Tiberius Silvashi. Tiberius Silvashi: Entertainment در فرهنگ غالب است

هنرمند Tiberius Silvashi به درستی به نام پدرسالار هنر انتزاعی اوکراین نامیده می شود. برای چندین دهه، در یک ردیف، او توانست نه تنها یکی از هنرمندان آمریکایی ترین پس از آن، بلکه یکی از شخصیت های برجسته ای از هنر مدرن اوکراین به طور کلی باقی بماند. Tiberius silvashi نه تنها یک هنرمند نیست، بلکه یک نظریه پرداز جدی از هنر و متفکر است. علیرغم این واقعیت که به عنوان یک هنرمند، او همیشه روایت را ترک می کند، در زندگی سیلوشی یک داستانپرداز شگفت انگیز است. مانند هنر او، داستان های او افق های جدیدی را قبل از شنونده نشان می دهد، آن را به سطوح جدید درک نقاشی انتزاعی برساند. به این معنا، Silvashi یک هادی مطلق تغییر است.

در مورد دستگاه ماتریس از تجسم اوکراین، در مورد چگونگی نقاشی از تصویر متفاوت است، و همچنین از سری های زیبا از سری "کار بر روی کاغذ" Tiberius Silvashi به مجله هنر اوکراین گفت.

Tiberius، گالری "Bottega" به تازگی نمایشگاه شخصی خود را به پایان رساند "کار بر روی کاغذ". لطفا در مورد این پروژه به ما بگویید. اگر من اشتباه نکنم، برخی از آثار قبلا در چارچوب "آرسنال کتاب" این بهار نشان داده شده است؟

بله، در واقع، ما قبلا بخشی از کار را از این نمایشگاه در "کتاب آرسنال" نمایش داده ایم. C Marina Scherbenko ایده ای برای نشان دادن این پروژه در فضای SchecherbenCoarter داشت.

اما در طول زمان، برای من روشن شد که کار باید بر روی دیوارهای سفید نمایش داده شود و ما نمایشگاه را به فضای "Bottegi" منتقل کردیم. من معمولا یک ایده نسبتا روشن از قرار گرفتن در معرض قرار می دهم و فرآیند خود را کوتاه مدت می گذارم. کار آماده، فاصله تنظیم، مکث و تقریبا بدون تغییرات آویزان شده است. با این نمایشگاه، همه چیز اشتباه بود: کل مفهوم قرار گرفتن در معرض ساختمان توسط Passecut سفید یا به جای آن اندازه آنها شکسته شد. فضای سفید بسیار به طور خاص با همه چیزهایی که با تک رنگ و انتزاعی هندسی همراه است، کار می کند: هر عنصر معرفی شده بخشی از کار می شود و ساختار که با آن کار می کنید. بنابراین اینجا آمد.

به عنوان مثال، من می خواستم کار را با بلوک های 4 یا 6 کار برساند. اما معلوم شد که آنها در این مورد بیش از حد در فضا جدا شده اند. و Passecut کاغذ سفید چنین امداد کمی Zigzag را می دهد. سایه ها از کاغذ نیز شروع به کار، ایجاد ریتم اضافی در فضای گالری. در ترکیب با رنگ فعال در این بلوک ها، آنها به سادگی "دیوارهای پاره شده". البته، در موارد خاص، ممکن است با این شکاف بازی کنید. اما پس از آن یک داستان دیگر وجود داشت، بنابراین من مجبور شدم به تغییرات کاردینال بروم و این نمایشگاه را از آثار سیاه و سفید جمع آوری کنم و با مقدار بسیار کمی از رنگ کار کنم.

در حال حاضر به پایان رسید قرار گرفتن در معرض باید حرکت را دوباره انجام دهد. بنابراین پروژه نیز در کار قبلا نشان داده شده در "کتاب آرسنال" ظاهر شد. به عنوان یک نتیجه از حدود 30 اوراق بهادار آماده شده از این سری، حدود 15 در نمایشگاه نمایشگاه "کار بر روی کاغذ" گنجانده شده است.

من تا به حال به طور خاص به پایان رسید و یا تمام کار برای نمایشگاه شما در حال حاضر آماده بود؟

نه، همه چیز آماده بود. من تقریبا به طور مداوم بر روی کاغذ کار می کنم، به موازات با اندازه های بزرگ در میزبان.

به این معناست که "کار بر روی کاغذ" یک پروژه نمایشگاه یک بار نیست، و سری های منظره ای در زمان گسترش یافته است؟

بله حتما. این سری سالها ادامه دارد. من اولین بار در سال 1993 انجام دادم در تولوز من نمی توانم لباس های خود را برای پاک کردن قلم مو، اما در کارگاه، یک کیلو از روزنامه های فرانسوی وجود داشت که من شروع به استفاده از این منظور کردم. و بنابراین، رنگ را مالش دهید، من کشف کردم که این اثر در تعجب جالب است. و این بود، آنچه که "اثر مورد" نامیده می شود، زمانی که شما بدون به دنبال، بدون فکر، به طور خودکار برخی از حرکات را انجام دهید و نتیجه غیر منتظره ای برای خودتان دریافت کنید. خوب، در واقع، این یک "نامه خودکار" پاکیزه ای از سورئالیست ها بود. به طور کلی، به نظر می رسید بسیار جالب بود. و تکنولوژی خود کاملا ساده است، و مکانیسم عملیات مورد. از آن به بعد، من همیشه برای خودم تعدادی از کاغذ یا کارتن را برای کار آماده کردم، جایی که در هر زمان می توانست برخی از ایده هایی را که طی آن کار می کرد، به تعویق انداخت. البته، البته، من سیستم بیانگر را ترک کردم که در آن اولین کارها ساخته شد و به تدریج به کار دقیق تر دست رفت. و مورد کمتر

مطمئنا همان رنگ می تواند به طور کامل بر روی بوم و بر روی کاغذ کار کند. درست است؟

شما می دانید، احتمالا، آن را به چیزهای قبلی اشاره دارد. این تفاوت نیز احساس می شود. در سال های اخیر، این تمایز پاک می شود و تعداد عناصر پلاستیکی به حداقل کاهش یافته است. یکی دیگر از موارد مهم اینجا وجود دارد: رنگ متن را بسته می کند. متن چاپ شده و رنگ اطلاعات و حقایق زندگی روزمره را بسته می کند.

از سری "کار بر روی کاغذ" کار کنید

رنگ به دلیل یکی از پایه های تمام تمرین هنری شما. رنگ واقعا جادویی کار می کند، "سفت کردن" بیننده در داخل کار.

خوب، من امیدوارم ... بله، رنگ یکی از ابزارهای اصلی من است ... شما کاملا درست است، برخی از این موارد متافیزیکی در اینجا بدون شک وجود دارد.

رنگ شما احتمالا حتی بیش از یک رنگ است: این نوعی از "رنگ نور" یا "رنگ نور" است ...

من از طریق یک خط، "رنگ نور" نوشتم. و نکته در اینجا نه تنها در برخی از حضور فیزیکی رنگدانه، مواد، چه رنگ روغن، آبرنگ، درجه حرارت، امولسیون یا اکریلیک یا برخی از مینا صنعتی است. مهمترین چیز این است که تفاوت بین هواپیماها، نسبتا صحبت کردن، رنگ بسته، و هواپیما، رنگ بسته، که باعث افزایش رنگ می شود، آن را به رنگ نور یا رنگ نور تبدیل می کند، همانطور که می خواهید. و در اینجا بسیار مهم است که تفاوت که من همیشه می گویم - تفاوت در تعاریف بین "نقاشان" و هنرمندان. "

پس از همه، شما یک آموزش کلاسیک دارید، شما در دوره تاتیانا Yablonskaya مطالعه کردید ...

بله، من در بخش نقاشی های بنای تاریخی تحصیل کردم و مدرسه دانشگاهی بسیار خوب بود. و اعضای هیئت مدیره برجسته این فرصت را برای سعی کنید مواد مختلف را امتحان کنید، تفاوت بین آنها، مرزهای بیان آنها و البته، با فضا کار می کنند.

علاقه اصلی شما به نقاشی انتزاعی چگونه بود؟

این یک داستان طولانی است، آن را در یک روز آغاز نشد، و شروع به طور کامل از طرف دیگر - با تعریف هدف هنر، مهم برای من. من یک ایده مبهم از آنچه من می خواهم، اما من دقیقا می دانستم که من نمی خواهم انجام دهم و من نخواهم بود. این یک دوره طولانی از نمونه ها بود، رد اشکال که من را ترتیب نیافت، تا زمانی که معلوم شد که طیف وسیعی از سوالاتی که منافع من متمرکز شده بود، بسیار دور از ماهیت نقاشی خود بود. و معلوم شد که این یک دسته از زمان است.

زمان، همراه با رنگ، یکی دیگر از بردارهای کلیدی عمل هنری شما. به این ترتیب، دسته بندی زمان از ابتدای کار شما، از جوانان علاقه مند به شما بود؟

بله، این منافع خود را در حالی که تحصیل کرده بود و در سال های اولیه پس از موسسه، زمانی که من احساس ناراحتی قبل از یک مشکل ناشناخته داشتم، ظاهر شدم. بنابراین، این دسته از زمان، من را به آنچه که انتزاع نامیده می شود، و حتی حتی بیشتر بود. پس از موسسه، آن را قبلا روشن بود که نوشتن هنوز زندگی، مناظر و پرتره من علاقه مند نیست. البته، من این همه را می دانستم، اما من قبلا متوجه شدم که، بدیهی است، چیز دیگری وجود دارد، چیزی "خارج" وجود دارد. به عنوان مثال، اگر مدفوع را بنویسید، به این معنی است که این تصویر باید در چیزی گنجانده شود، نوشته شده است. مهم نیست که فقط یک شی بنویسید، یا برخی از داستان ها را بگویید. باید چیز دیگری باشد

به تدریج این ایده، طرح های بیشتر یا کمتر روشن را به دست آورد. اشکال پلاستیکی نمونه ای از اجرای آن روشن شده است. در سال 78، برنامه Chronorealism برای من در نهایت ثابت شد. معنای او، تقریبا صحبت کرد، این بود که زمان و زمان وجود دارد، همانطور که من آن را تعیین کردم، متافیزیکی. یک لحظه وجود دارد که در آن ما و تجربه آن را به طور ذهنی، بسیار دقیق تصور خود و لحظه ای خود، و زمینه ای که در آن قرار داده شده است. اما در عین حال، توسط ما، چه زمان های متافیزیکی جهان نامیده می شود. در اینجا ترکیبی از این دو دسته زمانی است و علاقه مند به من است. این چگونگی درون من است، شروع به خط شدن می کند، که بعدها به "Chronorealism" به طور مساوی دقیق تر به دست آورد. نمودار که در آن فضای تصویر ساخته شده ساده بود، تقریبا یک تصویر هدرزیستی مربوط به یک قسمت خاص شرح داده شده یا صحنه، و برای فضای زمان متافیزیکی - هواپیما رنگ خالص است. یک رنگ وجود دارد، یک وضعیت خاص مشخص شده وجود دارد، و در عین حال چیزی در خارج از این صحنه وجود دارد، که غیر ممکن است توضیح دهد.

من اعتراف کردم، برای پیاده سازی آن آسان نبود. اگر رک و پوست کنده، پس شاید کار 5-6 از آن دوره بیشتر یا کمتر به آنچه که من در مورد آن صحبت می کنم. مشکل دیگری وجود داشت. پس از همه، لازم بود دو فضایی را در همان هواپیما با جریان های مختلف از زمان متصل کنید، که به نظر من بسیار متصل نبود. ما نیاز به یک عنصر سوم داشتیم که به هیچ یک از فضاها تعلق داشت، اما ارتباط بین آنها را ایجاد می کند. چنین عنصر برای من نامه اتوماتیک گرفته شده از سورئالیست ها بود، چنین پراکندگی پوسیدگی "کشویی" است. معرفی یک عنصر مکانیکی سوم در دو زمان نشده، فضای خاصی را ایجاد کرد، به من اجازه داد تا این کار را برای اتصال زمان ذهنی و متافیزیکی حل کند. چنین "نرم افزار Eclectic". لازم به ذکر است که هنوز هم تا یک تصویر کلاسیک درجه خاصی، با تمام عناصر آن بود. حتی فریم در قالب یک پوشش چوبی خوب وجود داشت، و "جریان افقی زمان" روایت روایت. به طور کلی، یک ایده ساده ساده، اما برای من این یک مرحله مهم بود. و در اینجا در نمایشگاه "هشت هنرمند اوکراینی" در کمیته مرکزی، در مسکو، احساس کردم این موضوع خسته شده است.

من شروع به حرکت در جهت زمان متافیزیکی کردم، و در نتیجه خودم یک انتقال خاص به این واقعیت داشتم که من نقاشی انتزاعی را خواهم خواند، به خصوص از آنجایی که من به مدت طولانی علاقه مند بودم. من به این واقعیت رسیدم که نمی توانم ادامه دهم تا آنچه را که قبلا انجام دادم انجام دهم. و در عین حال، لازم بود ادامه یابد، زیرا من همیشه در برخی پروژه ها شرکت کردم. پیشنهادات از نمایشگاه ها، قرارداد، و در کیف، نمایشگاه در پشت نمایشگاه برگزار شد. به طور کلی، لازم بود که کار کنیم. اما قبلا روشن بود که من یک مرحله کاملا متفاوت داشتم.

بازسازی آغاز شد، من دبیر کل شاخه کیف از اتحادیه ملی هنرمندان را انتخاب کردم تا با هنرمندان جوان کار کنم. من رفتم تا با سرم کار کنم مقدار زیادی از کار سازمانی وجود داشت و معلوم شد که برای دو سال من تقریبا به عنوان یک هنرمند کار نمی کردم. بنابراین، من دو بار به جلو رفتم: آنچه که باید در سال 86-87 شروع شد، نزدیک به 89-90 بود. اما این شکست باعث شد تا بسیاری از چیزها را به روش خاصی درک کند.

نمایشگاه های جوانان وجود داشت، روزانه Plenii، بسیاری از کارهای جالب وجود داشت. انرژی باور نکردنی این تغییر همه را نفوذ کرد. نمایشگاه "جوانان" سال 1987 بسیار تعیین شد. این آنجا بود (و پس از آن برای اولین بار یک نمایشگاه جوانان مجاز بود)، هسته آینده "دیزی ها" شکل گرفت. در طول نمایشگاه، ما آدرس ها و شماره تلفن را از بچه ها گرفتیم، لیست های تشکیل شده برای آینده را تشکیل دادیم. واضح بود که آنها باید برای همکاری جمع آوری شوند. این است که چگونه ایده یک گروه جداگانه متولد شد.

از سری "کار بر روی کاغذ" کار کنید

این، در واقع، این یک تابع ارجاع بود؟

بله، احتمالا این اولین پروژه مربی بود. Sasha Solovyov افتتاح ارتباط با هنرمندان، او تمام گوشی های لازم و آدرس را به دست آورد. ما یک لیست نسبتا بزرگ از هنرمندان را تشکیل داده ایم که ما آن را برنامه ریزی کردیم. این 87 سال بود، و در بهار 88th برای اولین نیمه دوم برنامه ریزی شده بود.

شما درست است، واقعا یک پروژه مؤثر کامل بود، زیرا لازم بود جمع آوری مردم، تشکیل یک برنامه، برای ایجاد یک نمایشگاه در نتایج Plenier - به طور کلی، طیف گسترده ای از توابع ارجاع.

یکی دیگر از توابع من در تنوع Sekuer بود که با هنرمندان در مورد کار خود صحبت کرد. هر روز من در اطراف تمام کارگاه های آموزشی رفتم و با هنرمندان ارتباط برقرار کردم، "پیشرفت" به هر یک از آنها چیزی که می تواند در کار خود کمک کند. من مجبور شدم یاد بگیرم که "سوئیچ" را تغییر دهم، از یک کارگاه دیگر به سمت دیگر حرکت کردم - من آن را "تقلید پلاستیکی" نامیدم، زیرا همیشه سعی کردم در پلاستیک هر یک از نویسندگان شرکت کنم، و درک آنچه که او می خواهد بگوید و چگونگی کمکش کن. البته هر کس، البته، به دلیل اینکه بخشی از بچه ها با یک سیستم پلاستیکی مطلقا تشکیل شده و مهارت اجرای آن بود. جالب بود که از آنها یاد بگیرند.

اولین اسارت روزانه به یک پیشرفت در تمام حواس تبدیل شده است.

در روز اول، چنین فضای باور نکردنی از دوستی سلطنت کرد، وحدت که، در نهایت، هنرمندان نمی خواستند بخشی از کار خود را به کار خود ادامه دهند. بنابراین من یک جلسه کوچک از آنجا دارم (نشان می دهد یکی از دیوارهای کارگاه - تقریبا. نویسنده).

من هنوز هم معتقدم که نتیجه اصلی اولین Plenager این بود که او گروهی از نویسندگان را جمع آوری کرد و حتی چیزی را که یک برنامه خاص به دست آورد، جمع آوری کرد، اما این واقعیت که هنرمندان خود را به عنوان یک نسل درک کردند. آنها سپس نیاز فوق العاده ای را برای یکدیگر احساس کردند. جایی در وسط ورود به کیف، شایعاتی بود که "چیزی در آنجا انجام می شود"، زیارت آغاز شد، بچه ها از سراسر اوکراین آمده بودند. کسی به آخر هفته آمد، بعضی ها برای مدت طولانی باقی مانده اند. تاج این داستان، ورود کمیسیون جوانان مسکو بود. ناگهان تماس از اتحادیه هنرمندان: "آماده شدن برای رفتن به کمیسیون مسکو!" و من، البته این افراد را می شناختم و می دانستند که در مسکو و سنجا (پایه خلاقانه در نزدیکی مسکو)، هرگز به هیچ وجه نمی روند. سپس پاییز یک نمایشگاه جوانان در مسکو بود، در Manege و نمایشگاه هنگامی که رای گیری در کار ما بود، دست نیافت. و قبل از آن یک نمایشگاه در خانه هنرمند در کیف وجود داشت. بخش ایدئولوژیک کمیته مرکزی "ما را" و از صحنه در بحث، و در مطبوعات پردازش کرد. اما پس از آن همه چیز به 91 سالگی حرکت کرد و هیچکس نمی توانست از ما جلوگیری کند.

پس از Sedneva دوم، ما فرصتی برای ایجاد یک نمایشگاه در موزه ملی داده شد. این به رسمیت شناختن بود که روز یک پدیده بود. یک نمایش بزرگ در ناتزوزا وجود داشت که ما سه اتاق را در طبقه دوم قرار دادیم. مهم بود زیرا آثار بسیار بزرگ بود، فقط بزرگ بود. سپس گفتم که اگر شما یک بوم تمیز 1.5 x 1.5 متر بر روی دیوار آویزانید، این فقط یک بوم سفید خالص خواهد بود. اگر شما یک بوم خالص پنج متر را مصرف کنید، این مفهوم است (خنده - تقریبا نویسنده). بوم این اندازه در حال حاضر به لحاظ مونولوژی کار می کند. این یک آزمایش بسیار مهم در ارتباط با اندازه های نقاشی در نحوه کار آن بود. و البته، انرژی در چنین بوم قدرتمند است. بله، و بچه ها به طور مولد کار می کردند - به عنوان مثال، اولگ Golosii یا پاشا کرایشی می تواند 2-3 بوم بزرگ در هر شب انجام دهد. پس از ظهور دوم، یک شکست خاص رخ داد. چیزی اشتباه بود، هر کس شروع به تکرار کرد. این احساس بود که همه چیز متوقف شد و بیشتر حرکت نکرد. ما تصمیم گرفتیم تا سال 90 را از بین ببریم و نیمه دوم سوم در حال حاضر در 91 سالگی صرف شده است.

بازگشت به عمل هنری شخصی شما. هنگامی که پس از شکستن آن را از سر گرفتید؟

این سال 89 بود. با گذشت زمان من آماده بودم تا به کار فعال بازگردم. اما یک عبارت وجود داشت، فشار دادن من به انجام این کار بدون تاخیر. یکی از منتقدان مقاله ای در مورد دیزه ها نوشت، به نظر می رسد برخی از مجله لهستان، و در مواد آن اشاره به "سازنده اسیر تیبریوس سیلوشی" وجود دارد. می بینید، من یک هنرمند نبودم، بلکه "برگزار کننده" بود؟! روز بعد من در کارگاه بودم.

خوب، البته، این بار "مکث" زمان درک مشکلات مهم برای من بود. علاوه بر این، من به هنرمندان نگاه کردم که ایده های نزدیک به من را به اشتراک گذاشتند و به دلیل هدیه آنها نزدیک به من بودند. سپس من آنها را در یک گروه جداگانه برجسته کردم، فقط به سادگی در همدردی و دوستی دوستانه، بدون برخی از اهداف خاص.

بدیهی است، شما در مورد "ذخایر زیبا" صحبت می کنید. از توضیحات شما این است که او همچنین یک پروژه Curactor بود ...

... بله، احتمالا ... (لبخند - تقریبا نویسنده). در گفتگوها، هنگام بحث در مورد کار در کارگاه ها، ایجاد زنجیره ای از پیشینیان، یک خط منطقی تداوم، انتقال "Mistkov" بین شیوه های فردی هنرمندان 50-60، تحریک شد. ، Avangard 10-20s. و هنر مقدس. در واقع، "ذخایر" آگاهانه کار را بر روی پر کردن لاکونای مدرنیسم انجام داد. به هر حال، تقریبا ظهور همزمان "کمون پاریس" و "ذخایر تصویری" یک پدیده پارادوکسیک در آسینچراس آن است. ما این ناهنجاری را تا کنون در جامعه و فرهنگ احساس می کنیم. و شاید آن را به یک مدل دوگانه توسعه جامعه متصل - مدل Wilder (Pensfield Wilder، نویسنده مدل توسعه دوگانه - توجه داشته باشید. نویسنده).

کمون پاریس و کل ترانزیستایانرد بر روی مکانیسم روایت، کار با اسطوره، در ساخت برخی از کدهای فرهنگی، در حالی که همه چیز مربوط به انتزاع است، ساخته شده است، که ما در "ذخایر نقاشی" کار کردیم، از روایت فقط به سمت چپ کار کردیم. به همین دلیل است که در 92-93. من شروع به ساخت یک پروژه بزرگ "nanarrativity" کردم، که در نهایت اجرا شد، به نظر می رسد در 95th. Nanarrativity یک عنصر بسیار مهم بود، که، بیایید بگویم، روایت مواجهه شده، ساخته شده توسط هنرمندان کمون پاریس.

به نظر می رسد که هنرمندان کمون پاریس و "ذخیره تصویری"، مانند یک عمودی و افقی، یک ماتریس خاص از تجسم اوکراین را تشکیل می دهند ...

... شما کاملا به درستی صحبت می کنید. شما حتی دقیقا همانطور که متن را به نام متن می نامم، فرموله کردم که هنوز نمی توانم به پایان نرسم - "ماتریس از تجسم اوکراین". ما می توانیم بگوییم که عمودی این ماتریس "رزرو"، و "کمون پاریس" به افقی روایت پاسخ داد. این بدان معنا نیست که در کنار این گروه ها جالب نیست. اصلا شبیه به آن نیست. به سادگی، سکته های خاصی از تاریخ، طراحی آنچه را که ما به عنوان یک ماتریس تعیین کردیم، نشان می دهیم. مکانیزم های روانی که تا قبل از زمان پنهان شده اند، ساختار زبان هنری آغاز شده است که از انتخاب استراتژی های هنری تاثیر می گذارد. و این انتخاب به طور مستقیم یا عمدا تولید می شود، ارزش ها ندارند. این یک مورد خاص از اقدام نیروهای تاریخی است.

و یک چیز بسیار مهم، در سطح رسمی. از آنجا که همه چیزهایی که ما در مورد آن صحبت می کنیم، بر روی داستان نقاشی قرار می گیرد. این تصویر دقیقا زمانی اتفاق می افتد که مشکل روابط موضوع موضوع مطرح شود. موضوع مستقل، در نظر گرفتن از طریق جهان پنجره تصویر به عنوان یک شی. همه این رنگ نوشته نشده است نقاشی است. یک نظر خوب وجود دارد که نقاشی همیشه یک تصویر است. ما نقاشی می کنیم و فقط در یک فرم واحد، شکل تصویر را می بینیم. اما، به نظر من، این کاملا نیست. نقاشی قبل از ظهور تصویر وجود داشت و بعد از آن وجود خواهد داشت. شیشه رنگی - همان نقاشی، آن را در نور زمان نصب شده است. کار همان Rotko تاسیسات رنگ در فضا است، این همان نقاشی است که قبلا از تصویر خارج شده است.

در اینجا سلطه آثار هنری در تمام انواع آن (از ترانس گارد به انتزاعی) در اوکراین و در کیف، همانطور که در مورد دو گروه ما، و تمام گونه های دیگر خود را، امکان پذیر و تجزیه و تحلیل تفاوت در نظر گرفته شده است ویژگی های گونه آن. سپس برای من روشن شد که همه چیز در رنگ ها نوشته نشده بود، نقاشی بود، و من خودم را به عنوان مفهوم "هنرمند" و "نقاش" به عنوان دو رقم با استراتژی های کاملا متفاوت و موجود در چارچوب هنر معرفی کردم. اما این یک بخش از مشکل است، و دیگری از عملکرد "تصاویر" در هنگام فروپاشی رابطه رابطه روابط، زمانی که بیننده بخشی از فضای کار می شود، عملکرد "تصاویر" است. این در حال حاضر ارزش تجربه مینیمالیسم است. و با ورود به دوران الکترونیکی، مکالمه به طور کلی متفاوت است ...

بازگشت به دسته زمانی که ما شروع کردیم. در فلسفه یونان باستان وجود ندارد، اما چند خدایان مسئول زمان. یک Chronos وجود دارد که مسئول عضویت زمان است - از ثانیه و چند دقیقه تا سال ها و قرن ها. یک EON وجود دارد که با زمان بی نهایت کار می کند. این بار که پایان را ندارد، جریان زمان. بنابراین، "نقاش" با EON با زمان بی نهایت کار می کند. و "هنرمند" همیشه با یک زمان عضو، با یک Chronos کار می کند. و این عضویت زمانی است که برای وقوع تصویر پایه است. تصاویر محدود در زمان و در قاب فضایی، چشم انداز مستقیم، وحدت زمان و عمل، که هنرمندان به شدت به دنبال غلبه بر، در انواع کلاهبرداری ها پمپ می شود. این یک فضای منطقی است که برخی از داستان ها یا یک داستان در مورد این رویداد را نشان می دهد. در حالی که نقاشی نقاشی، حتی یک تصویر موجود در قالب یک تصویر همیشه یک جریان زمان ناشناخته است. و تصویر نقش کمکی در آن بازی می کند. فضای نقاشی پلاسما در اصل متفاوت عمل می کند. شاید کلمات لاکین، که در "هدف تفکر" یک نقطه کور مشخص از یک میل بصری وجود دارد، که او به "نگاه" اشاره دارد. اما این "نگاه" به موضوع تعلق ندارد، اما طعمه نامرئی چیزی خود را (نقاشی) است.

توسط لاکین، در این "نگاه" موضوع خود را از دست می دهد و در ماهیت ناخودآگاه وجود آن را شکست می دهد. در اینجا ما با تصویر برخورد نمی کنیم، بلکه با یک مرز با ادامه واقعیت عناصری که نقاشی را تولید می کنند. در نظر گرفته شده است نقاشی همه چیز را که رنگ نوشته شده است. رسما این است و آنجا، و یک سطح رنگ وجود دارد. اگر چه، در حال حاضر Vazari "نقاشان-ونیزی" و "هنرمندان فلورانس" را برجسته کرده است، که آخرین شیوع فرم را نشان می دهد. بنابراین، اگر ما از یک هدیه طبیعی برای دیدن جهان به عنوان یک جریان رنگی محروم شویم (یعنی ما Colorists را می نامیم)، پس تنها تفاوت در استفاده از زمان اجازه می دهد تا شما را به درک ماهیت آنچه که ما آن را "نقاشی" را درک می کنیم. نقاشی واقعی در "سیاه چاله" ظاهرا زمان و فضا را جذب می کند. قبل از چنین نقاشی، احساس فیزیکی زمان را از دست می دهید و به آن سقوط می کنید، همانطور که در فضای گرانشی محروم است. و این قضاوت تخمین زده نمی شود، اما تلاش برای تجزیه و تحلیل طبیعت، چنین پدیده ای به عنوان نقاشی.

بنابراین، ادامه داستان "رزرو" ... در برخی موارد، جایی در اواسط دهه 90، ما احساس خستگی از اقدام جمعی را احساس کردیم. و، همانطور که ما صحبت کردیم، به شنا فردی رفتیم، هر کدام با ایده ها و اولویت های آنها. برای من، تجربه ایو کلاین، و مینیمالیست ها و هنرمندان تک رنگ، برای من اهمیت داشتند. و البته، غیرممکن بود که تجربه مفهوم گرایی را در نظر نگیرد، آن را برطرف کرد. و سپس سعی کردم با این مشکلات کار کنم: با "اشیاء رنگی" به جای یک تصویر؛ با "فضای رنگ"، خروج از "بازی های زبان"، کاهش عناصر بصری. خوشبختانه و Marina Shcherbenko، و Pavel Goudimov (صاحبان گالری ها و مربیان، که با آنها Tiberius Silvashi کار می کرد - تقریبا. نویسنده) من متوجه شدم که چه کاری انجام دادم و در اجرای پروژه ها کمک کردم. اما، البته، من تنها با ایده هایم احساس کردم. من مجبور شدم تقریبا یک نسل کاملا صبر کنم تا زمانی که افراد جدید ظاهر شوند، که نزدیک به (به میزان بیشتر یا کمتر) ایده های من بود. بنابراین گروه "اتحاد 22" آغاز شد. به طور کلی، بیشتر، بیشتر من هنرمندان را به این فرآیند می بینم.

در مورد کار با این گروه به ما بگویید. آیا او نسبتا اخیرا وجود دارد؟

سال سوم. این گروه شامل هنرمندان Badri Gubyanuri، سرگئی Momot، کنستانتین رودزچکو و من کمی بعد، زن نیز در تعداد پدران بنیانگذار گنجانده شده است و زن فیلسوف جان ولکووا است. این همه با یک سمینار بین المللی در مورد هنر غیر چاپی در گالری "Bottega" آغاز شد. همه چیز فوق العاده بود، اما احساس اینه که این کافی نیست. و سپس بدری موزه بلککوف را به عنوان یک پلت فرم پیشنهاد کرد که ما می توانستیم جلسات و بحث ها را برگزار کنیم. از آن به بعد، هر 22th هر ماه ما پروژه شخصی هنرمند را نشان می دهیم. معمولا این یک شغل - نقاشی، شی، عکاسی است. اطمینان حاصل کنید که با همکاری کسی از نمایندگان حرفه های دیگر - یک موسیقیدان، فیلسوف یا هنرمند دیگر ایجاد شود. پارامترهای سفت و سخت مینیمالیسم، انتزاعی هندسی، تک رنگ است.

در یک زمان، "ذخایر نقاشی" در هر سال در 27 دسامبر در کارگاه من جمع آوری شد. در حال حاضر این سنت "اتحاد 22" را به ارث برده است. احتمالا، آن را با عشق من برای مراسم و تکرار مرتبط است، و علاوه بر این، دوباره ما را به cyclicality زمان اشاره می کند.

اکنون "اتحاد 22" کار می کند؟

سال گذشته ما در فصل سوم تصمیم گرفتیم کار خود را اصلاح کنیم و شش ماه با دسته های خاص، مانند "زمان"، "رنگ"، "مواد" "،" ساختار "،" زبان "کار کنیم. دو پروژه اول در چنین فرمت نظری بودند و به موضوع زمان اختصاص داده شدند. من فکر می کنم ما همچنان به مطالعه این موضوع ادامه خواهیم داد. همانطور که می بینید، چه چیزی از Chronorelism آغاز شد، به تدریج به این شکل ها جریان می یابد.

شما گفتید که منتظر هنرمندان هستید که ما می توانستیم همچنان با "ذخایر زیبا"، تقریبا یک نسل کامل، بیش از 10 سال راه اندازی شود. و اگر ما در مورد نسل جدیدی از هنرمندان جوان صحبت کنیم، کسانی که عادی به نام "خون جدید" هستند؟ آیا می بینید کسانی که در حال شروع به نفس کشیدن در پشت 30-35 ساله هستند؟

بله، البته این فقط سن درک خود و جایگاه آن در هنر است. به نظر می رسد که آنها همان ایده هایی را ادامه می دهند که نسل قبلی هنرمندان را آغاز کردند. آنها حیاتی هستند، اجتماعی، آزادانه در انتخاب یک رسانه و فرم احساس می کنند. من خوشحالم که بسیاری از آنها علاقه مند به مشکلات هستند که "ذخایر" شروع به کار کرد. اما، البته، این همه کاملا متفاوت است و دوست. و اگر ما در مورد نقاشی مدرن صحبت کنیم، آگاهی و حفظ آن متعارف خود، "خودمختار" و ساختاری در قوانین داخلی آنها مهم است. و آن را به عنوان "واقعیت" دقیقا به دلیل کنوانسیون آن کار می کند.

برای من، مراقبت از هر گونه عملکرد روایت یک چیز بسیار مهم است. به عنوان مثال، من بسیاری از متون را نوشتم، به منظور درک آنچه که من با آن کار می کنم. اما در عین حال سعی می کنم به حداکثر رساندن تمرین نقاشی از زمینه بحث، به حداقل رساندن فضای تفسیر. برای من در حال حاضر، بسیار مهم تر است که چگونه مکانیزم های تولید بصری ساخته می شوند. چگونه فضا ایجاد می شود، مشترک برای کار و برای فردی که در آن قرار دارد. و این به معنای "زیبا" شی "، و تولید وضعیت، هر بار منحصر به فرد به ناظر نیست. و قابل مشاهده - تنها بخشی از این طرح تقاطع بین کار و مشاهده. یک تک رنگ معروف یک بار گفت: "رنگ های بسیاری در جهان وجود دارد - ما در واقعیت زندگی می کنیم، جایی که همه چیز کاملا رنگ است." و این درست است، به ویژه در حال حاضر - اولین طبیعت امروز توسط دوم مبهم است.

طبیعت دوم تکنولوژی است، مشخصه فراوانی رسانه ها، روشن، رنگ بیش از حد از کلیشه تبلیغاتی است، همه این یک تصویر جامد است. بنابراین monochrum "رنگ" را از این دنیای هیپرتکراسیون کاهش می دهد و آن را جدا می کند. او جداسازی ها در همه جا است. می توان گفت که تک رنگ در ارتباط با جامعه خارجی دقیق تر است، زیرا آن را محدود می کند. شما آویزان و رنگ را محدود می کنید و می گویند: "این همه است." این مثل یک مربع در شن و ماسه در ساحل است. این مربع را در میان ماسه های شن و ماسه محدود کنید. این یک محدودیت خاص داخلی است، این کار با این کار بسیار آسان نیست.

بازگشت به موضوع هنرمندان جوان. برخی از آنها امروز حرفه خود را ساختند، دور زدن اوکراین به عنوان یک منطقه مورد علاقه. حتی در اوکراین کار می کنند، آنها فکر می کنند. آیا این روند را مزاحم می کنید؟ یا طبیعی است؟

این کاملا طبیعی است. من چیزی را در آن نمی بینم، علاوه بر این، این تنها سن است که ارزش سفر و یادگیری دارد. خوب، برای درک یک سیستم هنر مدرن. صنعت هنر با تمام نهادهای آن که ساختار قدرت را تشکیل می دهند. به طور خلاصه، امروز هنرمند دارای انتخاب فردی است - شما انتخاب می کنید، در این سیستم روشن کنید یا نه، تا آنجا که ممکن است برای انطباق با آن.

من نمی توانم این سوال را در مورد تعامل بیننده با هنر خود بپرسم. مد برای هنر به عنوان نوع تقاطع، باعث شد که بیننده اغلب انتظار داشته باشد که هنر جذابیت امروز باشد. اما بیننده شما، شاید هنوز هم متفکر و "تماشا" است؟

فکر می کنم بله. اما این تعداد بسیار کمی از مردم است. شما درک می کنید که در ابتدای 90s ما شروع به کار با "ذخایر زیبا" کردیم، آنچه که ما انجام دادیم "ما" نیز برای تعداد کمی از مردم بود. البته، در طول سال ها همه چیز تغییر کرده است. من فکر می کنم می توان گفت که ما بیننده شما را رشد داده ایم.

Tiberius Silvashi یک هنرمند اوکراینی است، بدون اینکه فضای هنری داخلی به همان اندازه که ما آن را می دانیم، نمی دانیم. و سپس موضوع حتی در آثار او و دنباله باور نکردنی است که او زبان هنر انتزاعی را توسعه می دهد، بلکه در آن فرد است.

دشوار است تصور کنید که با سرعت آن که محیط هنری ما تغییر می کند، به نظر می رسد باور نکردنی است، همان شخص می تواند یک قدرت و نسل هنرمندان شوروی دهه 80 و دهه 90 و 2000 سالگی باشد و همچنان ادامه دارد شکل مهم برای جدیدترین نسل هنرمندان اوکراین.

راه باور نکردنی در این شخص دو ترکیب، به نظر می رسد کیفیت متقابل منحصر به فرد: حساسیت محدود به همه چیز که می تواند به حوزه زیبایی شناختی و عقلانیت سرد نسبت داده شود.

هنگامی که یک بار او "نقطه تعادل" خود را پیدا کرد، که به او اجازه می دهد تا او یک دهه در یک ردیف در خط مقدم زندگی هنری، هرگز در طول این زمان بدون ضربه زدن به "نیمکت یدکی".

ما با Tiberius درباره آثار او و مدرنیته اوکراین، معلمان و ارتباط با بازار، و همچنین در مورد خویشاوندی هنر انتزاعی و کیمیاگری صحبت کردیم.

هنرمند و جامعه

- Tiberius از Silvashi چگونه در این زمان و فضا زندگی می کنند؟ در اوکراین در پایان سال 2013؟

این سوال برای پاسخ به یک اتاق دشوار است. ما در زمان بسیار دشوار و در جامعه بسیار دشوار زندگی می کنیم. من می خواهم بگویم که من خوشحال هستم و زندگی شگفت انگیزم.

در عوض، زندگی متشکل از لحظات شاد کامل بودن زندگی و وضعیت غم انگیز ناقص انسان و جامعه است. من تمام زندگی ام را انجام داده ام ...

در حال حاضر دوره زمانی که تجربه با امکانات همخوانی دارد. موفق باشید همان ارگانیک، و همچنین تلاش های متصل به اطمینان حاصل شود که آنها برگزار می شود. تلفات توسط شادی که نزدیک مردم نزدیک هستند جبران می شود.

و سالها در هنر و در همان جامعه مجبور به ساخت چنین سیستم اولویت هایی بود که به من اجازه می دهد که به راحتی در هر زمان و فضا وجود داشته باشد.

- این اولویت ها چیست؟ آیا آنها می توانند یک دستور جهانی برای وجود راحت باشند؟

نه، من فکر می کنم این شخص من است. در عوض، اینها روش های خود دفاع از روانشناسی بدن هستند، به طوری که اجازه می دهد زندگی خود را به گونه ای بسازند که بتوانم کار کنم و، به همین ترتیب، خانواده ام را به کودکان کمک کنم ...

من این کلمه را "راحت" دوست ندارم، همانطور که فورا سیستم سازش را ایجاد می کند، من در مورد مصالحه صحبت نمی کنم، اما در مورد چنین ارتباطی که تا حد امکان امکان امکان هر گونه فشار بر من است.

هنگامی که شما گفتید که من وارد کارگاه می شوم - شما فقط یک هنرمند هستید و از آن خارج می شوید - تبدیل به یک شهروند شوید. ؟ چگونه آن را هدایت می کنی نگه داشتن قلمرو درونی خود را از آزادی، در داخل وضعیت دائمی از درگیری که در آن همه ما امروز است؟

به نظر می رسد که من حداقل کمی کمی، اما من این مکانیسم ها را درک می کنم، به لطف جامعه، عملکرد آن.

شاید این یک توهم است، اما من درک می کنم که چگونه جامعه حرفه ای ما در این مکانیسم ها گنجانده شده است، زیرا آن را با فضای فرهنگی جهانی و غیره تعامل می کند.

این مانند هنر انتزاعی است که از آنها خواسته می شود از یک بوم تک رنگ از طرف دیگر متفاوت باشد، من پاسخ می دهم: تفاوت در ساختار. اگر سطح ساختاری را می بینید، بسیاری از مکانیسم هایی که در هنر کار می کنند، به اندازه کافی عجیب و غریب هستند و خود را در جامعه آشکار می کنند.

اگر سیاستمداران ما در مورد آنچه که در اوایل دهه 90 در هنر اتفاق افتاد فکر می کنند - آنها درک می کنند که چگونه فرآیندهای مشابه تعیین شده و برای توسعه اجتماعی بودند. هنر، من فکر می کنم پیشتر به تغییرات عمومی واکنش نشان می دهد. این فقط باید آنها را ببیند.

- چه چیزی در ذهن دارید؟

در اواخر دهه 80، آغاز دهه 90 در هنر اوکراین، وضعیتی بود که لازم بود انتخاب یک مدل را انتخاب کنیم. این مدل توسعه بیشتر هنر را تعیین کرد.

پس از آن، مقابله ای واضح بین دو گروه وجود داشت - دو ساختار ذهنی - روایت "کمون پاریس" و یک "ذخایر جذاب" ناآرامند. یکی از سنت های شگفت انگیز شوروی، به این ترتیب آن را ادامه داد و از این طریق آن را ادامه داد و دیگری خواستار انتقال به مدل های کاملا متفاوت شد.

از همان زمان و تمام مشکلات رویه ای سیستم هنری ما. به عنوان مثال، زمانی که سیستم شوروی سقوط کرد، ما سعی کردیم مدل های غربی را به ارث بگیریم، اما آنها را در شرایط کشور بازسازی می کنیم.

سپس، در شرایط تورم وحشتناک، مبادله یک عمل معمول بود. و ما شروع به پرداخت تصاویر برای نمایشگاه ها و پروژه ها کردیم. بنابراین ظاهر شد، که همه چیز مبارزه می کند.

- بنابراین شما این تمرین بدبختی را معرفی کردید؟

بله، متاسفانه، ما وارد آن شد، و در حال حاضر هیچ کس نمی داند چگونه از شر آن خلاص شود. من نمی دانم اگر کسی از آن برای ما استفاده کند، اما برای اولین بار ما آن را در سومین "دود" ( ما در مورد کرسی های معروف نشاسته ای که توسط Tiberius Silvashi سازماندهی شده اند، در بیش از سر بخش جوانان شعبه کیف از اتحادیه هنرمندان در سال های 1988، 1989 و 1991 - اد.).

پس از آن نجات بود، اکنون واضح است که وضعیت به طور چشمگیری تغییر کرده است، اما این مکانیسم هنوز باقی مانده است، ما مبارزه می کنیم، اما نمی توانم آن را تغییر دهم. افسوس

- اگر شما پیشنهاد کردید که چیزی را در یک دستگاه اجتماعی اصلاح کنید، چه چیزی برای اولین بار تغییر می دهید؟

من می ترسم که با نظم چیزها دخالت کنم، زیرا او، این دستور، به طور مستقل از شما، تلاش های شما، اعتقادات شما، برای آنچه شما انجام می دهید، ادامه می دهد. شما یک کار خاص انجام داده اید، چیزی تغییر کرده است، اما تنها در سطح سطح. و در آن سطح ساختاری داخلی به نظر می رسد که هیچ تغییری رخ نداده است.

ما به زمان و تعامل نیروهای مختلف نیاز داریم. البته، تلاش باید انجام شود، این فقط نتیجه ممکن است به طور مستقیم به طور مستقیم در مقابل انتظارات شما باشد.

- این دستور شما است: مفهوم؟

شاید آره.

- شما اعتقاد ندارید که هنرمند قادر به تأثیر چیزی است؟

این تاثیر می گذارد، اما در سطح دیگر. ما امروز تحت تاثیر قرار می گیریم به عنوان اقدام مستقیم. توانایی نفوذ به طور مستقیم. در حالی که هنرمند در غیر این صورت تاثیر می گذارد.

هر کس می داند که پیکاسو نسبتا منصفانه است که می توانید دستاوردهای هنری را نادیده بگیرید، اما آنها هنوز به صورت توالت به خانه خود می آیند.

هنر اجازه می دهد تا شما را به دیدن جهان از داخل. یک فرد معمولا بر روی سطح اسلاید می شود و هنرمند رابطه بین چیزها را در میان خود می بیند. اتصالات پنهان این مانند نقاشی است: هنرمند قادر است ببیند که چگونه قدرت های ظریف جریان دارد، در حالی که یک فرد عادی در سطح سطح بوم باقی می ماند.

- اما پس از تصویب پسران که هر فرد یک هنرمند است؟

من فکر می کنم او هیجان زده شد اگر شما Merab Magamdashvili را به یاد داشته باشید، او گفت که تلاش روزانه برای حفظ یک فرد ضروری است و به منظور حفظ هنرمند، ممکن است، ممکن است بیشتر در مورد چند مرتبه بیشتر باشد.

- گاهی اوقات، حتی درک اینکه چگونه همه چیز مرتب شده است، این اتفاق می افتد که هنرمند باید تصمیم سیاسی در هنر داشته باشد. به عنوان مثال، همانطور که در مورد کار نقاشی ولادیمیر کوزنتوف در "Myuskom Arsenal". در این وضعیت، هر کس که در نمایشگاه "بزرگ و بزرگ" شرکت کرد، تمام جامعه حرفه ای مجبور به گرفتن موقعیتی بود. در حال حاضر آن را در تحریم معلوم شد. در این آسیب پذیری نظریه شما: یک درک همیشه امکان پذیر نیست.

اولین میل من، زمانی که من در مورد این حادثه متوجه شدم، کار من را از نمایشگاه حذف کردم، زیرا این مورد واقعا فریبنده است. اما در یک ساعت، متوجه شدم که این کار غیرممکن بود. در حال حاضر، بعد از زمان، من فکر می کنم این تصمیم درست بود.

البته، این یک عمل خرابکاری است، اما در شرایط تحریم نیز وجود دارد، زمانی که ما در برخورد با نهادی به طور کامل تشکیل شده است.

قابل توجه است که موسسات غربی را با مکانیسم های خوبی از عملکرد تحریم کنید. همه ما هنوز در روند شکل گیری هستیم و در اینجا لازم است که یک رویارویی سختگیرانه، بلکه گفتگو باشد. و در این مورد، در ابتدا روشن بود که هیچ گفت وگو وجود نخواهد داشت. همانطور که نتیجه را نشان دادم - گفتگو کار نکرد.

و همچنین، شاید مهمترین چیز. پس از همه، برای رسوایی، برای جداسازی گروه ها، مقابله با افتخار، یک مورد منحصر به فرد برای تجزیه و تحلیل آنچه را می توان ماتریس از تجسم اوکراین نامیده می شود. اما در این نمایشگاه در یک فضای، آثار جمع آوری شد، کد هنری که، با خواندن توجه، این فرصت را برای دیدن برخی از قوانین توسعه تاریخی تجربه بصری ما فراهم کرد.

علاوه بر این، آن را در خود قرار دادهان ثبت شد. و هیچ کس نمی خواست او را در نظر بگیرد. و در آنجا آنها ریشه ها و علل بسیاری از فرآیندهای را که ما امروز در زندگی هنری مواجه هستیم، گذاشتیم و نه تنها.

همانطور که برای تحریم، من هنوز نمی فهمم که چرا هنوز او را خصوصی نکرده است. این وضعیت رسانه ای درخشان است که می تواند در زمان مستقر شود.

شاید ما یک ماشین حساب مدیریت یا جبرگرایی ایدئولوژی داشته باشیم که قوی تر از غریزه هنرمند و یک نسخه DOT \u200b\u200bانتخاب شده است. اما اگر واقعا واقعا تحریم داشته باشید، باید همه چیز را تحریم کنید. یک موسسه تحریم چیست؟ اگر می خواهید تغییرات واقعی، شما باید سیستم را تحریم کنید. همه.

پس از همه، آرسنال موسسه حتی هنوز در عملکرد خود، بخشی از این سیستم جهانی متعهد نیست. شما می توانید هر روز صبح با اعلان ها به تمام موسسات هنری جهان با اظهارات مربوطه ارسال کنید. و سپس برای جمع آوری این اسناد به یک کتاب جداگانه، که می تواند منتشر شود.

و این کار را به طور مداوم تمام زندگی من. در انجمن های بزرگ مانند Venetian Bienalle و دیگران، در بازل و دیگر نمایشگاه ها، من در مورد مزایده های مختلف صحبت نمی کنم، شما می توانید از لحاظ جسمی در حال حاضر، نشان دادن انتقاد از موسسات.

Ter-Ohanyan آن را در پاریس انجام داد، اما علیه آنچه که در لورور کار خود نمایش داده شد اعتراض کرد. و سپس پروژه جهانی انتقاد نهادی. این یک موقعیت رادیکال است، پس این تحریم است. و ژست هنری.

- شما علاقه مند به روند هنری مدرن اوکراین هستید؟

نه هر کس می تواند نگاه کند، و نه همه می خواهند، اما، به هر حال، همه چیز برای من موضوع تجزیه و تحلیل است. من بلند شده ام کلمات "مانند" یا "مانند" از واژگان من را برداشتم - کدهای زیبایی شناختی باقی می ماند.

قسمت را با ماریچ حذف کرد. یکی که او باردار شد از کوه ها رفت و مادربزرگ و جادوگر به دیدار او رفت. خدمه فیلم به طبقه بالا رسید، و من قبلا یک اتیو را نوشتم و از کوه فرود آمده بودم. Paradzhanov با Yakutovich ایستاده بود، صعود به حصار، و منتظر تا زمانی که گروه افزایش یابد.

من به آنها با Sketchnik نزدیک شدم و لبخند عجیب و غریب Parajanov را دیدم، که به من گفت: "خب، دوباره یک کارت پستال نوشتم؟"

این عبارت به نظر می رسید به کسانی که رها شده اند، به من عادت کرده اند، من حتی نمی دانم چرا. این postfactum - قابل درک است! در حال حاضر، اگر قبل از آن، من چنین بی رحمانه بودم، دانش آموز همه به درستی ساخت، تلاش برای استاد صنایع دستی، به دنبال مهارت، - مزایای نمونه ها، پس از این قسمت، من به طور جدی در مورد آنچه که هنر بود، به طور جدی فکر کردم.

این عبارت به من تئوری را برداشت. تلاش برای درک خود، درک آنچه در جهان اتفاق می افتد، چه اتفاقی می افتد با هنر. کتاب ها، آلبوم ها، پیاده روی در موزه ها، ارتباط با هنرمندان، موفق به مردم. زندگی به من یک دیدار با بسیاری از شخصیت های برجسته، هر یک از آنها، چیزی من را ترک کرد، چیزی را تغییر داد.

سپس، بعدا، از بسیاری از نمونه ها و تلاش برای کار در انواع هنر دیگر، من با تحقق آنچه که من نیاز دارم، بازگشتم. من علاقه مند به کار با زمان بودم. واضح است که این راه طولانی بود. در ابتدا سعی کردم با او در فرم های شیطانی کار کنم و در Chronorelism، و سپس در انتزاع، و سپس در .... و من نمی دانم چه اتفاقی می افتد.

- چه کسی معلم اصلی برای شما در این مورد است؟

من همیشه سه نفر را می خوانم علاوه بر تاتیانا Jablonskaya، قطعا دوستی با ارشد Yakutovich نفوذ بسیار قوی و رهبر Danilovich بود.

گفتگو طولانی با آنها بسیار به من داده شد. Valya Ulyanova، که با ما آموزش داده شده است. Valera Kononenko، یک نقاش فوق العاده با پایان دادن به سختی. در واقع، بسیاری از افرادی که آموخته اند وجود دارد. گاهی اوقات حتی یک کلمه تصادفی یا کار نشان داده شده می تواند بسیار تغییر کند. این در شرق است: "دانش آموز آماده است، و سپس یک معلم ظاهر می شود."

من فقط یک آنتن گیر بود که همه چیز را جذب می کرد که می توانست به دست آورد. واضح است که من نمی توانم بلافاصله آن را بگیرم، زیرا دوش و ملایچ بعدا آمدند. Malevich، به هر حال، از طریق آثار نظری.

عکس Mak Bykov

- چه و چگونه تاتیانا Jablonskaya به شما آموخت؟

او، در نگاه اول، هیچ روش خاصی وجود نداشت. در عوض، این کار مربوط به عمق فرهنگی عمومی بود. این "هنجار" است، که پس از آن در موسسه بود، او به نحوی مخالف بود. او به ما آموخت تا تمام تاریخ هنر را به عنوان یک لایه فرهنگی درک کند که هنرمند را به شما می دهد.

البته، در یک حرفه ای خالص حرفه ای، طرح فنی او به مقدار زیادی داد. او یک استاد فوق العاده بود، اما این نبود که برخی از تکنیک ها را باز کند. در عوض، چیزی بود که دیدگاه شما را در طول زمان تبدیل کرد.

او برای اولین بار، که او بسیار مورد انتقاد قرار گرفت، به طور جدی ساخته شده است. همراه با تولید موجودی، ما نسخه های شاهکارهای را تهیه کردیم. امروز، پرتره فوم، در ترم بعدی Bruegel - که در اصل نیست، با توجه به تولید مثل کپی شده است. موزه هنرهای غربی توسط Velissz Infanta نوشته شده است، برخی از آثار دیگر. در ترم دیگر، آنها به کلیسای صوفیه رفتند، در طبقه دوم که در آن موزاییک از کلیسای جامع Mikhailovsky بود و موزاییک کپی شده بود.

این یک اقامت مستقیم مستقیم مستقیم از تاریخ هنر بود. در مدرسه، مواد همیشه مورد توجه قرار گرفتند. ما یک دانشکده برجسته داشتیم. انتقال از نقاشی به موزاییک، از موزاییک به کمپیتو.

بیایید بگوییم، یک شکل هنری طبیعت گرایانه در رشد کامل زغال سنگ ساخته شده است، پس از آن به شکل نسبتا شرطی، در کارتن ترجمه شد و سپس این تصویر به اردوگاه منتقل شد. بنابراین یک تصویر، واقع بینانه ساخته شده است، تقریبا به حالت علامت به ارمغان آورد - در یک فرم بسیار شرطی. و این یک نگرش کاملا متفاوت به هنر را به ارمغان آورد.

احتمالا این شهودی بود. اما این یک روش بسیار شایسته آموزش هنرمند بود. این گسترش امکانات بینایی بود. از نقاشی پایه به چیزهای کاملا متعارف، توانایی تبدیل آنچه که در فضا می بینید.

خلاصه هنر و کیمیاگری

- آیا شما باید هنر خود را ببینید یا درک کنید؟

دیدن یک ابزار، درک - نتیجه است. و همه با هم - یک تجربه منحصر به فرد.

اگر یک تماشاگر به نمایشگاه شما می آید یک بار، که هنوز آموخته است تا ببینید، اما می خواهم یاد بگیرم که درک آنچه شما به او توصیه می کنید؟

در مورد من کاملا دشوار است. این به طور کلی مشکل نقاشی تحلیلی است. این یک مورد شدید است. من واقعا امیدوارم که اگر این بیننده به اینجا آمد، او در حال حاضر برخی از ایده ها در مورد آنچه که او می بیند.

- و تجربه مستقیم کافی نیست؟

ما می توانیم بگوییم که در نقاشی خود، برخی از زمینه های قدرت وجود دارد که به طور مستقیم بر روی یک فرد عمل می کنند. اما معمولا یک بزرگسال در حال حاضر دارای دانش خاصی، برخی از تجربه های فرهنگی، برخی از "تعصبات" است که تجربه فوری خود را مسدود می کند.

مشروط یک مرد در مقابل بوم تک رنگ قرار دارد و فکر می کند. وای، این فقط یک سطح نقاشی شده است، چرا او آن را گذاشت و کار هنری را فراخوانی کرد؟

یعنی، برای این شخص، سازگاری انعکاس به شرح زیر است: دیوار یا درب می تواند نقاشی شود، و در گالری من می خواهم چیزی ساخته شده را ببینم. او نمیتواند فرض کند که شکل دیگری از ساخت وجود دارد. و سپس هیچ پیام بصری وجود ندارد. او فقط بوم نقاشی می کند و او را تولید می کند "من همچنین می توانم".

و در اینجا ما با این که چگونه تجربه فوری توسط چنین بازتاب ها مسدود می شود، ملاقات می کنیم.

هنگامی که هیچ چیز وجود ندارد، شما باید تلاش های باور نکردنی را انجام دهید تا درک کنید که در اینجا واقعا قبل از شما وجود دارد. هنر شرقی همیشه با این کار کار کرده است. شما به پیمایش نگاه می کنید، اما اسکرول فقط یک پاپیروس با جوهر است - او فقط خودش را ایجاد می کند. به نظر من این است که این یک راه برای رد فرهنگ کنونی سرگرمی است. با این حال، او کاملا باستانی و سنتی است.

ما راه های مختلفی داریم ما منتظر ما هستیم تا یک محصول به پایان رسید. ما باید مصرف کنیم و به این ترتیب، بیشتر - فرهنگ بیشتر سرگرمی در فرهنگ غالب می شود. ما منتظر ما هستیم تا تعجب، سرگرمی، ضربه، و غیره را داشته باشیم. a، یک کلمه دیگر از "فرهنگ" فعلی وجود دارد - کلمه "Cool". در اینجا ما هنر "سرد" داریم.

عکس Mak Bykov

شما اغلب می گویید که تمام زندگی شما همان کار را بنویسد. و این برای شما فرایند درک نقاشی به عنوان شما است. آیا این به شما یادآوری عملکردهای کیمیاگری برای پیدا کردن یک سنگ فلسفی نیست؟

مطمئن! البته این یک سطح معینی از دانش است. در مهر و موم ها سطوح مختلف پنهان کردن، دانش وجود دارد. و هنگامی که شما از شما میپرسید "نقاشی" چه نقاشی می شود "می توانید پاسخ دهید که نقاشی راهی برای ایجاد زندگی است، می توان گفت که این امر می تواند به روش خاصی بر روی نقاشی بر روی بوم استفاده کند.

اما در سوم، سطح چهارم، شما شروع به درک این است که این است که چگونه مرده، ماده بی اثر از مواد رنگ آمیزی به حالت متافیزیکی نور تبدیل می شود.

من به هیچ وجه در حال حاضر در نمایشگاه نیستم، بوم قرمز نامیده می شود "نقاشی Kinovar" ( تا دومین نوامبر مرکز هنر Shcherbenko شما می توانید نمایشگاه Tiberius silvashi "monochromia" را ببینید - اد.).

همه چیز در مورد آنچه شما می گویند تا کنون از پاتو های رادیکال از صحنه هنر اوکراین با شعارهای سیاسی خود و راهپیمایی های جمعی، که به نظر می رسد با یک سیاره دیگر، و یا چیزی را بدانید.

من یک دوره زمانی داشتم که کاملا فعالانه در تحول جامعه هنری ما شرکت کردم. و بسیار موفق است. در حال حاضر، شرایطی که جامعه هنری ما واقع شده است، بخش بزرگی و کار من است.

من فکر می کنم هنر انتقادی، از لحاظ سیاسی درگیر هنر - نتیجه کار با مشکلات زمان جدید یک عمل واکنش نسبتا واکنشی است. آنچه که در راه خود مهم است مهم است. حوزه پاسخ سریع. انتقاد از قدرت، مکانیزم های آن، نیاز به انواع خاصی از کار دارد و من فکر می کنم، یک خلق و خوی خاص.

اما اگر کار معلق با ساختارهای تفکر کار می کند، در ارتباط با جهان نسبت به واکنش فوری به برخی از رویدادهای فعلی، مهم تر است؟

از آنجا که شما از زمینه اجتماعی خارج نمی شوید، و در یک سطح عمق کاملا متفاوت، شما با چیزهایی که برای نفوذ به مکانیزم های تفکر تخلیه می شوند، کار می کنید. اما آنها دقیقا، آنها فرایندهای اجتماعی را تعیین می کنند، که هنرمندان یک حس انتقادی واکنش نشان می دهند.

این کیمیاگری است. Alchemists نیز، آنها همچنین می خواستند جهان را تغییر دهند نه آنها را ترتیب ندهند. اما نه بر روی سطحی، بلکه بر روی سطح ساختاری.

خودشه. ( لبخند زدن)

عکس Mak Bykov

ارزش بازار و هنری

در کار شما بسیاری از فلسفه. در حقیقت، آنها مستند سازی روند اندیشه هستند. و این یک حوزه بسیار شخصی و صمیمی است. چگونه نگران چه چیزی آنها را تبدیل به یک محصول، اشیاء در بازار؟

من زندگی خود را به زندگی در کارگاه تقسیم کردم زمانی که ما با هم همکاری می کنیم و آنچه که وجود اجتماعی نامیده می شود. در آنجا آنها به جای روابط پیچیده، پول نقد، بلکه ارزش گنجانده شده اند.

در جای دیگر، آنها در زمینه دیگری گنجانده شده اند، که می تواند بسیار جالب باشد.

- چگونه در مورد بازار احساس می کنید - امروز برای سیستم هنر موجود ضروری است. آیا دنبال چه اتفاقی در بازار می شوید؟ شما نوشتید که رسوایی اخیر با جعلی از کار شما اتفاق افتاده است.

بله، به احتمال زیاد من فقط یک کاتالوگ را با این کار دیدم، و او باعث شک و تردید شد. من نمی توانم بگویم که گردش بازار کار من به من جالب نیست، اما در حالی که من فرصتی برای زندگی و کار دارم، زندگی خانوادگی من را تأمین می کنم، آن را تحت تاثیر قرار نمی دهد. و این به طور مداوم توسط موضوع مطبوعات Ratings، با استفاده از کلمات "بیشتر، بیشتر" ...

من یک بار ورزش را بازی کردم، اما نمیتوانستم یک ورزشکار حرفه ای باشم، زیرا من روح رقابت را ندارم، و در اینجا.

- چرا شما هرگز کار خود را در مزایده ها نمی دهید؟

این مشکل سیستم است. عدم اثربخشی مکانیسم های آن با ما. اما، البته، در اینجا شک و تردید من بر عملکرد نظارتی بازار در هنر تاثیر می گذارد.

البته، بازار همه چیز را می خورد. چرا او هضم نمی کند. آنچه که تجربه غم انگیز مفهوم گرایی را نشان می دهد، که از مقاومت در برابر بازار آغاز شده است. اما گاهی اوقات من کار خود را برای مزایده های خیرخواهانه می دهم.

- در تجارت تجاری شرکت نکنید - آیا تصمیم سیاسی برای شما است؟

به طور خاص، بله برای من واضح است که قیمت فعلی لحظه ای، تقریبا هرگز با ارزش هنری بدون قید و شرط همخوانی ندارد. و برای من، ارزش ها همیشه بالاتر از قیمت هستند. اما دانستن تغییرات شرایط زندگی، من نمی توانم این واقعیت را از بین ببرم که در برخی موارد باید تصمیم خود را تغییر دهم.

- آیا چیزی وجود دارد؟

- (طولانی فکر می کند) من حتی نمی دانم من هرگز فکر نکردم که چیزی از دست بدهم.

Tiberius silvashi اغلب کلاسیک از نقاشی انتزاعی اوکراین نامیده می شود، در حالی که در حال حاضر 30 ساله او موفق به مرتبط در هنر معاصر بود. علاوه بر این، Silvashi، هرچند نقاشی های خود را در مزایده های بین المللی به فروش نمی رساند، با این حال، به طور قابل ملاحظه ای به ده گرانترین هنرمندان داخلی تبدیل می شود.

بوم او در میان جمع کننده های غربی نقاشی تقاضا دارد و اغلب آنها را در اروپا نمایش می دهد. در اینجا جلسه روزنامه نگاران نسخه جدید با Tiberius Silvashi پس از بازگشت او از افتتاح یک نمایشگاه بزرگ هنرمندان اوکراین در گالری معروف لندن گالری Saatchi رخ داده است - این بسیار، از جایی که برداشت یکی از گران ترین هنرمندان مدرنیته Damien Hirst و بسیاری دیگر همکاران موفق شروع شد.

Silvashi با HB در کارگاه خود واقع در طبقه بالا از ساختمان معمولی کیف بالا در خیابان آنتونوویچ صحبت می کند - در اینجا سقف های بالا و نور طبیعی از پنجره اتاق زیر شیروانی. "این آپارتمان در ابتدا تحت استودیوی هنری طراحی شده است،" هنرمند را توضیح می دهد در حالی که قهوه را آشپزی می کند.

- هنرمندان اوکراینی چگونه در Saatchi پذیرفته شدند؟

- بیشتر از همه من می ترسم که این نمایشگاه تنها علاقه مند به اوکراین در لندن است. اما در باز شدن عمدتا بریتانیا بود، و مردم پس از نیم ساعت، با [هنرمندان] الکساندر Solovyov و الکساندر Roitbrech، آنها گالری را ترک کردند.

روز بعد، بسیاری از مردم نیز در هر اتاق 10 تا 15 نفر حضور داشتند، بیشتر جوانان که کار خود را طراحی کرده اند و آنها را عکس می گیرند. نه در پس زمینه خود، همانطور که در حال حاضر مد روز، یعنی کار می کند. این کاملا شگفت انگیز بود: آنها روی زمین نشسته بودند، چیزی چیزی را نقاشی کرد، چیزی را نقاشی کرد و تماشا کرد که چگونه انجام شد.

- هنرمندان اوکراینی چگونه در هنر معاصر نوشته شده اند؟

- کاملا. زمانی که ما برای کسی گذشتیم. برخی از مشکلات فنی وجود دارد - بسیاری از کارهای مدرن نیاز به سرمایه گذاری های مالی جدی دارند، اما از لحاظ کیفیت ایده هایی که ما در سطح جهانی مطلقا مطلوب هستیم.

برای مدت طولانی ما توسعه طبیعی در هنر نداشتیم. چهره های تک وجود داشت، اما هیچ بازتاب و انتقاد وجود نداشت، بنابراین تعداد کمی از مردم در مورد آنها می دانستند. در دوران شوروی، اگر هنرمند چیزی غیر معمول انجام داد، در بهترین حالت آنها توجه نکردند و در بدترین حالت، آنها دیوانه شدند. به عنوان مثال، ما عملکرد کاملا فوق العاده Fyodor Tetyanch داشتیم، اما حتی مفهوم اجرای آن نیز نبود. هنر به موازات جامعه وجود داشت: هنرمندان زندگی خود را زندگی می کردند، و جامعه - خودشان بودند.

در حال حاضر در بسیاری از موارد ما با بقیه جهان باقی مانده ایم. اما اولین بار هرگز تبدیل نخواهد شد. برای هنر، قدرت اقتصادی کشور همیشه یک سپر نامرئی است، و تا کنون اوکراین یک کشور سوم جهان خواهد بود، ما هنرمندان کشور سوم جهان خواهند بود.

"شما یک ایدئولوژیست مشهور در گروه هنری 90 از ذخایر تصویری، که آناتولی Krivolap و الکساندر Belotkov است. به ما بگویید هنر مدرن اوکراین آغاز شد؟

- در اواسط دهه 1980، دو مقاله به صورت خود به خود به وجود آمد - کمون پاریس و یک ذخایر زیبا. هنرمند الکساندر Klimenko خانه خالی را در خیابان Mikhailovskaya در کیف پیدا کرد. الکساندر Gnilytsky، Vasily Zagolov، الکساندر Soloviev و دیگران به او ملحق شدند، آنها گروه خود را Paris Commune نامیده اند [این نام قدیمی خیابان Mikhailovskaya است]. این گروه در نقاشی های تصویری پر از نقل قول های فرهنگی، مراجع به اسطوره ها مشغول به کار بود.

من بیشتر علاقه مند به کار با رنگ بودم، و من شروع به نگاه هنرمندان که نزدیک به من در ایدئولوژی هستند. در نتیجه، در سال 1992، یک گروه کوچک تشکیل شد: I، Anatoly Krivolap، الکساندر Zhotkov، نیکولای Krivenko و مارک Gaiko. نام این گروه توسط یکی از دوست من، همچنین هنرمند، که من همیشه در پاریس ماند، اختراع شد. نگاهی به کار ما، او شگفت زده شد به گفتن: "گوش دادن، این ذخایر است، هیچ چیز دیگری وجود ندارد!" بعدها، متوجه شدم که به موازات در قسمت های مختلف سیاره، گروه هایی با ایده های مشابه وجود داشت - همان نقاشی جدید رادیکال جدید.

ما همه نزدیک به انتزاع بودیم. کسی رنگ بیشتری داشت، کسی کمتر داشت، کسی با بافت کار می کرد، کسی - نه. هر کس برنامه داخلی خود را داشته است، اما در عین حال ما عمدا به طور عمدی به هنرمندان مشروط به گذشته - هنرمندان که در دهه 1960 کار می کردند، به آوانگارد 1920-1910 و حتی بیشتر به آیکون و نقاشی مقدس رفتند.

- چرا ذخایر زیبا سقوط کرد؟

- دیگر زمانی که ما رزرو را ایجاد کردیم، گفتم که هر گروه می تواند پنج سال یا پنج نمایشگاه داشته باشد. دیر یا زود، اصول داخلی که هنرمندان ترکیب می شوند، شروع به تناقض نیازهای آنها می کنند. بنابراین معلوم شد: این گروه وضعیت خاصی را به دست آورد و با آن وضعیت به دست آمده و هر یک از ما، و سپس ما به تک شنا رفتیم.

90s هماهنگ سازی زمان با فرآیندهای غرب بود. ما در هنر اوکراین پر شده بود که در طول سال های قدرت شوروی از دست رفته بود، و این واقعیت که هنر در غرب به طور طبیعی گذشت. تنها پس از آن، جریان های مدرن در اوکراین ظاهر شد.

- آیا امروز ممکن است چیزی انقلابی ایجاد کنم؟

- به نظر می رسد که همه چیز قبلا انجام شده و اختراع شده است. امروزه اصطلاح هنر خود مورد سوال قرار گرفته است. احتمالا یکی از مهمترین مسائل هنرمند باید برای خود تصمیم بگیرد: عملکرد هنر در جهان امروز چیست؟ هنگامی که پاسخ ها و دوران زمانی از پرسش ها پاسخ داده می شود، دوره ها وجود دارد. ما در دوران سوالات زندگی می کنیم و بسیار مهم تر است.

- به این ترتیب، شما هیچ پاسخی به این سوال ندارید، اکنون عملکرد هنر چیست؟

- من می ترسم، من یک پاسخ قطعی ندارم برای 20 سال من از این سوال به مردم هوشمند می پرسم، و هیچ کس نمی تواند به آن پاسخ دهد. تنها چیزی که همه موافق هستند - عملکرد هنر بسیار تغییر کرده است. این امر به طور معمول تبدیل شد، ما هنر را مصرف می کنیم و همیشه چیزی جدید می خواهیم. شما می دانید، در دهه 1950 یک عبارت محبوب بود: هر کس به زودی تبدیل به یک هنرمند شد. بنابراین، معلوم شد که این چیزی نیست که هیچ کس نمی تواند یک اثر هنری ایجاد کند، اما بیننده بخشی از طرح هنرمند می شود. تفسیر شما از هنر بستگی به تجربه، غرفه فرهنگی، از اینکه چگونه زندگی خود را زندگی می کنید.

- در یکی از مصاحبه ها، شما گفتید که تمام زندگی من یک تصویر را بنویسید. او در مورد چه چیزی صحبت میکند؟

- این یک عبارت ظاهری است. نقاشی، همانطور که من تصور می کنم، این یک فرآیند است که خلاقیت شخصی یک هنرمند خاص بخشی از یک فرآیند مشخصی است. من هر روز به عنوان یک مراسم نقاشی می کنم. مهم نیست آنچه را که می نویسید، مهم نیست که چه خلق و خوی، مهم نیست که آیا الهام بخش است.

Tiberius Silvashi از طریق فیس بوک

- تعداد رویدادهای رخ داده در حال حاضر در کشور در کار شما منعکس می شود؟

- هنگامی که من درب کارگاه را ببندید، شهروند سیلوشی در خارج باقی می ماند. البته، همه چیز که من در خارج از کارگاه واکنش نشان می دهم، به نوعی در ساختار کار منعکس می شود. اما من هرگز نمی خواستم همه چیز را پخش کنم - آنها باید پشت رنگ لایه برداری پنهان شوند. برای من صادقانه تر است و بیشتر به صورت ارگانیک در مزایده های خیرخواهانه شرکت می کند تا منعکس کننده وقایع در کار شما باشد.

- شما یکی از گران ترین هنرمندان اوکراین هستید، اما در عین حال آگاهانه در مزایده های تجاری شرکت نکنید. چرا؟

- هر گونه پولی که ما در مزایده دریافت می کنیم، آنها هنوز هم ستایش هستند. سیستم هنر، قوانین بازی را دیکته می کند، اما من نمی خواهم آنها را بازی کنم. من در این وضعیت ترجیح می دهم آزاد باشم و در مسابقه گنجانده نشده باشم.

عکس: الکساندر مدودف / NV، Tiberius Silvashi از طریق فیس بوک

Tiberius Silvashi یک نقاش اوکراین، یک مقاله نویس، فیلسوف است. یکپارچگی دیدگاه او و پارادوکسیکیت ایده های او فرصتی عالی برای صحبت با او درباره رابطه نقاشی و سینما می دهد. بنابراین، مجموعه ای از مواد در مورد عبور از فیلم ها با انواع دیگر هنر، ما یک مکالمه Alexey Tyutekin با Tiberius Silvashi منتشر می کنیم.

چه جایی تصویر در جهان نقاش است (من می دانم که شما دقیقا همان نقاش، نه هنرمند) و متفکر Tiberius Silvashi فکر می کنید؟

برای نسل ما، سینما همه بود - حتی بیشتر از حرفه ای که ما انتخاب کردیم. سپس زمان مدیران بزرگ بود. البته ما آنها را نگاه کردیم. در ساعت پنج صبح من یک صف برای دیدن داشتم "هشت و نیم" در جشنواره نمایش خوب، آنتونیونی - مانند یک فیلتر. اگر تست "Tolstoy یا Dostoevsky" وجود دارد، پس ما همیشه متفاوت بوده ایم: آنتونیونی یا فلینی.

آنتونیونی و برگمن! و Miklet Yango، Zoltan Husarik (فوق العاده سینتباد, "Chongwari" و فیلم های کوتاه). و تا حدودی هنوز جوانان و سپس مجارستان - به عنوان مثال، Bodi Gabor (او از جوانان، خودکشی متعهد شد - او کار فوق العاده ای دارد "نارسیس و روان" با فلج در نقش اصلی) و چند فیلم کوتاه تجربی؛ در 60-70s، در استودیو، Bella Balash کار جالب انجام شد. من به لطف تلویزیون مجارستانی و چکی خیلی بیشتر نگاه کردم. خدا می داند که چگونه فیلم های سال در فرانسه معدن شده بود - به یاد داشته باشید، یک دختر از بلژیک، که در دانشکده گرافیک تحصیل کرده است، ترجمه شده است "Carabinians".

شما کلاسیک های بدون شک که فیلم 60-70s را ایجاد کرده اید. اما آیا شما دایرکتوریان فیلم را تماشا می کنید که بعدها بعدها مشهور شده اند - مثلا، به عنوان مثال، برادران Lyunch، دیوید لینچ، جیم دازرموش، لارس فون یا ترتر یا بلع تار؟ چه فیلم هایی از سال های اخیر شما را شگفت زده کرد، لمس کرد، آنها را مجبور به فکر کردن در مورد آنها کرد؟

البته، من فیلم های تمام کسانی را که شما نامیده اید را تماشا می کنم - اما آنها در درجه های مختلف عمل می کنند. Trier، شاید کمتر یا، بلکه متفاوت است. نویسندگان دیگر وجود دارد، و میزان لذت بردن از انکار متفاوت است. به عنوان مثال، بلع تار، بزرگ است! من چنین سینما را دوست دارم با این حال، این اولین، عواقب جوان، آنها دیگران هستند. در حال حاضر مراکز دیگر در ادراک گنجانده شده است. و، رک و پوست کنده، من می ترسم که این فیلم ها را اصلاح کنم.

من می خواهم یک فیلم را با نقاشی در یک مکالمه با شما بسازم تا سینما را در آینه نقاشی ارائه دهم. در اینجا یک سوال ساده لوحانه است: چگونه نقاش فیلم را تماشا می کند؟

در اینجا یک پاسخ ساده لوحانه - به عنوان یک نقاش است. خوب، و اگر به طور جدی، هیچ تفاوتی وجود ندارد: بیننده نشسته در سینما، به خصوص از بیننده نگاه کردن به تصویر نیست. اصول به تنهایی و همان. تصویر - پنجره به جهان با نقطه نظر ثابت. سینما - همان پنجره ای که می بینید چه اتفاقی می افتد از خارج. و شما نیز در محل ثابت شده است. این اگر شما دانش را که در جلسه توهم حضور دارید، از بین ببرید، تفکیک کنید.

قاب از فیلم "آخرین کشتی"، Dir. بلین تار

اما در اینجا یک تفاوت مهم وجود دارد: زمان. سینما یک هنر است که در زمان، نقاشی توسعه می یابد، یک بخش از زمان، کار با رنگ، شکل، ایجاد یک دنیای بی انتها خاص است. یا من اشتباه میکنم؟

نه، البته، اشتباه نکن! و برای نقاشی، مشکل زمان همیشه مهم بوده است، زیرا این تصویر مانند یک فرم است، زمان متوقف شده است. و نسل های هنرمندان مجبور به تلاش برای ابراز این فرصت برای بیان او، ساخت داستان ها، نصب قطعه از زندگی شخصیت ها - بر اساس اصل نصب Intraframe، سپس مکانیکی آنها را در هواپیما در زاویه های مختلف متصل می کند. اما زمان بخشی جدایی ناپذیر از مراسم و از جمله فضای بصری در کلیسای گوتیک و کلیسای ارتدکس بود. هنگامی که بحران پس از مؤسسه با روشن شدن "موضوع" نقاشی، بحران پس از مؤسسه، یک مشکل اساسی را حل می کند. همانطور که بعدا معلوم شد، "زمان" بود.

در اینجا سوال این است که احتمالا، احتمالا خیلی آسان نیست. زمان سینما، همانطور که من آن را درک می کنم، زمان تفکر توسط تصاویر با سرعت های مختلف است (من به طور کلی بر این باوریم که سینما چیزی است که به ما فرصت داد تا زمان را احساس کند) - این زمان خاطرات، اعمال، احساسات، احساسات است در فیلم زمان معلم، به همین ترتیب صحبت کنید. و زمان نقاشی چیست؟ آیا رنگ زمان است؟

در نقاشی، این، و همچنین تجربه فوق العاده خواندن یک رابطه سرد سرد سرد (زمان آنها متفاوت) و تجربه فیزیکی، اما او متعلق به خروج از عمل تصویر است.

خاطرات و احساسات - این برای هر مرد Bekmarkund و یک تصویر بسیار رایج است (این نیز لازم است که آن را از بین ببریم)، \u200b\u200bزیرا نقاشی مدرن این مفاهیم را به عنوان یک تصویر سنتی ترک می کند. "واقعیت" این واقعیت وجود دارد. و بله - رنگ خود را زمان دارد. من تفاوت در تعاریف هنرمند و نقاش دارم. این دو شکل متفاوت هستند: هنرمند یک مفهوم گسترده تر، نقاش است - همان، اما بیشتر به طور خاص.

و در سینما - در تصویر و شباهت بخش شما در "هنرمند" و "نقاش" - آیا این بخش از مدیر فیلم وجود دارد؟ با توجه به اصل نگرش به زمان، به عنوان مثال؟

آنتونیونی - زمان نقاش. Fellini یک هنرمند است. Dzharmush، Tarr - نقاشان. Trier یک هنرمند است. برای اقامت در لیست خود: لینچ یک هنرمند است.

من سعی خواهم کرد تفسیر خود را از Dichotomy خود را "نقاش / هنرمند" (شما می توانید در مورد آن در مقاله خود "نقاش" را بخوانید)، و شما من را اصلاح کنید: نقاش آن کسی است که با ماهیت نقاشی کار می کند رنگ و نور، در تلاش برای بیان آنها و هنرمند آثار با ژانر و روایت، تلاش برای بیان آنها با روش های زیبا؟ یا، Crubble: نقاش نشان می دهد ماهیت نقاشی، هنرمند خود را بیان می کند؟ بر این اساس، فیلمساز با ماهیت سینما، با حرکت و زمان کار می کند، و یک فیلم هنرمند فیلم با تاریخ نشان داده شده توسط سینما؟

همه شما به درستی تفسیر می کنید من باید محافل را در اطراف کسانی که ما شروع به بحث در مورد آن کردیم. این، تفکر بسیار و در حال حاضر این روند ادامه دارد، اما شما باید یک چیز اساسی مهم برای من تعیین کنید. ما در دوران تغییر پارادایم ها زندگی می کنیم، شبیه به آنچه که در گذار از قرون وسطی به رنسانس اتفاق افتاده است. این من دوباره در مورد بازی ما در Dichotomy "هنرمند / نقاش" است. به این معنا، هنرمند به عنوان یک موضوع مستقل یک محصول جدید است. همه ارتباط ما با جهان، یک راه دیگر، ما رابطه زمان / فضای را تعیین می کنیم. آنها پایه و در بازی ما هستند. بنابراین، قهرمانان ما را در این مفاهیم قاطع طراحی کردم.

در این بازی خطرناک در Parallels "نقاشی سینما"، من سرمایه گذاری خواهم کرد تا نمونه دیگری را به منظور روشن شدن تفکر خود به ارمغان بیاورم. آلبرت Serra نقاش است. این کار با زمان است که "رشد" در قاب خود را. تعریف "رشد" از جهان ارگانیک است. Derek Jarmen، با وجود این واقعیت که آن را با رنگ - هنرمند کار می کند: این واقعیت را طراحی می کند، نقاشی تقلید، بنابراین "زمان" تصویر می شود. Serra مشاهده و رفع (آن را به صورت ارگانیک برای برنامه رسانه جدید - یک دوربین فیلم)، Jarmen طراحی شده در همان برنامه.

همانطور که ما به یاد می آوریم، نقاش به این مورد می شود زمانی که رشته شما "من" را به سمت کنار گذاشته، ناپدید می شود. این چنین موقعیتی غیر شخصی است. و هنرمند همیشه به وضوح توسط "من" غالب نشان داده شده است. به نظر می رسد که من شروع به مخالفت با دیدگاه عمومی پذیرفته شده در سینمای نویسنده، اما ما در مورد یک مورد خاص خاص صحبت می کنیم، که با یک زن و شوهر عجیب و غریب "هنرمند / نقاش" مشخص شده است. به نظر می رسد، به نظر می رسد، برای اولین بار من توسط جورج وزاری برای اولین بار تعریف شده بود، مخالفت با "نقاشی های هنرمندان" هنرمندان-فلورانس "، اما دقیقا در زمانی که این رقم دریافت خودمختاری، Heinrich Völdlin بود، توضیح داد . او این تقسیم را به کمربندها و رنگ ها مشخص کرد. خوب، این من به آنچه که چند کلمه در مورد خودم می گویند.

و در مورد زمان. نقاش توسط EON کار می کند - این یک جریان از زمان نیست که از بین رفته است؛ و هنرمند در این مورد با Chronos کار می کند. به نظر می رسد که ارتباط بین جریان زمان و جریان رنگ وجود دارد. و برای من، این اتصال بدون شک است. و این جریان رنگ یکی برای همه نقاشان، همه زمان ها است. و این افراد، که ما به نقاشان می نامیم، در مکان های مختلف زمین، در همه زمان ها نوشته می شوند. این چنین متا بوم، به طور معمول صحبت می کند. اما تصویر محصول فرهنگ الفبایی است، این محصول یک محصول از ادبیات است. تصویر - برش زمان نقاشی، حتی در قالب یک تصویر، اشاره به نقطه رنگ قبلی در زنجیره است. البته، در چنین تصویری، داستان تنها ادای احترام به کنوانسیون است.

قاب از فیلم "Golov-Eraser"، Dir. دیوید لینچ

سپس به ناهنجاری های سینما یا نقاشی به عنوان تعهد کار با اشخاص خود بروید. کار شما - شما خودتان را در بسیاری از مصاحبه ها تأکید کنید - این اشیاء رنگی هستند (تعریف شما از یک مقاله درباره الکساندر Bellykov: "شیء رنگ تصویری است که فراموش شده است که او یک پنجره به جهان بود"). در سینما، نویسندگان وجود داشت که در درک ذهن خود از این کلمه روایت را از دست ندهند، یعنی داستانها - دیوارهای Brekidge، بسیاری از فیلمهایی که مانند فیلم توسط نقاشی های کنگینسکی مانند فیلم بودند پیتر Cherkassky با کلاژ های نوری، گرگوری مارکوپولوس کتابخانه فیلم؛ دوره دیر سال، راهی برای چنین روایت های غیر خطی و تقسیم شده است که گاهی اوقات به نظر می رسد که او نیست. آیا من باید به طور قطعی با یک روایت برای درک و سپس تمام ماهیت نقاشی یا سینما را نشان دهم؟

Villapt Fluas در کتاب خود درباره فلسفه عکاسی، دوره های فرهنگی را در دوران تصویر و عصر الفبای تقسیم می کند. تصویر یک فضای جادویی است. در الفبای، تاریخ و طول افقی رخ می دهد، و جهان با استفاده از مفاهیم درک می شود. بدیهی است، نقاشی در فضای جادویی است - مانند "نقاشان" -rezhissors. من نمی دانم که آیا سینما از این مدیران که با روایت کار می کنند، ماهیت خود را از دست داده است، این یک راه برای دیدن / فکر کردن در مورد جهان است. احتمالا، به نظر می رسد که شما به آب نگاه می کنید، در ساحل، یا خود را در آن غوطه ور کنید.

در مقاله "هنرمند به عنوان یک بیگانه" شما نوشتید: "ایده نوآوری و حضور انتقاد که از هنر دو قرن گذشته تغذیه می کند، به گذشته ادامه می دهد. مهمترین چیز برای هنر معاصر، ایجاد یک کار جدید (متن) نیست، که تفسیر او چقدر است. هنر امروز از طریق متن، از طریق رفلکس از زمینه ها، از طریق به روز رسانی آنها تعیین می شود. " سینما حتی با سینما مشکل است: در اینجا یک سال جدید سال است "خداحافظ به زبان"و بسیاری، بدون مراقبت از او، در حال حاضر منتظر هستند که آنها توسط او غارت شده است. آیا نقاشی سینما، یک عکس برای انجام بدون گفتمان؟

برای نقاشی، این یک سوال مهم است. و برای من طبیعی است. من آن را مهم برای محدود کردن یا به حداکثر رساندن فضای گفتمان می دانم. در گروه ما "Alliance22" ما در اطراف این کل برنامه ساخته ایم. تقریبا نیمی از سال ما با عناصر اساسی بصری کار خواهیم کرد. اولین "زمان" است. در 22 اکتبر بخش نظری منصوب می شود. و سپس ما تقریبا کار خواهیم کرد.

خوب، نگاه کنید، تقریبا تمام هنر "اساسی" با همان مشکل مواجه می شوند. شعر در حال تلاش برای بازگشت به ممیزی، فرم IM-Informative است که در ابتدا ذاتی بود. همین اتفاق می افتد با موسیقی، تئاتر. سینما به عنوان یک رسانه جدید در پایان دوره الفبایی ظاهر شد و از تمام دستگاه های رسمی رسمی گذشته استفاده می کند. خوب، به عنوان مثال بی نظیر از واولول (یک فیلم بدون کلمات دو ساعت)، اما این در حال حاضر ویدیو است. خوب، آخرین صحنه "بازی های تنیس" در فوت کردن، دمیدن. بالا. اما، البته، در مقایسه با نحوه توسعه "تاریخ" فوق العاده است. سینما، مانند موسیقی، "افقی" هنر است و با تفاوت ها کار می کند. نقاشی - با شباهت کار می کند. در این، تفاوت آنها (فقط فقط این که ما با شما در شباهت بازی کردیم)، و نقش گفتمان متفاوت است.

هر کدام به شیوه ای او، فرانسیس پیکابیا و جورج ازدواج در مورد آنچه که آنها به دنبال نقاشی چیزی است که در طرف دیگر نقاشی قرار دارد صحبت کرد. من مطمئن هستم که بسیاری از مدیران که به دنبال چیزی متعالی هستند، دروغ گفتن در طرف دیگر فیلم ها ممکن است یا می تواند در مورد سینما بگوید. این موقعیت را به شما نزدیک می کند، آیا آن را به اشتراک می گذارید؟

نقاشی خود را از بین می برد. یا همانطور که در فرمول های من از ابتدای دهه 90 آمده است: "نه همه چیزهایی که رنگ های رنگی نوشته شده است، نقاشی است." و سپس - تا حدودی به شدت: "نقاشی یک هدف ندارد، او خود را هدف قرار می دهد که در آن این اکسپلوی به فلش نقاش می شود." و تصویر این در آن یک مشکل دانه است و از طریق نگرش به زمان تعیین می شود.

نمایش آثار Tiberius Silvashi

در یکی از مصاحبه ها، شما گفتید که ایده های متعددی برای فیلم های نویسنده دارید. بیایید مطلع شویم: اگر یک عکس از Tiberius Silvashi تصمیم به ساخت یک فیلم، و او چنین فرصتی داشت، او چه بود؟ او چه خواهد بود؟

خوب ... بله ... وقتی که من هنوز آنچه را که ما در مورد آن صحبت کردیم، در اواخر دهه 60، به اندازه کافی عجیب و غریب، به اندازه کافی عجیب و غریب بود، من یک واقعیت را از طریق مشاهده دیدم، یعنی نزدیک به آنچه که آنتونیونی انجام داد، و در حال حاضر تار یا - با رزرو - Serra. این نباید با نام پراکنده شود، جهت مهم، بردار است.

به عنوان مثال، من ایده فیلم را داشتم، من سعی کردم بسیاری از آنها برای فریب دادن، گفت، اما ناموفق. آنها گفتند که آن را حذف، خسته کننده و غیره غیر ممکن بود و احتمالا درست بود. این درست است، خسته کننده، اما نه برای من. در زندگی من بیش از یک بار در نقاشی نیز اتفاق افتاد. هنگامی که شما باید از طریق رد کامل دیگران بروید. پس از همه، چه چیزی می تواند "خسته کننده"، monochrum دلپذیر باشد. همان داستان با کارت های فیلم من. فقط فیلم یک زندگی زندگی را انجام نمی دهد.

خوب، اما این ایده چنین است. در شهر (فرض کنید در کیف) ما تماشای زندگی دو نفر. مرد و زن. جوانان زندگی منظم، کار، مطالعه، احزاب، پیک نیک، مراسم تشییع جنازه. اما آنها یکدیگر را نمی دانند و هرگز ملاقات نمی کنند. آنها تنها یک بار در Trolleybus می بینند، و او از او می پرسد: "آیا بیرون می روید؟" آنها با هم در کنسرت راک وارد شدند. با یکدیگر در حدود ده دقیقه رکورد کنسرت راک وجود داشت. در اینجا در این فضای نمادین، فضای کنسرت، در مرکز هندسی فیلم آنها با هم است. و سپس آنها، هرگز بدون نگاه کردن به یکدیگر در چشم، به زندگی ادامه خواهند داد. بنابراین من نمی دانم و نمی خواهم بدانم، آنها قصد داشتند یکدیگر باشند یا نه. چگونه آنها زندگی می کنند اگر او به او دست داد، کمک کرد تا از تریللیبوس بیرون بیاید و صحبت کند. من نمی دانم چون جریان زندگی در مادییت توهم فیلم مهم است. و البته، هیچ ارتباطی با عدم انکار بودن بدنام ندارد.

خوب، در واقع روایت در اینجا حضور دارد، اما در حداقل درجه، در آن که در زندگی روزمره هر یک از ما وجود دارد. و هنگامی که ما روایت را بگیریم، داستان را طراحی می کنیم، آن را به سبک تبدیل می کنیم. بله، من فکر می کنم که اکنون من موقعیت خود را از یک فرد که فیلم را از بین می برد، تغییر نمی دهم.

Silvashi Tiberius iosifovich یک هنرمند معروف اوکراین است.

او در سال 1962-1965 تحصیل کرد. در مدرسه هنر جمهوریخواه، در سال 1965-1971. در موسسه هنر کیف (پروفسور Yablonskaya t.n.)

از سال 1968، عضو اتحادیه هنرمندان. در دوره ای از سال 1978 تا 1985، من برنامه "Chronorealism" را اجرا کردم، که در آن هدف از نقاشی فرموله شده بود.

در همان دوره، تا سال 1991، او در ایجاد فیلم ها در استودیوی اوکراین از مستندات به طور مداوم کار می کرد.

در سال 1985، اولین نمایشگاه آثار به عنوان بخشی از "نمایشگاه آثار هشت هنرمند جوان"، خانه مرکزی هنرمند، مسکو.

در سال 1987، انتقال به نقاشی غیر فراری (نارسایی).

"Tiberius silvashi بنیانگذار جهت گیری زیبا از غیر اشعه است. این یک هنرمند است که فرم اصلی کار را نقاشی می کند. مهمترین آنها به عنوان یک نقاش، یک پدیده رنگی است که خود را به عنوان یک ارگانیسم رنگی با الگوهای آن نشان می دهد: آزادانه بدون دیکته از هنرمند، که فقط یک ابزار برای تظاهرات رنگ است، انتقال از حالت هستی شناختی به وجودی است.

نقاشی یک فرصت در سطح پدیده ای است که در مورد متافیزیکی صحبت می کنند، که ماهیت ناخوشایند است. Undrectivity واقعیت را نمایش نمی دهد، و خود یک واقعیت است، نقاشی را در نهاد پاک خود اعلام کنید. " نقل قول از سایت http://www.karasgallery.com/
1987 - دبیر بخش جوانان اتحادیه هنرمندان اوکراین. کار Tiberius Silvashi در ترکیب نمایشگاه جوانان اوکراین اوکراین-1987 به ارتقاء هنرمندان "موج جدید" کمک کرد، برگزار کننده و مربی از اسارت و نمایشگاه های هنرمندان جوان "Reselle-88 "،" Reselle-89 ".

از سال 1992 - برگزار کننده، ایدئولوژیست اصلی و شرکت کننده از هنر "ذخایر زیبا".
در سال 1993، اولین نمایشگاه شخصی "نقاشی" در گالری "Espace Croix-Baragnon"، تولوز.
در سال 1995، جایزه در نامزدی "هنرمند سال"، جشنواره بین المللی هنری، خانه اوکراین، کیف.

Tiberius silvashi در محل کار در "I-Gallery"

نمایشگاه های شخصی و گروهی متعدد در کیف، مسکو، وین، مونیخ، پاریس، تولوز و دیگر شهرهای اروپا.
او در نقش کوچکی از مخالفان 80s در فیلم "پرندگان بهشت" رومی بلویان "(2008) ستاره دار کرد.

استاد شناخته شده نقاشی غیر محوری، یک عنوان غیر رسمی دریافت کرد، که هدیه های زیبا خود را مشخص کرد - "امپراتور رنگ".

به عنوان نقد معروف فرانسوی دنیس نوشته شد، "Silvashi به قدرت بیانگر مواد زیبا، به این ترتیب، به این ترتیب، نقش نمادین در بیان افکار و احساسات نامشهود ترین، که تشنگی را برای مطلق ترین، ذاتی در پیشینیان خود، موزیک، Kandinsky را تشنگی می کند، تجدید می کند ، روتکو، کلاین .. "

"زمانی که به داستانها گفتم" زمانی بود که من دادم. چیزهایی که اکنون انجام می دهم در حال حاضر دشوار است تماس بگیرید تصاویر. این اشیاء نسبتا رنگی است (نه زیبا، بلکه رنگ). آنها اشیاء تفکر هستند. آنها واقعیت هستند

رنگ به طور متناوب جوهر و انرژی را ترکیب می کند. رنگ برای من یک وسیله برای دیدن جهان است. این برای من به عنوان ماده ای مانند ماده ای است که در آن تلاش هایم را برای دستیابی به درک متقابل با جهان قرار می دهم. نقاشی بدن دارای یک گفتمان محرمانه است. و بزرگترین آنها یک رنگ است. " - Tiberius silvashi

Tiberius Silvashi "پروژه آبی" (ارائه در کاراس گالری، کیف) - 2003.

تصاویر Tiberius Silvashi در موزه مونیخ، وین، نیوجرسی، Zaporizhia، خارکف، Uzhgorod، کیف، و همچنین در مجموعه های خصوصی در اروپا و ایالات متحده است. زندگی می کند و در کیف کار می کند.

Tiberius Silvashi دارای عبارت Corona است: "در حالی که در کیف، Infanta (" Infanta Margarita "دیگو Velasqueza در موزه هنر به نام بوگدان و باربارا خاننکو وجود دارد)، این یک زمینه را ایجاد می کند که به سادگی نمی تواند به راحتی نوشت."

Tiberius silvashi - هنرمند از قطب های زیر:

پادشاهی سفید - 1985