Ο Μεσαίοι είναι η μεγαλύτερη πολιτισμική εποχή στην ιστορία της Δυτικής Ευρώπης. Καλύπτει εννέα αιώνες - με VI στο XIV αιώνα. Ήταν η εποχή της κυριαρχίας της Καθολικής Εκκλησίας, η οποία από τα πρώτα βήματα ήταν η προστάτης των Τεχνών. Η λέξη της εκκλησίας (προσευχή) σε διάφορες χώρες της Ευρώπης και σε διάφορα κοινωνικά στρώματα ήταν άρρηκτα συνδεδεμένη με τη μουσική: οι Ψαλμοί, οι ύμνοι, οι χορωδίες ακούγονται - εστιασμένες, αποσπασμένες μελωδίες, απομακρυσμένες από την καθημερινή φασαρία.

Επίσης, με εντολή της εκκλησίας, οι μαγευτικοί ναοί ανεγέρθηκαν, τα διακοσμούσαν με γλυπτά και πολύχρωμα παράθυρα βιτρό. Χάρη στην υποστήριξη της εκκλησίας, οι αρχιτέκτονες και οι καλλιτέχνες, οι γλύπτες και οι τραγουδιστές αφιερώθηκαν στην ατρόμητη αγαπημένη τέχνη, δηλ. Η Καθολική Εκκλησία τους υποστήριξε από την πλευρά του υλικού. Έτσι, το σημαντικότερο μέρος της τέχνης γενικότερα και μουσικά, ειδικότερα, ήταν υπό τη διατήρηση της καθολικής θρησκείας.

Η εκκλησία τραγουδώντας σε όλες τις χώρες της Δυτικής Ευρώπης ακουγόταν αυστηρά λατινικά και προκειμένου να ενισχυθεί περαιτέρω η ενότητα, η Κοινότητα του Καθολικού Κόσμου, ο Πάπας Γρηγόριος Ι, ο οποίος προσχώρησε στο θρόνο στην αρχή του IV αιώνα, συγκέντρωσε όλα τα Chants και συνταγογραφήθηκε για να εκτελέσει καθένα από αυτά μια ορισμένη μέρα του ημερολογίου της εκκλησίας. Η μελωδία που συλλέχθηκε από τον μπαμπά ονομάστηκε Grigorian Choralov, και η παράδοση τραγουδιού που βασίζεται σε αυτά ονομάζεται Gregorian τραγούδι.

Κατά τη μελωδική έννοια, η χορωδιακή Grigorian επικεντρώνεται στα Octoys - το σύστημα οκτώ θυρών. Ήταν η παλιλία που συχνά παρέμεινε η μόνη ένδειξη για το πώς να εκτελέσει το χορωδιακό. Όλα τα FRET ήταν οκτάβια και ήταν τροποποιήσεις ενός αντίκα συστήματος Trichord. Οι Fretsmen είχαν μόνο την αρίθμηση, τις έννοιες του "Dorian", "Lidy" και ούτω καθεξής. Εξαιρούνται. Κάθε τρόπος αντιπροσωπεύει τη σύνδεση δύο τετραχών.

Οι Γρηγοριανοί χορωδά που αντιστοιχούσαν τέλεια στο ραντεβού προσευχής τους: Οι χαλαρά μελωδίες έγιναν από τα μοτίβα ανθεκτικά ο ένας στον άλλο, η μελωδική γραμμή περιορίστηκε στα Temps, τα διαστήματα μεταξύ των ήχων ήταν μικρά, το ρυθμικό μοτίβο ήταν επίσης ομαλό, χορωδές με βάση το Χτίστηκαν ένα λεξικό ήχο λεξικό. Οι χρωστικές Γρηγοριανών ήταν μόνοι με μια αρσενική χορωδία και εκπαιδεύτηκαν τέτοια τραγούδια κυρίως στην προφορική παράδοση. Οι γραπτές πηγές των Γρηγορίνικο είναι ένα μοντέλο ανάρμοστης σημείωσης (ειδικά εικονίδια στάθηκαν πάνω από το λατινικό κείμενο), ωστόσο, αυτός ο τύπος μουσικής ρεκόρ έδειξε μόνο το κατά προσέγγιση ύψος του ήχου, τη γενικευμένη κατεύθυνση της μελωδικής γραμμής και δεν άγγιξε τη ρυθμική πλευρά Συνολικά και ως εκ τούτου θεωρήθηκε δύσκολο να διαβαστεί. Οι τραγουδιστές που έκαναν τις εκκλησιαστικές φροντίδες δεν σχηματίστηκαν πάντα και εκπαιδεύτηκαν το σκάφος τους προφορικά.

Ο Gregorian Chood έγινε σύμβολο μιας τεράστιας εποχής, η οποία αντανακλούσε την κατανόηση της ζωής και της ειρήνης σε αυτό. Το νόημα και το περιεχόμενο του Choralov αντανακλούσαν την αναπαράσταση ενός μεσαιωνικού ατόμου για την ουσία της ύπαρξης. Με αυτή την έννοια, ο Μεσαίνων αναφέρεται συχνά ως ο «νέος ευρωπαϊκός πολιτισμός», όταν, μετά την πτώση της αρχαίας Ρώμης το 476, οι φυλές των βαρβαρικών, το Galov και οι Γερμανοί εισέβαλαν στην Ευρώπη και άρχισαν να χτίζουν ξανά τη ζωή τους. Η πίστη τους στους χριστιανούς αγρότες διακρίθηκε από την αδράνεια, η απλότητα και η μελωδίες των χρωμάτων της Γρηγορίας βασίστηκαν στην ίδια αρχή της φυσικότητας. Κάποια μονοτονία του Χαλονοφ αντικατοπτρίζει την εκπροσώπηση ενός μεσαιωνικού προσώπου για το διάστημα, το οποίο περιορίζεται στο πεδίο του οράματός του. Επίσης, η ιδέα της εποχής συσχετίστηκε με την ιδέα της επαναληψιμότητας και της αμετάβλητης.

Το Grigorian τραγούδι, ως κυρίαρχο μουσικό στυλ, στο IX αιώνα τελικά εγκρίθηκε σε όλη την Ευρώπη. Ταυτόχρονα, στην τεχνική της μουσικής, η μεγαλύτερη ανακάλυψη, η οποία είχε αντίκτυπο σε ολόκληρη την περαιτέρω ιστορία του: ένας μοναχός επιστήμονας, ο ιταλικός μουσικός Guido από το Arezzo (Aretinsky) εφευρέθηκε το ρεκόρ ρεκόρ, το οποίο εξακολουθούμε να χρησιμοποιούμε μέχρι σήμερα . Από τώρα και στο εξής, η Gregorian χορωδία θα μπορούσε να γίνει αισθητή στις σημειώσεις και εντάχθηκε στη νέα φάση της ανάπτυξής του.

Από το VII έως τον 9ο αιώνα, η έννοια της "μουσικής" και της "Grigorian Choleal" υπήρχε εσωτερικά. Μελετώντας τη μελωδία του Choralov, μεσαιωνικούς μουσικούς και τραγουδιστές ήθελαν να τα διακοσμήσουν, αλλά το τραγούδι της εκκλησίας δεν επιτρέπεται. Η έξοδος βρέθηκε: πάνω από τη χορωδιακή μελωδία σε ίση απόσταση από όλους τους ήχους της, προδιαγράφηκε μια δεύτερη φωνή, η οποία επανέλαβε ακριβώς το μελωδικό μοτίβο της χρωστικής. Η μελωδία φαινόταν πυκνό δίδυμο. Αυτά τα πρώτα δοκίμια δύο φωνητικών έλαβαν τα ονόματα του Organum, καθώς η κατώτερη φωνή στην οποία η χορωδιακή ακουγόταν, ονομάστηκε Vox Principalis (Basic Voice) και την κορυφή, Clepleen - Vox Organalis (πρόσθετη φωνή). Ο ήχος του Οργανισμού προκάλεσε ενώσεις με την ακουστική του ναού: ήταν ένα λασπώδες, βαθύ. Περαιτέρω, κατά τη διάρκεια των αιώνων XI-XIII, οι δύο τρόποι αυξήθηκαν στα τρία- (τρίποδα) και τα τετράγωνα γυαλιά.

Ρυθμικές μορφές οργάνου - ένα παράδειγμα του ρυθμού modus (modal). Τα έξι: jamb (l ¡), trohai (Κορέα) (¡L), Dactyl (¡ . L ¡), αναλυτής (l ¡¡¡ . ), spondes (¡ . ¡ . ), Που είναι εξαντλημένο (l l l).

Εκτός από την Εκκλησιαστική Τέχνη, με την ανάπτυξη ευρωπαϊκών πόλεων και οικονομικών, η γέννηση της νέας τέχνης συνέβη στον Μεσαίωνα. Απλοί άνθρωποι (Townspeople, αγρότες) παρατηρήθηκαν συχνά στις οικισμούς τους αδέσποτες ηθοποιούς και τους μουσικούς που χόρεψαν, έπαιξαν θεατρικές ιδέες για διαφορετικά θέματα: για τους άγγελους και τις πιο ιταλίες και τους εορτασμούς. Αυτή η νέα κοσμική τέχνη έπρεπε να δοκιμάσει ασκούμενους υπουργούς της εκκλησίας, οι οποίες βρέθηκαν σε επιπόλαινα τραγούδια και τις ιδέες του chinny του διαβόλου.

Η άνθηση των μεσαιωνικών πόλεων και φεουδαρχικών κάστρων, το ενδιαφέρον για την κοσμική τέχνη, η οποία κάλυπτε όλα τα κτήματα, οδήγησε στην εμφάνιση της πρώτης επαγγελματικής σχολής κοσμικής ποίησης και μουσικής - η Σχολή του Troubadurov, η οποία προέκυψε στα νότια της Γαλλίας στο XII αιώνας. Παρόμοιοι γερμανοί ποιητές και μουσικοί ονομάζονταν Minnesingers (Maistezingers), Severofranzes-Trusters. Ως συγγραφείς των ποιημάτων, οι ποιητές-trubadura εκτελούνται ταυτόχρονα τόσο ως συνθέτες όσο και ως εκτελεστές τραγουδιστές.

Τα τραγούδια μουσικής troubadur αυξήθηκαν από την ποίηση και μίλησαν την απλότητα, το joggy, απροσεξία. Το περιεχόμενο αυτών των τραγουδιών συζήτησε όλα τα ζωτικά θέματα: η αγάπη και ο διαχωρισμός, η επίθεση της άνοιξης και η χαρά του, η αστεία ζωή των περιπλάνησης των φοιτητών-μελετητές, τα pranksters της τύχης και της ιδιοσυγκρασίας της, κλπ. Ρυθμική, σαφής συμμετοχή Σε μουσικές φράσεις, έμφαση, συχνότητα - όλα αυτά ήταν τα ιδιόμορφα τραγούδια Troubadurov.

Το Grigorian τραγούδι και στίχοι του Trombadurov είναι όμως δύο ανεξάρτητες κατευθύνσεις στη μεσαιωνική μουσική, όμως, με όλη την αντίθεσή τους, είναι δυνατόν να σημειωθούν τα γενικά χαρακτηριστικά: εσωτερική σχέση με μια λέξη, μια τάση για μια ομαλή, διακοσμημένη ψηφοφορία.

Η κορυφή της πρώιμης πολυφωνίας (πολυφωνία) έχει γίνει η Σχολή Notre κυρίες. Οι μουσικοί που τους ανήκουν στο Παρίσι στον καθεδρικό ναό της Παρισίας της Παναγίας στους αιώνες XII-XIII. Κατάφεραν να δημιουργήσουν τέτοιες πολυτελείς κατασκευές, χάρη στην οποία η μουσική τέχνη έχει γίνει πιο ανεξάρτητη, εξαρτώμενη από την προφορά του λατινικού κειμένου. Η μουσική έπαυσε να θεωρείται ότι είναι η υποστήριξή του και η διακόσμησή του, προοριζόταν τώρα ειδικά για την ακρόαση, αν και τα όργανα των πλοιάρχων αυτού του σχολείου εξακολουθούσαν να εκτελούνται στην εκκλησία. Οι επαγγελματίες συνθέτες βρισκόταν στο κεφάλι της Σχολικής Notre-Ladies: Στο δεύτερο μισό του XII αιώνα - Leonin, με τη σειρά των αιώνων XII-XIII - του μαθητή του Peroths.

Η έννοια του "συνθέτη" στην εποχή του Μεσαίωνα υπήρχε στο δεύτερο σχέδιο μουσικών πολιτισμών και η ίδια η λέξη προέρχεται από "σύνθεση" - δηλ. Συνδυάστε, δημιουργήστε κάτι καινούργιο από τα γνωστά στοιχεία. Το επάγγελμα του συνθέτη εμφανίστηκε μόνο στον XII αιώνα (στο έργο του Troubadur και των Δασκάλων της Σχολής Notr-Dame). Για παράδειγμα, οι κανόνες της σύνθεσης που βρέθηκαν ο Leonin είναι μοναδικοί επειδή, ξεκινώντας με μια βαθιά μελέτη του μουσικού υλικού που δημιουργήθηκε μπροστά του, ο συνθέτης στη συνέχεια συνδυάστηκε για να συνδυάσει τις παραδόσεις αυστηρής γρηγοριακής τραγουδιού με τους ελεύθερους κανόνες της τέχνης του troubadur.

Ήδη στο Organum Peroth, ένας τρόπος επέκτασης της μουσικής φόρμας εφευρέθηκε. Έτσι, ο μουσικός ιστός διαλύθηκε για σύντομα κίνητρα, χτισμένα σύμφωνα με την αρχή της ομοιότητας (όλοι αντιπροσωπεύουν αρκετά στενές παραλλαγές μεταξύ τους). Το Peroth μεταδίδει αυτά τα μοτίβα από μια ψήφο σε μια άλλη, δημιουργώντας κάτι σαν μια κινητή αλυσίδα. Χρησιμοποιώντας τέτοιους συνδυασμούς και μεταβολές, επιτρεπόταν στο Peroths Organum σε κλίμακα. Οι ήχοι της χορωδικής χορωδίας, που τοποθετούνται στη φωνή του Cantus Firmus, βρίσκονται σε μεγάλη απόσταση μεταξύ τους - και συμβάλλει επίσης στην επέκταση της μουσικής μορφής. Έτσι υπήρχε ένα νέο είδος - mott; Κατά κανόνα, πρόκειται για ένα δοκίμιο τριών φωνητικών που έχει διανεμηθεί στο XIII αιώνα. Η ομορφιά του νέου είδους ολοκληρώθηκε στον ταυτόχρονο συνδυασμό διαφορετικών μελωδικών γραμμών, αν και ήταν ουσιαστικά μια επιλογή, αλληλεπικάλυψη, αντανάκλαση του κύριου λάκκου - cantus firmus. Αυτά τα motges ονομάστηκαν "παραγγέλθηκαν".

Ωστόσο, το δημόσιο δημοφιλές στο κοινό, το οποίο, σε αντίθεση με τον Cantus Firmus, υπερβαίνει τις αρχές της διαφοράς: μερικοί από αυτούς αποτελούσαν ακόμη και πολύγλωσσο κείμενα.

Τα μεσαιωνικά μοτοσικλέτα θα μπορούσαν να είναι τόσο πνευματική όσο και κοσμική περιεκτικότητα: αγάπη, σατιρική, κλπ.

Η πρώιμη πολυφωνία υπήρξε όχι μόνο ως φωνητική τέχνη, αλλά και ως όργανο. Για τους Carnavals και τις διακοπές, η χορευτική μουσική συντάχθηκε, τα τραγούδια Troubaduri συνοδεύονταν επίσης παίζοντας τα όργανα. Οι καταγγελίες φανταστικές φαντασιώσεις παρόμοιες με το Motes ήταν δημοφιλείς.

Το XIV αιώνα στη δυτική ευρωπαϊκή τέχνη ονομάζεται "Φθινόπωρο" του Μεσαίωνα. Η Ιταλία έχει ήδη λάβει μια νέα εποχή - η αναγέννηση. Ήδη δημιουργήθηκε Dante, Petrarch, Jotto - οι μεγάλοι δάσκαλοι της πρώιμης Αναγέννησης. Η υπόλοιπη Ευρώπη απέτυχε τα αποτελέσματα του Μεσαίωνα και ένιωσε τη γέννηση ενός νέου θέματος στην τέχνη - τα θέματα της ατομικότητας.

Η εισαγωγή της μεσαιωνικής μουσικής σε μια νέα εποχή χαρακτηρίστηκε από την εμφάνιση του Treatrise Philip de Vitrate "ARS NOVA" - "Νέα τέχνη". Σε αυτό, ο επιστήμονας και ο μουσικός προσπάθησαν να περιγράψουν μια νέα εικόνα μιας μουσικής όμορφης. Το όνομα αυτής της πραγματοποίησης έδωσε το όνομα και ολόκληρη τη μουσική κουλτούρα του αιώνα XIV. Από τώρα και στο εξής, η μουσική θα έπρεπε να εγκαταλείψει τους απλούς και χονδροί ήχους και να έσπευσε στην απαλότητα, να γοητεύσει τον ήχο: αντί να είναι άδειο, το κρύο σύμφωνο ARS Antiqua συνταγογραφήθηκε για να χρησιμοποιήσει πλήρεις και τραγουδιστές συμφώνων.

Συνιστάται να φύγετε κατά το παρελθόν και μονότονο ρυθμό (Modal) και να χρησιμοποιήσετε τη νεοσυσταθείσα σημειωματάριο (μέτρησης), όταν οι βραχύτεροι και μεγάλοι ήχοι ανήκουν ο ένας στον άλλο ως 1: 3 ή 1: 2. Πολλές άλλες διάρκειες - Maxim, Long, Brevis, Semibrevis; Κάθε ένας από αυτούς έχει το δικό του σχέδιο: μακρύτεροι ήχοι δεν είναι σκιασμένοι, πιο σύντομα απεικονίζονται με μαύρο χρώμα.

Ο ρυθμός έχει γίνει πιο ευέλικτος, ποικίλος, μπορείτε να χρησιμοποιήσετε το συγχρονισμό. Λιγότερο αυστηρό ήταν ο περιορισμός της χρήσης άλλων, εκτός από τα πτέρνα της εκκλησίας Diatonic: Μπορείτε να χρησιμοποιήσετε αλλαγές, να αυξήσετε, να μειώσετε τους μουσικούς τόνους.

Μουσική του Μεσαίωνα - Η περίοδος ανάπτυξης μουσικής κουλτούρας, καλύπτοντας μια χρονική περίοδο από το V έως το XIV αιώνα μ.Χ.

Ο μεσαίοι είναι μια μεγάλη εποχή της ανθρώπινης ιστορίας, ο χρόνος κυριαρχίας του φεουδαρχικού συστήματος.

Περιποίηση του πολιτισμού:

Πρώιμη μεσαιωνική - V - X αιώνες.

Ζευγάρι Μεσήλικας - Xi - XIV αιώνες.

Το 395, η Ρωμαϊκή Αυτοκρατορία έσπασε σε δύο μέρη: δυτικά και ανατολικά. Στο δυτικό μέρος στα ερείπια της Ρώμης στους αιώνες V-IX, υπήρξαν βάρβαρα κράτη: ακόνισμα, τρόπους, φράγκα κ.λπ. τον 9ο αιώνα, τρία κράτη σχηματίστηκαν στην αποσύνθεση της αυτοκρατορίας Karl Great: Γαλλία, Γερμανία, Ιταλία. Η Κωνσταντινούπολη έγινε η πρωτεύουσα, που ιδρύθηκε από τον αυτοκράτορα Κωνσταντίν στο χώρο της ελληνικής αποικίας του Βυζαντίου - από εδώ και το όνομα του κράτους.

Στην εποχή του Μεσαίωνα στην Ευρώπη υπάρχει ένας νέος τύπος μουσικού πολιτισμού - ένα φεουδαρχικό, συνδυάζοντας επαγγελματική τέχνη, ερασιτεχνική μουσική και λαογραφία. Δεδομένου ότι η εκκλησία επικρατεί σε όλους τους τομείς της πνευματικής ζωής, η βάση της επαγγελματικής μουσικής τέχνης είναι οι δραστηριότητες των μουσικών στους ναούς και τα μοναστήρια. Η κοσμική επαγγελματική τέχνη παρουσιάστηκε στους πρώτους μοναδικούς τραγουδιστές που δημιουργούν και εκτελούν επικούς θρύλους στην αυλή, στα σπίτια γνωρίζουν, μεταξύ των πολεμιστών κλπ. (Διάφορες, κλπ.). Με την πάροδο του χρόνου, οι ερασιτεχνικές και ημι-επαγγελματικές μορφές της μυθισμελότητας της ιπποσύνης αναπτύσσονται: στη Γαλλία - η τέχνη του Trubadurov και τα πώληματια (Adam de la, XIII αιώνα), στη Γερμανία - Minnesinger (βολφραμίου Von Eschenbach, Walter von der Foelweid, XII- XIII αιώνα), καθώς και αστικές τεχνιές. Στις φεουδαρχικές κλειδαριές και στις πόλεις καλλιεργούνται όλα τα είδη του τοκετού, τα είδη και τις μορφές τραγουδιών (Epic, "Dawn", Rondo, Le, Velel, Ballads, Chancests, Κλειδιά κ.λπ.).

Τα νέα μουσικά όργανα περιλαμβάνονται στη ζωή, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που προέρχονται από την Ανατολή (βιόλα, λαούτο κ.λπ.), προκύπτουν σύνολα (ασταθή συνθέσεις). Folklore ανθίζει στο χωρικό μέσο. Οι "επαγγελματίες των ανθρώπων" λειτουργούν: η τήρηση των περιπλάνησης συνθετικών καλλιτεχνών (juggles, mimes, minstrels, spiens, ψίχουλα). Η μουσική επαναλαμβάνει κυρίως εφαρμοζόμενες και πνευματικές και πρακτικές λειτουργίες. Η δημιουργικότητα εκτελεί ενότητα με την εκτέλεση (κατά κανόνα σε ένα άτομο).

Σταδιακά, αν και αργά, το περιεχόμενο της μουσικής, τα είδη, τα έντυπα, τα μέσα της εκφραστικότητας εμπλουτίζονται. Στη Δυτική Ευρώπη από τους VI-VII αιώνες. Υπάρχει ένα αυστηρά ρυθμιζόμενο σύστημα μονής φωνής (μονοδικικής) εκκλησιαστικής μουσικής με βάση τα δοσομετρικά εδάφη (Grigorian Singing), η οποία συνδυάζει την απαγγελία (ψαλμωδία) και τραγουδώντας (ύμνους). Στη στροφή της 1ης και 2ου χιλιετίες, γεννιούνται πολλαπλές δοκοί. Δημιουργούνται νέα φωνητικά (χορωδιακά) και φωνητικά όργανα (χορωδία και όργανα): όργανα, mott, συμπεριφορά, τότε Mesia. Στη Γαλλία στον XII αιώνα, το πρώτο συνθέτη (δημιουργικό) σχολείο σχηματίζεται με τον καθεδρικό ναό της μητέρας του Παρισιού του Θεού (Leonin, Peroths). Με τη στροφή της Αναγέννησης (στυλ ARS Nova στη Γαλλία και την Ιταλία, το XIV αιώνα) στην επαγγελματική μουσική του μονοκομένου πολλαπλών ταξιδιών, η μουσική αρχίζει να απελευθερώνεται από καθαρά πρακτικές λειτουργίες (επισκεπτών επισκεπτών), αυξάνει τη σημασία των κοσμικών ειδών, συμπεριλαμβανομένων των τραγουδιών (Gille de Masha).

Η βάση του Μεσαίωνα ήταν μια φεουδαρχική σχέση. Ο μεσαιωνικός πολιτισμός σχηματίζεται με τις συνθήκες μιας αγροτικής περιουσίας. Στο μέλλον, η κοινωνική βάση του πολιτισμού γίνεται το αστικό περιβάλλον - Burgemi. Με το σχηματισμό κρατών, σχηματίζεται η κύρια εκτιμήσιμη: κληρικός, ευγένεια, άνθρωποι.

Η τέχνη του Μεσαίωνα συνδέεται στενά με την εκκλησία. Η Christian Creed είναι η βάση της φιλοσοφίας, της ηθικής, της αισθητικής, ολόκληρης της πνευματικής ζωής αυτής της περιόδου. Γεμάτο με θρησκευτικά σύμβολα, η τέχνη κατευθύνεται από τη γήινη, παροδική στην πνευματική, αιώνια.

Μαζί με την επίσημη εκκλησιαστική κουλτούρα (υψηλή), υπήρχε μια κοσμική κουλτούρα (χαμηλότερη) - λαϊκά (χαμηλότερα δημόσια στρώματα) και ιππότη (Courti).

Οι κύριες εστίες της επαγγελματικής μουσικής των πρώτων Μετώσεων - καθεδρικών πολιτών, τραγουδιών, τα μοναστήρια είναι τα μόνα κέντρα για το σχηματισμό εκείνης της εποχής. Σπούδασαν ελληνικά και λατινικά, αριθμητικά και μουσική.

Το κύριο κέντρο της εκκλησιαστικής μουσικής στη Δυτική Ευρώπη στην εποχή του Μεσαίωνα ήταν η Ρώμη. Στο τέλος του VI - αρχές του VII αιώνα. Η κύρια ποικιλία της μουσικής της Δυτικής Ευρώπης Εκκλησιαστικής Εκκλησίας σχηματίζεται - Gregorian χορωδιακή, που ονομάστηκε έτσι ονομαζόμενος Πάπας Γρηγόριος Ι, ο οποίος πραγματοποίησε τη μεταρρύθμιση της εκκλησίας τραγουδώντας, συλλέγοντας μαζί και εξορθολογώντας διάφορα Chants εκκλησίας. Το Grigorian Chood είναι ένα μονοψήφιο καθολικό ψάλλει, το οποίο συγχωνεύθηκε τις αιώνες τραγουδώντας παραδόσεις διαφόρων μέσων ανατολικών και ευρωπαϊκών λαών (Συρίες, Εβραίοι, Έλληνες, Ρωμαίοι κ.λπ.). Ήταν η ομαλή ενιαία μαλλιά ανάπτυξης μιας ενιαίας μελωδίας που είχε σκοπό να προσωποποιήσει την ενωμένη βούληση, το επίκεντρο της προσοχής των ενοριών σύμφωνα με τα δόγματα του καθολικισμού. Ο χαρακτήρας της μουσικής είναι αυστηρός, εξωστρεφής. Εκτελείται από χορωδιακή χορωδία (επομένως το όνομα), ορισμένα τμήματα - σολίστ. Επικρατεί ενυδατωμένη με βάση τα diatonic frets. Ο Gregorian τραγούδι επέτρεψε πολλές διαβαθμίσεις, που κυμαίνονται από την σκληρή αργή χορωσίρ ψαλμωδία και τελειώνοντας με τις επετείους (συλλαβική συλλαβή που τήξεως) που απαιτούν φωνητικές δεξιότητες Virtuoso για την απόδοσή του.

Το τραγούδι Grigorian δίνει έναν ακροατή από την πραγματικότητα, προκαλεί ταπεινότητα, οδηγεί σε περισυλλογή, μυστικιστική επέκταση. Ένας τέτοιος αντίκτυπος συμβάλλει στο κείμενο στη λατινική, ακατανόητη όγκο των ενοριών. Ο ρυθμός τραγουδιού καθορίστηκε από το κείμενο. Είναι αόριστη, απροσδιόριστη, λόγω του χαρακτήρα των τόκων καταγραφής κειμένων.

Οι διαφορετικοί τύποι τραγουδιού του Γρηγορίου συνοψίστηκαν στην κύρια λατρεία της Καθολικής Εκκλησίας - Messe, στην οποία ιδρύθηκαν πέντε σταθερά μέρη:

Kyrie Eleison (Κύριε, Πομελλία)

Gloria (δόξα)

Credo (Πιστέψτε)

Sanctus (ιερό)

Agnus dei (αρνί του Θεού).

Με την πάροδο του χρόνου, τα στοιχεία της λαϊκής μουσικής μέσω ανθηρών, ακολουθιών και μονοπατιών αρχίζουν να διαρρέουν στη χορωδιακή γρηγοριανή. Εάν η Ψαλμομηχανία εκτελέστηκε από την επαγγελματική χορωδία των τραγουδιστών και κληρικών, τότε οι ύμνοι αρχικά είναι οι ενορίτες. Υπήρχαν εισαγωγή σε επίσημη λατρεία (ήταν εγγενή στα χαρακτηριστικά της λαϊκής μουσικής). Αλλά σύντομα τα γραμμάρια της μάζας άρχισαν να ωθήσουν το ψαλμυλικό, το οποίο οδήγησε στην εμφάνιση της πολυφωνικής μάζας.

Οι πρώτες αλληλουχίες ήταν ένα κατάντη κάτω από τη μελωδία της επέτειας, έτσι ώστε ένας ήχος της μελωδίας να έχει ξεχωριστή συλλαβή. Η ακολουθία γίνεται ένα κοινό είδος (το πιο δημοφιλές "Veni, Corrate Spiritus", "Dies Irae", "Stabat Mater"). Το "Dies Irae" χρησιμοποίησε το Berlioz, το φύλλο, ο Τσαϊκόφσκι, ο Rachmaninov (πολύ συχνά ως σύμβολο του θανάτου).

Τα πρώτα δείγματα πολυφωνίας προέκυψαν από τα μοναστήρια - όργανα (κίνηση παράλληλων ερωτηματολογίων ή ρολογιών), gimel, forgorsdon (παράλληλα sextaccord), συμπεριφορά. Συνθέτες: Leonin και Peroths (12-13 αιώνες - καθεδρικός ναός της Παριζιάνικης Μητέρας του Θεού).

Οι μεταφορείς της κοσμικής λαϊκής μουσικής στο μεσαίωνα ήταν μιμούμενες, juggles, minstrels στη Γαλλία, σπίτια - στις χώρες της γερμανικής κουλτούρας και chogres - στην Ισπανία, scomerculos - στη Ρωσία. Αυτοί οι περιπλανώμενοι καλλιτέχνες ήταν καθολικοί δάσκαλοι: Συνδυάζουν το τραγούδι, το χορό, το παιχνίδι σε διάφορα εργαλεία με εστίαση, τέχνη τσίρκου, κουκλοθέατρο.

Η άλλη πλευρά της κοσμικής καλλιέργειας ήταν μια ιππική (αλεξίπτωτο) καλλιέργεια (καλλιέργεια κοσμικής φεουδαρχίας). Οι Ιππότες ήταν σχεδόν όλοι ευγενείς - από τους φτωχούς πολεμιστές στους βασιλιάδες. Ένας ειδικός κώδικας ιππότη σχηματίζεται, σύμφωνα με την οποία ο ιππότης, μαζί με το θάρρος και η Valor, έπρεπε να κατέχει εξαιρετικά τρόπους, να είναι εκπαιδευμένοι, γενναιόδωροι, γενναιόδωροι, να χρησιμεύσουν ως μια εξαιρετική κυρία. Όλες οι πλευρές της ιππικής ζωής που αντικατοπτρίζονται στη μουσική και ποιητική τέχνη του Trubadurov (Προβηγκία - Νότια Γαλλία), οδηγοί (βόρεια Γαλλία), minnesingers (Γερμανία). Η τέχνη του Trubadurov συνδέεται κυρίως με τους στίχους αγάπης. Το πιο δημοφιλές γονιδίωμα των στίχων αγάπης ήταν ο Chancend (στο Minnesinger - "Πρωινά τραγούδια" - Alba).

Οι τρομπέτες, που χρησιμοποιούν ευρέως την εμπειρία του Troubadur, δημιούργησαν τα αρχικά τους είδη: "Τραγούδια ύφανσης", "Μαΐου τραγούδια". Ο σημαντικός τομέας των μουσικών ειδών του Trombadurov, η Dravel και Minnesinger ήταν τα είδη τραγουδιού και χορού: Rondo, Ballad, Videlle (αποφυγή μορφών), καθώς και ηρωική Epos (γαλλικό EPOS "Τραγούδι για Roland", Γερμανικά - "Τραγούδι του nibelunga "). Οι Μιναγγιστές είχαν τα τραγούδια των Σταυροφόρων.

Χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά της τέχνης του Troubadurov, Dravel και Minnezinger:

Μονό τρόπο - είναι η συνέπεια της αδιαχώριστης επικοινωνίας της καταχώρησης με το ποιητικό κείμενο, το οποίο ακολουθεί την ίδια την ουσία της μουσικής ποιητικής τέχνης. Η ενιαία συγκρότημα αντιστοιχούσε στην εγκατάσταση σε εξατομικευμένη έκφραση των δικών τους εμπειριών, στην προσωπική αξιολόγηση του περιεχομένου της δήλωσης (συχνά η έκφραση προσωπικών εμπειριών ήταν πλαισιωμένη με την κατάρτιση της ζωγραφικής της φύσης).

Κυρίως φωνητική εκτέλεση. Ο ρόλος των εργαλείων δεν ήταν σημαντικός: μειώθηκε στην εκπλήρωση εισόδου, συμμετοχής και μεταπρόσληψης, πλαισιώνει φωνητικές εμπλοκές.

Σχετικά με την τέχνη του ιππότη δεν μπορεί να δαπανηθεί τόσο στον επαγγελματία, αλλά για πρώτη φορά στο πλαίσιο του κοσμικού μυθιστοριογράφου, δημιουργήθηκε μια ισχυρή μουσική και ποιητική κατεύθυνση με ένα αναπτυγμένο συγκρότημα εκφραστικών μέσων και σχετικά εκτελεσμένο μουσικό γράψιμο.

Ένα από τα σημαντικά επιτεύγματα του ώριμου Μεσαίωνα, ξεκινώντας από τους αιώνες X-XI, η ανάπτυξη πόλεων (Burgher Culture) ήταν η ανάπτυξη πόλεων. Τα κύρια χαρακτηριστικά της αστικής κουλτούρας ήταν αντι-καρκίνου, προσανατολισμού, σύνδεση με τη λαογραφία, το γέλιο και τον καρναβαλικό χαρακτήρα. Γοτθικό αρχιτεκτονικό στυλ αναπτύσσεται. Νέες μορφές πολυγονικών ειδών: από 13-14 έως 16 αιώνες. - Motet (από τον Franz. - "Word". Για το MOTT. Συνήθως μελωδικό νηπιαγωγείο των ψήφων που τόνισαν διαφορετικά κείμενα - συχνά ακόμη και σε διαφορετικές γλώσσες), Madrigal (από το Ital. - "Τραγούδι στη μητρική γλώσσα", δηλ. Ιταλικά. Κείμενα. Κείμενα Lyubovoy-Lyrical, ποιμενική), Kachche (από το Ital. - Το "Κυνήγι" είναι ένα φωνητικό παιχνίδι στο κείμενο, το κυνήγι ζωγραφικής).

Οι λαϊκοί περιπλανώμενοι μουσικοί κινούνται από έναν νομαδικό τρόπο ζωής σε ένα εγκατεστημένο, συμπληρώνει ολόκληρα μπλοκ της πόλης και προσθέτουν σε ιδιόμορφα "καταστήματα μουσικών". Ξεκινώντας από τον XII αιώνα, οι κατάλογοι και η Γολιάδα προσυίνονταν σε λαϊκούς μουσικούς - που δήλωσαν μετανάστες από διαφορετικές τάξεις (φοιτητές, δραπέτες, περιπλανώμενοι κληρικοί). Σε αντίθεση με τους αναλφάβητους Juggles - Τυπικοί εκπρόσωποι τέχνης της προφορικής παράδοσης - Benant και Goliada ήταν ικανοί: κατέβαλαν τη λατινική γλώσσα και τους κανόνες των κλασικών ποιημάτων, που συνθέτουν μουσική - τραγούδια (ο κύκλος των εικόνων συνδέεται με τη σχολική επιστήμη και τη ζωή των φοιτητών) και ακόμη και ακόμη σύνθετες συνθέσεις τύπου αγωγών και δυσλειτουργιών.

Τα πανεπιστήμια έγιναν σημαντική εστίαση της μουσικής κουλτούρας. Μουσική, με μεγαλύτερη ακρίβεια - Μουσική ακουστική - μαζί με την αστρονομία, τα μαθηματικά, ο φυσικός εισήλθε στο τεντρικό, δηλ. Ο κύκλος τεσσάρων κλάδων που μελετήθηκαν στα πανεπιστήμια.

Έτσι, στη μεσαιωνική πόλη υπήρχαν διάφορες εστίες του μουσικού πολιτισμού στη φύση και τον κοινωνικό προσανατολισμό: ένωση λαϊκών μουσικών, μουσικής δικαστηρίου, μουσικής μοναστήρι και καθεδρικοί ναοί, πανεπιστημιακή μουσική πρακτική.

Η θεωρία της μουσικής του Μεσαίωνα ήταν στενά συνδεδεμένη με τη θεολογία. Σε μερικές μουσικές και θεωρητικές θεραπείες, η μουσική θεωρήθηκε ως "υπάλληλος της εκκλησίας". Μεταξύ των εξέχουσων μεταποιητών των πρώτων Μετώσεων, 6 βιβλίων "στη μουσική" Αυγουστίνος, 5 βιβλία "για τον οικισμό μουσικής" και άλλοι δίνουν μια μεγάλη θέση σε αυτές τις πραγματοποίηση.

Το μεσαιωνικό σύστημα του ποδιού αναπτύχθηκε από εκπροσώπους της εκκλησιαστικής επαγγελματικής μουσικής τέχνης - επομένως, το όνομα "εκκλησία Lads" εδραιώθηκε για μεσαιωνικά frets. Οι Ιόνιο και το Eolic και ο Eolist καθορίζονται ως τα κύρια τριβή.

Η μουσική θεωρία του Μεσαίωνα προτείνει το δόγμα της Hexhorda. Σε κάθε Λαδά, χρησιμοποιήθηκαν 6 βήματα στην πράξη (για παράδειγμα: στο, re, mi, fa, αλάτι, la). Xi στη συνέχεια αποφεύγεται, επειδή Τα τρόφιμα μαζί με το FA προχωρούν στην αυξημένη στιγμή, η οποία θεωρήθηκε πολύ άθικτη και απεικονίζει εικαστικά τον "διάβολο στη μουσική".

Η αμείλικτη εγγραφή χρησιμοποιήθηκε ευρέως. Το Guido Aretinsky έχει βελτιώσει ένα σύστημα εγγραφής δεξαμενών. Η ουσία της μεταρρύθμισής του ήταν η εξής: η παρουσία τεσσάρων γραμμών, η σχέση του τεύτρου μεταξύ των μεμονωμένων γραμμών, του βασικού σημείου (αρχικά αλφάβητο) ή το χρωματισμό των γραμμών. Εισήγαγε επίσης τη σημείωση της ιλύος για τα πρώτα έξι επίπεδα Lada: UT, RE, MI, FA, SALT, LA.

Εισάγεται η Menzular Notation, όπου ένα ορισμένο ρυθμικό μέτρο καθορίστηκε για κάθε ένα φθορά (Lat. Mensura - μέτρηση, μέτρηση). Όνομα διάρκειας: Maxim, Long, Brevis, κλπ.

Το XIV αιώνα είναι η μεταβατική περίοδος μεταξύ της μεσαιωνικής και της εποχής της αναβίας. Η τέχνη της Γαλλίας και της Ιταλίας του αιώνα XIV έλαβε το όνομα "ARS NOVA" (από το Lat. - Νέα τέχνη), και στην Ιταλία, έχει όλες τις ιδιότητες της πρώιμης αναβάτης. Βασικά χαρακτηριστικά: Άρνηση χρήσης αποκλειστικά είδη εκκλησιαστικής μουσικής και έκκληση σε κοσμικά είδη φωνητικών οργάνων (Ballad, Kachche, Madrigal), Rapprochement με σόλες οικιακής χρήσης, τη χρήση διαφόρων μουσικών οργάνων. Το Ars Nova είναι αντίθετο από το λεγόμενο. Ars Antikva (Lat. Ars Antiqua είναι παλιά τέχνη), που υποδηλώνει τη μουσική τέχνη πριν από την έναρξη του XIV αιώνα. Οι μεγαλύτεροι εκπρόσωποι της ARS Nova ήταν Guillaume de Masho (14ος αιώνας, Γαλλία) και Francesco Landino (14ος αιώνας, Ιταλία).

Έτσι, η μουσική κουλτούρα του Μεσαίωνα, παρά τον σχετικό περιορισμό των κεφαλαίων, είναι υψηλότερο επίπεδο σε σύγκριση με τη μουσική του αρχαίου κόσμου και περιέχει τις προϋποθέσεις για την υπέροχη άνθηση της μουσικής τέχνης στην εποχή της Αναγέννησης.

Μουσείο Μουσείο Grigorian Troubadur

Μεσαιωνικοί μουσικοί. Manuccript XIII Century Μουσικό Μουσείο του Μεσαίωνα Η περίοδος ανάπτυξης του μουσικού πολιτισμού, καλύπτοντας μια χρονική περίοδο από το V έως το XIV αιώνα Ad ... Wikipedia

Περιλαμβάνει μια ποικιλία ζωντανών και ιστορικών ειδών λαϊκής, δημοφιλούς, ποπ και κλασικής μουσικής. Η ινδική κλασσική μουσική, που παρουσιάζεται από τις παραδόσεις της Carnataka και του Hindustani, επιστρέφει στον εαυτό της «Veda» και περιγράφεται ως πολύπλοκη και ποικίλα ... Wikipedia

Μια ομάδα μουσικών στη Μονμάρτρη Γαλλική Μουσική είναι ένας από τους πιο ενδιαφέροντες και σημαντικές ευρωπαϊκές μουσικές κουλτούρες, οι οποίες αντλούν την προέλευση του ... Wikipedia

Περιεχόμενα 1 Λαϊκή μουσική 2 Κλασική μουσική, όπερα και μπαλέτο 3 Δημοφιλή μουσική ... Wikipedia

Αυτό είναι ένα άρθρο σχετικά με το μουσικό στυλ. Για μια ομάδα φιλοσοφικών απόψεων, δείτε το νέο άρθρο της ηλικίας.

Εγώ μουσική (από τα ελληνικά. Musik, κυριολεκτικά τέχνης μουσική) Τύπος τέχνης, η οποία αντανακλά την πραγματικότητα και επηρεάζει ένα άτομο με νόημα και ειδικά οργανωμένες ηχητικές ακολουθίες που αποτελούνται κυρίως από τους τόνους ... ... Μεγάλη σοβιετική εγκυκλοπαίδεια

- (Ελληνικά, Moysikn, από Mousa Muse) Η εμφάνιση του ισχυρισμού, η σίκαλη αντανακλά την πραγματικότητα και επηρεάζει ένα άτομο με νόημα και ειδικά οργανωμένο σε ύψος και σε χρόνο ήχου ακολουθίες που αποτελούνται κυρίως από τους τόνους ... ... ... Εγκυκλοπαίδεια μουσικής

Άρθρα. Wikipedia

Η βελγική μουσική καταρτίζει την προέλευσή της από τις μουσικές παραδόσεις της Φλαμένης, κατοικείται από το βόρειο τμήμα της χώρας και τις παραδόσεις του Wallonov που ζούσαν στο νότο και έχοντας βιώσει την επιρροή των γαλλικών παραδόσεων. Ο σχηματισμός της βελγικής μουσικής προχώρησε σε σύνθετες ιστορικές ... ... Wikipedia

Βιβλία

• Εικονογραφημένο ιστορικό τέχνης. Αρχιτεκτονική, γλυπτική, ζωγραφική, μουσική, αρέσει .. Ανυψωτική έκδοση. Αγία Πετρούπολη, 1884. Έκδοση Α. S. Suvorin. Έκδοση με 134 σχέδια. Που ανήκει σύνδεση με δερμάτινη ρίζα και γωνίες. Γούνα Bintovaya. Η διατήρηση είναι καλή. ...
• Εικονογραφημένο ιστορικό τέχνης. Αρχιτεκτονική, γλυπτική, ζωγραφική, μουσική (για σχολεία, αυτοδίδα και αναφορές), Lyubka. Ανυψωτική έκδοση. Αγία Πετρούπολη, 1884. Έκδοση Α. S. Suvorin. Βιβλίο με 134 σχέδια. Τυπογραφική κάλυψη. Η ασφάλεια είναι καλή. Μικρές τρύπες στο εξώφυλλο. Στολισμένο εικονογραφημένο ...

Μουσική τέχνη Μεσαίωνα. Figy-Σημασιολογική Πλήρωση. Προσωπικότητα.

Μεσαίωνας - μακρά, καλύπτοντας περισσότερα από χίλια χρόνια ανάπτυξης της ανθρωπότητας.

Εάν στραφούμε στο εικονιστικό και συναισθηματικό περιβάλλον της περιόδου "ζοφερής μεσαιωνικής", όπως λέγεται συχνά, θα δούμε ότι ήταν γεμάτο με μια έντονη πνευματική ζωή, δημιουργική έκσταση και την αναζήτηση της αλήθειας. Η χριστιανική εκκλησία είχε ισχυρό αντίκτυπο στο μυαλό και τις καρδιές. Θέματα, ιστορίες και εικόνες των Αγίων Γραφών κατάλαβαν πώς η ιστορία που ξεδιπλώνεται από τη δημιουργία του κόσμου μέσα από τον ερχομό του Χριστού και μέχρι την ημέρα του τρομερού δικαστηρίου. Η γήινη ζωή θεωρήθηκε αντιληπτή ως ο συνεχής αγώνας των σκοτεινών και ελαφρών δυνάμεων, και η ψυχή ενός ανθρώπου ήταν η αναστολή αυτού του αγώνα. Η αποκατάσταση του τέλους του κόσμου διαπερνάται από την υδραυλική δυνατότητα των μεσαιωνικών ανθρώπων, ζωγραφίζει την τέχνη αυτής της περιόδου σε δραματικούς τόνους. Υπό αυτές τις συνθήκες, ο μουσικός πολιτισμός έχει αναπτύξει δύο ισχυρούς σχηματισμούς. Από τη μία πλευρά, η επαγγελματική εκκλησία μουσική, η οποία έχει περάσει σε όλη τη μεσαιωνική περίοδο, ένας τεράστιος τρόπος ανάπτυξης. Από την άλλη πλευρά, η λαϊκή μουσική δημιουργικότητα, η οποία διώχθηκε από εκπροσώπους της "επίσημης" εκκλησίας και κοσμικής μουσικής, που υφίστανται ερασιτέχνες, σε όλη σχεδόν ολόκληρη τη μεσαιωνική περίοδο. Παρά τον ανταγωνισμό αυτών των δύο κατευθύνσεων, έχουν υποβληθεί σε αμοιβαία επιρροή και μέχρι το τέλος αυτής της περιόδου τα αποτελέσματα της παρεμβολής της κοσμικής και της εκκλησιαστικής μουσικής έχουν γίνει ιδιαίτερα απτές. Από την πλευρά του συναισθηματικού-σημασιολογικού περιεχομένου, το πιο χαρακτηριστικό για τη μεσαιωνική μουσική είναι η κυριαρχία της τέλειας, πνευματικής και διδακτικής αρχής - τόσο σε κοσμικά όσο και σε εκκλησιαστικά είδη.

Η συναισθηματική και σημασιολογική περιεκτικότητα της μουσικής της χριστιανικής εκκλησίας κατευθύνθηκε στον έπαινο θεότητας, η άρνηση των επίγειας αγαθών για χάρη της ανταμοιβής μετά το θάνατο, το κήρυγμα της ασκητικότητας. Η μουσική συμπυκνώθηκε από μόνη της τι σχετίζεται με την έκφραση του "καθαρού", χωρίς κάθε "σωματική", την υλική μορφή της επιθυμίας για το ιδανικό. Ο αντίκτυπος της μουσικής εντατικοποιήθηκε από την ακουστική των εκκλησιών με τους ψηλούς θόλους τους που αντανακλούν τον ήχο και τη δημιουργία της επίδρασης της θείας παρουσίας. Ιδιαίτερα έντονα τη συγχώνευση της μουσικής με την αρχιτεκτονική που εκδηλώνεται με την εμφάνιση του γοτθικού στυλ. Η μουσική πολλαπλής φωνής που δημιουργήθηκε από αυτή τη φορά δημιούργησε την αναρρόφηση διογκώσεων, ελεύθερη σκούπισμα των ψήφων, επαναλαμβάνοντας τις αρχιτεκτονικές γραμμές του γοτθικού ναού, δημιουργώντας μια αίσθηση του άπειρου του χώρου. Τα πιο ζωντανά δείγματα μουσικών γοτθικών δημιούργησαν συνθέτες του καθεδρικού ναού Notre Dame - Magister Leonin και Magister Peroths, που ονομάζονται υπέροχα.

Μουσική τέχνη Μεσαίωνα. Είδη. Χαρακτηριστικά της μουσικής γλώσσας.

Ο σχηματισμός κοσμικών ειδών κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου παρασκευάστηκε από το έργο των αδέσποτων μουσικών - juggler, minstrelles και spiesπου ήταν τραγουδιστές, ηθοποιοί, τσίρκο και όργανα σε ένα άτομο. Στις Juggles, οι Spiers και τα Minstrels εντάχθηκαν επίσης Εγγύηση και Γολιάδα - Δυστυχώς φοιτητές και ξεφύγουν από τους μοναχούς που έχουν δικαίωμα στο "καλλιτεχνικό" μεσαίο γραμματισμό και μια ορισμένη εκδήλωση. Τα τραγούδια των ανθρώπων ακούστηκαν όχι μόνο στις αναδυόμενες εθνικές γλώσσες (γαλλικά, γερμανικά, αγγλικά και άλλα), αλλά και στα λατινικά. Οι περιπλανώμενοι φοιτητές και οι Σχολές (κατάλογοι) συχνά είχαν μεγάλη επιδεξιότητα στη λατινική δυσαρέσκεια, η οποία επισυνάπτεται μια ιδιαίτερη ευκρίνεια στα καταχωρηστικά τους τραγούδια που κατευθύνονται εναντίον των κοσμικών φεουδαρχιών και της καθολικής εκκλησίας. Σταδιακά, οι αδέσποτοι καλλιτέχνες άρχισαν να σχηματίζουν στόχους, εγκατασταθούν στις πόλεις.

Την ίδια περίοδο, ένας ιδιόμορφος "έξυπνος" ενδιάμεσος στρώσεων ορίζει - η ιπποσύνη, στο περιβάλλον του οποίου (σε περιόδους εκεχειρίας) επίσης φουσκώνει το ενδιαφέρον για την τέχνη. Τα κάστρα μετατρέπονται σε κέντρα ιππικής κουλτούρας. Η αψίδα των κανόνων της ιπποειδούς συμπεριφοράς απαιτούσε "Courti" (εξαίσια, ευγενική) συμπεριφορά. Τον 12ο αιώνα στην Προβηγκία με τα δικαστήρια των φεουδαρχικών δεξιών, η τέχνη γεννήθηκε Τρομβαδούροφ, που αντιπροσωπεύει τη χαρακτηριστική έκφραση του νέου Κιβονικού Πολιτισμού του Σίβο που διακηρύσσει τη λατρεία της γήινης αγάπης, απολαμβάνοντας τη φύση, τη γήινη χαρά. Στον κύκλο των εικόνων, η μουσική και η ποιητική τέχνη του Trubadurov γνώριζαν αρκετά είδη που συνδέονται κυρίως με στίχους αγάπης ή στρατιωτικά, επίσημα τραγούδια, αντανακλώντας τη στάση του υποτελού στο σουτάνιο του. Συχνά, οι στίχοι αγάπης του Trubadurov επιλέχθηκαν με τη μορφή του φεουδαρχικού υπουργείου: ο τραγουδιστής αναγνώρισε τον εαυτό του με την υποτελής κυρίες, η οποία ήταν συνήθως η σύζυγος του σιωπού του. Καθαρίζει την αξιοπρέπεια, την ομορφιά και την ευγένεια, δοξάσισε την κυριαρχία της και "εξασθενημένη" σε ένα δυσμενές στόχο. Φυσικά, αυτό ήταν πολύ υπό όρους που υπαγορεύεται από το δικαστήριο-τόρνο της εποχής. Ωστόσο, συχνά πίσω από τις υπό όρους μορφές του Υπουργείου Ιππότη έβαλαν ένα πραγματικό συναίσθημα, φωτεινό και εντυπωσιακό σε ποιητικές και μουσικές εικόνες. Η τέχνη του Trubadurov προχώρησε σε μεγάλο βαθμό για το χρόνο τους. Προσοχή στις προσωπικές εμπειρίες του καλλιτέχνη, η έμφαση στον εσωτερικό κόσμο μιας αγάπης και υποβοηθούμενης προσωπικότητας υποδηλώνει ότι οι αγωγοί αντιτάχθηκαν ανοιχτά τις τάσεις των περιουσιακών στοιχείων της μεσαιωνικής ιδεολογίας. Το Troubadour δοξάζει την πραγματική γήινη αγάπη. Βλέπει την "πηγή και την προέλευση όλων των παροχών".

Υπό την επιρροή της ποίησης του Troubadur, δημιουργικότητα ΠρασώνΑυτό ήταν πιο δημοκρατικό (οι περισσότεροι από τους οδηγούς προέρχονται από τους πολίτες) εδώ τα ίδια θέματα αναπτύχθηκαν εδώ και αναπτύχθηκε το καλλιτεχνικό στυλ των τραγουδιών. Στη Γερμανία, ένας αιώνας αργότερα (13ος αιώνας) σχηματίστηκε ΜινέζερΣτην οποία αναπτύχθηκαν τα τραγούδια του ηθικού και της επεξεργασίας περιεχομένου πιο συχνά από εκείνη των σωληνιστών και των σωλήνων, τα κίνητρα αγάπης συχνά αποκτήθηκαν από τη θρησκευτική ζωγραφική, συνδέονταν με τη λατρεία της Παναγίας. Τα συναισθηματικά τραγούδια του συστήματος διακρίθηκαν από μεγαλύτερη σοβαρότητα, αυλακώσεις. Ο Minnesinger, για το μεγαλύτερο μέρος, χρησίμευσε ως οι αυλές, όπου ικανοποίησαν τους διαγωνισμούς τους. Γνωστά ονόματα βολφραμίου Von esenbach, φόντο Walter Der Foelweid, Tangayizer - Ήρωας του διάσημου μύθου. Στην όπερα Wagner με βάση αυτόν τον μύθο, η κεντρική εικόνα είναι η σκηνή του ανταγωνισμού των τραγουδιστών, όπου ο ήρωας στην καθολική αγανάκτηση δοξάζει τα γήινα συναισθήματα και τις απολαύσεις. Libretto "Tangayizer" Wagner που γράφτηκε από το Wagner - ένα δείγμα αξιοσημείωτης διείσδυσης στην κοσμοθεωρία της εποχής, ψαλμωδών ηθικών ιδεών, φάντασμα και σε συνεχή δραματική πάλη με αμαρτωλά πάθη.

Εκκλησιαστικά είδη

Grigorian χορωδία. Υπήρχαν πολλές επιλογές για τις εκκλησιαστικές μελωδίες και τα λατινικά κείμενα στην παλαιοχριστιανική εκκλησία. Υπήρξε ανάγκη να δημιουργηθεί μια ενιαία τελετουργία λατρείας και την αντίστοιχη λειτουργική μουσική. Αυτή η διαδικασία ολοκληρώθηκε κατά 6 και 7VV. Ο Πάπας Γρηγόριος Ι. Εκκλησιαστικές μελωδίες, επιλεγμένες, ζυγισμένες, που διανέμονται εντός της εκκλησιαστικής χρονιάς, ανήλθαν στην επίσημη αψίδα - αντιφονάρια. Οι χορωδιακές μελωδίες που περιλαμβάνονται σε αυτό έγινε η βάση του λειτουργικού τραγουδιού της Καθολικής Εκκλησίας και πήρε το όνομα της χορωδικής Gregorian. Εκτελείται από μια μοναδική χορωδία ή ένα σύνολο ανδρών ψήφων. Η ανάπτυξη του χιούμορ είναι χαλαρή και βασίζεται σε ποικίλο του αρχικού ομιλητή. Ο ελεύθερος ρυθμός της μελωδίας είναι υποδεέστερος με το ρυθμό των λέξεων. Κείμενα - Prosaic στα Λατινικά, του οποίου η ίδια η ίδια η επέκταση από όλα κοσμικά. Μελωδική κίνηση λεία Εάν εμφανίζονται μικρά άλματα, αντισταθμίζουν αμέσως την κίνηση προς την αντίθετη κατεύθυνση. Οι μελωδίες των Gregorian Chants αποσυντίθενται σε τρεις ομάδες: μια παραπομπή, όπου κάθε συλλαβική του κειμένου αντιστοιχεί σε έναν ήχο του λάκκου, της ψαλμωδίας, όπου επιτρέπονται κάποιες συλλαβές και επέτειο, όταν οι συλλαβές ρίχτηκαν σε σύνθετα μελωδικά πρότυπα, Τις περισσότερες φορές το "Alleluia" ("έπαινος θεός"). Της μεγάλης σημασίας, όπως και σε άλλους τύπους τέχνης, έχει έναν χωρικό συμβολισμό (σε αυτή την περίπτωση, "κορυφή" και "κάτω"). Το όλο στυλ αυτού του μοναδικού τραγουδιού, η απουσία ενός "δεύτερου σχεδίου" σε αυτό, η "ηχητική προοπτική" μοιάζει με την αρχή μιας εικόνας αεροπλάνου στη μεσαιωνική ζωγραφική.
Υμνος . Το γυμναστήριο ανθίζει είναι 6 V. Οι ύμνοι, που διακρίνονται από τη μεγαλύτερη συναισθηματική αμεσότητα, έφεραν το πνεύμα της κοσμικής τέχνης. Βασίστηκαν στις μελωδίες μιας αποθήκης τραγουδιού κοντά στο λαϊκό. Στο τέλος του V αιώνα, εκδιώχθηκαν από την Εκκλησία, αλλά εδώ και αιώνες υπήρχαν ως εξαιρετικά επεξεργασμένη μουσική. Η επιστροφή τους στην εκκλησία πηγή (9b.) Ήταν ένα είδος παραχώρησης στα κοσμικά συναισθήματα των πιστών. Σε αντίθεση με τον Choralov, οι ύμνοι βασίστηκαν στα ποιητικά κείμενα και ειδικά συνθέτουν (και δεν δανείστηκαν από τα ιερά βιβλία). Αυτό καθόρισε τη σαφέστερη δομή των μελωδών, καθώς και μεγαλύτερη ελευθερία της μελωδίας, δεν υποδεικνύει σε κάθε λέξη του κειμένου.
Οροπέδιο.. Η τελετουργική μάζα διπλώθηκε για πολλούς αιώνες. Η ακολουθία των τμημάτων του στα κύρια χαρακτηριστικά καθορίστηκε από το 9V., Η τελική εμφάνιση του Mesa απέκτησε μόνο από τον XI αιώνα. Η ανθεκτική ήταν η διαδικασία διαμόρφωσης της μουσικής της. Ο αρχαιότερος τύπος λειτουργικού τραγουδιού - ψαλμωδίας. Που συνδέεται άμεσα με τη λειτουργία της λειτουργικής δράσης, ακουγόταν σε όλη την υπηρεσία και εκτελέστηκε από ιερείς και τραγουδιστές εκκλησιών. Η εισαγωγή του Hymns εμπλουτισμένη μάζα μουσικής. Επισημασμένος Haymaker ακούγεται σε ορισμένες στιγμές του τελετουργικού, εκφράζοντας τα συλλογικά συναισθήματα των πιστών. Αρχικά, τραγούδησαν τους εαυτούς τους ενορίτες, αργότερα - μια επαγγελματική χορωδία εκκλησίας. Η συναισθηματική επίδραση των υμνών ήταν τόσο ισχυρή ώστε σταδιακά άρχισαν να απομακρύνουν την ψαλμωδία, λαμβάνοντας τη θέση στη μουσική των μασκίων. Ήταν υπό μορφή ύμνου, έλαβαν σχήμα πέντε κύριων τμημάτων της μάζας (το λεγόμενο μάρτυριο).
I. "Kyrie Eleison"("Κύριος, Pomemui") - MODVER για συγχώρεση και χάρη.
Ii. "Gloria"("Δόξα") - ο ευγνώμων ύμνος του δημιουργού.
III. "Πίστη"("Πιστεύω") - το κεντρικό τμήμα της Λειτουργίας, το οποίο καθορίζει τα κύρια δόγματα της Christian Creed.
Iv. "Sanctus" ("Ιερό") - ένα τριετές επαναλαμβανόμενο πανέμορφο-λαμπρό θαυμαστικό, το οποίο αντικαταστάθηκε από το φιλόξενο θαυμασμό της "Οσάνα", η οποία πλαισιώνει το κεντρικό επεισόδιο "Benedictus" ("ευλογημένος που έρχεται").
V. "agnus dei" ("Αρνί του Θεού") - ένα άλλο άφθονο χάρη, πιστό στη θυσία του Χριστού. Το τελευταίο μέρος ολοκληρώνεται με τις λέξεις: "Dona Nobis Pacem" ("Δώστε μας τον κόσμο").
Σιωπηλά είδη

Φωνητική μουσική
Η μεσαιωνική μουσική και η ποιητική τέχνη ήταν ως επί το πλείστον ερασιτέχνες. Υποθέτει επαρκή οικουμενισμό: ο ίδιος ο άνθρωπος ήταν ένας συνθέτης, ένας ποιητής και ένας τραγουδιστής και ένας Instrumentist, αφού το τραγούδι συχνά πραγματοποιήθηκε συνοδευόμενο από λαούτο ή βιόλα. Τα ποιητικά κείμενα των τραγουδιών, ειδικά τα δείγματα της τέχνης ιππότη, έχουν μεγάλο ενδιαφέρον. Όσο για τη μουσική, γνώρισε την επίδραση των Grigorian Chants, τη μουσική των αδέσποτων μουσικών, καθώς και τη μουσική των ανατολικών λαών. Συχνά από τους ερμηνευτές, και μερικές φορές οι συγγραφείς της μουσικής των τραγουδιών Troubadur ήταν juggles που παρακολουθούσαν τους Ιππότες, συνοδεύοντας το τραγούδι τους και να εκτελούν τις λειτουργίες των υπαλλήλων και βοηθών. Χάρη στη συνεργασία αυτή, τα όρια διαγράφουν μεταξύ των ανθρώπων και της ιππικής μουσικής δημιουργικότητας.
Χορευτική μουσική Η περιοχή στην οποία η σημασία της οργάνωσης της μουσικής που εκδηλώθηκε ιδιαίτερα έντονα ήταν ο μουσικός χορός. Από το τέλος του XI αιώνα, προκύπτουν πολλά μουσικά και χορευτικά είδη, σχεδιασμένα αποκλειστικά για εκτέλεση σε όργανα. Δεν υπάρχουν διακοπές συγκομιδής, χωρίς γάμο ή άλλο οικονομικό κόστος γιορτής χωρίς χορούς. Χοροί συχνά εκτελούνται κάτω από το τραγούδι που χορεύουν ή κάτω από το κέρατο, σε ορισμένες χώρες - κάτω από την ορχήστρα που αποτελείται από σωλήνα, τύμπανο, κλήση, πλάκες.
Βόμβος Γαλλικός λαϊκός χορός. Στο Μεσαίωνα ήταν το πιο δημοφιλές στις πόλεις και τα χωριά. Σύντομα μετά την εμφάνισή του, η προσοχή της αριστοκρατίας και έγινε χορός χορού. Χάρη στις απλές κινήσεις, ο Branley θα μπορούσε να χορέψει τα πάντα. Οι συμμετέχοντες του κρατούν τα χέρια, σχηματίζοντας έναν κλειστό κύκλο που μπορεί να διασπαστεί στη γραμμή, γυρίζοντας σε κινήσεις ζιγκ-ζαγκ. Υπήρχαν πολλοί τύποι Branle: απλό, διπλό, αστείο, άλογο, Branle Prachk, Branle με φακούς, κλπ. Με βάση τα κινήματα του Beran, το Gavot, το Paspie και το Burre δημιουργήθηκε σταδιακά από το Branle.
Στέλλα Ο χορός πραγματοποίησε προσκυνητές που ήρθαν στο μοναστήρι να λατρεύουν το άγαλμα της Παναγίας. Στάθηκε στην κορυφή του βουνού που φωτίζεται από τον ήλιο και φαινόταν ότι το uneartly light ρέει από αυτήν. Ως εκ τούτου το όνομα του χορού (Stella - από το Lat. Star). Οι άνθρωποι χόρευαν σε μια ενιαία ώθηση, σοκαρισμένη από την μεγαλοπρέπεια και την καθαρότητα της μητέρας του Θεού.
Κάρολ. Ήταν δημοφιλές στο 12V. Karol - ανοιχτός κύκλος. Κατά τη διάρκεια της εκτέλεσης του χορευτικού Καρούλ, κρατώντας τα χέρια. Μπροστά από το χορό περπάτησε. Η χορωδία πραγματοποίησε όλους τους συμμετέχοντες. Ο ρυθμός του χορού ήταν ομαλός και αργός, στη συνέχεια μειώθηκε και μετατράπηκε για να τρέξει.
Χορεύω θάνατο Κατά την περίοδο αργά μεσαίωνα, στον ευρωπαϊκό πολιτισμό, το θέμα του θανάτου έχει γίνει αρκετά δημοφιλές. Η επιδημία της πανώλης, η οποία φέρει έναν τεράστιο αριθμό ζωών επηρέασε τη στάση απέναντι στον θάνατο. Εάν προηγουμένως παραδόθηκε από τη γήινη ταλαιπωρία, στη συνέχεια στο XIII αιώνα. Θεωρήθηκε με φρίκη. Ο θάνατος απεικονίστηκε σε σχέδια και χαρακτικά με τη μορφή τρομακτικών εικόνων, που συζητήθηκαν στους στίχους των τραγουδιών. Ο χορός εκτελείται σε έναν κύκλο. Ο χορός αρχίζει να κινείται, σαν να τους συνεπάγεται η άγνωστη δύναμη τους. Σταδιακά, κυριαρχεί η μουσική που παίζει ο θάνατος του θανάτου, αρχίζουν να χορεύουν και να πέφτουν στο τέλος.
Basan χρωστάει Δρόμος που χορεύουν τις πορείες. Φορούσαν έναν επίσημο χαρακτήρα και ήταν τεχνικά απλή. Έχοντας συγκεντρωθεί στον τραγουδιστή στα καλύτερα ρούχα τους που πέρασαν πριν από τον ιδιοκτήτη, σαν να έδειχνε τον εαυτό τους και το φορεσιά τους - αυτό ήταν το νόημα του χορού. Οι χορευτικές πομπές εισάγονται σταθερά στη δικαστική ζωή, χωρίς αυτούς δεν υπήρχε φεστιβάλ.
Estampi. (αιθαμπίδη) ζευγαρωμένων χορών, συνοδευόμενη από οργανική μουσική. Μερικές φορές το "Ethambi" ολοκληρώθηκε από τρεις: ένας άνθρωπος οδήγησε δύο γυναίκες. Η μουσική έπαιξε μεγάλο ρόλο. Αποτελούσε πολλά μέρη και προκάλεσε τη φύση των κινήσεων και τον αριθμό των ρολογιών σε κάθε μέρος.

Trubadras:

Giraut Ricier 1254-1292

Guiraut Riquier - Provencal ποιητής, ο οποίος συχνά ονομάζεται "τελευταίος σωλήνας". Ο παραγωγικός και επιδέξιος δάσκαλος (48 από τις μελωδίες του διατηρούνται), αλλά όχι αλλοδαπός σε πνευματικό θέμα και πολύ περίπλοκη το φωνητικό του γράμμα, αφαιρώντας από το τραγούδι. Για πολλά χρόνια ήταν στο δικαστήριο στη Βαρκελώνη. Συμμετείχε σε μια διασταυρούμενη εκστρατεία. Ενδιαφέροντος είναι επίσης η θέση του σε σχέση με την τέχνη. Η αλληλογραφία του με το διάσημο προστάτης των Τεχνών του Alphonse Wise, King Castile και Leon. Σε αυτό, διαμαρτυρήθηκε ότι οι ανέντιμοι άνθρωποι, ο "εξευτελιστικός τίτλος του Juggler", αναμιγνύεται συχνά με έμπειρα τροβαντρά. Είναι "ντόπιο και επιβλαβές" για εκπροσώπους της "Υψηλής Τέχνης Ποίησης και Μουσικής που μπορούν να συνθέσουν ποιήματα και να δημιουργήσουν διδακτικά και ενοχλητικά έργα". Κάτω από το πρόσφορο της απάντησης, ο βασιλιάς Ricier πρότεινε τη συστηματοποίηση του: 1) "Ιατροί ποιητικής τέχνης" - το καλύτερο του Τρομαντουρόφ, "που καλύπτει το δρόμο προς την κοινωνία", οι συγγραφείς των "παραδειγματικών στίχων και ο Canson, χαριτωμένα μυθιστόρημα και διδακτικά έργα "Στην ομιλούμενη γλώσσα; 2) Τρομμπαράς που συνθέτουν τραγούδια και μουσική για να δημιουργήσουν μελωδίες χορού, μπαλάντες, alba και sirvents. 3) Οι Jugglers Catering για να δοκιμάσουν ευγενή: παίζουν διαφορετικά εργαλεία, λένε την ιστορία και τα παραμύθια, έχουν ποιήματα και cansons άλλων ανθρώπων. 4) Buffons (Jesters) "Η χαμηλή τέχνη του στους δρόμους και τα τετράγωνα δείχνει και συμπεριφέρεται ανάξιος." Αφαιρούν εκπαιδευμένους πιθήκους, σκύλους και κατσίκες, δείχνουν μαριονέτες, μιμούνται το κύλινδρο των πτηνών. Το Buffon παίζει για μικρές παραδόσεις στα εργαλεία ή τα κλαδιά πριν από την τύχη ... Ταξιδεύοντας από την αυλή στο γήπεδο, χωρίς ντροπή, μεταφέρει υπομονετικά όλα τα ταπείνωση και περιφρονεί ευχάριστες και ευγενείς τάξεις.

Rikiera, όπως πολλοί troubadurov, διαταράσσει το ζήτημα των ιπποειδών αρετών. Θεώρησε το υψηλότερο πλεονέκτημα. "Σε καμία περίπτωση δεν λέω, είμαι κακός για το Valor και το μυαλό, αλλά η γενναιοδωρία είναι όλα υπέρβαση."

Τα συναισθήματα της πικρίας και της ενόχλησης ενισχύονται απότομα μέχρι το τέλος του XIII αιώνα, όταν η κατάρρευση των Σταυροφώσεων μετατράπηκε σε μια ισογανική πραγματικότητα, με την οποία ήταν αδύνατο να μην θεωρηθεί ότι ήταν αδύνατο να μην σκεφτεί. "Ήρθε η ώρα να τελειώσω!" - Σε αυτούς τους στίχους (έχουν ήδη 1292) εξέφρασαν την απογοήτευσή του από την απογοήτευση των επιχειρήσεων που διασκορπίζονται Giraut Ricier:
"Ήρθε σε μας μια ώρα - να καταστρέψει το ερείπιο - να φύγει από την Αγία Γη!" Το ποίημα "Ήρθε η ώρα για μένα με τα τραγούδια" (1292) θεωρείται το τελευταίο τραγούδι Troubadur.

Συνθέτες, μουσικοί

Guilla de masho ok. 1300 - 1377.

Το Machaut είναι ένας γάλλος ποιητής, μουσικός και συνθέτης. Υπηρέτησε στο δικαστήριο του Τσεχικού Βασιλιά, με 1337 ήταν ο Canonon του καθεδρικού ναού της Reimary. Ένας από τους σημαντικότερους μουσικούς των τελευταίων μεσαιωνιών, η μεγαλύτερη φιγούρα των γαλλικών Ars Nova. Γνωστή ως συνθέτης πολλαπλών κεφαλών: Έχει φτάσει τα Minges, Ballads, Viros, Le, Rondo, Canons και άλλα τραγούδια (τραγουδιού). Η μουσική του διακρίνεται από την εξελιγμένη εκφραστικότητα, εξευγενισμένη αισθησιασμό. Επιπλέον, η Masha δημιούργησε το πρώτο στην ιστορία της μάζας του συγγραφέα (για τη στερέωση του βασιλιά Charles V στο Reims το 1364g .. Είναι η πρώτη στην ιστορία της μουσικής από τη Mesca του συγγραφέα - το ένα κομμάτι και ολοκληρώθηκε το έργο του διάσημος συνθέτης. Στην τέχνη του, όπως ήταν, σημαντικές γραμμές που περνούν, με τη μία πλευρά, από τη μουσική και ποιητική κουλτούρα των σωληνωτών και τους σωλήνες στη μακροχρόνια, τη βάση, από την άλλη, από τα γαλλικά σχολεία ενός Πολυφωνία 12-13 αιώνων.

Leonin (μεσαίου XII αιώνα)

Ο Leonin είναι ένας εξαιρετικός συνθέτης, μαζί με ένα peroth που ανήκει στην σχολή Notre-Lady. Η ιστορία μας κράτησε το όνομα αυτού του διάσημου δημιουργού του "Big Book of Organs", σχεδιασμένο για τον ετήσιο κύκλο της εκκλησίας τραγουδιού. Ο Leonin Organum αντικατέστησε τη χορωδιακή τραγουδώντας σε κοινότητα με σολίστες τραγούδι δύο φωνής. Τα δύο φωνητικά όργανα διακρίνονταν από μια τόσο εμπεριστατωμένη ανάπτυξη, μια αρμονική «συνοχή» του ήχου, η οποία ήταν αδύνατη χωρίς προηγούμενη σκέψη και καταγραφή: στην τέχνη του Leonin, δεν ήταν ένας τραγουδιστής, αλλά ένας συνθέτης. Η κύρια καινοτομία του Leonin ήταν ένα ρυθμικό ρεκόρ, το οποίο επέτρεψε να δημιουργήσει ένα σαφή ρυθμό κυρίως από την κινούμενη κορυφαία φωνή. Η ίδια η φύση των κορυφαίων ψήφων διακρίθηκε με τη μελωδική γενναιοδωρία.

Peroten.

Perotin, Perotinus - Γάλλος συνθέτης του τέλους 12 - 1ου τρίτου των 13 αιώνων. Στις σύγχρονες θεραπείες, ο "Master Peroth Great" (ο οποίος εννοούσε, είναι σίγουρα άγνωστο, επειδή υπήρχαν πολλοί μουσικοί στους οποίους μπορεί να αποδοθεί αυτό το όνομα). Οι επιδερμίδες ανέπτυξαν το γένος ενός τραγουδιού πολλαπλών φωνητών, το οποίο ιδρύθηκε στο έργο του προκατόχου του Leonin, ανήκε επίσης στο λεγόμενο Παριζιάνικο ή Notre Dame, το σχολείο. Τα περιθώρια δημιούργησαν υψηλά δείγματα ενός μελωμικού οργανισμού. Έγραψε όχι μόνο 2 ψήφους (όπως Leonin), αλλά και 3, 4-eyed δοκίμια, και προφανώς περίπλοκη και εμπλουτισμένη πολύπλευρη ρυθμική και υφή. Τα 4 Vocotal όργανα του δεν έχουν ακόμη υπακούσει ακόμη στους υπάρχοντες νόμους της πολυφωνίας (απομίμηση, Canon κ.λπ.). Στο έργο του Perothsum υπήρξε μια παράδοση των Chants Multi-Voice της Καθολικής Εκκλησίας.

Zokene de ok. 1440-1524

Franco φλαμανδικός συνθέτης. Από την εκκλησία της νεαρής ηλικίας τραγουδώντας. Υπηρέτησε σε διάφορες πόλεις της Ιταλίας (σε 1486-99 τραγουδιστές παπικών παρεκκλήσι στη Ρώμη) και τη Γαλλία (Cambone, Παρίσι). Ήταν δικαστήριο μουσικός του Louis XII; Έλαβε αναγνώριση ως πλοίαρχος όχι μόνο της λατρείας, αλλά και τα κοσμικά τραγούδια, η πρόβλεψη του γαλλικού chanson. Τα τελευταία χρόνια της ζωής είναι ο ηγούμενος του καθεδρικού ναού στο Konde-sur-esco. Zoskien Dew - ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες της Αναγέννησης, που είχε μια ευπροσάρμοστη επιρροή στην επακόλουθη ανάπτυξη της Τέχνης της Δυτικής Ευρώπης. Συνοψίζοντας δημιουργικά την επίτευξη της ολλανδικής Σχολής, δημιούργησε τα καινοτόμες δοκίμια των πνευματικών και κοσμικών ειδών (μάζα, motettes, ψαλίδια, καρατάλια), υποτονική υψηλή πολυφωνική τεχνική με νέες καλλιτεχνικές, εργασίες. Η μελωδία των έργων του που συνδέεται με τις πηγές του είδους είναι πλουσιότερη και πολύπλευρη από τους παλαιότερους δασκάλους της Ολλανδίας. Η "εκκαθάριση" πολυφωνικού στυλ Zoshen δροσιά, χωρίς ανταπόκριση, ήταν ένα σημείο καμπής στην ιστορία της χορωδιακής γραφής.

Φωνητικά είδη

Για ολόκληρη την εποχή, γενικά, η προφανής υπεροχή των φωνητικών ειδών και ιδιαίτερης φωνητικής Πολυφώνια. Η ασυνήθιστα πολύπλοκη ικανότητα της αυστηρής πολυφωνίας στυλ, της γνήσιας υποτροφίας, η τεχνική Virtuoso ήταν δίπλα στη φωτεινή και φρέσκια τέχνη της εγχώριας διανομής. Η οργάνωση μουσική αποκτά κάποια ανεξαρτησία, αλλά η άμεση εξάρτησή του από φωνητικά έντυπα και από εγχώριες πηγές (χορός, τραγούδι) θα ξεπεραστεί μόνο ελαφρώς αργότερα. Τα μεγάλα μουσικά είδη παραμένουν συνδεδεμένα με το λεκτικό κείμενο. Η ουσία του αναγεννησιακού ανθρωπισμού αντανακλάται στη σύνθεση των τραγουδιών χορωδίας στο ύφος του Fottol και του Vilall.
Χορευτικά είδη

Στην εποχή της αναζωογόνησης του χοριού των νοικοκυριών αποκτά μεγάλη σημασία. Στην Ιταλία, Γαλλία, Αγγλία, Ισπανία Υπάρχουν πολλές νέες μορφές χορού. Διάφορα στρώματα της κοινωνίας έχουν τους χορούς τους, παράγουν την εκτέλεση τους, τους κανόνες για τη συμπεριφορά κατά τη διάρκεια μπάλες, βραδιές, εορταστικές εκδηλώσεις. Ο χορός της Αναγέννησης είναι πιο περίπλοκος από τους μη αφυδατωμένους Branles των τελευταίων μεσαιωνιών. Χορός χορού (ντουέτ), χτισμένο σε σύνθετες κινήσεις και αριθμούς έρχονται να αντικαταστήσουν το χορό με χορού και γραμμική κέρατα σύνθεση.
Βόλτα - Ζεύγος χορός της ιταλικής προέλευσης. Το όνομά του προέρχεται από την ιταλική λέξη Voltare, που σημαίνει "περιστροφή". Το μέγεθος είναι τριών τόνων, το ρυθμό μέτρια γρήγορα. Το κύριο σχέδιο του χορού είναι ότι ο Cavalier είναι αμέσως και απότομα γυρίζει την κυρία στον αέρα. Αυτή η άνοδος γίνεται συνήθως πολύ υψηλή. Απαιτεί μια μεγάλη δύναμη και η δεξτέρ από το Cavalier, αφού, παρά την ευκρίνεια και κάποια ακαθαρσία των κινήσεων, η άνοδος πρέπει να εκτελείται με σαφήνεια και όμορφα.
Gallarda - Αρχαίος χορός της ιταλικής προέλευσης, κοινός στην Ιταλία, Αγγλία, Γαλλία, Ισπανία, Γερμανία. Το ρυθμό της πρώιμης γαλάζουρδας μέτρια γρήγορα, το μέγεθος του τριών τόνων. Το Galjard πραγματοποιήθηκε συχνά μετά από τους συναδέλφους, με το οποίο μερικές φορές σχετιζόταν θεματικά. Gallard 16 V. Διατηρείται σε μια μελωδία-αρμονική υφή με μελωδία στην ανώτερη φωνή. Οι μελωδίες Gallard ήταν δημοφιλείς σε μεγάλα στρώματα της γαλλικής κοινωνίας. Κατά τη διάρκεια της εκτέλεσης, οι φοιτητές του Serenad Orleans παίζουν μελωδίες Shard σε Lules και Guitars. Όπως και τα χτυπήματα, η Galharda φορούσε τον χαρακτήρα ενός είδους χορού διαλόγου. Ο Κάσακαλας μετακόμισε γύρω από την αίθουσα με την κυρία του. Όταν ένας άνθρωπος πραγματοποίησε σόλο, η κυρία παρέμεινε στη θέση του. Το αρσενικό σόλο αποτελείται από μια ποικιλία σύνθετων κινήσεων. Μετά από αυτό, πλησίασε και πάλι την κυρία και συνέχισε τον χορό.
Pavana - Επισυνάψτε το χορό των 16-17 αιώνων. Ο ρυθμός είναι μέτρια αργή, μέγεθος 4/4 ή 2/4. Σε διαφορετικές πηγές δεν υπάρχει συναίνεση για την προέλευσή της (Ιταλία, Ισπανία, Γαλλία). Η πιο δημοφιλής έκδοση είναι ένας ισπανικός χορός που ανυψώνει τις κινήσεις του παγώνι με μια όμορφα ξεπλυμένη ουρά. Ήταν κοντά στο Babdança. Διάφορες τελετουργικές πορείες έλαβαν χώρα στη μουσική της Pavana: τις εισόδους των αρχών της πόλης, τις ορατές νύφες στην εκκλησία. Στη Γαλλία και την Ιταλία, το Pavan εγκρίνεται ως χορός δικαστηρίου. Ο επίσημος χαρακτήρας της Pavana επέτρεψε στην κοινωνία του δικαστηρίου να λάμψει στη χάρη και τη χάρη του τρόπου και των κινήσεών του. Άνθρωποι και μπουρζουαζία Αυτός ο χορός δεν έκανε. Pavana, όπως το Mushmeet, ήταν αυστηρά σε τάξεις. Ο χορός του βασιλιά και της βασίλισσας άρχισε, τότε το Dofin εισήχθη σε αυτό με μια αξιοσημείωτη κυρία, τότε οι πρίγκιπες κ.λπ. Οι καβαλέτες εκτελούνται με περούκα στο σπαθί και σε κούτσουρο. Οι κυρίες ήταν στα μπροστινά φορέματα με βαριά μακρά TPS, τα οποία έπρεπε να είναι ικανά να είναι δικά τους κατά τη διάρκεια των κινήσεων, χωρίς να τις αυξήσουν από το πάτωμα. Η κίνηση της τάφρου έκανε τις κινήσεις όμορφη, δίνοντας το Pawan μια πομπή και η επίσημη. Για τη βασίλισσα της κατά προσέγγιση κυρίες που έφεραν το βρόχο. Πριν από την έναρξη του χορού, υποτίθεται ότι παρακάμπτει την αίθουσα. Στο τέλος του χορού, το ζευγάρι με τόξα και αντιστροφές πήγαν και πάλι γύρω από την αίθουσα. Αλλά πριν βάζετε ένα καπέλο, ο ιππικός έπρεπε να βάλει το δεξί χέρι πίσω στον ώμο της κυρίας, το αριστερό (κρατώντας καπέλο) - στην μέση της και τη φιλάει στο μάγουλο. Κατά τη διάρκεια του χορού, η κυρία μειώθηκε. Μόνο από καιρό σε καιρό κοίταξε την ιππασία της. Το πιο μεγάλο Pavan διατηρήθηκε στην Αγγλία, όπου ήταν πολύ δημοφιλές.
Allemanda - Ο αργός χορός της γερμανικής προέλευσης σε μέγεθος 4 δολαρίων. Ανήκει στον τεράστιο "χαμηλό", το Napral Dance. Οι καλλιτέχνες έγιναν ζευγάρια μεταξύ τους. Ο αριθμός του ατμού δεν περιορίζεται. Ο Καβαλέρ κράτησε μια κυρία από τα χέρια του. Η στήλη κινείται γύρω από την αίθουσα και όταν έφτασε στο τέλος, οι συμμετέχοντες έκαναν μια στροφή στο σημείο (δεν διαχωρίζουν τα χέρια) και συνέχισαν τον χορό προς την αντίθετη κατεύθυνση.
Κουράντα - χορός της ιταλικής καταγωγής. Το Quarant ήταν απλό και περίπλοκο. Το πρώτο αποτελείται από απλά, λάμψη βήματα που εκτέθηκαν κυρίως μπροστά. Το σύνθετο χτύπημα ήταν παντομιλικός χαρακτήρας: τρεις Cavaliers προσκλήθηκαν σε τρεις κυρίες για να συμμετάσχουν στο χορό. Οι κυρίες ανατέθηκαν στην αντίθετη γωνία της αίθουσας και ζήτησαν να χορέψουν. Κυρίες αρνήθηκαν. Cavalers, έχοντας λάβει μια άρνηση, πήγε, αλλά στη συνέχεια επέστρεψε και έγινε πριν από τις κυρίες στα γόνατά της. Μόνο μετά την άρχιστη σκηνή του Παντομιμήν. Τα χάσματα των ιταλικών και των γαλλικών τύπων διαφέρουν. Ιταλικά καλαγκέτες - ένας αναβιώμενος χορός 3/4 ή 3/8 με ένα απλό ρυθμό σε μια αρμονική υφή μελωδίας. Γαλλικά - επίσημη χορός ("χορός των τρόπων"), ομαλή προερχομική πομπή. Μέγεθος 3/2, μέτρια ρυθμό, αρκετά αναπτυγμένη πολυφωνική υφή.
Σαραμπάντα - Δημοφιλής χορός 16 - 17 αιώνες. Συνέβη από τον ισπανικό θηλυκό χορό με kastagnets. Αρχικά συνοδευόμενη από τραγούδι. Ο διάσημος Balletmaster και ο δάσκαλος Karlo Blazis σε ένα από τα έργα τους δίνει μια σύντομη περιγραφή της Σαμπάντα: "Σε αυτόν τον χορό, ο καθένας επιλέγει μια κυρία στην οποία δεν είναι αδιάφορη. Η μουσική δίνει ένα σήμα και δύο εραστές εκτελούν το χορό, ευγενή, μετρημένα , ωστόσο, η σημασία αυτού του χορού δεν παρεμβαίνει στην ευχαρίστηση και η μετριοφροσύνη του δίνει ακόμα πιο χαριτωμένη. οι απόψεις όλων είναι ευτυχείς να ακολουθήσουν ο χορός που εκτελούν διάφορα στοιχεία, εκφράζουν όλες τις φάσεις της αγάπης με την κίνηση τους. " Αρχικά, ο ρυθμός της Σαραμπάντα ήταν μέτρια γρήγορος, αργότερα (από τον 17ο αιώνα) υπήρχε αργή γαλλική Σαράμπαν με χαρακτηριστικό ρυθμικό μοτίβο: ...... στην πατρίδα του Σαραμπάντα μπήκε στην κατηγορία άσεμνων χορών και το 1630. Απαγορεύεται από το Castilian Council.
Zhiga - Χορός της αγγλικής προέλευσης, το ταχύτερο, τριών Τηλών, στρέφοντας σε τριμερή. Αρχικά, το άλμπουμ ήταν χορό ζευγάρι, μεταξύ των ναυτικών που εξαπλώθηκαν ως σόλο πολύ γρήγορο χορό κόμικς. Αργότερα βρίσκεται σε οργανική μουσική ως το τελευταίο μέρος της αρχαίας σουίτα χορού.

Φωνητικά είδη

Τα πιο προφανή μπαρόκ χαρακτηριστικά εκδηλώθηκαν σε αυτά τα είδη όπου η μουσική αλληλέννησε με άλλες τέχνες. Αυτά ήταν, πρώτα απ 'όλα, την όπερα, τη Ororatoria και τα είδη πνευματικής μουσικής, όπως η Passonese και η Cantata. Μουσική σε συνδυασμό με τη λέξη, και στην όπερα - με κοστούμια και διακοσμήσεις, δηλαδή με στοιχεία ζωγραφικής, εφαρμοσμένη τέχνη και αρχιτεκτονική, κλήθηκαν να εκφράσουν τον πολύπλοκο πνευματικό κόσμο του ανθρώπου, που βιώνουν τα σύνθετα και ποικίλα γεγονότα . Η γειτονιά των ηρώων, των θεών, της πραγματικής και ηρητικής δράσης, όλα τα είδη μαγείας ήταν φυσικά στην μπαρόκ γεύση, ήταν η υψηλότερη έκφραση της μεταβλητότητας, του δυναμισμού, του μετασχηματισμού, τα θαύματα δεν ήταν εξωτερικά, καθαρά διακοσμητικά στοιχεία, αλλά ήταν ένα απαραίτητο μέρος της καλλιτεχνικής Σύστημα.

ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ.

Το είδος της όπερας έλαβε τη μεγαλύτερη δημοτικότητα στην Ιταλία. Έχουν ανοίξει ένας μεγάλος αριθμός θεάτρων όπερας, ο οποίος ήταν ένα καταπληκτικό, μοναδικό φαινόμενο. Αμέτρητοι, ντυμένοι από βαριά βελούδο, περιφραγμένα με ένα λιμάνι φραγμού (όπου εκείνη τη στιγμή στάθηκαν και δεν είχαν κάθισε) που συλλέχθηκαν κατά τη διάρκεια των 3-όπερων εποχές σχεδόν κάθε πληθυσμό της πόλης. Τα καταλύματα αγοράστηκαν για ολόκληρη την εποχή από την πατρίκινη επώνυμα, ένα απλό άτομο ήταν γεμάτο στο parter, μερικές φορές σάλπιγγες για δωρεάν - αλλά όλοι αισθάνθηκαν άνετα, στην ατμόσφαιρα ενός συνεχούς φεστιβάλ. Υπήρχαν μπουφέδες, καναπέδες, μοναχικά τραπέζια για να παίζουν "Φαραώ". Καθένα από αυτά συνδέονται με ειδικές εγκαταστάσεις, όπου προετοιμαζόταν τα τρόφιμα. Το κοινό πήγε στα γειτονικά καταλύματα ως επίσκεψη. Η χρονολόγηση, η αγάπη ίντριγκεπες άρχισε εδώ, τα τελευταία νέα ανταλλάχθηκαν, ένα παιχνίδι καρτών ανταλλάχθηκε για μεγάλα χρήματα κ.λπ. και στη σκηνή, αναπτύχθηκε ένα πολυτελές, εξωγενές θέαμα, σχεδιασμένο να επηρεάζει το μυαλό και τα συναισθήματα του ακροατηρίου, να ψάλτε όραση και ακοή. Το θάρρος και η Valor των Ηρώων της Αρχαιότητας, οι υπέροχες περιπέτειες των μυθολογικών χαρακτήρων εμφανίστηκαν πριν από την είσοδό τους ακροατές σε όλη τη μεγαλοπρέπεια του μουσικού και διακοσμητικού σχεδιασμού, που επιτεύχθηκαν για σχεδόν μια ύπαρξη αντίθετης όπερας.

Φτάνοντας στο αποτέλεσμα του 16ου αιώνα στη Φλωρεντία, στον κύκλο ("Camerata") των ανθρωπιστικών, ποιητών και συνθετών, η όπερα σύντομα γίνεται το κορυφαίο μουσικό είδος της Ιταλίας. Ένας ιδιαίτερα σημαντικός ρόλος στην ανάπτυξη της όπερας που έπαιξε ο Κ. Μοντεβίρντζι, ο οποίος εργάστηκε στο Mantu και στη Βενετία. Τα δύο από τα πιο διάσημα έργα του σταδίων, το "Ορφέα" και η "Coronation of Poppai" χαρακτηρίζονται από την εντυπωσιακή τελειότητα της μουσικής δραματουργίας. Στη ζωή του Monteverdi στη Βενετία υπήρχε μια νέα Σχολή Όπερας με επικεφαλής τον F. Kawalli και το M. Honor. Με το άνοιγμα το 1637 στη Βενετία του πρώτου δημόσιου θεάτρου του Σαν Κασσιανού, υπήρξε μια ευκαιρία να φτάσουμε στην όπερα Όποιος αγόρασε ένα εισιτήριο. Σταδιακά, η έννοια των θεαματικών, εξωτερικά θεαματικές στιγμές αυξάνεται σε βάρος των παλαιών ιδεών της απλότητας και της φυσικότητας, εμπνευσμένη από τα ανοικτά επιβραδυντικά του είδους της όπερας. Η τεράστια ανάπτυξη λαμβάνει μια τεχνική παραγωγών, η οποία επιτρέπει στις πιο φανταστικές περιπέτειες των ηρώων στη σκηνή των ναυαγίων, τις πτήσεις με τον αέρα κλπ. Grand, πολύχρωμο τοπίο, δημιουργώντας την ψευδαίσθηση των προοπτικών (η σκηνή στα ιταλικά θέατρα ήταν μια ωοειδής μορφή), Μεταφέρονται ο θεατής σε υπέροχα παλάτια και στις θαλάσσιες εκτάσεις, σε μυστηριώδη μπουντρούμια και μαγικούς κήπους.

Ταυτόχρονα, στη μουσική όπερα, πραγματοποιήθηκε αυξανόμενη έμφαση στη σόλο φωνητική αρχή, υποβλήθηκε στον εαυτό του τα υπόλοιπα στοιχεία της εκφραστικότητας. Αυτό στο μέλλον οδήγησε αναπόφευκτα στον ενθουσιασμό της αυτο-επαρκούς φωνητικής δεξιοτήτων και μείωση των δραματικών αποτελεσμάτων, οι οποίες συχνά έγιναν απλώς λόγος για την επίδειξη των φαινομενικών φωνητικών δεδομένων των τραγουδιστών. Σύμφωνα με τους προσαρμοσμένους, τους τραγουδιστές-κασέτες που εκτελούνται ως επώνυπα που πραγματοποίησαν και τα συμβαλλόμενα μέρη των ανδρών και των γυναικών. Η εκτέλεσή τους συνδυάζει την εξουσία και την λάμψη των ανδρικών φωνών με ευκολία και κινητικότητα των γυναικών. Αυτή η χρήση υψηλών ψήφων στα μέρη της θαρραλέας-ηρωικής αποθήκης ήταν παραδοσιακή και δεν θεωρείται αφύσικη. Είναι ευρέως διαδεδομένο όχι μόνο στην Παπική Ρώμη, όπου οι γυναίκες απαγορεύονται επισήμως να εκτελέσουν στην όπερα, αλλά και σε άλλες πόλεις της Ιταλίας.

Από το δεύτερο μισό του 17ου αιώνα Ο ηγετικός ρόλος στην ιστορία του Ιταλικού Μουσικού Θεάτρου προχωρά στην Όπερα της Νεάπολης. Οι αρχές που αναπτύχθηκαν από τους συνθέτες της Νεάπολης είναι οι αρχές των δραματουργών της όπερας γίνονται καθολική και η όπερα της Νεάπολης αναγνωρίζεται με τον εθνικό τύπο της ιταλικής όπερας της Όπερας. Ένας τεράστιος ρόλος στην ανάπτυξη της Σχολής Όπερας Νεάπολη έπαιξε από το Ωδείο, μεγάλωσε από καταφύγια για ορφανά σε ειδικά μουσικά εκπαιδευτικά ιδρύματα. Έδωσαν ιδιαίτερη προσοχή στις τάξεις με τραγουδιστές, οι οποίες περιλάμβαναν την κατάρτιση στον αέρα, στο νερό, σε θορυβώδη πολυσύχναστους τόπους και όπου η ηχώ, όπως ελέγχονταν, έλεγαν τον τραγουδιστή. Η μακρά λωρίδα των λαμπρών Virtuoso Vocalists - τα κατοικίδια του Conservatorium - Διαδώστε τη φήμη της ιταλικής μουσικής και του "εξαιρετικού τραγουδιού" σε ολόκληρο τον κόσμο (Bel Canto). Για την Όπερα της Νεάπολης, το Ωδείο αποτελούσε ένα συνεχές αποθεματικό του επαγγελματικού προσωπικού, ήταν το κλειδί για τη δημιουργική του ενημέρωση. Μεταξύ των πολυάριθμων ιταλικών συνθέσεων της όπερας της μπαρόκ εποχής, το πιο σημαντικό φαινόμενο ήταν ο Claudio Monteverdi. Στα μεταγενέστερα έργα του, οι βασικές αρχές της όπερας παιχνιδιού και διάφορες μορφές σόλο τραγουδιού της όπερας, οι οποίες θα έπρεπε να ακολουθήσουν τους περισσότερους από τους Ιταλούς συνθέτες του 17ου αιώνα.

Ο γενικός Pörswell ήταν γνήσιος και ο μόνος δημιουργός της Εθνικής Βρετανικής Όπερας. Προφεύει μεγάλο αριθμό θεατρικών έργων, συμπεριλαμβανομένης της μόδας της όπερας - Didona και της ΕΝΕΛ. "Didona και Eney" - σχεδόν η μόνη αγγλική όπερα χωρίς προφορικά ένθετα και διάλογους, στα οποία μια δραματική δράση από την αρχή μέχρι το τέλος τίθεται στη μουσική. Όλες οι άλλες μουσικές και θεατρικές παραγωγές Peresella περιέχουν διάλογους συνομιλίας (στην εποχή μας, τα έργα μας ονομάζονται "μουσικά").

"Όπερα - η ευχάριστη θέση της είναι μια χώρα μετασχηματισμών. Στην αναλαμπή ενός ματιού, οι άνθρωποι γίνονται θεοί, και οι θεοί γίνονται άνθρωποι. Δεν υπάρχει τρόπος να ταξιδέψουμε γύρω από τις χώρες, γιατί η χώρα ταξιδεύει μπροστά του . Είστε βαρεθεί σε μια τρομερή έρημο; Αμέσως ο ήχος σφυρίχτρα σας ανέχονται στους κήπους Idylli. Ο άλλος από εσάς από την κόλαση στην κατοικία των θεών οδηγεί: άλλο άλλο - και είστε στο χωριό Fay, οι νεράιδες της όπερας γοητεύονται Καθώς τα πρόσωπα των παραμυθιών μας, αλλά η τέχνη τους είναι πιο φυσική ... "(Dufrena).

"Όπερα - Η απόδοση είναι τόσο περίεργη, πόσο μεγαλούσε, όπου τα μάτια και τα αυτιά είναι πιο ικανοποιημένοι από το μυαλό. Όπου η επιβίωση της μουσικής είναι αστείο παράλογο, όπου, όταν η πόλη καταστρέφεται, ο Αρίπης τραγουδάει και γύρω από τον τάφο χορό · όπου μπορεί να δει το Πλούτων και το ηλιόλουστο παλάτια, καθώς και τους θεούς, τους δαίμονες, τους μάγους, τις εντολές, τα μαγεία, τα παλάτια χτίζονται και καταστρέφονται με την αναλαμπή ενός ματιού. Αυτές οι παράδοξες υποφέρουν και ακόμη θαυμάζουν, για την όπερα - χώρα fay " (Voltaire, 1712).

Ορατόριο

Ο Ocaker, συμπεριλαμβανομένου του πνευματικού, των σύγχρονων, συχνά αντιλαμβάνονται ως όπερα χωρίς κοστούμια και τοπίο. Ωστόσο, οι προερφορτιστές λατρείας και η Passiona ακουγόταν στους ναούς, όπου ο ίδιος ο ναός και οι εκδόσεις των ιερέων που εξυπηρετούνται και το σκηνικό και το κοστούμι.

Ororatoria και ήταν πρωτίστως ένα πνευματικό είδος. Η ίδια η λέξη Ororatoria (Oratorio) προέρχεται από το Oratorium Lattatinsky - "Mellery", και Latin-wow - "λέω, προσεύχομαι". Ο Oratorion γεννήθηκε ταυτόχρονα με την Όπερα και το Canta, αλλά στο ναό. Ο προκάτοχός της ήταν το λειτουργικό δράμα. Η ανάπτυξη αυτής της δράσης της εκκλησίας πήγε σε δύο κατευθύνσεις. Από τη μία πλευρά, μια ολοένα και πιο αποκτώντας είναι συνηθισμένη, σταδιακά μετατράπηκε σε μια κωμική αναπαράσταση. Από την άλλη πλευρά, η επιθυμία να διατηρηθεί η σοβαρότητα της επικοινωνίας προσευχής με τον Θεό όλη την ώρα ώθησε στην στατική κατάσταση της απόδοσης, ακόμη και με το πιο ανεπτυγμένο και δραματικό οικόπεδο. Αυτό οδήγησε, τελικά, στην εμφάνιση ενός Oratorio ως ανεξάρτητο, πρώτα καθαρά ναό, και στη συνέχεια ένα είδος συναυλιών.

ΜΟΥΣΙΚΗ Τις εποχές του Μεσαίωνα - Περίοδος ανάπτυξηςΜουσικός πολιτισμόςΥπάρχει ένα χρονικό διάστημα που αρπάγεταιV στο XIV αιώνα μ.Χ. .
Στην εποχή του Μεσαίωνα στην Ευρώπη Υπάρχει μια μουσική κουλτούρα ενός νέου τύπου -φεουδαρχικός Ενώτοντας επαγγελματική τέχνη, ερασιτεχνική ενότητα καιΛαογραφία. Από την εκκλησία κυριαρχεί σε όλους τους τομείς της πνευματικής ζωής, η βάση της επαγγελματικής μουσικής τέχνης είναι οι δραστηριότητες των μουσικώνΝαούς και Μοναστήρια . Η κοσμική επαγγελματική τέχνη παρουσιάστηκε στους πρώτους μοναδικούς τραγουδιστές που δημιουργούν και εκτελούν επικούς θρύλους στην αυλή, στα σπίτια για τη γνώση, μεταξύ των πολεμιστών κλπ. (Δελτία, Scaldy και τα λοιπά.). Με την πάροδο του χρόνου, αναπτύσσονται ερασιτεχνικά και ημι-επαγγελματικά καλούπια μυκήτων.Ιππότες: Στη Γαλλία - η τέχνη του Trubadurov και τα πώληματια (Adam de la, XIII αιώνα), στη Γερμανία - Minnesinger ( Tungsten von eschenbach, Walter φόντο der fogelweed, XII - XIII αιώνα ), καθώς και αστικέςΤεχνίτες. Σε φεουδαρχικά κάστρα και στις πόλεις καλλιεργούνται όλα τα είδη του τοκετού,Είδη και μορφές τραγουδιών (Epic, "Dawn", Rondo, Le, Velel, Ballads, Chancests, Εγκαταστάσεις κ.λπ.).
Περιλαμβάνεται στη ζωή νέαμουσικά όργανα, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που έρχονται μεΑνατολή (Viola, Lute κ.λπ.), προκύπτουν (ασταθείς συνθέσεις). Folklore ανθίζει στο χωρικό μέσο. Οι "επαγγελματίες των ανθρώπων" λειτουργούν επίσης:Αθλητισμός , Φορώντας συνθετικούς καλλιτέχνες (juggles, Mimes, Minstrels, Spiens, Scrolls ). Η μουσική επαναλαμβάνει κυρίως εφαρμοζόμενες και πνευματικές και πρακτικές λειτουργίες. Η δημιουργικότητα εκτελεί ενότητα μεΕκτέλεση (συνήθως σε ένα άτομο).
Και στο περιεχόμενο της μουσικής, και στη μορφή της κυριαρχείΣυλλογικότητα ; Μια ξεχωριστή αρχή υπόκειται στον στρατηγό, χωρίς να ξεπεράσει από αυτό (ο μουσικός πλοίαρχος είναι ο καλύτερος εκπρόσωποςκοινότητες ). Σε όλους τους βασιλεύοντεςΠαραδοσιακό και κανονισμό . Ενοποίηση, συντήρηση και διανομήΠαραδόσεις και πρότυπα.
Σταδιακά, αν και αργά, το περιεχόμενο της μουσικής εμπλουτίζεται, τηςΕίδη, μορφές , Εκφραστικά μέσα. ΣΕΔυτική Ευρώπη με VI - VII αιώνες . Υπάρχει ένα αυστηρά ρυθμισμένο σύστημα.Μονοκατοικία (μονοδικική ) Εκκλησία μουσική με βάσηdiaonic ladins ( grigorian τραγούδι), ενώντη περίπαξη (ψαλμωδία) και τραγούδι (ύμνος ). Με τη στροφή της 1ης και 2ης χιλιετίας γεννήθηκεπολυφωνία . Δημιουργήθηκε νέαΦωνητική (χορωδιαία ) και φωνητική οργάνωση (χορωδία καιΌργανο) Γενικά: όργανα, mott, konduct, στη συνέχεια στη Μέσα. Στη Γαλλία στο XII αιώνα Το πρώτο σχηματίζεταισυνθέτης (δημιουργικό) σχολείο με Καθεδρικός ναός της Παριζιάνικης Μητέρας του Θεού. (Leonin, Peroths). Με τη στροφή της Αναγέννησης (στυλ ARS Nova στη Γαλλία και την Ιταλία, το XIV αιώνα) στο Επαγγελματική μουσική Το Single-Glazier είναι αντικατασταμένοπολυφωνία Η μουσική αρχίζει να απελευθερώνεται από καθαρά πρακτικές λειτουργίες (συντήρηση εκκλησίαςτελετουργικά ), αυξάνει την αξίακοσμικός είδη, συμπεριλαμβανομένων τραγουδιών (Gille de Masho).

Αναβίωση.

Μουσική κατά την περίοδο των αιώνων XV-XVII.
Στον Μεσαίωνα, η μουσική ήταν το προνόμιο της εκκλησίας, οπότε τα περισσότερα από τα μουσικά έργα ήταν ιερά, βασίστηκαν στην εκκλησία Chants (Gregorian χορωδιακή), η οποία ήταν μέρος της θρησκείας από την αρχή του Χριστιανισμού. Στην αρχή του XVII αιώνα, οι λατρευτικές καταχωρήσεις, με την άμεση συμμετοχή του Πάπερ Γρηγόρη, τελικά ζυγίζουν. Ο Gregorian Khoral πραγματοποιήθηκε από επαγγελματίες τραγουδιστές. Μετά την ανάπτυξη της εκκλησιαστικής μουσικής, η Grigorian χορωδιακή παρέμεινε τη θεματική βάση των πολυφωνικών θρησκευτικών έργων (Mess, Motetov κ.λπ.).

Ο Μεσαίνων ακολούθησε την Αναγέννηση, η οποία ήταν για τους μουσικούς των ανακαλύψεων εποχής, τις καινοτομίες και την έρευνα, την εποχή της αναβάτης όλων των στρωμάτων της πολιτιστικής και επιστημονικής εκδήλωσης ζωής από τη μουσική και τη ζωγραφική στην αστρονομία και τα μαθηματικά.
Αν και ως επί το πλείστον η μουσική παρέμεινε θρησκευτική, αλλά η αποδυνάμωση του ελέγχου της εκκλησίας πάνω στην κοινωνία άνοιξε τους συνθέτες και τους ερμηνευτές με μεγάλη ελευθερία στην εκδήλωση των ταλέντων τους.
Με την εφεύρεση της μηχανής εκτύπωσης, ήταν δυνατό να εκτυπώσετε και να διανείμετε τις σημειώσεις, από τώρα και στο εξής και να αρχίσει τι ονομάζουμε κλασική μουσική.
Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, εμφανίστηκαν νέα μουσικά όργανα. Τα πιο δημοφιλή εργαλεία στα οποία οι λάτρεις της μουσικής ήταν εύκολοι και απλά, χωρίς να απαιτούνται ειδικές δεξιότητες.
Ήταν αυτή τη στιγμή ότι η Viola εμφανίστηκε - ο προκάτοχος του βιολιού. Χάρη στα κορίτσια (ξύλινες ρίγες σε ολόκληρο το γκριφ), ήταν εύκολο να παίξει και ο ήχος της ήταν ήσυχος, απαλός και ακούγεται καλά σε μικρές αίθουσες.
Τα εργαλεία ορείχαλκου ήταν επίσης δημοφιλή - φλάουτο μπλοκ, φλάουτο και κέρατο. Η πιο περίπλοκη μουσική γράφτηκε για το νεοσυσταθέν σύμπλεγμα, δέντρα (Αγγλικά Harpsichin, διακρίνονται με μικρό μέγεθος) και όργανο. Ταυτόχρονα, οι μουσικοί δεν ξεχάσουν να βάλουν τη μουσική ευκολότερη, η οποία δεν απαιτούσε υψηλές δεξιότητες. Ταυτόχρονα, υπήρχαν αλλαγές στη μουσική επιστολή: το ιταλικό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό metal lisers ήρθε να αντικαταστήσει τα βαριά ξύλινα τυπωμένα μπλοκ. Δημοσιευμένα μουσικά έργα γρήγορα αγόρασαν, όλο και περισσότεροι άνθρωποι άρχισαν να ενταχθούν στη μουσική.
Το τέλος της εποχής της αναβροχής χαρακτηρίστηκε από το σημαντικότερο γεγονός στη μουσική ιστορία - τη γέννηση της όπερας. Στη Φλωρεντία συγκεντρώθηκαν μια ομάδα ανθρωπιστικών, μουσικών, ποιητών υπό την αιγίδα του ηγέτη του γράφημα Jovani de Bardi (1534 - 1612). Η ομάδα ονομάστηκε "κάμερα", τα κύρια μέλη του ήταν ο Julio Kachchini, ο Pietro Strozzi, ο Vincenzo Galilee (πατέρας αστρονομία Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii και Ottavio Rhincchini στα νεαρά χρόνια.
Η πρώτη τεκμηριωμένη συναρμολόγηση του Ομίλου πραγματοποιήθηκε το 1573 και τα πιο ενεργά χρόνια εργασίας »Φλωρεντίνη Camerata "Ήταν 1577-1582. Πίστευαν ότι η μουσική ήταν" χαλασμένη "και προσπάθησε να επιστρέψει στη μορφή και το ύφος της αρχαίας Ελλάδας, πιστεύοντας ότι η μουσική τέχνη θα μπορούσε να βελτιωθεί και, κατά συνέπεια, η κοινωνία θα βελτιώσει επίσης την υπάρχουσα μουσική. για την υπερβολική χρήση της πολυφωνίας εις βάρος του εντέρου. Το κείμενο και η απώλεια του ποιητικού συστατικού του έργου προτάθηκαν επίσης για να δημιουργήσουν ένα νέο μουσικό στυλ στο οποίο το κείμενο στο μονοδικικό στυλ συνοδεύτηκε από οργανική μουσική. Τα πειράματά τους οδήγησε στη δημιουργία μιας νέας φωνητικής μουσικής μορφής - ένα Cleattee που χρησιμοποιείται από τον Emilio de Cavalieri, στη συνέχεια που σχετίζεται άμεσα με την ανάπτυξη της όπερας.
Αρχικά αναγνωρισμένο επίσημαΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ Αντιστοιχεί στα σύγχρονα πρότυπα, η όπερα "Daphne" (Daphne) παρουσιάστηκε για πρώτη φορά το 1598 από τους συγγραφείς "Daphne" ήταν Jacopo Pier και Jacopo Corsi, Libretto Ottavio Rhincchini. Αυτή η όπερα δεν διατηρείται. Η πρώτη επιζώντα όπερα είναι "Eurydick" (1600) των ίδιων συγγραφέων - Jacopo ανά. Και ο othavio rhincchini. Αυτή η δημιουργική ένωση δημιούργησε επίσης πολλά έργα, τα περισσότερα από τα οποία χάνονται.

Μουσική του πρώιμου μπαρόκ (1600-1654)

Το υπό όρους της μετάβασης μεταξύ της εποχής του μπαρόκ και της αναγεννησιακής εποχής μπορεί να θεωρηθεί η δημιουργία του ιταλικού συνθέτη Claudio Monteverdi (1567-1643) του ανιχνευτικού του στυλ και της συνεπούς ανάπτυξης της ιταλικής όπερας. Η αρχή των επιδόσεων της όπερας στη Ρώμη και ειδικά στη Βενετία σήμαινε την αναγνώριση και τη διανομή ενός νέου είδους στη χώρα. Όλα αυτά ήταν μόνο μέρος μιας πιο εκτεταμένης διαδικασίας που κατέλαβε όλες τις τέχνες και ιδιαίτερα έντονα εκδηλωμένη στην αρχιτεκτονική και τη γραφή ζωγραφιές.
Οι συνθέτες Renaissance έδωσαν την προσοχή στην εκπόνηση κάθε μέρους του μουσικού έργου, σχεδόν χωρίς να δίδουν προσοχή στη σύγκριση αυτών των τμημάτων. Ξεχωριστά, κάθε μέρος μπορεί να ακούγεται εξαιρετικό, αλλά το αρμονικό αποτέλεσμα της προσθήκης ήταν, μάλλον, η περίπτωση της υπόθεσης από τα πρότυπα. Η εμφάνιση ενός κομματισμένου μπάσου έδειξε μια σημαντική αλλαγή στη μουσική σκέψη - δηλαδή το γεγονός ότι η αρμονία, η οποία είναι "προσθήκη εξαρτημάτων σε ένα ολόκληρο", εξίσου σημαντικά με τα μελωδικά μέρη (πολυφωνία) από μόνα τους. Όλο και περισσότερο πολυφωνία και αρμονία έμοιαζαν με δύο πλευρές μιας ιδέας της σύνθεσης της αρμονικής μουσικής: Όταν γράφει, οι αρμονικές αλληλουχίες δόθηκε η ίδια προσοχή με τις ουσίες όταν δημιουργούσαν δυσχέρεια. Η αρμονική σκέψη υπήρχε επίσης σε ορισμένους συνθέτες της προηγούμενης εποχής, για παράδειγμα, Karlo Jesualdo, αλλά στην μπαρόκ εποχή, έγινε γενικά αποδεκτή.
Αυτά τα μέρη των έργων όπου είναι αδύνατο να διαχωρίσετε σαφώς τη μέθοδο από τον τόνο, σημείωσε σαν μικτό κύριο ή μικτό μικρό (αργότερα για αυτές τις έννοιες εισήγαγαν τους όρους "Major" και το "Minoral Minor", αντίστοιχα) . Από το τραπέζι, μπορεί να δει κανείς πώς η tonal αρμονία ήδη στην πρώιμη μπαρόκ περιθώρια σχεδόν μετατοπίζει την αρμονία της προηγούμενης εποχής.
Η Ιταλία γίνεται το κέντρο ενός νέου στυλ. Η παπολογία, αν και κατέλαβε ο αγώνας με την αναμόρφωση, αλλά, ωστόσο, διαθέτει τεράστιους πόρους χρημάτων, αναπληρώνονται από τις στρατιωτικές εκστρατείες των Αψβουργών, αναζητούσαν τη δυνατότητα της εξάπλωσης της καθολικής πίστης, επεκτείνοντας την πολιτιστική επιρροή. Η μεγαλοκριστικότητα, το μεγαλείο και η πολυπλοκότητα της αρχιτεκτονικής, των εικαστικών τεχνών και της μουσικής, ο καθολικισμός, όπως υποστηρίχθηκε με ασκητικό προτεσταντισμό. Οι πλούσιες ιταλικές δημοκρατίες και οι κυριαρχίες, διεξήγαγαν επίσης ενεργό ανταγωνισμό στον τομέα των καλών τεχνών. Ένα από τα σημαντικά κέντρα της μουσικής τέχνης ήταν η Βενετία, πρώην κατά τη διάρκεια της κοσμικής και κάτω από την εκκλησία.
Μια σημαντική ποσότητα της πρώιμης μπαρόκ περιόδου, της οποίας η θέση ήταν στην πλευρά του καθολικισμού, η οποία αντιτίθεται στην αυξανόμενη ιδεολογική, πολιτιστική και δημόσια επίδραση του Προτεσταντισμού, ήταν ο Giovanni Gabrieli. Το έργο του ανήκει στο ύφος της "υψηλής αναγέννησης" (η ακμή της Αναγέννησης). Ωστόσο, μερικές από τις καινοτομίες του στον τομέα των εργαλείων (διορίζοντας ένα συγκεκριμένο εργαλείο για τα δικά τους, συγκεκριμένα καθήκοντα) δείχνουν σαφώς ότι ήταν ένας από τους συνθέτες που επηρέασαν την εμφάνιση ενός νέου στυλ.
Μία από τις απαιτήσεις που επιβάλλει η εκκλησία στο έργο της πνευματικής μουσικής ήταν ότι τα κείμενα στα έργα με τα φωνητικά ήταν επιλεκτικά. Απαιτεί το φορτίο από την πολυφωνία με μουσικές τεχνικές, όπου οι λέξεις πήγαν στο προσκήνιο. Τα φωνητικά έγιναν πιο περίπλοκα, ζουν σε σύγκριση με συνοδεία. Έτσι πήρα την ανάπτυξη ομοφώνιας.
Monteverd claudio (1567-1643), Ιταλός συνθέτης. Τίποτα δεν τον προσέλκυσε ως την έκθεση της εσωτερικής, ψυχικής ειρήνης του ανθρώπου στις δραματικές συγκρούσεις και τις συγκρούσεις του με τον εξωτερικό κόσμο. Το Monteverdi είναι μια γνήσια πρωτεύουσα του δράματος της σύγκρουσης του σχεδίου τραγωδίας. Είναι ένας τραγουδιστής του ανθρώπου ντους. Επιδιώκει επίμονα τη φυσική εκφραστικότητα της μουσικής. "Η ομιλία είναι ο άνθρωπος - η κυρία της αρμονίας, και όχι ο υπάλληλος του".
"Ορφέας" (1607) -Η μουσική της όπερας επικεντρώνεται στην αποκάλυψη του εσωτερικού κόσμου του τραγικού ήρωα. Το κόμμα του είναι ασυνήθιστα πολύπλευρο, συγχωνεύει διάφορα συναισθηματικά και εκφραστικά ρεύματα και γραμμές είδους. Εμφανίζεται με ενθουσιασμό στα εγγενή δάση και τις ακτές του ή θρηνεί την απώλεια του Euidic του στα μη λεηλατή τραγούδια της λαϊκής αποθήκης.

Μουσική Μουσική Μπαρόκ (1654-1707)

Η περίοδος συγκέντρωσης της υπέρτατης εξουσίας στην Ευρώπη ονομάζεται συχνά απολυτατισμός. Ο absolutism έφτασε στο Apogee του με τον γαλλικό βασιλιά Louis XIV. Για ολόκληρη την Ευρώπη, ο Louis Louis ήταν ένα πρότυπο. Συμπεριλαμβανομένης της μουσικής που εκτελείται στο δικαστήριο. Η αυξημένη διαθεσιμότητα μουσικών οργάνων (που σχετίζεται ιδιαίτερα με το πληκτρολόγιο) έδωσε ώθηση στην ανάπτυξη της μουσικής δωματίου.
Το ώριμο μπαρόκ είναι διαφορετικό από την πρώιμη διαδεδομένη εξάπλωση ενός νέου στυλ και ενισχυμένο διαχωρισμό μουσικών μορφών, ειδικά στην όπερα. Όπως και στη βιβλιογραφία, η δυνατότητα ροής εκτύπωσης μουσικών έργων οδήγησε σε επέκταση του κοινού. Σχέση της ανταλλαγής μεταξύ των κέντρων μουσικής κουλτούρας.
Ένας εξαιρετικός εκπρόσωπος των συνθέσεων του δικαστηρίου του ναυπηγείου Louis XIV Giovanni Battista Lulley (1632-1687).Ήδη στις 21, έλαβε τον τίτλο του "Ζευγάρι Συνθέτης της Οργασίας Μουσικής". Δημιουργικό έργο Lully από την αρχή ήταν στενά συνδεδεμένη με το θέατρο. Μετά την οργάνωση της μουσικής του δωματίου του δικαστηρίου και τη σύνταξη "Airs de Cour", άρχισε να γράφει μουσική μπαλέτου. Ο ίδιος ο Louis XIV χορεύεται σε μπαλέτες, τα οποία ήταν τότε αγαπημένη ψυχαγωγία της ευγένειας, Ο Lully ήταν ένας εξαιρετικός χορευτής. Ήταν σε θέση να συμμετάσχει στην παραγωγή, χορεύει μαζί με τον βασιλιά. Είναι γνωστός για τη συνεργασία του με το Moliere, στα έργα των οποίων έγραψε μουσική. Αλλά το κύριο πράγμα στα έργα του Lully εξακολουθούσε να γράφει την όπερα. Παραδόξως, δημιούργησε τον πλήρη τύπο γαλλικής όπερας. Η λεγόμενη λυρική τραγωδία στη Γαλλία (FR. TRANDIE Lyrique) και έφτασε στην αναμφισβήτητη δημιουργική ωριμότητα κατά τα πρώτα χρόνια του έργου του στην Όπερα. Χρησιμοποιήθηκε συχνά η αντίθεση μεταξύ του μαγευτικού ήχου του ορχηστρικού τμήματος και των απλών παραληπτών και του Arias. Η μουσική γλώσσα του γκρεμού δεν είναι πολύ περίπλοκη, αλλά, φυσικά, η σαφήνεια της αρμονίας, της ρυθμικής ενέργειας, η σαφήνεια της ένταξης της εντύπων, η καθαρότητα της υφής μιλάει για τη νίκη των αρχών της σκέψης ομοφυλόφιλων. Σε μεγάλο βαθμό, η επιτυχία του διευκολύνθηκε επίσης από την ικανότητά του να επιλέξει μουσικούς στην ορχήστρα και το έργο του μαζί τους (ο ίδιος διεξήγαγε πρόβες). Ένα αναπόσπαστο στοιχείο του έργου του ήταν η προσοχή στην αρμονία και ένα εργαλείο συγκέντρωσης.
Στην Αγγλία, το ώριμο μπαρόκ χαρακτηρίστηκε από τη φωτεινή ιδιοφυία του Henry Peressella (1659-1695). Πέθανε τους νέους, στην ηλικία των 36 ετών, έγραψε μεγάλο αριθμό έργων και να γίνει ευρέως γνωστό κατά τη διάρκεια της ζωής του. Το Purcell ήταν εξοικειωμένο με το έργο του Corelli και άλλων ιταλικών μπαρόκ συνθέτες. Ωστόσο, οι προστάτες και οι πελάτες του ήταν άνθρωποι μιας άλλης ποικιλίας από την ιταλική και τη γαλλική κοσμική και την εκκλησία να γνωρίζουν, έτσι τα γραπτά του Pörslla είναι πολύ διαφορετικά από την ιταλική σχολή. Η Purcell εργάστηκε σε ένα ευρύ φάσμα ειδών. Από απλούς θρησκευτικούς ύμνους έως την πορεία της μουσικής, από φωνητικά δοκίμια μεγάλης μορφής σε διοργανική μουσική. Ο κατάλογός του έχει περισσότερα από 800 έργα. Ο Purcell έγινε ένας από τους πρώτους συνθέτες της μουσικής πληκτρολογίου, η επιρροή του οποίου ισχύει για τον νεωτερισμό.
Σε αντίθεση με τους παραπάνω συνθέτες Dietrich BuxThhun (1637-1707) δεν ήταν συνθέτης δικαστηρίου. Ο Buxtehude εργάστηκε από έναν οργανισμό, πρώτα στο Helsingborg (1657-1658), στη συνέχεια στο Elsinor (1660-1668), και στη συνέχεια ξεκινώντας από το 1668, στην εκκλησία του Αγίου Αγίου Αγίου Σεμί. Μαρία στο Lübeck. Δεν κέρδισε τη δημοσίευση των έργων του, αλλά η εκτέλεσή του και η υποστήριξη της αριστοκρατίας προτιμούσε ένα δοκίμιο μουσικής σε κείμενα εκκλησίας και την εκτέλεση της δικής του οργάνου. Δυστυχώς, δεν έχουν διατηρηθεί όλα τα έργα αυτού του συνθέτη. Η μουσική του σταθμού βουρτσίσματος χτίστηκε σε μεγάλο βαθμό στην κλίμακα των ιδεών, του πλούτου και της ελευθερίας της φαντασίας, την τάση του αξιολύπητη, δραματουργία, αρκετοί στιβωτισμούς. Η δημιουργικότητά του είχε ισχυρή επιρροή σε τέτοιους συνθέτες όπως ο Ι. Σ. Bach και ο Temen.

Μουσική αργά μπαρόκ (1707-1760)

Η ακριβής γραμμή μεταξύ ώριμου και αργού μπαρόκ είναι ένα θέμα συζήτησης. Βρίσκεται κάπου μεταξύ 1680 και 1720. Σε σημαντικό βαθμό πολυπλοκότητας της αποφασιστικότητάς του, το γεγονός ότι σε διάφορες χώρες των στυλ αντικαταστάθηκε από ακατανόητη. Οι καινοτομίες που έχουν ήδη υιοθετηθεί από τον κανόνα σε ένα μέρος στο άλλο ήταν φρέσκα ευρήματα
Οι μορφές που ανοίγουν από την προηγούμενη περίοδο έφθασαν τη λήξη και τη μεγάλη μεταβλητότητα. Συναυλία, Σουίτα, Σονάτα, Confrato Grosso, Oratoria, Όπερα και Μπαλέτο δεν είχαν πλέον έντονη εθνικά χαρακτηριστικά. Παγκοσμίως καθιερώσει γενικά αποδεκτά συστήματα έργων: ένα επαναλαμβανόμενο δύο γράφημα (AABB), ένα απλό τριχωτό (ABC) και το Rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Ιταλός συνθέτης, που γεννήθηκε στη Βενετία. Το 1703 δέχτηκε τον Πανα Καθολικό ιερέα. Είναι σε αυτά, ενώ εξακολουθούν να αναπτύσσουν οργανικά είδη (μπαρόκ σονάτα και μπαρόκ συναυλία), ο Βιβάλντι και η σημαντικότερη συμβολή τους. Ο Vivaldi συνέθεσε περισσότερες από 500 συναυλίες. Έδωσε επίσης ονόματα προγραμμάτων σε μερικά από τα έργα του, όπως οι περίφημες "εποχές".
Domenico Scarlatti (1685-1757) Ήταν ένας από τους κορυφαίους συνθέτες και τους ερμηνευτές του χρόνου του πληκτρολογίου. Αλλά ίσως ο πιο διάσημος συνθέτης του δικαστηρίου έγινε Georg Friedrich Handel (1685-1759).Γεννήθηκε στη Γερμανία, σπούδασε στην Ιταλία για τρία χρόνια, αλλά το 1711 το Λονδίνο έφυγε, όπου άρχισε τη λαμπρή και εμπορικά επιτυχημένη καριέρα του ανεξάρτητου συνθέτη της Όπερας, που εκτελεί εντολές για την ευγένεια. Έχοντας μια ακούραστη ενέργεια, το Handel ανακυκλώθηκε το υλικό άλλων συνθέσεων και συνεχώς επανεξέτασε τα δικά του δοκίμια. Για παράδειγμα, είναι γνωστό ότι επανεξετάζεται από τους διάσημους ομιλητές "Μεσσία" όσες φορές δεν υπάρχει έκδοση που δεν μπορεί να ονομαστεί "αυθεντικό".
Μετά το θάνατο, αναγνωρίστηκε ως ο κορυφαίος ευρωπαίος συνθέτης και μελετήθηκε από τους μουσικούς της εποχής του κλασικισμού. Το Handel αναμειγνύεται στη μουσική του τις πλούσιες παραδόσεις αυτοσχεδιασμού και αντιστάθμισης. Η τέχνη του μουσικού κοσμήματος έχει φτάσει σε ένα πολύ υψηλό επίπεδο ανάπτυξης στα έργα της. Ταξίδεψε σε όλη την Ευρώπη για να μελετήσει τη μουσική άλλων συνθετών και ως εκ τούτου είχε ένα πολύ ευρύ φάσμα χρονολόγησης μεταξύ συνθέσεων άλλων μορφών.
Johann Sebastian Bach Γεννήθηκε στις 21 Μαρτίου 1685 στην πόλη Eisenah της Γερμανίας. Για τη ζωή του, συνέθεσε περισσότερα από 1000 έργα σε διάφορα είδη, εκτός από την όπερα. Αλλά κατά τη διάρκεια της ζωής του, δεν επιτύχει καμία ουσιαστική επιτυχία. Πολλές φορές κινείται, ο Bach αντικατέστησε μία όχι πολύ υψηλή θέση για την άλλη: στη Βαϊμάρη, ήταν μουσικός δικαστηρίου στο Weimar Duke Johanna Ernst, έγινε συντηρητής στην εκκλησία του Αγίου Bonifacea στο Arnstadt, μετά από μερικά χρόνια πήρε τη θέση ενός οργανισμού στην εκκλησία του Αγίου Αγίου Mussea στο Mülhausen, όπου εργάστηκε μόνο για ένα χρόνο, μετά από το οποίο επέστρεψε στη Βαϊμάρη, όπου πήρε τη θέση του δικαστηρίου οργανισμού και ο διοργανωτής συναυλιών. Σε αυτή τη θέση καθυστέρησε για εννέα χρόνια. Το 1717, ο Leopold, ο Duke Anhalt-Kotensky, προσέλαβε τη Baha στη θέση του Kapelmeister και ο Bach άρχισε να ζει και να εργάζεται στο Koten. Το 1723, ο Bach μετακόμισε στη Λειψία, όπου παρέμεινε μέχρι το θάνατό του το 1750. Τα τελευταία χρόνια της ζωής, μετά το θάνατο του Bach, η φήμη του, καθώς ο συνθέτης άρχισε να μειώνεται: το στυλ του θεωρήθηκε ντεμοντέ σε σύγκριση με το ανθιστό κλασικισμό. Τον γνώριζε περισσότερο και θυμήθηκε ως καλλιτέχνης, ο δάσκαλος και ο πατέρας του Bakhov Junior, πρώτα απ 'όλα, ο Charles Philip Emmanuel, της οποίας η μουσική ήταν διάσημη.
Μόνο η εκτέλεση των "πάθους Matthew" από τον Mendelson, 79 χρόνια μετά το θάνατο του Ι. Σ. Μπαχά, αναζωογονεί το ενδιαφέρον του για το έργο του. Τώρα ο Ι. Ο S. Bach είναι ένας από τους πιο δημοφιλείς συνθέτες.
Κλασσικότης
Κλασικισμός - Στυλ και κατεύθυνση στην τέχνη του XVII - Πρώιμη XIX αιώνες.
Η λέξη αυτό συνέβη από το Latin Classicus - παραδειγματικό. Ο κλασικισμός βασίστηκε στην καταδίκη στη νοημοσύνη της ύπαρξης, στο γεγονός ότι η ανθρώπινη φύση είναι αρμονική. Το ιδεώδες των κλασικών του παρατηρήθηκε στην αντίκες τέχνη, η οποία θεωρήθηκε η υψηλότερη μορφή τελειότητας.
Στον δέκατο όγδοο αιώνα, αρχίζει ένα νέο στάδιο ανάπτυξης της κοινωνικής συνείδησης - η εποχή του Διαφωτισμού. Η παλιά δημόσια τάξη καταστρέφεται. Οι ιδέες του σεβασμού της ανθρώπινης αξιοπρέπειας, της ελευθερίας και της ευτυχίας είναι υψίστης σημασίας. Η προσωπικότητα κερδίζει ανεξαρτησία και ωριμότητα, χρησιμοποιεί το μυαλό και την κριτική σκέψη. Ένας νέος τρόπος ζωής, με βάση τη φυσικότητα και την απλότητα, έρχεται να αντικαταστήσει τα ιδανικά της μπαρόκ εποχής και της επισημότητας. Η ώρα των ιδεαλιστικών απόψεων του Jean-Jacques Rousseau, καλώντας πίσω στη φύση, στη φυσική αρετή και την ελευθερία. Μαζί με τη φύση, η αρχαιότητα είναι ιδεώδης, δεδομένου ότι πίστευε ότι κατά τη διάρκεια της αρχαιότητας στους ανθρώπους κατάφεραν να ενσωματώσουν όλες τις ανθρώπινες φιλοδοξίες. Η αντίκες τέχνη παίρνει το όνομα του κλασικού, αναγνωρίζεται από την παραδειγματική, πιο ειλικρινή, τέλεια, αρμονική και, σε αντίθεση με την τέχνη της εποχής μπαρόκ, θεωρείται απλή και κατανοητή. Το κέντρο της προσοχής, μαζί με άλλες σημαντικές πτυχές, υπάρχει εκπαίδευση, η θέση ενός απλού λαού σε μια κοινωνική δομή, ιδιοφυΐα ως ανθρώπινη ιδιοκτησία.

Το μυαλό βασιλεύει στην τέχνη. Θέλοντας να τονίσει τον υψηλό ραντεβού τέχνης, τον δημόσιο και τον πολιτικό του ρόλο, ο γαλλικός φιλοσοφικός διαφωτιστής Denis dedro έγραψε: "Κάθε έργο γλυπτών ή ζωγραφικής θα πρέπει να εκφράσει κάθε μεγάλο κανόνα ζωής, θα πρέπει να διδάξει".

Το θέατρο ταυτόχρονα ήταν ένα βιβλίο της ζωής και η ίδια η ζωή του. Επιπλέον, στο θέατρο, η δράση είναι εξαιρετικά διαταγμένη, μετρούμενη. Είναι χωρισμένο σε πράξεις και σκηνές, εκείνοι με τη σειρά τους, διατομή σε ξεχωριστά αντίγραφα χαρακτήρων, δημιουργώντας ένα τέτοιο ιδανικό τέχνη που είναι τόσο ακριβό 18 αιώνα, όπου όλα είναι στη θέση του και υπόκεινται σε λογικούς νόμους.
Η μουσική του κλασικισμού είναι εξαιρετικά θεατρική, φαίνεται να αντιγράφεται από την τέχνη του θεάτρου, τον Imites.
Ο διαχωρισμός της κλασικής σονάτας και της συμφωνίας σε μεγάλα τμήματα - μέρη, σε κάθε μία από τις οποίες υπάρχουν πολλές μουσικές "εκδηλώσεις", όπως η κατανομή των επιδόσεων στις δράσεις και οι σκηνές.
Στη μουσική του κλασικού αιώνα, το οικόπεδο συχνά σημαίνει, ένα είδος δράσης που αναπτύσσεται μπροστά στους ακροατές καθώς και η δράση του ηθοποιού που αναπτύσσεται μπροστά από το κοινό.
Ο ακροατής παραμένει μόνο να συμπεριλάβει τη φαντασία και να μάθετε στα "μουσικά ρούχα" των χαρακτήρων μιας κλασικής κωμωδίας ή τραγωδίας.
Η τέχνη του θεάτρου βοηθά να εξηγήσει τη μεγάλη αλλαγή στην απόδοση της μουσικής, η οποία ολοκληρώθηκε τον 18ο αιώνα. Προηγουμένως, ο κύριος τόπος όπου η μουσική που ακούγεται ήταν ο ναός: υπήρχε ένας άνθρωπος μέσα του κάτω, σε ένα τεράστιο χώρο, όπου η μουσική σαν να τον βοήθησε να κοιτάξει το κάτω και να αφιερώσει τις σκέψεις του στον Θεό. Τώρα, τον 18ο αιώνα, η μουσική ακούγεται στο αριστοκρατικό σαλόνι, στην αίθουσα του Baln του ευγενούς ακινήτου ή στην πλατεία της πόλης. Ο ακροατής της εκπαίδευσης του Διαφωτισμού φαίνεται να μετατρέπεται με τη μουσική "σε εσάς" και δεν βιώνει περισσότερη απόλαυση και την επιδείνωση ότι τον ενέπνευσε όταν ακούγεται στο ναό.
Δεν υπάρχει ισχυρός, επίσημος ήχος του οργάνου, ο ρόλος της χορωδίας έχει ήδη μειωθεί. Η μουσική του κλασικού στυλ ακούγεται εύκολα, υπάρχουν πολύ λιγότεροι ήχοι σε αυτό, σαν να είναι "λιγότερο ζυγίζει" από το φορτίο, πολυστρωματική μουσική του παρελθόντος. Ο ήχος του οργάνου και της χορωδίας άλλαξε τον ήχο της συμφωνίας ορχήστρας. Ο ανυψωμένος arias έδωσε τη θέση τους στη μουσική με το φως, ρυθμικό και χορό.
Χάρη στην απεριόριστη πίστη στη δυνατότητα του ανθρώπινου νου και η δύναμη της γνώσης του 18ου αιώνα άρχισε να καλέσει τη μέση του νου ή την εποχή της εκπαίδευσης.
Το κλασικισμό ακμάζει στη δεκαετία του '80 του δέκατου όγδοου αιώνα. Το 1781, το Y. Gaidn δημιουργεί διάφορα καινοτόμα έργα, μεταξύ των οποίων είναι το κουαρτέτο της σειράς. 33; Την πρεμιέρα της όπερας V.A. Mozart "απαγωγή seryla"? Δράμα F. Schiller "ληστές" και "cleanver cleanver" I. Kant δημοσιεύονται.

Οι πιο λαμπροί εκπρόσωποι της κλασσικής περιόδου είναι οι συνθέτες της κλασικής σχολής της Βιέννης Josef Gaidn, Wolfgang Amadeus Mozart και Ludwig Van Beethoven. Η τέχνη τους θαυμάζει την τελειότητα του συνθέτη εξοπλισμού, του ανθρωπιστικού αρχικού και την επιθυμία, ιδιαίτερα απτή στη μουσική του V. A. Mozart, να αντανακλά τα τέλεια εργαλεία ομορφιάς.

Η ίδια η έννοια της κλασικής σχολής της Βιέννης εμφανίστηκε λίγο μετά το θάνατο του L. Beethoven. Η κλασική τέχνη διακρίνεται από μια λεπτή ισορροπία μεταξύ συναισθημάτων και λόγων, σχήματος και περιεχομένου. Η μουσική αναβίωση αντανακλά το πνεύμα και την ανάσα της εποχής τους. Στην μπαρόκ εποχή, το αντικείμενο της κατάστασης εμφάνισης ενός ατόμου στη μουσική. Η μουσική της εποχής του κλασικισμού ψαντένουν τις ενέργειες και τις ενέργειες ενός ατόμου που βιώνει συναισθήματα και συναισθήματα, προσεκτικό και ολιστικό ανθρώπινο μυαλό.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Ο Γερμανός συνθέτης, ο οποίος συχνά θεωρεί τον μεγαλύτερο δημιουργό όλων των εποχών.
Η δημιουργικότητά του αναφέρεται ως κλασικισμός και ρομαντισμός.
Σε αντίθεση με τον προκάτοχό του του Μότσαρτ, ο Μπετόβεν αποτελείται από δυσκολίες. Τα βιβλία εγχειριδίων Beethoven δείχνουν πόσο σταδιακά, μια μεγαλοπρεπή σύνθεση προκύπτει βήμα με αυξητικό σκίτσο, σημειωμένο με πειστική λογική κατασκευής και σπάνια ομορφιά. Είναι η λογική ότι η κύρια πηγή του μεγέθους Bethovensky, η ασύγκριτη ικανότητά του να οργανώνει στοιχεία αντίθεσης σε έναν μονολιθικό ακέραιο αριθμό. Ο Beethoven σβήνει παραδοσιακές κασσούρες μεταξύ των τμημάτων σχήματος, αποφεύγει τη συμμετρία, συγχωνεύει τμήματα του κύκλου, αναπτύσσει εκτεταμένη κατασκευή από θεματικά και ρυθμικά μοτίβα, με την πρώτη ματιά που δεν περιέχουν τίποτα ενδιαφέρον. Με άλλα λόγια, ο Μπετόβεν δημιουργεί ένα μουσικό χώρο της δύναμης του νου, τη δική του θέληση. Αναμενόταν και δημιούργησε αυτές τις οδηγίες τέχνης που ήταν αποφασιστικές για τη μουσική τέχνη 19 V.

Ρομαντισμός.
καλύπτει υπό όρους 1800-1910 χρόνια
Οι συνθέτες-ρομαντισμός προσπάθησαν με τη βοήθεια μουσικών μέσων για να εκφράσουν το βάθος και τον πλούτο του εσωτερικού κόσμου του ανθρώπου. Η μουσική γίνεται πιο ανάγλυφο, άτομο. Η ανάπτυξη ειδών τραγουδιού, συμπεριλαμβανομένων των μπαλάντων, λαμβάνεται.
Οι κύριοι εκπρόσωποι του ρομαντισμού στη μουσική είναι:Αυστρία - Franz Schubert ; Στα γερμανικά - Ernest Theodore Hoffman, Karl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelson, Robert Schuman, Ludwig Spur; σε
και τα λοιπά.................