کار خوب خود را در پایگاه دانش ساده کنید. از فرم زیر استفاده کنید

دانش آموزان، دانشجویان تحصیلات تکمیلی، دانشمندان جوان که از پایگاه دانش خود در مطالعات خود استفاده می کنند، از شما بسیار سپاسگزار خواهند بود.

• 3
• 2. لباس تئاتر عتیقه 5
• 7
• 9
• 5. لباس تئاتر اروپایی از جونیور که در. تا مدرن 13
• 17

1. کت و شلوار تئاتر چیست؟

تئاتر نوعی از هنر است که بدون عموم نمی تواند وجود داشته باشد، بنابراین همه چیز بر روی اثر خارجی محاسبه می شود. کت و شلوار تئاتر (همراه با سبیل سربار و ریش، کلاه گیس، لوازم آرایشی، ماسک) بخشی از تئاتر Grima است. Grim (از فرانتس "Grimer" - "چهره خود را لمس کنید") هنر ظاهر بازیگر برای این نقش و ابزار لازم برای این است.

تئاتر (و با او و او و گریما) در عمق مراسم سحر و جادو سحر و جادو از قدیم متولد شد. مردم در آن یک نیروی شفا را دیدند، بدن را از احساسات مختلف پاکسازی می کردند.

در تمامی مردم جهان از زمان های قدیم، تعطیلات مربوط به دوره های مرگ و میر سالانه طبیعت وجود دارد. این تعطیلات به تئاتر زندگی می کنند.

یونانیان باستان بسیار دوست داشتند و خدای جوان دیونیس را بخوانند. عالی الهی - زئوس - آنها تنها یک بار در هر چهار سال (بازی های المپیک) افتخار کردند؛ آتنا - یک بار هر دو سال؛ آپولو - یک بار هر دو سال؛ اما دیونسا سه بار در سال است. این قابل درک است: Dionysis خدای شراب سازی در ماه مارس، در بزرگ Dionirsius، مردم از همه سیاست های یونان به آتن رفتند. در طول هفته، معاملات، اتحادیه های سیاسی و به سادگی سرگرم کننده بود.

تعطیلات با وارد کردن یک دیونیس چوبی چوبی در یک قایق در چرخ ها آغاز شد. این قایق همراه با کوروش Satirov-Omnoye بود. بنابراین، ظهور این خدای همیشه با لباس های لباس و لباس های کارناوال همراه است.

نقطه اوج تعطیلات در روز سوم کاهش یافت. در این روز، دیونیسوس به حیوانات افراد جنس مردی قربانی شد، زیرا او از زئوس هیپ متولد شد، با شروع به طور کامل مرد همراه بود. قربانیان می توانند پوستر، گاو نر، اما اغلب بزرگی باشند. هنگامی که چنین "ScapeGoat" کشته شد، سپس یک "بز بز" را صدا زد - تراژدی. سپس سبد با روده و فالوس بز در زمینه برای لقاح زمین، به تدریج نوشیدن شراب اختصاص داده شده به دیونیسوس. بازگشت به خانه، حامل های یک سبد از کسی که به عنوان مثال (به عنوان مثال، یک شخصیت سیاسی محلی). ورود به شهر، آنها شاهد بزوس بز در خانه این شخص را دیدند. این اقدام، این جمعیت و آن آهنگ های خنده دار است. که او آواز خواند، به نام comose ("پیاده روی"). از اینجا یک کمدی وجود داشت. درست است، نسخه های دیگر تئاتر وجود دارد.

همانطور که برای لباس های شرکت کنندگان از تعطیلات، شناخته شده است که این پوسته های حیوانی بود (برای شباهت های بیشتر با Satir Goning). بعدها، به لطف رقابت شاعران در مرحله تئاتری، آهنگ های غم انگیز و کمیک ژانرهای مستقل تئاتری تبدیل شد.

2. لباس تئاتر عتیقه

سال رسمی تولد تئاتر باستانی 534 سال پیش است. E .. هنگامی که به Dionirsios بزرگ، برای اولین بار تراژدی fespid را قرار داده است.

در آن زمان، لباس تئاتر از هر روز بسیار متفاوت بود. هنرمند، که در ابتدا تنها یکی بود، در یک لباس با شکوه و روشن بود. در چهره اش ماسک متصل به یک کلاه گیس بود و مجهز به یک رزوناتور فلزی از صدای واقع در دهان بود. ماسک سوراخ سوراخ داشت. بازیگر در زن سبک و جلف در یک پلت فرم بالا قرار گرفت. همه اینها برای دور زدن بیننده طراحی شده اند، زیرا تئاتر یونان در هوای آزاد تا 17000 نفر قرار دارد. لباس روشن، یک ماسک بزرگ، کفش های بالا مجاز به دیدن عملکرد بهتر است. رزوناتور صدای را افزایش داد (اگر چه آکوستیک در تئاتر های باستانی چنین بود که کلمه ای که در یک زمزمه در مرکز صحنه گفته شد، به آخرین ردیف منتقل شد).

هفتاد انواع مختلف ماسک ها وجود دارد. آنها نیز مورد نیاز بودند، زیرا همه نقش ها پس از آن توسط مردان انجام شد. این بازیگر زمانی که او در نقش جدید عمل کرد، ماسک را تغییر داد، زمانی که او در نقش جدید عمل کرد و زمانی که او بیننده را نشان داد تا خلق شخصیت خود را تغییر دهد. ماسک ها یک بیان معمول از شادی، غم و اندوه، میله ها و غیره منتقل شدند. آنها از چوب یا بوم گچ ساخته شده بودند و سپس رنگ آمیزی شدند.

نقش مهمی با نمادهای رنگی بازی کرد. حاکمان لباس های بنفش داشتند: همسران آنها سفید هستند؛ تبعید - سیاه و سفید یا آبی؛ پسران - قرمز؛ زنان معمولی زرد هستند Goethers Motley هستند.

لباس ها با ویژگی های ثابت همراه بودند به طوری که مخاطبان آسان تر برای تشخیص شخصیت آسان تر می شوند. حاکم یک اسکلت، یک سرباز سرگردان، دیونیز - یک شاخه گلدان گلدان (تایر)، آپولو - پیاز و فلش، زئوس زیپ و غیره

با تشکر از لباس های طولانی و کفش های بلند، بازیگران تراژیک به نظر می رسید به طور صحیح حرکت می کردند. کمدین ها از لباس های کوتاه و مجاور استفاده کردند. تصاویری از Satirov و Silenov به پشت یک دم اسب چسبیده، قرار دادن ماسک حیوانات (یا شاخ)، و این باعث می شود خسته شده اند. چنین لباس هایی مجاز به پریدن به مرحله است. در رم، آنها ژانرهای سبک و تراژدی ها را دوست داشتند. آنها به پانتومیم در صحنه نفوذ کردند. تعداد سیرک بسیار محبوب بود. بینندگان Flyaki درک شده (از یونانی ". Phlyax" - "شوخی") - Parodies در تراژدی و کمدی؛ Mimes صحنه های کوچک در موضوعات خانگی هستند؛ اتلیان - بدرفتاری سرگرم کننده.

صحنه و لباس به لباس های داخلی نزدیک تر شده است. درست است که نمادگرایی رنگ هنوز حفظ شده است. هیچ ماسک در مامبا وجود نداشت و مخاطبان می توانند عبارات چهره بازیگران را مشاهده کنند. نه تنها مردان در این ایده ها بازی می کنند، بلکه زنان که لحظه ی وابسته به عشق شهوانی را تقویت کرده اند و دلایل جدیدی را ایجاد کرده اند.

لباس تئاتر یونان-رومی همچنان بر روی صحنه های صحنه های بعدی تاثیر می گذارد.

3. لباس تئاتر از قرون وسطی اروپا

در قرون وسطی، مردم سرگرمی های قدیمی را فراموش نکردند و تقریبا هر تعطیلات مسیحی با یک ایده یهودیوفسکی از علامت همراه بود: تاج - جود، کلاهبرداری - پادشاه.

در اروپا، مورخان Roam (از لات "-" - "بازیگر")، که در فرانسه به عنوان Jonglers، در انگلستان اشاره می شود - مسیحیت. در آلمان، شپلیمن، و در روسیه - محله. آنها تئاتر یک بازیگر هستند، زیرا آنها می دانند چگونه بازی کنند، آواز خواندن. پیاده روی در امتداد طناب، جنجال. لباس این افراد برای آکروباتیک مناسب بود: به طرز وحشیانه ای، کفش های نرم، یک لباس کوتاه خود به خود، نزدیک هیستون ها در نزدیکی موزون ها - "پخش": "پخش": عدم تمرکز محققان، سمینارها، کشیشان. به این ترتیب هیچ مرزی وجود نداشت، و زبان ها بیش از حد از یک مبنای تک محلول نبود، که باعث شد که همه جا بتوان آن را درک کرد. لباس های واژنته از لباس داخلی یک فرد قرون وسطایی متفاوت نبود.

Waganta توسط دیدگاه های خنده دار بازی کرد - Comu، که در آن کلیسا از تصویر مادر مادر خلاص شد، به همین دلیل نمایندگان مذهب رسمی هنرمندان را تعقیب می کردند.

با این حال، کلیسا همچنین نیاز به افزایش سرگرمی های خود را "ارائه" خود را، به طوری که یک درام الهیات به طور مستقیم در داخل معبد بوجود می آید. قسمت های کتاب مقدس خود کشیشان را در لباس خود قرار داده اند. اما بیشتر لحظه ای از بازی در این تولیدات افزایش یافت، بیشتر "ناخوشایند" آنها در دیوارهای کلیسا تبدیل شدند. بنابراین، دیدگاه اول به رنگ پریده و سپس به مربع منتقل شد. یک ژانر جدید ظاهر شد - معجزه ("معجزه")، نماینده رویدادهای فوق العاده مربوط به ماریا ویرجین و عیسی. بر اساس Miraca، رمز و راز ("رمز و راز") به نظر می رسد - اقدام تئاتر به طور دورافتاده با طرح کتاب مقدس متصل است.

نه تنها مریم مقدس، عیسی مسیح و پیامبران کتاب مقدس، بلکه شیاطین، شیطان و فقط شهروندان می توانند شخصیت باشند. بنابراین، صحنه و لباس متنوع تر شده است. مسیح، رسولان، پیامبران انجام شده در لباس کلیسا. بله، و نقش این نقش ها می تواند کشیش ها یا راهبان باشد (این پیش بینی نشده است). بازرگانان، صنعتگران و دیگر قهرمانان شهروندان زمان خود را داشتند. شخصیت های فوق العاده در یک لباس پیچیده با ویژگی های ضروری نوع شاخ، دم و گرگ یا پوست نان در شیطان لباس پوشیدند. بیماری های شخصی (طاعون، smallpox)، گناهان (افزایش، فریبنده)، فضایل (حقیقت، امید) می تواند ماسک داشته باشد.

با این حال، اغلب هیچ لباس خاصی انجام نشد (و همچنین مناظر). کتیبه "بهشت"، "جهنم"، "خدا پدر" و غیره. این کاملا کافی بود.

نور اصلی اصلی از زیبایی شناسی قرون وسطی بود، بنابراین مهمترین شخصیت های الهی در لباس های سفید و درخشان بود، و تقلب شیطانی - در سیاه و سفید. ورا در لباس سفید بررسی شده است. امید - در سبز. عشق - در قرمز

همانطور که در لباس تئاتر باستانی، قهرمانان دارای ویژگی های دائمی بودند: ایمان - صلیب، در امید - لنگر، در عشق - قلب یا گل رز، در بدبختی - کیف پول، در لذت نارنجی، در لذت بخش ، دم.

در طول زمان، لباس تئاتر به طور فزاینده ای شبیه به خانواده معمولی بود و خانواده تئاتری بیشتر بود.

4 لباس تئاتر در کشورهای جنوب شرقی آسیا

Syncretism از فرهنگ ابتدایی (عدم وجود انواع مختلف فعالیت های فرهنگی) در شهرهای سحر آمیز، جایی که رقص، موسیقی، نقاشی، ایده های تئاتر، و غیره، در کنار عمق اسطوره شناسی و غیره ظاهر شد. e رقص و پانتومیم بخشی از عبادت خدایان در هند باستان بود. Epos "Mahab-Harap" و "رامایانا"، که در هزار سال قبل از میلاد ظاهر شد. ER، اساس تئاتر کلاسیک هند و کشورهایی که هندوئیسم وجود دارد، از آنجا که داده های EPO ها کتاب مقدس این دین هستند. در قالب های مختلف (در واقع تئاتر، تئاتر عروسکی، تئاتر سایه ها، باله) تولیدات اپیزود "مهاباراتا" و "رامایانا" در حال حاضر وجود دارد. و در حال حاضر لباس های بسیار روشن، گران قیمت، ماسک یا آرایش ماسک مانند وجود دارد. هیچ دکوراسیون، همه چیز در لانا طبیعت با شکوه اتفاق می افتد.

در چین، تئاتر همچنین از عناصر رقص و آکروباتیک، که در آیین های مقدس گنجانده شده بود، توسعه یافت. در قرن های VII-X، رقص در موضوعات تاریخی و قهرمانانه با گنجاندن تئاتر کوچک گسترش می یابد. برای اولین بار، لباس های تئاتر ویژه ظاهر شد.

در قرن های XIII-XIV، تئاتر چینی به شکلی خود به شکل Zsazyu رسید. این عملکرد مخلوط شامل موسیقی، آواز، رقص و آکروباتیک بود.

مناظر نبود، بنابراین بازی بازیگران و ظاهر آنها اهمیت خاصی داشت. همه نقش ها مردان را انجام دادند. صحنه های ترسناک ترین در حرکت آهسته پخش شد.

تمام حرکات به شدت کانونیزه شد. بازیگران خودشان در مورد خودشان به عنوان قهرمانان صحبت کردند، زمان و محل عمل تعیین شد.

در قرن بعد، Zasszui نمی میرد، اما به اشکال مختلف تبدیل شد. هنوز هم در مرحله کمی لازم است، و یکی از آن ها، به طور معمول استفاده می شود: جدول هر دو کوه، و محراب، و عرشه مشاهدات؛ پرچم های سیاه نشان می دهد باد، قرمز - آتش، و غیره در Grima و کت و شلوار مورد استفاده نماد رنگی: قرمز - شجاعت، سفید - نکته، رنگ زرد - امپراتور.

ژاپن همچنین انواع مختلفی از ایده های تئاتری را توسعه داد که به امروز زندگی می کردند. Katemi Kpetvugu و پسرش Dzeami در نوبت قرن ها و XV قرن ها از آهنگ پراکنده و تئاتر رقص ساخته شده اند اما. آنها خودشان بازیگران، مدیران، نویسندگان و آهنگسازان (و توسط نظریه های تئاتر، اما) بودند. خلاقیت آنها باید در آن زمان باشد که شیوه زندگی ژاپنی ها به طور قابل توجهی تئاتر بود: حاکمان به مردم کمبود منشا تبدیل شدند و مانند همه نئوفیت ها، به ویژه به مراسم پیوستند. محوری برای سرگرمی موجب شد تا مراسم چای توده ای یا تعطیلات عشق را با گیلاس گلدهی (که به خودی خود پوچ باشد، موجب پوچ است، زیرا این امر برای ژاپنی بسیار شخصی است). اجرای تئاتر، اما تبدیل به جزء اجباری مراسم و تکنیک ها شد. اغلب، بسیاری از ساعت ها (و حتی چند روزه) دیدگاه های تاریخی و قهرمانانه شروع به تغییر دوره رویدادهای واقعی (به عنوان مثال، وقوع تعطیلات) کردند. حاکمان با تصاویری از قهرمانان منظره خاموش شدند. و Segun (دیکتاتور نظامی) Toythoma Hideyashi از طرفدار بزرگ تئاتر، اما در سال 1593 در طول ارائه سه روزه به افتخار تولد پسرش، من در ده نمایشنامه خریدم. او خودش را بازی کرد

تئاتر همچنین مشخصه ای است که قبلا ذکر شده است: فقدان مناظر، کمبود جنبش ها در مکان های مهم ارائه، بازیگران مرد. صحنه ها قبل از تصویر کاج بر روی پس زمینه طلای ظاهر شد. تصویر کاج به نمادهای سحر و جادو کشاورزی باستان آورده شده است، و طلا خورشید و الهه Amateras را تشکیل می دهد. علاوه بر این، چنین پس زمینه، ادغام با طبیعت را نشان می دهد، به ویژه از آنجایی که اقدامات می تواند فراتر از صحنه برود و به تنظیمات واقعی پذیرش یا تعطیلات بپیوندد.

لباس بازی تا قرن XVII. من از اشراف لباس داخلی متفاوت نیستم (بعد از آن توسط حکاکی ها و نمونه هایی از قرن ها XIV-XV انجام شد). یک سنت وجود داشت - برای دادن لباس های گران قیمت بازیگران (به ویژه او در طول حاکمان - تئاتر Theytoma Hidesii گسترش یافت). در نتیجه، تئاتر همچنین به عنوان موزه روپوش های لوکس تبدیل شد. در حال حاضر قدیمی ترین لباس، ذخیره شده در تئاتر، - Sadman کت و شلوار XV قرن.

در سال 1615، حاکم IEASA Totkugava یک کد صادر کرد، رنگ ها و کیفیت بافت ها را تنظیم کرد. ممنوعیت مواد گران قیمت تئاتر را لمس کرد اما. این کارگردان شروع به نگاه کردن به یک بیانیه های مختلف نشان داد که دیگر در هزینه لباس های گران قیمت نیست. پارچه از صحنه و لباس به یک کتاب نمادین تبدیل شده است که می تواند اطلاعات را پر کند. در حال حاضر لباس تئاتر Canonovy تئاتر، اما تصویر مشخص را نشان می دهد. در آن، همه چیز نمادین است - از برش به گلدوزی.

نقش مهمی با رنگ بازی می شود. سفید به معنای نجیب است، قرمز متعلق به خدایان و زیبایی است، آبی کم رنگ به تعادل متصل می شود، براون به معنای کمبود آن است.

در تئاتر، مردان بازی می کنند، بنابراین ماسک ها و طرفداران مهم هستند. اندازه، نقاشی، نقاشی، حرکت فن شخصیت شخصیت را مشخص می کند. ماسک ها ساده هستند، اما بسیار ظریف هستند. آنها از Cypress، برداشت و خرد کردن ساخته شده اند. ماسک بر روی یک کلاه گیس قرار داده شده و با رشته ها بسته شده است. کوچکترین تغییر در روشنایی یا زاویه آن را بیان جدیدی می دهد. ماسک های طبقه های مختلف، سنین، شخصیت ها و حتی موجودات فوق العاده وجود دارد.

5. لباس تئاتر اروپا از قرن XVI. تا مدرن

در دوران احیای احیای اروپا، اولین گروه های دائمی، کار بر روی یک حرفه حرفه ای شروع به ظاهر شدن. آنها به یک مکان سوار می شوند یا میخند. مردم دوست دارند بیشتر از گریه خندیدند، به طوری که بازیگران ریه ها، تولیدی های کمیک، بخش ها و پراکندگی را قرار داده اند. کمدین های ستیزه جویانه سنت های قرون وسطی را ادامه دادند و (به عنوان کل فرهنگ احیای) به میراث باستانی اعتراض کردند. پیش از این، چنین گروه هایی در ایتالیا بوجود آمد. وجود دارد، تئاتر Comdedia دل ظاهر شد "Arte، یعنی" ماسک کمدی ".

در کمدی دل Arth یک مناظر بود - خیابان شهر. طرح دائمی وجود نداشت: رئیس گروه (Capocomico) از او پرسید و بازیگران به عنوان در آتلانگ های باستانی بهبود یافتند. این ترفندها و کپی هایی که موجب تایید عمومی شد، تکرار شد و تأمین شد. این اقدام در اطراف عشق جوان، که مردان قدیمی تداخل داشتند، تقسیم شدند و به بنده کمک کردند.

ماسک نقش مهمی در کمدی ایفا کرد. یک ماسک سیاه می تواند کل صورت یا بخشی از آن را ببندد. گاهی اوقات این یک چسب بینی یا عینک احمقانه بود. نکته اصلی این است که یک چهره معمولی ایجاد کنید، قبل از کارتون اشاره کرد.

دو درخواست به لباس ارائه شده است: راحتی و کمیته. بنابراین، او یادآور شد، از یک طرف، لباس های تاریخی قرون وسطی، و از سوی دیگر، آن را با موارد خنده دار ویژگی های خنده دار تکمیل شد.

به عنوان مثال، Pantalon یک Merchant-Miser است - همیشه با کیف پول خود را. لباس های او لباس های بازرگانان ونیزی را شباهت داشتند: یک ژاکت، توسط یک بندر، شلوار کوتاه، جوراب ساق بلند، گوشته و کلاه دور گره خورده بود. اما هنگامی که هنرمند به اسکنه در شلوار قرمز گسترده رفت، این جزئیات مشخصه مخاطبان را دوست داشت. در نتیجه، Pantalon و شلوار او خیلی ادغام شدند، در آگاهی مردم، که در طول زمان، نام اسمی زن کتانی پنتالون تشکیل شد.

دکتر - یکی دیگر از قهرمان کمدی دل آر - نشان دهنده تقلید از دانشمند بود و در یک گوشته آکادمیک سیاه و سفید با یقه توری و دستبند رفت. در دستان خود، همیشه کاغذی روی کلاه "کلاه" بود.

کاپیتان - یک ماجراجوی نظامی، Wore Kiraça، Sharovars، چکمه های با اسپور های بزرگ، کت و شلوار کوتاه و کلاه با پرها. ویژگی ثابت او یک شمشیر چوبی بود، که قطعا در صورت نیاز به غلاف گیر کرده بود.

بیشترین تعداد کاراکترهای متعدد و متنوع، بندگان (Dzanni) بود، زیرا آنها "موتورهای پیشرفت" در برخورد عشق بودند. Pulchinella دارای یک ورودی بزرگ در فضای ورودی بود؛ Harlequin چنین تکه هایی را که در طول زمان به یک قفس شطرنج کاهش می یابد، پیلو دارای یک پیراهن سفید سفید با آسیاب فرز و پانتالون طولانی است؛ Brigella یک پیراهن سفید و شلوار مشابه دارد.

این تئاتر مردمی، به لطف توطئه های نور، بسیار محبوب تر از تئاتر شکسپیر یا لوپ د وگا بود که ترجیح بیشتری به سرگرمی و عمق محتوا داد. برای مثال، برای آثار Lope de Peg، حتی نام "کمدی کمدی و شمشیر" ظاهر شد، زیرا هنرمندان واقعا در آنها تنها در نویسنده مدرن Autosumat بازی کردند.

به طور موازی با گرگ های ولگرد، تئاتر دادگاه وجود داشت، لباس های آن با صدها محاسبه شد و با هزینه های بالا متفاوت بود. آنها به طور جداگانه از مالکیت نشان داده شده اند.

در قرن ها XVII-XVIII، کاهش در توسعه لباس تئاتر می آید. این کلمه پیش رو است، گفتگوها همه توجه مخاطبان را جذب می کنند. کت و شلوار خانوار، محروم از تاریخی گرایی، در صحنه استفاده می شود. این یک کت و شلوار مد روز معمولی است. درست است، در بازی شما بنده نورد را نمی بینید و یا ضعیف لباس پوشیدن. لباس بزرگ است. این نتیجه تئاتری سازی زندگی است. تئاتر بسیار عمیقا در زندگی گنجانده شده است، که کت و شلوار "تئاتر - خانوار" پاک می شود. لازم به ذکر است که در قرنیه های تئاتر XVII - XVIII اغلب مد را تعیین می کنند (که قبلا در فصل های قبلی ذکر شده است). هنرمندان لباس های بهتر و عجیب و غریب را پوشانده اند. در قرن XVII برای Monsieur a la-fashion در مرحله، آنها راضی ترین مکان های تماشاگر راضی هستند که در آن آنها به نظر نمی رسید که هنرمندان و لباس هایشان را مورد بحث قرار دادند.

در قرن ها XVII - XVIII، ژانرهای مصنوعی بلوم: اپرا، باله، سیرک (اگر چه آنها قبلا شناخته شده بودند). در این ژانرها اثرات دراماتیک، ترفندها، موسیقی و آواز و آرایش به یاد ماندنی روشن وجود دارد. ژانرهای مصنوعی عناصر زندگی خانوادگی را انتخاب می کنند. به عنوان مثال، رقص توپ Cancan (Franz. Cancan) با یک مشخصه بالایی از پاها در حدود 70 سالگی از قرن XVIII بوجود آمد. به تدریج، آن را بخشی جدایی ناپذیر از اپراتا - یک ژانر کمدی موسیقی و رقص می شود.

در قرن نوزدهم، علاقه به تاریخ در تمام جهات فرهنگ احیا شد. با تشکر از یافته های باستان شناسی و ادبی، امکان کسب اطلاعات بیشتر در مورد لباس های قدیمی بود، بنابراین در نمایشنامه های تاریخی برای اولین بار آنها تلاش می کنند تا لباس های واقعی گذشته را تولید کنند.

توسعه رئالیسم انتقادی به عنوان یک روش هنری و روش جهان بینی منجر به این واقعیت می شود که صحنه دیگر دهقانان را در پیمان های پیراهن و بندگان ستاره دار نمی بیند. در تئاتر، چنین پروکسی به نظر می رسد، که پیش از این در یک جامعه شایسته، صدای بلند را ذکر نکرده است. جستجو برای اشکال جدید بیانگر منجر به آرایش طبیعی می شود. این چیزی است که V. Gilyarovsky در مقالات خود در مورد مسکو و مسکو می نویسد:

"در سال 1879، پسر در Penza در آرایشگری تئاتر Shishkov یک دانش آموز بود، یک Mitya کوچک بود. این مورد علاقه از Penza Antreplener V. P. Dalmatova بود، که منحصر به فرد بود برای لمس موهای خود را و به او آموخت آرایش. یک بار V. P. Dalmatov در مزایای خود را "یادداشت های دیوانه" و دستور داد که میتا برای تهیه یک کلاه گیس طاس. او یک حباب مرطوب را به بازی آورد و شروع به تفریح \u200b\u200bروی مدل موهای دلماتوف کرد ... هنرمندان به گریه بازیگر فرار کردند.

- شما یک هنرمند بزرگ هستید، Vasily Panthevimonovich، اما اجازه دهید من یک هنرمند از کسب و کار شما! - تبدیل سر خود را بر روی یک V. P. P. Dalmatov، پسر توجیه شد. - فقط امتحان کن!

V. P. Dalmatov در نهایت موافقت کرد - و پس از چند دقیقه حباب در بعضی از نقاط چرخید، و چشم های B. P. Dalmatova از لذت لذت می برد: جمجمه کاملا برهنه در چشم های سیاه و سفید خود و سازنده سازنده یک تصور قوی را تولید کرد.

در عوض قرن ها و XX، روند مدرنیسم، فرم های جدیدی از لباس تئاتر را تولید می کند. لباس ها تلطیف شده اند، به نمادها تبدیل می شوند. اروپایی ها تئاتر های شرق را کشف کردند که در صحنه صحنه منعکس شده بود.

در اهداف اول پس از انقلاب اکتبر، لباس تئاتر به طور کامل ناپدید شد، او با "لباس" جایگزین شد، زیرا بازیگران "کارگران کار تئاتر" هستند.

به تدریج همه چیز به دوره عادی رفت و لباس تئاتر دوباره به صحنه بازگشت. علاوه بر این، در قرن XX. چنین دیدگاهی جدید به عنوان تئاتر مد ظاهر شد. نمایش مدل ها به نمایش های موسیقی و دراماتیک تبدیل شده است. بنابراین کت و شلوار خانوار در نهایت به طور آشکار "همراه با ازدواج" با تئاتر بود.

فهرست ادبیات مورد استفاده

2. Gelderod M. de. تئاتر: SAT: PER. با پدر / ترانه. L. Andriev، p. 653-694

3. نظر. S. Shkunayev؛ هنر. N. Alekseev. -m: هنر، 2003. -717 پ.

4. De Filippo E. تئاتر: قطعات: PER. با آن. / ترانه. L. vershinina، ص. 759-775؛ هنر. N. Alekseev. -m: هنر، 2007. -775 p.

اسناد مشابه

مشخصه لباس تئاتر. الزامات برای طرح آن. تجزیه و تحلیل تصویر یک شکل انسان؛ پذیرش ها و وسایل مورد استفاده در منابع گرافیکی. استفاده از تکنیک های گرافیکی لباس تئاتری در توسعه مجموعه ای از لباس.

کار دوره، اضافه شده 09/28/2013


ویژگی های آنتروپومتری شکل. تجزیه و تحلیل لباس تاریخی. ویژگی های یک لباس مردانه. توجیه انتخاب مدل اساسی. تجزیه و تحلیل هنری و کامپوزیت مدل های آنالوگ. محاسبه و ساخت نقشه های محصول پیش بینی شده.

کار درس، اضافه شده 04/28/2015


کت و شلوار، به عنوان یک هدف از تجزیه و تحلیل اجتماعی و کشت: تاریخ توسعه، ارزش، نقش، عملکرد، و نوع شناسی. ویژگی های جنبه های نیمی از لباس، ویژگی ها، لوازم جانبی، پایه اجتماعی و روانشناختی. تجزیه و تحلیل نمادین لباس "Dandy".

پایان نامه، اضافه شده 01/24/2010


مفهوم هنر دکوراسیون به عنوان وسیله ای برای بیان هنر تئاتر. ابزار اصلی بیانگر هنر تئاتر: نقش مناظر، لباس، Grima در افشای تصویر شخصیت، طراحی بصری نوری از عملکرد.

تست کار، اضافه شده 12/17/2010


تاریخچه لباس اروپا XIX Century. تفاوت های سبک Ampir از کلاسیک گرایی. ویژگی های ترکیب کت و شلوار. زیبایی زیبایی زیبایی. انواع اصلی لباس، راه حل های طراحی آن. لباس، کفش، کلاه، مدل مو، جواهرات.

کار دوره، اضافه شده 03/27/2013


ویژگی های تاریخی عصر سلسله مینگ. لباس ملی چینی به عنوان بخشی از تاریخ چین. تزئینات، ویژگی های تزئینی و کت و شلوار نماد. اصول دکوراسیون لباس، اصالت آن. رنگ کلی طرح رنگ.

خلاصه، 2014/05/23/05 اضافه شده است


نقش و اهمیت لباس در جهان باستان: مصر، یونان، ریمما، هند و بیزانس. لباس اروپای غربی در دوران قرون وسطی. کت و شلوار رنسانس: ایتالیایی، اسپانیایی، فرانسوی، آلمانی، انگلیسی. سبک آمپور و رمانتیک، روکوکو و باروک.

دوره آموزشی، اضافه شده 12/26/2013


ویژگی های توسعه دوران باروک، زیبایی زیبایی زیبایی و ویژگی های پارچه، رنگ، زیور آلات. ویژگی های ویژه لباس زنانه و مرد، کفش و مدل مو. ویژگی های دوران باروک دوران باروک، انعکاس آنها در مد مدرن.

دوره های آموزشی، اضافه شده 07.12.2010


ویژگی های کلی فرهنگ و هنر ژاپن. شرح اصول تشکیل مجموعه ای از ژاپن. انواع کیمونو، برش و لوازم جانبی. تفسیر مدرن لباس ژاپن در آثار طراحان معروف (J. Galjano، A. McQueen، Miyaka، M. Prada).

چکیده، اضافه شده 07.01.2013


مدل موهای زنان امپراتوری بیزانس. ویژگی های مشخصه مدل موهای مردانه از قرن های XV-XVI. تکامل لباس دادگاه در روسیه در قرن XVIII. سبک "Romanesque" در یک تصویر زن مدرن. اثر کت و شلوار نجیب در لباس کلاس های دیگر.

"بخشی از مناظر در دست بازیگران لباس اوست."
دایره المعارف فرانسه

"لباس، دومین پوسته بازیگر است، این چیزی است که از وجود او جدا نیست، این موضوع قابل مشاهده از تصویر صحنه او است، که باید به طرز حیرت انگیزی با او ادغام شود تا تبدیل به یک دولت غیر دولتی شود ..."
A. Ya Tairov.

تئاتر یک نوع مصنوعی هنر است که به ما اجازه می دهد نه تنها به شنیدن، نه تنها تصور، بلکه همچنین ببینیم. تئاتر به ما فرصتی می دهد تا شاهد درام روانشناختی و شرکت کننده در دستاوردهای تاریخی و رویدادها باشد. تئاتر، نمایندگی تئاتر توسط تلاش های بسیاری از هنرمندان، از کارگردان و بازیگر و پایان دادن به کارگردان هنرمند ایجاد شده است، زیرا عملکرد "جفت کردن هنرهای مختلف، هر کدام از آنها در این ایده تغییر می کند و تبدیل می شود کیفیت جدید ... "

لباس تئاتر یک مرحله کامپوزیتی از بازیگر است، اینها نشانه های خارجی و ویژگی های شخصیت مشخصی هستند که به تناسخ بازی کمک می کند؛ ابزار تاثیر هنری بر بیننده. برای یک بازیگر، یک کت و شلوار، یک فرم، شکل، نقش معنوی است.

به عنوان یک بازیگر در کلمه و ژست، حرکت و فناوری، صدای ایجاد یک موجود جدید از تصویر مرحله، از دست دادن از بازی مشخص شده در بازی، و هنرمند، هدایت شده توسط داده های مشابه پخش، به تصویر کشیده شده است ابزار هنر او.

در طول قرن ها، تاریخچه هنر تئاتر، طراحی تزئینی یک تحول تکاملی را گذراند، نه تنها به بهبود تجهیزات مرحله، بلکه همچنین از طریق تمام تعدادی از سبک ها و حالت های زمان مربوطه، باعث شد. این بستگی به ماهیت ساخت ادبی بازی، از ژانر درام، از ترکیب اجتماعی بیننده، در سطح تکنولوژی های منظره بستگی دارد.

دوره های ساختارهای پایدار معماری قدیم توسط ابتدایی از قرون وسطی جایگزین شد، به نوبه خود، که توسط تئاتر دادگاه سلطنتی با لوکس خودکفا از ایده ها رفته بود. اجرای در Sukni، در مناظر طراحی پیچیده، تنها در دکوراسیون نور، بدون ثبت نام در همه - در مرحله لخت، در یک پلت فرم، فقط در پیاده رو، وجود دارد.

نقش یک صحنه به عنوان یک منظره "حرکت" همیشه غالب است. نقطه نظر در رابطه با "رابطه" با بازیگر، زمان و تاریخ، در نهایت، با "شریک" فوری خود - دکوراسیون صحنه تغییر کرد.

در روند توسعه پیشرفته هنر تئاتر مدرن، نوآوری مدیر، تحول روش دکوراسیون نقش هنر لباس یک لباس، بر خلاف آن کاهش نمی یابد. همانطور که کود های جوان و انعطاف پذیر رشد می کنند - فیلم و تلویزیون - تئاتر، بدون شک، در جستجوی و آرد جدید تکنیک های دیدنی و جذاب پیدا می شود، آن دسته از کسانی بود که دفاع و تعیین موقعیت تئاتر به عنوان یک ارزش افزودنی مستقل نوع هنر لباس، به عنوان عنصر نورد دکوراسیون تئاتر، در این جستجو اول ارائه شده است.

فرهنگ مدرن مدرن هنر تئاتری، کار کارگردان نازک و عمیق در بازی و بازی، بازی با استعداد از بازیگران از هنرمند در کت و شلوار، طراحی شده، به ویژه نفوذ دقیق به نمایشنامه نویس عملکرد، تماس نزدیک با مدیر طراحی مدرن توسط قوانین کانون نیست. این به طور جداگانه و به طور خاص در هر مورد خاص است. "کار مدیر از کار هنرمند جدایی ناپذیر است. اول، مدیر باید پاسخ های خود را به مشکلات دکوراسیون اصلی پیدا کند. هنرمند، به نوبه خود، باید وظایف تنظیم را احساس کند و به طور مداوم به معنای بیانیه ای نگاه کند ... ". لباس تئاتر برای اولین بار با استفاده از بصری ایجاد می شود، یعنی طرح.

ظهور لباس تئاتری مانند ریشه های آن به دوران قدیم می رسد. از مدت زمان طولانی یک کت تئاتر در تئاتر شرق باستان وجود دارد. در چین، هند، و همچنین ژاپن، کت و شلوار تئاتر کلاسیک نمادین و مشروط است. تئاتر همچنین دارای ارزش نمادین جواهرات، الگوهای پارچه و رنگ است.

لباس های تئاتر معمولا برای هر ارائه و برای یک بازیگر خاص ایجاد می شود، اما همچنین چنین کتانی های تئاتری وجود دارد که بدون تغییر هستند و به طور کلی برای همه گروه ها یکسان هستند.

لباس تئاتر اروپا برای اولین بار در یونان باستان ظاهر شد، جایی که، همانطور که همه می دانند، تئاتر به عنوان چنین متولد شد و بعدا توسعه یافت و تحت تغییرات زیادی قرار گرفت، به یک مدرن تبدیل شد. اصلی در تئاتر یونان کت و شلوار بود که لباس های گاه به گاه یونانیان را تکرار می کرد. همچنین، برای ارائه تئاتری، ماسک های بزرگ با نمایشگاه های مختلف مورد نیاز بود، به طوری که تماشاگران از AFAR برای احساسات بازیگران و کفش ها در مخازن بالا - گربه ها قابل مشاهده بود. هر کت و شلوار در تئاتر یونان از رنگ خاصی برخوردار بود، به عنوان مثال، اشاره به تعلق به نوع خاصی از فعالیت یا موقعیت خاص بود. لباس تئاتر بسته به مکان های بازی تغییر کرد.

ارزش نشان دادن ماهیت مفهوم "کت و شلوار تئاتر" است.

تعریف زیر در دایره المعارف بزرگ شوروی ارائه شده است: "کت و شلوار در تئاتر (از ایتالیا. لباس - سفارشی) یکی از اجزای مهم عملکرد عملکرد - لباس، کفش، کلاه، دکوراسیون، و موارد دیگر است استفاده شده توسط بازیگر برای مشخص کردن تصویر مرحله ایجاد شده توسط بازیگر آنها بر اساس طرح مدیر کل؛ علاوه بر لازم به لباس - آرایش و مدل مو "کت و شلوار در تئاتر یک منطقه خاص از خلاقیت هنرمند است، که در آن او می تواند تعداد زیادی از تصاویر را به تصویر بکشد، شخصیت شخصیت را منتقل کند. کت و شلوار تئاتر، ارائه بیننده در مورد شخصیت شخصیت را تشکیل می دهد، به نفوذ به روح آن عصر کمک می کند تا ویژگی های منعکس شده در ظاهر بازیگر را درک کند.

لباس تئاتر با تعریف Zakharzhevskaya R.V.- این "تصویر مرحله کامپوزیتی بازیگر است، اینها ویژگی های خارجی و ویژگی های شخصیت مشخصی است که به تکرار بازیگر کمک می کند؛ به معنای تاثیر هنری بر بیننده است. "

با گذشت زمان، سه نوع اصلی از لباس های تئاتری در تئاتر تشکیل شده است: پرسنل، بازی و لباس شخص بازیگری. آنها از ظاهر تئاتر خارج شدند، هرچند آنها تعاریف واضح را به دست نیاورده بودند، این نوع لباس ها حفظ شد و به تئاتر مدرن امروز ادامه یافت.

"کت و شلوار شخصی این یک ترکیب تصویر پلاستیکی است که بخشی از تصویر یک بازیگر بازیگر است. صحنه و لباس یک بخش جدایی ناپذیر از شخصیت، درایوها و ابراز شده توسط بازیگر است. " نمونه های اولیه یک کت و شلوار شخصیت بخش جدایی ناپذیر از آیین ها و آیین های بسیاری از کشورهای جهان بود. گاهی اوقات یک کت و شلوار می تواند به طور کامل شکل بازیگر را پنهان کند.

کت و شلوار بازی - این وسیله ای برای تغییر ظاهر بازیگر و یک عنصر مهم از اجرای نقش است. به عنوان مثال، در نمایندگی های رسمی و عامیانه، لباس های بازی اغلب گرسنگی-تقلید را پوشیدند، به عنوان مثال، زمانی که لازم بود تاکید، مضحک، به بهشت \u200b\u200bیا نشان دادن پوچ بودن وضعیت. مردان در زنان تغییر می کنند، و برعکس، مردم حیوانات مختلف را به تصویر کشیدند. برای ساخت چنین لباس، هر گونه مواد که می تواند تاکید بر تصویر شخصیت مناسب است. ما از مواد مختلف و اشیاء لباس استفاده کردیم: کلاه - Ushanki، Tulup، Cosing، دکوراسیون های مختلف مصنوعی، مهره ها، Buebrels.

کت و شلوار مانند لباس شخص بازیگری، این اصلی ترین چیز در عملکرد است، بر اساس این لباس است که لباس ها توسط شخصیت و بازی مشخص می شود. تئاتر همیشه بازتاب مد مدرن را پیدا کرد. به عنوان مثال، در عمل تئاتر اغلب از لباس های آن زمان استفاده می شود، که طی آن عملکرد نشان داده شد. آغاز چنین پذیرش از زمان تئاتر یونان باستان طول می کشد و تا امروز در تئاتر حضور دارد. ایجاد این نوع لباس بر اساس جنبش از شکل تقریبی به ظاهر لباس (در تئاتر رنسانس) به یک شباهت بزرگتر با لباس های تاریخی، ملی، دستیابی به دقت و صحت، انجام شد. بعدها، در تئاتر طبیعت گرایی، صحنه و لباس شروع به طور کامل با شخصیت شخصیت شروع می شود، آن را با بیشترین دقت وضعیت ذهنی خود انتقال می دهد، ظاهر خارجی جزء تصویر را می گیرد. صحنه و لباس همیشه یک منطقه خاص از خلاقیت هنرمندان باقی مانده است، که کار می کند و نه تنها لباس های فوق العاده، بلکه حتی به نظر می رسد، از لباس های خانگی معمولی، واقعا آثار هنری را ایجاد می کند.

کت و شلوار تئاتر بخش مهمی و جدایی ناپذیر از هر ارائه تئاتر است. تئاتر شاید بیشترین نوع هنر عمومی باشد، و به همین ترتیب، آن را به طور موثر تر طراحی شده است. معمولا از سالن خارج می شود، بینندگان با ارائه مشخص می شوند: این بود که دیدنی، بازی عالی، مناظر فوق العاده، تولید عالی بود. از این رو، ما می بینیم که تقریبا تمام جنبه های نمایندگی تئاتری تحت تاثیر کار هنرمند قرار دارد.

در زمان بازنمایی و آیین های فولکلور، لباس های لباس های کارشناسی ارشد نامیده می شود، اغلب خرده خرده ها به طور مستقل با راه خود آمد و او را به زندگی با ابزارهای پیشگیرانه، ارزان و مقرون به صرفه ترسیم کردند. تئاتر همیشه عمومی نبود، او به اندازه کافی بلند شد. چندین بازیگر حرفه ای وجود داشت و سخنرانی ها عمدتا توسط بازیگران خودپسی انجام شد. قوانینی که از اقشار امن خود دفاع کرده اند، به دانستن و صاحبخانه ها دفاع می کنند، از جمله بازیگران، از جمله بازیگران برای جلوگیری از تیراندازی از کار با دستمزد کم، از رشد متخصصان در تئاتر جلوگیری کردند.

در دوران فئودالیسم، هنر تئاتر در نمایندگی هنرمندان محرمانه منعکس شده است. لباس های خود را در ایده های خود مانند لباس های معاصران خود از لایه های فقیر جمعیت، اما با روبان های روشن و حبس تزئین شده بود. در این زمان، ایده هایی به نام اسرار وجود دارد، ویژگی مشخصی از تولیدات، پمپ، روشنایی، تزئینات بود، آنها نیز در اعمال و اخلاق به اشتراک گذاشتند. عملکرد تبدیل به یک نمایشگاه دادگاه، زیبا و جذاب است. مناظر به تنهایی حضور داشت، که در مقایسه با ارائه مدرن تئاتر تغییری نکرد. نیاز اصلی لباس تئاتر در رمز و راز ثروت، لوکس بود، و برای نقش اصلی یا ثانویه مهم نیست، لباس مشروط بود، از جزئیات اجتناب کرد. کت و شلوار اخلاق به دلیل محتوای قابل ویرایش بیشتر بود.

مانند انواع هنر، مسابقه اسب بزرگ در توسعه تئاتر در دوران رنسانس رخ داده است، در عین حال تحت تغییرات قابل توجهی و لباس تئاتر، که به شدت تحت تاثیر مد زمان، و همچنین صحنه قرار گرفت. بازیگران کمدی متخلفان را خشمگین کردند، به شوخ طبعی، خنده و گاهی اوقات بدترین ویژگی های قهرمانان نمایندگی دادند. بعدها، در نیمه دوم قرن بیستم، کت و شلوار در تئاتر تبدیل به یک سبک اشرافی نزدیک در لباس شده است، بسته به نقش آن می تواند محتوای بسیار جذاب باشد. لباس های تئاتری در حال حاضر مشغول به کار بودند که تحصیلات خود را دریافت کردند: خیاط، هنرمندان، تزئینات، تقاضا برای این حرفه ها ظاهر شد.

ژانر اصلی تئاتر کلاسیک در قرن XVII این فاجعه بود، بازیگران در لباس پوشیدنی بودند، لباس های خانگی را از دادگاه و خدمتگزاران تکرار کردند، سلیقه ها و منافع اشرافیت تحت تاثیر قرار دادن بازی ها. Louis XIV در سال 1662 با عملکرد او در تعطیلات در نسخه های تعطیلات، موجب شد تا یک سری از لباس های جدید برای قهرمانان غم انگیز به مدت صد سال پیش برود، به نظر می رسد در لباس "رومی" تلطیف شده بر اساس لباس دادگاه با اضافه کردن بچه ها ایجاد شده است و یک دامن کوتاه. لباس های زنانه، انعکاسی از مدرنیته بود، با این حال، بیشتر تزئین شده و دوخته شده از زندگی روزمره بود.

در تمام نوشته های تاریخ لباس، دوره مولیر متمایز است و از آنجایی که مد همیشه در تئاتر منعکس شده است، این دوره و لباس تئاتر قابل توجه است. یک روند واقع بینانه شروع به آشکار شدن خود در لباس تئاتر، مولیر در تولیدات خود را توسط بازیگران در لباس های مدرن از لایه های مختلف جمعیت یافت شد. دستاورد مهم در توسعه لباس تئاتری، امتناع از برجسته شدن و پمپ توسط بازیگر D. Harrik بود، او به دنبال لباس به مکاتبات نقش اجرایی، افشای شخصیت قهرمان، کمک می کند تا به درک او کمک کند ذات.

برای کار ما، سهم ولتر در تاریخ لباس تئاتر به ویژه جالب است - تمایل به دقت تاریخی، ملی و قوم نگاری. امتناع از کلاه گیس های کاندید، جواهرات گرانبها عظیم، که در آن من توسط بازیگر کلارون حمایت شد. در روند اصلاحات، یک لباس "رومی" تلطیف شده، رها کردن تونل سنتی، لذت بردن از جنبش های بیش از حد، محدود کردن حرکت است.

در قرن XVIII، کت و شلوار در نهایت تغییر می کند، لباس های با سنت های قدیمی، به لحاظ تاریخی قابل اعتماد می شود، با توجه به طرح های هنرمندان، توجه زیادی به آرایش، مدل مو، اما دقت تاریخی تنها در جزئیات جداگانه به دست می آید. فقط توسط قرن نوزدهم در ارتباط با توسعه هنر مدیران، صحنه و لباس به دنبال آن است که با ایده بازی، به روح عصر در ایجاد عملکرد احترام بگذارد. شناخته شده است که نمایشنامه نویسان شخصا در صحنه بازی شرکت کردند و پیگیری طرح را دنبال کردند، آنها همچنین مسئولیت طرح های مناظر و لباس ها را به عهده گرفتند و هنرمندان معروف را جذب کردند. در میان نویسندگان طرح های E.delkrua، P. Gavarini، P. deerosh L. و K. Bulanzhen، A. delrya، و دیگران. در طول این دوره، با دقت و دقت درمان می شود ، اگر چه همه به دنبال آن نیست.

در انگلستان، دقت تاریخی لباس تئاتر توجه زیادی به بازیگر U.C. Mackage، بازیگر E. vestri. برخی از مدیران در اجرای تاریخی سعی داشتند به دقت محل عمل را نشان دهند، لباس ها را دقیقا بر اساس زمان بازسازی کنند، توجه زیادی به آرایش و مدل موهای پرداخت می شود. به طور طبیعی، چنین تمایل هدفمند برای صحت، تاریخی و دقت نمی تواند در حال افزایش انکار باشد. در پایان قرن نوزدهم، بسیاری از مدیران و هنرمندان برجسته به دنبال انکار روال طبیعت گرایی و مبارزه با رئالیسم در هنر، که منجر به بازگشت کنوانسیون و سبک سازی می شود. این اتفاق افتاد زیرا اعتقاد بر این بود که تئاتر باید چیزی جدید، افسانه، واقعی را حمل کند و عادت زندگی انسان را تکرار کند.

بعدها، در آغاز قرن بیستم، لباس های تئاتر شروع به شرکت در هنرمندان برجسته و معروف می کنند و بازتابی از خلاقیت خود را در این نوع هنر، تشکیل قوانین عملکرد کت و شلوار، کار با کشف کنندگان. در مرحله حاضر توسعه هنر تئاتر، هنرمندان به دنبال نه تنها منعکس کننده ایده بازی ها، بلکه همچنین برای ساخت لباس های تئاتری توسط یک کار مستقل از هنر، قرار دادن آن، به خود را به فانتزی، به خود را به نشان دادن خود را نشان می دهد چشم انداز خلاقیت

از تاریخ لباس تئاتر، ما می بینیم که چگونه هنرمندان حسادت را با حسادت به این نوع تحت درمان قرار دادند، بنابراین اهمیت نقش لباس تئاتر در هنر مورد سوال نیست. در مطالعه ما، ما توجه ویژه ای به هنرمندان زیر درگیر در ایجاد طرح های ایده های تئاتری داشتیم: L. Bakst، A. Benua، N. Rerich، A. Exter (به ضمیمه شماره 1 مراجعه کنید). در طول توسعه لباس تئاتری، ما می بینیم که چگونه هنرمندان مشهور و کارشناسی ارشد نامزدی در ایجاد یک تصویر هنری کار می کردند، حتی از لباس های معمول موجودات هنری، به طور خلاقانه کار می کردند، تلاش می کردند تا بیننده را در مورد منحصر به فرد و اهمیت این شخصیت بگویند . کت و شلوار تئاتر آلیاژ بسیاری از هنر است، در ایجاد آن بسیاری از استادان از جهت های مختلف وجود دارد، یک طرح را ایجاد می کند، دومین تزئین گلدوزی، سوم در لوازم جانبی و بوتفوری مشغول است. مراحل خاصی از کار بر روی ایجاد لباس تئاتر وجود دارد.

قبل از ادامه به ایجاد لباس تئاتر، هنرمند باید بپرسد: چه چیزی باید ایجاد کند، برای چه کسی و چگونه؟ پاسخ به این سوالات، یک دانش هنرمند با تجربه در مورد جو و تصویر عملکرد، دسترسی به مخاطبان و دانش عالی از مخاطب، و همچنین دانش از تمام تکنیک ها و تکنیک ها، با کمک آن است می تواند همه چیز را بیان کند علیرغم این واقعیت است که لباس تئاتر یک کار مستقل از هنر است، آن، مانند همه چیز در عملکرد، به طرح کلی وابسته است. ایده، این ایده در مرکز همه چیز واقع شده است، محتوای هر شخصیت، وضعیت اجتماعی خود را، موقعیت اخلاقی شخصیت او، دیکته می کند، به همین ترتیب، ظاهر آن، زیرا همه این ها مرتبط هستند. در عمل تئاتر سه مرحله کار در ایجاد یک کت و شلوار وجود دارد: کار با ادبیات، انباشت مواد در موضوع کلی عملکرد، کار بر روی طرح، و در نهایت، عملکرد طرح در مواد، تجسم در صورتحساب. هنگام حل لباس معمولی از عملکرد، هنگام انتخاب تجهیزات در کار بر روی طرح های لباس، و حتی هنگام انتخاب مواد و لوازم جانبی، هنرمند لباس، توسط ایده اصلی عملکرد هدایت می شود. این ایده بیان شده در سناریو زیردستان همه چیز: لباس، مناظر، ویژگی های قهرمانان.

یک وضعیت مهم در کار هنرمند در صحنه و لباس، دستیابی به وحدت ایده عملکرد و تجسم آن است. مهم در لباس تئاتر، ایجاد یک تصویر مرحله است. یک تصویر منظره ای در لباس تئاتر شامل طراحی هدایت، پایه دراماتوری، دینامیک، ریتم است. پویایی تصویر و تکامل شخصیت شخصیت و همه چیز که در صحنه اتفاق می افتد، چندین بار هنرمند را تشویق می کند تا ظاهر بازیگر را در صحنه تغییر دهد و نه تنها کت و شلوار، بلکه آرایش و مدل مو. صحنه و لباس باید کمک به انتقال بیننده کوچکترین تغییر در تصویر بازیگر.

صحنه و لباس مهمترین بخش ارائه تئاتر است، زیرا نزدیک به بازیگر است. فراموش نکنید که صحنه و لباس یک شخصیت خارجی شخصیت شخصیت، بخشی جدایی ناپذیر از تصویر مرحله است و فضای خاصی را در اطراف بازیگران ایجاد می کند، نه تنها برای عملکرد نقش، بلکه برای مخاطب نیز مهم است. اغلب ویژگی های شخصیت باقی مانده در زیرنویس نمایشنامه وجود دارد، مخاطبان در مورد آنها در کت و شلوار و جزئیات جداگانه آن یاد خواهند گرفت. گاهی اوقات یک کت و شلوار باید با تصویر ایجاد شده توسط بازیگر ادغام شود، اما همچنین اتفاق می افتد که او به عنوان یک تناقض از شخصیت عمل می کند. به عنوان مثال، در ابتدای عملکرد، ما می بینیم که بازیگر شخصیت خوبی را نشان می دهد، او رفتار می کند و به شدت و بسیار بسیار، اما لباس او هشدار دهنده بیننده است، و در واقع، به پایان می رسد، او به نظر می رسد یک تبهکار یا خائن. همچنین، کار بر روی طرح ها، در مورد فردیت بازیگر، قابلیت انعطاف پذیری و پیچیدگی طبیعت آن را فراموش نکنید.

بنابراین، ویژگی های زیر عبارت بیانگر لباس تئاتر است:

تصویر منظره هنری شامل طراحی هدایت، بنیاد دراماتوریک، دینامیک، ریتم است.

یک کار مستقل از هنر است

به دنبال دقت تاریخی، ملی و قوم نگاری است

یک عبارت شخصیت شخصیت خارجی است؛

این به طور موثر تر طراحی شده است.