एकेडमी ऑफ द फाइन आर्ट्स से स्नातक की उपाधि प्राप्त की, और यूरोप में अपने कौशल में और सुधार किया, मुख्य रूप से पेरिस में जीन लियोन जेरोम के मार्गदर्शन में। उन्होंने ललित कला अकादमी में पढ़ाया, इसके निदेशक थे।
उन्होंने स्वतंत्र विचार दिखाते हुए नग्नता के अध्ययन और चित्रण पर बहुत ध्यान दिया, जिसके लिए उन्हें निकाल दिया गया था। एकिन्स के चित्रों और तस्वीरों में नग्न और अर्ध-नग्न शरीर मुख्य स्थान रखता है। वह एथलीटों की कई छवियों का मालिक है। ईकिन्स के लिए विशेष रुचि मानव शरीर की गतिविधियों का संचरण था।
टी. एकिन्स "स्विमिंग" (1895)
उन्होंने बहु-चित्रित वातावरण में चित्रों को चित्रित किया।
सबसे प्रसिद्ध काम "द ग्रॉस क्लिनिक" है।
टी. ईकिन्स "सकल क्लिनिक" (1875)
पेंटिंग में प्रसिद्ध फ़िलाडेल्फ़ियन सर्जन सैमुअल ग्रॉस को दर्शाया गया है, जो चिकित्सा अकादमी के छात्रों के सामने ऑपरेशन का निर्देशन करते हैं। कलाकार डॉ. ग्रॉस को मानवीय विचारों की प्रतिभा के रूप में चित्रित करता है, लेकिन चित्र ने अपने समकालीनों को इसके यथार्थवाद से झकझोर दिया।
टी. एकिन्स को कई महत्वपूर्ण चित्रों के लिए भी जाना जाता है, जिसमें अमेरिकी कवि और प्रचारक वॉल्ट व्हिटमैन (1887-1888) का चित्र भी शामिल है, जिसे कवि स्वयं सर्वश्रेष्ठ मानते थे।
टी. एकिन्स। व्हिटमैन का पोर्ट्रेट (1887)
जेम्स मैकनील व्हिस्लर (1834-1903)
एंग्लो-अमेरिकन पेंटर, पोर्ट्रेट पेंटर, नक़्क़ाशी और लिथोग्राफी के मास्टर। प्रभाववाद और प्रतीकवाद के पूर्ववर्ती।
डी व्हिस्लर। आत्म चित्र। कला संस्थान (डेट्रायट)
लोवेल, मैसाचुसेट्स में पैदा हुए। उनके पिता, जॉर्ज वाशिंगटन व्हिस्लर, एक प्रसिद्ध रेलवे इंजीनियर, को 1842 में रूस में सड़क बनाने के लिए आमंत्रित किया गया था, उन्होंने निकोलेव रेलवे को डिजाइन किया था। रूस में, जेम्स ने कला अकादमी में भाग लिया। संयुक्त राज्य अमेरिका में, उन्होंने एक सैन्य स्कूल में अध्ययन किया, लेकिन अकादमिक विफलता के लिए उन्हें निष्कासित कर दिया गया।
डी. व्हिस्लर "ग्रे और काले रंग में व्यवस्था। द आर्टिस्ट्स मदर (1871)। ओरसे संग्रहालय (पेरिस)
यह जेम्स व्हिस्लर की सबसे प्रसिद्ध कृति है।
उन्होंने पेरिस में पेंटिंग का अध्ययन किया, फिर वेनिस में (वे वॉटरकलर स्केच और नक़्क़ाशी में लगे हुए थे)।
पहली अवधि में, व्हिस्लर के काम को किसी वस्तु - एक परिदृश्य या एक व्यक्ति की पहली छाप को पकड़ने की इच्छा से प्रभाववाद के करीब लाया गया था। लेकिन कई मुद्दों पर वह प्रभाववादियों से असहमत थे: उन्होंने प्लीन एयर के पंथ को स्वीकार नहीं किया, उन्होंने रंग टोन के बारे में पहले से सोचा था। अपने बाद के कार्यों में, व्हिस्लर अत्यधिक पतला, पानी के रंग की तरह पारदर्शी पेंट का उपयोग करता है जो वायुमंडलीय वातावरण की अस्थिर गतिशीलता की भावना व्यक्त करता है।
डी. व्हिस्लर "सिम्फनी इन द ग्रे एंड ग्रीन ओशन" (1866-1872)
घरेलू शैली
19वीं सदी के अमेरिकी चित्रकला में महान विकास। एक शैली की शैली मिली। सबसे पहले, यह शैली नक्शे, नृत्य आदि के साथ प्रांतीय जीवन के चित्रण पर आधारित थी।
ईस्टमैन जॉनसन, एक परित्यक्त स्टेजकोच की खुशी (1871)
लेकिन संयुक्त राज्य अमेरिका में औद्योगिक क्रांति और शहरीकरण शुरू होने के बाद, कलाकारों ने बड़े शहरों के निवासियों के जीवन को चित्रित करना शुरू कर दिया।
जॉन गैस्ट "अमेरिकन प्रोग्रेस" (लगभग 1872)
पेंटिंग हाथ में पाठ्यपुस्तक के साथ एक प्रतीकात्मक कोलंबिया को दर्शाती है। वह अमेरिकी बसने वालों के साथ-साथ सड़क के किनारे टेलीग्राफ लाइन को फैलाते हुए सभ्यता को पश्चिम की ओर ले जाती है। चित्र पहले बसने वालों की विभिन्न प्रकार की आर्थिक गतिविधियों, परिवहन के इतिहास को दर्शाता है। भारतीयों और जंगली जानवरों को बसने वालों से भागते हुए दिखाया गया है।
"कूड़ेदान का स्कूल"
XIX और XX सदियों के मोड़ पर। संयुक्त राज्य अमेरिका ने बड़े शहरों में तेजी से विकास का अनुभव किया है। उस समय के कैमरों का उपयोग अभी तक घटनाओं के परिचालन फिल्मांकन के लिए नहीं किया जा सकता था, इसलिए समाचार समाचार पत्रों ने कलाकारों को चित्रित करने के लिए काम पर रखा। इस तरह बिन स्कूल का गठन हुआ, जिसमें रॉबर्ट हेनरी, ग्लेन कोलमैन, जेरोम मायर्स और जॉर्ज बेलोज़ शामिल थे। स्टूडियो स्केच की मुख्य वस्तुएं उनके विशिष्ट प्रतिनिधियों के साथ सड़कें थीं: सड़क पर रहने वाले बच्चे, वेश्याएं, सड़क पर प्रदर्शन करने वाले और अप्रवासी। इन कलाकारों की उत्पत्ति, शिक्षा और राजनीतिक विचार अलग-अलग थे। लेकिन रॉबर्ट हेनरी का मानना था कि गरीबों, सर्वहारा और मध्यम वर्ग के जीवन और गतिविधियों को चित्रकला में शामिल किया जाना चाहिए - ये उस समय की वास्तविकताएं हैं।
नर्स एडिथ कैवेल को जॉर्ज बेलोज़ सहायता (1918)
बिन स्कूल ने संयुक्त राज्य अमेरिका की दृश्य कला में क्रांति ला दी, यह अग्रदूत था
"कार्ड प्लेयर्स"
लेखक
पॉल सेज़ान
देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1839–1906
अंदाज प्रभाववाद के बाद
कलाकार का जन्म फ्रांस के दक्षिण में ऐक्स-एन-प्रोवेंस के छोटे से शहर में हुआ था, लेकिन उन्होंने पेरिस में पेंटिंग करना शुरू किया। कलेक्टर एम्ब्रोज़ वोलार्ड द्वारा आयोजित एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी के बाद उन्हें वास्तविक सफलता मिली। 1886 में, अपने प्रस्थान से 20 साल पहले, वह अपने गृहनगर के बाहरी इलाके में चले गए। युवा कलाकारों ने उन्हें अपनी यात्राओं को "ऐक्स की तीर्थयात्रा" कहा।
130x97 सेमी
१८९५ वर्ष
कीमत
$ 250 मिलियन
बिक गया 2012 में
एक निजी नीलामी में
सीज़ेन के काम को समझना आसान है। कलाकार का एकमात्र नियम विषय या कथानक को सीधे कैनवास पर स्थानांतरित करना था, इसलिए उसके चित्र दर्शक को भ्रमित नहीं करते हैं। सेज़ेन ने अपनी कला में दो मुख्य फ्रांसीसी परंपराओं को जोड़ा: क्लासिकवाद और रोमांटिकवाद। रंगीन बनावट की मदद से उन्होंने वस्तुओं के आकार को एक अद्भुत प्लास्टिसिटी दिया।
1890-1895 के वर्षों में "द कार्ड प्लेयर्स" पांच चित्रों की एक श्रृंखला लिखी गई थी। उनका प्लॉट एक ही है - कई लोगों को पोकर खेलने का शौक होता है। कार्य केवल खिलाड़ियों की संख्या और कैनवास के आकार में भिन्न होते हैं।
यूरोप और अमेरिका के संग्रहालयों में चार पेंटिंग रखी गई हैं (म्यूजियम डी'ऑर्से, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, बार्न्स फ़ाउंडेशन और कोर्टौल्ड इंस्टीट्यूट ऑफ़ आर्ट), और पाँचवाँ, हाल ही में, ग्रीक अरबपति जहाज मालिक जॉर्ज के निजी संग्रह का श्रंगार था। एम्बरिकोस। अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले, 2011 की सर्दियों में, उन्होंने इसे बिक्री के लिए रखने का फैसला किया। कला डीलर विलियम एक्वावेला और विश्व-प्रसिद्ध गैलरी के मालिक लैरी गागोसियन, सेज़ेन के "मुक्त" काम के संभावित खरीदार बन गए, इसके लिए लगभग $ 220 मिलियन की पेशकश की। नतीजतन, पेंटिंग 250 मिलियन के लिए अरब राज्य कतर के शाही परिवार में चली गई। पेंटिंग के इतिहास में सबसे बड़ा कला सौदा फरवरी 2012 में बंद हो गया था। पत्रकार एलेक्जेंड्रा पीयर्स ने वैनिटी फेयर में इसकी सूचना दी थी। उसने पेंटिंग की लागत और नए मालिक के नाम का पता लगाया, और फिर जानकारी दुनिया भर के मीडिया में फैल गई।
2010 में, समकालीन कला का अरब संग्रहालय और कतर राष्ट्रीय संग्रहालय कतर में खोला गया। अब उनके संग्रह की भरपाई की जा रही है। शायद इस उद्देश्य के लिए द कार्ड प्लेयर्स के पांचवें संस्करण को शेख द्वारा अधिग्रहित किया गया था।
सबसे अधिकमहंगी पेंटिंगइस दुनिया में
मालिक
शेख हमदी
बिन खलीफा अल-थानीक
अल-थानी राजवंश ने क़तर पर 130 से अधिक वर्षों तक शासन किया है। लगभग आधी सदी पहले, यहां तेल और गैस के विशाल भंडार की खोज की गई थी, जिसने तुरंत कतर को दुनिया के सबसे अमीर क्षेत्रों में से एक बना दिया। हाइड्रोकार्बन के निर्यात के लिए धन्यवाद, इस छोटे से देश में प्रति व्यक्ति सबसे बड़ा सकल घरेलू उत्पाद है। 1995 में शेख हमद बिन खलीफा अल-थानी, जबकि उनके पिता स्विट्जरलैंड में थे, परिवार के सदस्यों के समर्थन से सत्ता पर कब्जा कर लिया। विशेषज्ञों के अनुसार वर्तमान शासक की योग्यता देश के विकास की स्पष्ट रणनीति, राज्य की सफल छवि बनाने में है। कतर में अब एक संविधान और एक प्रधान मंत्री है, और महिलाओं को संसदीय चुनावों में वोट देने का अधिकार मिला है। वैसे, कतर के अमीर ने ही अल-जज़ीरा न्यूज़ चैनल की स्थापना की थी। अरब राज्य के अधिकारी संस्कृति पर बहुत ध्यान देते हैं।
2
"नंबर 5"
लेखक
जैक्सन पोलक
देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1912–1956
अंदाज अमूर्त अभिव्यंजनावाद
जैक स्प्रिंकलर - यह अमेरिकी जनता द्वारा पोलक को उनकी विशेष पेंटिंग तकनीक के लिए दिया गया उपनाम है। कलाकार ने ब्रश और चित्रफलक को छोड़ दिया, और कैनवास या फाइबरबोर्ड की सतह पर लगातार और उनके अंदर घूमते हुए पेंट डाला। कम उम्र से ही वह जिद्दू कृष्णमूर्ति के दर्शन के शौकीन थे, जिसका मुख्य संदेश यह है कि सच्चाई का खुलासा मुक्त "उछाल" के दौरान होता है।
122x244 सेमी
१९४८ वर्ष
कीमत
$१४० मिलियन
बिक गया 2006 में
नीलामी पर सूदबी के
पोलक के काम का मूल्य परिणाम में नहीं, बल्कि प्रक्रिया में है। लेखक ने गलती से अपनी कला को "कार्रवाई की पेंटिंग" नहीं कहा। उनके हल्के हाथ से यह अमेरिका का मुख्य खजाना बन गया। जैक्सन पोलक ने पेंट को रेत, टूटे कांच के साथ मिश्रित किया, और कार्डबोर्ड के एक टुकड़े, एक पैलेट चाकू, एक चाकू और एक स्कूप के साथ लिखा। कलाकार इतना लोकप्रिय था कि 1950 के दशक में यूएसएसआर में भी नकल करने वाले पाए गए थे। पेंटिंग "नंबर 5" को दुनिया में सबसे अजीब और सबसे महंगी में से एक माना जाता है। ड्रीमवर्क्स कंपनी के संस्थापकों में से एक, डेविड गेफेन ने इसे एक निजी संग्रह के लिए अधिग्रहित किया, और 2006 में इसे सोथबी की नीलामी में मैक्सिकन कलेक्टर डेविड मार्टिनेज को 140 मिलियन डॉलर में बेच दिया। हालांकि, कानूनी फर्म ने जल्द ही अपने मुवक्किल की ओर से एक प्रेस विज्ञप्ति जारी कर कहा कि डेविड मार्टिनेज पेंटिंग के मालिक नहीं थे। केवल एक चीज निश्चित रूप से जानी जाती है: मैक्सिकन फाइनेंसर वास्तव में हाल ही में समकालीन कला के कार्यों का संग्रह कर रहा है। यह संभावना नहीं है कि वह "नंबर 5" पोलक जैसी "बड़ी मछली" से चूक गया होगा।
3
"महिला III"
लेखक
विलेम डी कूनिंग
देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1904–1997
अंदाज अमूर्त अभिव्यंजनावाद
नीदरलैंड के मूल निवासी, वह 1926 में संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए। 1948 में, कलाकार की एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी हुई। कला समीक्षकों ने अपने लेखक में महान आधुनिकतावादी कलाकार को पहचानते हुए, जटिल, घबराए हुए काले और सफेद रचनाओं की सराहना की है। अपने जीवन का अधिकांश समय वे मद्यपान से पीड़ित रहे, लेकिन नई कला के निर्माण का आनंद हर काम में महसूस किया जाता है। डी कूनिंग पेंटिंग की आवेगशीलता, विस्तृत स्ट्रोक से प्रतिष्ठित है, यही वजह है कि कभी-कभी छवि कैनवास की सीमाओं के भीतर फिट नहीं होती है।
121x171 सेमी
१९५३ वर्ष
कीमत
$ 137 मिलियन
बिक गया 2006 में
एक निजी नीलामी में
1950 के दशक में, डी कूनिंग की पेंटिंग में खाली आंखों, बड़े स्तनों और बदसूरत चेहरे वाली महिलाओं को दिखाया गया था। वुमन III नीलाम होने वाली श्रृंखला की अंतिम प्रविष्टि है।
1970 के दशक से, पेंटिंग को तेहरान म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट में रखा गया है, लेकिन देश में सख्त नैतिक नियमों की शुरुआत के बाद, उन्होंने इससे छुटकारा पाने की कोशिश की। 1994 में, काम ईरान से निर्यात किया गया था, और 12 साल बाद, इसके मालिक डेविड गेफेन (वही निर्माता जिसने जैक्सन पोलक की पेंटिंग "नंबर 5" बेची थी) ने करोड़पति स्टीफन कोहेन को $ 137.5 मिलियन में तस्वीर दी। दिलचस्प बात यह है कि गेफेन ने एक साल में अपने चित्रों का संग्रह बेचना शुरू कर दिया। इसने बहुत सी अफवाहों को जन्म दिया, उदाहरण के लिए, कि निर्माता ने लॉस एंजिल्स टाइम्स अखबार खरीदने का फैसला किया।
एक कला मंच पर, लियोनार्डो दा विंची की पेंटिंग "लेडी विद ए एर्मिन" के साथ "वुमन III" की समानता के बारे में एक राय व्यक्त की गई थी। नायिका की दांतेदार मुस्कान और निराकार आकृति के पीछे, चित्रकला के पारखी ने शाही रक्त के व्यक्ति की कृपा को पहचाना। इसका प्रमाण महिला के सिर पर मुकुट के खराब निशान से भी मिलता है।
4
"एडेल का पोर्ट्रेट"बलोच-बाउर I "
लेखक
गुस्ताव क्लिम्टो
देश ऑस्ट्रिया
जीवन के वर्ष 1862–1918
अंदाज आधुनिक
गुस्ताव क्लिम्ट का जन्म एक उत्कीर्णन कलाकार के परिवार में हुआ था और वह सात बच्चों में से दूसरे थे। अर्नेस्ट क्लिम्ट के तीन बेटे कलाकार बन गए, और केवल गुस्ताव ही दुनिया भर में प्रसिद्ध हुए। उन्होंने अपना अधिकांश बचपन गरीबी में बिताया। अपने पिता की मृत्यु के बाद, वह पूरे परिवार के लिए जिम्मेदार था। यह इस समय था कि क्लिम्ट ने अपनी शैली विकसित की। कोई भी दर्शक उसके चित्रों के सामने जम जाता है: सोने के पतले स्पर्श के तहत, स्पष्ट कामुकता स्पष्ट रूप से दिखाई देती है।
138x136 सेमी
१९०७ वर्ष
कीमत
$135 मिलियन
बिक गया 2006 में
नीलामी पर सूदबी के
पेंटिंग का भाग्य, जिसे "ऑस्ट्रियाई मोना लिसा" कहा जाता है, आसानी से बेस्टसेलर का आधार बन सकता है। कलाकार का काम पूरे राज्य और एक बुजुर्ग महिला के बीच संघर्ष का कारण बन गया।
तो, "एडेल बलोच-बाउर I का पोर्ट्रेट" फर्डिनेंड बलोच की पत्नी एक अभिजात वर्ग को दर्शाता है। उनकी आखिरी वसीयत पेंटिंग को ऑस्ट्रियाई स्टेट गैलरी में स्थानांतरित करने की थी। हालांकि, बलोच ने अपनी वसीयत में दान को रद्द कर दिया, और कैनवास को नाजियों द्वारा जब्त कर लिया गया। बाद में, गैलरी ने शायद ही गोल्डन एडेल खरीदा, लेकिन फिर उत्तराधिकारी दिखाई दिया - फर्डिनेंड बलोच की भतीजी मारिया ऑल्टमैन।
2005 में, हाई-प्रोफाइल परीक्षण "ऑस्ट्रियाई गणराज्य के खिलाफ मारिया ऑल्टमैन" शुरू हुआ, जिसके परिणामस्वरूप तस्वीर उसके साथ लॉस एंजिल्स के लिए "छोड़ गई"। ऑस्ट्रिया ने अभूतपूर्व उपाय किए: ऋण पर बातचीत हुई, जनसंख्या ने चित्र को भुनाने के लिए धन दान किया। अच्छाई ने कभी बुराई को नहीं हराया: ऑल्टमैन ने कीमत बढ़ाकर 30 करोड़ डॉलर कर दी। मुकदमे के समय, वह 79 वर्ष की थी, और वह इतिहास में उस व्यक्ति के रूप में नीचे चली गई जिसने व्यक्तिगत हितों के पक्ष में बलोच-बाउर की इच्छा को बदल दिया। पेंटिंग न्यूयॉर्क में न्यू गैलरी के मालिक रोनाल्ड लॉडर द्वारा अधिग्रहित की गई थी, जहां यह आज भी बनी हुई है। ऑस्ट्रिया के लिए नहीं, ऑल्टमैन ने उसके लिए कीमत घटाकर 135 मिलियन डॉलर कर दी।
5
"चिल्लाओ"
लेखक
एडवर्ड मंच
देश नॉर्वे
जीवन के वर्ष 1863–1944
अंदाज इक्सप्रेस्सियुनिज़म
मंच की पहली पेंटिंग, जो पूरी दुनिया में प्रसिद्ध हुई - "द सिक गर्ल" (पांच प्रतियों में मौजूद है) - कलाकार की बहन को समर्पित है, जिसकी 15 साल की उम्र में तपेदिक से मृत्यु हो गई थी। मुंच हमेशा मौत और अकेलेपन के विषय में रुचि रखते थे। जर्मनी में, उनकी भारी, उन्मत्त पेंटिंग ने एक घोटाले को भी उकसाया। हालांकि, निराशाजनक भूखंडों के बावजूद, उनके चित्रों में एक विशेष चुंबकत्व है। उदाहरण के लिए, स्क्रीम लें।
73,5x91 सेमी
१८९५ वर्ष
कीमत
$119.992 मिलियन
में बेचा गया 2012 वर्ष
नीलामी पर सूदबी के
पेंटिंग का पूरा नाम डेर श्रेई डेर नेचर (जर्मन से अनुवादित - "प्रकृति का रोना") है। किसी व्यक्ति या विदेशी का चेहरा निराशा और घबराहट व्यक्त करता है - वही भावनाएं जो दर्शक किसी चित्र को देखते समय अनुभव करता है। अभिव्यक्तिवाद के प्रमुख कार्यों में से एक उन विषयों की चेतावनी देता है जो 20 वीं शताब्दी की कला में तीव्र हो गए हैं। एक संस्करण के अनुसार, कलाकार ने इसे एक मानसिक विकार के प्रभाव में बनाया, जिसे उसने जीवन भर झेला।
पेंटिंग को अलग-अलग संग्रहालयों से दो बार चुराया गया था, लेकिन इसे वापस कर दिया गया था। चीख, जिसे चोरी के बाद मामूली क्षति का सामना करना पड़ा, को बहाल कर दिया गया और 2008 में मंच संग्रहालय में फिर से प्रदर्शन के लिए तैयार किया गया। पॉप संस्कृति के प्रतिनिधियों के लिए, काम प्रेरणा का स्रोत बन गया: एंडी वारहोल ने अपने प्रिंट-प्रतियों की एक श्रृंखला बनाई, और फिल्म "स्क्रीम" से मुखौटा चित्र के नायक की छवि और समानता में बनाया गया है।
एक विषय पर, मंच ने काम के चार संस्करण लिखे: एक निजी संग्रह में, पेस्टल में बनाया गया। नॉर्वेजियन अरबपति पेट्टर ऑलसेन ने इसे 2 मई 2012 को नीलामी के लिए रखा। खरीदार लियोन ब्लैक था, जिसे "चीख" के लिए रिकॉर्ड राशि का पछतावा नहीं था। अपोलो एडवाइजर्स के संस्थापक एल.पी. और लायन एडवाइजर्स, एल.पी. कला के अपने प्यार के लिए जाना जाता है। ब्लैक डार्टमाउथ कॉलेज, म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट, लिंकन आर्ट सेंटर, मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट का संरक्षक है। इसमें पिछली शताब्दियों के समकालीन कलाकारों और शास्त्रीय उस्तादों के चित्रों का सबसे बड़ा संग्रह है।
6
"एक बस्ट और हरी पत्तियों की पृष्ठभूमि के खिलाफ नग्न"
लेखक
पब्लो पिकासो
देश स्पेन, फ्रांस
जीवन के वर्ष 1881–1973
अंदाज क्यूबिज्म
जन्म से वह स्पैनियार्ड है, लेकिन आत्मा और निवास स्थान से वह एक वास्तविक फ्रांसीसी है। पिकासो ने 16 साल की उम्र में बार्सिलोना में अपना आर्ट स्टूडियो खोला था। फिर वे पेरिस गए और अपना अधिकांश जीवन वहीं बिताया। इसलिए उनके सरनेम में दोहरा दबाव है। पिकासो द्वारा आविष्कार की गई शैली इस राय के खंडन पर आधारित है कि कैनवास पर चित्रित वस्तु को केवल एक कोण से देखा जा सकता है।
130x162 सेमी
१९३२ वर्ष
कीमत
$ 106.482 मिलियन
बिक गया 2010 वर्ष में
नीलामी पर क्रिस्टी का
रोम में अपने काम के दौरान, कलाकार की मुलाकात नर्तक ओल्गा खोखलोवा से हुई, जो जल्द ही उसकी पत्नी बन गई। उसने योनि को समाप्त कर दिया, उसके साथ एक शानदार अपार्टमेंट में चला गया। उस समय तक, मान्यता को एक नायक मिल गया था, लेकिन शादी नष्ट हो गई थी। दुनिया में सबसे महंगे चित्रों में से एक लगभग दुर्घटना से बनाया गया था - महान प्रेम के लिए, जो हमेशा पिकासो के साथ था, अल्पकालिक था। 1927 में, उन्हें युवा मैरी-थेरेस वाल्थर में दिलचस्पी हो गई (वह 17 वर्ष की थीं, वह 45 वर्ष की थीं)। अपनी पत्नी से अनजान, वह अपनी मालकिन के साथ पेरिस के पास एक कस्बे में चला गया, जहाँ उसने डेफने की छवि में मैरी-थेरेस को चित्रित करते हुए एक चित्र चित्रित किया। कैनवास न्यूयॉर्क के डीलर पॉल रोसेनबर्ग द्वारा अधिग्रहित किया गया था और 1951 में सिडनी एफ. ब्रॉडी को बेच दिया गया था। ब्रॉडी पति-पत्नी ने दुनिया को केवल एक बार और केवल इसलिए चित्र दिखाया क्योंकि कलाकार 80 वर्ष का हो गया था। मार्च 2010 में अपने पति की मृत्यु के बाद, श्रीमती ब्रॉडी ने क्रिस्टी के घर पर नीलामी के लिए टुकड़ा रखा। छह दशकों में, कीमत 5,000 गुना से अधिक बढ़ गई है! एक अज्ञात कलेक्टर ने इसे 106.5 मिलियन डॉलर में खरीदा था। 2011 में, ब्रिटेन में एक "एक-पेंटिंग प्रदर्शनी" हुई, जहां इसे दूसरी बार प्रकाशित किया गया था, लेकिन मालिक का नाम अभी भी अज्ञात है।
7
"आठ एल्विस"
लेखक
एंडी वारहोल
देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1928-1987
अंदाज
पॉप कला
इंटरव्यू पत्रिका के संस्थापकों में से एक, प्रतिष्ठित पॉप आर्ट कलाकार, फिल्म निर्माता, एंडी वारहोल ने कहा, "सेक्स और पार्टियां ही एकमात्र ऐसी जगह हैं जहां आपको व्यक्तिगत रूप से उपस्थित होना पड़ता है।" उन्होंने वोग और हार्पर बाजार के साथ काम किया, एल्बम कवर डिजाइन किए, और आई. मिलर के लिए जूते डिजाइन किए। 1960 के दशक में, पेंटिंग अमेरिका के प्रतीकों को दर्शाती हुई दिखाई दीं: कैंपबेल का सूप और कोका-कोला, प्रेस्ली और मुनरो - जिसने उन्हें एक किंवदंती बना दिया।
358x208 सेमी
1963 वर्ष
कीमत
$ 100 मिलियन
बिक गया 2008 में
एक निजी नीलामी में
वारहोल का 60 का दशक - यह अमेरिका में पॉप कला के युग का नाम था। 1962 में, उन्होंने मैनहट्टन में फ़ैक्टरी स्टूडियो में काम किया, जहाँ न्यूयॉर्क के सभी बोहेमियन एकत्र हुए। इसके प्रमुख प्रतिनिधि: मिक जैगर, बॉब डायलन, ट्रूमैन कैपोट और दुनिया की अन्य प्रसिद्ध हस्तियां। उसी समय, वारहोल ने सिल्क-स्क्रीनिंग तकनीक की कोशिश की - एक छवि की कई पुनरावृत्ति। उन्होंने "आठ एल्विस" बनाते समय भी इस पद्धति का उपयोग किया: दर्शक को एक फिल्म के शॉट्स देखने लगते हैं जहां स्टार जीवन में आता है। वह सब कुछ है जो कलाकार को बहुत पसंद था: एक जीत-जीत वाली सार्वजनिक छवि, चांदी का रंग और मुख्य संदेश के रूप में मृत्यु का पूर्वाभास।
दो कला डीलर हैं जो आज विश्व बाजार पर वारहोल के काम को बढ़ावा दे रहे हैं: लैरी गागोसियन और अल्बर्टो मुघराबी। 2008 में वॉरहोल के 15 से अधिक कार्यों का अधिग्रहण करने के लिए पहले ने $ 200 मिलियन खर्च किए। दूसरा क्रिसमस कार्ड की तरह अपनी पेंटिंग खरीदता और बेचता है, केवल अधिक महंगा। लेकिन वे नहीं, बल्कि एक मामूली फ्रांसीसी कला सलाहकार फिलिप सेगलो ने रोमन कला पारखी एनीबेल बर्लिंगिएरी को आठ एल्विस को एक अज्ञात खरीदार को वॉरहोल के लिए रिकॉर्ड राशि - $ 100 मिलियन में बेचने में मदद की।
8
"संतरा,लाल पीला"
लेखक
मार्क रोथको
देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1903–1970
अंदाज अमूर्त अभिव्यंजनावाद
कलर फील्ड पेंटिंग के रचनाकारों में से एक का जन्म रूस के डविंस्क (अब डौगवपिल्स, लातविया) में एक यहूदी फार्मासिस्ट के एक बड़े परिवार में हुआ था। 1911 में, वे संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए। रोथको ने येल विश्वविद्यालय के कला विभाग में अध्ययन किया, छात्रवृत्ति जीती, लेकिन यहूदी विरोधी भावनाओं ने उन्हें अपनी पढ़ाई छोड़ने के लिए मजबूर कर दिया। सब कुछ के बावजूद, कला समीक्षकों ने कलाकार को मूर्तिमान कर दिया, और संग्रहालयों ने उसे जीवन भर प्रेतवाधित किया।
206x236 सेमी
1961 वर्ष
कीमत
$86,882 मिलियन
बिक गया 2012 में
नीलामी पर क्रिस्टी का
रोथको के पहले कलात्मक प्रयोग एक अतियथार्थवादी अभिविन्यास के थे, लेकिन समय के साथ उन्होंने रंग के धब्बों के लिए कथानक को सरल बनाया, उन्हें किसी भी निष्पक्षता से वंचित किया। सबसे पहले उनके पास चमकीले रंग थे, और 1960 के दशक में वे कलाकार की मृत्यु के समय तक भूरे, बैंगनी, गाढ़े से काले हो गए। मार्क रोथको ने अपने चित्रों में किसी भी अर्थ की तलाश के खिलाफ चेतावनी दी। लेखक ठीक वही कहना चाहता था जो उसने कहा था: केवल एक रंग जो हवा में घुल जाता है, और कुछ नहीं। उन्होंने 45 सेमी की दूरी से कार्यों को देखने की सिफारिश की, ताकि दर्शक फ़नल की तरह रंग में "खींचा" जाए। सावधानी: सभी नियमों के अनुसार देखने से ध्यान का प्रभाव हो सकता है, अर्थात धीरे-धीरे अनंत का बोध, स्वयं में पूर्ण विसर्जन, विश्राम, शुद्धि का आभास होता है। उनके चित्रों में रंग रहता है, सांस लेता है और एक मजबूत भावनात्मक प्रभाव पड़ता है (वे कहते हैं, कभी-कभी - उपचार)। कलाकार ने घोषणा की: "दर्शक को उन्हें देखकर रोना चाहिए," और वास्तव में ऐसे मामले थे। रोथको के सिद्धांत के अनुसार, इस समय लोग उसी आध्यात्मिक अनुभव का अनुभव करते हैं जो उन्होंने पेंटिंग पर काम करने की प्रक्रिया में किया था। यदि आप इसे इतने सूक्ष्म स्तर पर समझने में कामयाब रहे, तो आपको आश्चर्य नहीं होना चाहिए कि आलोचक अक्सर अमूर्त कला के इन कार्यों की तुलना चिह्नों से करते हैं।
काम "ऑरेंज, रेड, येलो" मार्क रोथको की पेंटिंग के पूरे सार को व्यक्त करता है। न्यूयॉर्क में क्रिस्टी की नीलामी में इसकी शुरुआती लागत 35-45 मिलियन डॉलर है। एक अज्ञात खरीदार ने अनुमान से दोगुनी कीमत की पेशकश की। जैसा कि अक्सर होता है, पेंटिंग के भाग्यशाली मालिक के नाम का खुलासा नहीं किया गया था।
9
"ट्रिपटिक"
लेखक
फ़्रांसिस बेकन
देश
ग्रेट ब्रिटेन
जीवन के वर्ष 1909–1992
अंदाज इक्सप्रेस्सियुनिज़म
फ्रांसिस बेकन का रोमांच, एक पूर्ण नाम और, इसके अलावा, महान दार्शनिक के दूर के वंशज, तब शुरू हुए जब उनके पिता ने उन्हें अस्वीकार कर दिया, अपने बेटे के समलैंगिक झुकाव को स्वीकार करने में असमर्थ थे। बेकन पहले बर्लिन गए, फिर पेरिस गए, और फिर उनके निशान पूरे यूरोप में भ्रमित हैं। उनके जीवनकाल के दौरान, उनके कार्यों को दुनिया के प्रमुख सांस्कृतिक केंद्रों में प्रदर्शित किया गया, जिसमें गुगेनहाइम संग्रहालय और ट्रीटीकोव गैलरी शामिल हैं।
147.5x198 सेमी (प्रत्येक)
1976 वर्ष
कीमत
$८६.२ मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर सूदबी के
प्रतिष्ठित संग्रहालयों ने बेकन के चित्रों को रखने की मांग की, लेकिन प्रमुख अंग्रेजी जनता इस तरह की कला के लिए बाहर निकलने की जल्दी में नहीं थी। महान ब्रिटिश प्रधान मंत्री मार्गरेट थैचर ने उनके बारे में कहा: "वह व्यक्ति जो इन भयावह चित्रों को चित्रित करता है।"
कलाकार ने स्वयं युद्ध के बाद की अवधि को अपने काम में शुरुआती अवधि माना। सेवा से लौटकर, उन्होंने फिर से पेंटिंग शुरू की और मुख्य कृतियों का निर्माण किया। नीलामी में "ट्रिप्टिच, 1976" की भागीदारी से पहले, बेकन का सबसे महंगा काम "पोप इनोसेंट एक्स के चित्र के लिए अध्ययन" (52.7 मिलियन डॉलर) था। "ट्रिप्टिच, 1976" में कलाकार ने फ्यूरीज़ द्वारा ओरेस्टेस की खोज के पौराणिक कथानक को चित्रित किया। बेशक, ओरेस्टेस खुद बेकन है, और रोष उसकी पीड़ा है। 30 से अधिक वर्षों के लिए, पेंटिंग एक निजी संग्रह में थी और प्रदर्शनियों में भाग नहीं लेती थी। यह तथ्य इसे एक विशेष मूल्य देता है और तदनुसार, इसके मूल्य को बढ़ाता है। लेकिन कला के पारखी और यहां तक कि रूसी में उदार के लिए कुछ मिलियन क्या हैं? रोमन अब्रामोविच ने 1990 के दशक में अपना संग्रह बनाना शुरू किया, इसमें वह अपने दोस्त दशा ज़ुकोवा से काफी प्रभावित थे, जो आधुनिक रूस में एक फैशनेबल गैलरी के मालिक बन गए। अनौपचारिक आंकड़ों के अनुसार, व्यवसायी अल्बर्टो जियाओमेट्टी और पाब्लो पिकासो के कामों का मालिक है, जिसे $ 100 मिलियन से अधिक की राशि में खरीदा गया था। 2008 में उन्होंने Triptych जीता। वैसे, 2011 में, बेकन का एक और मूल्यवान काम हासिल किया गया था - "लुसियन फ्रायड के चित्र के लिए तीन रेखाचित्र।" छिपे हुए सूत्रों का कहना है कि रोमन अर्कादिविच फिर से खरीदार बन गया।
10
"पानी के लिली के साथ तालाब"
लेखक
क्लॉड मोनेट
देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1840–1926
अंदाज प्रभाववाद
कलाकार को प्रभाववाद के संस्थापक के रूप में पहचाना जाता है, जिसने अपने कैनवस में इस पद्धति का "पेटेंट" किया। पहला महत्वपूर्ण काम पेंटिंग "नाश्ता ऑन द ग्रास" (एडौर्ड मानेट के काम का मूल संस्करण) था। अपनी युवावस्था में, उन्होंने कार्टून बनाए, और तट के किनारे और खुली हवा में अपनी यात्रा के दौरान वास्तविक पेंटिंग को अपनाया। पेरिस में, उन्होंने बोहेमियन जीवन शैली का नेतृत्व किया और सेना में सेवा करने के बाद भी इसे नहीं छोड़ा।
210x100 सेमी
१९१९ वर्ष
कीमत
$ 80.5 मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर क्रिस्टी का
इस तथ्य के अलावा कि मोनेट एक महान कलाकार थे, वे उत्साहपूर्वक बागवानी में भी लगे हुए थे, वन्य जीवन और फूलों को पसंद करते थे। उनके परिदृश्य में, प्रकृति की स्थिति क्षणिक है, हवा की गति से वस्तुएं धुंधली लगती हैं। प्रभाव बड़े स्ट्रोक द्वारा बढ़ाया जाता है, एक निश्चित दूरी से वे अदृश्य हो जाते हैं और एक बनावट, त्रि-आयामी छवि में विलीन हो जाते हैं। स्वर्गीय मोनेट की पेंटिंग में, पानी और उसमें जीवन का विषय एक विशेष स्थान रखता है। गिवरनी शहर में, कलाकार का अपना तालाब था, जहाँ उसने विशेष रूप से जापान से लाए गए बीजों से पानी की लिली उगाई। जब उनके फूल खिले तो वह रंगने लगा। श्रृंखला "वाटर लिली" में 60 कार्य शामिल हैं जिन्हें कलाकार ने अपनी मृत्यु तक लगभग 30 वर्षों तक चित्रित किया है। उम्र के साथ उनकी नजर कमजोर होती गई, लेकिन वे रुके नहीं। हवा, मौसम और मौसम के आधार पर, तालाब का दृश्य लगातार बदल रहा था, और मोनेट इन परिवर्तनों को पकड़ना चाहता था। सावधानीपूर्वक काम करने से उन्हें प्रकृति के सार की समझ आ गई। श्रृंखला की कुछ पेंटिंग दुनिया की प्रमुख दीर्घाओं में रखी गई हैं: पश्चिमी कला का राष्ट्रीय संग्रहालय (टोक्यो), ओरंगेरी (पेरिस)। अगले "पानी के लिली के साथ तालाब" का संस्करण एक अज्ञात खरीदार के हाथों में रिकॉर्ड राशि के लिए चला गया।
11
झूठा तारा तो
लेखक
जैस्पर जॉन्स
देश अमेरीका
जन्म का साल 1930
अंदाज पॉप कला
1949 में, जोन्स ने न्यूयॉर्क के एक डिज़ाइन स्कूल में प्रवेश लिया। जैक्सन पोलक, विलेम डी कूनिंग और अन्य लोगों के साथ, उन्हें 20 वीं शताब्दी के मुख्य कलाकारों में से एक के रूप में पहचाना जाता है। 2012 में, उन्हें संयुक्त राज्य अमेरिका में सर्वोच्च नागरिक सम्मान, स्वतंत्रता का राष्ट्रपति पदक मिला।
137.2x170.8 सेमी
१९५९ वर्ष
कीमत
$80 मिलियन
बिक गया 2006 में
एक निजी नीलामी में
मार्सेल ड्यूचैम्प की तरह, जोन्स ने वास्तविक वस्तुओं के साथ काम किया, उन्हें कैनवास पर और मूर्तिकला में, मूल के अनुसार पूर्ण रूप से चित्रित किया। अपने काम के लिए, उन्होंने ऐसी वस्तुओं का उपयोग किया जो सभी के लिए सरल और समझने योग्य थीं: एक बीयर की बोतल, एक झंडा या नक्शे। फाल्स स्टार्ट पेंटिंग में कोई स्पष्ट रचना नहीं है। ऐसा लगता है कि कलाकार दर्शक के साथ खेल रहा है, अक्सर "गलत तरीके से" चित्र में रंगों पर हस्ताक्षर करता है, रंग की अवधारणा को उलट देता है: "मैं रंग को चित्रित करने का एक तरीका खोजना चाहता था ताकि इसे किसी अन्य विधि द्वारा निर्धारित किया जा सके"। उनकी सबसे विस्फोटक और "असुरक्षित", आलोचकों के अनुसार, पेंटिंग एक अज्ञात खरीदार द्वारा अधिग्रहित की गई थी।
12
"बैठा"नंगासोफे पर"
लेखक
एमेडियो मोदिग्लिआनी
देश इटली, फ्रांस
जीवन के वर्ष 1884–1920
अंदाज इक्सप्रेस्सियुनिज़म
बचपन से ही, मोदिग्लिआनी अक्सर बीमार रहते थे, एक ज्वलनशील प्रलाप के दौरान, उन्होंने एक कलाकार के रूप में अपने भाग्य को पहचान लिया। उन्होंने लिवोर्नो, फ्लोरेंस, वेनिस में ड्राइंग का अध्ययन किया और 1906 में वे पेरिस चले गए, जहाँ उनकी कला का विकास हुआ।
65x100 सेमी
१९१७ वर्ष
कीमत
$68.962 मिलियन
बिक गया 2010 वर्ष में
नीलामी पर सूदबी के
1917 में, मोदिग्लिआनी की मुलाकात 19 वर्षीय जीन हेब्युटर्न से हुई, जो उनकी मॉडल और बाद में उनकी पत्नी बनीं। 2004 में, उसका एक चित्र $ 31.3 मिलियन में बेचा गया था, जो 2010 में सोफे पर नग्न बैठने का सबसे हालिया रिकॉर्ड था। पेंटिंग को एक अज्ञात खरीदार ने मोदिग्लिआनी के लिए अधिकतम कीमत पर खरीदा था। कलाकार की मृत्यु के बाद ही कार्यों की सक्रिय बिक्री शुरू हुई। वह गरीबी में मर गया, तपेदिक से पीड़ित था, और अगले दिन, जीन हेब्युटर्न, जो नौ महीने की गर्भवती थी, ने भी आत्महत्या कर ली।
13
"एक देवदार के पेड़ पर चील"
लेखक
क्यूई बैशी
देश चीन
जीवन के वर्ष 1864–1957
अंदाज गोहुआ
सुलेख में रुचि ने क्यूई बैशी को पेंट करने के लिए प्रेरित किया। 28 साल की उम्र में, वह कलाकार हू किंगयुआन के छात्र बन गए। उन्हें चीन के संस्कृति मंत्रालय द्वारा "चीनी लोगों के महान कलाकार" की उपाधि से सम्मानित किया गया और 1956 में उन्हें अंतर्राष्ट्रीय शांति पुरस्कार मिला।
10x26 सेमी
१९४६ वर्ष
कीमत
$ 65.4 मिलियन
बिक गया 2011 में
नीलामी पर चीन अभिभावक
क्यूई बैशी को आसपास की दुनिया की उन अभिव्यक्तियों में दिलचस्पी थी, जिन्हें कई लोग महत्व नहीं देते हैं, और यह उनकी महानता है। बिना शिक्षा वाला व्यक्ति इतिहास में प्रोफेसर और उत्कृष्ट रचनाकार बन गया। पाब्लो पिकासो ने उसके बारे में कहा: "मुझे आपके देश जाने में डर लगता है, क्योंकि चीन में की बैशी है।" रचना "ईगल ऑन ए पाइन" को कलाकार के सबसे बड़े काम के रूप में मान्यता प्राप्त है। कैनवास के अलावा, इसमें दो चित्रलिपि स्क्रॉल शामिल हैं। चीन के लिए, जिस राशि के लिए टुकड़ा खरीदा गया था वह एक रिकॉर्ड का प्रतिनिधित्व करता है - 425.5 मिलियन युआन। अकेले प्राचीन कॉलिग्राफर हुआंग टिंगजियान का स्क्रॉल 436.8 मिलियन डॉलर में बिका।
14
"1949-ए-№1"
लेखक
क्लिफर्ड स्टिल
देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1904–1980
अंदाज अमूर्त अभिव्यंजनावाद
20 साल की उम्र में, उन्होंने न्यूयॉर्क में मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट का दौरा किया और निराश हुए। बाद में मैंने छात्र कला लीग पाठ्यक्रम में दाखिला लिया, लेकिन पाठ शुरू होने के 45 मिनट बाद छोड़ दिया - यह "उसके लिए नहीं" निकला। पहली व्यक्तिगत प्रदर्शनी ने एक प्रतिध्वनि पैदा की, कलाकार ने खुद को पाया, और इसके साथ मान्यता
79x93 सेमी
१९४९ वर्ष
कीमत
$61.7 मिलियन
बिक गया 2011 में
नीलामी पर सूदबी के
उनके सभी काम, जो 800 से अधिक कैनवस और कागज पर 1600 काम हैं, अभी भी अमेरिकी शहर को विरासत में मिले हैं, जहां उनके नाम पर एक संग्रहालय खोला जाएगा। डेनवर एक ऐसा शहर बन गया, लेकिन अकेले निर्माण में अधिकारियों को महंगा पड़ा, और इसे पूरा करने के लिए, चार कार्यों को नीलामी के लिए रखा गया था। स्टिल के कार्यों की फिर कभी नीलामी होने की संभावना नहीं है, जिससे उनकी कीमत पहले से बढ़ गई। पेंटिंग "1949-ए-नंबर 1" को कलाकार के लिए रिकॉर्ड राशि में बेचा गया था, हालांकि विशेषज्ञों ने अधिकतम $ 25-35 मिलियन की बिक्री की भविष्यवाणी की थी।
15
"सुपरमैटिस्ट रचना"
लेखक
काज़िमिर मालेविच
देश रूस
जीवन के वर्ष 1878–1935
अंदाज सर्वोच्चतावाद
मालेविच ने कीव आर्ट स्कूल में पेंटिंग का अध्ययन किया, फिर मॉस्को एकेडमी ऑफ आर्ट्स में। 1913 में, उन्होंने अमूर्त ज्यामितीय चित्रों को एक शैली में चित्रित करना शुरू किया, जिसे उन्होंने सर्वोच्चतावाद कहा (अक्षांश से। "वर्चस्व")।
71x 88.5 सेमी
१९१६ वर्ष
कीमत
$60 मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर सूदबी के
एम्स्टर्डम के शहर के संग्रहालय में, पेंटिंग को लगभग 50 वर्षों तक रखा गया था, लेकिन मालेविच के रिश्तेदारों के साथ 17 साल के विवाद के बाद, संग्रहालय ने इसे छोड़ दिया। कलाकार ने इस काम को एक साल में "सुपरमैटिज्म के घोषणापत्र" के साथ लिखा था, इसलिए सोथबी ने नीलामी से पहले ही घोषणा कर दी कि यह $ 60 मिलियन से कम के निजी संग्रह में नहीं जाएगा। और ऐसा हुआ भी। इसे ऊपर से देखना बेहतर है: कैनवास पर आंकड़े हवा से पृथ्वी के दृश्य से मिलते जुलते हैं। वैसे, कुछ साल पहले, उन्हीं रिश्तेदारों ने एमओएमए संग्रहालय से एक और "सुपरमैटिस्ट कंपोजिशन" को फिलिप्स की नीलामी में $ 17 मिलियन में बेचने के लिए जब्त कर लिया था।
16
"नहाने वाले"
लेखक
पॉल गौगुइन
देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1848–1903
अंदाज प्रभाववाद के बाद
सात साल की उम्र तक, कलाकार पेरू में रहता था, फिर अपने परिवार के साथ फ्रांस लौट आया, लेकिन बचपन की यादों ने उसे लगातार यात्रा करने के लिए प्रेरित किया। फ्रांस में, उन्होंने पेंट से पेंट करना शुरू किया, वैन गॉग के दोस्त थे। यहां तक कि उन्होंने कई महीने उनके साथ आर्ल्स में बिताए, जब तक कि वैन गॉग ने झगड़े के दौरान अपना कान नहीं काट लिया।
93.4x60.4 सेमी
१९०२ वर्ष
कीमत
$55 मिलियन
बिक गया 2005 में
नीलामी पर सूदबी के
1891 में, गौगुइन ने ताहिती द्वीप के अंतर्देशीय जाने के लिए आय का उपयोग करने के लिए अपने चित्रों की बिक्री की व्यवस्था की। वहां उन्होंने ऐसे कार्यों की रचना की जिनमें प्रकृति और मनुष्य के बीच एक सूक्ष्म संबंध महसूस किया जाता है। गौगुइन फूस की झोपड़ी में रहता था, और उसके कैनवस पर एक उष्णकटिबंधीय स्वर्ग खिलता था। उनकी पत्नी एक 13 वर्षीय ताहिती महिला तेहुरा थी, जिसने कलाकार को विचित्र संबंधों में प्रवेश करने से नहीं रोका। उपदंश से बीमार पड़ने के बाद, वह फ्रांस के लिए रवाना हो गए। हालाँकि, गौगुइन वहाँ तंग था, और वह ताहिती लौट आया। इस अवधि को "दूसरा ताहिती" कहा जाता है - यह तब था जब पेंटिंग "बाथर्स" चित्रित की गई थी, जो उनके काम में सबसे शानदार में से एक थी।
17
"डैफोडील्स और नीले और गुलाबी रंग में एक मेज़पोश"
लेखक
हेनरी मैटिस
देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1869–1954
अंदाज फौविज्म
1889 में, हेनरी मैटिस को एपेंडिसाइटिस का दौरा पड़ा। जब वह ऑपरेशन से ठीक हो रहे थे, तो उनकी मां ने उनके लिए पेंट खरीदे। पहले, मैटिस ने बोरियत से रंगीन कार्डों की नकल की, फिर - महान चित्रकारों के काम जो उन्होंने लौवर में देखे, और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में उन्होंने एक शैली का आविष्कार किया - फाउविज्म।
65.2x81 सेमी
१९११ वर्ष
कीमत
$४६.४ मिलियन
बिक गया 2009 में
नीलामी पर क्रिस्टी का
पेंटिंग "डैफोडील्स एंड अ टेबलक्लोथ इन ब्लू एंड पिंक" लंबे समय से यवेस सेंट लॉरेंट की है। कॉट्यूरियर की मृत्यु के बाद, कला का उनका पूरा संग्रह उनके दोस्त और प्रेमी पियरे बर्जर के हाथों में चला गया, जिन्होंने इसे क्रिस्टी की नीलामी में रखने का फैसला किया। बेचे गए संग्रह का मोती पेंटिंग "डैफोडील्स एंड ए टेबलक्लोथ इन ब्लू एंड पिंक टोन" था, जिसे कैनवास के बजाय एक साधारण मेज़पोश पर चित्रित किया गया था। फाउविज्म के उदाहरण के रूप में, यह रंग की ऊर्जा से भरा है, रंग विस्फोट और चीखने लगते हैं। मेज़पोश पर चित्रित चित्रों की प्रसिद्ध श्रृंखला से, आज यह काम केवल एक ही है जो एक निजी संग्रह में है।
18
"सो रही लड़की"
लेखक
रॉयली
हेन्स्टीन
देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1923–1997
अंदाज पॉप कला
कलाकार का जन्म न्यूयॉर्क में हुआ था, और स्कूल से स्नातक होने के बाद, वह ओहियो के लिए रवाना हो गए, जहाँ उन्होंने कला पाठ्यक्रम लिया। लिकटेंस्टीन ने 1949 में मास्टर ऑफ फाइन आर्ट्स प्राप्त किया। कॉमिक्स में उनकी रुचि और विडंबनापूर्ण होने की उनकी क्षमता ने उन्हें पिछली शताब्दी का एक पंथ कलाकार बना दिया।
91x91 सेमी
1964 वर्ष
कीमत
$44,882 मिलियन
बिक गया 2012 में
नीलामी पर सूदबी के
एक दिन, च्युइंग गम लिकटेंस्टीन के हाथों में गिर गई। उसने चित्र को सम्मिलित से कैनवास पर फिर से खींचा और प्रसिद्ध हो गया। उनकी जीवनी की इस कहानी में पॉप कला का पूरा संदेश है: खपत एक नया भगवान है, और मोना लिसा की तुलना में गोंद से कैंडी रैपर में कम सुंदरता नहीं है। उनकी पेंटिंग कॉमिक्स और कार्टून की याद दिलाती हैं: लिकटेंस्टीन ने केवल तैयार छवि, चित्रित रेखापुंज, स्क्रीन प्रिंटिंग और सिल्क-स्क्रीन प्रिंटिंग का उपयोग किया। लगभग 50 वर्षों तक पेंटिंग "द स्लीपिंग गर्ल" कलेक्टरों बीट्राइस और फिलिप गेर्श की थी, जिनके उत्तराधिकारियों ने इसे नीलामी में बेच दिया था।
19
"विजय। बूगी वूगी"
लेखक
पीट मोंड्रियन
देश नीदरलैंड
जीवन के वर्ष 1872–1944
अंदाज नियोप्लास्टिकवाद
1912 में पेरिस जाने पर कलाकार ने अपना असली नाम - कॉर्नेलिस - मोंड्रियन में बदल दिया। कलाकार थियो वैन डूसबर्ग के साथ उन्होंने "नियोप्लास्टिकवाद" आंदोलन की स्थापना की। पीट प्रोग्रामिंग भाषा का नाम मोंड्रियन के नाम पर रखा गया है।
27x127 सेमी
१९४४ वर्ष
कीमत
$40 मिलियन
बिक गया 1998 में
नीलामी पर सूदबी के
20 वीं शताब्दी के सबसे "संगीतमय" कलाकारों ने जल रंग के साथ अपना जीवन यापन किया, हालांकि वे एक नियोप्लास्टिक कलाकार के रूप में प्रसिद्ध हुए। वह 1940 के दशक में संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए और अपना शेष जीवन वहीं बिताया। जैज़ और न्यूयॉर्क ने उन्हें सबसे अधिक प्रेरित किया! पेंटिंग "विजय। बूगी वूगी इसका सबसे अच्छा उदाहरण है। मोंड्रियन की पसंदीदा सामग्री - चिपकने वाली टेप के उपयोग के माध्यम से "हस्ताक्षर" साफ वर्ग प्राप्त किए गए थे। अमेरिका में उन्हें "सबसे प्रसिद्ध अप्रवासी" कहा जाता था। साठ के दशक में, यवेस सेंट लॉरेंट ने एक बड़े रंगीन पिंजरे में प्रिंट के साथ विश्व प्रसिद्ध मोंड्रियन कपड़े जारी किए।
20
"रचना संख्या 5"
लेखक
तुलसीकैंडिंस्की
देश रूस
जीवन के वर्ष 1866–1944
अंदाज हरावल
कलाकार का जन्म मास्को में हुआ था, और उसके पिता साइबेरिया से थे। क्रांति के बाद, उन्होंने सोवियत सरकार के साथ सहयोग करने की कोशिश की, लेकिन जल्द ही महसूस किया कि सर्वहारा वर्ग के कानून उनके लिए नहीं बनाए गए थे, और जर्मनी में आने वाली कठिनाइयों के बिना नहीं।
275x190 सेमी
१९११ वर्ष
कीमत
$40 मिलियन
बिक गया 2007 में
नीलामी पर सूदबी के
कैंडिंस्की ऑब्जेक्ट पेंटिंग को पूरी तरह से छोड़ने वाले पहले लोगों में से एक थे, जिसके लिए उन्हें जीनियस की उपाधि मिली। जर्मनी में नाज़ीवाद के दौरान, उनके चित्रों को "पतित कला" के रूप में वर्गीकृत किया गया था और उन्हें कहीं भी प्रदर्शित नहीं किया गया था। 1939 में, कैंडिंस्की ने फ्रांसीसी नागरिकता स्वीकार कर ली, पेरिस में उन्होंने स्वतंत्र रूप से कलात्मक प्रक्रिया में भाग लिया। उनकी पेंटिंग "ध्वनि" जैसे फ्यूग्स, कई को "रचनाएं" कहा जाता था (पहला 1 9 10 में लिखा गया था, आखिरी - 1 9 3 9 में)। "रचना संख्या 5" इस शैली में प्रमुख कार्यों में से एक है: "शब्द" रचना "मुझे प्रार्थना की तरह लग रहा था," कलाकार ने कहा। कई अनुयायियों के विपरीत, उसने योजना बनाई कि वह एक विशाल कैनवास पर क्या चित्रित करेगा, जैसे कि वह शीट संगीत लिख रहा हो।
21
"नीले रंग में एक महिला का अध्ययन"
लेखक
फर्नांड लेगर
देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1881–1955
अंदाज क्यूबिज़्म-पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म
लेगर ने एक वास्तुशिल्प शिक्षा प्राप्त की और फिर पेरिस में इकोले डेस बीक्स-आर्ट्स में भाग लिया। कलाकार खुद को सीज़ेन का अनुयायी मानता था, क्यूबिज़्म के लिए क्षमाप्रार्थी था, और 20 वीं शताब्दी में वह एक मूर्तिकार के रूप में भी सफल रहा।
96.5x129.5 सेमी
१९१२-१९१३ वर्ष
कीमत
$39.2 मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर सूदबी के
सोथबी में अंतर्राष्ट्रीय प्रभाववाद और आधुनिकतावाद विभाग के अध्यक्ष डेविड नॉर्मन का मानना है कि "द लेडी इन ब्लू" के लिए भुगतान की गई बड़ी राशि पूरी तरह से उचित है। पेंटिंग प्रसिद्ध लेगर संग्रह से संबंधित है (कलाकार ने एक विषय पर तीन चित्रों को चित्रित किया, उनमें से अंतिम आज निजी हाथों में है। - एड।), और कैनवास की सतह को उसके मूल रूप में संरक्षित किया गया है। लेखक ने खुद यह काम गैलरी डेर स्टर्म को दिया, फिर यह आधुनिकता के जर्मन कलेक्टर हरमन लैंग के संग्रह में समाप्त हो गया, और अब एक अज्ञात खरीदार के अंतर्गत आता है।
22
"सड़क का दृश्य। बर्लिन"
लेखक
अर्न्स्ट लुडविगकिर्चेनर
देश जर्मनी
जीवन के वर्ष 1880–1938
अंदाज इक्सप्रेस्सियुनिज़म
जर्मन अभिव्यक्तिवाद के लिए, किर्चनर एक प्रतिष्ठित व्यक्ति बन गए। हालांकि, स्थानीय अधिकारियों ने उन पर "पतित कला" का पालन करने का आरोप लगाया, जिसने उनके चित्रों के भाग्य और कलाकार के जीवन को बुरी तरह प्रभावित किया, जिन्होंने 1938 में आत्महत्या कर ली थी।
95x121 सेमी
१९१३ वर्ष
कीमत
$38,096 मिलियन
बिक गया 2006 में
नीलामी पर क्रिस्टी का
बर्लिन जाने के बाद, Kirchner ने सड़क के दृश्यों के 11 रेखाचित्र बनाए। वह बड़े शहर की हलचल और घबराहट से प्रेरित था। 2006 में न्यूयॉर्क में बेचा गया, कलाकार की चिंता विशेष रूप से तीव्र है: बर्लिन की सड़क पर लोग पक्षियों से मिलते-जुलते हैं - सुंदर और खतरनाक। यह नीलामी में बिकने वाली प्रसिद्ध श्रृंखला की आखिरी कृति थी, बाकी को संग्रहालयों में रखा गया है। 1937 में, नाजियों द्वारा किरचनर के साथ क्रूरता से व्यवहार किया गया: उनके 639 कार्यों को जर्मन दीर्घाओं से हटा दिया गया, नष्ट कर दिया गया या विदेशों में बेचा गया। कलाकार इससे बच नहीं सका।
23
"आराम करनानर्तकी"
लेखक
एडगर देगास
देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1834–1917
अंदाज प्रभाववाद
एक कलाकार के रूप में डेगास का इतिहास तब शुरू हुआ जब उन्होंने लौवर में एक कॉपीिस्ट के रूप में काम किया। उसने "प्रसिद्ध और अज्ञात" बनने का सपना देखा, और अंत में वह सफल हुआ। अपने जीवन के अंत में, बहरे और अंधे, 80 वर्षीय डेगास प्रदर्शनियों और नीलामियों में भाग लेते रहे।
64x59 सेमी
१८७९ वर्ष
कीमत
$37,043 मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर सूदबी के
डेगास ने कहा, "बैलेरिना हमेशा मेरे लिए कपड़ों को चित्रित करने और आंदोलन को पकड़ने का एक बहाना रहा है।" ऐसा लगता है कि नर्तकियों के जीवन के दृश्यों की जासूसी की गई है: लड़कियां कलाकार के लिए पोज नहीं देती हैं, बल्कि डेगास की निगाहों में बसे माहौल का हिस्सा बन जाती हैं। द रेस्टिंग डांसर को 1999 में 28 मिलियन डॉलर में बेचा गया था, और 10 साल से भी कम समय में इसे 37 मिलियन डॉलर में खरीदा गया था - आज यह किसी कलाकार का अब तक का सबसे महंगा काम है जिसे नीलामी के लिए रखा गया है। डेगास ने फ्रेम पर बहुत ध्यान दिया, उन्होंने उन्हें खुद डिजाइन किया और उन्हें बदलने से मना किया। मुझे आश्चर्य है कि बेची गई पेंटिंग पर कौन सा फ्रेम लगाया गया है?
24
"चित्र"
लेखक
जुआन मिरोस
देश स्पेन
जीवन के वर्ष 1893–1983
अंदाज अमूर्त कला
स्पेनिश गृहयुद्ध के दौरान, कलाकार रिपब्लिकन के पक्ष में था। 1937 में, वह फासीवादी शासन से पेरिस भाग गया, जहाँ वह अपने परिवार के साथ गरीबी में रहा। इस अवधि के दौरान, मिरो ने "स्पेन की मदद करें!" चित्र बनाया, जिसने पूरी दुनिया का ध्यान फासीवाद के प्रभुत्व की ओर आकर्षित किया।
89x115 सेमी
१९२७ वर्ष
कीमत
$36,824 मिलियन
बिक गया 2012 में
नीलामी पर सूदबी के
पेंटिंग का दूसरा नाम "ब्लू स्टार" है। कलाकार ने इसे उसी वर्ष लिखा, जब उन्होंने घोषणा की: "मैं पेंटिंग को मारना चाहता हूं" और बेरहमी से कैनवस का मजाक उड़ाया, नाखूनों से पेंट को खरोंचते हुए, पंखों को कैनवास पर चिपका दिया, काम को कचरे से ढक दिया। उनका लक्ष्य पेंटिंग के रहस्य के बारे में मिथकों को दूर करना था, लेकिन इससे मुकाबला करने के बाद, मिरो ने अपना मिथक बनाया - एक असली अमूर्त। उनकी "पेंटिंग" "ड्रीम पिक्चर्स" के चक्र से संबंधित है। नीलामी में चार खरीदार इसके लिए लड़े, लेकिन एक गुप्त फोन कॉल ने विवाद को सुलझा दिया, और "पेंटिंग" कलाकार की सबसे महंगी पेंटिंग बन गई।
25
"नीला गुलाब"
लेखक
यवेस क्लेन
देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1928–1962
अंदाज मोनोक्रोम पेंटिंग
कलाकार का जन्म चित्रकारों के परिवार में हुआ था, लेकिन उन्होंने प्राच्य भाषाओं, नौकायन, फ्रेम के गिल्डर के शिल्प, ज़ेन बौद्ध धर्म और बहुत कुछ का अध्ययन किया। उनका व्यक्तित्व और चुटीली हरकतें मोनोक्रोम पेंटिंग से कई गुना ज्यादा दिलचस्प थीं।
153x199x16 सेमी
१९६० वर्ष
कीमत
$ 36.779 मिलियन
2012 में बेचा गया
क्रिस्टी की नीलामी में
ठोस पीले, नारंगी, गुलाबी कार्यों की पहली प्रदर्शनी ने जनहित को जगाया नहीं। क्लेन ने अपराध किया और अगली बार एक विशेष सिंथेटिक राल के साथ मिश्रित अल्ट्रामरीन के साथ रंगे हुए 11 समान कैनवस प्रस्तुत किए। उन्होंने इस पद्धति का पेटेंट भी कराया। इतिहास में रंग "क्लेन का अंतर्राष्ट्रीय नीला" के रूप में नीचे चला गया। कलाकार ने खालीपन भी बेचा, पेंटिंग बनाई, बारिश में कागज की जगह, गत्ते में आग लगाई, कैनवास पर मानव शरीर के प्रिंट बनाए। एक शब्द में, उन्होंने जितना हो सके उतना अच्छा प्रयोग किया। "ब्लू रोज़" बनाने के लिए मैंने सूखे रंगद्रव्य, रेजिन, कंकड़ और प्राकृतिक स्पंज का इस्तेमाल किया।
26
"मूसा की तलाश में"
लेखक
सर लॉरेंस अल्मा-तदेमा
देश ग्रेट ब्रिटेन
जीवन के वर्ष 1836–1912
अंदाज नियोक्लासिज्म
सर लॉरेंस ने कला कैटलॉग में पहली बार प्रदर्शित होने के लिए, अपने उपनाम में "अल्मा" उपसर्ग जोड़ा। विक्टोरियन इंग्लैंड में, उनके चित्रों की इतनी मांग थी कि कलाकार को नाइटहुड से सम्मानित किया गया।
213.4x136.7 सेमी
१९०२ वर्ष
कीमत
$ 35,922 मिलियन
बिक गया 2011 में
नीलामी पर सूदबी के
अल्मा-तदेमा के काम का मुख्य विषय पुरातनता था। चित्रों में, उन्होंने रोमन साम्राज्य के युग को सबसे छोटे विवरण में चित्रित करने की कोशिश की, इसके लिए वह एपिनेन प्रायद्वीप पर पुरातात्विक खुदाई में भी लगे रहे, और अपने लंदन घर में उन्होंने उन वर्षों के ऐतिहासिक इंटीरियर को पुन: पेश किया। पौराणिक कहानियाँ उनके लिए प्रेरणा का एक अन्य स्रोत बनीं। अपने जीवनकाल में कलाकार की बहुत मांग थी, लेकिन उनकी मृत्यु के बाद उन्हें जल्दी ही भुला दिया गया। अब ब्याज पुनर्जीवित हो रहा है, जैसा कि पेंटिंग "इन सर्च ऑफ मूसा" की लागत से प्रमाणित है, पूर्व-बिक्री अनुमान से सात गुना अधिक है।
27
"एक सोते हुए नग्न अधिकारी का पोर्ट्रेट"
लेखक
लुसियन फ्रायड
देश जर्मनी,
ग्रेट ब्रिटेन
जीवन के वर्ष 1922–2011
अंदाज आलंकारिक पेंटिंग
कलाकार मनोविश्लेषण के जनक सिगमंड फ्रायड के पोते हैं। जर्मनी में फासीवाद की स्थापना के बाद, उनका परिवार ब्रिटेन चला गया। फ्रायड की कृतियाँ लंदन के वैलेस कलेक्शन में हैं, जहाँ पहले किसी समकालीन कलाकार ने प्रदर्शन नहीं किया है।
219.1x151.4 सेमी
१९९५ वर्ष
कीमत
$३३.६ मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर क्रिस्टी का
जबकि २०वीं शताब्दी के फैशनेबल कलाकारों ने सकारात्मक "दीवार पर रंगीन धब्बे" बनाए और उन्हें लाखों में बेचा, फ्रायड ने अत्यंत प्राकृतिक चित्रों को चित्रित किया और उन्हें और भी अधिक महंगा बेचा। "मैं आत्मा की चीख और लुप्त होती मांस की पीड़ा को पकड़ता हूं," उन्होंने कहा। आलोचकों का मानना है कि यह सब सिगमंड फ्रायड की "विरासत" है। चित्रों को इतनी सक्रिय रूप से प्रदर्शित किया गया और सफलतापूर्वक बेचा गया कि विशेषज्ञों को संदेह था: क्या उनके पास कृत्रिम निद्रावस्था का गुण है? नीलामी में बेचा गया "एक सोते हुए नग्न अधिकारी का चित्र", प्रकाशन सन के अनुसार, सौंदर्य और अरबपति रोमन अब्रामोविच के पारखी द्वारा अधिग्रहित किया गया था।
28
"वायलिन और गिटार"
लेखक
एक्सएक ग्रीज़
देश स्पेन
जीवन के वर्ष 1887–1927
अंदाज क्यूबिज्म
मैड्रिड में जन्मे, जहां उन्होंने स्कूल ऑफ आर्ट्स एंड क्राफ्ट्स से स्नातक किया। 1906 में वे पेरिस चले गए और उस युग के सबसे प्रभावशाली कलाकारों के घेरे में प्रवेश किया: पिकासो, मोदिग्लिआनी, ब्रैक, मैटिस, लेगर, ने सर्गेई डायगिलेव और उनकी मंडली के साथ भी काम किया।
5x100 सेमी
१९१३ वर्ष
कीमत
$28.642 मिलियन
बिक गया 2010 वर्ष में
नीलामी पर क्रिस्टी का
ग्रिस, अपने शब्दों में, "सपाट, रंगीन वास्तुकला" में लगे हुए थे। उनके चित्रों को ठीक से सोचा गया है: उन्होंने एक भी आकस्मिक स्ट्रोक नहीं छोड़ा, जो रचनात्मकता को ज्यामिति के समान बनाता है। कलाकार ने क्यूबिज़्म का अपना संस्करण बनाया, हालांकि उन्होंने दिशा के संस्थापक पिता पाब्लो पिकासो का बहुत सम्मान किया। उत्तराधिकारी ने अपना पहला काम क्यूबिज़्म की शैली में "ट्रिब्यूट टू पिकासो" को भी समर्पित किया। पेंटिंग "वायलिन और गिटार" को कलाकार के काम में उत्कृष्ट माना जाता है। अपने जीवनकाल के दौरान, ग्रिस प्रसिद्ध थे, आलोचकों और कला समीक्षकों द्वारा दयालु व्यवहार किया गया। उनके कार्यों को दुनिया के सबसे बड़े संग्रहालयों में प्रदर्शित किया जाता है और निजी संग्रह में रखा जाता है।
29
"पोर्ट्रेटफील्ड्स एलुअर्ड "
लेखक
साल्वाडोर डाली
देश स्पेन
जीवन के वर्ष 1904–1989
अंदाज अतियथार्थवाद
"अतियथार्थवाद मैं हूं," डाली ने कहा जब उन्हें अतियथार्थवादी समूह से निष्कासित कर दिया गया था। समय के साथ, वह सबसे प्रसिद्ध अतियथार्थवादी चित्रकार बन गया। सिर्फ गैलरी में ही नहीं, डाली का काम हर जगह है। उदाहरण के लिए, यह वह था जिसने चुप-चुप के लिए पैकेजिंग का आविष्कार किया था।
25x33 सेमी
१९२९ वर्ष
कीमत
$ 20.6 मिलियन
बिक गया 2011 में
नीलामी पर सूदबी के
1929 में, कवि पॉल एलुअर्ड और उनकी रूसी पत्नी गाला महान उत्तेजक लेखक और विवाद करने वाले डाली से मिलने आए। मुलाकात एक प्रेम कहानी की शुरुआत थी जो आधी सदी से भी ज्यादा समय तक चली। पेंटिंग "पोर्ट्रेट ऑफ पॉल एलुअर्ड" को इस ऐतिहासिक यात्रा के दौरान ही चित्रित किया गया था। "मैंने महसूस किया कि कवि के चेहरे को पकड़ना मेरा कर्तव्य था, जिसके ओलंपस से मैंने एक कस्तूरी का अपहरण कर लिया था," कलाकार ने कहा। गाला से मिलने से पहले, वह एक कुंवारी थी और एक महिला के साथ यौन संबंध बनाने के विचार से घृणा करती थी। प्रेम त्रिकोण एलुअर्ड की मृत्यु तक अस्तित्व में था, जिसके बाद यह दली-गाला युगल बन गया।
30
"वर्षगांठ"
लेखक
मार्क शगाली
देश रूस, फ्रांस
जीवन के वर्ष 1887–1985
अंदाज हरावल
Moishe Segal का जन्म विटेबस्क में हुआ था, लेकिन 1910 में वह पेरिस चले गए, अपना नाम बदल लिया, उस युग के प्रमुख अवंत-गार्डे कलाकारों के करीब हो गए। 1930 के दशक में, जब नाजियों ने सत्ता पर कब्जा कर लिया, तो वह अमेरिकी कौंसल की मदद से संयुक्त राज्य अमेरिका के लिए रवाना हो गए। वह 1948 में ही फ्रांस लौटे।
80x103 सेमी
१९२३ वर्ष
कीमत
$14.85 मिलियन
1990 में बेचा गया
सोथबी की नीलामी में
पेंटिंग "जुबली" को कलाकार के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक माना जाता है। इसमें उनके काम की सभी विशेषताएं शामिल हैं: दुनिया के भौतिक नियम मिट जाते हैं, एक परी कथा की भावना एक परोपकारी जीवन के दृश्यों में संरक्षित होती है, और कथानक के केंद्र में प्रेम होता है। चागल ने लोगों को प्रकृति से नहीं, बल्कि केवल स्मृति या कल्पना से आकर्षित किया। पेंटिंग "जुबली" में कलाकार को अपनी पत्नी बेला के साथ दिखाया गया है। पेंटिंग 1990 में बेची गई थी और तब से इसकी नीलामी नहीं हुई है। दिलचस्प बात यह है कि न्यू यॉर्क में एमओएमए आधुनिक कला संग्रहालय बिल्कुल वही स्टोर करता है, केवल "जन्मदिन" नाम के तहत। वैसे, यह पहले लिखा गया था - 1915 में।
मसौदा तैयार
तातियाना पलासोवा
रेटिंग संकलित
सूची के अनुसार www.art-spb.ru
टीएमएन पत्रिका नंबर 13
(मई-जून 2013)
अगर आपको लगता है कि सभी महान कलाकार अतीत में हैं, तो आपको नहीं पता कि आप कितने गलत हैं। इस लेख में आप हमारे समय के सबसे प्रसिद्ध और प्रतिभाशाली कलाकारों के बारे में जानेंगे। और, मेरा विश्वास करो, उनके कार्य आपकी स्मृति में पिछले युगों के उस्ताद के कार्यों से कम गहरे नहीं होंगे।
वोज्शिएक बब्स्की
वोज्शिएक बब्स्की एक समकालीन पोलिश कलाकार हैं। उन्होंने सिलेसियन पॉलिटेक्निक संस्थान से स्नातक किया, लेकिन खुद को इससे जोड़ा। हाल ही में, वह मुख्य रूप से महिलाओं को चित्रित कर रहा है। भावनाओं की अभिव्यक्ति पर ध्यान केंद्रित करता है, सरल तरीकों से अधिकतम संभव प्रभाव प्राप्त करने का प्रयास करता है।
रंग पसंद है, लेकिन अक्सर बेहतरीन अनुभव के लिए काले और भूरे रंग के रंगों का उपयोग करता है। विभिन्न नई तकनीकों के साथ प्रयोग करने से नहीं डरते। हाल ही में, यह विदेशों में अधिक से अधिक लोकप्रियता प्राप्त कर रहा है, मुख्य रूप से यूके में, जहां यह सफलतापूर्वक अपने कार्यों को बेचता है, जो पहले से ही कई निजी संग्रहों में पाया जा सकता है। कला के अलावा, वह ब्रह्मांड विज्ञान और दर्शनशास्त्र में रुचि रखते हैं। जैज़ सुनता है। वह वर्तमान में कटोविस में रहता है और काम करता है।
वॉरेन चांग
वारेन चांग एक समकालीन अमेरिकी कलाकार हैं। 1957 में जन्मे और कैलिफोर्निया के मोंटेरे में पले-बढ़े, उन्होंने 1981 में पासाडेना में आर्ट सेंटर कॉलेज ऑफ़ डिज़ाइन से स्नातक की उपाधि प्राप्त की और इस क्षेत्र में ललित कला में स्नातक की उपाधि प्राप्त की। अगले दो दशकों तक, उन्होंने 2009 में एक पेशेवर कलाकार के रूप में अपना करियर शुरू करने से पहले कैलिफोर्निया और न्यूयॉर्क में विभिन्न कंपनियों के लिए एक इलस्ट्रेटर के रूप में काम किया।
उनके यथार्थवादी चित्रों को दो मुख्य श्रेणियों में विभाजित किया जा सकता है: जीवनी आंतरिक चित्र और कामकाजी लोगों को चित्रित करने वाले चित्र। पेंटिंग की इस शैली में उनकी रुचि 16 वीं शताब्दी के कलाकार जान वर्मीर के काम में निहित है, और वस्तुओं, स्व-चित्रों, परिवार के सदस्यों, दोस्तों, छात्रों, स्टूडियो, कक्षा और घर के अंदरूनी हिस्सों के चित्रों तक फैली हुई है। उनका लक्ष्य प्रकाश के हेरफेर और मौन रंगों के उपयोग के माध्यम से अपने यथार्थवादी चित्रों में मनोदशा और भावना पैदा करना है।
पारंपरिक दृश्य कलाओं में जाने के बाद चांग प्रसिद्ध हो गए। पिछले 12 वर्षों में, उन्होंने कई पुरस्कार और सम्मान अर्जित किए हैं, जिनमें से सबसे प्रतिष्ठित ऑइल पेंटर्स एसोसिएशन ऑफ अमेरिका से मास्टर सिग्नेचर है, जो संयुक्त राज्य में तेल चित्रकारों का सबसे बड़ा समुदाय है। 50 में से केवल एक व्यक्ति को यह पुरस्कार प्राप्त करने के अवसर से सम्मानित किया जाता है। वॉरेन वर्तमान में मोंटेरे में रहता है और अपने स्टूडियो में काम करता है और सैन फ्रांसिस्को कला अकादमी में पढ़ाता है (एक प्रतिभाशाली शिक्षक के रूप में जाना जाता है)।
ऑरेलियो ब्रुनि
ऑरेलियो ब्रूनी एक इतालवी कलाकार हैं। ब्लेयर में जन्म, १५ अक्टूबर १९५५। स्पोलेटो में कला संस्थान से स्टेज डिजाइन में डिग्री के साथ स्नातक। एक कलाकार के रूप में, वह स्व-सिखाया जाता है, क्योंकि उसने स्कूल में रखी नींव पर स्वतंत्र रूप से "ज्ञान का घर बनाया"। उन्होंने 19 साल की उम्र में तेलों में पेंटिंग करना शुरू कर दिया था। वह वर्तमान में उम्ब्रिया में रहता है और काम करता है।
ब्रूनी की प्रारंभिक पेंटिंग अतियथार्थवाद में निहित है, लेकिन समय के साथ वह गेय रोमांटिकवाद और प्रतीकात्मकता की निकटता पर ध्यान केंद्रित करना शुरू कर देता है, इस संयोजन को परिष्कृत परिष्कार और उसके पात्रों की शुद्धता के साथ बढ़ाता है। एनिमेटेड और निर्जीव वस्तुएं समान गरिमा प्राप्त करती हैं और लगभग अतियथार्थवादी दिखती हैं, लेकिन साथ ही, वे पर्दे के पीछे नहीं छिपती हैं, लेकिन आपको अपनी आत्मा का सार देखने की अनुमति देती हैं। बहुमुखी प्रतिभा और परिष्कार, कामुकता और अकेलापन, विचारशीलता और फलदायीता ऑरेलियो ब्रूनी की आत्मा है, जो कला के वैभव और संगीत के सामंजस्य से पोषित है।
एलेक्ज़ेंडर बालोसी
अलकासंद्र बालोस एक समकालीन पोलिश कलाकार हैं जो तेल चित्रकला में विशेषज्ञता रखते हैं। ग्लिविस, पोलैंड में 1970 में जन्मे, लेकिन 1989 से संयुक्त राज्य अमेरिका में शास्ता, कैलिफोर्निया में रह रहे हैं और काम कर रहे हैं।
एक बच्चे के रूप में, उन्होंने अपने पिता जान, एक स्व-सिखाया कलाकार और मूर्तिकार के मार्गदर्शन में कला का अध्ययन किया, इसलिए, कम उम्र से, कलात्मक गतिविधियों को माता-पिता दोनों का पूरा समर्थन मिला। १९८९ में, अठारह वर्ष की आयु में, बालोस ने संयुक्त राज्य अमेरिका के लिए पोलैंड छोड़ दिया, जहाँ उनके स्कूल शिक्षक और अंशकालिक कलाकार केटी गग्गलियार्डी ने अलकासांद्रा को कला विद्यालय में जाने के लिए प्रोत्साहित किया। बालोस ने तब मिल्वौकी विस्कॉन्सिन विश्वविद्यालय से पूर्ण छात्रवृत्ति प्राप्त की, जहाँ उन्होंने दर्शनशास्त्र के प्रोफेसर हैरी रोसिन के साथ चित्रकला का अध्ययन किया।
1995 में अपनी पढ़ाई पूरी करने और स्नातक की डिग्री हासिल करने के बाद, बालोस स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में अध्ययन करने के लिए शिकागो चले गए, जिसके तरीके जैक्स-लुई डेविड के काम पर आधारित हैं। आलंकारिक यथार्थवाद और चित्रांकन ने 90 के दशक और 2000 के दशक की शुरुआत में बालोस के काम का बड़ा हिस्सा बनाया। आज बालोस मानव आकृति का उपयोग विशिष्टताओं को उजागर करने और मनुष्य की कमियों को दिखाने के लिए करते हैं, जबकि कोई समाधान नहीं देते हैं।
उनके चित्रों की कथानक रचनाओं का उद्देश्य दर्शक द्वारा स्वतंत्र रूप से व्याख्या करना है, तभी कैनवस अपने वास्तविक लौकिक और व्यक्तिपरक अर्थ को प्राप्त करेंगे। 2005 में, कलाकार उत्तरी कैलिफोर्निया चले गए, तब से, उनके काम के दायरे में काफी विस्तार हुआ है और अब पेंटिंग के अधिक मुक्त तरीके शामिल हैं, जिसमें अमूर्तता और विभिन्न मल्टीमीडिया शैलियों शामिल हैं जो पेंटिंग के माध्यम से विचारों और आदर्शों को व्यक्त करने में मदद करते हैं।
एलिसा भिक्षु
एलिसा मोंक्स एक समकालीन अमेरिकी कलाकार हैं। उनका जन्म 1977 में न्यू जर्सी के रिजवुड में हुआ था। वह बचपन से ही पेंटिंग में दिलचस्पी लेने लगी थी। उन्होंने न्यूयॉर्क के न्यू स्कूल और मोंटक्लेयर स्टेट यूनिवर्सिटी में अध्ययन किया और 1999 में बोस्टन कॉलेज से स्नातक की उपाधि प्राप्त की। इसके साथ ही, उन्होंने फ्लोरेंस में लोरेंजो मेडिसी अकादमी में पेंटिंग का अध्ययन किया।
फिर उन्होंने न्यूयॉर्क एकेडमी ऑफ आर्ट में मास्टर डिग्री प्रोग्राम पर अपनी पढ़ाई जारी रखी, फिगरेटिव आर्ट विभाग में, 2001 में स्नातक की उपाधि प्राप्त की। उन्होंने 2006 में फुलर्टन कॉलेज से स्नातक किया। कुछ समय के लिए उन्होंने देश भर के विश्वविद्यालयों और शैक्षणिक संस्थानों में व्याख्यान दिया, न्यूयॉर्क एकेडमी ऑफ आर्ट, साथ ही मोंटक्लेयर स्टेट यूनिवर्सिटी और लाइम एकेडमी ऑफ आर्ट्स कॉलेज में पेंटिंग सिखाई।
“कांच, विनाइल, पानी और भाप जैसे फिल्टर का उपयोग करके, मैं मानव शरीर को विकृत करता हूं। ये फ़िल्टर आपको अमूर्त डिज़ाइन के बड़े क्षेत्र बनाने की अनुमति देते हैं, जिसमें रंग के द्वीप उनके माध्यम से - मानव शरीर के कुछ हिस्सों को देखते हैं।
मेरी पेंटिंग पहले से स्थापित, पारंपरिक मुद्रा और स्नान करने वाली महिलाओं के हावभाव के आधुनिक दृष्टिकोण को बदल देती हैं। वे एक चौकस दर्शक को तैराकी, नृत्य आदि के लाभों के रूप में ऐसी प्रतीत होने वाली आत्म-स्पष्ट चीजों के बारे में बहुत कुछ बता सकते थे। मेरे पात्रों को शावर स्टाल की खिड़की के शीशे के खिलाफ दबाया जाता है, उनके अपने शरीर को विकृत करते हुए, यह महसूस करते हुए कि ऐसा करके वे एक नग्न महिला पर कुख्यात पुरुष को प्रभावित करते हैं। पेंट की मोटी परतों को दूर से कांच, भाप, पानी और मांस की नकल करने के लिए मिश्रित किया जाता है। हालांकि, करीब से, तेल पेंट के अद्भुत भौतिक गुण स्पष्ट हो जाते हैं। पेंट और रंग की परतों के साथ प्रयोग करके, मुझे एक ऐसा क्षण मिलता है जहां अमूर्त स्ट्रोक कुछ और बन जाते हैं।
जब मैंने पहली बार मानव शरीर को चित्रित करना शुरू किया, तो मैं तुरंत मोहित हो गया और यहां तक कि इसके प्रति आसक्त हो गया और मुझे विश्वास हो गया कि मुझे अपने चित्रों को यथासंभव यथार्थवादी बनाना है। मैंने यथार्थवाद को तब तक "स्वीकार" किया जब तक कि यह अपने आप में विरोधाभासों को उजागर और प्रकट नहीं करना शुरू कर दिया। अब मैं पेंटिंग के तरीके की संभावनाओं और संभावनाओं की खोज कर रहा हूं, जहां प्रतिनिधित्वकारी पेंटिंग और अमूर्तता मिलती है - अगर दोनों शैलियों एक ही समय में सह-अस्तित्व में आ सकती हैं, तो मैं करूंगा।
एंटोनियो फिनेलि
इतालवी कलाकार - " समय देखने वाला”- एंटोनियो फिनेली का जन्म 23 फरवरी 1985 को हुआ था। वह वर्तमान में रोम और कैंपोबासो के बीच इटली में रहता है और काम करता है। उनके कार्यों को इटली और विदेशों में कई दीर्घाओं में प्रदर्शित किया गया है: रोम, फ्लोरेंस, नोवारा, जेनोआ, पलेर्मो, इस्तांबुल, अंकारा, न्यूयॉर्क, और वे निजी और सार्वजनिक संग्रह में भी पाए जा सकते हैं।
पेंसिल चित्र " समय देखने वाला"एंटोनियो फिनेली हमें मानव अस्थायीता की आंतरिक दुनिया और इस दुनिया के संबंधित सावधानीपूर्वक विश्लेषण के माध्यम से एक शाश्वत यात्रा पर भेजते हैं, जिसका मुख्य तत्व समय के माध्यम से मार्ग और त्वचा पर बनने वाले निशान हैं।
फिनेली किसी भी उम्र, लिंग और राष्ट्रीयता के लोगों के चित्रों को चित्रित करता है, जिनके चेहरे के भाव समय बीतने की गवाही देते हैं, कलाकार भी अपने पात्रों के शरीर पर समय की क्रूरता के सबूत खोजने की उम्मीद करता है। एंटोनियो अपने कार्यों को एक सामान्य शीर्षक से परिभाषित करता है: "सेल्फ-पोर्ट्रेट", क्योंकि अपने पेंसिल चित्रों में वह न केवल एक व्यक्ति को चित्रित करता है, बल्कि दर्शकों को एक व्यक्ति के अंदर समय बीतने के वास्तविक परिणामों पर विचार करने की अनुमति देता है।
फ्लेमिनिया कार्लोनी
फ्लमिनिया कार्लोनी एक 37 वर्षीय इतालवी कलाकार हैं, जो एक राजनयिक की बेटी हैं। उसके तीन बच्चे हैं। वह रोम में बारह साल, इंग्लैंड और फ्रांस में तीन साल तक रही। बीडी स्कूल ऑफ आर्ट से कला इतिहास में डिग्री प्राप्त की। फिर उसे कला के कार्यों के पुनर्स्थापक के रूप में डिप्लोमा प्राप्त हुआ। अपना व्यवसाय खोजने और खुद को पूरी तरह से पेंटिंग के लिए समर्पित करने से पहले, उन्होंने एक पत्रकार, रंगकर्मी, डिजाइनर और अभिनेत्री के रूप में काम किया।
फ्लमिनिया को बचपन में ही पेंटिंग का शौक हो गया था। उसका मुख्य माध्यम तेल है क्योंकि वह "कॉइफ़र ला पाटे" से प्यार करती है और सामग्री के साथ भी खेलती है। उसने कलाकार पास्कल टोरुआ के कार्यों में एक समान तकनीक सीखी। फ्लैमिनिया महान चित्रकारों जैसे बल्थस, हूपर और फ्रांकोइस लेग्रैंड के साथ-साथ विभिन्न कलात्मक आंदोलनों से प्रेरित है: सड़क कला, चीनी यथार्थवाद, अतियथार्थवाद और पुनर्जागरण यथार्थवाद। उनके पसंदीदा कलाकार कारवागियो हैं। उसका सपना कला की चिकित्सीय शक्ति की खोज करना है।
डेनिस चेर्नोव
डेनिस चेर्नोव एक प्रतिभाशाली यूक्रेनी कलाकार हैं, जिनका जन्म 1978 में समबीर, लविवि क्षेत्र, यूक्रेन में हुआ था। 1998 में खार्कोव आर्ट स्कूल से स्नातक होने के बाद, वह खार्कोव में रहे, जहाँ वे वर्तमान में रहते हैं और काम करते हैं। उन्होंने खार्कोव स्टेट एकेडमी ऑफ डिजाइन एंड आर्ट्स, ग्राफिक्स विभाग में भी अध्ययन किया, 2004 में इससे स्नातक किया।
वह नियमित रूप से कला प्रदर्शनियों में भाग लेता है, इस समय यूक्रेन और विदेशों दोनों में साठ से अधिक हो चुके हैं। डेनिस चेर्नोव के अधिकांश कार्यों को यूक्रेन, रूस, इटली, इंग्लैंड, स्पेन, ग्रीस, फ्रांस, अमेरिका, कनाडा और जापान में निजी संग्रह में रखा जाता है। कुछ काम क्रिस्टी को बेचे गए।
डेनिस ग्राफिक और पेंटिंग तकनीकों की एक विस्तृत श्रृंखला में काम करता है। पेंसिल चित्र उनकी पसंदीदा पेंटिंग विधियों में से एक हैं, उनके पेंसिल चित्र के लिए विषयों की सूची भी बहुत विविध है, वह परिदृश्य, चित्र, जुराब, शैली रचनाएँ, पुस्तक चित्र, साहित्यिक और ऐतिहासिक पुनर्निर्माण और कल्पनाएँ लिखते हैं।
19वीं शताब्दी के मध्य तक, परिदृश्य अमेरिकी चित्रकला की प्रमुख शैली बन गई। हडसन रिवर स्कूल समूह में उस समय के कई कलाकार एकजुट हैं, जिसमें दो पीढ़ियों के 50 से अधिक परिदृश्य चित्रकार शामिल हैं।
उन वर्षों का सबसे प्रसिद्ध अमेरिकी परिदृश्य चित्रकार माना जा सकता है थॉमस कोल (1801-1848),
इंग्लैंड में पैदा हुए और 17 साल की उम्र में अपने माता-पिता के साथ अमेरिका चले गए। उन्होंने एक भटकते कलाकार के साथ पेंटिंग का अध्ययन किया, स्व-शिक्षा दी, देश भर में बहुत यात्रा की, इंग्लैंड और इटली का दौरा किया,
लेकिन वह अमेरिकी प्रकृति को यूरोपीय से कहीं अधिक सुरम्य मानते थे।
कोल के तरीके के सबसे करीब उसका दोस्त था his आशेर डूरंडी(१७९६-१८८६), जिन्होंने एक ग्राफिक कलाकार के रूप में शुरुआत की,
लेकिन अमेरिका के पहाड़ों में एक दोस्त के साथ यात्रा करने के बाद, उन्हें परिदृश्य में दिलचस्पी हो गई, प्रकृति से बहुत कुछ चित्रित किया।
कलाकार ने इस पेंटिंग को एक मृत दोस्त की याद में चित्रित किया था, 2007 में एक नीलामी में इसके लिए 35 मिलियन डॉलर का भुगतान किया गया था।
हडसन रिवर स्कूल में केंद्रीय आंकड़ों में से एक था फ्रेडरिक एडविन चर्च, पहले से ही 18 वर्ष की आयु में, कोल का छात्र बन गया।
वसंत से शरद ऋतु तक उन्होंने देश और दुनिया भर में यात्रा की,
पहले अकेले, और फिर अपने परिवार के साथ, अक्सर पैदल ही, उन्होंने रेखाचित्र बनाए, और सर्दियों में उन्होंने अपने बड़े चमकीले चित्रों को चित्रित किया और उन्हें सफलतापूर्वक बेचा।
अल्बर्ट बिएरस्टेड(1830-1902) ने भी देश भर में और यूरोप भर में बहुत यात्रा की, स्वेच्छा से आल्प्स को चित्रित किया, लेकिन उनका असली प्यार रॉकी पर्वत था,
जंगली पश्चिम, भारतीय।
वह प्रकाश और छाया के प्रभाव का कुशलता से उपयोग करते हुए इस प्रेम को अपने बड़े कैनवस पर व्यक्त करने में कामयाब रहे।
थॉमस मोरानो(१८३६-१९२६), एक बच्चे के रूप में वह इंग्लैंड से अपने माता-पिता के साथ आ गया, एक किशोरी के रूप में उसने एक प्रशिक्षु वुडकार्वर के रूप में काम किया, जल्दी ही परिदृश्य को चित्रित करना शुरू कर दिया।
इंग्लैंड में अध्ययन के दौरान, वे विलियम टर्नर के कार्यों, उनके कैनवस को प्रकाश से भरने की उनकी क्षमता से बहुत प्रभावित थे।
मोरन ने इंग्लैंड के परिदृश्य को चित्रित किया, वेनिस के दृश्य,
लेकिन उनका अधिकांश काम वाइल्ड वेस्ट और उनके प्रिय रॉकी पर्वत के बारे में है। इन स्थानों पर एक शोध अभियान में उनकी भागीदारी और उनके चित्र ने येलोस्टोन को एक राष्ट्रीय उद्यान में बदलने में योगदान दिया।
जॉन फ्रेडरिक केन्सेट(१८१६-१८७२), हडसन रिवर स्कूल की अमेरिकी परिदृश्य पेंटिंग में "ल्यूमिनिज्म" * के प्रतिनिधि। उन्होंने अपनी पहली कला शिक्षा अपने पिता से प्राप्त की, उनकी उत्कीर्णन कार्यशाला में काम किया, लेकिन परिदृश्य को चित्रित करने का सपना देखा।
वह इंग्लैंड जाता है, फिर फ्रांस जाता है, डच और अंग्रेजी लैंडस्केप पेंटिंग की प्रशंसा करता है, इटली की यात्रा करता है।
अमेरिका लौटकर, शुद्ध प्रकाश से भरे शांत परिदृश्यों को चित्रित करना जारी रखा और उत्कृष्ट तरीके से निष्पादित किया, केन्सेट ने कलेक्टरों, सफलता और धन के साथ लोकप्रियता हासिल की।
जॉन एफ फ्रांसिस(१८०८ -1906), एक स्व-सिखाया कलाकार, जिसने एक चित्रकार के रूप में शुरुआत की, अपने स्थिर जीवन के लिए जाना जाता है।
यह पोर्ट्रेट पेंटिंग थी जिसने उनमें छोटे विवरणों में रुचि जगाई, जिसे उन्होंने अपने कार्यों में इतनी सफलतापूर्वक विकसित किया।
फिर भी जीवन उस समय लोकप्रिय था, फ्रांसिस के चित्रों की मांग थी, वह "टेबल" स्टिल लाइफ की शैली में एक अग्रणी कलाकार बन गए, जिसमें फल, नट्स, पनीर, बिस्कुट और अन्य खाद्य पदार्थों का चित्रण किया गया था।
मार्टिन जॉनसन हेडे(१८१९-१९०४), एक स्टोरकीपर के परिवार में पैदा हुआ, एक चित्रकार के रूप में भी शुरू हुआ, हडसन रिवर स्कूल के कलाकारों के साथ मैत्रीपूर्ण संबंध बनाए रखा और रोमांटिक समुद्री दृश्यों को चित्रित किया,
यूरोप भर में यात्रा की, अमेरिकी तटों के साथ यात्रा की। उष्णकटिबंधीय क्षेत्रों से यात्रा करने के बाद, उनके काम के मुख्य विषय फ्लोरिडा के परिदृश्य थे,
उष्णकटिबंधीय पक्षी (केवल चिड़ियों के साथ लगभग 40 पेंटिंग) और फूल, विशेष रूप से मैगनोलिया।
वह अपने जीवनकाल में एक मान्यता प्राप्त और प्रसिद्ध कलाकार नहीं बने, लेकिन आज उनका काम प्रमुख संग्रहालयों में पाया जा सकता है, और कभी-कभी गैरेज और पिस्सू बाजारों में भी।
थॉमस एकिंस(1844-1916), यथार्थवादी दिशा के संस्थापकों में से एक, चित्रकार, ग्राफिक कलाकार, मूर्तिकार, फोटोग्राफर, शिक्षक,
अमेरिका में शहरी जीवन के चित्रण की ओर रुख करने वाले पहले लोगों में से एक। उन्होंने फिलाडेल्फिया में शिक्षा प्राप्त की, इसे पेरिस में जारी रखा, यूरोप की यात्रा की, स्पेनिश यथार्थवादी स्वामी वेलास्केज़ और रिबेरा के कार्यों की प्रशंसा की, रेम्ब्रांट के साथ प्रकाश और छाया का प्रभाव।
यह उनसे था कि उन्होंने नग्न शरीर को गति में चित्रित करना, कार्रवाई का नाटक करना, चित्र में अंधेरे इंटीरियर का विरोध करने के लिए चेहरे और आकृति पर निर्देशित तीव्र प्रकाश का विरोध करना सीखा।
अपने जीवनकाल के दौरान, एकिन्स को ज्यादा पहचान नहीं मिली, लेकिन बाद में वंशजों ने उनकी यथार्थवादी शैली की सराहना की।
विंसलो होमर(१८३८-१९१०), एक उत्कृष्ट अमेरिकी परिदृश्य चित्रकार और उत्कीर्णक जिन्होंने यथार्थवादी शैली में काम किया।
उन्होंने अपनी प्राथमिक कला शिक्षा अपनी माँ से प्राप्त की, जिन्होंने प्रतिभाशाली जलरंगों को चित्रित किया, उनसे उन्हें एक दृढ़-इच्छाशक्ति, मिलनसार चरित्र और हास्य की भावना विरासत में मिली। उनका करियर ग्राफिक्स के साथ शुरू हुआ, 20 साल तक उन्होंने एक इलस्ट्रेटर के रूप में काम किया, गृहयुद्ध के दौरान उन्होंने युद्ध और उसके परिणामों के बारे में रेखाचित्र और चित्र बनाए, जिसके आधार पर उन्होंने बाद में पेंटिंग बनाई।
युद्ध के तुरंत बाद, होमर पेरिस गए, वहां के शहरी जीवन के परिदृश्य और दृश्यों को चित्रित करना जारी रखा, उनका काम बारबिजोन स्कूल के करीब है। यद्यपि वह सक्रिय रूप से अपने चित्रों में प्रकाश के नाटक का उपयोग करता है, प्रभाववादियों की विशेषता, उनके काम पर उनके प्रभाव का कोई सबूत नहीं है, उस समय तक उन्होंने अपनी स्वतंत्र शैली पहले ही विकसित कर ली थी।
वह समुद्री विषयों के अपने चित्रों के लिए सबसे ज्यादा जाने जाते हैं,
ग्रामीण जीवन के दृश्य, और इंग्लैंड की यात्रा से, वह मछली पकड़ने वाले गांवों, समुद्र के दृश्यों और जलरंगों के जीवन के बारे में चित्र लेकर आए।
वह पूरे संयुक्त राज्य और मध्य अमेरिका में बड़े पैमाने पर यात्रा करता है, उष्णकटिबंधीय और बर्फीले परिदृश्य, बच्चों और जानवरों को चित्रित करता है। ऐसा माना जाता है कि होमर उन कलाकारों की पीढ़ी में से एक थे जिन्होंने अपना खुद का अमेरिकी कला विद्यालय बनाया।
जेम्स व्हिस्लर(1834-1903), एक प्रसिद्ध इंजीनियर के परिवार में पैदा हुआ था,
आठ साल की उम्र में, वह अपने माता-पिता के साथ सेंट पीटर्सबर्ग चले गए, जहां उनके पिता को रेलवे प्रशासन में काम करने के लिए आमंत्रित किया गया था। वहां, युवा व्हिस्लर ने पहली बार निजी ड्राइंग सबक लिया, और 11 साल की उम्र में उन्होंने इंपीरियल एकेडमी ऑफ आर्ट्स में प्रवेश किया। कुछ समय के लिए वह अपनी माँ के साथ लंदन में रहे, कला का अध्ययन जारी रखा, पेंटिंग के बारे में किताबें खींचना और इकट्ठा करना जारी रखा।
हैजा से अपने पिता की मृत्यु के बाद, व्हिस्लर परिवार अमेरिका लौट आया, मामूली रूप से रहता था, और उसने वेस्ट प्वाइंट पर सैन्य अकादमी में प्रवेश किया, लेकिन शारीरिक, बाहरी और मानसिक रूप से वह एक सैन्य कैरियर के लिए तैयार नहीं था और उसे निष्कासित कर दिया गया था। फिर उन्होंने दृढ़ता से फैसला किया कि कला उनका भविष्य होगी, नक़्क़ाशी बनाना शुरू किया, पेरिस के लिए रवाना हुए और कभी अपनी मातृभूमि नहीं लौटे। वहाँ व्हिस्लर ने लैटिन क्वार्टर में एक स्टूडियो किराए पर लिया, एक बोहेमियन जीवन व्यतीत किया, धूम्रपान किया और बहुत पिया, लेकिन पैसे कमाने के लिए लौवर में महान स्वामी के चित्रों की प्रतियां भी लिखीं, कला का अध्ययन किया, कोर्टबेट और कोरोट की पूजा की, जापानी ग्राफिक्स की प्रशंसा की। और सामान्य रूप से प्राच्य कला।
लंदन जाने और प्रदर्शनी में सफलतापूर्वक भाग लेने के बाद, व्हिस्लर ने जल्द ही न केवल एक कलाकार के रूप में अपना नाम बनाया, बल्कि अपनी बुद्धि, ड्रेसिंग कौशल और उदारता की बदौलत कलाकारों और लेखकों के बीच कई दोस्त भी बनाए। उन्होंने महान स्वामी और पेंट पेंटिंग के काम का अध्ययन करने के लिए बहुत यात्रा की, 1869 से उन्होंने अपने चित्रों पर एक मोनोग्राम - एक तितली के साथ हस्ताक्षर करना शुरू किया, जिसमें उनके आद्याक्षर शामिल थे।
उनके पसंदीदा रंग ग्रे, ब्लैक और ब्राउन हैं। व्हिस्लर ने "कला के लिए कला" का प्रचार किया, शुद्ध, विचारों से मुक्त, भावनाओं के बजाय कलात्मक भावनाओं को आकर्षित किया, और अक्सर अपने चित्रों को संगीतमय नाम दिए।
ऐसा माना जाता है कि वह अपने चित्रों में मूड में प्रभाववाद के करीब थे, लेकिन रंग और प्रकाश प्रभाव में नहीं।
प्रस्तावित स्लाइड शो में आप उल्लिखित सभी कलाकारों की और भी पेंटिंग्स देख सकते हैं।
अंत में, मैं अपने पसंदीदा विषय - "इंप्रेशनिस्ट्स" पर आया, लेकिन यह अगली बार है। जारी रहती है।
* लुमिनिसिम- अमेरिकी परिदृश्य चित्रकला में एक प्रवृत्ति, प्रकाश की संतृप्ति, हवाई परिप्रेक्ष्य का उपयोग और दृश्य स्ट्रोक को छुपाने की विशेषता है। (
"किताबें मुझे व्यक्तिगत और रचनात्मक संतुष्टि का एक जबरदस्त एहसास देती हैं। जब मैं एक किताब पर काम कर रहा होता हूं, तो मेरी इच्छा होती है कि फोन कभी न बजें। मेरी संतुष्टि कागज पर असली पैरों के निशान से आती है।"
अमेरिकन चिल्ड्रन बुक इलस्ट्रेटर पिंकनी जेरी का जन्म 22 दिसंबर 1939 को जर्मेनटाउन में हुआ था। हाई स्कूल में, ड्राइंग के लिए उनके प्यार और प्रतिभा पर कार्टूनिस्ट जॉन लाइन ने ध्यान दिया, जिन्होंने उन्हें एक कलाकार के रूप में अपना करियर बनाने के लिए प्रोत्साहित किया। डॉबिन्स वोकेशनल स्कूल से स्नातक होने के बाद, पिंकनी को फिलाडेल्फिया म्यूज़ियम कॉलेज ऑफ़ आर्ट में अध्ययन करने के लिए पूरी छात्रवृत्ति मिली। बाद में वह बोस्टन चले गए जहां उन्होंने डिजाइन और चित्रण में काम किया, अंततः अपना खुद का स्टूडियो, जैरी पिंकनी स्टूडियो खोला, और बाद में न्यूयॉर्क चले गए। पिंकनी जेरी अभी भी न्यूयॉर्क में रहती है और काम करती है, अपने रचनात्मक करियर के वर्षों में उन्होंने पूरे देश में विश्वविद्यालय, कला स्कूलों में सेमिनार आयोजित किए हैं।
"मैं दिखाना चाहता था कि इस देश में एक अफ्रीकी अमेरिकी कलाकार दृश्य कला में राष्ट्रीय स्तर पर क्या कर सकता है। मैं अपने परिवार और अन्य अफ्रीकी अमेरिकियों के लिए एक मजबूत रोल मॉडल बनना चाहता हूं।"
