Οι Σοβιετικοί αντικομφορμιστές καλλιτέχνες γίνονται κλασικοί. Ο αντικομφορμισμός στη σοβιετική κουλτούρα: πηγές και πρωτοτυπία Ο αντικομφορμισμός στους καλλιτέχνες της τέχνης

ΝΕΜΟΥΧΙΝ ΒΛΑΔΙΜΙΡ ΝΙΚΟΛΑΕΒΙΤΣ

Γεννήθηκε στη Μόσχα στις 12 Φεβρουαρίου 1925 στην οικογένεια ενός ντόπιου του χωριού, ο οποίος έγινε εργάτης. Πέρασε τα παιδικά του χρόνια στο χωριό Priluki (περιοχή Kaluga), στις όχθες του Oka. Το 1943-1946 σπούδασε στο Στούντιο Τέχνης της Μόσχας του Συνδικαλιστικού Κεντρικού Συμβουλίου Συνδικάτων. Χρησιμοποίησε τις συμβουλές του καλλιτέχνη P.E. Sokolov, χάρη στον οποίο ανακάλυψε την τέχνη του μετα-ιμπρεσιονισμού και του κυβισμού. Για κάποιο διάστημα (1952-1959) κέρδιζε τα προς το ζην ως σχεδιαστής και καλλιτέχνης αφίσας. Συμμετείχε ενεργά σε ιδιωτικές και δημόσιες εκθέσεις πρωτοποριακής τέχνης, συμπεριλαμβανομένης της σκανδαλώδους «έκθεσης μπουλντόζας» στην έρημο της Μόσχας στο Belyaevo. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1960, η ζωγραφική του αναγνωρίζεται όλο και περισσότερο στη Δύση. Έζησε στη Μόσχα.

Μετά από πρώιμα τοπία Oka με τον παραδοσιακό τρόπο, καθώς και πειραματισμούς στο πνεύμα του κυβισμού και της εικαστικής αφαίρεσης, βρήκε το στυλ του σε ένα τυχαίο μοτίβο χαρτών στην άμμο της παραλίας.

Στα μέσα της δεκαετίας του 1960, αυτό το αυθόρμητο μοτίβο διαμορφώθηκε σε ημι-αφηρημένες «νεκρές φύσεις με χάρτες», που έγινε μια εξαιρετικά πρωτότυπη εκδήλωση του «ινφορμέλ» - ένα ειδικό αφαιρετικό κίνημα βασισμένο σε συνδυασμούς καθαρής εικαστικής έκφρασης με δραματικό και εικονικό στοιχείο. . Στη συνέχεια, ο Nemukhin διαφοροποίησε το εύρημα του για πολλά χρόνια, μετατρέποντας μερικές φορές την επιφάνεια του καμβά σε ένα αντικειμενικό επίπεδο «αντιανακούφισης», που θυμίζει έναν παλιό, χαμένο χρόνο τοίχο ή την επιφάνεια ενός τραπεζιού. Συχνά ζωγράφιζε -με μικτή, όπως λέγαμε, εικαστική και γραφική τεχνική- και σε χαρτί (η σειρά Jack of Diamonds, τέλη δεκαετίας 1960 - αρχές δεκαετίας 1970).
Η αφομοίωση του πίνακα με το θέμα έφερε τα έργα του της δεκαετίας του 1980 πιο κοντά στην ποπ αρτ. Την περίοδο αυτή στράφηκε επανειλημμένα σε γλυπτικές-τρισδιάστατες αφαιρέσεις, βιομορφικές ή γεωμετρικές, στη συνέχεια όλο και πιο συχνά, εκθέτοντας τα έργα του, συνόδευε πίνακες και γραφικά φύλλα με μεγάλες εγκαταστάσεις.
«Φόρος τιμής στον Μπαχ»

Στο γύρισμα του 20ου-21ου αι. έζησε κυρίως στη Γερμανία (Ντίσελντορφ), επισκεπτόμενος συνεχώς τη Ρωσία, όπου το 2000 το έργο του κατέλαβε εξέχουσα θέση στην Πινακοθήκη Τρετιακόφ και στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Μόσχας. Το 1999 κυκλοφόρησε το βιβλίο Οι Μονόλογοι του Νεμούχιν.
https://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/3/37/1008877.htm

Παρ, 20/11/2009 - 16:58
Ζέβρα

συμμέτοχος

ΣΙΤΝΙΚΟΦ, Βασίλι Γιακόβλεβιτς

Γεννήθηκε στο χωριό Novo-Rakitino (περιοχή Lebedyansky της επαρχίας Tambov) στις 19 Αυγούστου (1 Σεπτεμβρίου) 1915 σε μια οικογένεια αγροτών που μετακόμισε στη Μόσχα το 1921. Το 1933 σπούδασε στο Κολέγιο Μηχανικών Πλοίων της Μόσχας, εθισμένος στην κατασκευή μοντέλων ιστιοφόρων. Μια προσπάθεια εισόδου στο Vkhutemas (1935) ήταν ανεπιτυχής. Εργάστηκε στην κατασκευή του μετρό, ως εμψυχωτής και μοντελιστής για τον σκηνοθέτη A.L. Ptushko, έδειξε διαφάνειες σε διαλέξεις καθηγητών του Ινστιτούτου Τέχνης V.I. Surikov (εξ ου και το παρατσούκλι "Vasya the Lamplighter"). Έχοντας πέσει θύμα συκοφαντίας, το 1941 συνελήφθη, κηρύχθηκε ψυχικά άρρωστος και στάλθηκε για υποχρεωτική θεραπεία στο Καζάν. Επιστρέφοντας στην πρωτεύουσα (1944), τον διέκοψαν περίεργες δουλειές. Κατά την «απόψυξη» εντάχθηκε στο κίνημα της «ανεπίσημης» τέχνης.
Η επίσημη πηγή της δουλειάς του ήταν το παραδοσιακό σύστημα ακαδημαϊκής διδασκαλίας, βασισμένο στην εργασία με γυμνή φύση και την προσεκτική γραφική σκίαση.

Με τον Σίτνικοφ, ωστόσο, η ακαδημαϊκή φύση μετατράπηκε σε σουρεαλιστικό ερωτισμό και η σκίαση σε ένα ασταθές στοιχείο αέρα, που τυλίγει μορφές με τη μορφή ομίχλης χιονιού, ομίχλης βάλτου ή ομίχλης φωτός.

Σε αυτό προστέθηκαν τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του «ρωσικού στυλ» στο πνεύμα του συμβολισμού και του νεωτερισμού. Έτσι γεννήθηκαν οι εικονογραφικές και γραφικές σειρές του των δεκαετιών του 1960 και του 1970 - γυμνά, σεξουαλικά γκροτέσκες, είδη με ένα «μοναστήρι με νιφάδες χιονιού»
,
στεπικά τοπία (συχνά και με κεντρικό μοτίβο της μονής).
Ο ίδιος ο τρόπος ζωής του ήταν ένα είδος χάπενινγκ, μια συνεχής καλλιτεχνική ανοησία, ξεκινώντας με την περίφημη επιγραφή «I'll be right back» στην πόρτα του διαμερίσματος, όπου φυλάσσονταν μια πολύτιμη συλλογή εκκλησιαστικών αρχαιοτήτων και ανατολίτικων χαλιών.
Από το 1951, ο καλλιτέχνης διδάσκει ενεργά, πραγματοποιώντας το όνειρό του για μια «οικιακή ακαδημία».

Το παιδαγωγικό του σύστημα περιελάμβανε πολλά εξωφρενικά παράδοξα (συμβουλές για το πώς να μαθαίνεις τον τόνο «σκιάζοντας» φωτογραφίες εφημερίδων ή πώς να ζωγραφίζεις ένα τοπίο με μια σκούπα από μια γούρνα με μια λύση βαφής). Διάφοροι εξέχοντες δασκάλοι (V.G. Veisberg, Yu.A. Vedernikov, M.D. Sterligova, A.V. Kharitonov και άλλοι) συνδέθηκαν με τη «σχολή Sitnikov» τόσο με άμεση μαθητεία όσο και με δημιουργικές επαφές. Ωστόσο, σε γενικές γραμμές, με κάποιες εξαιρέσεις (όπως αυτές που αναφέρονται παραπάνω), αυτή η σχολή εκφυλίστηκε με τα χρόνια στην παραγωγή του εικονογραφικού κιτς «underground-suvenir».

Το 1975 ο πλοίαρχος μετανάστευσε μέσω της Αυστρίας στις ΗΠΑ. Δώρισε το πιο πολύτιμο μέρος της συλλογής εικόνων του στο Μουσείο Παλαιάς Ρωσικής Τέχνης Αντρέι Ρούμπλεφ. Τα δικά του πράγματα «σκόρπισαν» σχεδόν χωρίς ίχνος -χωρίς να υπολογίζουμε αναπαραγωγές και μεμονωμένα έργα σε μουσεία. Δεν είχε επιτυχία στο εξωτερικό.
Ο Σίτνικοφ πέθανε στη Νέα Υόρκη στις 28 Νοεμβρίου 1987.
Στη δεκαετία του 1950, πέρασε από τα πρώτα πράγματα στο πνεύμα του ακαδημαϊσμού (κυρίως στον κύκλο των «πληγωμένων», εκφράζοντας την οδυνηρή μνήμη του πολέμου) σε ένα πρωτότυπο στυλ που συνδυάζει τα χαρακτηριστικά του συμβολισμού και του κυβισμού με τη βίαιη έκφραση.

Τα έργα του είναι συνήθως χυτά σε μπρούντζο· στις μεγαλύτερες συνθέσεις ο γλύπτης προτιμά το σκυρόδεμα.
Τα έργα του Αγνώστου, που ενσαρκώνουν τη διαδικασία του αιώνιου σχηματισμού, ένα είδος «μορφής ροής», συντίθενται σε μεγάλους κύκλους, τόσο γλυπτικούς όσο και γραφικούς (και αργότερα εικονιστικούς): Γιγαντομαχία (από το 1958), Εικόνες του Ντοστογιέφσκι (από το 1963· στο 1970 στη σειρά «Λογοτεχνικά Μνημεία» κυκλοφόρησε το μυθιστόρημα Έγκλημα και Τιμωρία με τις εικονογραφήσεις του).

Από το 1956, ο καλλιτέχνης εργάζεται στο κύριο, πιο φιλόδοξο σχέδιό του - το Δέντρο της Ζωής.
,
έργο ενός γιγαντιαίου γλυπτού-περιβάλλοντος, που συνδυάζει περίπλοκα τα μοτίβα μιας κορώνας δέντρου, μιας ανθρώπινης καρδιάς και ενός «φύλλου Möbius», συμβολίζοντας τη δημιουργική ένωση τέχνης και επιστήμης.

Ο άγνωστος έλαβε μεγάλες επίσημες παραγγελίες (ένα μνημείο προς τιμήν της φιλίας των λαών, το λεγόμενο λουλούδι Lotus στο φράγμα Aswan στην Αίγυπτο, 1971· διακοσμητικά ανάγλυφα για το Ινστιτούτο Ηλεκτρονικής στο Zelenograd, 1974, και το πρώην κτίριο του Κεντρική Επιτροπή του ΚΚΣΕ στο Ασγκαμπάτ (τώρα Βουλή της Κυβέρνησης του Τουρκμενιστάν, 1975) και κ.λπ.). Γνωριμία με τον Ν.Σ. Χρουστσόφ, - ωστόσο, κατά τη διάρκεια ενός σκανδάλου σε μια έκθεση στο Μανέζ της Μόσχας - στη συνέχεια εκτέλεσε την ταφόπλακά του (1974), τονίζοντας τον αντιφατικό χαρακτήρα της διακυβέρνησης του Χρουστσόφ με συμβολικές αντιθέσεις μορφών. Το 1976 μετανάστευσε και από το 1977 εγκαταστάθηκε στις ΗΠΑ, κοντά στη Νέα Υόρκη.
TEFI

Από το 1989, ο πλοίαρχος επισκέπτεται συχνά τη Ρωσία. εδώ, σύμφωνα με τα σχέδιά του, κατασκευάστηκε ένα μνημείο για τα θύματα του Γκουλάγκ στο Μαγκαντάν (1996) -με ένα γιγάντιο τσιμεντένιο Πρόσωπο Θλίψης- καθώς και η σύνθεση Revival in Moscow (2000). Το 1996 έλαβε το Κρατικό Βραβείο.

Ξεκινώντας το 1962 (άρθρο στο περιοδικό Discovering the New in the Art), και ιδιαίτερα κατά τις δεκαετίες της μετανάστευσης, παρέδωσε θεωρητικά άρθρα και διαλέξεις με θέματα «συμβίωση πίστης και γνώσης» στην τέχνη, σχεδιασμένα να συνδυάζουν την καλλιτεχνική εμπειρία του αρχαϊκή και πρωτοποριακή. Δημοσίευσε λευκά ποιήματα σχολιάζοντας μεταφορικά την τέχνη του. Στο Uttersberg (Σουηδία) υπάρχει ένα μουσείο «Tree of Life», αφιερωμένο στο έργο του Άγνωστου.

https://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/0/0c/1007903.htm
Πω πω, τι ταλαντούχος, και έχω ακούσει μόνο άσχημα πράγματα για αυτόν στο παρελθόν !!!

Πρόσφατα, το κέντρο τέχνης Pushkinskaya-10 άνοιξε μια έκθεση αφιερωμένη στην 40η επέτειο της ομάδας καλλιτεχνών INAKI, στην οποία συμμετέχουν οι Viktor Bogorad, Sergey Kovalsky και Boris Mitavsky. Παρουσιάζεται η δουλειά τους όλα αυτά τα χρόνια. Τι μπορεί να δει κανείς εδώ; Τα παλιά καλά έργα μάλλον έχουν ήδη εξαντληθεί, επομένως δέκα νέα (που δημιουργήθηκαν μετά το 1991) αντιπροσωπεύουν μόνο ένα παλιό (πριν από το 1991). Εξ ου και το πρόβλημα.

Υπάρχει ένα μανιφέστο του 1973 στο οποίο οι καλλιτέχνες επέμεναν ότι το έργο τους δεν πρέπει να ταξινομηθεί ως αφηρημένο ή σουρεαλιστικό. Δυστυχώς, αυτό δεν μπορεί να αποφευχθεί, τουλάχιστον σε σχέση με νέα έργα. Για την ακρίβεια, έχουμε να κάνουμε με σαλονικό σουρεαλισμό, εύκολα προσβάσιμο για κατανόηση.

Στον κινηματογράφο υπάρχει ο όρος «κινηματογράφος εκμετάλλευσης», όταν ένα συγκεκριμένο κοινό θέμα αξιοποιείται στην ταινία προκειμένου να μεγιστοποιηθούν τα κέρδη με ελάχιστη επένδυση. Μπορούμε να δούμε κάτι παρόμοιο στο παράδειγμα του σημερινού αντικομφορμισμού, ο οποίος συχνά ασχολείται με την εκμετάλλευση του εαυτού του, εκείνων των εικόνων που επινοήθηκαν πίσω στην ΕΣΣΔ. Φυσικά, συμβαίνει ορισμένα θέματα να μην χάνουν τη συνάφειά τους για μεγάλο χρονικό διάστημα. Αλλά στην πραγματικότητα δεν είναι τόσοι πολλοί, όσο φαίνεται στους καλλιτέχνες.

Ένα από τα προβλήματα αυτής της γενιάς καλλιτεχνών είναι η καταπίεση της επίσημης τέχνης από τις αρμόδιες αρχές της ΕΣΣΔ. Για το λόγο αυτό, όντας στο αποκορύφωμα της δημιουργικής δραστηριότητας, δεν μπορούσαν να βρουν τις κατάλληλες συνθήκες ανάπτυξης. Ως αποτέλεσμα, η τέχνη δημιουργήθηκε για εσωτερική κατανάλωση, τροφοδοτούμενη μόνο από το δικό της περιβάλλον, και αυτό συνεχίστηκε για αρκετό καιρό. Ήταν δύσκολο να μην το συνηθίσεις. Και μέχρι σήμερα συνεχίζεται το παιχνίδι του αντικομφορμισμού, το οποίο τελειώνει με την παραγωγή παρόμοιων πλοκών Σότσαρ. Υπάρχει ένα άλλο πρόβλημα για το οποίο δεν θέλω να μιλήσω, αλλά δεν θα το προσπεράσετε. Αλκοόλ. Σκότωσε πολλούς καλλιτέχνες...

Ο καλλιτέχνης Sergei "Africa" ​​Bugaev ξεχωρίζει ένα άλλο πρόβλημα, ένα πιο παγκόσμιο. Η απομόνωση της καλλιτεχνικής κοινότητας της Ρωσικής, και κυρίως της Αγίας Πετρούπολης, η εμμονή με τον εαυτό της. Δεν είναι περίεργο που οι καλλιτέχνες είναι αποκομμένοι από όλα όσα συμβαίνουν στην παγκόσμια τέχνη.

«Δεν υπάρχει κυκλοφορία εντός της καλλιτεχνικής δραστηριότητας. Υπάρχει μια στιγμή στασιμότητας, - λέει ο Bugaev. «Ταυτόχρονα, έχουμε ακόμη μια διαίρεση σε επίσημη και ανεπίσημη τέχνη». Υπό αυτή την έννοια, τα σύνορα μπορούν τώρα να διαγραφούν εντελώς, επειδή αυτός ο πρώην αντικομφορμισμός θα μπορούσε να έχει γίνει επίσημη αίγλη για μεγάλο χρονικό διάστημα.

Η «Africa» λέει επίσης ότι αυτή τη στιγμή δεν υπάρχει καλή υποδομή εκθέσεων και μουσείων, γεγονός που δίνει στους καλλιτέχνες την ευκαιρία να δείξουν τη δουλειά τους σε άλλες πόλεις. Τα αντικείμενα τέχνης λιμνάζουν. Αλλά πράγματι, η διάρκεια ζωής της έκθεσης είναι λιγότερο από ένα μήνα. Και μετά τι? Στη συνέχεια οι πίνακες θα επιστραφούν πίσω στα στούντιο...

Όσο για το θέμα της εσωτερικής κατανάλωσης της τέχνης, αυτό είναι στην πραγματικότητα μια εκδήλωση σνομπισμού προς αυτούς που «δεν καταλαβαίνουν». Αποδεικνύεται ότι η κατοχή αντικειμένων τέχνης είναι προνόμιο όσων «καταλαβαίνουν» (μόνο που δεν έχουν όλοι χρήματα για αυτήν την «κατανόηση»).

Η λαϊκή τέχνη στη σύγχρονη κοινωνία αντιμετωπίζεται συχνότερα ως κάτι επαίσχυντο, εξωπραγματικό. Παρά το γεγονός ότι το Ρωσικό Μουσείο είναι γεμάτο με έργα λαϊκής τέχνης.

Αλλά στη Γερμανία, για παράδειγμα, η αγορά ενός πίνακα από έναν νέο, ενδιαφέροντα, σύγχρονο καλλιτέχνη, ο οποίος επιδεικνύει αντίθεση στο σύστημα στα έργα του, θεωρείται φυσιολογική.

Πρύτανης της Ακαδημίας Τεχνών I.E. Ο Repin, ο Semyon Mikhailovsky προτρέπει να μην αναλογιστούμε την Pushkinskaya-10, καθώς ούτε αυτό καθαυτό ούτε ό,τι συνδέεται με αυτό έχει υπάρξει από καιρό. Φυσικά, αξίζει να θυμόμαστε τους καλλιτέχνες της παλιάς γενιάς, αλλά είναι καιρός να σταματήσουμε να αντιλαμβάνουμε τη δουλειά τους ως σύγχρονη τέχνη. Οι έννοιες της μη κομφορμιστικής τέχνης είναι ξεπερασμένες και αν με κάποιο τρόπο τοποθετηθείς στο πλαίσιο ενός μουσείου, τότε με τον κατάλληλο τρόπο. Δεν έχει νόημα να περιθωριοποιούμε τεχνητά τον εαυτό μας, διαφορετικά θα αποδειχθεί απλώς μια προσπάθεια δημιουργίας μιας τραβηγμένης σύγκρουσης. Ως επί το πλείστον, τέτοιες εκθέσεις γίνονται πραγματικά για τον εαυτό τους και η αγορά τέχνης δεν ενδιαφέρεται για τους ίδιους τους συγγραφείς. Για εκείνους τους ανθρώπους για τους οποίους το Pushkinskaya-10 είναι ένα εξωτερικό φαινόμενο, τέτοια θέματα απλά δεν είναι ενδιαφέροντα.

Θέλετε να διαπράξετε μια πράξη αληθινού αντικομφορμιστή σήμερα, να κάνετε κάτι αντίθετο με την επίσημη ιδεολογία και την ανεπίσημη τέχνη; Κρεμάστε στο σπίτι σας έναν κλασικό σοσιαλιστικό ρεαλιστικό πίνακα που απεικονίζει μαθητές να υψώνουν παρθένο χώμα. Ωραία και ενάντια στο σύστημα.

Αντικομφορμισμός. Με αυτό το όνομα, συνηθίζεται να ενώνονται εκπρόσωποι διαφόρων καλλιτεχνικών κινημάτων στις εικαστικές τέχνες της Σοβιετικής Ένωσης της δεκαετίας του 1950-1980, που δεν εντάσσονται στο πλαίσιο του σοσιαλιστικού ρεαλισμού - της μόνης επίσημα επιτρεπόμενης κατεύθυνσης στην τέχνη.

Οι αντικομφορμιστές καλλιτέχνες στην πραγματικότητα εκδιώχθηκαν από τη δημόσια καλλιτεχνική ζωή της χώρας: το κράτος προσποιήθηκε ότι απλώς δεν υπήρχαν. Η Ένωση Καλλιτεχνών δεν αναγνώρισε την τέχνη τους, τους στερήθηκε η ευκαιρία να δείξουν τα έργα τους σε εκθεσιακούς χώρους, οι κριτικοί δεν έγραψαν γι 'αυτούς, οι εργαζόμενοι στα μουσεία δεν επισκέφτηκαν τα εργαστήριά τους.

1. Dmitry Plavinsky "Shell", 1978

«Η δημιουργία των ανθρώπινων σκέψεων και των χεριών απορροφάται αργά ή γρήγορα από τα αιώνια στοιχεία της φύσης: Ατλαντίδα - από τον ωκεανό, τους ναούς της Αιγύπτου - από την άμμο της ερήμου, το παλάτι της Κνωσού και τον λαβύρινθο - από την ηφαιστειακή λάβα, οι πυραμίδες των Αζτέκων - από τις λιάνες της ζούγκλας. Για μένα, το μεγαλύτερο ενδιαφέρον δεν είναι η ανθοφορία ενός συγκεκριμένου πολιτισμού, και ο θάνατός της και η στιγμή της γέννησης του επόμενου..."

Ντμίτρι Πλαβίνσκι, καλλιτέχνης

2. Oscar Rabin "Νεκρή φύση με ψάρια και εφημερίδα" Pravda "", 1968

"Όσο πιο πέρα, τόσο πιο έντονα ένιωθα ότι δεν μπορούσα χωρίς να ζωγραφίσω, για μένα δεν υπήρχε τίποτα πιο όμορφο από τη μοίρα του καλλιτέχνη. Ωστόσο, κοιτάζοντας τους πίνακες επίσημων σοβιετικών καλλιτεχνών, ένιωσα εντελώς ασυνείδητα ότι δεν θα μπορούσα ποτέ γράψε έτσι. Και καθόλου γιατί δεν μου άρεσαν - θαύμαζα την ικανότητα, μερικές φορές ειλικρινά ζήλευα - αλλά στο σύνολό τους δεν άγγιξαν, με άφησαν αδιάφορο. Κάτι σημαντικό για μένα έλειπε σε αυτά."

"Δεν βίωσα επιρροές στον εαυτό μου, δεν άλλαξα το στυλ μου, το δημιουργικό μου πιστεύω παρέμεινε επίσης αμετάβλητο. Μπορούσα να μεταφέρω την ποικιλομορφία της ρωσικής ζωής μέσω ενός συμβόλου - μια ρέγγα στην εφημερίδα Pravda, ένα μπουκάλι βότκα, ένα διαβατήριο - όλοι το καταλαβαίνουν. Ή έγραψα το νεκροταφείο του Λιανοζόφσκι και ονόμασα τη ζωγραφική "Το νεκροταφείο που πήρε το όνομά του από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι". Στην τέχνη μου, κατά τη γνώμη μου, δεν έχει εμφανιστεί τίποτα νέο, νέο, επιφανειακό. Αυτό που ήμουν - παρέμεινα ο ίδιος , όπως τραγουδιέται στο τραγούδι. Δεν έχω τη δική μου γκαλερί που να με τροφοδοτεί και να με καθοδηγεί τη δημιουργικότητά μου. Δεν θα ήθελα να γίνω κουνέλι του σπιτιού. Μου αρέσει να είμαι ελεύθερο κουνέλι. Τρέχω όπου θέλω!"

Oscar Rabin, καλλιτέχνης

3. Lev Kropivnitsky "Γυναίκα και σκαθάρια" 1966

«Η αφηρημένη ζωγραφική δίνει τη δυνατότητα να πλησιάσουμε όσο το δυνατόν περισσότερο την πραγματικότητα, να διεισδύσουμε στην ουσία των πραγμάτων, να κατανοήσουμε οτιδήποτε σημαντικό δεν γίνεται αντιληπτό από τις πέντε αισθήσεις μας. Ένιωσα τη νεωτερικότητα ως ένα σύνολο δραματικών επιτευγμάτων, ψυχολογικών εντάσεων, πνευματικών υπερκορεσμούς.Προσπάθησα και προσπαθώ, με βάση την εμπειρία και την εκ νέου αίσθηση, να δημιουργήσω μια εικαστική μορφή που να ανταποκρίνεται στο πνεύμα της εποχής και στην ψυχολογία του αιώνα.

Λεβ Κροπιβνίτσκι, καλλιτέχνης.

4. Ντμίτρι Κρασνόπεβτσεφ «Σωλήνες», 1963

"Μια εικόνα είναι επίσης ένα αυτόγραφο, μόνο πιο περίπλοκο, χωρικό, πολυεπίπεδο. Και αν το αυτόγραφο, η γραφή καθορίζουν (και όχι χωρίς επιτυχία) τον χαρακτήρα, την κατάσταση και σχεδόν την ασθένεια του συγγραφέα, αν ακόμη και οι εγκληματολόγοι δεν το παραμελήσουν αυτό αποκωδικοποιώντας, τότε η εικόνα δίνει ασύγκριτα περισσότερο υλικό για εικασίες και συμπεράσματα σχετικά με την προσωπικότητα του συγγραφέα. Έχει παρατηρηθεί από καιρό ότι ένα πορτρέτο ζωγραφισμένο από έναν καλλιτέχνη είναι ταυτόχρονα και η αυτοπροσωπογραφία του - αυτό επεκτείνεται περαιτέρω - σε οποιεσδήποτε συνθέσεις, τοπία, νεκρές φύσεις, σε οποιαδήποτε είδη, καθώς και σε μη αντικειμενική αφηρημένη τέχνη - σε ό,τι κι αν απεικονίζει ο καλλιτέχνης, και όποια κι αν είναι η αντικειμενικότητα, η απάθειά του, αν θέλει να ξεφύγει από τον εαυτό του, γίνει απρόσωπος, δεν θα μπορέσει κρύψτε, το δημιούργημά του, η γραφή του θα προδώσει την ψυχή, το μυαλό, την καρδιά, το πρόσωπό του.

Ντμίτρι Κρασνοπέβτσεφ, καλλιτέχνης.

5. Vladimir Nemukhin "Unfinished Solitaire", 1966

"Η απογραφή των στοιχείων της οπτικής γλώσσας αποτελείται κυρίως από αντικείμενα. Ήταν πριν - δέντρα, τράπεζες, κουτιά, εφημερίδες, δηλαδή σαν απλά, αναγνωρίσιμα αντικείμενα. Στα τέλη της δεκαετίας του '50, όλα αυτά μετατράπηκαν σε αφαίρεση και Σύντομα αυτή η ίδια η αφηρημένη μορφή άρχισε να με κουράζει. Αυτή είναι η κατάσταση που ανανεώνει το ενδιαφέρον για το θέμα, και αυτός με τη σειρά του ανταποδίδει. Πιστεύω ότι το θέμα είναι πολύ σημαντικό για την όραση, γιατί το ίδιο το όραμα φαίνεται μέσα από αυτό.

"Το 1958, άρχισα να φτιάχνω τα πρώτα μου αφηρημένα έργα. Τι είναι η αφηρημένη τέχνη; Κατέστησε δυνατή την άμεση ρήξη με όλη αυτή τη σοβιετική πραγματικότητα. Έγινες άλλος άνθρωπος. Η αφαίρεση είναι, από τη μια πλευρά, σαν την τέχνη του υποσυνείδητο, και από την άλλη - ένα νέο όραμα. Η τέχνη πρέπει να είναι όραμα, όχι συλλογισμός».

Vladimir Nemukhin, καλλιτέχνης.

6. Nikolay Vechtomov "Road", 1983

"Η ζωή μου είναι η δημιουργία του δικού μου καλλιτεχνικού χώρου, τον οποίο πάντα προσπαθούσα να εμπλουτίσω και προσπαθούσα πολύ γι' αυτό. Συνειδητοποίησα ότι ο καθένας μας είναι πάντα μόνος του με τους κατακλυσμούς του εικοστού αιώνα".

"Ζούμε στο σκοτάδι και το έχουμε ήδη συνηθίσει, ξεχωρίζουμε εντελώς τα αντικείμενα. Κι όμως αντλούμε φως από εκεί, από τη λάμψη του ηλιοβασιλέματος Cosmos, είναι αυτό που μας δίνει την ενέργεια της όρασης. Επομένως, είναι Όχι αντικείμενα που είναι σημαντικά για μένα, αλλά οι αντανακλάσεις τους, γιατί μέσα τους κρύβεται η πνοή ενός εξωγήινου στοιχείου».

Nikolay Vechtomov, καλλιτέχνης.

7. Anatoly Zverev Γυναικείο πορτρέτο. 1966

"Ο Ανατόλι Ζβέρεφ είναι ένας από τους πιο εξαιρετικούς Ρώσους ζωγράφους πορτρέτων που γεννήθηκαν σε αυτή τη γη, ο οποίος κατάφερε να εκφράσει τον τρεμάμενο δυναμισμό της στιγμής και τη μυστικιστική εσωτερική ενέργεια των ανθρώπων των οποίων τα πορτρέτα ζωγράφισε. Ο Ζβέρεφ είναι ένας από τους πιο εκφραστικούς και αυθόρμητους καλλιτέχνες Ο τρόπος του είναι τόσο ατομικός, που σε κάθε του πίνακα μπορείς να αναγνωρίσεις αμέσως τη γραφή του συγγραφέα. Με λίγες πινελιές, πετυχαίνει ένα τεράστιο δραματικό αποτέλεσμα, αυθορμητισμό και ακαριαία. Ο καλλιτέχνης καταφέρνει να μεταφέρει μια αίσθηση άμεση σύνδεση ανάμεσα σε αυτόν και το μοντέλο του ."

Vladimir Dlugy, καλλιτέχνης.

"Ο Ζβέρεφ είναι ο πρώτος Ρώσος εξπρεσιονιστής του 20ου αιώνα και ενδιάμεσος μεταξύ της πρώιμης και ύστερης πρωτοπορίας στη ρωσική τέχνη. Θεωρώ αυτόν τον υπέροχο καλλιτέχνη έναν από τους πιο ταλαντούχους στη Σοβιετική Ρωσία."

Γρηγόρης Κωστάκη, συλλέκτης.

8. Βλαντιμίρ Γιανκιλέφσκι «Ο Προφήτης», δεκαετία του 1970

Ο «μη κομφορμισμός» είναι συστατικό χαρακτηριστικό της αληθινής τέχνης, καθώς αντιτίθεται στην κοινοτοπία και τη σφραγίδα του κομφορμισμού, δίνοντας νέες πληροφορίες και δημιουργώντας ένα νέο όραμα για τον κόσμο. Η μοίρα ενός αληθινού καλλιτέχνη είναι συχνά τραγική, ανεξάρτητα από την κοινωνία στην οποία ζει. Αυτό είναι φυσιολογικό, αφού η μοίρα του καλλιτέχνη είναι η μοίρα της διορατότητάς του, οι δηλώσεις του για τον κόσμο, που σπάει τα καθιερωμένα στερεότυπα αντίληψης και σκέψης που δημιουργούνται από τη «μαζική κουλτούρα» και τον πνευματικό σνομπισμό. Το να είσαι δημιουργός και να είσαι «εν καιρώ» αγιοποιημένος «ήρωας» της κοινωνίας, σούπερ σταρ, είναι σχεδόν ανυπέρβλητο παράδοξο. Οι προσπάθειες να το ξεπεράσεις είναι ο δρόμος για μια κομφορμιστική καριέρα».

Vladimir Yankilevsky, καλλιτέχνης.

9. Lydia Masterkova «Σύνθεση», 1967

"Όλη την ώρα, με αμείωτη δύναμη στις αφηρημένες συνθέσεις της, τα μαγικά χρώματα είτε καίνε, είτε αστράφτουν, είτε τρεμοπαίζουν με μια φωτιά που σβήνει. Φαίνεται ότι έρχεται συνέχεια από διαφορετικές πλευρές στη μαγική επιφάνεια του καμβά. Μερικές φορές το εύθυμο η φωτεινότητα των φλεγόμενων ήχων, τα περίεργα περιγράμματα που στριφογυρίζουν και ορμούν προς τα πάνω, θυμούνται τις χορδές οργάνων του Μπαχ και μερικές φορές πρασινογκρίζα, συνυφασμένα επίπεδα που συνδέονται με βιολογικές μορφές, συνδέονται με τη Δημιουργία του Κόσμου του Millau. Το σχέδιο του Masterkov λέει πολλά. Οργανώνει σημεία στο το επίπεδο και ο χαρακτήρας των πολύχρωμων προφορών. Είναι πρωτότυπο και πολύ εκφραστικό του συγγραφέα».

Λεβ Κροπιβνίτσκι, καλλιτέχνης.

10. Vladimir Yakovlev «Γάτα με ένα πουλί», 1981

«Η τέχνη είναι ένα μέσο υπέρβασης του θανάτου».

Vladimir Yakovlev, καλλιτέχνης.

"Οι πίνακες του Βλαντιμίρ Γιακόβλεφ είναι σαν ένας νυχτερινός ουρανός γεμάτος αστέρια. Δεν υπάρχει φως τη νύχτα, το φως είναι αστέρι. Αυτό είναι ιδιαίτερα εμφανές όταν ο Γιακόβλεφ απεικονίζει λουλούδια. Το λουλούδι του είναι πάντα ένα αστέρι. Εξ ου και κάποια ιδιαίτερη λύπη χαράς όταν το συλλογιζόμαστε ζωγραφιές».

Ilya Kabakov, καλλιτέχνης.

11. Ernst Neizvestny "Heart of Christ", 1973-1975

"Χωρίζω την καλλιτεχνική δραστηριότητα (τόσο συγγραφική, όσο και μουσική και εικαστική) σε δύο τύπους: προσπάθεια για ένα αριστούργημα και προσπάθεια για ένα ρεύμα. Η προσπάθεια για ένα αριστούργημα είναι όταν ένας καλλιτέχνης έχει μια συγκεκριμένη έννοια της ομορφιάς που θέλει να ενσαρκώσει, να δημιουργήσει ένα πλήρες, ευρύχωρο, ένα αριστούργημα. Η επιθυμία για ροή είναι μια υπαρξιακή ανάγκη για δημιουργικότητα, όταν γίνεται ανάλογη με την αναπνοή, τους χτύπους της καρδιάς, το έργο ολόκληρης της προσωπικότητας. Για τους καλλιτέχνες της ροής, η τέχνη είναι μια πραγμοποιημένη ύπαρξη, κινούμαι, σηκώνομαι και πεθαίνω κάθε δευτερόλεπτο. Και όταν θέλω να χτίσω τη «Δέντρο ζωή» μου, έχω πλήρη επίγνωση της σχεδόν κλινικής, παθολογικής αδυναμίας αυτής της ιδέας. Αλλά τη χρειάζομαι για να δουλέψω. Συνδυάζω τα αιώνια θεμέλια της τέχνης και το προσωρινό του περιεχόμενο. Xia συνεχώς και για πάντα στην πίστη, να γίνει ευγενής, μεγαλειώδης, με νόημα.

Ernst Neizvestny, καλλιτέχνης.

12. Eduard Steinberg «Σύνθεση με ψάρι», 1967

"Δεν μπορώ να πω ότι είμαι σε κάποιο σωστό δρόμο. Αλλά τι είναι η αλήθεια; Αυτή είναι μια λέξη, μια εικόνα. Ο Καμύ έχει έναν υπέροχο "Μύθο του Σίσυφου", όταν ο καλλιτέχνης σέρνει μια πέτρα στο βουνό και μετά πέφτει κάτω, το ξανασηκώνει, το σέρνει πάλι - αυτό είναι περίπου το εκκρεμές της ζωής μου.

"Δεν ανακάλυψα σχεδόν τίποτα καινούργιο, απλώς έδωσα στη ρωσική πρωτοπορία μια διαφορετική οπτική. Τι; Μάλλον θρησκευτική. Βασίζω τις χωρικές γεωμετρικές δομές μου στην παλιά τοιχογραφία της κατακόμβης και, φυσικά, στη ζωγραφική των εικόνων."

Eduard Steinberg, καλλιτέχνης.

13. Mikhail Roginsky «Κόκκινη πόρτα». 1965

"Ανάγκασα τον εαυτό μου να αναδημιουργήσει την πραγματικότητα, με βάση την ιδέα μου γι' αυτήν. Αυτό κάνω ακόμα."

Mikhail Roginsky, καλλιτέχνης.

Η Κόκκινη Πόρτα είναι ένα εξαιρετικό έργο που έπαιξε καθοριστικό ρόλο στην ιστορία της ρωσικής τέχνης του 20ού αιώνα. Μαζί με τον επόμενο κύκλο εσωτερικών θραυσμάτων και λεπτομερειών (τοίχοι με πρίζες, διακόπτες, φωτογραφίες, συρταριέρα, δάπεδα με πλακάκια), αυτό το έργο σηματοδότησε την αρχή ενός νέου θεματικού ρεαλισμού. Ο «ντοκουμενταλισμός» (όπως προτιμούσε να αποκαλεί την σκηνοθεσία του ο Roginsky) προκαθόρισε την εμφάνιση όχι μόνο της ποπ αρτ, αλλά και μιας νέας πρωτοπορίας γενικότερα στη σοβιετική «υπόγεια» τέχνη, προσανατολισμένη στην παγκόσμια καλλιτεχνική διαδικασία. Η «Κόκκινη Πόρτα» ξεσήκωσε και επανέφερε στη γη πολλούς από τους σοβιετικούς καλλιτέχνες που παρασύρθηκαν από ουτοπικές και μεταφυσικές αναζητήσεις που περιβάλλονταν από την κοινοτική ζωή. Αυτό το έργο ώθησε τους καλλιτέχνες να αναλύσουν και να περιγράψουν προσεκτικά τις αισθητικές πτυχές της καθημερινής σοβιετικής ζωής. Αυτό είναι το όριο της εικαστικής ψευδαίσθησης, η γέφυρα από την εικόνα στο αντικείμενο.

Andrey Erofeev, επιμελητής, κριτικός τέχνης

14. Oleg Tselkov "Calvary" 1977

"Δεν χρειάζεται απολύτως να εκθέσω τώρα. Σε μισό αιώνα θα είναι εξαιρετικά ενδιαφέρον για μένα να δείξω τα έργα μου. Σήμερα περιτριγυρίζομαι από ανόητους σαν εμένα. Δεν καταλαβαίνουν τίποτα περισσότερο από εμένα. Οι άνθρωποι γράφουν για να καταλάβουν κάτι. Ο καλλιτέχνης Το χέρι δεν οδηγείται από την επιθυμία επίδειξης, αλλά από την επιθυμία να μιλήσω για την εμπειρία. Όταν η εικόνα ζωγραφίζεται, δεν έχω πια δύναμη πάνω της. Μπορεί να παραμείνει ζωντανή ή να πεθάνει. Οι πίνακές μου είναι το γράμμα μου σε ένα μπουκάλι πεταμένο μέσα η θάλασσα. Ίσως κανείς να μην πιάσει ποτέ αυτό το μπουκάλι και να σπάσει στον βράχο».

Oleg Tselkov, καλλιτέχνης.

15. Hulot Sooster "Red Egg", 1964

"Στην άποψή του για τη φύση δεν υπάρχει ούτε αυθορμητισμός, ούτε έκπληξη, ούτε θαυμασμός. Είναι μάλλον η άποψη ενός επιστήμονα που επιδιώκει να διεισδύσει στο μυστικό των πραγμάτων. Ο καλλιτέχνης, σαν να λέγαμε, αναζητά κάποια ιδανική φόρμουλα της φύσης, Centricity, μια φόρμουλα τόσο ολοκληρωμένη και τόσο περίπλοκη όσο η μορφή των αυγών».

Μέρες δωρεάν επισκέψεων στο μουσείο

Κάθε Τετάρτη, η είσοδος στη μόνιμη έκθεση "The Art of the 20th Century" και στις προσωρινές εκθέσεις στο (Krymsky Val, 10) είναι δωρεάν για τους επισκέπτες χωρίς ξενάγηση (εκτός από την έκθεση "Ilya Repin" και το έργο "Avant-garde σε τρεις διαστάσεις: Γκοντσάροβα και Μάλεβιτς»).

Το δικαίωμα ελεύθερης πρόσβασης σε εκθέσεις στο κεντρικό κτήριο στη Lavrushinsky Lane, στο Engineering Building, στη New Tretyakov Gallery, στο σπίτι-μουσείο του V.M. Vasnetsov, μουσείο-διαμέρισμα του A.M. Το Vasnetsov παρέχεται τις ακόλουθες ημέρες για ορισμένες κατηγορίες πολιτών:

Πρώτη και δεύτερη Κυριακή κάθε μήνα:

για φοιτητές ανώτατων εκπαιδευτικών ιδρυμάτων της Ρωσικής Ομοσπονδίας, ανεξάρτητα από τη μορφή εκπαίδευσης (συμπεριλαμβανομένων αλλοδαπών πολιτών-φοιτητών ρωσικών πανεπιστημίων, μεταπτυχιακούς φοιτητές, βοηθούς, κατοίκους, βοηθούς ασκούμενους) με την επίδειξη φοιτητικής ταυτότητας (δεν ισχύει για άτομα προσκόμιση δελτίων ταυτότητας ασκούμενου φοιτητή) );

για μαθητές δευτεροβάθμιας και δευτεροβάθμιας εξειδικευμένων εκπαιδευτικών ιδρυμάτων (από 18 ετών) (πολίτες της Ρωσίας και των χωρών της ΚΑΚ). Την πρώτη και τη δεύτερη Κυριακή κάθε μήνα, οι μαθητές που διαθέτουν κάρτες ISIC έχουν το δικαίωμα να επισκεφθούν δωρεάν την έκθεση «Τέχνη του 20ου αιώνα» στη Νέα Γκαλερί Τρετιακόφ.

κάθε Σάββατο - για μέλη μεγάλων οικογενειών (πολίτες της Ρωσίας και των χωρών της ΚΑΚ).

Λάβετε υπόψη ότι οι προϋποθέσεις για δωρεάν πρόσβαση σε προσωρινές εκθέσεις ενδέχεται να διαφέρουν. Ελέγξτε τις σελίδες της έκθεσης για λεπτομέρειες.

Προσοχή! Στο εκδοτήριο της Πινακοθήκης παρέχονται εισιτήρια εισόδου με ονομαστική αξία «δωρεάν» (με την προσκόμιση των σχετικών εγγράφων - για τους προαναφερόμενους επισκέπτες). Παράλληλα, όλες οι υπηρεσίες της Πινακοθήκης, συμπεριλαμβανομένων των υπηρεσιών εκδρομής, πληρώνονται με την καθιερωμένη διαδικασία.

Επίσκεψη στο μουσείο τις επίσημες αργίες

Αγαπητοί επισκέπτες!

Προσέξτε τις ώρες λειτουργίας της Πινακοθήκης Tretyakov τις αργίες. Η επίσκεψη πληρώνεται.

Σημειώστε ότι η είσοδος με ηλεκτρονικά εισιτήρια πραγματοποιείται με σειρά προτεραιότητας. Μπορείτε να εξοικειωθείτε με τους κανόνες για την επιστροφή των ηλεκτρονικών εισιτηρίων στο.

Συγχαρητήρια για τις επερχόμενες διακοπές και περιμένουμε στις αίθουσες της γκαλερί Tretyakov!

Δικαίωμα προνομιακής επίσκεψηςΗ Πινακοθήκη, εκτός από τα προβλεπόμενα από χωριστή εντολή της διεύθυνσης της Πινακοθήκης, παρέχεται με την προσκόμιση εγγράφων που επιβεβαιώνουν το δικαίωμα σε προνομιακές επισκέψεις:

• συνταξιούχοι (πολίτες της Ρωσίας και των χωρών της ΚΑΚ),
• πλήρεις ιππείς του Τάγματος της Δόξας,
• μαθητές δευτεροβάθμιας και δευτεροβάθμιας ειδικής εκπαίδευσης (από 18 ετών),
• φοιτητές ανώτατων εκπαιδευτικών ιδρυμάτων της Ρωσίας, καθώς και αλλοδαποί φοιτητές που σπουδάζουν σε ρωσικά πανεπιστήμια (εκτός από ασκούμενους φοιτητές),
• μέλη πολύτεκνων οικογενειών (πολίτες της Ρωσίας και των χωρών της ΚΑΚ).

Δικαίωμα δωρεάν εισόδουΟι κύριες και προσωρινές εκθέσεις της Πινακοθήκης, εκτός από τις περιπτώσεις που προβλέπονται από χωριστή εντολή της διεύθυνσης της Πινακοθήκης, παρέχονται για τις ακόλουθες κατηγορίες πολιτών με την προσκόμιση εγγράφων που επιβεβαιώνουν το δικαίωμα δωρεάν εισόδου:

• άτομα κάτω των 18 ετών·
• φοιτητές σχολών που ειδικεύονται στον τομέα των καλών τεχνών δευτεροβάθμιας εξειδικευμένων και ανώτατων εκπαιδευτικών ιδρυμάτων της Ρωσίας, ανεξάρτητα από τη μορφή εκπαίδευσης (καθώς και ξένους φοιτητές που σπουδάζουν σε ρωσικά πανεπιστήμια). Η ρήτρα δεν ισχύει για πρόσωπα που προσκομίζουν φοιτητικές κάρτες «φοιτητών-καταρτιζομένων» (ελλείψει πληροφοριών για το διδακτικό προσωπικό στη φοιτητική κάρτα, προσκομίζεται βεβαίωση του εκπαιδευτικού ιδρύματος με την υποχρεωτική ένδειξη της σχολής);
• βετεράνοι και ανάπηροι του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, μαχητές, πρώην ανήλικοι αιχμάλωτοι στρατοπέδων συγκέντρωσης, γκέτο και άλλων χώρων κράτησης που δημιουργήθηκαν από τους Ναζί και τους συμμάχους τους κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, παράνομα καταπιεσμένοι και αποκατασταθέντες πολίτες (πολίτες της Ρωσίας και των χωρών της ΚΑΚ )
• στρατιωτικοί της Ρωσικής Ομοσπονδίας ·
• Ήρωες της Σοβιετικής Ένωσης, Ήρωες της Ρωσικής Ομοσπονδίας, Πλήρεις Καβαλάρηδες του "Τάγματος της Δόξας" (πολίτες της Ρωσίας και των χωρών της ΚΑΚ).
• άτομα με ειδικές ανάγκες των ομάδων I και II, συμμετέχοντες στην εκκαθάριση των συνεπειών της καταστροφής στον πυρηνικό σταθμό του Τσερνομπίλ (πολίτες της Ρωσίας και των χωρών της ΚΑΚ).
• ένα συνοδό άτομο με αναπηρία της ομάδας Ι (πολίτες της Ρωσίας και των χωρών της ΚΑΚ)·
• ένα παιδί με αναπηρία που συνοδεύει (πολίτες της Ρωσίας και των χωρών της ΚΑΚ)·
• καλλιτέχνες, αρχιτέκτονες, σχεδιαστές - μέλη των σχετικών δημιουργικών ενώσεων της Ρωσίας και των υποκειμένων της, ιστορικοί τέχνης - μέλη της Ένωσης Κριτικών Τέχνης της Ρωσίας και των υποκειμένων της, μέλη και υπάλληλοι της Ρωσικής Ακαδημίας Τεχνών.
• μέλη του Διεθνούς Συμβουλίου Μουσείων (ICOM)·
• υπάλληλοι μουσείων του συστήματος του Υπουργείου Πολιτισμού της Ρωσικής Ομοσπονδίας και των αρμόδιων Τμημάτων Πολιτισμού, υπάλληλοι του Υπουργείου Πολιτισμού της Ρωσικής Ομοσπονδίας και υπουργείων Πολιτισμού των συνιστωσών της Ρωσικής Ομοσπονδίας·
• εθελοντές μουσείου - είσοδος στην έκθεση "Τέχνη του ΧΧ αιώνα" (Krymsky Val, 10) και στο Μουσείο-διαμέρισμα του A.M. Vasnetsov (πολίτες της Ρωσίας).
• ξεναγοί-διερμηνείς που διαθέτουν κάρτα διαπίστευσης του Συνδέσμου Ξεναγών-Μεταφραστών και Διευθυντών Ξεναγών της Ρωσίας, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που συνοδεύουν μια ομάδα ξένων τουριστών·
• ένας δάσκαλος εκπαιδευτικού ιδρύματος και ένας που συνοδεύει ομάδα μαθητών δευτεροβάθμιας και δευτεροβάθμιας εξειδικευμένων εκπαιδευτικών ιδρυμάτων (εάν υπάρχει κουπόνι εκδρομής, συνδρομή). ένας δάσκαλος ενός εκπαιδευτικού ιδρύματος που έχει κρατική πιστοποίηση εκπαιδευτικών δραστηριοτήτων κατά τη διεξαγωγή μιας συμφωνημένης εκπαιδευτικής συνεδρίας και διαθέτει ειδικό σήμα (πολίτες της Ρωσίας και των χωρών της ΚΑΚ).
• ένας που συνοδεύει μια ομάδα φοιτητών ή μια ομάδα στρατιωτικών (εάν υπάρχει εισιτήριο περιοδείας, συνδρομή και κατά τη διάρκεια μιας περιόδου εκπαίδευσης) (πολίτες της Ρωσίας).

Οι επισκέπτες των παραπάνω κατηγοριών πολιτών λαμβάνουν εισιτήριο εισόδου με ονομαστική αξία «Δωρεάν».

Σημειώστε ότι οι προϋποθέσεις για προνομιακή είσοδο σε προσωρινές εκθέσεις ενδέχεται να διαφέρουν. Ελέγξτε τις σελίδες της έκθεσης για λεπτομέρειες.