अमूर्तता: परिभाषा, प्रकार और कलाकार। अमूर्त कला! कला में अमूर्तता! अमूर्त चित्रकारी! अमूर्तता! चित्रकला में अमूर्तता की विशेषताएं

"जब त्रिभुज का तेज कोण सर्कल से संबंधित है, तो प्रभाव मिचेलेंगलो की तुलना में कम महत्वपूर्ण नहीं है, जब भगवान की उंगली एडम की उंगली से संबंधित थी," पहली छमाही के अवंत-गार्डी कला के नेता वी। कंदिन्स्की ने कहा XX शताब्दी का।

- दृश्य गतिविधि का एक रूप जो एक दृष्टि से कथित वास्तविकता को प्रदर्शित करने का इरादा नहीं रखता है।
कला में इस दिशा को "फ्री-चेंज" भी कहा जाता है, क्योंकि उनके प्रतिनिधियों ने एक छवि को वास्तविकता के प्रति अनुमानित किया। लैटिन शब्द "अमूर्ततावाद" से अनुवादित "हटाना", "व्याकुलता" का अर्थ है।

वी। कंदिंस्की "रचना VIII" (1 9 23)
कलाकारों-अभूतपूरकतावादियों ने अपने कैनवासों पर दर्शकों से विभिन्न संघों के कारण कुछ रंग संयोजन और ज्यामितीय आकार बनाए। अमूर्तता का उद्देश्य विषय को पहचानने का लक्ष्य नहीं है।

इतिहास अमूर्तता

अमूर्ततावाद के संस्थापक को वसीली कंदिंस्की, काज़िमीर मालिविच, नतालिया गोंचारोव और मिखाइल लारियोन, पीट मोंड्रियन माना जाता है। कंदिंस्की उन लोगों का सबसे निर्णायक और सुसंगत था जो उस समय इस दिशा का प्रतिनिधित्व करते थे।
शोधकर्ताओं का कहना है कि वे कला में अमूर्तता शैली को सही ढंग से नहीं मानते हैं, क्योंकि यह दृश्य कला का एक विशिष्ट रूप है। यह कई दिशाओं में बांटा गया है: ज्यामितीय अमूर्तता, गेक्षा अमूर्तता, गीतात्मक अमूर्तता, विश्लेषणात्मक अमूर्तता, सुप्रीमिज्म, अरानफॉर्मेल, न्यजिज्म इत्यादि। लेकिन संक्षेप में, गंभीर सामान्यीकरण एक अमूर्तता है।

वी। कंदिंस्की "मास्को। लाल चतुर्भुज""
पहले से ही xix शताब्दी के बीच से। चित्रकारी, ग्राफिक्स, मूर्तियां इस तथ्य पर आधारित हैं कि प्रत्यक्ष छवि के लिए पहुंच योग्य। नए दृश्य साधनों की खोज, टाइपिंग के तरीकों, बढ़ी अभिव्यक्ति, सार्वभौमिक प्रतीकों, संपीड़ित प्लास्टिक सूत्र शुरू होते हैं। एक तरफ, इसका उद्देश्य एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया को मैप करना है - इसके भावनात्मक मनोवैज्ञानिक राज्य, दूसरे पर - उद्देश्य दुनिया की दृष्टि को अद्यतन करने पर।

कंदिंस्की की रचनात्मकता एक अकादमिक ड्राइंग और यथार्थवादी परिदृश्य चित्रकला सहित कई चरणों को पास करती है, और केवल तभी रंग और रेखा की मुक्त स्थान में जाती है।

वी। कंदिंस्की "ब्लू हॉर्समैन" (1 9 11)
अमूर्त संरचना आखिरी, आणविक, स्तर है जिस पर पेंटिंग अभी भी चित्रकला बना हुआ है। सार कला व्यक्तिगत होने के लिए सबसे किफायती और महान तरीका है, और साथ ही यह स्वतंत्रता का प्रत्यक्ष अहसास है।

मर्नौ "गार्डन" (1 9 10)
पहली अमूर्त तस्वीर जर्मनी में 1 9 0 9 में वसीली कंदिंस्की द्वारा लिखी गई थी, और एक साल में उन्होंने "आध्यात्मिक में आध्यात्मिक" पुस्तक जारी की, जो बाद में प्रसिद्ध हो गई। इस पुस्तक का आधार कलाकार का प्रतिबिंब था कि बाहरी यादृच्छिक हो सकता है, और किसी व्यक्ति के आंतरिक रूप से आवश्यक, आध्यात्मिक, घटक सार चित्र में पूरा हो सकता है। यह ग्लोबिलिटी एलेना ब्लैवत्स्काया और रूडोल्फ स्टीनर के थियोसोफिकल और मानवोविज्ञान कार्यों से जुड़ी है, जिन्होंने कंदिनस्की का अध्ययन किया। कलाकार रंग, रंगों की बातचीत और मनुष्य पर उनके प्रभाव का वर्णन करता है। "मानसिक पेंट शक्ति ... आध्यात्मिक कंपन का कारण बनता है। उदाहरण के लिए, एक लाल मानसिक कंपन का कारण बन सकता है, जो आग का कारण बनता है, क्योंकि लाल रंग एक ही समय में आग का रंग होता है। गर्म लाल रंग एक रोमांचक तरीके से कार्य करता है; ऐसा रंग दर्दनाक दर्दनाक डिग्री में बढ़ सकता है, बहने वाले रक्त के साथ इसकी समानता के कारण भी हो सकता है। इस मामले में लाल रंग एक और भौतिक कारक की स्मृति को जागृत करता है, जो निश्चित रूप से, दर्दनाक रूप से आत्मा पर कार्य करता है। "

वी। कंदिंस्की "ट्वाइलाइट"
"... बैंगनी रंग को शारीरिक और मानसिक भावना दोनों में लाल ठंडा किया जाता है। इसलिए यह कुछ दर्दनाक, बुझाने का एक चरित्र है, कुछ दुखी है। यह व्यर्थ नहीं है, इस रंग को पुरानी महिलाओं के लिए उपयुक्त माना जाता है। चीनी शोक के लिए सीधे इस रंग को लागू करते हैं। उनकी आवाज अंग्रेजी के सींगों की आवाज़ों, घुड़सवार और उनकी गहराई में समान है - लकड़ी के हवा के उपकरणों के निम्न स्वर (उदाहरण के लिए, एक फगोट) "।

वी। कंदिंस्की "ग्रे ओवल"
"काला रंग आंतरिक रूप से मृत के रूप में अवसर के बिना कुछ भी नहीं लगता है।"
"यह स्पष्ट है कि इन साधारण पेंटों के उपरोक्त सभी उल्लेख केवल अस्थायी और प्राथमिक हैं। वही भावनाएं हैं जिन्हें हम रंगों के संबंध में उल्लेख करते हैं - खुशी, उदासी इत्यादि। ये भावनाएं भी आत्मा के भौतिक राज्य हैं। अधिक सूक्ष्म प्रकृति में रंग, साथ ही संगीत भी होते हैं; वे अधिक सूक्ष्म कंपन का कारण बनते हैं जो मौखिक नोटेशन के लिए उपयुक्त नहीं हैं। "

वी.वी. कंदिंस्की (1866-19 44)

एक उत्कृष्ट रूसी चित्रकार, ग्राफ और ललित कला के सिद्धांतवादी, अमूर्तता के संस्थापकों में से एक।
एक व्यापारी के परिवार में मास्को में पैदा हुए, ओडेसा में एक प्रमुख संगीत और कला शिक्षा प्राप्त हुई, जब परिवार 1871 में वहां चले गए। शानदार ढंग से कानून के संकाय, मॉस्को स्टेट यूनिवर्सिटी से स्नातक की उपाधि प्राप्त की।
18 9 5 में, फ्रेंच इंप्रेशनिस्टों की प्रदर्शनी मास्को में हुई थी। विशेष रूप से क्लाउड मोनेट "सेन के ढेर" की कंदिस्की तस्वीर को मारा - तो 30 साल की उम्र में, वह पूरी तरह पेशे को बदल देता है और एक कलाकार बन जाता है।

वी। कंदिंस्की "पोस्ता लाइफ"
उनकी पहली तस्वीर "पोंटा लाइफ" (1 9 07) है। यह मानव अस्तित्व की एक सामान्यीकृत तस्वीर है, लेकिन यह पहले से ही भविष्य की रचनात्मकता की संभावना है।
18 9 6 में, वह म्यूनिख चले गए, जहां वह जर्मन अभिव्यक्तिवादियों के काम से परिचित हो जाता है। प्रथम विश्व युद्ध की शुरुआत के बाद, यह मास्को लौटता है, लेकिन थोड़ी देर के बाद वह फिर से जर्मनी, और फिर फ्रांस में छोड़ देता है। उन्होंने बहुत यात्रा की, लेकिन समय-समय पर मास्को और ओडेसा लौट आए।
बर्लिन में, वसीली कंदिंस्की ने चित्रकला सिखाया, बोहौज़ स्कूल (हायर स्कूल ऑफ कंस्ट्रक्शन एंड आर्ट डिज़ाइन) का सिद्धांतकर्ता बन गया - जर्मनी में एक शैक्षिक संस्थान, जो 1 9 1 9 से 1 9 33 तक अस्तित्व में था। इस समय, कंदिंस्की को अमूर्त कला के नेताओं में से एक के रूप में विश्वव्यापी मान्यता मिली।
1 9 44 में न्युई-सुर-सेन के पेरिस उपनगर में उनकी मृत्यु हो गई।
चित्रकला में एक कलात्मक दिशा के रूप में अमूर्तता सजातीय घटना नहीं थी - सार कला एकजुट कई धाराओं: विकिरण, ऑर्फ़, सुपरमैटिज्म इत्यादि, जो आप हमारे लेखों से अधिक विस्तार से सीख सकते हैं। XX शताब्दी शुरू करें। - विभिन्न अवंत-गार्डे प्रवाह के तेज़ी से विकास का समय। सार कला बहुत विविध थी, यहां घन उत्सव, निर्माण, अधूरा इत्यादि भी शामिल थे, लेकिन इस कला की भाषा में अभिव्यक्ति के अन्य रूपों की आवश्यकता थी, लेकिन वे बहुत ही पर्यावरण में, आधिकारिक कला के आंकड़ों द्वारा समर्थित नहीं थे अवंत-गार्डे आंदोलन, विरोधाभास अनिवार्य थे। अवंत-गार्डे कला को विरोधी लोगों, आदर्शवादी और व्यावहारिक रूप से वर्जित घोषित किया गया था।
अमूर्तता को फासीवादी जर्मनी में समर्थन नहीं मिला, इसलिए जर्मनी और इटली के अमूर्तता केंद्र अमेरिका में जाते हैं। 1 9 37 में, 1 9 3 9 में करोड़पति गुगेनहेम के परिवार द्वारा स्थापित न्यूयॉर्क में फ्री पेंटिंग का एक संग्रहालय बनाया गया था - समकालीन कला संग्रहालय, रॉकफेलर में बनाया गया।

युद्ध के बाद अमूर्तता

अमेरिका में द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, "न्यूयॉर्क ऑफ न्यूयॉर्क" लोकप्रिय था, जिनके सदस्य सार अभिव्यक्तिवाद डी। पोलॉक, एम रोट्को, बी न्यूमैन, ए गोटलिब के निर्माता थे।

डी। पोलॉक "कीमिया"
इस कलाकार की तस्वीर को देखते हुए, आप समझते हैं: गंभीर कला आसान व्याख्या नहीं छोड़ रही है।

एम रोट्को "शीर्षकहीन"
1 9 5 9 में, सोकोलनिक पार्क में अमेरिकी राष्ट्रीय कला प्रदर्शनी में मास्को में उनके कार्यों का प्रदर्शन किया गया था। रूस (1 9 50 के दशक) में "थॉ" की शुरुआत ने घरेलू अमूर्ततावाद के विकास में एक नया मंच खोला। स्टूडियो "नई वास्तविकता" खोला गया, जिसका केंद्र था एली मिखाइलोविच बेलीटिन।

स्टूडियो बेल्टिना की गर्मियों में, मास्को के पास अब्रामटसेव में था। सामूहिक कार्य पर एक स्थापना थी जिसके लिए भविष्यवादी ने XX शताब्दी की शुरुआत शुरू की थी। "न्यू रियलिटी" संयुक्त मास्को कलाकार जिन्होंने अमूर्तता के निर्माण की विधि पर विभिन्न विचारों का पालन किया। कलाकार एल ग्रिबकोव, वी। जुबरेव, वी। प्रीब्राज़ेन्स्काया, ए सफोकिन स्टूडियो "न्यू रियलिटी" से बाहर आए।

ई। बेलीटिन "मातृत्व"
रूसी अमूर्तता के विकास में नया चरण 1 9 70 के दशक में शुरू होता है। यह मसीह, सुप्रीमिज्म और रचनात्मकता, रूसी अवंत-गार्डे की परंपराओं है। मालविच के चित्रों ने ज्यामितीय रूप, रैखिक संकेत, प्लास्टिक संरचनाओं में रुचि पैदा की। आधुनिक लेखकों ने रूसी दार्शनिकों और धर्मविदों, धर्मविदों, धर्मविदों और रहस्यवादी के कार्यों की खोज की, अविश्वसनीय बौद्धिक स्रोतों में शामिल हो गए, जिन्होंने एम श्वार्टज़मैन, वी। युरलोवा, ई स्टीनबर्ग की रचनात्मकता को भर दिया।
1 9 80 के दशक के मध्य में रूस में अमूर्तता के विकास के अगले चरण का पूरा होना है। एक्सएक्स सदी का अंत मैंने अपरिपक्व कला के एक विशेष "रूसी पथ" को नामित किया। विश्व संस्कृति के विकास के दृष्टिकोण से, 1 9 58 में एक स्टाइलिस्ट दिशा के रूप में abstractionism। लेकिन केवल प्री-द-फ्लेड रूसी समाज में, अमूर्त कला अन्य दिशाओं के बराबर हो गई। कलाकारों को न केवल क्लासिक, बल्कि ज्यामितीय अमूर्तता के रूप में रूपों में व्यक्त करने का अवसर मिला।

आधुनिक अमूर्ततावाद

आधुनिक अमूर्त भाषा अक्सर सफेद हो जाती है। Muscovites एम। Kastalskaya, ए Krasulin, V. Orlova, एल। Pelikha की जगह सफेद (शीर्ष वोल्टेज रंग) की जगह अनंत संभावनाओं से भरा है, जो आध्यात्मिक, और प्रकाश प्रतिबिंब के ऑप्टिकल कानूनों के बारे में उपयोग और आध्यात्मिक विचारों की अनुमति देता है।

एम। महल "नींद खोखला"
समकालीन कला में "अंतरिक्ष" की अवधारणा का अलग अर्थ है। उदाहरण के लिए, एक संकेत स्थान है, एक प्रतीक। प्राचीन पांडुलिपियों की जगह है, जिसकी छवि वी। Gerasimenko की रचनाओं में एक प्रकार का paletmpus बन गया है।

A. Krasulin "मल और अनंत काल"

अमूर्त कला में कुछ धाराएं

ग्रहवाद

एस रोमनोविच "क्रॉस से हटाने" (1 9 50 के दशक)
1 9 10 के दशक की कला में रूसी अवंत-गार्डे की पेंटिंग में दिशा प्रकाश स्पेक्ट्रा और प्रकाश प्रासंगिक के विस्थापन के आधार पर। अमूर्तता की शुरुआती दिशाओं में से एक।
किरणों की रचनात्मकता के दिल में "विभिन्न वस्तुओं की प्रतिबिंबित किरणों के चौराहे" का विचार निहित है, क्योंकि व्यक्ति को वास्तव में विषय को समझता है, लेकिन "प्रकाश स्रोत से आने वाली किरणों का योग विषय से परिलक्षित होता है और हमारे क्षेत्र के क्षेत्र में। " कैनवास पर किरणें रंगीन रेखाओं का उपयोग करके प्रसारित की जाती हैं।
वर्तमान के संस्थापक और सिद्धांतवादी कलाकार मिखाइल लारियोनोव थे। लचवाद में, मिखाइल ले-दांतेई और "ओस्ले टेल" समूह के अन्य कलाकारों ने काम किया।

एस एम रोमनोविच के काम में किरणवाद का विशेष विकास प्राप्त हुआ था, जो विकिरण के रंगीन विचारों ने मूर्तिकला चित्र की रंगीन परत की "स्थानिकता" का आधार बनाया: "चित्रकारी तर्कहीन है। यह एक व्यक्ति की गहराई से आता है, क्योंकि एक वसंत जमीन के नीचे से धड़कता है। इसका कार्य सद्भाव के माध्यम से दृश्यमान दुनिया (वस्तु) का परिवर्तन है, जो सत्य का संकेत है। काम - सद्भाव में लिखने के लिए - शायद वह किसके साथ रहता है - यह मनुष्य का रहस्य है। "

अनाथवाद

XX शताब्दी की शुरुआत की फ्रांसीसी पेंटिंग में दिशा, आर डेलोन, एफ कुपपे, एफ। पिकाबिया, एम दुश्मन द्वारा गठित। नाम 1 9 12 में फ्रांसीसी कवि अपोलिनर द्वारा दिया गया था।

आर डेलॉन "मार्सो फील्ड: रेड टॉवर" (1 911-19 23)
ऑर्फिस्ट कलाकारों ने स्पेक्ट्रम के मूल रंगों और कर्विलिनियर सतहों के अंतःक्रियाओं के इंटरकनेक्टिंग का उपयोग करके ताल की गतिशीलता और ताल की संगीतता को व्यक्त करने की मांग की।
रूसी कलाकार अरिस्टार्हा लेंटुलोव के कार्यों में ऑर्फिज़्मा का प्रभाव, साथ ही अलेक्जेंड्रा एक्स्टर, जॉर्ज याकुलोव और अलेक्जेंडर बोगोमाज़ोव के कार्यों में देखा जा सकता है।

A. Bogomazov "रचना №2"

नियोलास्टिक

इस शैली को वास्तुकला में स्पष्ट आयताकार रूपों (पी। ऑडा की अंतर्राष्ट्रीय शैली ") और बड़े आयताकार विमानों के लेआउट में सार चित्रकला, स्पेक्ट्रम (पी। मोंड्रियन) के मुख्य रंगों में चित्रित किया गया है।

"Mondrianan शैली"

अमूर्त अभिव्यंजनावाद

कलाकारों के स्कूल (आंदोलन), गैर-ज्यामोमेट्रिक स्ट्रोक, बड़े ब्रश का उपयोग करके, बड़े ब्रश, कभी-कभी भावनाओं के अत्यधिक पहचान के लिए कैनवास पेंट्स के साथ टपकते हुए। इस तरह की रचनात्मक विधि वाले कलाकार का उद्देश्य अराजक रूपों में आंतरिक दुनिया (अवचेतन) की सहज अभिव्यक्ति है जो तार्किक सोच से व्यवस्थित नहीं हैं।
1 9 50 के दशक में आंदोलन विशेष रूप से दायरा था, जब डी पोलॉक, एम रोट्को और विलेम डी कुनिंग, सिर पर खड़े थे।

डी। पोलॉक "विभिन्न मास्क के तहत"
अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के रूपों में से एक ताशवाद है, ये दोनों प्रवाह व्यावहारिक रूप से विचारधारा और रचनात्मक विधि पर मेल खाता है, लेकिन कलाकारों की व्यक्तिगत संरचना जिन्होंने खुद को टैशिस्ट या अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के साथ बुलाया है, पूरी तरह से मेल खाता है।

ताशवाद

ए ऑर्लोव "शॉवर में निशान कभी नहीं चंगा"
यह पेंटिंग स्पॉट है जो वास्तविकता की छवियों को फिर से नहीं बनाते हैं, लेकिन कलाकार की बेहोश गतिविधि व्यक्त करते हैं। Tashizm में smears, रेखाएं और दाग एक पूर्व निर्धारित योजना के बिना हाथ के कैनवास त्वरित आंदोलनों पर लागू होते हैं। यूरोपीय समूह "कोबरा" और जापानी समूह "गुट्टाई" ताशवाद के करीब हैं।

ए ऑर्लोव "मौसम" पीआई। शाइकोवस्की

कला के निर्देशों के बीच अमूर्तता एक अपेक्षाकृत युवा है। इसकी उत्पत्ति का वर्ष आधिकारिक तौर पर 1 9 10 के रूप में मान्यता प्राप्त है, जब कलाकार वसीली कंदिंस्की को वॉटरकलर द्वारा लिखित नई तकनीक में पहला कपड़ा प्रदर्शित किया गया था।

अमूर्तता के प्रतिनिधियों ने अपनी उत्कृष्ट कृतियों को सरल और जटिल रूप, रेखाएं, विमान बनाने और रंग के साथ खेलने के लिए आधार के रूप में लिया। वास्तविक वस्तुओं के लिए, अंत में क्या होता है इसका कोई लेना-देना नहीं है। यह एक ऐसा काम है जो व्यक्तित्व की कामुक दुनिया के माध्यम से केवल अवचेतनता के लिए उपलब्ध है।

इस स्टाइलिस्ट में पहले काम के बाद दशकों तक, अमूर्तता में अलग-अलग बदलाव हुए हैं, सक्रिय रूप से अन्य अवंत-गार्डे दिशाओं में पेश किए गए थे।

(कैरोल हेन से अमूर्तता)

अमूर्ततावाद के हिस्से के रूप में, कला के लोगों ने कई चित्र, मूर्तियों, प्रतिष्ठानों को बनाया। अलग-अलग तत्वों का उपयोग किया गया था और आधुनिक परिसर के अंदरूनी हिस्सों में लागू किया जा रहा था।

आज तक, कला में सार ज्यामितीय और गीतात्मक अमूर्तता में बांटा गया है। अमूर्तता की ज्यामितीय दिशा सख्त और स्पष्ट रेखाओं, स्थिर राज्यों द्वारा विशेषता है। गीतात्मक अमूर्तता को एक मुक्त रूप और गतिशीलता का प्रदर्शन, एक दिए गए मास्टर या कलाकार द्वारा विशेषता है।

चित्रकला में अमूर्तता

यह पेंटिंग से है और इसके विकास के उत्साहवाद शुरू किया। कैनवास और पेपर पर, वह रंग और रेखाएं खेलकर दुनिया को प्रकट किया गया, वास्तविक वस्तु में कोई अनुरूप नहीं था।

(... और कैरोल हेन से अधिक समझने योग्य अमूर्तता)

अमूर्ततावाद के उज्ज्वल प्रतिनिधियों को माना जाता है:

• कंदिंस्की;
• मालिविच;
• मोंड्रियन।

बाद में उनके पास बहुत से अनुयायियों थे, जिनमें से प्रत्येक ने अपनी कलात्मक लीप्ट बनाई, एक अमूर्त संरचना बनाने के लिए नई पेंट तकनीकों और नए सिद्धांतों को लागू किया।

(Vasily Vasilyevich Kandinsky "रचना IV")

दिशा के संस्थापक, कैनवास पर अपनी उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण, नए वैज्ञानिक और दार्शनिक सिद्धांतों पर भरोसा करते हैं। उदाहरण के लिए, कंदिंस्की ने अपनी कलात्मक रचनाओं को न्यायसंगत बनाने के लिए, ब्लैवत्स्काया के थियोसोफिकल कार्यों से अपील की। मोंड्रियन नेप्लास्टिक और सक्रिय रूप से स्वच्छ रेखाओं और उनके कार्यों में रंगों का एक प्रतिनिधि था। उनकी पेंटिंग्स को बार-बार पेंटिंग और कला के क्षेत्र के कई प्रतिनिधियों द्वारा कॉपी किया गया था। मालेविच सुप्रीमवाद के सिद्धांत का एक कठिन पालन था। पेंटिंग मास्टर की कला में प्राथमिकता को रंग दिया गया था।

(Kazimir Malevich "ज्यामितीय आंकड़ों की संरचना")

आम तौर पर, चित्रकला में अमूर्तता सामान्य साधारण लोगों के लिए दो तरीकों से थी। एक ऐसे कार्य डेडलॉक माना जाता है, दूसरा - ईमानदारी से उन विचारों की प्रशंसा करता है कि कलाकार अपनी रचनाओं में रखे गए थे।

अमूर्तता के स्टाइलिक्स में रेखाओं, आकारों और रंगों, चित्रों और कला के कार्यों की अराजकता के बावजूद दर्शकों की संरचना द्वारा एक और एकीकृत रूप से माना जाता है।

कला निर्देश abstractionism

अमूर्त-शैली के काम को स्पष्ट रूप से वर्गीकृत करना मुश्किल है, क्योंकि इस दिशा में कई अनुयायी हैं, जिनमें से प्रत्येक ने विकास में अपनी दृष्टि का योगदान दिया है। आम तौर पर, इसे लाइनों या तकनीशियन के प्रावधान के प्रकार से विभाजित किया जा सकता है। आज तक, आवंटित करें:

• रंग अमूर्ततावाद। इन कार्यों के ढांचे के भीतर, कलाकार फूलों और रंगों के साथ खेलते हैं, जो देखने की चेतना की धारणा पर सटीक रूप से कार्यों में ध्यान केंद्रित करते हैं;
• ज्यामितीय अमूर्ततावाद। इस प्रवाह का अपना सख्त विशेषता अंतर है। ये स्पष्ट रेखाएं और रूप हैं, गहराई और रैखिक दृष्टिकोण का भ्रम। इस दिशा के प्रतिनिधि सर्वोच्च, नियोप्लास्टिकवादी हैं;
• अभिव्यक्तिपूर्ण अमूर्तता और ताशवाद। इन शाखाओं में जोर रंग, रूपों और रेखाओं पर नहीं किया जाता है, बल्कि पेंट तकनीक पर, जिसके माध्यम से स्पीकर दिया जाता है, भावनाएं दी जाती हैं और किसी भी प्रारंभिक योजना के बिना काम करने वाले बेहोश कलाकार प्रतिबिंबित होते हैं;
• minimalistic अमूर्ततावाद। यह अवंत-गार्डे के करीब है। इसका सार किसी भी संघ के संदर्भों की अनुपस्थिति के लिए नीचे आता है। रेखा, रूपों और रंगों का संक्षिप्त रूप से और न्यूनतम पर उपयोग किया जाता है।

कला में दिशाओं के रूप में, अमूर्तता का जन्म, पिछली शताब्दी की शुरुआत में पहली शताब्दी में नई कई खोजों से संबंधित परिवर्तनों का परिणाम बन गया, जो मानवता को आगे बढ़ाएं। सब कुछ नया और अभी भी एक ही स्पष्टीकरण और बाहर निकलने की आवश्यकता है, जिसमें कला के माध्यम से शामिल है।

अमूर्तता - चित्रकला में शैली या दिशा। अमूर्ततावाद या अमूर्त शैली यह वास्तविक चीजों और रूपों की छवि से इनकार करता है। अमूर्तता का उद्देश्य मनुष्यों में कुछ भावनाओं और संगठनों को लाने के लिए है। इन उद्देश्यों के लिए, अमूर्त शैली में पेंटिंग रंग, आकार, रेखाएं, दाग और इतने पर सद्भाव को व्यक्त करने की कोशिश कर रही है। छवि के परिधि में मौजूद सभी रूपों और रंग संयोजनों में एक विचार, उनकी अभिव्यक्ति और अर्थपूर्ण भार है। कोई फर्क नहीं पड़ता कि दर्शक को कैसा लग रहा था, उस तस्वीर को देखकर जहां लाइनों और क्लेक्स को छोड़कर कुछ भी नहीं है, अमूर्तता में सबकुछ अभिव्यक्ति के निश्चित नियमों के अधीनस्थ है।

आज तक, अमूर्तता इतनी व्यापक और विविध है कि खुद को कई प्रजातियों, शैलियों और शैलियों में विभाजित किया गया है। प्रत्येक कलाकार या कलाकारों का समूह कुछ बनाने की कोशिश कर रहा है, कुछ खास, जो मनुष्य की भावनाओं और संवेदनाओं तक पहुंचने का सबसे अच्छा तरीका होगा। पहचानने योग्य आंकड़ों और वस्तुओं के उपयोग के बिना इसे प्राप्त करने के लिए बहुत मुश्किल है। इस कारण से, अमूर्ततावादियों के कैनवास जो वास्तव में विशेष भावनाओं का कारण बनते हैं और अमूर्त संरचना की सुंदरता और अभिव्यक्ति को प्रभावित करने के लिए मजबूर होते हैं, महान सम्मान के लायक होते हैं, और कलाकार को पेंटिंग से वास्तविक प्रतिभा माना जाता है।

ऐसा माना जाता है कि अमूर्त पेंटिंग एक महान रूसी कलाकार के साथ आया और विकसित हुआ। उनके अनुयायियों भी थे, जिन्होंने न केवल अमूर्तता के दर्शन की खोज की, बल्कि इस शैली में एक नई दिशा भी विकसित की। अमूर्तता की तकनीक को और भी अधिक "बढ़ाया", पूर्ण मुक्त विश्वसनीयता हासिल की, जिसका नाम - सुप्रसंगवाद था। कोई कम प्रसिद्ध अबस्टाइनर्स स्टील नहीं: पीट मोंड्रियन, मार्क रोट्को, बार्नेट न्यूमैन, एडॉल्फ गोटलिब और कई अन्य।

अमूर्त चित्रकारीजो कला की दुनिया को सचमुच उड़ा दिया, नए युग की शुरुआत का प्रतीक बन गया। इस युग का अर्थ अभिव्यक्ति की पूर्ण स्वतंत्रता पर ढांचे और प्रतिबंधों से एक पूर्ण संक्रमण है। कलाकार अब जुड़ा नहीं है, वह न केवल लोगों, घरेलू और शैली के दृश्यों को लिख सकता है, बल्कि अभिव्यक्ति के किसी भी रूप के लिए विचार, भावनाओं, भावनाओं और उपयोग भी लिख सकता है। एक व्यक्तिगत अनुभव की एक पेंटिंग की तरह अमूर्तता, अभी भी भूमिगत में था। इतिहास में चित्रकला के कई अन्य शैलियों की तरह, उनका उपहास किया गया था और यहां तक \u200b\u200bकि निंदा और सेंसरशिप के अधीन भी किया गया था, क्योंकि कला का कोई अर्थ नहीं है। हालांकि, समय के साथ, अमूर्तता की स्थिति बदल गई है और अब यह कला के अन्य सभी रूपों के बराबर मौजूद है।

वी। कंदिंस्की - कई मंडलियां

वी। कंदिंस्की - संरचना VIII

विलेम डी चालाक - रचना

पिछली शताब्दी में, अमूर्त दिशा कला के इतिहास में वास्तविक सफलता बन गई है, लेकिन काफी प्राकृतिक - एक व्यक्ति हमेशा नए रूपों, संपत्तियों और विचारों की खोज कर रहा है। लेकिन हमारी शताब्दी में, यह कला शैली बहुत सारे प्रश्न का कारण बनती है। अमूर्तता क्या है? चलो इसके बारे में बात करते हैं।

चित्रकला और कला में अमूर्तता

स्टाइल में अमूर्ततावाद कलाकार विषय की व्याख्या करने के लिए रूपों, समोच्च, रेखाओं और रंगों की एक दृश्य भाषा का उपयोग करता है। यह पारंपरिक कला रूपों के साथ विरोधाभास है, जो विषय की अधिक साहित्यिक व्याख्या प्राप्त करता है - "वास्तविकता" संचारित करता है। अमूर्तता क्लासिक दृश्य कला से जितना संभव हो सके छोड़ देता है; वास्तविक जीवन में विषय की दुनिया का प्रतिनिधित्व नहीं करता है।

कला में अमूर्तता पर्यवेक्षक के दिमाग को चुनौती देती है, बस अपनी भावनाओं की तरह - कला के काम का पूरी तरह से आकलन करने के लिए, पर्यवेक्षक को यह समझने की आवश्यकता से छुटकारा पाना चाहिए कि कलाकार कहने की कोशिश कर रहा है, और उसे खुद को प्रतिक्रिया भावना महसूस करना चाहिए। जीवन के सभी पहलू अमूर्ततावाद - विश्वास, भय, जुनून, संगीत या प्रकृति, वैज्ञानिक और गणितीय गणनाओं की प्रतिक्रिया, आदि के माध्यम से व्याख्या के लिए उपयुक्त हैं।

कला में यह दिशा 20 वीं शताब्दी में, क्यूबिज्म, अतियथार्थवाद, दादावाद और अन्य लोगों के साथ हुई, हालांकि सटीक समय अज्ञात है। पेंटिंग में स्टाइल एब्स्ट्रक्शनवाद के मुख्य प्रतिनिधियों, इस तरह के कलाकारों को वसीली कंडिंस्की, रॉबर्ट डेलोन, काजीमिर मालविच, फ्रांटियो कुप्पा और पीट मोंड्रियन मानने के लिए परंपरागत है। हम उनकी रचनात्मकता और महत्वपूर्ण चित्रों के बारे में बात कर रहे हैं।

प्रसिद्ध कलाकारों की तस्वीरें: अमूर्तता

वसीली कंदिंस्की

कंदिंस्की अमूर्त कला के अग्रदूतों में से एक था। उन्होंने इंप्रेशनवाद में अपनी खोज शुरू की, और पहले से ही एक अमूर्तता शैली में आया। अपने काम में, उन्होंने सौंदर्य अनुभव बनाने के लिए रंग और फॉर्म के बीच संबंधों का शोषण किया, जिसमें दर्शकों की दृष्टि और भावनाओं दोनों को शामिल किया जाएगा। उनका मानना \u200b\u200bथा कि पूर्ण अमूर्तता एक गहरी, अनुवांशिक अभिव्यक्ति के लिए जगह देता है, और वास्तविकता की प्रतिलिपि केवल इस प्रक्रिया को रोकती है।

पेंटिंग कंदिंस्की के लिए गहरी आध्यात्मिक थी। उन्होंने अमूर्त रूपों और रंगों की सार्वभौमिक दृश्य भाषा के माध्यम से मानव भावनाओं की गहराई को व्यक्त करने की मांग की, जो भौतिक और सांस्कृतिक सीमाओं से अधिक हो। उसने देखा अमूर्ततावाद एक आदर्श दृश्य व्यवस्था के रूप में, जो कलाकार की "आंतरिक आवश्यकता" व्यक्त कर सकता है और मानव विचारों और भावनाओं को व्यक्त कर सकता है। उन्होंने खुद को एक भविष्यद्वक्ता माना जिसका मिशन समाज के लाभ के लिए इन आदर्शों को दुनिया के साथ साझा करना है।

"रचना IV" (1 9 11)

उज्ज्वल रंगों में छिपे हुए और स्पष्ट काले रेखाएं भाले के साथ कई कोसाक्स, साथ ही साथ नावों, संख्याओं और महल पहाड़ी के शीर्ष पर चित्रित करती हैं। इस अवधि के कई चित्रों में, यह एक अपोकैल्पिक लड़ाई का प्रतिनिधित्व करता है जो शाश्वत दुनिया का कारण बनता है।

पेंटिंग की मुक्त मुक्त शैली के विकास को सुविधाजनक बनाने के लिए, जैसा कि उनके काम "ऑन आध्यात्मिक में" (1 9 12) में वर्णित है, कंडिंस्की ने चित्रमय प्रतीकों को वस्तुओं को कम कर दिया है। बाहरी दुनिया के अधिकांश संदर्भों को हटाने के लिए धन्यवाद, कंडिंस्की ने अपनी दृष्टि को अधिक बहुमुखी तरीके से व्यक्त किया, दृश्य भाषा में इन सभी रूपों के माध्यम से विषय के आध्यात्मिक सार का अनुवाद किया। इनमें से कई प्रतीकात्मक आंकड़े दोहराए गए और बाद में काम में परिष्कृत किए गए, और भी अधिक अमूर्त हो गए।

Kazimir Malevich

कला में फॉर्म और अर्थ के बारे में मालेविच के विचार, एक या दूसरे तरीके से, शैली अमूर्तता के सिद्धांत पर एकाग्रता का कारण बनता है। मालविच ने पेंटिंग में विभिन्न शैलियों के साथ काम किया, लेकिन सबसे अधिक सभी को शुद्ध ज्यामितीय रूपों (वर्गों, त्रिकोण, मंडलियों) के अध्ययन और दृश्य स्थान में एक दूसरे के प्रति उनके दृष्टिकोण पर ध्यान केंद्रित किया गया था।

पश्चिम में अपने संपर्कों के लिए धन्यवाद, मालेविच यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में कलाकारों को चित्रित करने के बारे में अपने विचार व्यक्त करने में सक्षम था, और इस प्रकार समकालीन कला के विकास को गहराई से प्रभावित करता था।

"ब्लैक स्क्वायर" (1 9 15)

पंथ चित्र "ब्लैक स्क्वायर" पहली बार 1 9 15 में पेट्रोग्रैड में प्रदर्शनी में मालिविच द्वारा दिखाया गया था। यह काम मालेविच द्वारा अपने निबंध में मालेविच द्वारा विकसित सुप्रीमिज्म के सैद्धांतिक सिद्धांतों का प्रतीक है "क्यूबिज्म और भविष्यवाद से सुप्रीमिज्म: पेंटिंग में नया यथार्थवाद।"

दर्शक के सामने वेब पर एक काले वर्ग के रूप में एक अमूर्त रूप है - यह संरचना का एकमात्र तत्व है। इस तथ्य के बावजूद कि तस्वीर सरल लगती है, यह ऐसे तत्वों को फिंगरप्रिंट, ब्रश स्ट्रोक, काले रंग की परतों के माध्यम से छीलने के रूप में प्रस्तुत करता है।

मालेविच के लिए, वर्ग भावनाओं को संदर्भित करता है, और सफेद खालीपन है, कुछ भी नहीं। उन्होंने एक ब्लैक स्क्वायर को ईश्वर की तरह उपस्थिति के रूप में देखा, एक आइकन, जैसे कि वह प्रभावशाली कला के लिए एक नया पवित्र तरीका बन सकती है। प्रदर्शनी में भी, यह तस्वीर उस स्थान पर रखी गई थी जहां आइकन आमतौर पर एक रूसी घर में होता है।

पीट मोंड्रियन

पिटा मोंड्रियन, जो डच आंदोलन "डी स्टाइल" के संस्थापकों में से एक है, अपने अमूर्तता और विधिवत अभ्यास की शुद्धता को पहचानता है। उन्होंने अपने चित्रों के तत्वों को वास्तव में सरल रूप से सरल रूप से सरल बना दिया, जिसे उन्होंने देखा, सीधे और मूर्तिकला नहीं देखा, और अपने कैनवस में एक स्पष्ट और सार्वभौमिक सौंदर्य भाषा बनाएँ।

1 9 20 के दशक से अपने सबसे प्रसिद्ध चित्रों में, मोंड्रियन आकार को रेखाओं और आयताकारों को कम कर देता है, और पैलेट सबसे सरल है। असममित संतुलन का उपयोग समकालीन कला के विकास में एक मौलिक बन गया है, और इसकी पंथ अमूर्त कार्य डिजाइन में अपने प्रभाव को बनाए रखते हैं और लोकप्रिय संस्कृति से परिचित हैं।

"ग्रे ट्री" (1 9 12)

"ग्रे ट्री" शैली के लिए मोंड्रियन के शुरुआती संक्रमण का एक उदाहरण है अमूर्ततावाद। केवल ग्रे और काले रंग के रंगों का उपयोग करके त्रि-आयामी पेड़ सबसे सरल रेखाओं और विमानों में कम हो जाता है।

यह तस्वीर एक अधिक यथार्थवादी दृष्टिकोण के साथ बनाए गए मोंड्रियन के कार्यों के कार्यों में से एक है, उदाहरण के लिए, पेड़ों को प्राकृतिक रूप से प्रस्तुत किया जाता है। जबकि बाद के काम तेजी से अमूर्त हो गए, उदाहरण के लिए, पेड़ की रेखा तब तक कम हो जाती है जब तक पेड़ के आकार को लंबवत और क्षैतिज रेखाओं की समग्र संरचना के संबंध में मुश्किल से ध्यान देने योग्य और माध्यमिक नहीं होता है।

यहां आप अभी भी लाइनों के संरचित संगठन के त्याग के लिए मोंड्रियन के हित को देख सकते हैं। यह कदम मोंड्रियाना के शुद्ध अमूर्तता के विकास के लिए महत्वपूर्ण था।

रॉबर्ट डेलोन

डेलोन अमूर्तता के सबसे शुरुआती कलाकारों में से एक था। उनकी रचनात्मकता ने रचनात्मक वोल्टेज के आधार पर इस दिशा के विकास को प्रभावित किया, जो रंगों के विरोध के कारण था। वह जल्दी से नव-प्रभाववादी रंगीन प्रभाव के तहत गिर गया और अमूर्तता की शैली में काम की रंग प्रणाली का बहुत करीब से पालन किया। उन्होंने रंग और प्रकाश को मुख्य उपकरण माना, जिसकी सहायता आप ऑब्जेक्ट ऑब्जेक्ट को प्रभावित कर सकते हैं।

1 9 10 तक, डेलॉन ने कैथेड्रल और एफिल टॉवर को दर्शाते हुए चित्रों की दो श्रृंखलाओं के रूप में क्यूबिज्म में अपना योगदान दिया, जो घन रूपों, आंदोलन गतिशीलता और उज्ज्वल रंगों में शामिल हो गए। रंग सद्भाव का उपयोग करने का यह नया तरीका इस शैली को ऑर्थोडॉक्स क्यूबिज्म से अलग करने में मदद करता है, जिससे अनाथवाद का नाम प्राप्त हुआ, और तुरंत यूरोपीय कलाकारों को प्रभावित किया गया। उसी शैली में, चित्रों ने डेलोन, कलाकार सोन्या टेर्क-डेलोन की पत्नी द्वारा चित्रों को लिखना जारी रखा।

एफिल टॉवर (1 9 11)

डेलोन का मुख्य कार्य एफिल टॉवर - फ्रांस के प्रसिद्ध प्रतीक को समर्पित है। यह 1 9 0 9 और 1 9 11 के बीच एफिल टॉवर को समर्पित ग्यारह पेंटिंग्स की एक श्रृंखला से सबसे प्रभावशाली है। यह एक उज्ज्वल लाल रंग में चित्रित होता है जो तुरंत उसे आसपास के शहर से अलग करता है। प्रभावशाली कैनवास आकार अतिरिक्त रूप से इस इमारत की महानता को बढ़ाता है। एक भूत के रूप में, आसपास के घरों पर टावर टावर, एक लाक्षणिक अर्थ में पुराने आदेश की नींव को हिलाकर रखता है।

डेलोन की तस्वीर असीमित आशावाद, निर्दोषता और समय की ताजगी की इस भावना को व्यक्त करती है, जिसने अभी तक दो विश्व युद्धों को नहीं देखा है।

Frantishek Kupka

Frantishek कप - शैली में czechoslovak कलाकार ड्राइंग अमूर्ततावादप्राग अकादमी ऑफ आर्ट्स से किसने स्नातक किया। एक छात्र के रूप में, वह सबसे पहले, देशभक्ति विषयों पर चित्रित और ऐतिहासिक रचनाओं को लिखा। उनके शुरुआती काम अधिक अकादमिक थे, हालांकि, उनकी शैली वर्षों से विकसित हुई और अंततः अमूर्तता में स्थानांतरित हो गई। एक बहुत यथार्थवादी तरीके से लिखा गया, यहां तक \u200b\u200bकि उनके शुरुआती कार्यों में भी रहस्यमय असली विषयों और प्रतीकों को संरक्षित किया गया है जो संरक्षित करते हैं और जब सार लिखते हैं।

कूप का मानना \u200b\u200bथा कि कलाकार और उनका काम लंबी रचनात्मक गतिविधियों में भाग लेता है, जिसकी प्रकृति पूर्ण रूप से सीमित नहीं है।

"अमोर्फ। दो रंगों में फ्यूगू "(1 9 07-1908)

1 9 07-1908 से शुरू होने पर, चेकआउट ने अपने हाथ में एक कटोरी रखने वाली लड़की के चित्रों की एक श्रृंखला तैयार करना शुरू किया, जैसे कि वह उसके साथ खेलने या नृत्य करने जा रही थी। फिर उसने अधिक से अधिक योजनाबद्ध छवियों का विकास किया, और आखिरकार, पूरी तरह से सार चित्रों की एक श्रृंखला प्राप्त की। वे लाल, नीले, काले और सफेद रंगों के एक सीमित पैलेट में पूरा हो गए थे।

1 9 12 में, शरद ऋतु सैलून में, इन अमूर्त कार्यों में से एक को पहले सार्वजनिक रूप से पेरिस में प्रदर्शित किया गया था।

शैली अमूर्तता इसकी लोकप्रियता और XXI शताब्दी की पेंटिंग में नहीं है - आधुनिक कला के प्रेमियों को अपने घर को उत्कृष्ट कृति के रूप में सजाने के लिए कोई फर्क नहीं पड़ता है, और इस शैली में काम शानदार मात्रा के लिए सभी प्रकार की नीलामियों पर हथौड़ा से दूर उड़ रहा है।

कला में अमूर्तता के बारे में और जानें आपको निम्नलिखित वीडियो में मदद करेगा:

अमूर्तता (लैट) सारिणी। - हटाने, व्याकुलता) या गैर सगाल कला - कला की दिशा, चित्रकला और मूर्तिकला में रूपों की छवि से इनकार कर दिया। अमूर्ततावाद के उद्देश्यों में से एक कुछ रंग संयोजनों और ज्यामितीय रूपों की छवि का उपयोग करके "सामंजस्यीकरण" की उपलब्धि है, जिससे समकालीन में रचना की पूर्णता और समापन की भावना होती है। उत्कृष्ट आंकड़े: वसीली कंदिंस्की, काजीमिर मालेविच, नतालिया गोंचारोव और मिखाइल लारियोनोव, पीट मोंड्रियन।

इतिहास

अमूर्ततावाद (शून्य फॉर्म साइन के तहत कला, असीमित कला) एक कलात्मक दिशा है जो 20 वीं शताब्दी के पहले छमाही की कला में गठित हुई है, पूरी तरह से वास्तविक दृश्यमान दुनिया के रूपों को पुन: उत्पन्न करने से इनकार कर दिया है। अमूर्तता के संस्थापक को वी। कंदिंस्की माना जाता है , पी। मोंड्रियाना तथाके। मालेविच।

वी। कंदिंस्की ने अपनी खुद की अमूर्त चित्रकला बनाई, इंप्रेशनिस्ट्स और "जंगली" के दाग के प्रतिस्थापन के सभी संकेतों से मुक्त। पीट मोंड्रियन ने प्रकृति के ज्यामितीय स्टाइलिज़ेशन के माध्यम से अपनी निःशुल्क के पास आया, जिसे सेज़ेन और कुबिस्टामी द्वारा शुरू किया गया। 20 वीं शताब्दी की आधुनिकतावादी प्रवाह, अमूर्तता पर केंद्रित है, पूरी तरह से पारंपरिक सिद्धांतों से प्रस्थान, यथार्थवाद से इनकार करता है, लेकिन कला के ढांचे के भीतर रहता है। अमूर्ततावाद के आगमन के साथ कला का इतिहास क्रांति से बच गया। लेकिन यह क्रांति मौका से नहीं उभरी, लेकिन काफी स्वाभाविक रूप से, और प्लेटो द्वारा भविष्यवाणी की गई थी! अपने स्वर्गीय काम में, फिलब ने सभी मोन्सेसिस से दृश्यमान विषयों की सभी नकल से स्वतंत्र लाइनों, सतहों और स्थानिक रूपों की सुंदरता के बारे में लिखा था। प्लेटो के अनुसार, प्राकृतिक "गलत" रूपों की सुंदरता के विपरीत, इस तरह की ज्यामितीय सुंदरता, रिश्तेदार, लेकिन बिना शर्त, पूर्ण चरित्र नहीं है।

20 शताब्दी और आधुनिकता

1 विश्व युद्ध के बाद, 1 914-18 अमूर्त कला के रुझान अक्सर दादावाद और अतिसंवेदनशीलता के प्रतिनिधियों द्वारा कुछ कार्यों में प्रकट किए गए थे; साथ ही, वास्तुकला, decorrugated कला, डिजाइन (शैली के समूह के प्रयोग "और" bauhaus ") में निष्क्रिय रूपों के उपयोग को खोजने की इच्छा निर्धारित की गई थी। कई अमूर्त कला समूह ("कंक्रीट आर्ट", 1 9 30; "सर्कल एंड स्क्वायर", 1 9 30; "अमूर्तता और रचनात्मकता", 1 9 31), विभिन्न राष्ट्रीयताओं और प्रवृत्तियों के कलाकारों को एकजुट करते हैं, जो 30 के दशक की शुरुआत में उत्पन्न होते हैं।, फ्रांस में मुख्य। हालांकि, सार कला को व्यापक वितरण नहीं मिला है, और 30 के दशक के मध्य तक। समूह टूट गए। 2 विश्व युद्ध के वर्षों में, संयुक्त राज्य अमेरिका में 1 9 3 9-45 ने तथाकथित सार अभिव्यक्तिवाद (चित्रकारों (चित्रकारों) का एक स्कूल उभरा जे पोलॉक, एम। टोबी एट अल।), जो कई देशों में युद्ध के बाद विकसित हुआ (जिसे ताशवाद या "औपचारिक कला" कहा जाता है) और अपने "शुद्ध मानसिक स्वचालितता" और रचनात्मकता की व्यक्तिपरक अवचेतन आवेग, अप्रत्याशित रंग और पाठ्य संयोजनों की पंथ द्वारा घोषित किया गया।

50 के दशक के दूसरे छमाही में, स्थापना की कला, पॉप आर्ट की उत्पत्ति संयुक्त राज्य अमेरिका में हुई थी, कुछ हद तक प्रसिद्ध एंडी वॉरहोल पोर्ट्रेट्स की अंतहीन प्रतिकृति के साथ मैरिलन मोनरो और कुत्ते के भोजन के डिब्बे - कोलाज अमूर्ततावाद के डिब्बे। 60 के दशक की सचित्र कला में, कम से कम आक्रामक, अमूर्तता का स्थिर रूप - minimalism लोकप्रिय हो गया। एक ही समय पर बार्नेट न्यूमैन, अमेरिकी ज्यामितीय अमूर्तता के संस्थापक, साथ में ए लिबरमैन, ए।तथा के। नोलैंड डच neoplasticism और रूसी suprematism के विचारों के आगे के विकास में सफलतापूर्वक लगे हुए हैं।

अमेरिकी पेंटिंग का एक और कोर्स "क्रोमैटिक" या "पोस्ट-साइबिश" अमूर्ततावाद कहा जाता था। कुछ हद तक प्रतिनिधियों ने Fovisma और postmlyism से बाहर धक्का दिया। हार्ड स्टाइल, तेज रूपरेखा पर जोर दिया ई। सेल्ली, जे। युनघर्मन, एफ। सस्टला धीरे-धीरे एक चिंतनशील उदासीन गोदाम की पेंटिंग से कम। 70 के दशक में - 80 के दशक में, अमेरिकी चित्रकला फिगरता में लौट आई। इसके अलावा, व्यापक प्रसार को फोटोरियलवाद के रूप में इतनी चरम अभिव्यक्ति मिली। अधिकांश कला इतिहासकार इस तथ्य पर अभिसरण करते हैं कि 70 का दशक अमेरिकी कला के लिए सच्चाई का क्षण है, क्योंकि इस अवधि के दौरान इसे अंततः यूरोपीय प्रभाव से मुक्त कर दिया गया था और पूरी तरह से अमेरिकी था। हालांकि, पारंपरिक रूपों और शैलियों की वापसी के बावजूद, पोर्ट्रेट से ऐतिहासिक चित्रकला तक, गायब और अमूर्तता नहीं।

पेंटिंग्स, "वंचित" कला के कार्यों को अभी भी बनाया गया था, क्योंकि संयुक्त राज्य अमेरिका में यथार्थवाद की वापसी को अमूर्तता से नहीं हुआ था, लेकिन इसके कैनोनाइजेशन, लाक्षणिक कला पर प्रतिबंध, जिसे मुख्य रूप से हमारे सामाजिक यथार्थवाद के साथ पहचाना गया था, और इसलिए कला के सामाजिक कार्यों पर "मुक्त डेमोक्रेटिक" सोसाइटी में, "कम" शैलियों पर प्रतिबंध नहीं माना जा सका। साथ ही, अमूर्त पेंटिंग के स्टाइलिस्टिक्स ने कुछ नरमता हासिल की, जिसे उसने पहले नहीं लिया, - मात्रा में व्यवस्थित, समोच्चों की धुंधलापन, हेलफ़ोन की समृद्धि, पतली रंग समाधान ( ई। मुर्रे, सेंट हेफॉन, एल। नदियों, श्री एल। हेस, ए बॉलोड).

इन सभी प्रवृत्तियों ने आधुनिक अमूर्तता के विकास के लिए नींव रखी। रचनात्मकता में कुछ भी जमे हुए नहीं हो सकता है, क्योंकि यह उसके लिए मौत होगी। लेकिन जो भी पथ अमूर्ततावाद हैं, इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि यह कैसे बदल जाता है, इसका सार हमेशा अपरिवर्तित बनी हुई है। यह है कि दृश्य कला में अमूर्तता व्यक्तिगत होने के लिए सबसे किफायती और महान तरीका है, और फॉर्म में, न तो पर्याप्त है - जैसे facsimile छाप। साथ ही, अमूर्तता स्वतंत्रता का प्रत्यक्ष अहसास है।

दिशा-निर्देश

अमूर्तता में, दो स्पष्ट दिशाओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है: मुख्य रूप से अच्छी तरह से परिभाषित कॉन्फ़िगरेशन (मालेविच, मोंड्रियन) पर आधारित ज्यामितीय अमूर्तता, और गीतात्मक अमूर्तता जिसमें गठन मुक्त रूपों (कंडिंस्की) से आयोजित किया जाता है। इसके अलावा अमूर्तता में कई अन्य प्रमुख खर्च हैं।

क्यूबिज्म

दृश्य कला में अवंत-गार्डे दिशा 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में हुई थी और ज्यामितीय आकार के वातानुकूलित रूपों के उपयोग से विशेषता, स्टीरियोमीटर प्राइमेटिव्स के लिए वास्तविक वस्तुओं को "क्रश" करने की इच्छा।

क्षेत्रवाद (किरणों)

प्रकाश स्पेक्ट्रा और प्रकाश प्रासंगिक के प्रतिस्थापन के आधार पर, 1 9 10 के दशक की अमूर्त कला में दिशा। यह "विभिन्न वस्तुओं की प्रतिबिंबित किरणों के चौराहे" से रूपों के उद्भव के विचार से विशेषता है, क्योंकि व्यक्ति वास्तव में विषय नहीं माना जाता है, लेकिन "प्रकाश स्रोत से आने वाली किरणों की मात्रा से परिलक्षित होता है विषय।"

नियोलास्टिक

अमूर्त कला की दिशा का पदनाम, जो 1 917-19 28 में मौजूद था। हॉलैंड और संयुक्त कलाकारों में जो पत्रिका "डी स्टिज़ल" ("शैली") के आसपास समूहबद्ध थे। स्पेक्ट्रम के मुख्य रंगों में चित्रित बड़े आयताकार विमानों के लेआउट में वास्तुकला और सार चित्रकला में स्पष्ट आयताकार रूपों की विशेषता।

अनाथवाद

1910 के दशक की फ्रांसीसी पेंटिंग में दिशा। Orfer कलाकारों ने स्पेक्ट्रम के मूल रंगों और curvilinear सतहों के अंतःक्रियाओं के अंतःक्रियाकरण के "पैटर्न" का उपयोग करके ताल की गतिशीलता और संगीतता की गतिशीलता व्यक्त करने की मांग की।

सुप्रीमवाद

1 9 10 के दशक में स्थापित अवंत-गार्डे कला में दिशा। मालेविच उन्हें सबसे सरल ज्यामितीय रूपरेखा के बहुस्तरीय विमानों के संयोजन में व्यक्त किया गया था। बहु रंगीन ज्यामितीय आंकड़ों का संयोजन आंतरिक आंदोलन से घिरे एक संतुलित असममित सर्वोच्च रचनाओं का निर्माण करता है।

ताशवाद

पश्चिमी यूरोपीय अमूर्ततावाद में 1 9 50-60 के प्रवाह, जो संयुक्त राज्य अमेरिका में सबसे बड़ा वितरण प्राप्त हुआ। यह पेंटिंग स्पॉट है जो वास्तविकता की छवियों को फिर से नहीं बनाते हैं, लेकिन कलाकार की बेहोश गतिविधि व्यक्त करते हैं। Tashizm में smears, रेखाएं और दाग एक पूर्व निर्धारित योजना के बिना हाथ के कैनवास त्वरित आंदोलनों पर लागू होते हैं।

अमूर्त अभिव्यंजनावाद

कलाकारों की आवाजाही, गैर-ज्यामोमेट्रिक स्ट्रोक, बड़े ब्रश, कभी-कभी भावनाओं की अत्यधिक पहचान के लिए, कैनवास को पेंट्स के साथ टपकने के लिए, बड़े ब्रश, कभी-कभी बड़े कैनवस पर ड्राइंग। यहां पेंटिंग की अभिव्यक्तिपूर्ण विधि में अक्सर ड्राइंग के समान मूल्य होता है।

इंटीरियर में असंतोषवाद

हाल ही में, अमूर्तता ने कलाकारों द्वारा एक आरामदायक घर के इंटीरियर में चित्रों के साथ स्थानांतरित करना शुरू किया, इसे नवीनीकृत किया। स्पष्ट रूपों का उपयोग करके minimalistic शैली, कभी-कभी काफी असामान्य, कमरे को असामान्य और दिलचस्प बनाता है। लेकिन यह रंग के साथ इसे अधिक करने के लिए बहुत आसान है। इंटीरियर के ऐसे स्टाइलिस्ट में नारंगी रंग के संयोजन पर विचार करें।

सफेद सबसे अच्छा संतृप्त नारंगी, और इसे कितना ठंडा करता है। नारंगी का रंग कमरा गर्म हो जाता है, इसलिए थोड़ा; रोक नहीं। फोकस फर्नीचर या डिजाइन पर होना चाहिए, उदाहरण के लिए, ऑरेंज बेडस्प्रेड। इस मामले में, सफेद दीवारें रंग की चमक को मफल कर देगी, लेकिन कमरे को रंगीन छोड़ देगी। इस मामले में, एक ही गामा की पेंटिंग्स एक उत्कृष्ट जोड़ के रूप में कार्य करेगी - मुख्य बात यह है कि इसे अधिक नहीं करना है, अन्यथा नींद के साथ समस्याएं होंगी।

नारंगी और नीले रंग के रंगों का संयोजन किसी भी कमरे के लिए लिप्त है, अगर यह नर्सरी की चिंता नहीं करता है। यदि आप उज्ज्वल रंग नहीं चुनते हैं, तो वे एक-दूसरे को सफलतापूर्वक सामंजस्य बनाएंगे, मनोदशाओं को जोड़ देंगे, और यहां तक \u200b\u200bकि अति सक्रिय बच्चों को भी प्रतिकूल रूप से प्रभावित नहीं करेंगे।

नारंगी पूरी तरह से हरे रंग के साथ संयुक्त है, एक मंदारिन पेड़ प्रभाव और एक चॉकलेट टिंट बना रहा है। ब्राउन - रंग, जो गर्म से ठंड से भिन्न होता है, इसलिए कमरे के कुल तापमान को पूरी तरह से सामान्य करता है। इसके अलावा, रंगों का संयोजन रसोई और रहने वाले कमरे के लिए उपयुक्त है, जहां आपको वातावरण बनाने की आवश्यकता है, लेकिन इंटीरियर को अधिभारित न करें। दीवारों को सफेद और चॉकलेट रंगों में रखकर, आप सुरक्षित रूप से एक नारंगी कुर्सी डाल सकते हैं या एक समृद्ध टेंगेरिन के साथ एक उज्ज्वल तस्वीर लटका सकते हैं। जबकि आप इस तरह के कमरे में हैं, आपके पास एक अद्भुत मूड और जितना संभव हो उतना मामलों को बनाने की इच्छा होगी।

प्रसिद्ध अमूर्त कलाकारों की तस्वीरें

कंदिंस्की अमूर्त कला के अग्रदूतों में से एक था। उन्होंने इंप्रेशनवाद में अपनी खोज शुरू की, और पहले से ही एक अमूर्तता शैली में आया। अपने काम में, उन्होंने सौंदर्य अनुभव बनाने के लिए रंग और फॉर्म के बीच संबंधों का शोषण किया, जिसमें दर्शकों की दृष्टि और भावनाओं दोनों को शामिल किया जाएगा। उनका मानना \u200b\u200bथा कि पूर्ण अमूर्तता एक गहरी, अनुवांशिक अभिव्यक्ति के लिए जगह देता है, और वास्तविकता की प्रतिलिपि केवल इस प्रक्रिया को रोकती है।

पेंटिंग कंदिंस्की के लिए गहरी आध्यात्मिक थी। उन्होंने अमूर्त रूपों और रंगों की सार्वभौमिक दृश्य भाषा के माध्यम से मानव भावनाओं की गहराई को व्यक्त करने की मांग की, जो भौतिक और सांस्कृतिक सीमाओं से अधिक हो। उसने देखा अमूर्ततावाद एक आदर्श दृश्य व्यवस्था के रूप में, जो कलाकार की "आंतरिक आवश्यकता" व्यक्त कर सकता है और मानव विचारों और भावनाओं को व्यक्त कर सकता है। उन्होंने खुद को एक भविष्यद्वक्ता माना जिसका मिशन समाज के लाभ के लिए इन आदर्शों को दुनिया के साथ साझा करना है।

उज्ज्वल रंगों में छिपे हुए और स्पष्ट काले रेखाएं भाले के साथ कई कोसाक्स, साथ ही साथ नावों, संख्याओं और महल पहाड़ी के शीर्ष पर चित्रित करती हैं। इस अवधि के कई चित्रों में, यह एक अपोकैल्पिक लड़ाई का प्रतिनिधित्व करता है जो शाश्वत दुनिया का कारण बनता है।

पेंटिंग की मुक्त मुक्त शैली के विकास को सुविधाजनक बनाने के लिए, जैसा कि उनके काम "ऑन आध्यात्मिक में" (1 9 12) में वर्णित है, कंडिंस्की ने चित्रमय प्रतीकों को वस्तुओं को कम कर दिया है। बाहरी दुनिया के अधिकांश संदर्भों को हटाने के लिए धन्यवाद, कंडिंस्की ने अपनी दृष्टि को अधिक बहुमुखी तरीके से व्यक्त किया, दृश्य भाषा में इन सभी रूपों के माध्यम से विषय के आध्यात्मिक सार का अनुवाद किया। इनमें से कई प्रतीकात्मक आंकड़े दोहराए गए और बाद में काम में परिष्कृत किए गए, और भी अधिक अमूर्त हो गए।

Kazimir Malevich

कला में फॉर्म और अर्थ के बारे में मालेविच के विचार, एक या दूसरे तरीके से, शैली अमूर्तता के सिद्धांत पर एकाग्रता का कारण बनता है। मालविच ने पेंटिंग में विभिन्न शैलियों के साथ काम किया, लेकिन सबसे अधिक सभी को शुद्ध ज्यामितीय रूपों (वर्गों, त्रिकोण, मंडलियों) के अध्ययन और दृश्य स्थान में एक दूसरे के प्रति उनके दृष्टिकोण पर ध्यान केंद्रित किया गया था। पश्चिम में अपने संपर्कों के लिए धन्यवाद, मालेविच यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में कलाकारों को चित्रित करने के बारे में अपने विचार व्यक्त करने में सक्षम था, और इस प्रकार समकालीन कला के विकास को गहराई से प्रभावित करता था।

"ब्लैक स्क्वायर" (1 9 15)

पंथ चित्र "ब्लैक स्क्वायर" पहली बार 1 9 15 में पेट्रोग्रैड में प्रदर्शनी में मालिविच द्वारा दिखाया गया था। यह काम मालेविच द्वारा अपने निबंध में मालेविच द्वारा विकसित सुप्रीमिज्म के सैद्धांतिक सिद्धांतों का प्रतीक है "क्यूबिज्म और भविष्यवाद से सुप्रीमिज्म: पेंटिंग में नया यथार्थवाद।"

दर्शक के सामने वेब पर एक काले वर्ग के रूप में एक अमूर्त रूप है - यह संरचना का एकमात्र तत्व है। इस तथ्य के बावजूद कि तस्वीर सरल लगती है, यह ऐसे तत्वों को फिंगरप्रिंट, ब्रश स्ट्रोक, काले रंग की परतों के माध्यम से छीलने के रूप में प्रस्तुत करता है।

मालेविच के लिए, वर्ग भावनाओं को संदर्भित करता है, और सफेद खालीपन है, कुछ भी नहीं। उन्होंने एक ब्लैक स्क्वायर को ईश्वर की तरह उपस्थिति के रूप में देखा, एक आइकन, जैसे कि वह प्रभावशाली कला के लिए एक नया पवित्र तरीका बन सकती है। प्रदर्शनी में भी, यह तस्वीर उस स्थान पर रखी गई थी जहां आइकन आमतौर पर एक रूसी घर में होता है।

पीट मोंड्रियन

पिटा मोंड्रियन, जो डच आंदोलन "डी स्टाइल" के संस्थापकों में से एक है, अपने अमूर्तता और विधिवत अभ्यास की शुद्धता को पहचानता है। उन्होंने अपने चित्रों के तत्वों को वास्तव में सरल रूप से सरल रूप से सरल बना दिया, जिसे उन्होंने देखा, सीधे और मूर्तिकला नहीं देखा, और अपने कैनवस में एक स्पष्ट और सार्वभौमिक सौंदर्य भाषा बनाएँ। 1 9 20 के दशक से अपने सबसे प्रसिद्ध चित्रों में, मोंड्रियन आकार को रेखाओं और आयताकारों को कम कर देता है, और पैलेट सबसे सरल है। असममित संतुलन का उपयोग समकालीन कला के विकास में एक मौलिक बन गया है, और इसकी पंथ अमूर्त कार्य डिजाइन में अपने प्रभाव को बनाए रखते हैं और लोकप्रिय संस्कृति से परिचित हैं।

"ग्रे ट्री" शैली के लिए मोंड्रियन के शुरुआती संक्रमण का एक उदाहरण है अमूर्ततावाद। केवल ग्रे और काले रंग के रंगों का उपयोग करके त्रि-आयामी पेड़ सबसे सरल रेखाओं और विमानों में कम हो जाता है।

यह तस्वीर एक अधिक यथार्थवादी दृष्टिकोण के साथ बनाए गए मोंड्रियन के कार्यों के कार्यों में से एक है, उदाहरण के लिए, पेड़ों को प्राकृतिक रूप से प्रस्तुत किया जाता है। जबकि बाद के काम तेजी से अमूर्त हो गए, उदाहरण के लिए, पेड़ की रेखा तब तक कम हो जाती है जब तक पेड़ के आकार को लंबवत और क्षैतिज रेखाओं की समग्र संरचना के संबंध में मुश्किल से ध्यान देने योग्य और माध्यमिक नहीं होता है। यहां आप अभी भी लाइनों के संरचित संगठन के त्याग के लिए मोंड्रियन के हित को देख सकते हैं। यह कदम मोंड्रियाना के शुद्ध अमूर्तता के विकास के लिए महत्वपूर्ण था।

रॉबर्ट डेलोन

डेलोन अमूर्तता के सबसे शुरुआती कलाकारों में से एक था। उनकी रचनात्मकता ने रचनात्मक वोल्टेज के आधार पर इस दिशा के विकास को प्रभावित किया, जो रंगों के विरोध के कारण था। वह जल्दी से नव-प्रभाववादी रंगीन प्रभाव के तहत गिर गया और अमूर्तता की शैली में काम की रंग प्रणाली का बहुत करीब से पालन किया। उन्होंने रंग और प्रकाश को मुख्य उपकरण माना, जिसकी सहायता आप ऑब्जेक्ट ऑब्जेक्ट को प्रभावित कर सकते हैं।

1 9 10 तक, डेलॉन ने कैथेड्रल और एफिल टॉवर को दर्शाते हुए चित्रों की दो श्रृंखलाओं के रूप में क्यूबिज्म में अपना योगदान दिया, जो घन रूपों, आंदोलन गतिशीलता और उज्ज्वल रंगों में शामिल हो गए। रंग सद्भाव का उपयोग करने का यह नया तरीका इस शैली को ऑर्थोडॉक्स क्यूबिज्म से अलग करने में मदद करता है, जिससे अनाथवाद का नाम प्राप्त हुआ, और तुरंत यूरोपीय कलाकारों को प्रभावित किया गया। उसी शैली में, चित्रों ने डेलोन, कलाकार सोन्या टेर्क-डेलोन की पत्नी द्वारा चित्रों को लिखना जारी रखा।

डेलोन का मुख्य कार्य एफिल टॉवर - फ्रांस के प्रसिद्ध प्रतीक को समर्पित है। यह 1 9 0 9 और 1 9 11 के बीच एफिल टॉवर को समर्पित ग्यारह पेंटिंग्स की एक श्रृंखला से सबसे प्रभावशाली है। यह एक उज्ज्वल लाल रंग में चित्रित होता है जो तुरंत उसे आसपास के शहर से अलग करता है। प्रभावशाली कैनवास आकार अतिरिक्त रूप से इस इमारत की महानता को बढ़ाता है। एक भूत के रूप में, आसपास के घरों पर टावर टावर, एक लाक्षणिक अर्थ में पुराने आदेश की नींव को हिलाकर रखता है। डेलोन की तस्वीर असीमित आशावाद, निर्दोषता और समय की ताजगी की इस भावना को व्यक्त करती है, जिसने अभी तक दो विश्व युद्धों को नहीं देखा है।

Frantishek Kupka

Frantishek कप - शैली में czechoslovak कलाकार ड्राइंग अमूर्ततावादप्राग अकादमी ऑफ आर्ट्स से किसने स्नातक किया। एक छात्र के रूप में, वह सबसे पहले, देशभक्ति विषयों पर चित्रित और ऐतिहासिक रचनाओं को लिखा। उनके शुरुआती काम अधिक अकादमिक थे, हालांकि, उनकी शैली वर्षों से विकसित हुई और अंततः अमूर्तता में स्थानांतरित हो गई। एक बहुत यथार्थवादी तरीके से लिखा गया, यहां तक \u200b\u200bकि उनके शुरुआती कार्यों में भी रहस्यमय असली विषयों और प्रतीकों को संरक्षित किया गया है जो संरक्षित करते हैं और जब सार लिखते हैं। कूप का मानना \u200b\u200bथा कि कलाकार और उनका काम लंबी रचनात्मक गतिविधियों में भाग लेता है, जिसकी प्रकृति पूर्ण रूप से सीमित नहीं है।

"अमोर्फ। दो रंगों में फ्यूगू "(1 9 07-1908)

1 9 07-1908 से शुरू होने पर, चेकआउट ने अपने हाथ में एक कटोरी रखने वाली लड़की के चित्रों की एक श्रृंखला तैयार करना शुरू किया, जैसे कि वह उसके साथ खेलने या नृत्य करने जा रही थी। फिर उसने अधिक से अधिक योजनाबद्ध छवियों का विकास किया, और आखिरकार, पूरी तरह से सार चित्रों की एक श्रृंखला प्राप्त की। वे लाल, नीले, काले और सफेद रंगों के एक सीमित पैलेट में पूरा हो गए थे। 1 9 12 में, शरद ऋतु सैलून में, इन अमूर्त कार्यों में से एक को पहले सार्वजनिक रूप से पेरिस में प्रदर्शित किया गया था।

आधुनिक हार्टस्टास्ट

बीसवीं शताब्दी की शुरुआत के बाद से, पाब्लो पिकासो, साल्वाडोर दली, केसेमिर मालेविच, वसीली कंदिंस्की सहित कलाकार - वस्तुओं और उनकी धारणा के रूपों के साथ प्रयोग, और कला में मौजूदा कैनन पर सवाल उठाते हैं। हमने प्रसिद्ध आधुनिक अबाध कलाकारों का चयन तैयार किया है जिन्होंने अपनी सीमाओं को अपने सीमाओं को धक्का देने और अपनी वास्तविकता बनाने का फैसला किया है।

जर्मन कलाकार डेविड स्केल (डेविड Schnell) उन स्थानों के चारों ओर घूमना पसंद करता है, जिसमें प्रकृति ने शासन किया, और अब वे लोगों की इमारतों के लिए कठोर हैं - खेल के मैदानों से कारखानों और कारखानों तक। इन चलने की यादें और अपने उज्ज्वल सार परिदृश्य को जन्म देती हैं। अपनी कल्पना और स्मृति को देंगे, फोटोग्राफ और वीडियो नहीं, डेविड Schnele चित्रों को बनाता है जो कंप्यूटर वर्चुअल रियलिटी या फिक्शन बुक्स के चित्रों जैसा दिखता है।

एक अमेरिकी कलाकार, उनके बड़े पैमाने पर सार चित्रों का निर्माण क्रिस्टिन बेकर (क्रिस्टिन बेकर) कला के इतिहास और नास्कर और फॉर्मूला की रेसिंग से प्रेरणा खींचता है। नमक वह अपनी कार्य मात्रा देता है, एक्रिलिक पेंट की कई परतों को ओवरलैप करता है और स्कॉच के साथ सिल्हूट करता है। फिर क्रिस्टीन अच्छी तरह से इसे स्क्विंट करता है, जो आपको पेंट की निचली परतों को देखने की अनुमति देता है और एक बहुआयामी बहुआयामी कोलाज के समान अपनी पेंटिंग्स की सतह बनाता है। काम के हालिया चरण में, वह सभी अनियमितताओं को स्क्रैप करती है, जिससे उनके चित्र एक्स-रे पर संवेदनाओं जैसे हैं।

उनके कार्यों में, ब्रुकलिन, न्यूयॉर्क से यूनानी मूल के एक कलाकार, एलेन्ना अनाज (एलेनना एनाग्नोस) रोजमर्रा की जिंदगी के पहलुओं की पड़ताल करता है, जो अक्सर लोगों के दृष्टिकोण से बच जाता है। अपने "कैनवास के साथ संवाद" के दौरान, सामान्य अवधारणाएं नए अर्थ और किनारों को प्राप्त करती हैं: नकारात्मक स्थान सकारात्मक हो जाता है और छोटे रूपों में आकार में वृद्धि होती है। "हमारी तस्वीरों में जीवन" में श्वास लेने की कोशिश कर, मैंने मानव दिमाग को जागृत करने की कोशिश की जो प्रश्न पूछना बंद कर दिया और कुछ नया करने के लिए खुला।

उज्ज्वल छिड़काव और पेंट के लॉज, एक अमेरिकी कलाकार को जन्म देना सारा स्पिटलर(सारा स्पिटलर) अपने काम अराजकता, आपदा, असंतुलन और गड़बड़ी में प्रदर्शित करने की कोशिश करता है। यह इन अवधारणाओं से आकर्षित होता है, क्योंकि वे मानव से नियंत्रित करने के लिए उपयुक्त नहीं हैं। इसलिए, उनकी विध्वंसक बल सारा स्पिटलर शक्तिशाली, ऊर्जावान और रोमांचक के सार कार्यों को बनाता है। इसके अलावा। स्याही, एक्रिलिक पेंट्स, ग्रेफाइट पेंसिल और तामचीनी की परिणामी छवि ईथरिज्म और कैनवास के आसपास क्या हो रहा है की सापेक्षता पर जोर देती है।

वास्तुकला के क्षेत्र से प्रेरणा खींचना, वैंकूवर, कनाडा के कलाकार, जेफ डपनेर। (जेफ डेपर) बहु-स्तरित अमूर्त पैटर्न बनाता है जिसमें ज्यामितीय आकार होते हैं। उनके द्वारा बनाए गए कलात्मक "अराजकता" में, जेफ रंग, आकार और संरचना में सद्भाव की तलाश में है। उनके चित्रों में से प्रत्येक तत्व एक-दूसरे से जुड़ा हुआ है और बाद के लिए जाता है: "मेरा काम चयनित पैलेट में रंगों के बीच संबंधों के माध्यम से संरचना संरचना [चित्र] की जांच कर रहा है ..."। कलाकार के अनुसार, उनकी पेंटिंग्स "अमूर्त संकेत" हैं, जो दर्शकों को एक नए, बेहोश स्तर के लिए स्थगित करनी चाहिए।