Το 1934, στο I All-Union Congress των Σοβιετικών Συγγραφέων, ο Maxim Gorky διατύπωσε τις βασικές αρχές του σοσιαλισμού ως τη μέθοδο της σοβιετικής λογοτεχνίας και της τέχνης. Αυτή τη στιγμή η αρχή της νέας εποχής της σοβιετικής τέχνης χρονολογείται, με αυστηρούς ιδεολογικούς ελέγχους και προγράμματα προπαγάνδας.

Βασικές αρχές:

• - Φύση. Κατά κανόνα, οι ήρωες των κοινωνικά ρεαλιστικών έργων έγιναν εργαζόμενοι στην πόλη και τα χωριά, τους εργαζόμενους και τους αγρότες, εκπρόσωποι τεχνικών διανοητικών και στρατιωτικού προσωπικού, των μπολσεβίκων και μη κομματικές.
• - ιδέα. Δείξτε μια ειρηνική ζωή των ανθρώπων, αναζητήστε τρόπους για μια νέα, καλύτερη ζωή, ηρωικές δράσεις για να επιτύχετε μια ευτυχισμένη ζωή για όλους τους ανθρώπους.
• - Σκυρορχία. Στην εικόνα της πραγματικότητας, δείχνουν τη διαδικασία της ιστορικής ανάπτυξης, η οποία με τη σειρά του πρέπει να συμμορφώνεται με την υλιστική κατανόηση της ιστορίας (στη διαδικασία αλλαγής των συνθηκών της ύπαρξής τους, οι άνθρωποι αλλάζουν τη συνείδησή τους, τη στάση τους στη γύρω πραγματικότητα στη γύρω πραγματικότητα).

Κατά τη διάρκεια των ετών, ακολουθούμενη από την παρούσα απόφαση της Κεντρικής Επιτροπής του Κ.Κ.Κ. (β) για την αναδιάρθρωση των λογοτεχνικών και τεχνικών οργανώσεων, πραγματοποιήθηκαν ορισμένα σημαντικά γεγονότα που αποσκοπούν στην ανάπτυξη της τέχνης στην ισχυρή που απαιτείται για το κράτος. Η πρακτική των κρατικών εντολών, δημιουργικών επιχειρηματικών εκδρομών, η διάταξη μεγάλης κλίμακας θεματικών και επενδυτικών εκθέσεων επεκτείνεται. Οι Σοβιετικοί καλλιτέχνες δημιουργούν πολλά έργα (πάνελ, μνημειώδη, διακοσμητικά) για το μέλλον του VDNH. Αυτό σήμαινε ένα σημαντικό στάδιο της αναβιότητας της μνημειακής τέχνης ως ανεξάρτητο. Σε αυτά τα έργα, έγινε προφανές ότι η ώθηση της σοβιετικής τέχνης στην μνημειότητα δεν είναι τυχαία, αλλά αντικατοπτρίζει τις "μεγάλες προοπτικές για την ανάπτυξη μιας σοσιαλιστικής κοινωνίας".

Το 1918, ο Λένιν σε μια συνομιλία με τον Κ. Zetkin εντόπισε τα καθήκοντα της τέχνης στη Σοβιετική Εταιρεία: «Η τέχνη ανήκει στους ανθρώπους. Θα πρέπει να πάει στις βαθύτερες ρίζες του στους μεγαλύτερους μαζικούς εργαζόμενους. Θα πρέπει να είναι σαφές αυτές τις μάζες και να τους αγαπήσουν. Θα πρέπει να συνδυάσει το συναίσθημα, τη σκέψη και τη θέληση αυτών των μαζών, να τα αυξήσετε. Θα πρέπει να ξυπνήσει τους καλλιτέχνες τους και να τα αναπτύξουν. "

Κατά την εξεταζόμενη περίοδο, μαζί με ήδη υπάρχουσες περιοχές τέχνης, εμφανίστηκαν πολλά νέα νέα νέα, για παράδειγμα, η Avant-Garde εμφανίστηκε.

Ως μέρος του μνημειώδους στυλ, το γλυπτό είναι το μεγαλύτερο ενδιαφέρον. Όπως όλες οι άλλες κατευθύνσεις στη σοβιετική τέχνη, το γλυπτό της περιόδου είχε τον προσανατολισμό της εκστρατείας και το πατριωτικό περιεχόμενο των οικόπεδων. Μικρή σημασία για την ανάπτυξη της γλυπτικής έπαιζε το σχέδιο Leninsky της μνημειώδους προπαγάνδας, που εγκρίθηκε το 1918. Σύμφωνα με το σχέδιο αυτό, τα μνημεία πολλαπλασιάζοντας νέες επαναστατικές αξίες καθορίστηκαν σε ολόκληρη τη χώρα. Για την εργασία, προσελκύονται εξέχοντες γλύπτες: Ν.Α. Ο Andreev (ο οποίος στη συνέχεια έγινε ο δημιουργός των γλυπτικών Λεινίνων). Ένας άλλος εξέχων γλύπτης αυτής της περιόδου είναι ο Ivan Shadd. Το 1922 δημιούργησε τα αγάλματα "εργαζόμενος", "αποχετευτικό", "αγρότη", "Κόκκινος Στρατός". Η πρωτοτυπία της μεθόδου του είναι μια γενίκευση της εικόνας που βασίζεται σε μια συγκεκριμένη συμβολοσειρά του τύπου, μια ισχυρή μοντελοποίηση τόμων, εκφραστικότητα κίνησης, ρομαντικό Παθό. Η φωτεινότερη δουλειά είναι "ένα λιθόστρωτο - το όπλο του προλεταριάτου. 1905 έτος "(1927). Την ίδια χρονιά, το μνημείο του Λένιν εγκαθίσταται στην επικράτεια του υδροηλεκτρικού σταθμού στον Καύκασο, το μνημείο του Λένιν είναι "ένα από τα καλύτερα". Η πίστη Mukhina σχηματίζεται ως κύριος και στον 20ο. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, δημιουργεί ένα έργο μνημείου "απελευθερωμένη εργασία" (1920, δεν διατηρείται), "αγρότη" (1927). Από περισσότερους ώριμους δασκάλους, το έργο του Sarry Lebedeva, το οποίο δημιούργησε πορτρέτα. Κατά την κατανόησή του για τη μορφή, λαμβάνει υπόψη τις παραδόσεις και την εμπειρία του ιμπρεσιονισμού. Ο Αλέξανδρος Matveyev χαρακτηρίζεται από κλασική σαφήνεια στην κατανόηση του δομικού πλαισίου των πλαστικών, της αρμονίας των γλυπτικών μάζων και της αναλογίας των τόμων στο διάστημα ("γυναίκα γδύσιμο", "γυναίκα που βάζει ένα παπούτσι"), καθώς και το διάσημο "Οκτώβριο" (1927), όπου η 3 γυμνή σύνθεση ανδρών περιλαμβάνεται στα στοιχεία της σύνθεσης - ένας συνδυασμός κλασικών παραδόσεων και το ιδανικό του "ανθρώπου της εποχής επανάστασης" (χαρακτηριστικά - δρεπάνι, σφυρί, budenovka).

Τύποι τέχνης ικανά να ζουν στους δρόμους, στα πρώτα χρόνια μετά την επανάσταση, έπαιξε κρίσιμο ρόλο στον «σχηματισμό της κοινωνικής και αισθητικής συνείδησης των επαναστατικών ανθρώπων». Ως εκ τούτου, μαζί με ένα μνημειώδες γλυπτό, η πιο ενεργή ανάπτυξη έλαβε μια πολιτική αφίσα. Αποδείχθηκε ότι είναι η πιο κινητή και επιχειρησιακή τέχνη. Κατά τη διάρκεια της περιόδου του εμφυλίου πολέμου, αυτό το είδος χαρακτηρίστηκε από τις ακόλουθες ιδιότητες: "Η ευκρίνεια της κατάθεσης του υλικού, μια άμεση αντίδραση σε ταχέως μεταβαλλόμενα συμβάντα, ο προσανατολισμός της καμπάνιας, ο οποίος έχει αναπτύξει τα κύρια χαρακτηριστικά της πλαστικής γλώσσας του η αφίσα. Αποδείχθηκαν ότι ήταν λακωνικά, η συμβατικότητα της εικόνας, η σαφήνεια της σιλουέτας και της χειρονομίας. Οι αφίσες ήταν εξαιρετικά κοινές, τυπωμένες με μεγάλα κυκλοφορία και σταθμεύθηκαν παντού. Μια ειδική θέση στην ανάπτυξη της αφίσας είναι τα παράθυρα της ανάπτυξης σάτιρα, στην οποία ο εκκρεμένος ρόλος έπαιξε ο Cheremny, ο Mikhail Mikhailovich και ο Vladimir Mayakovsky. Αυτές είναι αφίσες που γίνονται με στένσιλ ζωγραφισμένα με το χέρι και με ποιητικές επιγραφές κατά την κακή ημέρα. Διαδραμάτισαν έναν τεράστιο ρόλο στην πολιτική προπαγάνδα και έγιναν νέα εικονιστική μορφή. Η διακόσμηση των εορτασμών είναι ένα άλλο νέο φαινόμενο της σοβιετικής τέχνης που δεν είχε την παράδοση. Οι διακοπές περιελάμβαναν την επέτειο της Επανάστασης Οκτωβρίου, 1 Μαΐου 8 Μαρτίου και άλλες σοβιετικές διακοπές. Δημιούργησε ένα νέο μη παραδοσιακό είδος τέχνης, χάρη στην οποία η ζωγραφική απέκτησε ένα νέο χώρο και λειτουργίες. Για τις διακοπές δημιουργήθηκαν μνημειώδη πάνελ, τα οποία χαρακτηρίστηκαν από ένα τεράστιο μνημειώδες-μητρικό πάτο. Οι καλλιτέχνες δημιούργησαν σκίτσα του χώρου και των δρόμων.

Στο σχεδιασμό αυτών των διακοπών, Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lancere, S. V. Gerasimov.

Σοβιετική τέχνη και αναγνώριση Delilo Masters της σοβιετικής ζωγραφικής αυτής της περιόδου σε δύο ομάδες:

• - καλλιτέχνες που προσπάθησαν να συλλάβουν τα οικόπεδα με τη συνήθη λεπτή γλώσσα της πραγματικής οθόνης ·
• - καλλιτέχνες που χρησιμοποίησαν μια πιο περίπλοκη, εικονιστική αντίληψη της νεωτερικότητας.

Δημιούργησαν τα σύμβολα εικόνων στα οποία προσπάθησαν να εκφράσουν την "ποιητική, εμπνευσμένη" αντίληψή τους για την εποχή στο νέο της κράτος. Ο Konstantin Jun δημιούργησε ένα από τα πρώτα έργα αφιερωμένα στην εικόνα της επανάστασης ("Νέος πλανήτης", 1920, GTG), όπου η εκδήλωση ερμηνεύεται σε μια καθολική, εξωτερική κλίμακα. Το Petrov-Vodkin το 1920 δημιούργησε την εικόνα "1918 στο Petrograd (Petrograd Madonna)", την επίλυση δεοντολογικών και φιλοσοφικών προβλημάτων σε αυτό. Το Arkady Flylov, όπως πιστεύεται στο τοπίο του "στο μπλε ευρύχωρο" (1918), σκέφτεται επίσης συμβολικά, εκφράζοντας την "ελεύθερη αναπνοή της ανθρωπότητας, δραπέτευσε σε τεράστιες εκτάσεις του κόσμου, σε ρομαντικές ανακαλύψεις, σε ελεύθερες και ισχυρές εμπειρίες. "

Νέες εικόνες εντοπίζονται επίσης στο διάγραμμα. Νικολάι ΚΡΕΑΙΝΟΒ "Σε μια πολύπλοκη τεχνική, ξύλινα χαρακτικά επιδιώκουν να εκφράσουν τις εντυπώσεις τους για την επανάσταση" ("Armoroviki", 1918; "Vollan Aurora", 1920). Στη δεκαετία του 1930, η μνημειώδης ζωγραφική έγινε ο υποχρεωτικός σύνδεσμος ολόκληρης της καλλιτεχνικής κουλτούρας. Εξαρτάται από την ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής και σταθερά συνδέθηκε με αυτό. Οι προ-επαναστατικές παραδόσεις συνεχίστηκαν αυτή τη στιγμή, ο πρώην Miriskusnik Evgeny Langey - η ζωγραφική της αίθουσας εστιατορίου του σταθμού Καζάν (1933) καταδεικνύει την επιθυμία του για κινητό μπαρόκ. Σπάει το αεροπλάνο, επεκτείνοντας το χώρο έξω. Η Deineka, η οποία συμβάλλει επίσης μια μεγάλη συμβολή στην μνημειακή ζωγραφική, λειτουργεί διαφορετικά. Οι ψηφιδωτές του σταθμούς "Mayakovskaya" (1938) δημιουργούνται χρησιμοποιώντας ένα μοντέρνο στυλ: η ευκρίνεια ρυθμού, η δυναμική των τοπικών πολύχρωμων σημείων, της γωνιακής ενέργειας, της συμβατικότητας των αριθμών και των αντικειμένων. Θέματα ως επί το πλείστον αθλήματα. Το Favorsky, διάσημο χρονοδιάγραμμα, συνέβαλε επίσης στην μνημειώδη ζωγραφική: εφάρμοσε το σύστημά της για την κατασκευή μιας φόρμας που αναπτύχθηκε σε μια εικόνα βιβλίου, σε νέα καθήκοντα. Οι τοιχογραφίες του του Μουσείου και το Μουσείο Προμηθειών (1933, μαζί με το LVOM Bruni) και τα σπίτια των μοντέλων (1935) δείχνουν μια κατανόηση του ρόλου του αεροπλάνου, τη σύνδεση της τοιχογραφίας με αρχιτεκτονική με υποστήριξη για την εμπειρία της αρχαίας Ρωσική ζωγραφική. (Και τα δύο έργα δεν διατηρούνται).

Το κυρίαρχο στυλ στην αρχιτεκτονική της δεκαετίας του '20 ήταν ο κονστεδισμός.

Οι ConcionIgists προσπάθησαν να χρησιμοποιήσουν νέες τεχνικές δυνατότητες για τη δημιουργία απλών, λογικών, λειτουργικά αθωωμένων μορφών, ταξεία δομές. Ένα παράδειγμα της αρχιτεκτονικής του Σοβιετικού Κονσέρματος μπορεί να χρησιμεύσει ως έργα των αδελφών της άνοιξης. Οι πιο φιλόδοξοι από αυτούς είναι το παλάτι της εργασίας και δεν ενσωματώθηκε στη ζωή, αλλά είχε σημαντικό αντίκτυπο στην ανάπτυξη της εγχώριας αρχιτεκτονικής. Δυστυχώς, καταστράφηκαν επίσης αρχιτεκτονικά μνημεία: μόνο στη δεκαετία του '30. Ο πύργος Sukhareva, η εκκλησία του Χριστού ο Σωτήρας, οι χρωντόν του μοναστηριού στο Κρεμλίνο, η κόκκινη πύλη και εκατοντάδες ανεπιθύμητες αστικές και αγροτικές εκκλησίες, καταστράφηκαν στη Μόσχα και πολλά από τα οποία ήταν ιστορική και καλλιτεχνική αξία.

Σε σχέση με τον πολιτικό χαρακτήρα της Σοβιετικής Τέχνης, δημιουργούνται πολλές καλλιτεχνικές ενώσεις και ομάδες με τις πλατφόρμες και τον Μανιφαειδή τους. Η τέχνη ήταν στην αναζήτηση και ήταν διαφορετική. Οι κύριες ομάδες ήταν AHRR, OST, καθώς και "4 τέχνες". Η ένωση καλλιτεχνών της επαναστατικής Ρωσίας ιδρύθηκε το 1922. Ο πυρήνας της ήταν το πρώην κινητό τηλέφωνο, ο τρόπος που είχε μεγάλη επιρροή στην προσέγγιση του Ομίλου - μια ρεαλιστική φιλική προς τη ζωή της καθυστερημένης κίνησης, «περπατώντας στους ανθρώπους» και θεματικές εκθέσεις. Εκτός από αυτές τις εικόνες (υπαγορεύονται από την επανάσταση) για AHRR, η συσκευή χαρακτηρίστηκε από μια συσκευή θεματικών εκθέσεων όπως η "ζωή και η ζωή των εργαζομένων", η "ζωή και η ζωή του κόκκινου στρατού".

Master Masters και έργα ομαδοποίησης: Ο Ισαάκ Brodsky ("Lenin's Performs" του Lenin στο Putilovsky Plant "," Lenin στο Smolovsky "), Georgy Ryazhsky (" Αντιπρόσωπος ", 1927." Πρόεδρος ", 1928), Πορτραίτο Sergey Malyutin (" Πορτρέτο της Furmanova " , 1922), Abram Arkupov, EFIM Chererts ("Συνάντηση εορτασμού", 1924), Vasily Yakovlev ("Μεταφορές", 1923), Μιτρόφαν Ελληνικά ("Tachaca", 1925, αργότερα "στο Kubach" και "Kubachi" , 1934). Η Εταιρεία των Στάνννκοβιτς, που ιδρύθηκε το 1925, περιλάμβανε καλλιτέχνες με λιγότερα συντηρητικά από την άποψη της ζωγραφικής απόψεων, κυρίως φοιτητές στο Vhowemas. Αυτά ήταν: Williams "Hamburg Uprising"), Deineka ("στο εργοτάξιο των νέων εργαστηρίων", 1925; "Πριν από την κατεύθυνση του ορυχείου", 1924, "Defense Petrograd", 1928), Labas Luchishkin ("Η μπάλα πέταξε μακριά "," Λατρεύω τη ζωή "), Pimenov (" βαριά βιομηχανία "), Tyshler, Sterleberg, και ούτω καθεξής. Υποστήριξαν το σύνθημα της αναβιαστικής και ανάπτυξης της μηχανουργίας, αλλά δεν επικεντρώθηκαν στον ρεαλισμό, αλλά η εμπειρία των σύγχρονων εξπρεσιονιστών. Από εκείνους ήταν κοντά στην εκβιομηχάνιση, τη ζωή της πόλης και του αθλητισμού. Η κοινωνία "τέσσερις τέχνες" ιδρύθηκε από καλλιτέχνες που είχαν προηγουμένως στον κόσμο της τέχνης και ένα μπλε τριαντάφυλλο, το οποίο έριξε τη γλώσσα του πολιτισμού και της ζωγραφικής. Τα πιο σημαντικά μέλη της ένωσης: Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky και πολλοί άλλοι εξαιρετικοί δάσκαλοι. Για την κοινωνία, χαρακτηρίστηκε ένα φιλοσοφικό υπόβαθρο με επαρκή πλαστική έκφραση. Η κοινωνία των καλλιτεχνών της Μόσχας περιελάμβανε πρώην μέλη των ενώσεων "Ζωγράφοι της Μόσχας", "Μακόβιτς" και "Γένεση", καθώς και μέλη της "Bubnoy Valt". Οι πιο ενεργοί καλλιτέχνες: ο Peter Konchalovsky, Ilya Mashkov, Lentulov, Alexander Kuprin, Robert Falk, Vasily Χριστούγεννα, Osmertkin, Sergey Gerasimov, Nikolai Chernyshev, Igor Grabar. Οι καλλιτέχνες δημιούργησαν ζωγραφιές "θεματικές" χρησιμοποιώντας τα ταραγμένα "Bubnovo-Valtovsky" και ούτω καθεξής. Τάσεις του Avant-Garde School. Το έργο αυτών των ομάδων ήταν το σύμπτωμα που η συνείδηση \u200b\u200bτων δασκάλων της παλαιότερης γενιάς προσπαθούσε να αναδιαρθρώσει κάτω από νέες πραγματικότητες. Στη δεκαετία του 1920, πραγματοποιήθηκαν δύο μεγάλες εκθέσεις μεγάλης κλίμακας, οι οποίες εξασφάλισαν τάσεις - στην 10η επέτειο του Οκτωβρίου και του Κόκκινου Στρατού, καθώς και την «Έκθεση Τέχνης των Λαών της ΕΣΣΔ» (1927).

Την ηγετική σφαίρα της ανάπτυξης της λογοτεχνίας στη δεκαετία του '20. Αναμφισβήτητα, υπάρχει ποίηση. Με τη μορφή μιας λογοτεχνικής ζωής με πολλούς τρόπους παρέμεινε το ίδιο. Όπως και στις αρχές του αιώνα, ο τόνος ζητήθηκε από τους λογοτεχνικούς κύκλους, πολλοί από τους οποίους επέζησαν το bloodstand και συνέχισαν να λειτουργούν στη δεκαετία του '20: συμβολιστές, φουρουνιστές, acmeysts κλπ. Υπάρχουν νέοι κύκλοι και ενώσεις, αλλά αντιπαλότητα μεταξύ τους τώρα Πηγαίνετε πέρα \u200b\u200bαπό τις καλλιτεχνικές σφαίρες και συχνά αποκτά πολιτικό χρωματισμό. Το πιο σημαντικό για την ανάπτυξη της λογοτεχνίας ήταν η ένωση του Rapp, "Pass", "Serapionov Brothers" και Lef.

Η Ράππα (Ρωσική Ένωση Συνδέσμων Συγγραφέων) υποβλήθηκε στη Συνέδρια της Ένωσης των προλεταριακών συγγραφέων το 1925. Περιλαμβάνει τους συγγραφείς (από τους πιο διάσημους Α. Fadeev και D. Furmanov) και τους λογοτεχνικούς κριτικούς. Ο προκάτοχος του Rapp ήταν "Prelicht" - ένας από τους πιο δημοφιλείς οργανισμούς, που ιδρύθηκε το 1917. Αντιμετωπίστηκαν ως "εχθρούς τάξης" σχεδόν όλοι οι συγγραφείς που δεν συμπεριλήφθηκαν στην οργάνωσή τους. Μεταξύ των συγγραφέων που υποβλήθηκαν σε επιθέσεις από rappovs δεν ήταν μόνο ο Α. Ακχμώτο, ο Ζ. Ιππίου, Ι. Bunin, αλλά ακόμη και ένας τέτοιος αναγνωρισμένος "τραγουδιστές της επανάστασης", όπως ο M. Gorky και ο V. Mayakovsky. Η ιδεολογική αντίθεση των PAPS ήταν η λογοτεχνική ομάδα "Pass".

Η ομάδα των "Serapiones Brothers" ιδρύθηκε το 1921 στη Σπίτι της Τέχνης Petrogradsky. Η ομάδα περιελάμβανε τέτοιους γνωστούς συγγραφείς όπως ο V. Ivanov, ο M. Zoshchenko, Κ. Fedin, και άλλοι.

Lef - Αριστερά μπροστά από τις τέχνες. Οι θέσεις των μελών αυτού του οργανισμού (V.Makovsky, Ν. Aseev, S. Eisenstein κ.λπ.) είναι πολύ αντιφατικές. Συνδυάζοντας το φουτουρισμό με μια καινοτομία στο πνεύμα του prostrolet, ενήργησαν με μια πολύ φανταστική ιδέα για τη δημιουργία μιας συγκεκριμένης τέχνης "παραγωγής", η οποία έπρεπε να είχε πραγματοποιηθεί στην κοινωνία τη χρηστική λειτουργία της παροχής μιας ευνοϊκής ατμόσφαιρας για την παραγωγή υλικών. Η τέχνη θεωρήθηκε ως στοιχείο τεχνικής κατασκευής, χωρίς κανένα υποκείμενο, τη μυθοπλασία του ψυχολόγου κλπ.

Μεγάλης σημασίας για την ανάπτυξη της ρωσικής λογοτεχνίας xx in. Poetic δημιουργικότητα V. Ya. Bolsova, Ε. G. Bagritsky, Ο. Ε. Mandelstam, Β. Λ. Pasternak, Δ. Κακή, "Αγροτικός" ποιητές, ο λαμπρός εκπρόσωπος του οποίου η Enesenina N. A. Klyuev ήταν. Μια ειδική σελίδα στην ιστορία της εγχώριας λογοτεχνίας είναι το έργο των ποιητών και των συγγραφέων που δεν δέχτηκαν την επανάσταση και αναγκάστηκαν να εγκαταλείψουν τη χώρα. Μεταξύ αυτών είναι τέτοια ονόματα όπως ο Μ. Ι. Τσβέβαββα, Ζ.Ν. Ιππίου, Ι. Α. Bunin, Α. Ν. Τολστόι, Β. Β. Ναμποκόφ. Μερικοί από αυτούς, συνειδητοποιώντας την αδυναμία να ζουν για τον εαυτό τους μακριά από την πατρίδα τους, επέστρεψαν αργότερα (Tsvetaeva, Tolstoy). Οι μοντερνιστικές τάσεις στη βιβλιογραφία εκδηλώνονται στο έργο του Ε. Ι. Ζαμυγίνα, ο συγγραφέας της φανταστικής μυθιστοριογραφίας-αντι-βραδύγωνο "εμείς" (1924). Satyrian λογοτεχνία 20s. που αντιπροσωπεύονται από τις ιστορίες του Μ. Zoshchenko. Ρουμάνοι συν-συγγραφέων Ι. ILF (Ι. Α. Finezilberg) και Ε. Petrov (Ε. Π. Καταέβας) "Δώδεκα καρέκλες" (1928), "Golden Calf" (1931), κλπ.

Στη δεκαετία του '30. Υπάρχουν πολλά μεγάλα έργα που εισέρχονται στην ιστορία της ρωσικής κουλτούρας. Ο Sholokhov δημιουργεί μυθιστορήματα "ήσυχο don", "αυξήθηκε παρθένο". Η δημιουργικότητα Sholokhov έλαβε παγκόσμια αναγνώριση: για τη σύνταξη της αξίας, απονεμήθηκε το βραβείο Νόμπελ. Στα τριάντα ολοκληρώνει την τελευταία ρωμαϊκή-επική της "ζωή του Klim Samgin" M. Gorky. Η δημιουργικότητα Ν. Α. Ο Όσθραβσκι είχε μια τεράστια δημοτικότητα, ο συγγραφέας του μυθιστορήματος "πώς σκληρυνθεί ο χάλυβας" (1934). Α. Ν. Τολστόι (Πέτρος Ι 1929-1945) έγινε το κλασικό του σοβιετικού ιστορικού μυθιστορήματος.) Τα εικοστά και τα τριάντα είναι η ακμή παιδικής λογοτεχνίας. Πολλές γενιές σοβιετικών ανθρώπων αυξήθηκαν στα βιβλία του Κ. Ι. Chukovsky, S. Ya. Marshak, Α. Π. Gaidar, S. V. Mikhalkov, Α. L. Barto, V. A. Kaverina, L. A. Kassille, In. P. Katava.

Το 1928, ο M. Bulgakov, ο οποίος εντοπίστηκε από τη σοβιετική κριτική, χωρίς καμία ελπίδα δημοσίευσης, αρχίζει να γράφει το καλύτερο μυθιστόρημα του "Master and Margarita". Οι εργασίες για το μυθιστόρημα συνέχισαν μέχρι το θάνατο του συγγραφέα το 1940. Αυτό δημοσιεύθηκε μόνο το 1966. Στα τέλη της δεκαετίας του '80, το έργο του Α. Πλατωνόβα (Clementov) "Cheving", "Kotlovan", "Νεανική Θάλασσα". "Στο Πίνακα" Οι ποιητές Α. Α. Ακχμυβάβα, Β. Λ. Pasternak εργάστηκαν. Τραγική μοίρα Mandelstam (1891-1938). Ο ποιητής της έκτακτης δύναμης και μια μεγάλη οπτική ακρίβεια ήταν μεταξύ των συγγραφέων που, έχοντας αποδεχθεί την επανάσταση του Οκτωβρίου σε εύθετο χρόνο, δεν μπορούσε να πάρει μαζί στην κοινωνία του Στάλιν. Το 1938 καταπιέζεται.

Στη δεκαετία του '30. Η Σοβιετική Ένωση αρχίζει σταδιακά να διορθωθεί από τον υπόλοιπο κόσμο. Πολλοί ρώσοι συγγραφείς παρέμειναν πίσω από το σιδερένιο κουρτίνα, το οποίο, παρά το γεγονός ότι δεν συνεχίζουν να εργάζονται. Ο συγγραφέας του πρώτου μεγέθους ήταν ο ποιητής και η πεζογραφία του Ivan Alekseevich Bunin (1870-1953). Ο Bunin δεν δέχτηκε την επανάσταση από την αρχή και μετανάστευσαν στη Γαλλία (η ιστορία "αγάπη της Mitin", το μυθιστόρημα "η ζωή του Arsenyev", μια συλλογή ιστοριών "σκοτεινά σοκάκια"). Το 1933, απονεμήθηκε το βραβείο Νόμπελ.

Στις αρχές της δεκαετίας του '30. Ένα τέλος ήταν η ύπαρξη ελεύθερων δημιουργικών κύκλων και ομάδων. Το 1934, το "Σύμβολο Σύμβουλος Σοβιετικών Συγγραφέων διοργανώθηκε από την" Ένωση Συγγραφέων ", τα οποία αναγκάστηκαν να ενταχθούν σε όλους τους ανθρώπους που ασχολούνται με τη λογοτεχνική εργασία. Η Ένωση Συγγραφέων έχει γίνει ένα εργαλείο για τον συνολικό έλεγχο της εξουσίας κατά τη δημιουργική διαδικασία. Ήταν αδύνατο να μην είμαστε μέλος της Ένωσης, δεδομένου ότι στην περίπτωση αυτή ο συγγραφέας στερήθηκε την ευκαιρία να δημοσιεύσει τα έργα του και, επιπλέον, θα μπορούσε να τεθεί σε ποινική ευθύνη για το "Tuneshi". Κατά την προέλευση αυτής της οργάνωσης βρισκόταν ο M. Gorky, αλλά η Προεδρία του σε αυτό συνέχισε να μην είναι καιρό. Μετά το θάνατό του το 1936, A. Α. Fadeev έγινε ο πρόεδρος. Εκτός από την "Ένωση Συγγραφέων", οργανώθηκαν άλλα "δημιουργικά" συνδικάτα: "Ένωση καλλιτεχνών", "Ένωση Αρχιτεκτόνων", "Ένωση Συνθετών". Στη σοβιετική τέχνη υπήρχε μια περίοδο ομοιομορφίας.

Η επανάσταση απελευθέρωσε ισχυρές δημιουργικές δυνάμεις. Επίσης, επηρέασε την ανάπτυξη της εγχώριας θεατρικής τέχνης. Υπάρχουν πολλές θεατρικές ομάδες. Ένας μεγάλος ρόλος στη διαμόρφωση της θεατρικής τέχνης έπαιξε από ένα μεγάλο δραματικό θέατρο στο Λένινγκραντ, ο πρώτος καλλιτεχνικός διευθυντής του οποίου ήταν ο Α. Block, Theatre τους. V. Meyerhold, Theatre τους. Ε. Vakhtangov, Θέατρο Μόσχας. Mossovet.

Μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του '20, η εμφάνιση της σοβιετικής δραματουργίας, η οποία είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ανάπτυξη της θεατρικής τέχνης. Τα μεγαλύτερα γεγονότα των θεατρικών εποχών 1925-1927. Χάλυβα "καταιγίδα" Β. Bill-Belotserkovsky στο θέατρο. MGSPS, "Αγάπη Yarovaya" Κ. Τρέβιβα στο Μικρό Θέατρο, "Rift" B. Lavrenev στο θέατρο. Ε. Vakhtangov και στο Μεγάλο Δραματικό Θέατρο, "θωρακισμένο τρένο 14-69" V. Ivanova σε Mkate. Το κλασικό κατέλαβε μια σταθερή θέση στο ρεπερτόριο των θεάτρων. Οι προσπάθειες των νέων μετρήσεων της έγιναν τόσο από ακαδημαϊκά θέατρα ("καυτή καρδιά" Α. Ostrovsky στο Mkhate) και "αριστερά" ("δάσος" Α. Ostrovsky και "ελεγκτής" N. Gogol στο θέατρο. Β. Meyerhold).

Εάν τα δραματικά θέατρα μέχρι το τέλος της πρώτης σοβιετικής δεκαετίας ξαναχτιστούν το ρεπερτόριό τους, τότε ο κύριος τόπος στις δραστηριότητες των ομάδων όπερας και μπαλέτου ήταν ακόμα κλασική. Η μόνη σημαντική επιτυχία στην αντανάκλαση του σύγχρονου θέματος ήταν η διατύπωση του μπαλέτου R. Glyover "Red Mac" ("κόκκινο λουλούδι"). Στις χώρες της Δυτικής Ευρώπης και της Αμερικής έκαναν L.V. Sobinov, A.V. Nezhdanova, Ν. Golovanov, Mkhatov Θέατρο, Θέατρο Επιμελητηρίου, Στούντιο. Ε. Vakhtangova, Vintage ρωσικό κουαρτέτο εργαλείων

Η μουσική ζωή της χώρας σε αυτά τα χρόνια συνδέεται με τα ονόματα του S. Prokofiev, D. Shostakovich, Α. Καχστατούρι, Τ. Khrennikova, D. Kabalevsky, I. Dunaevsky κλπ. Οι νέοι αγωγοί του Ε. Mravinsky, Β . Haykin, ώθησε. Δημιουργήθηκαν μουσικά σύνολα, κατά συνέπεια της πιο διάσημης εγχώριας μουσικής κουλτούρας: το κουαρτέτο. Ο Μπετόβεν, η Μεγάλη Συμφωνική Ορχήστρα, η ορχήστρα του κρατικού Φιλαρμονικές και άλλες. Το 1932 σχηματίστηκε η Ένωση Συνθετών της ΕΣΣΔ.

Μαζί με τους ηθοποιούς παλαιότερων παραγωγής (Μ. Ν. Γιερολόβα, Α. Μ. Yazzhin, Α. Α. Ostyzhev, V. I. Kachalov, O. L. Krapperzekov), δημιουργείται ένα νέο επαναστατικό θέατρο. Η αναζήτηση νέων μορφών γραφικής εκφραστικότητας είναι χαρακτηριστική του θεάτρου που εργάζεται υπό την ηγεσία του V. E. Meyerhold (τώρα Θέατρο. Meyerhold). Στη σκηνή αυτού του θεάτρου, τα κομμάτια του V. Mayakovsky "Miscelion-Buff" (1921), "KLOP" (1929) και άλλοι. Μια σημαντική συμβολή στην ανάπτυξη του θεάτρου έγινε από τον Διευθυντή του 3ου Studio McAt EB Vakhtangov; Ο διοργανωτής και ο επικεφαλής του θεάτρου του θαλάμου, ο μεταρρυθμιστής της σκηνής τέχνης A. Ya. Tairov.

Ένα από τα σημαντικότερα και ενδιαφέροντα φαινόμενα στην ιστορία του πολιτισμού της 20ης GG. Ήταν η αρχή της ανάπτυξης του Σοβιετικού Κινηματογράφου. Ο Cinequeimalism αναπτύσσεται, η οποία έχει γίνει ένα από τα πιο αποτελεσματικά εργαλεία του ιδεολογικού αγώνα και της διέγερσης μαζί με μια αφίσα. Ένα σημαντικό ορόσημο στην ανάπτυξη του καλλιτεχνικού κινηματογράφου παιχνιδιών ήταν η ταινία Σεργκέι Mikhailovich Eisenstein (1898 - 1948) "Bramenos Potemkin" (1925), ο οποίος έγινε ένα από τα παγκόσμια αριστουργήματα. Κάτω από τη σφαίρα των κριτικών, τα σύμβολα, τα φουτουριστικά, οι ιμπρεσιονιστές, οι φανταστικοί κ.λπ. κατηγορήθηκαν για «φορμαλιστικές επεκτάσεις», στο γεγονός ότι η τέχνη τους δεν χρειάζεται για τον Σοβιετικό Λαϊκό, ότι είναι εχθρικό για τον σοσιαλισμό. Composer D. Shostakovich, σκηνοθέτης Σ. Eisenstein, συγγραφείς Β. Pasternak, yu. Πολλοί αριθμοί τέχνης καταστέλησαν.

Πολιτική Πολιτική Καλλιέργεια ΟΔομολογία

Καλλιτέχνες των 30 ετών

Καλλιτέχνες Deineka, Pimenov, Williams, S.Gerasimov, Kubrin, Konchalovsky, Lentulov, Mashkov, Ulyanov, Mukhina, Kuznetsov, Saryan

Με τον Daenekoy, συναντήθηκα για πρώτη φορά στο Λένινγκραντ. Ήρθε όταν η έκθεση είχε ήδη ανακινείται, στις πιο πρόσφατες μέρες πριν από την ανακάλυψη, αφαιρέθηκε όλη του την εργασία του από τον τοίχο και τους κρεμάει στο δικό του, κόβοντας πολύ έντονα: μερικές μικρές κουκουβάγιες έφεραν, και τους αφαιρεί. Στο τέλος, υπήρχε "αμυντική πετρωμαράδα", "ύπνο αγόρι με αραβοσίτου", πολλά πρώτα πράγματα. Στη συνέχεια, η Deineka με εντυπωσίασε περίεργη και μάλλον αρνητική. Έκοψε, λίγο αγενής. Οι περισσότεροι άνθρωποι τον αντιλαμβάνονται και αντιλαμβάνονται - τι; Τότε ο αθλητής, ο ποδοσφαιριστής ή ο μπόξερ. Αλλά, ευτυχώς, έκανα γρήγορα τον πραγματικό του χαρακτήρα. Δεν περιείχε κάτι τέτοιο, ήταν ένας τρόπος να κρατηθεί ο ίδιος με τους ξένους, με ξένους. Πήρα κοντά του στα μέσα της δεκαετίας του '30, όταν άρχισα να δουλεύω στα παιδιά, η συνομιλία θα ήταν επόμενη. Και ο μεγαλύτερος χρόνος πέρασε, ο χρόνος έγινε πιο κοντά και πιο κοντά. Η τελευταία ημερομηνία αλληλογραφίας μας δύο ημέρες πριν από το θάνατό του ήταν η ανταλλαγή των πιο απαλών λέξεων στο τηλέφωνο και στις δύο πλευρές.

Με ένα άλλο CONESTLE - YURI IVANOVICH PIMENOV, δεν συναντήθηκα στο Λένινγκραντ. Στο Λένινγκραντ, υπήρχαν πολύ λίγοι από το έργο του, και το είδα για πρώτη φορά στη Μόσχα, όταν ο αναπληρωτής διευθυντής του ρωσικού μουσείου, η έκτακτη έφτασε να πληρώσει με τους καλλιτέχνες για την εργασία τους που αποκτήθηκαν στο Λένινγκραντ. Όλοι τους συλλέχθηκαν στη Βολκώνα, σε ένα από αυτά τα μικρά σπίτια που βρίσκονται μεταξύ της οδού Frunze και του Μουσείου. Όλοι οι καλλιτέχνες κάθονταν στο διάδρομο και κουβεντιάζουν, και προσκλήθηκαν με τη σειρά του τι; Τότε το δωμάτιο. Και εδώ είδα την πρώτη φορά και θυμήσα την Pimenova. Έδειξε πώς τρεις καλλιτέχνες κάνουν τοπία προς πώληση: Κάποιος καθορίζει πολλές πανομοιότυπες καμβάδες και τους γεμίζει με μπλε χρώμα που απεικονίζει τη θάλασσα, το δεύτερο περνάει και ξοδεύει μαύρο χρώμα τι βάρκες και το τελευταίο βάζει σε ένα μόνο πανί. Το έδειξε ασυνήθιστα πυκνοκατοικία και πολύ εκφραστική.

Έχουμε μια πολύ γρήγορη σχέση μαζί του, αλλά όχι στο χώμα του μουσείου, επειδή δεν έκανε γραφικά - ούτε χάραξη και ένα μοτίβο; αυτό δεν ήταν πολύ, ήταν ο πιο αγνός ζωγράφος. Ήδη το 1932 είχαμε μια απαλή φιλία. Είναι μόνο κατά τη διάρκεια αυτού του χάσματος, μεταξύ 1930 και 1932, υπέστη μια πολύ βαριά εγκεφαλική ασθένεια, η οποία συνδέεται με μια διάσειση, ή ακόμα και με την τότε ειλικρινή ασθένεια, και τελικά την απαλλάζει, αλλάξει εντελώς τον χαρακτήρα του. Τόσο πολύ που κατέστρεψε τα περισσότερα από τα πρώιμα έργα του, πολύ επιδεινώθηκε, εκφραστική, σχηματική, υπομονήθηκε ακόμη και σε μουσεία που είχε χρόνο να αγοράσει. Και έγινε εντελώς διαφορετικός, καθώς παρέμεινε για τη ζωή: λάμπει, ελαφρύ, ηλιόλουστο, γεμάτο από το τι; Τότε η μεγαλύτερη απληστία σε μια πραγματική ζωντανή ζωή. Κάθε χρόνο, κάθε χρόνο όλο και πιο βαθύτερες φιλικές σχέσεις, και τελικά έγινε από τους συνομηλίκους μου όσο περισσότερο κοντά μου ως Schmarinov. Στην πραγματικότητα, οι δύο τους πρέπει να καλούνται πρώτα από όλους τους πιο στενούς φίλους της γενιάς μου. Ήμουν ένα χρόνο και μισό νεότερο pimenova και ένα χρόνο και μισό παλαιότερο schmarinov.

Με τον Williams, έγινα επίσης φίλοι στις αρχές της δεκαετίας του '30. Τότε ήταν ζωγράφος, και ένας πολύ ισχυρός, καλός ζωγράφος. Είχε εξαιρετική δουλειά: ένα πορτρέτο του Meyerhold, ένα πορτρέτο του Barnet του σκηνοθέτη, μια μεγάλη εικόνα "ναύτες με aurora, το οποίο στάλθηκε σε τι; Τότε η έκθεση στη Βενετία και εκεί έδωσαν την τοπική κομμουνιστική οργάνωση εκεί. Εκεί παρέμεινε εκεί. Αλλά έχω πραγματικά την αναπαραγωγή της. Αυτό είναι ένα πολύ καλό, θυμάμαι την τέλεια. Αλλά τότε, ήδη από τα μέσα της δεκαετίας του '30, έγινε ενδιαφέρεται για το θέατρο, είχε μια εξαιρετική επιτυχία, για παράδειγμα, το σχεδιασμό στο Pickwick Club στη Μόσχα, με ασυνήθιστα παράξενες διακοσμήσεις, στις οποίες εισήχθησαν ανθρώπινα πρόσωπα. Και στη συνέχεια έγινε ο πιο μοντέρνος καλλιτέχνης του θεάτρου Bolshoi και ακόμη και ξεκίνησε το στύλο, όπως ένα επιτυχημένο θέατρο: κάποιο εξαιρετικό γούνινο παλτό είναι σχεδόν στο έδαφος με μια γούνα από την πύλη στο ίδιο της Niza, ένα καπέλο σαν ένα μύλο Το κεφάλι, το οποίο αποτέλεσε αντικείμενο της μεγαλύτερης εκφοβισμού μου και pimenova σε χαρακτηριστικά. Μόνο χαμογέλασε σύγχυση. Γενικά, εισήλθε στο θεατρικό περιβάλλον, τη θεατρική ζωή.

Με τον Williams, έχω μια πολύ ήπια αναμνήσεις. Στα μέσα της δεκαετίας του 1930, η Νατάσα και εγώ πήγαμε στον Καύκασο στην Τεχνίτερη - αυτό είναι το μέρος πάνω από τον ποταμό Baksan στους πρόποδες του Elbrus. Υπήρξε ένα σπίτι διακοπών, που ανήκουν σε κανέναν - δεν ξέρω, αλλά προορίζονται για δημιουργική νοημοσύνη. Σε κάθε περίπτωση, τα δελτία έπρεπε να λάβουν στο Ίδρυμα της Ένωσης της Μόσχας της Ένωσης της Μόσχας και όταν ήρθα εκεί, μου είπαν ότι είχα μόλις ο Williams και θα πάμε και εκεί.

Υπήρχαν πολλοί φίλοι στην Τεχνίτερη. Υπήρχε ο φίλος μας με έναν στενό φίλο του Natasha - ένας επιστήμονας - γεωγράφος Lazar Gordovich Gordonov, με τον οποίο, στην πραγματικότητα, και συμφωνήσαμε να πάμε εκεί. Υπήρχε ένας σκηνοθέτης ταινία Alexandrov με την αγάπη της συζύγου του Orlova. Υπήρχε ένας ποιητής Nikolai Tikhonov. Υπήρχε ένας βαρεμένος μεταφραστής - θεωρήθηκε ότι υπήρχαν αλλοδαποί, αλλά δεν ήταν, και δυστυχώς περιπλανήθηκε χωρίς τίποτα. Σε ένα από τα βράδια, αναβίωσε: Τέλος, ο Άγγλος κ. Williams έλαβε τελικά! Χύνεται, ζωγραφισμένα τα χείλη του, γενικά, παρασκευάστηκε. Αλλά όταν εμφανίστηκε αυτός ο κ. Williams, αποδείχθηκε ότι αυτός είναι ο φίλος μου Peter Vladimirovich Williams, ο οποίος δεν γνώριζε μια μόνο λέξη στα αγγλικά καθόλου. Ο πατέρας του ήταν πράγματι η αγγλική προέλευση, κατά τη γνώμη μου, τι; Τότε ένας σημαντικός γεωργικός επιστήμονας, αλλά ο ίδιος δεν είχε σχέση, οπότε ο μεταφραστής ήταν απογοητευμένος.

Θυμάμαι πώς πήγαμε στο Elbrus μία φορά, όχι στο πιο, φυσικά, στην κορυφή, και στον ορίζοντα, είναι κάπου στο μισό φυσητήρα, ήδη πάνω από τα σύννεφα - μια παιδική χαρά και ένα μικρό ξενοδοχείο. Αναρρίψαμε μέσα από το σύννεφο πάνω από ένα απότομο μονοπάτι και, βγούμε από αυτό το σύννεφο, ήρθε εκεί εντελώς υγρό. Οι κυρίες πήγαν στο ξενοδοχείο για να αλλάξουν τα ρούχα, να βάλουν τις ίδιες, και περιείγω με τους Williams γύρω από το γήπεδο. Και ξαφνικά ποιος; Στη συνέχεια φώναξε: "ανοίγει ο Elbrus!" Όλοι ήταν σφιχτά με τα σύννεφα και ξαφνικά γεννήθηκαν τα σύννεφα, και στο φόντο ενός εντελώς πράσινου ουρανού, ένας χιόνι λευκό κώνος της κορυφής του Elbrus προέκυψε. Ο Williams έσπευσαν σε ένα σπίτι πίσω από χαρτί και ένα μολύβι - δεν καταγράφει τίποτα άλλο μαζί του - και άρχισε στη βροχή, η οποία αυτή τη στιγμή ψέματα ψέματα στην κορυφή, να ρίξει όλα τα περιγράμματα, καταγράφοντας τι χρώση. Το θυμήθηκα με τα λοβιακά που συνδέονται με το μέτωπο, να σχεδιάζουν σπασμένα και να καταγράφουν αυτά τα περισσότερα χρώματα. Αλλά, δυστυχώς, τίποτα δεν βγήκε από αυτό: όταν μου έδειξε ένα Eterude στη Μόσχα, που έγινε σε αυτό το σκίτσο, όλα αποδείχθηκαν εντελώς σε αντίθεση με. Ναι, και ο ίδιος το γνώριζε τέλεια. Θυμάμαι ότι οι κυρίες μας ανέβηκαν στον Elbrus ήταν εντελώς picked. Το "φαινόμενο του Elbrus" ήταν ένα φευγαλέα θέαμα, είχαμε χορηγηθεί σε όλα τα δύο λεπτά - τρία λεπτά.

Ο Williams ήταν ένα απλό, είδος, καλό πρόσωπο, ελαφρώς αστείο με τα μοντέρνα θεατρικά χόμπι του.

Είχα επίσης καλές σχέσεις με άλλους ψύκτες - τόσο με labas, όσο και με sifrin, αλλά δεν ήταν τόσο κοντά. Ο Shifrin ήταν ένα αξιολάτρευτο άτομο, ένας πολύ καλός καλλιτέχνης θεάτρου, ένα λαμπρό θέατρο. Ο Labas ήταν πάντα μια μικρή τρελή και χαμηλή φιγούρα. Αλλά ποιος, φυσικά, ήταν ένα εντελώς υπέροχο πρόσωπο και ένας θαυμάσιος καλλιτέχνης, αυτός είναι ένας tyshler. Αλλά μαζί του η γνωριμία και η φιλία ανήκουν στις τελευταίες εποχές, ο μεταπολεμικός. Πώς βγήκε το ότι στο Λένινγκραντ δεν παρουσιάστηκε, και στη συνέχεια δεν έπρεπε να συναντήσω μαζί του. Πριν από τον πόλεμο ήμουν εξοικειωμένος μαζί του, αλλά δημοσιεύθηκε. Μόνο μετά τον πόλεμο υπήρξε μια πολύ τρυφερή φιλία, η οποία μόλις βαθμού και βελτιώθηκε. Είναι ένα από τα πιο αξιολάτρευτα πλάσματα που συναντήθηκα στη ζωή μου.

Μετά από OST, είναι απαραίτητο, φυσικά, να καλέσετε, αν μιλάμε για καλλιτεχνικές ομάδες των 20, δύο, που με έφεραν πολύ στενούς φίλους. Πρώτα απ 'όλα, αυτά είναι "4 τέχνες", στα οποία ο Favorsky, και ο Uyanov, και ο Paul Kuznetsov, και ο Saryan, και ακόμα ένας αριθμός ανθρώπων που με πλησιάζουν. Και η δεύτερη είναι η κοινωνία των καλλιτεχνών της Μόσχας - "Omx", ο οποίος μου έφερε μια από τις πιο ακριβές φιλίες - με τον Σεργκέι Βασιλερέεβο Γερασίμοφ, καθώς και με τον Rodionov, με το Ormerkin και άλλους.

Συναντήθηκα για πρώτη φορά στον Σεργκέι Βασιλέα, για πρώτη φορά στο Λένινγκραντ, ήταν ένας από τους διοργανωτές της έκθεσης, ήταν μεταξύ των ταξιαρχίες και είδε τους πίνακες των καλλιτεχνών του και των στενών του. Αν και δίδαξε στο Vhoute ένα σχέδιο, αλλά με το πρόγραμμά του συναντήθηκα πολύ αργότερα και δεν έπρεπε να το αγοράσω για το μουσείο. Αλλά στο Λένινγκραντ έπρεπε να συναντήσουμε καθημερινά, να συναντηθούμε σε μια κοινή δουλειά και το σημαντικότερο, πήγαμε να δειπνήσουμε την εταιρεία: αυτός, εγώ, ο Obreyanov και η Istomin. Ήταν τόσο συχνά που αναγνώρισα πολύ γρήγορα τον χαρακτήρα του, το πνεύμα του, τα αστεία του και η γελοιοποίηση, που ήταν μόνο άμυνα από άλλους ανθρώπους. Ήταν ήδη εκτιμούσα τον καταπληκτικό χαρακτήρα του και την υπέροχη τέχνη του. Αν και ήταν ακόμα μια πολύ πρώιμη περίοδος, η εργασία ήταν μόνο η δεκαετία του '20, η αρχή της δεκαετίας του '30, ήταν ήδη πολύ καλές. Και τότε αυτή η γνωριμία μετακόμισε σταδιακά σε αυξανόμενη και πιο οικειότητα και στη μεταπολεμική περίοδο ήταν, φυσικά, ένας από τους πιο στενούς ανθρώπους με. Και πρέπει να πω με μεγάλη ευχαρίστηση ότι, φαινομενικά, και ήμουν ένας από τους πλησιέστερους ανθρώπους, το χρησιμοποίησα με μια πλήρη πληρεξούσια, έκανα όλες τις αποστολές του, ειδικά όταν έγινε στο κεφάλι της Ένωσης καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ . Στην πραγματικότητα, αυτός και πριν γίνει αυτό αντιληπτό ως τέτοιο, από όλους τους αναγνωρισμένους, αν και απολύτως άτυπη κεφαλή της Σοβιετικής Τέχνης. Όμως, όταν το 1957, το πρώτο σύνολο των κρατών μελών των καλλιτεχνών συνέβη, ήταν φυσικό ότι ο Σεργκέι Βασιλερέβιτς ήταν στο κεφάλι της Ένωσης.

Ίσως περισσότερη εξωτερική, αλλά πολύ φιλικές σχέσεις που παρατηρήθηκα και γνωριμία με το Osmertkin, ένας από τους κύριους συμμετέχοντες του Vault Bubnovoy, ο οποίος από τις 30 έγινε ένα πολύ απλό λυρικό τοπίο, λεπτό και απαλό. Και ο ίδιος ήταν ένας θαυμάσιος άνθρωπος, ελκυστικός, λεπτός. Αλλά τον συνάντησα λιγότερο συχνά και ήταν όλα; Taki περιφερειακή φιλία, και όχι το κύριο, ριζωμένο.

Μιλώντας για τους πρώην συμμετέχοντες στην ομάδα "The Bubnovaya Valet", πρέπει να θυμάστε ένα άλλο απαλό, Miley και ελκυστικό άτομο, Alexander Vasilyevich Kurrin. Το Kubrin ήταν χαμηλό, με μια μικρή γενειάδα, ένα πολύ σιωπηλό και ντροπαλό άτομο, πολύ μεμονωμένο ντυμένο, χωρίς εξωτερικά αποτελέσματα, καταλαμβάνεται από το τι γίνεται με τις αντανακλάσεις τους και το έργο τους. Ο Ormerkin και ο Kubrin είναι ίσως οι δύο πιο λεπτότεροι καλλιτέχνες σε ολόκληρη την ομάδα.

Με το μαγείρεμα, έχω, καθώς και το Ormerkin, ήταν το πιο φιλικό και μπορούμε να πούμε, ειλικρινείς σχέσεις. Όχι Όπως και με τον Konchalovsky, στον οποίο είχα ένα βαθύ σεβασμό, ο οποίος με ευνόησε, αλλά όλα; Υπήρχε μεγάλη απόσταση μεταξύ μας.

Η σχέση μου με τον Peter Petrovich Konchalovsky ήταν πολύ φιλικό, έγραψα γι 'αυτόν, και του άρεσε πώς έγραψα. Αλλά η εγγύτητα του ειδικού δεν μπορούσε να συμβεί, ήταν πολύ διαφορετική. Ήταν κυρίως ένα barin, ένα ελαφρώς έμπορο, ο οποίος ζούσε σε ένα ευρύ σκέλος, μια ασυνήθιστα ιδιοσυγκρασιακή, με μια τεράστια καλλιτεχνική "οικονομία". Κάποτε, όταν ήμουν στο εργαστήριό του, είπε: «Έχω ήδη χίλια οκτακόσια αριθμούς». Αυτό εφαρμόζεται μόνο στους πίνακές του. Ακουαρέλες και σχέδια, δεν σκέφτηκε καν. Σε κάθε περίπτωση, είχαμε μια φιλική σχέση, η οποία στη συνέχεια ψύχθηκε πολύ από τη χάρη της κόρης του και ο γιος-σε-νόμος - η Natalia Petrovna Konchalovskaya, η ποιήτα και ο σύζυγός της Mikhalkov. Αλλά ο Peter Petrovich δεν ήταν καμία σχέση με αυτό, όπως ήταν τουλάχιστον σε κάποιο βαθμό και στο μπαρσκαγιάο σνακ του σπιτιού του - επιβλήθηκε στον σύζυγό του, μια κυρία με έναν δύσκολο χαρακτήρα, το οποίο, που είναι μια κόρη Surikova, κατανοητό Πολύ για τον εαυτό του και εξαιρετικά την αξιοπρέπεια του Konchalovsky. Όταν έγραψα ένα άρθρο, κατόπιν αιτήματός του, για την τελευταία έκθεσή του το 1956, τότε μια σύγχυση στράφηκε με αυτό το άρθρο. Της έδωσα να διαβάσει τον Peter Petrovich. Εγκρίθηκε θερμά της, του άρεσε πραγματικά. Και στη συνέχεια ο Νικολάι Γεωργίβιτς Μασκόφτσεφ ήρθε σε μένα, ο παλιός ιστορικός των Τεχνών και του Εργαζόμενου Μουσείου που εργάστηκε αυτή τη στιγμή στην Ακαδημία Τεχνών και του πρώην μέλους - ο ανταποκριτής αυτής της Ακαδημίας, με μια συγκεχυμένη εμφάνιση, ότι τώρα; Vasilyevna έβαλε "Βέτο" στο άρθρο μου, επειδή είμαι konchalovsky εκεί για κάποια κριτική. Ο Peter Petrovich δεν προσέφερε την προσοχή σε αυτό, και η σύζυγός του δεν επέτρεψε την εκτύπωση αυτής της κριτικής αυτής. Είπα ότι θα το πάρω πίσω, δεν θα το δώσω στον κατάλογο, πώς σας άρεσε σε ελαττωματική φόρμα. Όταν τελικά συναντήθηκα με τον Peter Petrovich, περπάτησε το κεφάλι του, λυπάται πόσο άσχημα αποδείχθηκε. Αλλά τον καθησύχησα, παρηγορή, δήλωσε ότι το είχα ήδη δώσει στο περιοδικό "Τέχνη" και θα τυπωθεί σε αυτή τη μορφή, σε αυτό που το έγραψα. Αλλά κατά τη διάρκεια αυτής της έκθεσης πέθανε, οπότε δεν είδα το άρθρο μου εκτυπωμένο. Και αποδείχθηκε ότι ήταν τόσο επιτυχημένη η οποία της χωρίς γνώσεις μου ανατυπώθηκε, ειδικότερα, στον τεράστιο τόμο της «κληρονομιάς τέχνης konchalovsky» και ακόμη και τοποθετημένος, χωρίς να με ρωτάει ως εισαγωγικό άρθρο. Προφανώς, απάντησε στον προορισμό της. Αλλά όλα; Έτσι, αυτές οι σχέσεις δεν ήταν κοντά, αν και καλό, φιλικό.

Ο Favorsky μου είπε ένα αστείο επεισόδιο που σχετίζεται με το έργο του για το σχεδιασμό του ποίημα της κόρης του Πέτρου Πετρόπου, Ναταλία Πετρόνα Κονχαλόβσκα, «αρχαία πρωτεύουσα». Έπρεπε να πάει στο σπίτι του Konchalovsky για πολύ καιρό: «Η αρχαία πρωτεύουσα» αποτελούσε ολόκληρα τρία βιβλία, έπρεπε να κάνει πολλές απεικονίσεις. Η Natalia Petrovna στους στίχους του συχνά απλά τον αναφέρθηκε: ο καλλιτέχνης θα σας δείξει όλα τα άλλα.

Ενώ εργάστηκαν με τη Ναταλία Petrovnoy, ο Peter Petrovich εισήλθε στο δωμάτιο, κοίταξε το που απομακρυνθεί από τα φύλλα και είπε: «Ποτέ δεν το σκέφτηκα ότι από τον ανόητο μου - η Nataski θα αποδειχθεί ότι;

Από τότε, παρέμεινε "ανόητος - Νατάσα" στο σπίτι μας. Αυτό το όνομα τραύθηκε σταθερά και απελπισία. Όσον αφορά τον Mikhalkov, η συζήτηση θα είναι στη σειρά του γι 'αυτόν όταν πρόκειται για το παιδί, όπου εμφανίστηκε για πρώτη φορά και πού στα μάτια μου αυξήθηκε και αναπτύχθηκε ως επιτυχημένος επίσημος ποιητής της λατρείας της προσωπικότητας.

Άλλα "Bubnovoletti" ήταν πολύ διαφορετικά. LENTULOV - Ήταν μια απομακρυσμένη προσωπικότητα. Έτσι, ήταν δυνατό να φανταστείτε πώς πετάει σε ένα likhache - ένα περιττώματα στον τέλειο προϋπολογισμό της Haul που λέγεται μέχρι το πρωί σε αυτό; Vs "Yar". Ίσως ήταν μια φανταστική, αλλά οδήγησε τον εαυτό του - την ψυχή ενός γύρου, μια ευρεία φύση. Ουσιαστικά, ήταν πολύ σοβαρός και ένας πραγματικός πλοίαρχος, αν και άρχισε να βλέπει πώς θα μπορούσε να δει κανείς στην έκθεση "Μόσχα - Παρίσι" με πολύ βίαια πράγματα, όπου κυβισμός στο μισό και με την κληρονομιά της ρωσικής ζωγραφικής του το XIX αιώνα. Και τα πάντα σε εξαιρετικά βίαιη μορφή σε τεράστιο καμβά. Στην πραγματικότητα, με όλα αυτά ήταν ένας πολύ λεπτός καλλιτέχνης. Ο Lentulov ήταν πολύ φιλικός με το Pimenov και, στην πραγματικότητα, η σχέση μου μαζί του ήταν κυρίως μέσω του Pimenov. Ο άνθρωπος ήταν ευχάριστος, καλός.

Με τον Mashkov, η καλή μου σχέση δεν λειτούργησε. Ήταν πολύ ταλαντούχος. Αλλά από την πρώτη συνάντηση μαζί του άρχισα να διαιρεί πώς ο Κύριος μπορούσε να βάλει το ταλέντο σε τόσο εκατό στρατό, σε ένα τέτοιο απελπιστό ανόητο άνθρωπο. Έχει επηρεάσει εξαιρετικά σαφώς όταν προσπάθησε να αντλήσει ανθρώπινα στοιχεία. Εισήλθε σε AHR και ζωγράφισε ποιοι πρωτοπόροι με δεσμούς στην ακτή της Μαύρης Θάλασσας - ήταν κάτι εντελώς αδύνατο, έχοντας ελαφρώς αποφυγή, τα χυδαία και ανόητα είδη. Και εξακολουθεί να ζει, ωστόσο, έγραψε μεγάλη όλη τη ζωή του. Δεν μπορούσα να συνεργαστώ μαζί του μαζί του. Και όταν δωρίω σε ένα από τα άρθρα μου, το κύριο "πορτραίτο ενός κομματιού", όπου οι συμμετοχές με το Drakel, με τα τουφέκια, με κασέτες και κορδέλες του μηχανήματος απεικονίστηκαν γύρω από ένα υπέροχο, μεγάλο, πολυτελώς γραπτό ficus, σαν να Η φωτογραφία του θώρακα του επαρχιακού φωτογράφου - σαν να έβαλαν τα πρόσωπά τους στις τρύπες της τελικής πλάτης, - ο Mashkov, φυσικά, ήταν εντελώς θερμαινόμενος και η σχέση μας σταμάτησε εντελώς.

Δεν είχα μια σχέση με ένα ακόμα πρώην "Bubnovovotets", Falc. Αλλά θα το πω αργότερα όταν πρόκειται για χρόνια πολέμου - μόνο τότε τον γνώρισα, στην εκκένωση, στη Σαμαρκάντα. Ήταν μια πολύ δυσάρεστη συνάντηση και τον αντιμετωπίζω αρκετά δροσερό - και στην τέχνη του και, ειδικότερα, στο δικό του πρόσωπο. Πολύ αυστηρά, πολύ αλαζονικός, συναδέλφους και εξαιρετικά δυσμενείς άνδρες σε σχέση με τους ανθρώπους.

Όσον αφορά την κοινωνία "4 τέχνες", βρήκα καλούς φίλους εκεί. Αυτό δεν είναι μόνο ο Favorsky, αλλά μετά από αυτόν και ο Ulyanov. Συνάντησα για πρώτη φορά με τον Nikolai Pavlovich Ulyanov, όταν διοργάνωσα την έκθεση γραφικών ήδη στη Μόσχα. Υπήρχε το περίπτερο του, στο οποίο επιλέχθηκαν τα πολύ καλά σχέδια, κυρίως πορτρέτα. Θυμάμαι ότι υπήρχε ένα πορτρέτο του Mashkovtseva, ένα πορτρέτο του EPRO. Από τότε, έχουμε δημιουργήσει όλο και πιο στενές σχέσεις που έχουν περάσει στο τέλος σε μια πολύ σημαντική φιλία για μένα. Συνεχώς περπάτησα σε αυτόν, μου έγραψε γράμματα, αν και και οι δύο ζούσαμε στη Μόσχα. Και στη Σαμαρκάντα, όπου και οι δύο βρισκόμασταν στην εκκένωση, τον είδα σχεδόν κάθε μέρα. Του στην αρχή του πολέμου στάλθηκε στο Nalchik, στη συνέχεια στην Τιφλίδα, μαζί με μια ολόκληρη ομάδα επιφανειακών συγγραφέων, καλλιτεχνών, καλλιτεχνών. (Μαζί, με τον τρόπο, με τον Alexander Borisovich Goveraloror.) Το φθινόπωρο του 1942 μεταφέρθηκαν όλοι στην Κεντρική Ασία, αλλά οι περισσότερες από αυτές οδήγησαν στην Τασκένδη και παρέμεινε στη Σαμαρκάντ.

Είμαι καθημερινά, έρχομαι στο μητρώο, όπου βρίσκεται το Ινστιτούτο Τέχνης της Μόσχας, ήρθε να τον συμβουλευτεί, επειδή η ζωή του στη Σαμαρκάντ ήταν πολύ βαρύ. Τον δόθηκε ένα εντελώς άσχημο, άβολα, ερειπωμένο Khuchra στην αυλή του Shir - Ντόρα, χωρίς έπιπλα. Και έφερε τη θάνατο σύζυγο από τον Καύκασο, που βρίσκεται χωρίς κίνηση. Πέθανε εκεί στη Σαμαρκάντα.

Ο Nikolai Pavlovich Ulyanov, και μετά το θάνατό του, η δεύτερη σύζυγός του βέρα Evgenievna έδωσε στον πατέρα μου πολλά έργα πρώτης τάξης Ulyanovsk έργα: πορτρέτο του Vyacheslav Ivanova, ακουαρέλα "didro στην Catherine", ένα από τα καλύτερα σχέδια του Pushkin, - σκίτσα των κοστουμιών "MODVER" και ένας αριθμός άλλων. Εμείς και η σπάνια δουλειά αποθηκεύουμε - το τοπίο του αποθανόντος του στη Σαμαρκάντα \u200b\u200bτης πρώτης συζύγου του καλλιτέχνη Glagoleva. Με ένα μεγάλο πράγμα Ulyanov "μοντέλο και άλογο Silele" συνδέεται με μια ολόκληρη ιστορία. Αυτό το στοιχείο του νέου Ulyanov έγραψε στηνεία του βοηθού του Serov στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτά και Αρχιτεκτονική, - ήταν μια κατάρτιση "παραγωγή", η οποία ο Serov πρότεινε στους μαθητές του. Επιστρέφοντας από την εκκένωση στη Μόσχα, ο Ulyanov διαπίστωσε ότι αυτός ο καμβάς απομακρύνθηκε από το υποπλαίσιο των χρησιμοποιήσεων των γειτόνων, έχοντας κέρδισε το καλάθι αποθήκευσης πατάτας τους. Η εικόνα ήταν μια μαύρη ραγισμένη Com, στην οποία δύσκολα θα μπορούσε να είναι αυτό; Στη συνέχεια διακρίνει. Ο Ulyanov του έδωσε τον πατέρα του, λέει πολύ: αν μπορείτε να αποθηκεύσετε, αφήστε τον εαυτό σας. Ο πατέρας έδωσε τον καμβά με έναν υπέροχο εστιατόριο GM II Stepan Churakov, και έσωσε; Έτσι δουλέψτε! Η αντιγραφή σε ένα νέο καμβά, εξαφανισμένα - ίχνη αποκατάστασης είναι σχεδόν ορατά, και το "μοντέλο και το άλογο είναι ισχυρό", λάμπει με όλη του την πραγματική ζωγραφική "Serovskaya", τώρα ο αστερισμός κρέμεται πάνω από τον καναπέ του πατέρα στο γραφείο του.

Από την ίδια ομάδα των "4 Τέχνης", υπήρχαν άλλοι άνθρωποι κοντά μου, όπως η Vera Ignatievna Mukhin, ένας θαυμάσιος γλύπτης και ένας άνθρωπος υπέροχης, εξαιρετικής δύναμης, εξουσίας και ενέργειας, απόλυτης ανεξαρτησίας, με έναν ασυνήθιστα μεγάλο ειλικρινούς κόσμο και ένα μεγάλο ειλικριτικό μυαλό. Χύθηκε στο μεγάλο μνημειακό πλαστικό, και σε λυρικά πράγματα - η διάσημη ομάδα, που έγινε για την έκθεση στο Παρίσι το 1937, συνοδεύτηκε από τέτοια έργα ως "ψωμί", ένα από τα πιο ποιητικά και απαλά γλυπτά, τα οποία γενικά Σοβιετική τέχνη. Ήταν και θαυμάσιο πορτρέτο.

Από την ίδια κοινωνία, στην πραγματικότητα, ήταν η Sarah Dmitrievna Lebedev, πότε; Τότε η πρώην σύζυγος του Βλαντιμίρ Βασιλέβου Λεμπέεφ, ένας από τους πιο λεπτούς γλύπτες, αυτό που είχαμε, και το αξιολάτρευτο πρόσωπο, πολύ συγκρατημένο, πολύ σιωπηλό, πολύ ήρεμο και με τι Τότε μια εντυπωσιακή, επιδεινούμενη αίσθηση χαρακτήρα και κίνησης στην τέχνη τους. Ό, τι κι αν κάνει, αν είναι ένα μεγάλο άγαλμα του "κοριτσιού με μια πεταλούδα", ένα από τα καλύτερα έργα της, είτε πορτραίτα, όπως, για παράδειγμα, ένα πορτρέτο σε πλήρη ανάπτυξη, αν και μικροσκοπικό μέγεθος, tatlin, με τα μαγειρεμένα πόδια του , Long Horsepie Physiognomomy - ήταν ασυνήθιστα σημαντική και σπάνια ταλαντούχα. Η συνάντηση με τη Sarah Lebedeva και η καλή σχέση μαζί της είναι επίσης μια από τις πολύ ακριβές αναμνήσεις για μένα.

Πολύ καλή σχέση, αν και η εγγύτητα μιας ειδικής ψυχικής δεν έχει συμβεί ποτέ, έχω σχηματίσει με το Pavel Bartholomeyevich Kuznetsov, ένα άτομο είναι πολύ εφησυχασμένο, λίγο κατοικία. Ωστόσο, ίσως ήταν μια μορφή συμπεριφοράς για την οποία κρύβονταν τι; Τότε περισσότερο. Ο Pokreyanov αυτός, ωστόσο, που ονομάζεται πολύ καλά λόγια: "Μια σφραγίδα που προσπαθεί να προσποιηθεί ότι είναι λιοντάρι". Ίσως αυτό αντιστοιχούσε στον χαρακτήρα του.

Ήταν πολύ απλή και εκδηλώθηκε σε διάφορες μορφές. Για παράδειγμα, μια μέρα στην αίθουσα, όπου είδα χαρακτικά και τα χαρακτικά του Nivinsky, Kravchenko και της αιθμαμπί άλλων γραφημάτων, ξαφνικά είναι ο Kuznetsov, ο καμβάς που σέρνει από έναν από τους μαθητές του - άμορφο, εντελώς γραφικό. Και όταν λέω με έκπληξη: "Λοιπόν, πού είμαι ο Denu;", Pavel Varfolomeevich απαντά: "Αλλά αυτό είναι ένα τέλειο πρόγραμμα!" Τίποτα λιγότερο παρόμοιο με το πρόγραμμα δεν μπορούσε να βρει. Ήταν πολύ προσεκτικός για τους μαθητές του. Αυτός ο καμβάς ήταν, παρεμπιπτόντως, ο Davidovich, ο οποίος πέθανε στην πολιτοφυλακή κατά τη διάρκεια του πολέμου. Αλλά δεν ήμουν σχεδόν εξοικειωμένος μαζί του.

Ενώ εργάζεστε στο Λένινγκραντ, έπρεπε να δειπνήσουμε από το Pavl Barfolomeyevich, μερικές φορές στο ρωσικό μουσείο. Τρέφονται εκεί αηδιαστικό, αλλά τίποτα δεν μπορούσε να γίνει - δεν ήταν πάντα δυνατό να συνταξιοδοτηθεί στο ξενοδοχείο "Ευρωπαϊκό" ή στο σπίτι των επιστημόνων. Θυμάμαι, απλά κάθισαμε με τον Pavel Bartholomeyevich, και αυτός από τη σούπα, την οποία κατέθεσε, έβγαλε μια μακρά ουρά ψαριών. Κάλεσε μια σερβιτόρα και την ρώτησε πολύ ήρεμα: "Τι έκανες, αυτί ή σούπα"; Είπε: "Σούπα". Τότε της έδειξε μια ουρά ψαριών, στη μεγάλη αμηχανία της. Μου άρεσε πραγματικά το σοβαρό του ενδιαφέρον να ανακαλύψει τι, στην πραγματικότητα, τον κατατέθηκε.

Ήταν πολύ ευχάριστο για μένα. Η συνάντησή μας μαζί του στο Gurzuf στις αρχές της δεκαετίας του '50, όταν άρχισε να γράφει το πορτρέτο μου. Μου πρότεινε αρκετές φορές στη Μόσχα αρκετές φορές, αλλά στη Μόσχα δεν είχα χρόνο να θέσω, και στο Gurzuf δεν θα έπρεπε να αρνηθώ τις προβλέψεις. Κάθισε στην κορυφή της εξοχικής κατοικίας Korovinsky στο φόντο της θάλασσας και έγραψε ένα τεράστιο φωτεινό κόκκινο κεφάλι, παρόμοιο με τα μεγάλα μεγέθη της ντομάτας στο φόντο μιας εκθαμβωτικής γαλάζιας θάλασσας. Έγραψε αυτό το πορτρέτο με μεγάλη ευχαρίστηση, και είμαι τρομερά λυπάμαι που είναι πού; Τότε έριξε. Πρόσφατα, όμως, μου είπαν ότι μετά το θάνατο του Kuznetsov και της συζύγου του (δεν είχαν παιδιά) όλα όσα παρέμειναν στο εργαστήριο, πήγαν στο Saratov, στο μουσείο Radishvsky. Μπορεί πολύ που πήρε το πορτρέτο μου εκεί. Ομοιότητες εκεί, ίσως, δεν ήταν πάρα πολύ, αλλά η ίδια η μνήμη είναι απλά ευχάριστη. Τον βλέπω επίσης, καθώς κάθεται και με μεγάλη χαρά γράφει αυτή την πιο αντίθεση με φωτεινό χρώμα με φωτεινό μπλε. Αλλά, η αλήθεια είναι να πούμε, ήταν δύσκολο να καθίσετε, επειδή η σύζυγός του Bebutov, επίσης ένας καλλιτέχνης, αποφάσισε να με διασκεδάσει για να διασκεδάσουν επιστήμονες. Συζητήσεις, με όλες τις προσπάθειές της για την υποτροφία, υπήρχαν τέτοιες που μόλις κράτησα μόλις μόλις το γέλιο. Και αυτή ήταν ένα άτομο σε καλό και αθώο.

Με το Kuznetsov, μια στενή φιλία δύσκολα θα μπορούσε να λειτουργήσει - είμαστε πραγματικά διαφορετικοί άνθρωποι. Αλλά τον θυμάμαι με μεγάλη σεβασμό. Και ο καλλιτέχνης είναι πολύ καλός, ο οποίος έδειξε την πρόσφατη έκθεση του μαζί με τον Matveyev.

Αλλά ο Matveyev, γνωριμία μαζί του, το οποίο πέρασε σε πολύ καλές σχέσεις, ήταν ένα από τα σημαντικότερα "επιτεύγματά μου". Ο άνθρωπος ήταν πολύ πρύμνη, πολύ σιωπηλός, πολύ διακριτικός, κλειστό, αργά και ελάχιστα εργάστηκε, που οδήγησε το έργο του εδώ και πολλά χρόνια. Μετά από αυτόν, δεν υπάρχουν πολλά πράγματα, αλλά είναι υπέροχα.

Σε αυτή τη φορά, το αργότερο μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του '30, συναντήθηκα το Saryan. Αυτό είναι ένα από τα πολύ σημαντικά γεγονότα στην καλλιτεχνική μου βιογραφία. Πότε και πού τον γνώρισα, δεν θυμάμαι καθόλου, γιατί στο μουσείο δεν έφτασε σε μένα, επειδή κανένα γραφικό δεν έκανε, και στις εκθέσεις που κανονίσα, δεν συμμετείχαν. Και στο Λένινγκραντ το 1932 ο ίδιος δεν ήταν. Υπήρχε το τείχος του, μάλλον τυχαίο στη σύνθεσή του, γενικά δεν ανταποκρίνεται στο επίπεδο και το νόημά του, αν και όμορφο. Αλλά σε σύγκριση με τα τρία άλλα, τα λαμπρά τοίχους της ίδιας αίθουσας - Petrova - Vodkina, Shevchenko και Kuznetsov, φαινόταν πιο μέτρια, αν και στα αποτελέσματα του δημιουργικού του μονοπατιού ξεπέρασε και τα τρία σε πολλά κεφάλια. Έγραψα γι 'αυτόν πολύ διευθυντικό, απλά ένα ενθουσιώδες άρθρο το 1936, ήδη γνωρίζω και αυτό το άρθρο σημείωσε την έναρξη μιας σταθερής φιλίας, η οποία διατηρήθηκε μέχρι το τέλος της ζωής του Saryan. Με την ευκαιρία, αυτό το άρθρο στην "λογοτεχνική εφημερίδα" του 1936 προκάλεσε πολύ μεγάλη δυσαρέσκεια του Κεμμένι, ο οποίος τότε, όπως και εγώ, κρεμούσαν την "λογοτεχνική εφημερίδα" ως κριτική. Έχουμε εκτυπώσει μαζί του σχεδόν με τη σειρά του, στέκεται σε διαμετρικά αντίθετες θέσεις και πολύ να μην εγκρίνει ο ένας τον άλλον.

Μετά τον πόλεμο, είδα συχνά Saryan - κάθε φορά που ήταν στη Μόσχα. Έγραψα γι 'αυτό αρκετές φορές αργότερα, ήδη στη δεκαετία του '60 και αργότερα. Ο Saryan δεν έχει τίποτα να περιγράψει - όλοι τον ξέρουν, αλλά πάντα έκπληκτα τι είδους παιδική ηλικία αυτού του ανθρώπου, ανοικτό, αθώο θαυμασμό του για την ομορφιά του πραγματικού κόσμου, άπειρη καλή φύση του απέναντι στους ανθρώπους, αν και ήταν εξαιρετικά έμπειρος, που τον αναφέρεται. Το 1952, ο Μπόρις Weimarn ενήργησε τη συζήτηση της έκθεσης επετείου με ασυνήθιστα καταστραφεί Tirades, πολύ αγανακτιστερό στην αμερικανική κριτική επιτροπή, η οποία πήρε τους φρικτούς πίνακες του Saryan στην έκθεση. Στη συνέχεια, σε πέντε χρόνια, σε μόλις πέντε, αυτές οι πολύ εικόνες παραδόθηκαν στο βραβείο Saryan Leninsky, έτσι ώστε ο Waymorn κέρδισε μόνο το γεγονός ότι ο Saryan δεν εκφράστηκε στο τέλος των ημερών του διαφορετικά, όπως "αυτό το Merzavets Weimarn". Και αυτό είναι με όλη την καλοσύνη και την ηλιοφάνεια του, η οποία δεν ήταν μόνο στη ζωγραφική του Saryan, αλλά σε όλη τη συμπεριφορά του, σε ολόκληρη την εμφάνισή του - την προσωποποίηση του ήλιου και τον ήλιο της Αρμενίας. Αυτός είναι ένας πολύ ιδιαίτερος ήλιος. Μία από τις πιο όμορφες χώρες, που είναι στη Γη, - Αρμενία. Το έμαθα στα μεταπολεμικά χρόνια όταν ήταν εκεί δύο φορές.

Θυμάμαι καλά πώς ο πατέρας μου και εγώ ήμασταν στο Saryan στο εργαστήριό του στο Ερεβάν στην οδό Saryan, καθώς μας έδειξε το έργο του - και νωρίς και πολύ πρόσφατα έκαναν πολύ τραγικά και ισχυρά σχέδια μηχανής. Από τη θερμότητα του Πατέρα, άρχισε η ισχυρότερη ρινική αιμορραγία, "Saryan ήταν τρομερά φθαρμένο, έβαλε τον πατέρα του στον καναπέ, τον φροντίζει με επαφή με την προσοχή. Ήταν ήδη πολύ παλιά και παρόλο που ήταν ακόμα φωτεινό, πολύ λυπηρό, - λίγο πριν, σε ένα αυτοκινητιστικό ατύχημα, ο γιος του πέθανε .

Ο Γκόγκολ και οι καλλιτέχνες είναι ευχαριστημένοι με έναν συγγραφέα ο οποίος πέρα \u200b\u200bαπό τους χαρακτήρες του βαρετή, δυσάρεστη, εντυπωσιακή την πραγματικότητά του, πλησιάζει τους χαρακτήρες, που είναι η υψηλή αξιοπρέπεια του ατόμου ... Gogol, "Νεκρά Ψυχές" για τους απογόνους της σύνδεσης του Gogol Ο Ivanov διατηρείται

Οι καλλιτέχνες και οι γλύπτες είναι καλλιτέχνες, των οποίων τα έργα είμαι ενθουσιασμένος τώρα, αλλά από πολλά έργα καλλιτεχνών έμαθα να θαυμάζω τη νεολαία. Το μεγαλύτερο μέρος όλων αγαπώ τους ιμπρεσιονιστές. Cezann θεός για μένα. Αφήνει πάντα την έκθεση της φαντασίας. Είναι αρκετός

Καλλιτέχνες για πρώτη φορά με τους καλλιτέχνες της "παγκόσμιας τέχνης" που συναντήθηκαν το 1904. Ένας από τους υπαλλήλους του "νέου τρόπου" και ένας στενός φίλος του Α. Ν. Μπενουά με πήρε τη δημοσιογραφία σε αυτόν τον ηγέτη και τους απολογικούς δασμούς της Πετρούπολης. Στη συνέχεια, έμαθα ότι οι καλλιτέχνες με κοίταξαν εκείνη την εποχή

Οι καλλιτέχνες ζωγραφισμένες βούρτσα παντού βρίσκουν μονοπάτια. Και, στην αποπλάνηση του πολιστωμένου των θέσεων, άγνωστους καλλιτέχνες στην Ευρώπη γράφουν χρώματα στις ζοφερές γέφυρες. Κάτω από τα πέλματα της εποχής περπατήματος, οι πίνακες κοιμούνται, χαμογελώντας και οι πέψη. Αλλά εκείνοι που είναι καλοί, και εκείνοι που κακοί, εξαφανίζονται μετά την πρώτη

Οι καλλιτέχνες του Yakov Vinovetsky, που είναι ο ίδιος ο καλλιτέχνης, αν και όχι επαγγελματίας, με εισήγαγε δύο ακόμα - όχι μόνο με τους επαγγελματίες, αλλά πρωταθλητές, οι ήρωες, οι ήρωες της περίπτωσής του, οι οποίοι, παρά το σούπερ μάρκετ και το πρωτάθλημα της,

Οι καλλιτέχνες στο Παρίσι ζουν Konstantin Korovin. Πόσες σκέψεις σχετικά με τη ρωσική εθνική ζωγραφική συνδέονται με αυτό το όνομα. Πολλοί θυμόμαστε ως το όνομα του μαγευτικού διακοσμητή, την εκπλήρωση μιας μεγάλης ποικιλίας θεατρικών καθηκόντων. Αλλά αυτό είναι μόνο μέρος της οντότητας της αγελάδας.

Μεξικανοί καλλιτέχνες στην πνευματική ζωή του Μεξικού κυριαρχείται από καλλιτέχνες. Αυτοί οι καλλιτέχνες ζωγράφισαν ολόκληρη την πόλη της πόλης του Μεξικού με ιστορίες από την ιστορία και τη γεωγραφία, εικόνες σε πολιτικά θέματα, στα οποία ακουγόταν η μέταλλα διαμάχη. Clememate - Αυτοί ο orostoko, κοκαλιάρικο

Καλλιτέχνες στο μουσείο Έναρξη της χρονολόγησης με καλλιτέχνες - Επισκέπτες του Υπουργικού Συμβουλίου Χαρακτικής. Rodionov, Favorsky, Sterberg, Goncharov, Kreyhanov, Shevchenko, Bruni, Tatley την έναρξη της εμφάνισης αυτών των πάντα ευρύτερων συνδέσεων ριζωμένη στο Μουσείο Τέχνης - Από τότε

Οι καλλιτέχνες στον πατέρα μου Βλαντιμίρ στο ναό ήταν μια άλλη επισκευή, πλύθηκε ζωγραφική και ζωγραφισμένες οροφές. Η εκκλησία στο Losinka δεν είναι αρχαία, χτισμένη το 1918. Πριν από την επανάσταση, οι τοίχοι του δεν είχαν χρόνο, και στη συνέχεια δεν ήταν η ομορφιά. Έτσι ο πατέρας μου, να γίνει ο ηγούμενος, αποφάσισε

Καλλιτέχνες "Αντιολισθητικοί" Περισσότεροι από 70χρονες (1917-1991) πρακτική της λεγόμενης "σκληρής, ασυμβίβαστης" καταπολέμησης εναντίον πολιτικού αντίπαλου, αντιφρασμένες, αντιφρονούντες δεν είναι εκατό ανοικτές ή μυστικές conspira Λειτουργίες κόμματος με αυτή την κατηγορία

Καλλιτέχνες Αγαπητέ Oleg Leonidovich! Ένας τοπικός καλλιτεχνικός κριτικός έχει μια βιασύνη με ρωτάει, πώς οι καλλιτέχνες ζουν στη Μόσχα και ποια είναι τα πραγματικά κέρδη τους; Δεν έχω αυτά τα δεδομένα. Έχουμε ακούσει ότι οι συγγραφείς κερδίζουν καλά και τα ετήσια τέλη του Tolstoy και του Sholokhov

Οι καλλιτέχνες ως όμορφοι τρελός δίνουμε ένα φόρο τιμής στο Σεργκέι Schukin και το Ivan Morozov όχι μόνο για τη συγκέντρωσή τους, αλλά και για μια έγκυρη γεύση, για την ικανότητα να μαντέψουν το επόμενο κύμα της καλλιτεχνικής διαδικασίας. Και ήταν μακριά από εύκολο. Οπως σημειώθηκε

Καλλιτέχνες ενδιαφέρον για την τέχνη κοντά στο Gogol με την αποικία των ρωσικών καλλιτεχνών στη Ρώμη. Διακόπτουν μια φιλική εταιρεία, διακόπτοντας τις μέτριες επιδοτήσεις που εκδίδει η Ακαδημία Τεχνών. Μεταξύ αυτών ήταν εξαιρετικά ταλέντα που έγιναν υπερηφάνεια της ρωσικής τέχνης. Gogol N.

Καλλιτέχνες Irina Graca, καλλιτέχνης (Εσθονία) "Αυτό το πορτρέτο τοποθετείται στο εξώφυλλο του ρεκόρ" Αναπαραγωγή των έργων ζωγραφικής της Irina Faces από το αρχείο της Άννας Hermann, 1977 Η καλωδίωση του έργου αυτού του καλλιτέχνη του Ταλίν Γνωρίζει πολλούς: διακοσμεί το κάλυμμα από ένα από τα πιο διάσημα αρχεία

Στη δεκαετία του '20 Ορισμένες καλλιτεχνικές κατευθύνσεις διατηρούνται συνέχεια με την τέχνη της ρωσικής

Σύγχρονη και πρωτοποριακή - κυρίως λόγω του γεγονότος ότι οι δάσκαλοι των αρχών του αιώνα συνέχισαν να εργάζονται. Από την άλλη πλευρά, οι λειτουργίες της τέχνης στην κοινωνία έχουν γίνει πιο διαφορετικές. Υπήρχαν νέοι τύποι καλλιτεχνικών δραστηριοτήτων: κινηματογράφος, διαφήμιση, σχεδιασμός.

Οι ενεργές διαφορές που διεξήχθησαν "Στάννκοβιτς" (υποστηρικτές των μορφών τέχνης της μηχανής) και "παραγωγή" ή οι κονσερβοποιητοί, των οποίων οι δραστηριότητες αποσκοπούσαν στη βελτίωση του αντικειμενικού περιβάλλοντος. Η αρχή του κονσερβοποιητικού κινήματος συνδέεται με την κοινωνία της Μόσχας των νέων καλλιτεχνών (Obamuh), η οποία διοργανώθηκε το 1919. Konstantin (Kazimir Konstantinovich) Medussky (1899-1935) και αδελφοί Stenbergi - Vladimir Augustusich (1899-1982) και Georgy Augustovich (1900-1933). Στις εκθέσεις, οι καλλιτέχνες έδειξαν κυρίως τρισδιάστατα σχέδια - στο διάστημα και στο αεροπλάνο. Εάν στις υπερεκτιακές συνθέσεις του Καζιμίρ Μαλεβιδίου, η μεγαλύτερη αξία ήταν το πιο γραφικό συναίσθημα, τότε τα έργα του Obamuchi ανήκαν στην περιοχή του σχεδιασμού. Εφαρμόστηκαν εύκολα στο σχεδιασμό της απόδοσης ή το βιβλίο, στην αφίσα και όταν η φωτογραφία.

El Lisitsky (πραγματικό όνομα Lazar Markovich Lisitsky, 1890-1941) κάλεσε τα έργα του "Poduna" - "Έργα Έγκριση των νέων". Σύμφωνα με τον συγγραφέα, αντιπροσώπευαν έναν «σταθμό μεταμόσχευσης από τη ζωγραφική στην αρχιτεκτονική». Alexander Mikhailovich Rodchenko (1891 -1956) "Σχεδιασμένα" βιβλία δημιούργησαν αφίσες διαφήμισης, σχεδιασμένα έπιπλα και ρούχα, που ασχολούνται με τη φωτογραφία.

Για την προετοιμασία καλλιτεχνών - μηχανικών και σχεδιαστών ικανός να σχεδιάζουν βιομηχανικά προϊόντα, το 1920, δημιουργήθηκαν τα υψηλότερα καλλιτεχνικά εργαστήρια (Vhutemas) στη Μόσχα. Τα εργαστήρια Ενωμένοι Σχολές: Αρχιτεκτονικά, Γραφικά (εκτύπωση και τυπωμένα γραφικά), μεταλλική επεξεργασία, ξύλο, γραφικό, κεραμικό, γλυπτό και κλωστοϋφαντουργία. Για τα πρώτα δύο χρόνια, οι φοιτητές έπρεπε να κατανοήσουν τους νόμους του σχηματισμού κοινές στην τέχνη και στη συνέχεια η εξειδίκευση υποτίθεται σε οποιαδήποτε σχολή.

Το 1926, η Μόσχα Vhutemas μετατράπηκε σε Vhutein - την Ανώτατη Τέχνη και το Τεχνικό Ινστιτούτο. (Από το 1922, η Vhutein υπήρχε ήδη στο Λένινγκραντ αντί της Ακαδημίας Τεχνών.) Το 1930, ο Vhutein έκλεισε, οι σχολές του έγιναν ξεχωριστά ιδρύματα - εκτύπωση, κλωστοϋφαντουργία κ.λπ.

Όσον αφορά τη ζωγραφική, ήδη στη δεκαετία του '20. Οι κριτικοί γιόρτασαν τη "στροφή στον ρεαλισμό". Κάτω από τον ρεαλισμό, εννοούσαν κυρίως το ενδιαφέρον για την εικαστικότητα (σε αντίθεση με την αφαίρεση), σε μια κλασική γραφική παράδοση. Η έκκληση προς τα κλασικά μπορεί να εξηγηθεί από τις απαιτήσεις της ιδεολογίας: η τέχνη του Σοβιετικού κράτους κλήθηκε να χρησιμοποιήσει τα καλύτερα επιτεύγματα της παγκόσμιας κουλτούρας. Προσδιόρισε την αναζήτηση για σαφείς και σαφείς μορφές "μεγάλου στυλ".

Η Ένωση Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας (AHRR), που ιδρύθηκε το 1922 (από το 1928 - η Ένωση Καλλιτεχνών της Επανάστασης, AHR), δέχτηκε εν μέρει τη Μπατόν στην ταινία. Η ίδια η συνεργασία των εκθέσεων κινητής τέχνης έπαυσε ένα χρόνο αργότερα, και πολλές ταινίες - μεταξύ τους, ειδικότερα, ήταν ο Abram Efremovich Arkpov, Nikolai Alekseevich Kasatkin - έγινε μέλη της Αχρά. Σε διαφορετικές χρονικές στιγμές, ο Σεργκέι ΒΑΣΙΛΗΕΒΗ ΜΑΛΥΤΕΙΝ (1859-1937), Αλέξανδρος Μικχαιλόφ Άλλοι καλλιτέχνες.

Αυτοί οι δάσκαλοι ενέκρινε τον συνολικό ιδεολογικό προσανατολισμό. Επίσης επέμειναν στη δημιουργία της αφήγησης τέχνης, του είδους, το οποίο θα ήταν σαφές στους ανθρώπους και ειλικρινά αντανακλούσε την πραγματικότητα. Ο Σύνδεσμος δημοσίευσε το περιοδικό "Τέχνη σε Massay" και οδήγησε ενεργές δραστηριότητες δραστηριότητας.

Τα ονόματα των εκθέσεων μιλούν για το θέμα των έργων των καλλιτεχνών της Αχρά: "Ζωή και ζωή των εργαζομένων" (1922), "Κόκκινος Στρατός" (1923), "Επανάσταση, Ζωή και Εργασία" (1925) κλπ. Η δημιουργικότητά του καθόρισαν τις έννοιες του «καλλιτεχνικού ντοκιμαντέρ» και του «ηρωικού ρεαλισμού», λαμβάνοντας υπόψη τη ζωγραφική ως ιστορικά στοιχεία ως το χρονικό της εποχής.

Σε αυτό το πνεύμα, ο καμβάς του Grekov για τα θέματα του εμφυλίου πολέμου, οι πίνακες "Vladimir ilyich Lenin στο Smolny" (1930) του Brodsky, "Πορτρέτο του Δ. Α. Furmanova" (1922) Malyutina. Ο Σύνδεσμος υπήρχε μέχρι το 1932.

Το 1925, οι απόφοιτοι του εργαστηρίου του David Petrovich Sterönberg (1881 - 1948) στο Vhutemas σχημάτισαν την κοινωνία των Στάνκοβιτς (OST). Ενωτούν ως υποστηρικτές της μηχανικής τέχνης - σε αντίθεση με την "παραγωγή". Παρ 'όλα αυτά, το έργο των coolests δεν μπορεί να ληφθεί υπόψη με μηχανήματα με την αυστηρή έννοια της λέξης. Τα μέλη της OST ασχολούνταν με μνημειακή ζωγραφική και μια αφίσα, διακοσμημένα βιβλία, θεατρικές παραγωγές.

Ο Alexander Aleksandrovich Daenek (1899-1969) αρχικά εργάστηκε ως πρόγραμμα καφέ, ο V. A. Favorsky πραγματοποιήθηκε και αργότερα κατάφερε να «διανείμει» τις αρχές του σχεδιασμού ενός βιβλίου (περιοδικό) για το σχεδιασμό του τοίχου. Στους μνημειώδεις διακοσμητικές ζωγραφιές του 1928. "Στο εργοτάξιο των νέων εργαστηρίων" και η "υπεράσπιση του Πετρουργάτου", ο καλλιτέχνης διανέμει, το "Mounts" Light και Dark Spots, φαίνεται να κόβουν και να επικολλάμε ο ένας στον άλλο. Το λευκό φόντο της υπεράσπισης του Petrograd στην αίθουσα της κρατικής γκαλερί Tretyakov συγχωνεύεται με τον τοίχο, πηγαίνει σε αυτήν, και μόνο η ραχοκοκαλιά "μέταλλο" παραμένει.

Η σύνθεση του Γιούρι Ivanovich Pimenova (1903-1977) "Ας δώσουμε μια βαριά βιομηχανία!" (1927) Υπάρχει σε δύο εκδόσεις - μια εικόνα και αφίσα, και στην τελευταία περίπτωση είναι πιο βιολογική.

Οι καλλιτέχνες παραμένουν συμμετείχαν σε διεθνείς εκθέσεις, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που πραγματοποιήθηκαν στη Γερμανία. Η επιρροή της γερμανικής τέχνης - του εξπρεσιονισμού και της "νέας ουσίας" - τα γραφικά και γραφικά έργα του Αλεξάνδρου Γρηγορίουφ του Tyshler (1898-1980), Alexander Arkadyevich Labasa (1900-1983) και άλλοι καλλιτέχνες.

Το 1931, η Εταιρεία Στάνκοβιτς χωρίζεται σε δύο ενώσεις - το OST και το "Isorbard", και το 1932 σταμάτησαν την ύπαρξή τους.

Στις 20-30. Τα γραφικά έχουν γίνει όλο και πιο σημαντική: εικονογράφηση βιβλίου, σχέδιο, χαρακτική - τέχνη που έχει σχεδιαστεί για αναπαραγωγή, προσιτές μάζες απευθείας αντιμετωπίζουν τον άνθρωπο. Εξαιρετικοί καλλιτέχνες-εικονογράφοι Alexey Ilyich

Kravchenko (1889-1940) και Vladimir Andreevich Favorsky (1886-1964) εργάστηκε κυρίως στην τεχνική της ξυλογραφίας - χαρακτικά στο δέντρο. Ο Favorsky ήταν δάσκαλος του Vhutemas-Vhutein και από το 1930 - ινστιτούτο εκτύπωσης της Μόσχας. Επιδίωξε τον συνθετικό σχεδιασμό του βιβλίου, όταν όλα τα στοιχεία της τέχνης είναι εικονογραφήσεις, screensavers και γραμματοσειρές - συνθέτουν ένα ενιαίο εικονιστικό στιλιστικό σύνολο. Εφαρμόζοντας το βιβλίο των παιδιών αφιερωμένο στη δημιουργικότητά τους Βλαντιμίρ Μικχαωτογραφία Konashevich (1888-1963) και Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891 - 1967). Το 1932, δημοσιεύθηκε διάταγμα σχετικά με την διακοπή όλων των καλλιτεχνικών ομάδων και τη δημιουργία μιας ενιαίας ένωσης καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ. Τώρα μόνο το κράτος θα μπορούσε να κάνει παραγγελίες, να κανονίσει θεματικές εκθέσεις μεγάλης κλίμακας αφιερωμένες στη βιομηχανία του σοσιαλισμού. Έστειλε καλλιτέχνες να γράψουν όλες τις κατασκευές και τα πορτρέτα της ένωσης των τυμπανών της παραγωγής.

Οι επικριτές και οι ερευνητές θεωρούν την τέχνη της δεκαετίας του '30. Ως μια περίοδο νεοκλασικού. Το κλασικό υποστηρίζεται, χρησιμοποιήθηκε ενεργά. Χόμπει τα δείγματα τέχνης των προηγούμενων χρόνων άνθισης, ενώ η ανεξάρτητη μελέτη της φύσης μετακόμισε στο παρασκήνιο.

Οι πιο διάσημοι δάσκαλοι του σοσιαλιστικού ρεαλισμού των 30 ετών. Πρώην Akhrovtsy A. M. Gerasimov και B. V. Johanson. Gerasimov στα πορτρέτα της παρέλασης του 1938 "Ι. Β. Στάλιν και Κ. Ε. Voroshilov στο Κρεμλίνο, "" Πορτρέτο μιας μπαλαρίνας Ο. V. Lepheshinsky "φτάνει σχεδόν σε φωτογραφικό αποτέλεσμα. Το έργο του Johanson "ανάκριση των κομμουνιστών" (1933) και "στο παλιό εργοστάσιο ουρλημάτων" (1937) συνεχίζει την παράδοση του κινητού τηλεφώνου. Ο καλλιτέχνης μερικές φορές "τους αποσυνδέει" σε μερικές φωτογραφίες.

"Για τον εαυτό σας", δηλαδή, πολλοί καλλιτέχνες εργάστηκαν εκτός των κανόνων του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. Μεταξύ αυτών, ο Alexander Davydovich Tree (Trevets, 1889-1938) και ο Mikhail Xenofontovich Sokolov (1885-1947), ο οποίος σε οικεία αίθουσα λειτουργεί με έναν ορισμένο κύκλο ωραίων θεμάτων. Και οι δύο δάσκαλοι κατά τη διάρκεια των χρόνων της τρομοκρατίας του Στάλιν καταπατούσαν.

Από την αρχή της δεκαετίας του '40. Πίεση στους καλλιτέχνες από την αρχή εντατικοποιήθηκαν. Το Μουσείο της Νέας Δυτικής Τέχνης έκλεισε, όπου εκτέθηκαν τα έργα των ιμπρεσιονιστών - τα χωράφια της Cesanna, Henri Matisse, άλλων δασκάλων του δεύτερου μισού του XIX - πρώιμη XX αιώνα.

Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού πολέμου 1941 - 1945. Τα μαζικά αναπαραγωγικά γραφικά έλαβαν τη μεγαλύτερη ανάπτυξη και πάνω απ 'όλα αφίσα.

S. Gerasimov "συλλογικές αγροτικές διακοπές"

Γνωρίζοντας τα έργα των Σοβιετικών Καλών Τεχνών, παρατηρήστε αμέσως ότι είναι πολύ διαφορετική από την προηγούμενη περίοδο στην ιστορία της τέχνης. Αυτή η διαφορά είναι ότι όλη η σοβιετική τέχνη διαπεράστηκε με τη σοβιετική ιδεολογία και προοριζόταν να είναι ένας οδηγός όλων των ιδεών και λύσεων του Σοβιετικού Κράτους και του Κομμουνιστικού Κόμματος, ως ηγεσία της Σοβιετικής Εταιρείας. Εάν στην τέχνη της 19ης - αρχές του 20ού αιώνα, οι καλλιτέχνες επικρίθηκαν σοβαρά από την υπάρχουσα εγκυρότητα, τότε στη σοβιετική περίοδο τέτοιων έργων ήταν απαράδεκτα. Το κόκκινο νήμα μέσω της Σοβιετικής Τέχνης επισυνάπτεται από την Πάφο στην κατασκευή ενός σοσιαλιστικού κράτους. Τώρα, 25 χρόνια μετά την κατάρρευση της ΕΣΣΔ, το ενδιαφέρον από το κοινό είναι ανυψωμένο στη σοβιετική τέχνη, ειδικά γίνεται ενδιαφέρον για τους νέους. Ναι, και πιο παλαιότερη γενιά πολλά επανεξετάσματα στην προηγούμενη ιστορία της χώρας μας και ενδιαφέρεται επίσης για φαινομενικά πολύ γνωστά έργα σοβιετικής ζωγραφικής, γλυπτών, αρχιτεκτονικής.

Η τέχνη της περιόδου της επανάστασης του Οκτωβρίου, ο εμφύλιος πόλεμος και η δεκαετία του '70.

Κατά τα πρώτα χρόνια μετά την επανάσταση και κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου, έπαιξε ένας τεράστιος ρόλος Μάχη πολιτική αφίσα. Οι κλασικοί της τέχνης μιας αφίσας θεωρούνται ότι είναι D.S. Motor και V.N.Deni. Η αφίσα του Moore "Είσαι εγγραφεί σε εθελοντές;" Και τώρα κατακτά την εκφραστικότητα της εικόνας.

Εκτός από την τυπωμένη αφίσα κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου, οι αφίσες προέκυψαν, χειροποίητα και αναπαραγωγή με ένα στένσιλ. Αυτό είναι το "παράθυρα της ανάπτυξης", όπου ο ποιητής V. Mayakovsky δέχτηκε την ενεργό συμμετοχή.

Κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου, ένα μνημειώδες σχέδιο προπαγάνδας, που καταρτίστηκε από τον V.I. Lenin, δούλευε, το νόημα της οποίας χτίστηκε σε ολόκληρη τη χώρα των μνημείων σε διάσημους ανθρώπους που θα μπορούσαν κατά κάποιο τρόπο να συμβάλουν στην προετοιμασία και την ολοκλήρωση της Σοσιαλιστικής Επανάστασης. Οι εκτελεστές αυτού του προγράμματος περιλαμβάνουν κυρίως γλύπτες n.a. Andreev i.d. Shadr.

Στη δεκαετία του '20, σχηματίστηκε μια ένωση, ο οποίος διαδραμάτισε σημαντικό ρόλο στην οικοδόμηση μιας νέας Σοβιετικής Εταιρείας -ROSIA "(AHRR)" Ένωση Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας (AHRR).

Στη δεκαετία του 1930 δημιουργήθηκε η ενοποιημένη ένωση καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ, ενώ η ενοποίηση όλων των καλλιτεχνών που στη δουλειά τους θα έπρεπε να ακολουθήσουν τη μέθοδο του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. Καλλιτέχνες της παλαιότερης γενιάς (B. Kustodiev, K.JUON, κ.λπ.) και νεότερος προσπάθησε να αντικατοπτρίζουν τη νέα στη σοβιετική πραγματικότητα.

Στη δημιουργικότητα i.i. Ο Brodsky αντανακλά το ιστορικό και επαναστατικό θέμα. Το ίδιο θέμα στα έργα του M.Grekova και Κ Petrov-Vodkina φοράει μια υπερυψωμένη-ρομαντική φύση.

Τα ίδια χρόνια, η αρχή της επικής «Λεινίνης», η οποία δημιούργησε τον αριθμό των έργων που αφιερώθηκαν στο V.I. Lenin αμέτρητες στη σοβιετική περίοδο.

Το είδος (μάστερ του είδους των νοικοκυριών) και προσωπογράφους της δεκαετίας του '20 της δεκαετίας του '20 θα πρέπει πρώτα να ονομάζεται Μ Enesterov, Π Konchalovsky, S.Gerasimov, A.Dazhsky, Γ Pimenova, Mazhsky και άλλους καλλιτέχνες.

Στην περιοχή του τοπίου, καλλιτέχνες, όπως K.Juon, Α Rylov, Β Baksheev, και άλλοι εργάστηκαν.

Μετά την επανάσταση και τον εμφύλιο πόλεμο, η θυελλώδης κατασκευή πόλεων, στις οποίες δημιουργήθηκαν πολλά μνημεία από εξέχοντα στοιχεία της επανάστασης, του κόμματος και του κράτους. Οι διάσημοι γλύπτες ήταν ο Α. Matsev, Μ. Manizer, N.Tomsky, S. Lebedeva και άλλοι.

Σοβιετική Καλές Τέχνες 1941 -1945 και πρώτα μεταπολεμικά χρόνια

Κατά τη διάρκεια του μεγάλου πατριωτικού πολέμου, η σοβιετική τέχνη αρνήθηκε αποφασιστικά το ρητό ότι "όταν τα όπλα, οι μούσες σιωπούν". Όχι, κατά την περίοδο των πιο σκληρών και τρομερών πολέμων στην ιστορία της ανθρωπότητας, οι Μούσες δεν ήταν σιωπηλοί. Αμέσως μετά από μια προδοτική επίθεση των γερμανικών φασιστών στη Σοβιετική Ένωση, ένα μολύβι και ένας κόπτης καλλιτεχνών έγιναν ένα τρομερό όπλο στην καταπολέμηση του εχθρού.

Η ηρωική ανύψωση του λαού, η ηθική του ενότητα ήταν η βάση στην οποία αυξήθηκε η σοβιετική τέχνη του χρόνου πολέμου. Έχει διαπιστωθεί από τις ιδέες του πατριωτισμού. Αυτές οι ιδέες εμπνεύστηκαν από πλαστικούς καλλιτέχνες, εμπνευσμένοι ζωγράφοι για να δημιουργήσουν πίνακες που λένε για τις εκμεταλλεύσεις των σοβιετικών ανθρώπων, καθόρισαν το περιεχόμενο των έργων σε όλα τα είδη τέχνης.

Ένα τεράστιο ρόλο σε αυτή τη στιγμή, όπως στα χρόνια του Εμφυλίου Πολέμου, έπαιξε ένα πολιτικό αφίσα, όπου καλλιτέχνες εργάστηκε ως V.S.Ivanov, V.B. Korotsky και άλλα. Τα έργα τους είναι εγγενή στον Angry Pathos, στις εικόνες, δημιούργησαν, αποκάλυψαν μια άκαμπτη βούληση των ανθρώπων, που έσκυψαν από την υπεράσπιση της Πατρίδας.

Η γνήσια αναβίωση βιώνει μια αφίσα που έχει σχεδιαστεί με το χέρι. Σύμφωνα με το παράδειγμα των «ανέμων ανάπτυξης» στο 1941-1945, δημιουργήθηκαν πολλά φύλλα «TASS παράθυρα». Έχουν γελοιοποιήσει τους εισβολείς, έστειλε την αληθινή ουσία του φασισμού, κάλεσε τους ανθρώπους να προστατεύσουν την πατρίδα τους. Μεταξύ των καλλιτεχνών που εργάζονται στα "παράθυρα του Tass", πρώτα απ 'όλα, οι Κούκρυνικοι (Κουπριγιάνοφ, φτερά, Sokolov) πρέπει να καλούνται.

Συνδυάστε πειστικά για τις εμπειρίες των σοβιετικών ανθρώπων κατά τη διάρκεια των χρόνων πολέμου της γραφικής σειράς αυτής της περιόδου. Ο καρδιακός πόνος σημείωσε τη μαγευτική σειρά των σχεδίων d.a.shmarinov "δεν θα ξεχάσει, δεν θα συγχωρήσω!" Η σοβαρότητα της ζωής ενός αποκλεισμού Λένινγκραντ συλλήφθηκε στον κύκλο των σχεδίων A.F. Pakhomov «Λένινγκραντ στις ημέρες του αποκλεισμού.»

Ήταν δύσκολο να εργαστούμε στα χρόνια των ζωγράφων πολέμου: επειδή χρειάζονται χρόνο και σχετικές συνθήκες για τη δημιουργία μιας πλήρους εικόνας. Παρ 'όλα αυτά, τότε πολλά υφάσματα εμφανίστηκαν στο χρυσό θεμέλιο της σοβιετικής τέχνης. Σχετικά με τις δύσκολες εργάσιμες ημέρες του πολέμου, οι ζωγράφοι των στούντιο στρατιωτικών καλλιτεχνών που ονομάστηκαν από την Ab Grekova μας λένε για τους πολεμιστές των πολεμιστών. Ταξίδευαν στα μέτωπα, συμμετείχαν σε εχθροπραξίες.

Οι στρατιωτικοί καλλιτέχνες που καταγράφηκαν στις καμβάδες τους που είδαν και επέζησαν. Μεταξύ αυτών, P.A. Krivonogov, συγγραφέας της ζωγραφικής "Victory", B.Nensensky και την εικόνα του "μητέρα", μια αγροτική γυναίκα που εισήλθε στους δικούς του στρατιώτες, ο οποίος επέζησε πολύ godin στην πατρίδα.

Ο καμβάς μιας μεγάλης καλλιτεχνικής αξίας που δημιουργήθηκε σε αυτά τα χρόνια A.A. Didinek, Α.Α. Plastov, Kukryniksi. Οι ζωγραφιές τους αφιερωμένο στα ηρωικά κατορθώματα του σοβιετικού λαού του σοβιετικού λαού στο μπροστινό και στο πίσω μέρος διαποτισμένη με ειλικρινή ενθουσιασμό. Οι καλλιτέχνες εγκρίνουν την ηθική υπεροχή του σοβιετικού λαού πάνω από την ακαθάριστη δύναμη του φασισμού. Αυτό εκδηλώνει τον ανθρωπισμό του λαού, την πίστη του στα ιδανικά της δικαιοσύνης και του καλού. Το θάρρος του ρωσικού λαού μιλούν τα ιστορικά πίνακες που δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια του πολέμου, μεταξύ των οποίων όπως ο κύκλος των έργων ζωγραφικής από Ε.Ε. Anlanser «Τρόπαιο της ρωσικής όπλο» (1942), τρίπτυχο P.D.Kurina «Αλέξανδρος Νιέφσκι», καμβά Α.Ρ.. Babnova «Πρωινή στο το πεδίο kulik. "

Οι στρατιωτικοί πόροι των πόρων μας είπαν πολύ και πορτρέτο ζωγραφική. Αυτό το είδος έχει δημιουργήσει πολλά έργα που χαρακτηρίζονται από εξαιρετικά καλλιτεχνικά πλεονεκτήματα.

Η γκαλερί πορτρέτου της περιόδου του πατριωτικού πολέμου αναπληρώθηκε με πολλά γλυπτά έργα. Οι άνθρωποι της άκαμπτη θέληση, οι θαρραλέοι χαρακτήρες σημειώνονται με φωτεινά ατομικές διαφορές που παρουσιάζονται στις γλυπτικές πορτρέτα της Τ.Α. Λεμπέντεβα, N.V.Tomsky, V.I.Mukhina, V.E.Vuchtech.

Κατά τη διάρκεια των ετών του πατριωτικού πολέμου, η σοβιετική τέχνη με τιμή εκπλήρωσε το πατριωτικό του χρέος. Οι καλλιτέχνες ήρθαν στη νίκη, περνώντας μέσα από βαθιές εμπειρίες, οι οποίες επέτρεψαν τα πρώτα μεταγενέστερα χρόνια να δημιουργήσουν έργα με πολύπλοκο και πολύπλευρο περιεχόμενο.

Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του '50, η τέχνη εμπλουτίζεται με νέα θέματα και εικόνες. Τα κύρια καθήκοντά του κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου - η αντανάκλαση της επιτυχίας της μεταπολεμικής κατασκευής, την ανατροφή της ηθικής, τα κομμουνιστικά ιδανικά.

Το χρώμα της τέχνης στα μεταπολεμικά χρόνια, οι δραστηριότητες της Ακαδημίας Τεχνών της ΕΣΣΔ είναι σημαντικά, οι οποίες περιλαμβάνουν τους σημαντικότερους δασκάλους.

Η τέχνη των μεταπολεμικών χρόνων χαρακτηρίζεται από άλλα χαρακτηριστικά που αφορούν κυρίως το περιεχόμενό της. Σε αυτά τα χρόνια, το ενδιαφέρον των καλλιτεχνών στον εσωτερικό κόσμο του ανθρώπου αυξάνεται. Ως εκ τούτου, η προσοχή που οι ζωγράφοι, οι γλύπτες, οι γραφικές πορτρέτες και οι συνθέσεις του είδους, επιτρέποντας στους ανθρώπους σε μια μεγάλη ποικιλία καταστάσεων ζωής και να δείξουν την πρωτοτυπία των χαρακτήρων και των εμπειριών τους. Ως εκ τούτου, η ειδική ανθρωπότητα και η θερμότητα πολλών έργων αφιερωμένων στη ζωή και τη ζωή των σοβιετικών ανθρώπων.

Φυσικά, αυτή τη στιγμή, οι καλλιτέχνες συνεχίζουν να διεγείρουν τα γεγονότα του πρόσφατου πολέμου. Ξανά και ξανά γυρίζουν στα κατορθώματα των ανθρώπων, στις σοβαρές εμπειρίες του σοβιετικού λαού στο σκληρό godine. Γνωστή όπως καμβάδες του εκείνα τα χρόνια ως «Μάσα Β Nemensky,» Γράμμα από το μέτωπο «A.Lactionov,» Υπόλοιπο μετά τον αγώνα «της Y.Nenensky , "Επιστρέψτε" V. Kostetsky και πολλοί άλλοι.

Ο καμβάς αυτών των καλλιτεχνών είναι ενδιαφέρον για το γεγονός ότι το θέμα του πολέμου επιλύεται σε αυτά στο νοικοκυριό: σχεδιάζουν σκηνές από τη ζωή των σοβιετικών ανθρώπων στον πόλεμο και στο πίσω μέρος, μιλούν για το πόνο τους, το θάρρος, τον ηρωισμό.

Αξίζει να σημειωθεί ότι οι πίνακες ιστορικού περιεχομένου επιλύονται επίσης κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου στο εγχώριο είδος. Σταδιακά, η ειρηνική ζωή του σοβιετικού λαού, που ήρθαν να αντικαταστήσουν τα σκληρά τεστ των στρατιωτικών χρόνια, βρίσκει ολοένα και πιο ολοκληρωμένη και ώριμη εκδοχή στο έργο πολλών καλλιτεχνών. Ένας μεγάλος αριθμός ζωγραφιών του είδους συνδυάζεται (δηλ. Από το εγχώριο είδος), επηρεάζοντας την ποικιλία θεμάτων και οικόπεδων. Αυτή είναι μια ζωή της σοβιετικής οικογένειας, με απλές χαρές και τα παράπονα του ( «Και πάλι, δύο!» Φ Odesshatnikova), είναι καυτό εργασίας στα εργοστάσια και τα εργοστάσια, στα κολχόζ και κρατικά αγροκτήματα ( «Ψωμί» Τ Yaslikova, " αμάχων»). Αυτή είναι η ζωή της σοβιετικής νεολαίας, καταφέροντας παρθένο και ούτω καθεξής. Ιδιαίτερα σημαντική συμβολή στη ζωγραφική του είδους έγινε κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου καλλιτέχνες A. Plastov, S. Chuikov, Τσαλακόφ και άλλοι.

Επιτυχής συνέχισαν να αναπτύσσονται σε αυτά τα χρόνια πορτρέτο ζωγραφική - αυτό είναι P.Korin, V. Effan και άλλους καλλιτέχνες. Στον τομέα της ζωγραφικής τοπίου κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, εκτός από τους παλαιότερους καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένου του M. Saryan, R.NYSKY, N.Romadin και άλλων.

Στα επόμενα χρόνια, οι εικαστικές τέχνες της σοβιετικής περιόδου συνέχισαν να αναπτύσσονται προς την ίδια κατεύθυνση.

Δ. Σ. Moor.

Δ. Σ. Moor.

K.PETROV-VODKIN "1918 στο Petrograd" (1920)

Ι. Δ. Shadd "Cobblestone-Weapon του προλεταριάτου"

Gerasimov - συλλογική αγροτική διακοπών 1937

S. Gerasimov "Μητέρα Partizana"

Δ. Σ. Moor.

Π. Konchalovsky "Lilac σε ένα καλάθι" (1933)

Ν. Α. Andreev "V.I. Lenin"

Μ. Ελληνικός "Znamenchman και Trubach" (1934)

Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα

Οι μαθητές, οι μεταπτυχιακοί φοιτητές, οι νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές τους και τις εργασίες τους θα είναι πολύ ευγνώμονες σε εσάς.

αναρτήθηκε από http://www.allbest.ru/

Υπουργείο Παιδείας της Ρωσικής Ομοσπονδίας

Πανεπιστήμιο Magnitogorsk

Δοκιμή

Καλλιτέχνες των 20-30 ετών

Εκτελείται: Timeeva Alena

Magnitogorsk 2001.

Εισαγωγή

Ο Οκτώβριος 1917 άνοιξε μια νέα εποχή όχι μόνο στην κοινωνική ζωή, αλλά και στη ζωή της τέχνης. Οποιαδήποτε επανάσταση καταστρέφει κάτι, και στη συνέχεια αρχίζει η δημιουργία ενός νέου. Δεν υπάρχει απλή ανάπτυξη, αλλά ένας αποφασιστικός επαναπροσδιορισμός των θεμελίων των πρώην κοινωνικών, πολιτικών, ιδεολογικών και άλλων ειδών δομών, συμπεριλαμβανομένης της τέχνης.

Η επανάσταση προτείνει τουλάχιστον δύο προβλήματα. Το πρώτο πρόβλημα είναι η αξιοπιστία της τέχνης. Προσπάθεια να τον παραμείνει με μια ταξική πάλη που οδήγησε να στρεβλώσει τον πολυλειτουργικό του χαρακτήρα. Ιδιαίτερα οξεία απλουστευμένη κατανόηση της αξιοπιστίας της τέχνης που εκδηλώνεται στις δραστηριότητες ενός ανεπιθύμητου καθετήρα. Το στοιχείο του αγώνα οδήγησε στην καταστροφή των πολιτιστικών μνημείων που προκλήθηκαν όχι μόνο από στρατιωτικές ενέργειες κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου και της ξένης παρέμβασης, αλλά και μια πολιτική που αποσκοπεί στη σύνθλιψη του αστικού πολιτισμού. Έτσι, πολλά γλυπτά μνημεία κατεδαφίστηκαν ή καταστράφηκαν, έργα αρχαίας αρχιτεκτονικής που συνδέονται με τη θρησκευτική λατρεία.

Το δεύτερο πρόβλημα είναι το πρόβλημα της πολιτικής της τάξης στην τέχνη. Κατά την επίλυσή του, όλες οι δυνάμεις συμμετείχαν: "αστικός" και "προλεταριακός", καταστροφικός και δημιουργικός, σοβιετικός και μη νομισματικός, "αριστερά" και "δεξιά", πολιτιστικός και άγριος, επαγγελματίας και ερασιτέχνης.

Οι αρχές της κοινωνικής ανάπτυξης που διακηρύχθηκαν από το κράτος καθόρισαν σε μεγάλο βαθμό τη σταδιακή κίνηση της τέχνης. Υπήρχε ένα είδος στρωματοποίησης δυνάμεων, από την προσθήκη του οποίου σχηματίστηκε ο φορέας της πραγματικής τεχνολογίας. Από τη μία πλευρά, αυτή είναι η δύναμη της αυτο-ανάπτυξης, όπου τα πρότυπα της κυκλοφορίας των μορφών που συνάπτονται στη φύση της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας που επηρεάζονται. Από την άλλη πλευρά, η επιρροή των κοινωνικών δυνάμεων, των δημόσιων ιδρυμάτων που ενδιαφέρονται και όχι σε οποιαδήποτε άλλη κίνηση της τέχνης, στις καθορισμένες μορφές της. Με την τρίτη υπαγόρευση της κρατικής πολιτικής, η οποία στηριζόμενη στις κοινωνικές δυνάμεις ή χωρίς να βασίζεται σε αυτούς, είχε άνευ όρων αντίκτυπου στη δομή της τέχνης, στην ουσία της, στην εξελικτική και επαναστατική ισχύ της. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1920, η πολιτική παραμορφώνεται ρητά την κανονική διαδικασία ανάπτυξης τέχνης, να παράσχει μια ορισμένη πίεση σε αυτήν, απαγορεύοντας ή καταδικάζοντας αυτές ή άλλες "μη εύφορες" εκδηλώσεις.

Καλλιτέχνες και καλλιτεχνικές ενώσεις των 20 ετών.

Οι 20 ήταν ένας γρήγορος χρόνος για την τέχνη. Υπήρχαν πολλές διαφορετικές ομάδες. Καθένας από αυτούς προτείνει την πλατφόρμα, το καθένα από τα οποία εκτελείται με το μανιφέστο του. Η τέχνη, η εμμονή ιδέα αναζήτησης, ήταν διαφορετική. Βρέθηκε και βράζει, προσπαθώντας να συμβαδίσει με την εποχή και να εξετάσει το μέλλον.

Οι σημαντικότερες ομάδες, στις δηλώσεις και στη δημιουργική πρακτική της οποίας αντανακλούσαν οι κύριες δημιουργικές διαδικασίες του χρόνου, ήταν Agh, OST και "4 τέχνες" (8, σελ. 87).

Η ομάδα AHRR (ο Σύνδεσμος Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας) προέρχεται από το 1922 (το 1928 μετονομάστηκε σε AHR - την Ένωση Καλλιτεχνών της Επανάστασης). Ο πυρήνας AHRR έχει αναπτυχθεί κυρίως από τους πρώην συμμετέχοντες στην εταιρική σχέση κινητής τηλεφωνίας. Η δήλωση AHRR παρουσιάστηκε στον εκθεσιακό κατάλογο του 1922..

Οι καλλιτέχνες AgrhR προσπάθησαν να κάνουν τη ζωγραφική τους έναν προσβάσιμο μαζικό θεατή του πόρου. Στο έργο του, συχνά χρησιμοποιούσαν μηχανικά τη μακρά γλώσσα της καθυστερημένης κίνησης. Ο Agh διοργάνωσε μια σειρά θεματικών εκθέσεων τέχνης, των οποίων τα ονόματα των οποίων: "Ζωή και ζωή των εργαζομένων" (1922), "Ζωή και Γενενή του Κόκκινου Στρατού" (1923), "Επανάσταση, Ζωή και Εργασία" (1924 - 1925), «Η ζωή και η ζωή των λαών της ΕΣΣΔ» (1926) - Συζήτηση σχετικά με τα καθήκοντα της άμεσης χαρτογράφηση της σύγχρονης πραγματικότητας.

Η ιδιαιτερότητα της πρακτικής του "Akhrovtsev" ήταν ότι ήταν στο εργοστάσιο και τα εργοστάσια, στα στρατόπεδα του κόκκινου στρατού, για να παρατηρήσουν τη ζωή και τη ζωή των ηρώων τους εκεί. Κατά τη διάρκεια της προετοιμασίας της έκθεσης «Η ζωή και η ζωή των λαών της ΕΣΣΔ», τους συμμετέχοντες επισκέφτηκαν τις πιο απομακρυσμένες γωνιές της Σοβιετικής χώρας και έφερε από εκεί ένα σημαντικό αριθμό σκίτσα, τη βάση για τα έργα τους. Οι καλλιτέχνες του ΑΧΑρ έπαιξαν μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη νέων θεμάτων, έχοντας αντίκτυπο στους εκπροσώπους διαφόρων ομάδων τέχνης εκείνης της εποχής.

Η δημιουργικότητα κατανέμεται μεταξύ των καλλιτεχνών AHRR I.i.Brodsky (1883 - 1939), η οποία καθόρισε την εργασία του ακριβή, την αναπαραγωγή των γεγονότων και των ηρώων της Επανάστασης. Μια μεγάλη φήμη απέκτησε τον ιστό του αφιερωμένο στις δραστηριότητες του V.I. Λένιν. Η βάση των γραφικών Λεινίνων βασίζεται στη ζωγραφική "Απόδοση του Λένιν στο εργοστάσιο Putilovsky" και ένα από τα πιο διάσημα έργα "Λένιν στο Smolny" (1930), που απεικονίζει τον Λένιν στο γραφείο του στην εργασία. Ο Brodsky είδε τον Λένιν πολλές φορές και έκανε σκίτσα από αυτόν (12, σελ. 92).

Τα έργα του Brodsky έχουν σημαντική ποιότητα - αξιοπιστία που έχει ένα μεγάλο ιστορικά ενημερωτικό νόημα. Ωστόσο, η επιθυμία για ντοκιμαντέρ οδήγησε στην εμπειρική, φυσιολογική ερμηνεία του γεγονότος. Η καλλιτεχνική σημασία των ζωγραφων του Brodsky μείωσε επίσης τον ξηρό φυσιολογικό, μια διατροφική γεύση, η οποία είναι ιδιόμορφη για ένα σημαντικό μέρος των έργων του.

Κύριος G.g.Ryazhsky (1895 - 1952) Τα έργα του «αντιπροσώπου» (1927) και του "προέδρου" (1927) (1927) (1927) και "Πρόεδρος" (1928) (1928) και "Πρόεδρος" (1928), το 1923, το 1923, εντάχθηκε στο AHRR (1928) , στην οποία ο καλλιτέχνης αναγνωρίζει τα τυπικά κοινωνικά και ψυχολογικά χαρακτηριστικά μιας νέας κοινωνίας.. Ο "πρόεδρός" του είναι ένας εργαζόμενος ακτιβιστής. Στη θέση της, η χειρονομία ανιχνεύει ένα αίσθημα αυτοεκτίμησης, απαλλαγή ως απόδειξη της κατάστασης μιας γυναίκας σε μια νέα Εταιρεία Εργασίας.

Μεταξύ των εταιριών Agrh, έπαιξε ένας σημαντικός ρόλος S.v.Μιυτίνη (1859 - 1937). Σκοπός τους πριν από την επανάσταση, η γκαλερί πορτρέτου συμπληρώθηκε με σοβιετικούς χρόνους από το πορτρέτο V.K. Bialynitsky-Biruli, A.V. Lunacharsky και πολλούς άλλους. Μεταξύ αυτών, το πορτρέτο του Dmitry Furmanov, το οποίο γράφτηκε το 1922, αποκαλύπτοντας πειστικά την εικόνα ενός συγγραφέα πολεμιστή, έναν εκπρόσωπο της νέας, σοβιετικής νοημοσύνης.

Ο ενεργός συμμετέχων των εκθέσεων AHRR ήταν ένας μεγάλος ρωσικός ζωγράφος της στροφής των αιώνων XIX - XX. Α.Ε. Archups. Στα 20s των Archups δημιουργεί εικόνες αγροτών - "Γυναίκα με μια κανάτα", "ο αγρότης στην πράσινη ποδιά", "ο αγρότης με ένα ροζ μαντήλι στο χέρι του" και άλλοι. Αυτές οι εικόνες γράφονται σε μια ευρεία βούρτσα, πυρκαγιά και πολύχρωμες.

Η δημιουργικότητα της Ε.Μ. χαρακτηρίζεται με στενή παρατήρηση και προσοχή στα νέα φαινόμενα της ζωής. Cheptsova (1874 - 1943), η οποία συνέχισε τις παραδόσεις κίνησή του στο χώρο του είδους των νοικοκυριών. Του απεικονίζεται η εικόνα της «Συνάντηση του Γραφείου» (1924), η οποία απεικονίζει τους ακτιβιστές του χωριού των πρώτων ετών επανάστασης. Η παρατήρηση και η ειλικρίνεια του συγγραφέα, η απλότητα της εμφάνισης των ηρώων του, η αδράνεια των γύρω εξαρτημάτων έκανε μια μικρή, μέτρια ζωγραφική από το έργο του Chepzov ένα από τα πιο ενδιαφέροντα δείγματα της AHRR ART.

Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για ένα από τα έργα του συστήματος τοπίου B.N. Yakovleva (1880 - 1972). Του «Μεταφορές είναι εγκατεστημένη» (1923) - μέτρια και ταυτόχρονα μια βαθιά αφήγηση της δύσκολης εποχής της επανάστασης, για την καθημερινή εργασία των ανθρώπων. Ήσυχο και μόλις γραπτό, αυτή η εικόνα είναι ένα από τα πρώτα παραδείγματα ενός βιομηχανικού τοπίου στη σοβιετική ζωγραφική.

Ειδικό μέρος στη ζωγραφική AHRR καταλαμβάνει τη δημιουργικότητα M.B. Το Grekova (1882-1934) είναι ο ιδρυτής του τύπου μάχης στη σοβιετική τέχνη. Για μια περίοδο ενός έτους και μισό - μέχρι το τέλος της ζωής - ασχολήθηκε με τη δημιουργία ενός κύκλου ζωγραφικής αφιερωμένο στον πρώτο ιππικό στρατό, σε πεζοπορίες και μάχες των οποίων συμμετείχε ο καλλιτέχνης. Στο έργο του, ειδικά στην πρώιμη περίοδο, είναι σαφές να γνωρίζουμε τις παραδόσεις της VereshchchchaGin. Ο κύριος ήρωας του Grekova είναι οι άνθρωποι που ανέλαβαν όλες τις δυσκολίες του πολέμου. Τα έργα των ζωντανών υποθέσεων του Grekova. Σε αυτές τις εικόνες από τα μέσα της δεκαετίας του '20, όπως το «Tacanka» (1925), η ακρίβεια την κίνηση της εικόνας συνδυάζεται με ρομαντική risenness. Αργότερα, συνεχίζοντας το ιδιαίτερο γραφικό χρονικό του πρώτου ιππικού στρατού, οι Έλληνες δημιουργούν έναν επικό ιστό, μεταξύ των οποίων διακρίνονται οι πίνακες "για τον Kuban" και "Trumpeters του πρώτου ιππικού στρατού" (και τα δύο - 1934).

Μαζί με την AHRR, στην οποία οι καλλιτέχνες της παλαιότερης και της μεσαίας γενιάς, που είχαν τον χρόνο της επανάστασης, έχουν ήδη δημιουργηθεί μια δημιουργική εμπειρία, η ομάδα OST (κοινωνία των Στάνννοβιτς) που διοργανώθηκε το 1925 έπαιξε ενεργό ρόλο στην καλλιτεχνική ζωή του Αυτά τα χρόνια, που διοργανώθηκαν το 1925. Ενωτεί η καλλιτεχνική νεολαία του πρώτου σοβιετικού καλλιτεχνικού πανεπιστημίου - VHU-TEPES. (3)

Το κύριο καθήκον των ενωθών καλλιτεχνών, όπως το "Akhrovtsy", θεωρούσε τον αγώνα για την αναβίωση και την περαιτέρω ανάπτυξη της μηχανής ζωγραφικής σε ένα σύγχρονο θέμα ή με το σύγχρονο περιεχόμενο. Ωστόσο, οι δημιουργικές φιλοδοξίες και οι μέθοδοι καλλιτεχνών παραμένουν χαρακτηριστικές διαφορές. Προσπάθησαν να προβληματιστούν σε ξεχωριστά γεγονότα νέες ιδιότητες της σύγχρονης εποχής σε σχέση με την εποχή του προηγούμενου. Το κύριο θέμα της Ρωσίας, η εκβιομηχάνιση της Ρωσίας, πρόσφατα ακόμα αγροτικός και προς τα πίσω, η επιθυμία να δείξει τη δυναμική της σχέσης μεταξύ της σύγχρονης παραγωγής και του ανθρώπου.

Ένας από τους πιο ταλαντούχους εκπροσώπους της ομάδας OST ήταν Α.Α.Daineka. Οι πιο κοντινό δηλώσεις είναι το OST είναι τα έργα ζωγραφικής του: «Στο εργοτάξιο των νέων εργαστηρίων» (1925), «Πριν κατεβαίνει στο ορυχείο» (1924), «Ποδοσφαιριστές» (1924), «Κλωστοϋφαντουργία» (1926). σχήματος πάθος Daineki βρήκε διέξοδο σε μια δημοσιογραφική διάγραμμα, στο οποίο ο καλλιτέχνης ερμήνευσε ως εικονογράφος σε περιοδικά για τη μεγάλη ανάγνωση - όπως «στο μηχάνημα», «ένα bootiness στο μηχάνημα», «προσκήνιο», «Νεολαία» και άλλα κεντρική λειτουργεί Deileki της περιόδου Oskesky έγινε η ζωγραφική «Άμυνας της Πετρούπολης», γραμμένο το 1928 για τη θεματική έκθεση «10 χρόνια RKKKA». Αυτό το έργο αποκαλύπτει το κύριο Παθό και την έννοια των καινοτόμων παραδόσεων του OST της πιο θέσης και εκείνων που έχουν βρει την ανάπτυξή τους στη σοβιετική τέχνη των επόμενων περιόδων. Το Daeken ενσωματώνεται σε αυτή την εικόνα όλη αυτή την ιδιαιτερότητα του στυλ του, ελαχιστοποίησε τα μέσα εκφραστικότητας, αλλά τους έκανε πολύ ενεργό και αποτελεσματικό (8, σελ. 94).

Από τα υπόλοιπα μέλη, το υπόλοιπο κοντά στο Deinek στη φύση των έργων τους σε σημάδια στυλ Yu.i. Pimenov, P.V. Williams, S.A. Luchishkin. Δημιουργήθηκε κατά την ίδια περίοδο του έργου του «Βαριά Βιομηχανία» Pimenova, «το Αμβούργο Uprising» Ουίλιαμς, «Η μπάλα πέταξε» και «Αγαπώ τη ζωή» Luchishkina αποκάλυψε και καινοτόμο αντανακλάται σημαντικές ιδιότητες της σύγχρονης πραγματικότητας,

Σε αντίθεση με την πιο cool, τη νεολαία, στη σύνθεση της, η ομάδα δύο άλλων, η οποία κατέλαβε ένα σημαντικό μέρος στην καλλιτεχνική ζωή αυτών των ετών δημιουργικών ομάδων - "4 τέχνες" και OMX. (Κοινωνία καλλιτεχνών της Μόσχας), - Ενωμένες από μόνα τους τους δασκάλους της παλαιότερης γενιάς, οι οποίοι αναπτύχθηκαν δημιουργικά σε ένα προ-επαναστατικό χρόνο, με ιδιαίτερη εμφάνιση αφορούν τα προβλήματα της διατήρησης της εικονογραφικής κουλτούρας και θεωρείται ένα πολύ σημαντικό μέρος της εργασίας Η ίδια η γλώσσα του, πλαστική μορφή. Η κοινωνία "4 art" προέρχεται από το 1925 από τα σημαντικότερα μέλη αυτής της ομαδοποίησης ήταν ο Ρ.ν. Kuznetsov, Κ. Petrov-Vodkin, M.S. Σαρίος, Ν.Ρ. Ulyanov, Κ.Ν. Istomin, V.A. Favorsky.

Τα έργα της Petrov-Vodkina είναι όπως "μετά τον αγώνα" (1923), "Το παράθυρο του παραθύρου" (1928), το "άγχος" (1934), το πιο πλήρως εξέφρασε την ηθική έννοια των διαφόρων περιόδων - ορόσημα στο Ανάπτυξη της Σοβιετικής Εταιρείας. εικόνα του «Ο θάνατος του Επιτρόπου» (1928), όπως και η «υπεράσπιση της Πετρούπολης» Deneki, γραμμένο σε σχέση με την έκθεση «10 χρόνια του Κόκκινου Στρατού», σε αντίθεση με συγκεκριμένες publicism - με βάση τις αποφάσεις Deineki - δίνει της φιλοσοφική λύση για το έργο: μέσα από τα γεγονότα γενίκευση οι ιδέες για τα γεγονότα που λαμβάνουν χώρα σε ολόκληρο τον πλανήτη Γη μέσα από την αναγνώριση των ηθικών ουσία αυτών των γεγονότων. Ο Επίτροπος είναι ένα πρόσωπο, και στη ζωή και με το θάνατο της δικής του διαμάχης στο όνομα της ανθρωπότητας. Η εικόνα του είναι μια έκφραση της παρενόχλησης ελαφρών ιδεών που θα κερδίσει στο μέλλον, ανεξάρτητα και αντίθετα με το θάνατο των πιο ενεργών μεταφορείς αυτών των ιδεών. Μια αποχαιρετισμένη άποψη του Επιτρόπου που πεθαίνει ως αποχαιρετισμός με την εντολή των μαχητών πριν επιτεθεί - είναι γεμάτος πίστη στη νίκη.

Οι φιλοσοφικές ιδέες Petrov-Vodkin βρίσκουν μια επαρκή πλαστική έκφραση. Ο απεικονισμένος χώρος εκτείνεται πάνω από τη σφαιρική επιφάνεια του πλανήτη. Ο συνδυασμός της άμεσης και αντίστροφης προοπτικής είναι πειστικά και απότομα μεταφέρει το "πλανητικό" πανόραμα του τι συμβαίνει. Σαφώς λύσει εικονιστικά προβλήματα στο σύστημα χρωμάτων. Στη ζωγραφική του, ο καλλιτέχνης προσκολλάται στην αρχή μιας τριών οικογενειών, σαν να προσωποποιεί τα κύρια χρώματα της γης: κρύο μπλε αέρα, μπλε νερό. καφέ-κόκκινη γη? Πράσινο του κόσμου των φυτών.

Οι καλλιτέχνες της ομάδας OMX έμειναν στην ιστορία της σοβιετικής ζωγραφικής έμειναν το 1927. Πολλοί από αυτούς έγιναν κοντά ο ένας στον άλλο στα προ-επαναστατικά χρόνια στη συμμετοχή στο "Bubnovy Valen". Το πιο δραστήριο στο Ohkh ήταν το σ.τ. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. LENTULOV, A.V. Kubrin, R.R. Falk, v.v. Χριστούγεννα, Α.Α. Ωσέρκι Τέχνη πορτρέτο τέχνης

Σε δήλωσή του, Omha καλλιτέχνες, δήλωσε: «Ζητάμε από τον καλλιτέχνη της μεγαλύτερης αποτελεσματικότητας και της εκφραστικότητας των τυπικών πτυχών της δημιουργικότητάς του, που αποτελούν το αδιαχώριστο με την ιδεολογική πλευρά του τελευταίου.» Το πρόγραμμα αυτό αισθάνθηκε την εγγύτητα της ομάδας "4 τέχνες".

Ένας από τους πιο εντυπωσιακούς εκφράσεις αυτού του προγράμματος στη σοβιετική τέχνη των πρώτων ετών ήταν ο σ.τ. Konchalovsky. Προσπάθησε να συνδυάσει τις τάσεις του "Bubnovovet" με την κληρονομιά των Ρωσικών ρεαλιστικών καλλιτεχνών, οι οποίες επεκτείναν σε μεγάλο βαθμό τη δημιουργική του σειρά, βοήθησε το βιολογικό περισσότερο στη σοβιετική τέχνη της δεκαετίας του '20. Η χρωστική ολότητα με την ένταση των μεμονωμένων χρωμάτων διακρίνεται από τέτοια έργα του οδηγού ως "αυτοπροσωπογραφία με τη σύζυγό του" (1922), "Πορτραίτο O.V. Konchalovskaya" (1925), "Πορτρέτο της κόρης του Natasha" (1925). Τα ίδια χρόνια, σ.τ. Konchalovsky προσπάθειες για τη δημιουργία θεματικών έργα ζωγραφικής, μεταξύ των οποίων και το καλύτερο είναι «Νόβγκοροντ» (1921) και «από το Fair» (1926). Ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται για τις παραδοσιακές εικόνες των «Ρωσική άνδρες» - ισχυρό, αγάπη μου, που ζουν περιβάλλεται από τα συνήθη θέματα, σύμφωνα με τους νόμους των παλαιών εθίμων και, μαζί με το μεσαίο συστατικά τους, κάτι που συνήθως εθνική.

Καλλιτέχνες και καλλιτεχνικές ενώσεις των 30 ετών.

Η δεκαετία του 1930 στην ιστορία της Σοβιετικής Τέχνης είναι μια δύσκολη περίοδος που αντικατοπτρίζει τις αντιφάσεις της ίδιας της πραγματικότητας. Έχοντας αντιληφθεί σημαντικές βάρδιες που έλαβαν χώρα στην κοινωνία, ο πατήρ εκβιομηχάνισης, οι δάσκαλοι της τέχνης ταυτόχρονα σχεδόν δεν προσέχουν σημαντικές δημόσιες αντιφάσεις, δεν εκφράζουν κοινωνικές συγκρούσεις που σχετίζονται με την ενίσχυση της λατρείας της προσωπικότητας του Στάλιν (1) .

Στις 23 Απριλίου 1932, η Κεντρική Επιτροπή του Κόμματος ενέκρινε ψήφισμα "σχετικά με την αναδιάρθρωση των λογοτεχνικών και έργων τέχνης". Το ψήφισμα αυτό εξαλείφθηκε από όλες τις προηγούμενες καλλιτεχνικές ομάδες και οι γενικές οδοί και οι μορφές σταθεροποίησης και ανάπτυξης όλων των δημιουργικών δυνάμεων της σοβιετικής τέχνης υποδεικνύονται. Η απόφαση αποδυναμώθηκε αυτή η αντιπαράθεση μεταξύ των μεμονωμένων ενώσεων, η οποία ήταν τόσο επιδεινωμένη στη στροφή των 20 - 30. Αλλά από την άλλη πλευρά, οι τάσεις της ενοποίησης εντατικοποιήθηκαν σε φυλλοβόλο τρόπο. Τα πρωτοποριακά πειράματα, που έδωσαν τους εαυτούς τους να γνωρίζουν στη δεκαετία του '20, διακόπηκαν. Ο αγώνας με τον λεγόμενο φορμαλισμό αποδείχθηκε, ως αποτέλεσμα της οποίας πολλοί καλλιτέχνες αναγκάστηκαν να εγκαταλείψουν τις προηγούμενες κατακτήσεις τους.

Η δημιουργία μιας ενιαίας ένωσης συνέπεσε με την έγκριση της αρχής του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, που διατυπώθηκε από το Α.Μ. Γκόρκι στο πρώτο σύνολο των συνδικάτων των σοβιετικών συγγραφέων. Ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός ανέλαβε την κληρονομιά των παραδόσεων της ρεαλιστικής τέχνης του XIX αιώνα. Και στοχεύοντας στους καλλιτέχνες στην εικόνα της πραγματικότητας στην επαναστατική τους ανάπτυξη. Ωστόσο, όπως έδειξε η περαιτέρω πρακτική της Σοβιετικής Τέχνης, ο όρος "σοσιαλιστικός ρεαλισμός" δεν ήταν αρκετός και επαρκείς πολύπλοκες και πολυστρωματικές τάσεις σε μια νέα κουλτούρα. Η επίσημη αίτησή της για καλλιτεχνική πρακτική που συχνά συνδέεται με τον ρόλο της δογματικής ανάπτυξης πέδησης της τέχνης. Στις συνθήκες κοινωνικής ανακατασκευής της δεκαετίας του '80, ο όρος "σοσιαλιστικός ρεαλισμός" υποβλήθηκε σε συζήτηση συζήτησης σε επαγγελματίες κύκλους σε διαφορετικά επίπεδα.

Πολλές προοδευτικές τάσεις που εμφανίστηκαν στη δεκαετία του '20 συνεχίζουν να αναπτύσσονται στο 30ο. Αυτό ισχύει για, για παράδειγμα, καρποφόρα αλληλεπίδραση διαφόρων εθνικών σχολείων.

Σε μεγάλες εκθέσεις τέχνης που διοργανώνονται στη δεκαετία του 1930, εμπλέκονται οι καλλιτέχνες όλων των δημοκρατιών της Σοβιετικής Ένωσης. Ταυτόχρονα, οργανώνονται δημοκρατικές εκθέσεις στη Μόσχα σε σχέση με δεκαετίες εθνικής τέχνης. Τα εθνικά θέματα τέχνης ανησυχούν ιδιαίτερα από καλλιτέχνες των αδελφικών δημοκρατιών.

Στη δεκαετία του 1930, η πρακτική των κρατικών εντολών και των δημιουργικών επιχειρηματικών εκδρομών επεκτείνεται. Οι μεγαλύτερες εκθέσεις οργανώνονται: "15 χρόνια RKKKA", "20 χρόνια του Κόκκινου Στρατού", "20 χρόνια του Σοσιαλισμού", "Η βιομηχανία του σοσιαλισμού", "Έκθεση των καλύτερων έργων της Σοβιετικής Ζωγραφικής" και άλλων. Οι Σοβιετικοί καλλιτέχνες συμμετέχουν σε διεθνείς εκθέσεις στο Παρίσι και τη Νέα Υόρκη, εκτελούν εργασίες για τη γεωργική έκθεση σε όλη την Ένωση στη Μόσχα, σε σχέση με την προετοιμασία της οποίας δημιουργήθηκε ένας σημαντικός αριθμός μνημειών και διακοσμητικών έργων, η οποία, στην ουσία, σήμαινε σημαντική Στάδιο της αναβαλλόμενης μνημειακής ζωγραφικής ως ανεξάρτητο, έχοντας τους δικούς του στόχους και τα πρότυπα τέχνης. Σε αυτά τα έργα, υπήρξε μια έκφραση για τη σοβιετική τέχνη στον μνημειισμό.

Ένας καλλιτέχνης γίνεται ένας από τους σημαντικότερους εκπροσώπους της μηχανής ζωγραφικής αυτής της περιόδου. Boris Vladimirovich Johanson (1893 - 1973), ο οποίος γύρισε το έργο του στις υψηλότερες παραδόσεις της ρωσικής ζωγραφικής XIX αιώνα. Ερμηνεύει την κληρονομιά του Surikov και η αποδοχή, φέρνοντας ένα νέο επαναστατικό περιεχόμενο στα έργα του ένα νέο επαναστατικό περιεχόμενο. Από αυτή την άποψη, οι πίνακες του Johanson "ανάκριση των κομμουνιστών" (1933) και "στο παλιό εργοστάσιο ουρλημάτων" (1937) είναι ιδιαίτερα σημαντικές.

Η εικόνα "ανάκριση των κομμουνιστών" εκτέθηκε για πρώτη φορά στην έκθεση "15 χρόνια rkkka". Σε αυτό, ο καλλιτέχνης έδειξε τους κομμουνιστές που διοργανώθηκαν για την υπεράσπιση της επαναστατικής πατρίδας και τους αντιπάλους τους - λευκούς φρουρούς, οι οποίοι προσπαθούσαν να στρατολογήσουν το Σοβιετικό κράτος κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου. Ο καλλιτέχνης διεξάγει την ιστορική του γενίκευση στις παραδόσεις της repin, μέσω της επίδειξης μιας συγκεκριμένης δράσης σε ένα συγκεκριμένο περιβάλλον. Δεν γνωρίζουμε τα ονόματα των ανθρώπων που απεικονίζονται εδώ, τόσο πιο ιστορικά καθολικό θεωρείται από εμάς την εικόνα ως σύνολο. Οι κομμουνιστές στην εικόνα του Johanson είναι καταδικασμένοι στο θάνατο. Αλλά ο καλλιτέχνης δείχνει την ηρεμία, το θάρρος, τη δύναμη και την αντίσταση τους, η οποία αντίθετα με το άγχος, τη νευρικότητα, την ψυχολογική απονομή, βασιλεύοντας στην ομάδα των λευκών φρουρών, αδυναμία όχι μόνο σε αυτή την κατάσταση, αλλά όπως ήταν, ενόψει της ιστορίας.

Στην εικόνα "Στο παλιό εργοστάσιο ουρλανδικού", γραμμένο για την έκθεση "Η βιομηχανία σοσιαλισμού", ο Johanson αντιτίθεται στις εικόνες του κτηνοτρόφου και τον εργαζόμενο, στο οποίο αποκαλύπτει το αίσθημα της αναδυόμενης αυτοσυνείδησης και της εσωτερικής ανωτερότητας πάνω από το εκμεταλευτής. Αυτή η εικόνα, ο καλλιτέχνης έδειξε μια ιστορική σύγκρουση μεταξύ παλιού και νέου, αντιδραστικού και προοδευτικού και ενέκρινε τη νικηφόρα δύναμη του επαναστατικού και προοδευτικού. Αυτά είναι τα νέα χαρακτηριστικά του σοβιετικού ιστορικού και επαναστατικού είδους στο παράδειγμα της ζωγραφικής του Johanson.

Ένας ειδικός τόπος λαμβάνει αυτή την περίοδο μια πολύπλευρη εικόνα, θέματα και δημιουργικότητα των ειδών Sergey Vasilyevich Gerasimov. Το πιο εντυπωσιακό έργο του ιστορικού είδους στο έργο του είναι η εικόνα του "όρκο του Σιβηρίας Partizan" (1933), το οποίο είναι εκπληκτικό με την ανοικτή εκφραστικότητα, που ανιχνεύεται με χρωματιστική εκφραστικότητα, αιχμηρό πρότυπο, δυναμική σύνθεση. Εργασία στο είδος του νοικοκυριού, S.V. Ο Gerasimov επικεντρώθηκε στο θέμα των αγροτών. Με την απόφασή της, ο καλλιτέχνης περπάτησε μέσα από το πορτρέτο δημιουργώντας έναν αριθμό πειστικότερων αγροτών εικόνων. Κατά την κατασκευή ενός συλλογικού αγροτικού χωριού, έγραψε ένα από τα πιο λαμπρά πορτρέτα του "συλλογικού αγρόκτημα" (1933). Τα σημαντικότερα έργα της ζωγραφικής του είδους των 30 ετών εισήλθαν στις "συλλογικές αγροτικές διακοπές" (1937), το οποίο εκτέθηκε στην έκθεση "η βιομηχανία σοσιαλισμού". Ακριβώς και ο Emko χαρακτηρίζει αυτή την εικόνα ο μεγαλύτερος ακαδημαϊκός του Ιστορικού Σοβιετικού Τέχνης Ι.Ε. Grabar: "Όταν εμφανιστεί ένας θαυμάσιος καμβάς" συλλογικές αγροτικές διακοπές ", ένας από τους καλύτερους πίνακες της έκθεσης" η βιομηχανία του σοσιαλισμού ", η νέα, εξαιρετική ανάπτυξη του Δάσκαλη έγινε προφανής. Δεν είναι δύσκολο από τους σοβιετικούς καλλιτέχνες, εκτός από τον Σεργκέι Ο Gerasimov, θα αντιμετώπιζε ένα τόσο σύνθετο, φως και το χρώμα πρόκληση, και ακόμη και με τέτοια απλά εργαλεία και τεχνικές. Ήταν η ηλιακή εικόνα στη ρωσική ζωγραφική κατά τη διάρκεια της επανάστασης, παρά το γεγονός ότι εκπληρώθηκε στο συγκρατημένο σχέδιο "(1 , σελ. 189).

"Τραγουδιστής" της Σοβιετικής Αγρονίας ήταν Arkady alexandrovich devstors (1893 - 1983), που σχετίζεται με το ρωσικό χωριό με την προέλευσή της. Είχε μεγάλη επιρροή γι 'αυτόν, οι εντυπώσεις της παιδικής ηλικίας που ξοδεύονται σε στενή επικοινωνία με τη φύση, με τη γη, με αγρότες που ζουν σε αυτή τη γη.

Μετά τη Μεγάλη Οκτώβριο της Σοσιαλιστικής Επανάστασης των ορόφων, ο οποίος οδηγήθηκε από το έργο του εγγενούς χωριού του, δίνοντας έναν ελεύθερο χρόνο ζωγραφικής, συσσωρευμένων αδελφών και εντυπώσεων για τα μελλοντικά του έργα αφιερωμένα στην αγροτική ζωή. Ένα από τα πρώτα σημαντικά έργα του Plastov - Πλήρης ζωγραφική αέρα και φωτός "άλογο κολύμβησης" - πραγματοποιήθηκε από αυτούς για την έκθεση "20 χρόνια του Κόκκινου Στρατού". Για την έκθεση "η βιομηχανία σοσιαλισμού" των στρωμάτων έγραψε ένα μεγάλο πανί "συλλογικές αγροτικές διακοπές". Ένα άλλο φωτεινό προϊόν του Plastov του πόρου είναι το "συλλογικό αγέλη του αγρότες" (1938). Σε όλες τις αναφερόμενες εικόνες, ορισμένα κοινά χαρακτηριστικά εκδηλώνται. Οι δεξαμενές δεν νομίζουν ότι η σκηνή του είδους έξω από το τοπίο, εκτός της ρωσικής φύσης, πάντα εκπαιδεύτηκε σε ένα λυρικό σχέδιο, αποκαλύπτοντας την ομορφιά του στις απλούστερες εκδηλώσεις. Ένα άλλο χαρακτηριστικό των ειδών του Plastov είναι η απουσία οποιασδήποτε σύγκρουσης ή μια ιδιαίτερη στιγμή στον εκλεγμένο καλλιτέχνη του οικόπεδο. Μερικές φορές στις ζωγραφιές του, όπως στο "Συλλογικό Farm Flock", δεν υπάρχουν καθόλου γεγονότα, τίποτα δεν συμβαίνει. Αλλά ταυτόχρονα ο καλλιτέχνης επιτυγχάνει πάντα ποιητική εκφραστικότητα της εικόνας.

Έχει αναπτυχθεί στο ταλέντο των 30s Α.Α.Daeneki. Συνέχισε να τηρεί τα πρώην θέματα, τα οικόπεδα, τις αγαπημένες εικόνες, το χρώμα και το σύνθετο σύστημα. Είναι αλήθεια ότι ο γραφικός τρόπος του είναι κάπως μαλακωμένος, παραδείγματα για τα καλύτερα έργα της δεκαετίας του 1930 - "μητέρα" (1932), "μεσημεριανό διάλειμμα στο Donbass" (1935), "μελλοντικοί πιλότοι" (1938). Αθλητισμός, αεροπορία, γυμνό εκπαιδευμένο σώμα, λακωνισμός και απλότητα της γραφικής γλώσσας, οι συνδυασμοί κουδουνίσματος καφέ-πορτοκαλί και μπλε μαλακώνουν σε ορισμένες περιπτώσεις λυισμός, τη στιγμή της περισυλλογής. Ο Daenek έσπρωξε το θεματικό πλαίσιο του έργου του, συμπεριλαμβανομένων των ιστοριών από τη ζωή των ξένων χωρών, τα οποία εμφανίστηκαν ως αποτέλεσμα να ταξιδεύουν στις Ηνωμένες Πολιτείες, στη Γαλλία, τη Γερμανία και την Ιταλία.

Ένα άλλο πρώην μέλος OST - Yu.i.Pimenov (1903--1977) Δημιούργησε ένα από τα καλύτερα έργα ζωγραφικής της δεκαετίας του 1930 "Νέα Μόσχα" (1937). Το τοπίο του κέντρου της Μόσχας (pl. Sverdlova), σαν να φαίνεται από το αγωνιστικό αυτοκίνητο, πίσω από το τιμόνι της οποίας μια νεαρή γυναίκα κάθεται πίσω στον θεατή. Νέα κτίρια, γρήγορη λειτουργία του αυτοκινήτου, τα ελαφρά χρώματα, μια αφθονία του αέρα, το εύρος του χώρου και η πρόσληψη της σύνθεσης - Όλα είναι αμφισβητήσιμα με αισιόδοξη παγκοσμιοποίηση.

Στη δεκαετία του '30, διαμορφωμένη δημιουργικότητα g.g. NIS (1903 - 1987), ένας οπαδός των πιο cools που πήρε λακωνισμό από αυτούς, η ευκρίνεια των σύνθετων και ρυθμικών λύσεων. Αυτά είναι η ζωγραφική του "Φθινόπωρο" (1932) και "στα μονοπάτια" (1933). Στα τοπία του Nissky, η δραστηριότητα μετατροπής του ανθρώπου είναι πάντα ορατή.

Από τους ιδιοκτήτες τοπίου της παλαιότερης γενιάς αναρωτιέμαι τη δημιουργικότητα του Ν.Ρ. Κριμαία (1884 - 1958), η οποία δημιούργησε το 1937 μια διάσημη εικόνα "Πρωί στο Κεντρικό Πάρκο Πολιτισμού και ξεκούρασε το όνομα του Gorky στη Μόσχα". Μια μεγάλη πανοραμική θέα στο πάρκο, ο οποίος έπεσε πίσω του, δόθηκε, μια ομαλή γραμμή του ορίζοντα, λαμβάνοντας το μάτι του θεατή έξω από τον καμβά, - όλα αναπνέουν με φρεσκάδα και έκθεση.

Α. Flylov, η εργασία του οποίου σχηματίστηκε στις αρχές του 20ού αιώνα, στην εικόνα "Λένιν στη διαρροή" (1934) συνδέει το τοπίο με το ιστορικό είδος, φτάνοντας στην αίσθηση της έκτησης της φύσης, των σκέψεων, των συναισθημάτων, ισχυριζόμενος ιστορικός αισιοδοξία.

Το πανοραμικό τοπίο έχει εκδηλωθεί στα έργα πολλών ζωγράφων διαφόρων δημοκρατιών. Αυτή η επιβάρυνση συσχετίστηκε με την απότομη αίσθηση της πατρίδας, της μητρικής γης, η οποία στη δεκαετία του 1930 ενισχύθηκε και μεγάλωσε. D.n. Kakabadze (1889 - 1952) Στο "imereti τοπίο" του (1934) δίνει μια μεγάλη στροφή των καυκάσιων βουνών, αφήνοντας την απόσταση, - η κορυφογραμμή πίσω από την κορυφογραμμή, η πλαγιά πίσω από την πλαγιά. Στο έργο της M.S. Το Saryan 30s χαρακτηρίστηκε επίσης από το ενδιαφέρον για το εθνικό τοπίο, στην πανοραμική θέα της Αρμενίας.

Η καρποφόρα ανάπτυξη κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου λαμβάνει επίσης ένα είδος πορτρέτου στον οποίο καλλιτέχνες της παλαιότερης γενιάς σ.λ. Konchalovsky, δηλ. Grabar, m.v. Nesterov και μερικοί άλλοι.

P.p. Ο Konchalovsky, γνωστός για τα έργα της στα πιο διαφορετικά είδη ζωγραφικής, στη δεκαετία του '30 - 40s δημιουργεί μια ολόκληρη σειρά πορτρέτων φοιτητών της Σοβιετικής Επιστήμης και της Τέχνης. Μεταξύ των καλύτερων πορτρέτων V.V. Sofronitsky ανά πιάνο (1932), S.S. PROKOFIEV (1934), V.E. Meyerhold (1937). Σε αυτά τα έργα, ο Konchalovsky συμβάλλει στην εξαιρετική ικανότητά της να εκφράζει τη ζωή μέσω ενός συστήματος πλαστικών λουλουδιών. Συνδέει τις καλύτερες παραδόσεις της παλιάς τέχνης με μια καινοτόμο ευκρίνεια της έγχρωμης όρασης, της επιβεβαίωσης της ζωής, της μεγάλης συναισθηματικής και ισχυρής εικόνας που ακούγεται.

Η γνήσια κορυφή της ανάπτυξης της ζωγραφικής πορτρέτου αυτής της περιόδου ήταν τα έργα του M.V. Nesterova. Καθ 'όλη τη δουλειά του, τα οποία ενώνουν τους αιώνες XIX και XX., Ο Nesterov διατηρεί το μέσον της ζωής με τη ζωή. Στη δεκαετία του '30, επιβίωσαν ένα λαμπρό ανελκυστήρα, ανοίγοντας το ταλέντο του πορτρέτου του. Ένα εικονιστικό νόημα στο Nesterov Πορτρέτα - Έγκριση του δημιουργικού πνεύματος του χρόνου μέσω της ταυτότητας του δημιουργικού PATOS μιας μεγάλης ποικιλίας ανθρώπων που αντιπροσωπεύουν αυτή τη φορά. Ο κύκλος των ηρώων Nesterov είναι εκπρόσωποι της σοβιετικής διανοητικής παραγωγής, των ανθρώπων δημιουργικών επαγγελμάτων. Έτσι, μεταξύ των σημαντικότερων έργων του Nesterov, πορτρέτα καλλιτεχνών - αδελφοί Cory (1930), γλύπτης I.D. Shadra (1934), Ακαδημαϊκός i.p. Pavlova (1935), χειρουργός S.S. Yudina (1935), γλύπτης V.I. Mukhina (1940). Ο Nesterov ενεργεί ως συνεχής παράδοση πορτρέτου του V.A. Serov. Υπογραμμίζει τα χαρακτηριστικά, τονίζει τις χειρονομίες, χαρακτηριστικές θέσεις των ηρώων τους. Ο ακαδημαϊκός Pavlov σφιγεί σταθερά γροθιές που τοποθετούνται στο τραπέζι και αυτή η στάση αποκαλύπτει τη δύναμη του Πνεύματος, σε αντίθεση με μια σαφή γήρατα. Ο χειρουργός Yudin απεικονίζεται επίσης σε ένα προφίλ που κάθεται στο τραπέζι. Αλλά η εκφραστικότητα αυτής της εικόνας είναι χτισμένη σε ένα χαρακτηριστικό, "πετούν" χειρονομία, ανεβαίνει προς τα πάνω. Εξαγάγετε τα δάχτυλα του Yudin - οι τυπικοί χειρουργοί, το Deft και ισχυρό, έτοιμο να εκπληρώσει τη θέλησή του. Η Mukhina απεικονίζεται κατά τη στιγμή της δημιουργικότητας. Γλυπτεί τη γλυπτική - εστιασμένη, χωρίς να δώσει προσοχή στον καλλιτέχνη, να υπακούει εντελώς την ώθηση του.

Παρατίθεται συνοπτικά σε αυτά τα αξεσουάρ πορτρέτων. Είναι γεμάτα και ενεργά περιλαμβάνονται στα χαρακτηριστικά των ανθρώπων που απεικονίζονται από το χρώμα τους, φωτισμό, σιλουέτα. Η γεύση των πορτρέτων είναι δραματικά ενεργή, κορεσμένη με ήχο, λεπτώς coararled επιπλέον τόνους. Έτσι, σύνθετο χρώμα στο πορτρέτο του Pavlova, χτισμένο σε ένα συνδυασμό των καλύτερων αποχρώσεων των κρύων και ζεστών τόνων, χαρακτηρίζει την πνευματική σαφήνεια και την ακεραιότητα του εσωτερικού κόσμου του επιστήμονα. Και στο πορτρέτο των καφέ αδελφών, είναι παχιά σε βαθύ μπλε, μαύρο, κορεσμένο καφέ, εκφράζοντας τη δραματικότητα της δημιουργικής τους κατάστασης. Τα πορτραίτα Nesterov εισήγαγαν την τέχνη της ουσιαστικά νέας, η επιβεβαίωση της ζωής ξεκίνησε, δημιουργική καύση ως τις πιο χαρακτηριστικές και φωτεινές εκδηλώσεις των ανθρώπων στην εποχή του υψηλού ενθουσιασμού της απασχόλησης.

Πλησιέστερο στον καλλιτέχνη Nesterob Pavel Dmitievich Korin. (1892 - 1967). Έφερε στους ζωγράφους παλπιά, άρχισε τον δημιουργικό του τρόπο με τις γραφές των εικόνων και το 1911, στο Συμβούλιο, ο Nesterov εισήλθε στη Σχολή Ζωγραφικής, Scary και αρχιτεκτονικής της Μόσχας. Ο Σουστγκο απαιτητικός στους εαυτούς τους και στους ανθρώπους, η Corin έφερε αυτή την ποιότητα μέσω της δημιουργικότητάς του. Σε δημιουργική ανάπτυξη, και μάλιστα στη ζωή του καλλιτέχνη, η Α.Μ. διαδραμάτισε σημαντικό ρόλο Ο Γκόρκι, με τον οποίο συναντήθηκε το 1931 ο Γκόρκι βοήθησε τον Κορίνα να ταξιδέψει στο εξωτερικό για να εξερευνήσει τα καλύτερα μνημεία της παγκόσμιας τέχνης.

Μπορεί να είναι γι 'αυτό η γκαλερί πορτρέτου των επιστημόνων, των καλλιτεχνών, των συγγραφέων της εποχής μας, το οποίο Corin δημιουργεί τα χρόνια, άρχισε τον τρόπο A.M. Gorky (1932). Ουσιαστικά, σε αυτό το έργο αποκαλύπτονται τα κύρια χαρακτηριστικά του Corin-Portrainist. Το πορτραίτο του Gorky είναι ένα πραγματικά μνημειώδες προϊόν, όπου μια σαφή ανιχνευμένη σιλουέτα, ένα φόντο αντίθεσης, ένα ευρύ γεμισμένο με το χρώμα των μεγάλων περιοχών καμβά, μια απότομη εκφραστική εικόνα εκφράζει την ιστορική γενίκευση της προσωπικότητας του συγγραφέα. Για αυτό, όπως και για άλλα πορτρέτα της Corin, χαρακτηρίζεται από ένα σκληρό γάμμα με αφθονία σκούρου γκρι, σκούρο μπλε, λιπαρό, μερικές φορές σε μαύρο, τόνους. Αυτό το γάμμα, καθώς και ένα σαφώς κολλημένο σχήμα του κεφαλιού και των αριθμών που απεικονίζονται, εκφράζει τις συναισθηματικές ιδιότητες του ίδιου του καλλιτέχνη (6).

Στη δεκαετία του '30, Corin δημιουργεί πορτρέτα των ηθοποιών L.M. Leonidova και V.I. Kachalova, καλλιτέχνης M.V. Nesterova, Writer A.N. Tolestoy, επιστήμονας n.f. Gamalei. Προφανώς, γι 'αυτόν, καθώς και για τον πνευματικό του δάσκαλο m.v. Η Nesterova, το ενδιαφέρον για τη δημιουργική προσωπικότητα απέχει πολύ από την ευκαιρία.

Οι επιτυχίες της ζωγραφικής των 30 δεν σημαίνουν ότι η πορεία της ανάπτυξής της ήταν απλή και στερημένη αντιφάσεις. Σε πολλά έργα, τα χρόνια αυτά έδειξαν και σταθεροποιήθηκαν τα χαρακτηριστικά που δημιουργούνται από τη λατρεία του i.v. Στάλιν. Πρόκειται για ένα ψεύτικο παθό μιας ψευδο-ετεροϊκής, ψευδοδεσμικής, ψευδοδυπρωτικής στάσης απέναντι στη ζωή που καθορίζει την ουσία και το νόημα της τέχνης "παρέλασης". Υπήρξε ένας ανταγωνισμός μεταξύ καλλιτεχνών στον αγώνα για τους αδιαμφισβήτητους "Superpersians", που σχετίζονται με την εικόνα i.v. Στάλιν, η επιτυχία της εκβιομηχάνισης, η επιτυχία της αγροτιάς και της συλλογικότητας. Υπήρχαν ένας αριθμός καλλιτεχνών, "ειδικεύοντας" σε αυτό το θέμα. Το πιο ανθεκτικό σε αυτό το θέμα ήταν ο Αλέξανδρος Γερασιμοφύς ("Στάλιν και Κ.Ε. Voroshilov στο Κρεμλίνο" και τα άλλα έργα του).

Βιβλιογραφία

1. VereshchaGin Α. Καλλιτέχνης. Χρόνος. Ιστορία. Δοκίμια της ιστορίας της ρωσικής ιστορικής ζωγραφικής XVIII - αρχή. XX αιώνες. - L.: ART, 1973.

2. Ζωγραφική 20 - 30s / ed. V.SManina. - SPB.: Καλλιτέχνης RSFSR, 1991.

3. Zezina M.R., Koshman L.V., Shulgin V.S. Η ιστορία της ρωσικής κουλτούρας. - m.: Υψηλότερη. Σχολείο, 1990.

4. Lebedev P.I. Σοβιετική τέχνη κατά τη διάρκεια της εξωτερικής παρέμβασης και του εμφυλίου πολέμου. - Μ., 1987.

5. Likhachev Δ. Ρωσική τέχνη από την αρχαιότητα στο Avant-Garde. - M.: ART, 1992.

6. ilina t.v. Ιστορία των Τεχνών. Πατριωτική τέχνη. - m.: Υψηλότερη. Σχολείο, 1994.

7. Ιστορία της τέχνης των λαών της ΕΣΣΔ. Σε 9 τόνους. - Μ., 1971 - 1984.

8. Ιστορία της ρωσικής και της σοβιετικής τέχνης / ed. Mm Allenova. - M.: Ανώτερο Σχολή, 1987.

9. Polycarpov V.M. Πολιτισμολογία. - M.: Gardaria, 1997.

10. Rosin V.M. Εισαγωγή στη ανθοφορία. - Μ.: Φόρουμ, 1997.

11. Stepananan Ν. Τέχνη της Ρωσίας του XX αιώνα. Προβολή από τη δεκαετία του '90. - Μόσχα: Eksmo-Press, 1999.

12. Suzdalev P.K. Η ιστορία της σοβιετικής ζωγραφικής. - Μ., 1973.

Δημοσιεύτηκε στο Allbest.ru.

Παρόμοια έγγραφα

Ζωή και δημιουργικότητα ΚΑ. Petrova-Vodkina. Διάσκεψη της επανάστασης μέσω διαφόρων έργων. Διασχίζοντας τα εικονίδια ιστοριών με μοντέρνα οικόπεδα. Παραδόσεις κλασικών αυστηρών σχεδίων και καλλιτεχνών πρόωρης αναγέννησης. Παραδόσεις στο έργο του καλλιτέχνη.

Πρακτική εργασία, προστέθηκαν 01/23/2014


Ρωσική φαντασία στις αρχές του XX αιώνα. Η προέλευση της δημιουργικότητας και της βασικής ράβδου της τέχνης Κ. ΠΕΤΡΑΒΑ-Βοκίνα, το έργο του πριν από την επανάσταση του 1917 και στην περίοδο της. Επιθεώρηση του Συλλόγου Θεωρητικής απόψεων με τη δική της καλλιτεχνική πρακτική.

Εξέταση, προστέθηκαν 11/28/2010


Η ανάπτυξη οπτικών μέσων του Ύστερη XIX - πρώιμη XX αιώνα, ο γραφικός τρόπος εκπροσώπων της Ρωσικής Ρεαλιστικής Ζωγραφικής. Ιστορικές καμβάδες, τοπία κινητών καλλιτεχνών, πρωτοπόροι-κηπευτικοί, μεταπτυχιακοί δάσκαλοι. "Suprematism", συμβολιστές καλλιτέχνες.

Παρουσίαση, προστέθηκε 02.10.2013


Η βιογραφία της Petrova-Vodkina, ο σχηματισμός ενός νέου καλλιτεχνικού συστήματος του οδηγού. Διάφοροι τρόποι πολύχρωμων ποιοτήτων των καμβά του. Ο χρόνος συνεχούς χρόνου στα έργα της Petrova-Vodkina: σε πορτρέτα, τοπία, ακόμα ζωγραφίζει, σχεδιάζουν πίνακες.

Διατριβή, πρόσθεσε 24.03.2011


Οι εκθέσεις νεολαίας ως μία από τις κύριες στιγμές έλξης ενδιαφέροντος ακροατηρίου στην ηλικία των 60-80 ετών. Γνωριμία με τα έργα του Korzhev, Τ. Salahova, αδελφοί Tkacheva, Iokubonis, I. Golitsyn. Την εμφάνιση νέων περιοδικών τέχνης.

Παρουσίαση, προστέθηκε 30.10.2013


Την αρχή της θεωρητικής αιτιολόγησης για την κατάρτιση πρακτικής. Κατάρτιση σχεδίασης στην αρχαία Αίγυπτο. Καλλιτέχνες της Αναγέννησης. Καλλιτεχνικές κατευθύνσεις, ανοιχτά και σταθερά εχθρικό ρεαλισμό. Θεωρολόγους της αισθητικής εκπαίδευσης της επαναστατικής Ρωσίας.

Περίληψη, προστέθηκε 01/10/2013


Γλυπτική "εργαζόμενος και συλλογικός αγρότης" και άλλα γλυπτά έργα πίστης Mukhina. Έργα του γλύπτη Ivan Shadrin. Γραφικά πανιά των σοβιετικών καλλιτεχνών Mitrofan Grekova, Arkady Plastov. Αρχιτέκτονες-Constructivists Victor και Leonid Vesnina.

Παρουσίαση, προστέθηκε 01/06/2013


Ζωγράφοι, γραφικά και γλύπτες που εργάστηκαν το 1900-1930. Στη Ρωσία και περιλαμβάνονται σε διάφορα άρθρα και ενώσεις. Ένωση εκθέσεων κινητής τέχνης. Η εμφάνιση της Ένωσης Ένωσης "Ένωση Ρωσικών Καλλιτεχνών".

Παρουσίαση, προστέθηκαν 25.10.2015


Περιγραφή των κύριων τεχνικών για την ανάλυση της καλλιτεχνικής εργασίας. Ανάλυση του τόπου συμβολισμού και σύγχρονης στη ρωσική τέχνη στην αρχή του XX αιώνα. Στο παράδειγμα των έργων του Κ.Π.Α. Petrova-Vodkina. Χαρακτηριστικά του σχηματισμού ρεαλισμού στη ρωσική μουσική στα έργα του Μ.Ι. Glinka.

Μεθοδολογία, προστέθηκαν 11/11/2010


VIVCHENNYA BICOGREIH ARCHNECTUR XIX XIX: Beketova O.M., Bernardazsky O.Y., Gorodetsky που σε. VOTNNITERTHITETTS TA Καλλιτέχνες του Κεντρικού Περιηγούχου: Pearzhugs L.M., Shevchenko T.G., Bashkirtseva M.K., Bogomazov O.K.