Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα

Οι μαθητές, οι μεταπτυχιακοί φοιτητές, οι νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές τους και τις εργασίες τους θα είναι πολύ ευγνώμονες σε εσάς.

αναρτήθηκε από http://www.allbest.ru/

Υπουργείο Παιδείας της Ρωσικής Ομοσπονδίας

Πανεπιστήμιο Magnitogorsk

Δοκιμή

Καλλιτέχνες των 20-30 ετών

Εκτελείται: Timeeva Alena

Magnitogorsk 2001.

Εισαγωγή

Ο Οκτώβριος 1917 άνοιξε μια νέα εποχή όχι μόνο στην κοινωνική ζωή, αλλά και στη ζωή της τέχνης. Οποιαδήποτε επανάσταση καταστρέφει κάτι, και στη συνέχεια αρχίζει η δημιουργία ενός νέου. Δεν υπάρχει απλή ανάπτυξη, αλλά ένας αποφασιστικός επαναπροσδιορισμός των θεμελίων των πρώην κοινωνικών, πολιτικών, ιδεολογικών και άλλων ειδών δομών, συμπεριλαμβανομένης της τέχνης.

Η επανάσταση προτείνει τουλάχιστον δύο προβλήματα. Το πρώτο πρόβλημα είναι η αξιοπιστία της τέχνης. Προσπάθεια να τον παραμείνει με μια ταξική πάλη που οδήγησε να στρεβλώσει τον πολυλειτουργικό του χαρακτήρα. Ιδιαίτερα οξεία απλουστευμένη κατανόηση της αξιοπιστίας της τέχνης που εκδηλώνεται στις δραστηριότητες ενός ανεπιθύμητου καθετήρα. Το στοιχείο του αγώνα οδήγησε στην καταστροφή των πολιτιστικών μνημείων που προκλήθηκαν όχι μόνο από στρατιωτικές ενέργειες κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου και της ξένης παρέμβασης, αλλά και μια πολιτική που αποσκοπεί στη σύνθλιψη του αστικού πολιτισμού. Έτσι, πολλά γλυπτά μνημεία κατεδαφίστηκαν ή καταστράφηκαν, έργα αρχαίας αρχιτεκτονικής που συνδέονται με τη θρησκευτική λατρεία.

Το δεύτερο πρόβλημα είναι το πρόβλημα της πολιτικής της τάξης στην τέχνη. Κατά την επίλυσή του, όλες οι δυνάμεις συμμετείχαν: "αστικός" και "προλεταριακός", καταστροφικός και δημιουργικός, σοβιετικός και μη νομισματικός, "αριστερά" και "δεξιά", πολιτιστικός και άγριος, επαγγελματίας και ερασιτέχνης.

Οι αρχές της κοινωνικής ανάπτυξης που διακηρύχθηκαν από το κράτος καθόρισαν σε μεγάλο βαθμό τη σταδιακή κίνηση της τέχνης. Υπήρχε ένα είδος στρωματοποίησης δυνάμεων, από την προσθήκη του οποίου σχηματίστηκε ο φορέας της πραγματικής τεχνολογίας. Από τη μία πλευρά, αυτή είναι η δύναμη της αυτο-ανάπτυξης, όπου τα πρότυπα της κυκλοφορίας των μορφών που συνάπτονται στη φύση της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας που επηρεάζονται. Από την άλλη πλευρά, η επιρροή των κοινωνικών δυνάμεων, των δημόσιων ιδρυμάτων που ενδιαφέρονται και όχι σε οποιαδήποτε άλλη κίνηση της τέχνης, στις καθορισμένες μορφές της. Με την τρίτη υπαγόρευση της κρατικής πολιτικής, η οποία στηριζόμενη στις κοινωνικές δυνάμεις ή χωρίς να βασίζεται σε αυτούς, είχε άνευ όρων αντίκτυπου στη δομή της τέχνης, στην ουσία της, στην εξελικτική και επαναστατική ισχύ της. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1920, η πολιτική παραμορφώνεται ρητά την κανονική διαδικασία ανάπτυξης τέχνης, να παράσχει μια ορισμένη πίεση σε αυτήν, απαγορεύοντας ή καταδικάζοντας αυτές ή άλλες "μη εύφορες" εκδηλώσεις.

Καλλιτέχνες και καλλιτεχνικές ενώσεις των 20 ετών.

Οι 20 ήταν ένας γρήγορος χρόνος για την τέχνη. Υπήρχαν πολλές διαφορετικές ομάδες. Καθένας από αυτούς προτείνει την πλατφόρμα, το καθένα από τα οποία εκτελείται με το μανιφέστο του. Η τέχνη, η εμμονή ιδέα αναζήτησης, ήταν διαφορετική. Βρέθηκε και βράζει, προσπαθώντας να συμβαδίσει με την εποχή και να εξετάσει το μέλλον.

Οι σημαντικότερες ομάδες, στις δηλώσεις και στη δημιουργική πρακτική της οποίας αντανακλούσαν οι κύριες δημιουργικές διαδικασίες του χρόνου, ήταν Agh, OST και "4 τέχνες" (8, σελ. 87).

Η ομάδα AHRR (ο Σύνδεσμος Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας) προέρχεται από το 1922 (το 1928 μετονομάστηκε σε AHR - την Ένωση Καλλιτεχνών της Επανάστασης). Ο πυρήνας AHRR έχει αναπτυχθεί κυρίως από τους πρώην συμμετέχοντες στην εταιρική σχέση κινητής τηλεφωνίας. Η δήλωση AHRR παρουσιάστηκε στον εκθεσιακό κατάλογο του 1922..

Οι καλλιτέχνες AgrhR προσπάθησαν να κάνουν τη ζωγραφική τους έναν προσβάσιμο μαζικό θεατή του πόρου. Στο έργο του, συχνά χρησιμοποιούσαν μηχανικά τη μακρά γλώσσα της καθυστερημένης κίνησης. Ο Agh διοργάνωσε μια σειρά θεματικών εκθέσεων τέχνης, των οποίων τα ονόματα των οποίων: "Ζωή και ζωή των εργαζομένων" (1922), "Ζωή και Γενενή του Κόκκινου Στρατού" (1923), "Επανάσταση, Ζωή και Εργασία" (1924 - 1925), «Η ζωή και η ζωή των λαών της ΕΣΣΔ» (1926) - Συζήτηση σχετικά με τα καθήκοντα της άμεσης χαρτογράφηση της σύγχρονης πραγματικότητας.

Η ιδιαιτερότητα της πρακτικής του "Akhrovtsev" ήταν ότι ήταν στο εργοστάσιο και τα εργοστάσια, στα στρατόπεδα του κόκκινου στρατού, για να παρατηρήσουν τη ζωή και τη ζωή των ηρώων τους εκεί. Κατά την προετοιμασία της έκθεσης «Ζωή και ζωή των λαών της ΕΣΣΔ», οι συμμετέχοντες της επισκέφθηκαν τις πιο απομακρυσμένες γωνιές της Σοβιετικής Χώρας και έφεραν από εκεί ένα σημαντικό αριθμό σκίτσων, τη βάση για τα έργα τους. Οι καλλιτέχνες του ΑΧΑρ έπαιξαν μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη νέων θεμάτων, έχοντας αντίκτυπο στους εκπροσώπους διαφόρων ομάδων τέχνης εκείνης της εποχής.

Η δημιουργικότητα κατανέμεται μεταξύ των καλλιτεχνών AHRR I.i.Brodsky (1883 - 1939), η οποία καθόρισε την εργασία του ακριβή, την αναπαραγωγή των γεγονότων και των ηρώων της Επανάστασης. Μια μεγάλη φήμη απέκτησε τον ιστό του αφιερωμένο στις δραστηριότητες του V.I. Λένιν. Η βάση των γραφικών Λεινίνων βασίζεται στη ζωγραφική "Απόδοση του Λένιν στο εργοστάσιο Putilovsky" και ένα από τα πιο διάσημα έργα "Λένιν στο Smolny" (1930), που απεικονίζει τον Λένιν στο γραφείο του στην εργασία. Ο Brodsky είδε τον Λένιν πολλές φορές και έκανε σκίτσα από αυτόν (12, σελ. 92).

Τα έργα του Brodsky έχουν σημαντική ποιότητα - αξιοπιστία που έχει ένα μεγάλο ιστορικά ενημερωτικό νόημα. Ωστόσο, η επιθυμία για ντοκιμαντέρ οδήγησε στην εμπειρική, φυσιολογική ερμηνεία του γεγονότος. Η καλλιτεχνική σημασία των ζωγραφων του Brodsky μείωσε επίσης τον ξηρό φυσιολογικό, μια διατροφική γεύση, η οποία είναι ιδιόμορφη για ένα σημαντικό μέρος των έργων του.

Κύριος G.g.Ryazhsky (1895 - 1952) τα έργα του "εκπροσώπου" (1927) και "Πρόεδρος" (1928) (1927) και "Πρόεδρος" (1928) (1928) και "Πρόεδρος" (1928), το 1923, εντάχθηκε AHRR (1928) , στην οποία ο καλλιτέχνης αναγνωρίζει τα τυπικά κοινωνικά και ψυχολογικά χαρακτηριστικά μιας νέας κοινωνίας.. Ο "πρόεδρός" του είναι ένας εργαζόμενος ακτιβιστής. Στη θέση της, η χειρονομία ανιχνεύει ένα αίσθημα αυτοεκτίμησης, απαλλαγή ως απόδειξη της κατάστασης μιας γυναίκας σε μια νέα Εταιρεία Εργασίας.

Μεταξύ των εταιριών Agrh, έπαιξε ένας σημαντικός ρόλος S.v.Μιυτίνη (1859 - 1937). Σκοπός τους πριν από την επανάσταση, η γκαλερί πορτρέτου συμπληρώθηκε με σοβιετικούς χρόνους από το πορτρέτο V.K. Bialynitsky-Biruli, A.V. Lunacharsky και πολλούς άλλους. Μεταξύ αυτών, το πορτρέτο του Dmitry Furmanov, το οποίο γράφτηκε το 1922, αποκαλύπτοντας πειστικά την εικόνα ενός συγγραφέα πολεμιστή, έναν εκπρόσωπο της νέας, σοβιετικής νοημοσύνης.

Ο ενεργός συμμετέχων των εκθέσεων AHRR ήταν ένας μεγάλος ρωσικός ζωγράφος της στροφής των αιώνων XIX - XX. Α.Ε. Archups. Στα 20s των Archups δημιουργεί εικόνες αγροτών - "Γυναίκα με μια κανάτα", "ο αγρότης στην πράσινη ποδιά", "ο αγρότης με ένα ροζ μαντήλι στο χέρι του" και άλλοι. Αυτές οι εικόνες γράφονται σε μια ευρεία βούρτσα, πυρκαγιά και πολύχρωμες.

Η δημιουργικότητα της Ε.Μ. χαρακτηρίζεται με στενή παρατήρηση και προσοχή στα νέα φαινόμενα της ζωής. Cheptsova (1874 - 1943), ο οποίος συνέχισε τις παραδόσεις του κινήσεων στον τομέα του οικιακού είδους. Του απεικονίζεται η εικόνα της «Συνάντηση του Γραφείου» (1924), η οποία απεικονίζει τους ακτιβιστές του χωριού των πρώτων ετών επανάστασης. Η παρατήρηση και η ειλικρίνεια του συγγραφέα, η απλότητα της εμφάνισης των ηρώων του, η αδράνεια των γύρω εξαρτημάτων έκανε μια μικρή, μέτρια ζωγραφική από το έργο του Chepzov ένα από τα πιο ενδιαφέροντα δείγματα της AHRR ART.

Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για ένα από τα έργα του συστήματος τοπίου B.N. Yakovleva (1880 - 1972). Η "μεταφορά του" (1923) - μέτρια και ταυτόχρονα μια βαθιά αφήγηση της δύσκολης εποχής της επανάστασης, για την καθημερινή εργασία των ανθρώπων. Ήσυχο και μόλις γραπτό, αυτή η εικόνα είναι ένα από τα πρώτα παραδείγματα ενός βιομηχανικού τοπίου στη σοβιετική ζωγραφική.

Ειδικό μέρος στη ζωγραφική AHRR καταλαμβάνει τη δημιουργικότητα M.B. Το Grekova (1882-1934) είναι ο ιδρυτής του τύπου μάχης στη σοβιετική τέχνη. Για μια περίοδο ενός έτους και μισό - μέχρι το τέλος της ζωής - ασχολήθηκε με τη δημιουργία ενός κύκλου ζωγραφικής αφιερωμένο στον πρώτο ιππικό στρατό, σε πεζοπορίες και μάχες των οποίων συμμετείχε ο καλλιτέχνης. Στο έργο του, ειδικά στην πρώιμη περίοδο, είναι σαφές να γνωρίζουμε τις παραδόσεις της VereshchchchaGin. Ο κύριος ήρωας του Grekova είναι οι άνθρωποι που ανέλαβαν όλες τις δυσκολίες του πολέμου. Τα έργα των ζωντανών υποθέσεων του Grekova. Σε τέτοιες εικόνες των μέσων 20, όπως η "Tacanka" (1925), η ακρίβεια κίνησης της εικόνας συνδυάζεται με ρομαντική αντοχή. Αργότερα, συνεχίζοντας το ιδιαίτερο γραφικό χρονικό του πρώτου ιππικού στρατού, οι Έλληνες δημιουργούν έναν επικό ιστό, μεταξύ των οποίων διακρίνονται οι πίνακες "για τον Kuban" και "Trumpeters του πρώτου ιππικού στρατού" (και τα δύο - 1934).

Μαζί με την AHRR, στην οποία οι καλλιτέχνες της παλαιότερης και της μεσαίας γενιάς, που είχαν τον χρόνο της επανάστασης, έχουν ήδη δημιουργηθεί μια δημιουργική εμπειρία, η ομάδα OST (κοινωνία των Στάνννοβιτς) που διοργανώθηκε το 1925 έπαιξε ενεργό ρόλο στην καλλιτεχνική ζωή του αυτά τα χρόνια, που διοργανώθηκε το 1925. Έχει ενωμένη την καλλιτεχνική τους νέους της πρώτης σοβιετικής καλλιτεχνικής πανεπιστήμιο - Vhu-Tepes. (3)

Το κύριο καθήκον των ενωθών καλλιτεχνών, όπως το "Akhrovtsy", θεωρούσε τον αγώνα για την αναβίωση και την περαιτέρω ανάπτυξη της μηχανής ζωγραφικής σε ένα σύγχρονο θέμα ή με το σύγχρονο περιεχόμενο. Ωστόσο, οι δημιουργικές φιλοδοξίες και οι μέθοδοι καλλιτεχνών παραμένουν χαρακτηριστικές διαφορές. Προσπάθησαν να προβληματιστούν σε ξεχωριστά γεγονότα νέες ιδιότητες της σύγχρονης εποχής σε σχέση με την εποχή του προηγούμενου. Το κύριο θέμα της Ρωσίας, η εκβιομηχάνιση της Ρωσίας, πρόσφατα ακόμα αγροτικός και προς τα πίσω, η επιθυμία να δείξει τη δυναμική της σχέσης μεταξύ της σύγχρονης παραγωγής και του ανθρώπου.

Ένας από τους πιο ταλαντούχους εκπροσώπους της ομάδας OST ήταν Α.Α.Daineka. Οι πιο κοντινό δηλώσεις είναι το OST είναι τα έργα ζωγραφικής του: «Στο εργοτάξιο των νέων εργαστηρίων» (1925), «Πριν κατεβαίνει στο ορυχείο» (1924), «Ποδοσφαιριστές» (1924), «Κλωστοϋφαντουργία» (1926). σχήματος πάθος Daineki βρήκε διέξοδο σε μια δημοσιογραφική διάγραμμα, στο οποίο ο καλλιτέχνης ερμήνευσε ως εικονογράφος σε περιοδικά για τη μεγάλη ανάγνωση - όπως «στο μηχάνημα», «ένα bootiness στο μηχάνημα», «προσκήνιο», «Νεολαία» και άλλα κεντρική λειτουργεί Deileki της περιόδου Oskesky έγινε η ζωγραφική «Άμυνας της Πετρούπολης», γραμμένο το 1928 για τη θεματική έκθεση «10 χρόνια RKKKA». Αυτό το έργο αποκαλύπτει το κύριο Παθό και την έννοια των καινοτόμων παραδόσεων του OST της πιο θέσης και εκείνων που έχουν βρει την ανάπτυξή τους στη σοβιετική τέχνη των επόμενων περιόδων. Το Daeken ενσωματώνεται σε αυτή την εικόνα όλη αυτή την ιδιαιτερότητα του στυλ του, ελαχιστοποίησε τα μέσα εκφραστικότητας, αλλά τους έκανε πολύ ενεργό και αποτελεσματικό (8, σελ. 94).

Από τα υπόλοιπα μέλη, το υπόλοιπο κοντά στο Deinek στη φύση των έργων τους σε σημάδια στυλ Yu.i. Pimenov, P.V. Williams, S.A. Luchishkin. Δημιουργήθηκε την ίδια περίοδο του έργου της "βαριάς βιομηχανίας" Pimenova, "Hamburg Uprising" Williams, "η μπάλα πέταξε" και "I Love Life" Luchishkina αποκάλυψε και καινοτόμες αντανακλά σημαντικές ιδιότητες της σύγχρονης πραγματικότητας,

Σε αντίθεση με την πιο cool, τη νεολαία, στη σύνθεση της, η ομάδα δύο άλλων, η οποία κατέλαβε ένα σημαντικό μέρος στην καλλιτεχνική ζωή αυτών των ετών δημιουργικών ομάδων - "4 τέχνες" και OMX. (Κοινωνία καλλιτεχνών της Μόσχας), - Ενωμένες από μόνα τους τους δασκάλους της παλαιότερης γενιάς, οι οποίοι αναπτύχθηκαν δημιουργικά σε ένα προ-επαναστατικό χρόνο, με ιδιαίτερη εμφάνιση αφορούν τα προβλήματα της διατήρησης της εικονογραφικής κουλτούρας και θεωρείται ένα πολύ σημαντικό μέρος της εργασίας Η ίδια η γλώσσα του, πλαστική μορφή. Η κοινωνία "4 art" προέρχεται από το 1925 από τα σημαντικότερα μέλη αυτής της ομαδοποίησης ήταν ο Ρ.ν. Kuznetsov, Κ. Petrov-Vodkin, M.S. Σαρίος, Ν.Ρ. Ulyanov, Κ.Ν. Istomin, V.A. Favorsky.

Τα έργα της Petrov-Vodkina είναι όπως "μετά τον αγώνα" (1923), "Το παράθυρο του παραθύρου" (1928), το "άγχος" (1934), το πιο πλήρως εξέφρασε την ηθική έννοια των διαφόρων περιόδων - ορόσημα στο Ανάπτυξη της Σοβιετικής Εταιρείας. Η εικόνα του "Θάνατος του Επιτρόπου" (1928), όπως και η "υπεράσπιση του πετρογραφάντ" Deneki, που γράφτηκε σε σχέση με την έκθεση "10 χρόνια του Ερυθρού Στρατού", σε αντίθεση με τον συγκεκριμένο δημοσιογράφο - τη βάση των αποφάσεων Deineki - δίνει το Φιλοσοφική λύση στην εργασία: Μέσω των γεγονότων γενικεύοντας τις ιδέες για τα γεγονότα που λαμβάνουν χώρα σε ολόκληρο τον πλανήτη Γη μέσω της ταυτοποίησης της ηθικής ουσίας αυτών των γεγονότων. Ο Επίτροπος είναι ένα πρόσωπο, και στη ζωή και με το θάνατο της δικής του διαμάχης στο όνομα της ανθρωπότητας. Η εικόνα του είναι μια έκφραση της παρενόχλησης ελαφρών ιδεών που θα κερδίσει στο μέλλον, ανεξάρτητα και αντίθετα με το θάνατο των πιο ενεργών μεταφορείς αυτών των ιδεών. Μια αποχαιρετισμένη άποψη του Επιτρόπου που πεθαίνει ως αποχαιρετισμός με την εντολή των μαχητών πριν επιτεθεί - είναι γεμάτος πίστη στη νίκη.

Οι φιλοσοφικές ιδέες Petrov-Vodkin βρίσκουν μια επαρκή πλαστική έκφραση. Ο απεικονισμένος χώρος εκτείνεται πάνω από τη σφαιρική επιφάνεια του πλανήτη. Ο συνδυασμός της άμεσης και αντίστροφης προοπτικής είναι πειστικά και απότομα μεταφέρει το "πλανητικό" πανόραμα του τι συμβαίνει. Σαφώς λύσει εικονιστικά προβλήματα στο σύστημα χρωμάτων. Στη ζωγραφική του, ο καλλιτέχνης προσκολλάται στην αρχή μιας τριών οικογενειών, σαν να προσωποποιεί τα κύρια χρώματα της γης: κρύο μπλε αέρα, μπλε νερό. καφέ-κόκκινη γη? Πράσινο του κόσμου των φυτών.

Οι καλλιτέχνες της ομάδας OMX έμειναν στην ιστορία της σοβιετικής ζωγραφικής έμειναν το 1927. Πολλοί από αυτούς έγιναν κοντά ο ένας στον άλλο στα προ-επαναστατικά χρόνια στη συμμετοχή στο "Bubnovy Valen". Το πιο δραστήριο στο Ohkh ήταν το σ.τ. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. LENTULOV, A.V. Kubrin, R.R. Falk, v.v. Χριστούγεννα, Α.Α. Ωσέρκι Τέχνη πορτρέτο τέχνης

Στη δήλωσή του, οι καλλιτέχνες Omha είπαν: «Ζητούμε από τον καλλιτέχνη της μεγαλύτερης αποτελεσματικότητας και της εκφραστικότητας των επίσημων πτυχών της δημιουργικότητάς του, σχηματίζοντας την αδιαχώριστη με την ιδεολογική πλευρά του τελευταίου». Το πρόγραμμα αυτό αισθάνθηκε την εγγύτητα της ομάδας "4 τέχνες".

Ένας από τους πιο εντυπωσιακούς εκφράσεις αυτού του προγράμματος στη σοβιετική τέχνη των πρώτων ετών ήταν ο σ.τ. Konchalovsky. Προσπάθησε να συνδυάσει τις τάσεις του "Bubnovovet" με την κληρονομιά των Ρωσικών ρεαλιστικών καλλιτεχνών, οι οποίες επεκτείναν σε μεγάλο βαθμό τη δημιουργική του σειρά, βοήθησε το βιολογικό περισσότερο στη σοβιετική τέχνη της δεκαετίας του '20. Η χρωστική ολότητα με την ένταση των μεμονωμένων χρωμάτων διακρίνεται από τέτοια έργα του οδηγού ως "αυτοπροσωπογραφία με τη σύζυγό του" (1922), "Πορτραίτο O.V. Konchalovskaya" (1925), "Πορτρέτο της κόρης του Natasha" (1925). Τα ίδια χρόνια, σ.τ. Ο Konchalovsky επιχειρεί να δημιουργήσει θεματικούς πίνακες, μεταξύ των οποίων οι καλύτεροι είναι οι "Novgorod" (1921) και "από την έκθεση" (1926). Ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται για τις παραδοσιακές εικόνες των "ρωσικών ανδρών" - ισχυρή, αγάπη, διαβίωσης που περιβάλλεται από τα συνηθισμένα θέματα, σύμφωνα με τους νόμους των παλαιών τελωνείων και, μαζί με τα μεσαία συστατικά τους, κάτι συνήθως υπήκοο.

Καλλιτέχνες και καλλιτεχνικές ενώσεις των 30 ετών.

Η δεκαετία του 1930 στην ιστορία της Σοβιετικής Τέχνης είναι μια δύσκολη περίοδος που αντικατοπτρίζει τις αντιφάσεις της ίδιας της πραγματικότητας. Έχοντας αντιληφθεί σημαντικές βάρδιες που έλαβαν χώρα στην κοινωνία, ο πατήρ εκβιομηχάνισης, οι δάσκαλοι της τέχνης ταυτόχρονα σχεδόν δεν προσέχουν σημαντικές δημόσιες αντιφάσεις, δεν εκφράζουν κοινωνικές συγκρούσεις που σχετίζονται με την ενίσχυση της λατρείας της προσωπικότητας του Στάλιν (1) .

Στις 23 Απριλίου 1932, η Κεντρική Επιτροπή του Κόμματος ενέκρινε ψήφισμα "σχετικά με την αναδιάρθρωση των λογοτεχνικών και έργων τέχνης". Το ψήφισμα αυτό εξαλείφθηκε από όλες τις προηγούμενες καλλιτεχνικές ομάδες και οι γενικές οδοί και οι μορφές σταθεροποίησης και ανάπτυξης όλων των δημιουργικών δυνάμεων της σοβιετικής τέχνης υποδεικνύονται. Η απόφαση αποδυναμώθηκε αυτή η αντιπαράθεση μεταξύ των μεμονωμένων ενώσεων, η οποία ήταν τόσο επιδεινωμένη στη στροφή των 20 - 30. Αλλά από την άλλη πλευρά, οι τάσεις της ενοποίησης εντατικοποιήθηκαν σε φυλλοβόλο τρόπο. Τα πρωτοποριακά πειράματα, που έδωσαν τους εαυτούς τους να γνωρίζουν στη δεκαετία του '20, διακόπηκαν. Ο αγώνας με τον λεγόμενο φορμαλισμό αποδείχθηκε, ως αποτέλεσμα της οποίας πολλοί καλλιτέχνες αναγκάστηκαν να εγκαταλείψουν τις προηγούμενες κατακτήσεις τους.

Η δημιουργία μιας ενιαίας ένωσης συνέπεσε με την έγκριση της αρχής του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, που διατυπώθηκε από το Α.Μ. Γκόρκι στο πρώτο σύνολο των συνδικάτων των σοβιετικών συγγραφέων. Ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός ανέλαβε την κληρονομιά των παραδόσεων της ρεαλιστικής τέχνης του XIX αιώνα. Και στοχεύοντας στους καλλιτέχνες στην εικόνα της πραγματικότητας στην επαναστατική τους ανάπτυξη. Ωστόσο, όπως έδειξε η περαιτέρω πρακτική της Σοβιετικής Τέχνης, ο όρος "σοσιαλιστικός ρεαλισμός" δεν ήταν αρκετός και επαρκείς πολύπλοκες και πολυστρωματικές τάσεις σε μια νέα κουλτούρα. Η επίσημη αίτησή της για καλλιτεχνική πρακτική που συχνά συνδέεται με τον ρόλο της δογματικής ανάπτυξης πέδησης της τέχνης. Στις συνθήκες κοινωνικής ανακατασκευής της δεκαετίας του '80, ο όρος "σοσιαλιστικός ρεαλισμός" υποβλήθηκε σε συζήτηση συζήτησης σε επαγγελματίες κύκλους σε διαφορετικά επίπεδα.

Πολλές προοδευτικές τάσεις που εμφανίστηκαν στη δεκαετία του '20 συνεχίζουν να αναπτύσσονται στο 30ο. Αυτό ισχύει για, για παράδειγμα, καρποφόρα αλληλεπίδραση διαφόρων εθνικών σχολείων.

Σε μεγάλες εκθέσεις τέχνης που διοργανώνονται στη δεκαετία του 1930, εμπλέκονται οι καλλιτέχνες όλων των δημοκρατιών της Σοβιετικής Ένωσης. Ταυτόχρονα, οργανώνονται δημοκρατικές εκθέσεις στη Μόσχα σε σχέση με δεκαετίες εθνικής τέχνης. Τα εθνικά θέματα τέχνης ανησυχούν ιδιαίτερα από καλλιτέχνες των αδελφικών δημοκρατιών.

Στη δεκαετία του 1930, η πρακτική των κρατικών εντολών και των δημιουργικών επιχειρηματικών εκδρομών επεκτείνεται. Οι μεγαλύτερες εκθέσεις οργανώνονται: "15 χρόνια RKKKA", "20 χρόνια του Κόκκινου Στρατού", "20 χρόνια του Σοσιαλισμού", "Η βιομηχανία του σοσιαλισμού", "Έκθεση των καλύτερων έργων της Σοβιετικής Ζωγραφικής" και άλλων. Οι Σοβιετικοί καλλιτέχνες συμμετέχουν σε διεθνείς εκθέσεις στο Παρίσι και τη Νέα Υόρκη, εκτελούν εργασίες για τη γεωργική έκθεση σε όλη την Ένωση στη Μόσχα, σε σχέση με την προετοιμασία της οποίας δημιουργήθηκε ένας σημαντικός αριθμός μνημειών και διακοσμητικών έργων, η οποία, στην ουσία, σήμαινε σημαντική Στάδιο της αναβαλλόμενης μνημειακής ζωγραφικής ως ανεξάρτητο, έχοντας τους δικούς του στόχους και τα πρότυπα τέχνης. Σε αυτά τα έργα, υπήρξε μια έκφραση για τη σοβιετική τέχνη στον μνημειισμό.

Ένας καλλιτέχνης γίνεται ένας από τους σημαντικότερους εκπροσώπους της μηχανής ζωγραφικής αυτής της περιόδου. Boris Vladimirovich Johanson (1893 - 1973), ο οποίος γύρισε το έργο του στις υψηλότερες παραδόσεις της ρωσικής ζωγραφικής XIX αιώνα. Ερμηνεύει την κληρονομιά του Surikov και η αποδοχή, φέρνοντας ένα νέο επαναστατικό περιεχόμενο στα έργα του ένα νέο επαναστατικό περιεχόμενο. Από αυτή την άποψη, οι πίνακες του Johanson "ανάκριση των κομμουνιστών" (1933) και "στο παλιό εργοστάσιο ουρλημάτων" (1937) είναι ιδιαίτερα σημαντικές.

Η εικόνα "ανάκριση των κομμουνιστών" εκτέθηκε για πρώτη φορά στην έκθεση "15 χρόνια rkkka". Σε αυτό, ο καλλιτέχνης έδειξε τους κομμουνιστές που διοργανώθηκαν για την υπεράσπιση της επαναστατικής πατρίδας και τους αντιπάλους τους - λευκούς φρουρούς, οι οποίοι προσπαθούσαν να στρατολογήσουν το Σοβιετικό κράτος κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου. Ο καλλιτέχνης διεξάγει την ιστορική του γενίκευση στις παραδόσεις της repin, μέσω της επίδειξης μιας συγκεκριμένης δράσης σε ένα συγκεκριμένο περιβάλλον. Δεν γνωρίζουμε τα ονόματα των ανθρώπων που απεικονίζονται εδώ, τόσο πιο ιστορικά καθολικό θεωρείται από εμάς την εικόνα ως σύνολο. Οι κομμουνιστές στην εικόνα του Johanson είναι καταδικασμένοι στο θάνατο. Αλλά ο καλλιτέχνης δείχνει την ηρεμία, το θάρρος, τη δύναμη και την αντίσταση τους, η οποία αντίθετα με το άγχος, τη νευρικότητα, την ψυχολογική απονομή, βασιλεύοντας στην ομάδα των λευκών φρουρών, αδυναμία όχι μόνο σε αυτή την κατάσταση, αλλά όπως ήταν, ενόψει της ιστορίας.

Στην εικόνα "Στο παλιό εργοστάσιο ουρλανδικού", γραμμένο για την έκθεση "Η βιομηχανία σοσιαλισμού", ο Johanson αντιτίθεται στις εικόνες του κτηνοτρόφου και τον εργαζόμενο, στο οποίο αποκαλύπτει το αίσθημα της αναδυόμενης αυτοσυνείδησης και της εσωτερικής ανωτερότητας πάνω από το εκμεταλευτής. Αυτή η εικόνα, ο καλλιτέχνης έδειξε μια ιστορική σύγκρουση μεταξύ παλιού και νέου, αντιδραστικού και προοδευτικού και ενέκρινε τη νικηφόρα δύναμη του επαναστατικού και προοδευτικού. Αυτά είναι τα νέα χαρακτηριστικά του σοβιετικού ιστορικού και επαναστατικού είδους στο παράδειγμα της ζωγραφικής του Johanson.

Ένας ειδικός τόπος λαμβάνει αυτή την περίοδο μια πολύπλευρη εικόνα, θέματα και δημιουργικότητα των ειδών Sergey Vasilyevich Gerasimov. Το πιο εντυπωσιακό έργο του ιστορικού είδους στο έργο του είναι η εικόνα του "όρκο του Σιβηρίας Partizan" (1933), το οποίο είναι εκπληκτικό με την ανοικτή εκφραστικότητα, που ανιχνεύεται με χρωματιστική εκφραστικότητα, αιχμηρό πρότυπο, δυναμική σύνθεση. Εργασία στο είδος του νοικοκυριού, S.V. Ο Gerasimov επικεντρώθηκε στο θέμα των αγροτών. Με την απόφασή της, ο καλλιτέχνης περπάτησε μέσα από το πορτρέτο δημιουργώντας έναν αριθμό πειστικότερων αγροτών εικόνων. Κατά την κατασκευή ενός συλλογικού αγροτικού χωριού, έγραψε ένα από τα πιο λαμπρά πορτρέτα του "συλλογικού αγρόκτημα" (1933). Τα σημαντικότερα έργα της ζωγραφικής του είδους των 30 ετών εισήλθαν στις "συλλογικές αγροτικές διακοπές" (1937), το οποίο εκτέθηκε στην έκθεση "η βιομηχανία σοσιαλισμού". Ακριβώς και ο Emko χαρακτηρίζει αυτή την εικόνα ο μεγαλύτερος ακαδημαϊκός του Ιστορικού Σοβιετικού Τέχνης Ι.Ε. Grabar: "Όταν εμφανιστεί ένας θαυμάσιος καμβάς" συλλογικές αγροτικές διακοπές ", ένας από τους καλύτερους πίνακες της έκθεσης" η βιομηχανία του σοσιαλισμού ", η νέα, εξαιρετική ανάπτυξη του Δάσκαλη έγινε προφανής. Δεν είναι δύσκολο από τους σοβιετικούς καλλιτέχνες, εκτός από τον Σεργκέι Ο Gerasimov, θα αντιμετώπιζε ένα τόσο σύνθετο, φως και το χρώμα πρόκληση, και ακόμη και με τέτοια απλά εργαλεία και τεχνικές. Ήταν η ηλιακή εικόνα στη ρωσική ζωγραφική κατά τη διάρκεια της επανάστασης, παρά το γεγονός ότι εκπληρώθηκε στο συγκρατημένο σχέδιο "(1 , σελ. 189).

"Τραγουδιστής" της Σοβιετικής Αγρονίας ήταν Arkady alexandrovich devstors (1893 - 1983), που σχετίζεται με το ρωσικό χωριό με την προέλευσή της. Είχε μεγάλη επιρροή γι 'αυτόν, οι εντυπώσεις της παιδικής ηλικίας που ξοδεύονται σε στενή επικοινωνία με τη φύση, με τη γη, με αγρότες που ζουν σε αυτή τη γη.

Μετά τη Μεγάλη Οκτώβριο της Σοσιαλιστικής Επανάστασης των ορόφων, ο οποίος οδηγήθηκε από το έργο του εγγενούς χωριού του, δίνοντας έναν ελεύθερο χρόνο ζωγραφικής, συσσωρευμένων αδελφών και εντυπώσεων για τα μελλοντικά του έργα αφιερωμένα στην αγροτική ζωή. Ένα από τα πρώτα σημαντικά έργα του Plastov - Πλήρης ζωγραφική αέρα και φωτός "άλογο κολύμβησης" - πραγματοποιήθηκε από αυτούς για την έκθεση "20 χρόνια του Κόκκινου Στρατού". Για την έκθεση "η βιομηχανία σοσιαλισμού" των στρωμάτων έγραψε ένα μεγάλο πανί "συλλογικές αγροτικές διακοπές". Ένα άλλο φωτεινό προϊόν του Plastov του πόρου είναι το "συλλογικό αγέλη του αγρότες" (1938). Σε όλες τις αναφερόμενες εικόνες, ορισμένα κοινά χαρακτηριστικά εκδηλώνται. Οι δεξαμενές δεν νομίζουν ότι η σκηνή του είδους έξω από το τοπίο, εκτός της ρωσικής φύσης, πάντα εκπαιδεύτηκε σε ένα λυρικό σχέδιο, αποκαλύπτοντας την ομορφιά του στις απλούστερες εκδηλώσεις. Ένα άλλο χαρακτηριστικό των ειδών του Plastov είναι η απουσία οποιασδήποτε σύγκρουσης ή μια ιδιαίτερη στιγμή στον εκλεγμένο καλλιτέχνη του οικόπεδο. Μερικές φορές στις ζωγραφιές του, όπως στο "Συλλογικό Farm Flock", δεν υπάρχουν καθόλου γεγονότα, τίποτα δεν συμβαίνει. Αλλά ταυτόχρονα ο καλλιτέχνης επιτυγχάνει πάντα ποιητική εκφραστικότητα της εικόνας.

Έχει αναπτυχθεί στο ταλέντο των 30s Α.Α.Daeneki. Συνέχισε να τηρεί τα πρώην θέματα, τα οικόπεδα, τις αγαπημένες εικόνες, το χρώμα και το σύνθετο σύστημα. Είναι αλήθεια ότι ο γραφικός τρόπος του είναι κάπως μαλακωμένος, παραδείγματα για τα καλύτερα έργα της δεκαετίας του 1930 - "μητέρα" (1932), "μεσημεριανό διάλειμμα στο Donbass" (1935), "μελλοντικοί πιλότοι" (1938). Αθλητισμός, αεροπορία, γυμνό εκπαιδευμένο σώμα, λακωνισμός και απλότητα της γραφικής γλώσσας, οι συνδυασμοί κουδουνίσματος καφέ-πορτοκαλί και μπλε μαλακώνουν σε ορισμένες περιπτώσεις λυισμός, τη στιγμή της περισυλλογής. Ο Daenek έσπρωξε το θεματικό πλαίσιο του έργου του, συμπεριλαμβανομένων των ιστοριών από τη ζωή των ξένων χωρών, τα οποία εμφανίστηκαν ως αποτέλεσμα να ταξιδεύουν στις Ηνωμένες Πολιτείες, στη Γαλλία, τη Γερμανία και την Ιταλία.

Ένα άλλο πρώην μέλος OST - Yu.i.Pimenov (1903--1977) Δημιούργησε ένα από τα καλύτερα έργα ζωγραφικής της δεκαετίας του 1930 "Νέα Μόσχα" (1937). Το τοπίο του κέντρου της Μόσχας (pl. Sverdlova), σαν να φαίνεται από το αγωνιστικό αυτοκίνητο, πίσω από το τιμόνι της οποίας μια νεαρή γυναίκα κάθεται πίσω στον θεατή. Νέα κτίρια, γρήγορη λειτουργία του αυτοκινήτου, τα ελαφρά χρώματα, μια αφθονία του αέρα, το εύρος του χώρου και η πρόσληψη της σύνθεσης - Όλα είναι αμφισβητήσιμα με αισιόδοξη παγκοσμιοποίηση.

Στη δεκαετία του '30, διαμορφωμένη δημιουργικότητα g.g. NIS (1903 - 1987), ένας οπαδός των πιο cools που πήρε λακωνισμό από αυτούς, η ευκρίνεια των σύνθετων και ρυθμικών λύσεων. Αυτά είναι η ζωγραφική του "Φθινόπωρο" (1932) και "στα μονοπάτια" (1933). Στα τοπία του Nissky, η δραστηριότητα μετατροπής του ανθρώπου είναι πάντα ορατή.

Από τους ιδιοκτήτες τοπίου της παλαιότερης γενιάς αναρωτιέμαι τη δημιουργικότητα του Ν.Ρ. Κριμαία (1884 - 1958), η οποία δημιούργησε το 1937 μια διάσημη εικόνα "Πρωί στο Κεντρικό Πάρκο Πολιτισμού και ξεκούρασε το όνομα του Gorky στη Μόσχα". Μια μεγάλη πανοραμική θέα στο πάρκο, ο οποίος έπεσε πίσω του, δόθηκε, μια ομαλή γραμμή του ορίζοντα, λαμβάνοντας το μάτι του θεατή έξω από τον καμβά, - όλα αναπνέουν με φρεσκάδα και έκθεση.

Α. Flylov, η εργασία του οποίου σχηματίστηκε στις αρχές του 20ού αιώνα, στην εικόνα "Λένιν στη διαρροή" (1934) συνδέει το τοπίο με το ιστορικό είδος, φτάνοντας στην αίσθηση της έκτησης της φύσης, των σκέψεων, των συναισθημάτων, ισχυριζόμενος ιστορικός αισιοδοξία.

Το πανοραμικό τοπίο έχει εκδηλωθεί στα έργα πολλών ζωγράφων διαφόρων δημοκρατιών. Αυτή η επιβάρυνση συσχετίστηκε με την απότομη αίσθηση της πατρίδας, της μητρικής γης, η οποία στη δεκαετία του 1930 ενισχύθηκε και μεγάλωσε. D.n. Kakabadze (1889 - 1952) Στο "imereti τοπίο" του (1934) δίνει μια μεγάλη στροφή των καυκάσιων βουνών, αφήνοντας την απόσταση, - η κορυφογραμμή πίσω από την κορυφογραμμή, η πλαγιά πίσω από την πλαγιά. Στο έργο της M.S. Το Saryan 30s χαρακτηρίστηκε επίσης από το ενδιαφέρον για το εθνικό τοπίο, στην πανοραμική θέα της Αρμενίας.

Η καρποφόρα ανάπτυξη κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου λαμβάνει επίσης ένα είδος πορτρέτου στον οποίο καλλιτέχνες της παλαιότερης γενιάς σ.λ. Konchalovsky, δηλ. Grabar, m.v. Nesterov και μερικοί άλλοι.

P.p. Ο Konchalovsky, γνωστός για τα έργα της στα πιο διαφορετικά είδη ζωγραφικής, στη δεκαετία του '30 - 40s δημιουργεί μια ολόκληρη σειρά πορτρέτων φοιτητών της Σοβιετικής Επιστήμης και της Τέχνης. Μεταξύ των καλύτερων πορτρέτων V.V. Sofronitsky ανά πιάνο (1932), S.S. PROKOFIEV (1934), V.E. Meyerhold (1937). Σε αυτά τα έργα, ο Konchalovsky συμβάλλει στην εξαιρετική ικανότητά της να εκφράζει τη ζωή μέσω ενός συστήματος πλαστικών λουλουδιών. Συνδέει τις καλύτερες παραδόσεις της παλιάς τέχνης με μια καινοτόμο ευκρίνεια της έγχρωμης όρασης, της επιβεβαίωσης της ζωής, της μεγάλης συναισθηματικής και ισχυρής εικόνας που ακούγεται.

Η γνήσια κορυφή της ανάπτυξης της ζωγραφικής πορτρέτου αυτής της περιόδου ήταν τα έργα του M.V. Nesterova. Καθ 'όλη τη δουλειά του, τα οποία ενώνουν τους αιώνες XIX και XX., Ο Nesterov διατηρεί το μέσον της ζωής με τη ζωή. Στη δεκαετία του '30, επιβίωσαν ένα λαμπρό ανελκυστήρα, ανοίγοντας το ταλέντο του πορτρέτου του. Ένα εικονιστικό νόημα στο Nesterov Πορτρέτα - Έγκριση του δημιουργικού πνεύματος του χρόνου μέσω της ταυτότητας του δημιουργικού PATOS μιας μεγάλης ποικιλίας ανθρώπων που αντιπροσωπεύουν αυτή τη φορά. Ο κύκλος των ηρώων Nesterov είναι εκπρόσωποι της σοβιετικής διανοητικής παραγωγής, των ανθρώπων δημιουργικών επαγγελμάτων. Έτσι, μεταξύ των σημαντικότερων έργων του Nesterov, πορτρέτα καλλιτεχνών - αδελφοί Cory (1930), γλύπτης I.D. Shadra (1934), Ακαδημαϊκός i.p. Pavlova (1935), χειρουργός S.S. Yudina (1935), γλύπτης V.I. Mukhina (1940). Ο Nesterov ενεργεί ως συνεχής παράδοση πορτρέτου του V.A. Serov. Υπογραμμίζει τα χαρακτηριστικά, τονίζει τις χειρονομίες, χαρακτηριστικές θέσεις των ηρώων τους. Ο ακαδημαϊκός Pavlov σφιγεί σταθερά γροθιές που τοποθετούνται στο τραπέζι και αυτή η στάση αποκαλύπτει τη δύναμη του Πνεύματος, σε αντίθεση με μια σαφή γήρατα. Ο χειρουργός Yudin απεικονίζεται επίσης σε ένα προφίλ που κάθεται στο τραπέζι. Αλλά η εκφραστικότητα αυτής της εικόνας είναι χτισμένη σε ένα χαρακτηριστικό, "πετούν" χειρονομία, ανεβαίνει προς τα πάνω. Εξαγάγετε τα δάχτυλα του Yudin - οι τυπικοί χειρουργοί, το Deft και ισχυρό, έτοιμο να εκπληρώσει τη θέλησή του. Η Mukhina απεικονίζεται κατά τη στιγμή της δημιουργικότητας. Γλυπτεί τη γλυπτική - εστιασμένη, χωρίς να δώσει προσοχή στον καλλιτέχνη, να υπακούει εντελώς την ώθηση του.

Παρατίθεται συνοπτικά σε αυτά τα αξεσουάρ πορτρέτων. Είναι γεμάτα και ενεργά περιλαμβάνονται στα χαρακτηριστικά των ανθρώπων που απεικονίζονται από το χρώμα τους, φωτισμό, σιλουέτα. Η γεύση των πορτρέτων είναι δραματικά ενεργή, κορεσμένη με ήχο, λεπτώς coararled επιπλέον τόνους. Έτσι, σύνθετο χρώμα στο πορτρέτο του Pavlova, χτισμένο σε ένα συνδυασμό των καλύτερων αποχρώσεων των κρύων και ζεστών τόνων, χαρακτηρίζει την πνευματική σαφήνεια και την ακεραιότητα του εσωτερικού κόσμου του επιστήμονα. Και στο πορτρέτο των καφέ αδελφών, είναι παχιά σε βαθύ μπλε, μαύρο, κορεσμένο καφέ, εκφράζοντας τη δραματικότητα της δημιουργικής τους κατάστασης. Τα πορτραίτα Nesterov εισήγαγαν την τέχνη της ουσιαστικά νέας, η επιβεβαίωση της ζωής ξεκίνησε, δημιουργική καύση ως τις πιο χαρακτηριστικές και φωτεινές εκδηλώσεις των ανθρώπων στην εποχή του υψηλού ενθουσιασμού της απασχόλησης.

Πλησιέστερο στον καλλιτέχνη Nesterob Pavel Dmitievich Korin. (1892 - 1967). Έφερε στους ζωγράφους παλπιά, άρχισε τον δημιουργικό του τρόπο με τις γραφές των εικόνων και το 1911, στο Συμβούλιο, ο Nesterov εισήλθε στη Σχολή Ζωγραφικής, Scary και αρχιτεκτονικής της Μόσχας. Ο Σουστγκο απαιτητικός στους εαυτούς τους και στους ανθρώπους, η Corin έφερε αυτή την ποιότητα μέσω της δημιουργικότητάς του. Σε δημιουργική ανάπτυξη, και μάλιστα στη ζωή του καλλιτέχνη, η Α.Μ. διαδραμάτισε σημαντικό ρόλο Ο Γκόρκι, με τον οποίο συναντήθηκε το 1931 ο Γκόρκι βοήθησε τον Κορίνα να ταξιδέψει στο εξωτερικό για να εξερευνήσει τα καλύτερα μνημεία της παγκόσμιας τέχνης.

Μπορεί να είναι γι 'αυτό η γκαλερί πορτρέτου των επιστημόνων, των καλλιτεχνών, των συγγραφέων της εποχής μας, το οποίο Corin δημιουργεί τα χρόνια, άρχισε τον τρόπο A.M. Gorky (1932). Ουσιαστικά, σε αυτό το έργο αποκαλύπτονται τα κύρια χαρακτηριστικά του Corin-Portrainist. Το πορτραίτο του Gorky είναι ένα πραγματικά μνημειώδες προϊόν, όπου μια σαφή ανιχνευμένη σιλουέτα, ένα φόντο αντίθεσης, ένα ευρύ γεμισμένο με το χρώμα των μεγάλων περιοχών καμβά, μια απότομη εκφραστική εικόνα εκφράζει την ιστορική γενίκευση της προσωπικότητας του συγγραφέα. Για αυτό, όπως και για άλλα πορτρέτα της Corin, χαρακτηρίζεται από ένα σκληρό γάμμα με αφθονία σκούρου γκρι, σκούρο μπλε, λιπαρό, μερικές φορές σε μαύρο, τόνους. Αυτό το γάμμα, καθώς και ένα σαφώς κολλημένο σχήμα του κεφαλιού και των αριθμών που απεικονίζονται, εκφράζει τις συναισθηματικές ιδιότητες του ίδιου του καλλιτέχνη (6).

Στη δεκαετία του '30, Corin δημιουργεί πορτρέτα των ηθοποιών L.M. Leonidova και V.I. Kachalova, καλλιτέχνης M.V. Nesterova, Writer A.N. Tolestoy, επιστήμονας n.f. Gamalei. Προφανώς, γι 'αυτόν, καθώς και για τον πνευματικό του δάσκαλο m.v. Η Nesterova, το ενδιαφέρον για τη δημιουργική προσωπικότητα απέχει πολύ από την ευκαιρία.

Οι επιτυχίες της ζωγραφικής των 30 δεν σημαίνουν ότι η πορεία της ανάπτυξής της ήταν απλή και στερημένη αντιφάσεις. Σε πολλά έργα, τα χρόνια αυτά έδειξαν και σταθεροποιήθηκαν τα χαρακτηριστικά που δημιουργούνται από τη λατρεία του i.v. Στάλιν. Πρόκειται για ένα ψεύτικο παθό μιας ψευδο-ετεροϊκής, ψευδοδεσμικής, ψευδοδυπρωτικής στάσης απέναντι στη ζωή που καθορίζει την ουσία και το νόημα της τέχνης "παρέλασης". Υπήρξε ένας ανταγωνισμός μεταξύ καλλιτεχνών στον αγώνα για τους αδιαμφισβήτητους "Superpersians", που σχετίζονται με την εικόνα i.v. Στάλιν, η επιτυχία της εκβιομηχάνισης, η επιτυχία της αγροτιάς και της συλλογικότητας. Υπήρχαν ένας αριθμός καλλιτεχνών, "ειδικεύοντας" σε αυτό το θέμα. Το πιο ανθεκτικό σε αυτό το θέμα ήταν ο Αλέξανδρος Γερασιμοφύς ("Στάλιν και Κ.Ε. Voroshilov στο Κρεμλίνο" και τα άλλα έργα του).

Βιβλιογραφία

1. VereshchaGin Α. Καλλιτέχνης. Χρόνος. Ιστορία. Δοκίμια της ιστορίας της ρωσικής ιστορικής ζωγραφικής XVIII - αρχή. XX αιώνες. - L.: ART, 1973.

2. Ζωγραφική 20 - 30s / ed. V.SManina. - SPB.: Καλλιτέχνης RSFSR, 1991.

3. Zezina M.R., Koshman L.V., Shulgin V.S. Η ιστορία της ρωσικής κουλτούρας. - m.: Υψηλότερη. Σχολείο, 1990.

4. Lebedev P.I. Σοβιετική τέχνη κατά τη διάρκεια της εξωτερικής παρέμβασης και του εμφυλίου πολέμου. - Μ., 1987.

5. Likhachev Δ. Ρωσική τέχνη από την αρχαιότητα στο Avant-Garde. - M.: ART, 1992.

6. ilina t.v. Ιστορία των Τεχνών. Πατριωτική τέχνη. - m.: Υψηλότερη. Σχολείο, 1994.

7. Ιστορία της τέχνης των λαών της ΕΣΣΔ. Σε 9 τόνους. - Μ., 1971 - 1984.

8. Ιστορία της ρωσικής και της σοβιετικής τέχνης / ed. Mm Allenova. - M.: Ανώτερο Σχολείο, 1987.

9. Polycarpov V.M. Πολιτισμολογία. - M.: Gardaria, 1997.

10. Rosin V.M. Εισαγωγή στη ανθοφορία. - Μ.: Φόρουμ, 1997.

11. Stepananan Ν. Τέχνη της Ρωσίας του XX αιώνα. Προβολή από τη δεκαετία του '90. - Μόσχα: Eksmo-Press, 1999.

12. Suzdalev P.K. Η ιστορία της σοβιετικής ζωγραφικής. - Μ., 1973.

Δημοσιεύτηκε στο Allbest.ru.

...

Παρόμοια έγγραφα

Ζωή και δημιουργικότητα ΚΑ. Petrova-Vodkina. Διάσκεψη της επανάστασης μέσω διαφόρων έργων. Διασχίζοντας τα εικονίδια ιστοριών με μοντέρνα οικόπεδα. Παραδόσεις κλασικών αυστηρών σχεδίων και καλλιτεχνών πρόωρης αναγέννησης. Παραδόσεις στο έργο του καλλιτέχνη.

Πρακτική εργασία, προστέθηκαν 01/23/2014


Ρωσική φαντασία στις αρχές του XX αιώνα. Η προέλευση της δημιουργικότητας και της βασικής ράβδου της τέχνης Κ. ΠΕΤΡΑΒΑ-Βοκίνα, το έργο του πριν από την επανάσταση του 1917 και στην περίοδο της. Επιθεώρηση του Συλλόγου Θεωρητικής απόψεων με τη δική της καλλιτεχνική πρακτική.

Εξέταση, προστέθηκαν 11/28/2010


Η ανάπτυξη οπτικών μέσων του Ύστερη XIX - πρώιμη XX αιώνα, ο γραφικός τρόπος εκπροσώπων της Ρωσικής Ρεαλιστικής Ζωγραφικής. Ιστορικές καμβάδες, τοπία κινητών καλλιτεχνών, πρωτοπόροι-κηπευτικοί, μεταπτυχιακοί δάσκαλοι. "Suprematism", συμβολιστές καλλιτέχνες.

Παρουσίαση, προστέθηκε 02.10.2013


Η βιογραφία της Petrova-Vodkina, ο σχηματισμός ενός νέου καλλιτεχνικού συστήματος του οδηγού. Διάφοροι τρόποι πολύχρωμων ποιοτήτων των καμβά του. Ο χρόνος συνεχούς χρόνου στα έργα της Petrova-Vodkina: σε πορτρέτα, τοπία, ακόμα ζωγραφίζει, σχεδιάζουν πίνακες.

Διατριβή, πρόσθεσε 24.03.2011


Οι εκθέσεις νεολαίας ως μία από τις κύριες στιγμές έλξης ενδιαφέροντος ακροατηρίου στην ηλικία των 60-80 ετών. Γνωριμία με τα έργα του Korzhev, Τ. Salahova, αδελφοί Tkacheva, Iokubonis, I. Golitsyn. Την εμφάνιση νέων περιοδικών τέχνης.

Παρουσίαση, προστέθηκε 30.10.2013


Την αρχή της θεωρητικής αιτιολόγησης για την κατάρτιση πρακτικής. Κατάρτιση σχεδίασης στην αρχαία Αίγυπτο. Καλλιτέχνες της Αναγέννησης. Καλλιτεχνικές κατευθύνσεις, ανοιχτά και σταθερά εχθρικό ρεαλισμό. Θεωρολόγους της αισθητικής εκπαίδευσης της επαναστατικής Ρωσίας.

Περίληψη, προστέθηκε 01/10/2013


Γλυπτική "εργαζόμενος και συλλογικός αγρότης" και άλλα γλυπτά έργα πίστης Mukhina. Έργα του γλύπτη Ivan Shadrin. Γραφικά πανιά των σοβιετικών καλλιτεχνών Mitrofan Grekova, Arkady Plastov. Αρχιτέκτονες-Constructivists Victor και Leonid Vesnina.

Παρουσίαση, προστέθηκε 01/06/2013


Ζωγράφοι, γραφικά και γλύπτες που εργάστηκαν το 1900-1930. Στη Ρωσία και περιλαμβάνονται σε διάφορα άρθρα και ενώσεις. Ένωση εκθέσεων κινητής τέχνης. Η εμφάνιση της Ένωσης Ένωσης "Ένωση Ρωσικών Καλλιτεχνών".

Παρουσίαση, προστέθηκαν 25.10.2015


Περιγραφή των κύριων τεχνικών για την ανάλυση της καλλιτεχνικής εργασίας. Ανάλυση του τόπου συμβολισμού και σύγχρονης στη ρωσική τέχνη στην αρχή του XX αιώνα. Στο παράδειγμα των έργων του Κ.Π.Α. Petrova-Vodkina. Χαρακτηριστικά του σχηματισμού ρεαλισμού στη ρωσική μουσική στα έργα του Μ.Ι. Glinka.

Μεθοδολογία, προστέθηκαν 11/11/2010


VIVCHENNYA BICOMYIH αρχιτεκτονικός XIX XIX: Beketova O.M., Bernardhtsi O.Y., Gorodetsky V.V. που σε. VOTNNITERTHITETTS TA Καλλιτέχνες του Κεντρικού Περιηγούχου: Pearzhugs L.M., Shevchenko T.G., Bashkirtseva M.K., Bogomazov O.K.

Λεπτομέρειες Κατηγορία: Καλές τέχνες και αρχιτεκτονική της Σοβιετικής Περιόδου Δημοσιεύθηκε 09/14/2018 13:37 Εμφανίσεις: 1845

Από τη δεκαετία του 1930 του XX αιώνα. Η επίσημη τέχνη στη Ρωσία έχει αναπτυχθεί σύμφωνα με τον σοσιαλιστικό ρεαλισμό. Η ποικιλία των καλλιτεχνικών μορφών τέθηκε ένα τέλος.

Η νέα εποχή της σοβιετικής τέχνης διακρίθηκε από σκληρό ιδεολογικό έλεγχο και στοιχεία προπαγάνδας.
Το 1934, στο I All-Union Congress των Σοβιετικών Συγγραφέων, ο Maxim Gorky διατύπωσε τις βασικές αρχές του σοσιαλιστικού ρεαλισμού ως τη μέθοδο της σοβιετικής λογοτεχνίας και της τέχνης:

Γέννηση.
Ιδέα.
Συγκεκριμένο.

Οι αρχές του σοσιαλιστικού ρεαλισμού όχι μόνο κηρύχθηκαν, αλλά και υποστηρίχθηκαν από το κράτος: κρατικές εντολές, δημιουργικές επιχειρηματικές εκδρομές καλλιτεχνών, θεματικές και επετείους εκθέσεις, αναβίωση της μνημειακής τέχνης ως ανεξάρτητη, διότι Αντικατοπτρίζει τις "μεγάλες προοπτικές για την ανάπτυξη της σοσιαλιστικής κοινωνίας".
Οι σημαντικότεροι εκπρόσωποι της καβαλέτων αυτής της περιόδου ήταν ο Μπόρις Johanson, ο Σεργκέι Γερασίμοφ, ο Αλέξανδρος Deineka, ο Γιούρι Pimenov, ο Νικολάι Κρυμούφ, ο Νικολάι Κρυμούφ, ο Αρκαντί Φλιβόφ, ο Πέτρος Κονχαλόβσκι, ο Igor Grabar, Mikhail Nesterov, Pavel Corin, και άλλοι. Μερικοί καλλιτέχνες, Θα αφιερώσουμε μεμονωμένα άρθρα.

Boris Vladimirovich Johanson (1893-1973)

Β. Johanson. Αυτοπροσωπογραφία

Ένας από τους κορυφαίους εκπροσώπους του σοσιαλιστικού ρεαλισμού στη ζωγραφική. Εργάστηκε στις παραδόσεις της ρωσικής ζωγραφικής του αιώνα του XIX., Αλλά έγινε στα έργα του "Νέο επαναστατικό περιεχόμενο, σύσταση σύσχεσης".
Ήταν επίσης δάσκαλος ζωγραφικής, διευθυντής της πολιτείας Tretyakov Gallery το 1951-1954, ο πρώτος Γραμματέας της Ένωσης Καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ, ο επικεφαλής συντάκτης της Εγκυκλοπαίδειας "Η τέχνη των χωρών και των λαών του κόσμου" πολλά κρατικά βραβεία και τίτλους.
Οι δύο εικόνες είναι ιδιαίτερα γνωστές: "ανάκριση των κομμουνιστών" και "στο παλιό εργοστάσιο ουρλημάτων" (1937).

Β. Johanson "ανάκριση των κομμουνιστών" (1933). Καμβά, λάδι. 211 x 279 Δείτε την κρατική γκαλερί Tretyakov (Μόσχα)
Η ιστορία της δημιουργίας της ζωγραφικής σε αυτή την περίπτωση είναι απαραίτητη για την επίγνωση της ιδέας του. "Προσωπικά επιδίωξα την ιδέα της σύγκρισης των τάξεων, την επιθυμία να εκφράσω σε ζωγραφική ασυμβίβαστες αντιφάσεις της τάξης.
Ο Belog Guardism είναι ένας ειδικός μηρός στην ιστορία, αυτή είναι μια σχεδία όπου τα υπολείμματα των παλιών αξιωματικών και οι κερδοσκόποι σε στρατιωτική στολή και ο Frank Gangsters, και οι Marauders του πολέμου αναμίχθηκαν. Τι έντονη αντίθεση με αυτή τη συμμορία ήταν οι στρατιωτικοί μας κομπιστικοί, οι κομμουνιστές, οι οποίοι ήταν ιδεολογικοί ηγέτες και υπερασπιστές των σοσιαλιστικών στοιχείων και των εργαζομένων. Εκφράστε αυτή την αντίθεση, σε σύγκριση με το δημιουργικό μου έργο "(Β. Johanson).
Ένας υπάλληλος με λευκασμό κάθεται σε μια επιχρυσωμένη καρέκλα πίσω στον θεατή. Οι υπόλοιποι λευκοί αξιωματικοί αντιμετωπίζουν το πρόσωπο. Για να ενισχύσει το δραματικό αποτέλεσμα, ο καλλιτέχνης δίνει τεχνητό νυχτερινό φωτισμό. Η φιγούρα της συνοδείας τοποθετείται στην άνω σκοτεινή άκρη της αριστερής γωνίας και είναι μια ελαφρώς αξιοσημείωτη σιλουέτα. Στη δεξιά γωνία - ένα παράθυρο με ένα τσιγάρο, ένα επιπλέον νυχτερινό φως χύνεται μέσα από αυτό.
Οι κομμουνιστές είναι σαν την ανύψωση σε σχέση με τους λευκούς φρουρούς.
Κομμουνιστές - κορίτσι και εργαζόμενος. Βρίσκονται κοντά και κοιτάζουν ήρεμα στο πρόσωπο των εχθρών τους, ο εσωτερικός ενθουσιασμός τους είναι κρυμμένος. Οι νέοι κομμουνιστές συμβολίζουν έναν νέο τύπο σοβιετικού λαού.

Sergey Vasilyevich Gerasimov (1885-1964)

S. Gerasimov. Αυτοπροσωπογραφία (1923). Καμβά, λάδι. 88 x 66 Βλέπε Μουσείο Τέχνης Χάρκοβο (Χάρκοβο, Ουκρανία)
Ο Ρώσος καλλιτέχνης, ένας εκπρόσωπος της ρωσικής ιμπρεσιονισμών, ειδικά που εκδηλώνεται στα τοπία του. Δημιούργησε επίσης μια σειρά από κοινωνικά ιδιοκτητικές ζωγραφιές.

S. Gerasimov "Άνοιξη. Μάρτιος". Καμβά, λάδι
Στο ιστορικό είδος, η πιο διάσημη δουλειά του είναι ο «όρκος των Σιβηρίας Partisans».

S. Gerasimov "Όρρος της Σιβηρίας Partizan" (1933). Καμβά, λάδι. 173 x 257 Δείτε το κρατικό ρωσικό μουσείο (Petersburg)
Ζωγραφική Surov στο περιεχόμενο, αλλά εκφραστικό και εκφραστικό. Υπάρχει μια σαφής σύνθεση και ιδεολογικός προσανατολισμός.
Είδος ζωγραφικής S. Gerasimov "Συλλογικές αγροτικές διακοπές" (1937) θεωρείται ένα από τα σημαντικότερα έργα της Σοβιετικής Τέχνης της δεκαετίας του 1930 του XX αιώνα.

S. Gerasimov "συλλογικές αγροτικές διακοπές" (1937). Καμβά, λάδι. 234 x 372 Δείτε το κράτος Tretyakov Gallery (Μόσχα)
Μια από τις πιο γνωστές γραφικές ομορφιές για τον πόλεμο ήταν η εικόνα του S. Gerasimov "Mother Partisan".

S. Gerasimov "Μητέρα Partisan" (1943-1950). Καμβά, λάδι. Κράτος Tretyakov Gallery (Μόσχα)
Ο ίδιος ο καλλιτέχνης μίλησε για την ιδέα της ζωγραφικής όπως αυτό: «Ήθελα να δείξω στη μορφή της όλων των μητέρων που έστειλαν τους γιους τους στον πόλεμο».
Η γυναίκα είναι σταθερή στη σωστή θέση της, προσωποποιεί τη μεγάλη δύναμη της οργής του λαού. Υποφέρει, αλλά είναι η ταλαιπωρία ενός περήφανου, ισχυρού προσώπου, οπότε το πρόσωπό της φαίνεται ηρεμία σε αυτή την τραγική στιγμή.

Arkady Alexandrovich Devy (1893-1972)

P. Bendel. Πορτρέτο του καλλιτέχνη Plastov

Ο καλλιτέχνης Α. Plastov ονομάζεται "τραγουδιστής της σοβιετικής αγροτιάς". Όλες οι ζωγραφιές του είδους δημιουργούνται στο φόντο του τοπίου. Η ρωσική φύση από τον καλλιτέχνη είναι πάντα λυρικό και κινούμενο. Οι πίνακές της διακρίνονται από την ποιητική εκφραστικότητα και πρακτικά μη αμοιβαία.

Α. Πλάτς "πρώτο χιόνι" (1946)
Ο καλλιτέχνης απεικόνισε ένα μικρό κομμάτι από τη ρουστίκ ζωή. Στο κατώφλι ενός ξύλινου σπιτιού, δύο αγροτικά παιδιά, πιθανότατα, αδελφή και αδελφός. Ξυπνήστε το πρωί, είδαν τη χιονόπτωση και έτρεξαν στη βεράντα. Το κορίτσι δεν είχε καν χρόνο να δέσει ένα κίτρινο ζεστό σάλι, σκιαγραφείται μόνο σε ένα ελαφρώς σπιτικό φόρεμα, και βάζει τα πόδια του στις μπότες. Τα παιδιά με έκπληξη και απόλαυση ματιά στο πρώτο χιόνι. Και αυτή τη χαρά, αυτή η απόλαυση των παιδιών από την ομορφιά της φύσης μεταδίδεται στο κοινό.
Οι δεξαμενές είναι πεπεισμένοι ρεαλιστής. Οι αναζητήσεις για κάτι εντελώς και πρωτοφανές ήταν αλλοδαπός σε αυτόν. Ζούσε στον κόσμο και θαύμαζε την ομορφιά του. Τα στρώματα που εξετάστηκαν: Το κύριο πράγμα για τον καλλιτέχνη είναι να δούμε αυτή την ομορφιά και να το περάσει στον καμβά. Δεν χρειάζεται να γράφετε όμορφα, είναι απαραίτητο να γράψετε την αλήθεια και θα είναι πιο όμορφη από οποιαδήποτε φαντασία.

Α. Plaks "Gold Out" (1952). Καμβά, λάδι. 57 x 76 Δείτε το κρατικό μουσείο-αποθεματικό "Rostov Κρεμλίνο"

Α. Plaks "Senokos" (1945). Καμβά, λάδι. 193 x 232 Δείτε την κρατική γκαλερί Tretyakov (Μόσχα)
Ο καλλιτέχνης δημιούργησε μια σειρά έργων ζωγραφικής για τον Μεγάλο Πατριωτικό Πόλεμο. Ο καμβάς "φασιστικού μύγας" γεμίζει με μια τραγωδία, θεωρείται αριστούργημα της σοβιετικής τέχνης της στρατιωτικής και μεταπολεμικής περιόδου.

Α. Plaks "φασιστική πτήση" (1942). Καμβά, λάδι. 138 x 185 Δείτε το κράτος Tretyakov Gallery (Μόσχα)
Ο καλλιτέχνης A. Deineka συνεχίζει να εργάζεται στα αγαπημένα του θέματα.

Γιούρι Ivanovich Pimenov (1903-1977)

Γνωστή ως ζωγράφος, καλλιτέχνης θεάτρου, σκηνή και ένα πρόγραμμα, ένα posterist, έναν δάσκαλο.
Η πιο διάσημη εικόνα του είναι η "Νέα Μόσχα".

Yu. Pimenov "Νέα Μόσχα" (1937). Καμβά, λάδι. 140 × 170 cm. Gallery Tretyakov (Μόσχα)
Δημοσιεύτηκε στη μέση της ανασυγκρότησης της πρωτεύουσας. Μια γυναίκα πίσω από το τιμόνι είναι ένα μάλλον σπάνιο φαινόμενο για εκείνα τα χρόνια. Αυτό είναι ένα σύμβολο μιας νέας ζωής. Ασυνήθιστα και σύνθετη λύση: Η εικόνα είναι παρόμοια με το πλαίσιο της κάμερας. Η γυναίκα εμφανίζεται από την πλάτη, και αυτή η γωνία σαν να προσκαλεί τον θεατή να κοιτάξει την πρωινή πόλη με τα μάτια της. Δημιουργήστε μια αίσθηση χαράς, φρεσκάδα και άνοιξη. Αυτό προωθείται από τον τρόπο impressionism της γραφής του καλλιτέχνη και ένα απαλό πολύχρωμο χρώμα. Η εικόνα είναι αμφισβητούμενη με ένα αισιόδοξο χαρακτηριστικό της μονάδας εκείνης της εποχής.
Αυτός ο τεχνολόγος χρησιμοποίησε αυτή την τεχνική όταν γράφει μια εικόνα "Front Road". Το συναισθηματικό περιεχόμενο της ζωγραφικής είναι χτισμένο πάνω στην αντίθεση μεταξύ του δρόμου της ειρηνικής, αλλάζοντας τη Μόσχα και λεηλατημένη και καταστράφηκε ως αποτέλεσμα της φασιστικής εισβολής της πόλης που εμφανίζεται στην εικόνα "Front Road".

Y. Pimenov "Front Road" (1944)
Κατά την πρώιμη περίοδο, η δημιουργικότητα του Pimenov γνώρισε την επιρροή του γερμανικού εξπρεσιονισμού, η οποία εξηγεί σε μεγάλο βαθμό τη δραματική ευκρίνεια των καλύτερων φωτογραφιών αυτών: "Άτομα με ειδικές ανάγκες", "Δώστε στη βαριά βιομηχανία!" (1927), "οι στρατιώτες περνούν προς την κατεύθυνση της επανάστασης" (1932). Σταδιακά, μετακόμισε στον ιμπρεσιονισμό, προσκολλάται στη δημιουργική αρχή της "εξαιρετικής στιγμής".

Y. Pimenov "Άτομα με ειδικές ανάγκες" (1926). Κρατικό Ρωσικό Μουσείο (Πετρούπολη)

Georgy Grigorievich Nissky (1903-1987)

Ο Γιώργος Nissky κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ασχολείται ενεργά με τη δημιουργικότητα του τοπίου. Οι πίνακές του χαρακτηρίζονται από γραφικό λατρευτικό, δυναμικό, φωτεινά σύνθετα και ρυθμικά διαλύματα. Η φύση από τον καλλιτέχνη μετατρέπεται πάντα από τα ανθρώπινα χέρια.

Nissky "Φθινόπωρο. Σιναφικά "(1932)

Nissky "περιοχή της Μόσχας. Φεβρουάριος "(1957). Καμβά, λάδι. Κράτος Tretyakov Gallery (Μόσχα)
Οι πλινιστές παλαιότερων γενιάς περιλαμβάνουν τον Νικολάι Κρυμούφ.

Nikolai Petrovich Krymov (1884-1958)

Νικολάι Κρυμούφ (1921)
N.p. Η Κριμαία γεννήθηκε στην οικογένεια ενός καλλιτέχνη-κινητού, οπότε η αρχική κατεύθυνση της δημιουργικότητάς του ήταν η ίδια. Κατά τη διάρκεια των χρόνων σπουδών (1905-1910), κλίνει προς μια ιμπρεσιονιστική εικόνα της φύσης, οι απαλές παστέλ και τα ελαφρά εγκεφαλικά επεισόδια το έδωσαν στην καμβά πνευματισμένη και με βαρύτητα εμφάνιση. Στη δεκαετία του '20, έγινε δέσμευση για τη ρωσική ρεαλιστική ζωγραφική.

N.p. Κριμαία "πρωί στο κεντρικό πάρκο του πολιτισμού και ξεκούραση. M. Gorky στη Μόσχα "(1937). Καμβά, λάδι. 81 x 135 cm. Κράτος Tretyakov Gallery (Μόσχα)
Η τελευταία περίοδος του έργου του ζωγράφου συνδέεται με τον ποταμό Oka και μια μικρή πόλη της Tarusa, όπου έφτασε η Κριμαία για να αγοράσει. Ήταν γοητευμένος από τα τοπικά τοπία και ο ποταμός Okoy, ο οποίος "αναπνέει την ελευθερία".

N. Crimea "Street στο Tarus" (1952)
Αντανάκλαση της αγάπης για τις ζωγραφιές χάλυβα Tarus "πριν από το λυκόφως", "Polenovo. Ο ποταμός Oka "και ένας αριθμός άλλων. Ο καλλιτέχνης έχει πολλά χειμωνιάτικα τοπία.

Ν. Krymm "Χειμώνας. Στέγες "(1934)

Arkady Alexandrovich Rylov (1870-1939)

Α. Rylov. Αυτοπροσωπογραφία με πρωτεΐνη (1931). Χαρτί, μάσκαρα, ιταλικό μολύβι. Κράτος Tretyakov Gallery (Μόσχα)

Ρωσικό και σοβιετικό ζωγράφο-τοπίο, πρόγραμμα και δάσκαλος.
Η πιο διάσημη εικόνα του είναι "Λένιν στη διαρροή".

Α. Rylov "V.I. Λένιν στη διαρροή το 1917. (1934). Καμβά, λάδι. 126,5 × 212 cm. Κρατικό ρωσικό μουσείο (Πετρούπολη)
Αυτό είναι ένα από τα καλύτερα έργα του καλλιτέχνη στην καθυστερημένη περίοδο δημιουργικότητάς του. Σε αυτή την εικόνα, ο καλλιτέχνης συνδέει το τοπίο με το ιστορικό είδος. Η διαμονή του Λένιν στη διαρροή το καλοκαίρι του 1917 είναι ένα από τα κύρια οικόπεδα του θέματος Λένιν στις Σοβιετικές Καλές Τέχνες. Στο τοπίο και σε μια δυναμική μορφή, ο ηγέτης αισθάνεται τον ενθουσιασμό και την ένταση της στιγμής. Τα σύννεφα, ο άνεμος αρχίζει τα δυνατά δέντρα, στον αγώνα ενάντια σε αυτές τις φυσικές δυνάμεις, η φιγούρα του Λένιν βυθίζεται προς τον άνεμο με μια σκληρή αποφασιστικότητα να κερδίσει στο όνομα του μέλλοντος.
Θυελλώδης λίμνη και ο ανησυχητικός ουρανός συμβολίζει μια καταιγίδα. Το λυκόφως κατεβαίνει στη Γη. Λένιν, μη ειδοποιώντας αυτό, σε απόσταση σε απόσταση. Μια τέτοια ερμηνεία της εικόνας του ηγέτη είναι η ιδεολογική σειρά της σοβιετικής εποχής.
Το Σοβιετικό είδος πορτρέτου αναπτύσσεται ενεργά αυτή τη στιγμή, στην οποία ο Peter Konchalovsky, ο Igor Grabar, Mikhail Nesterov, είναι φωτεινότερος από όλους.

Π. Konchalovsky. Πορτρέτο ενός συνθέτη Sergey Sergeyevich Prokofiev (1934). Καμβά, λάδι. 181 x 140,5 εκ. State Tretyakov Gallery (Μόσχα)

Π. Konchalovsky. Πορτρέτο του V.E. Meyerhold (1938). Καμβά, λάδι. 211 x 233 Δείτε το κράτος Tretyakov Gallery (Μόσχα)
Κατά τη διάρκεια της περιόδου μαζικής καταστολής, λίγο πριν τη σύλληψη και το θάνατο του Meyerhold, ο P. Konchalovsky δημιούργησε ένα πορτρέτο αυτού του εξαιρετικού θεατρικού σχήματος. Στις 7 Ιανουαρίου 1938, η Επιτροπή Τέχτη υιοθέτησε ψήφισμα σχετικά με την εκκαθάριση του κρατικού θεάτρου που ονομάζεται Meyerhold.
Η συγκρούσεις προσωπικότητας με τη γύρω πραγματικότητα είναι ο καλλιτέχνης που μεταφέρεται μέσω μιας πολύπλοκης σύνθετης απόφασης. Στον καμβά απεικονίζεται ο ονειροπόλος, και ένα πρόσωπο του οποίου η μοίρα κρέμεται στις τρίχες, και το ξέρει. Μέσα από τη σύγκριση του φωτεινού χαλιού, ένα παχύ καλυμμένο στολίδι και η μονόχρωμη φιγούρα του σκηνοθέτη Konchalovsky αποκαλύπτει την τραγική εικόνα του Distrainter διευθυντής.

Ι. Grabar. Πορτρέτο του ακαδημαϊκού N.D. Zelinsky (1935). Καμβά, λάδι. 95 x 87 Δείτε το κράτος Tretyakov Gallery (Μόσχα)

Ι. Grabar. Πορτρέτο του Vladimir Ivanovich Vernadsky (1935)

Pavel Dmitievich Korin (1892-1967)

Pavel Corin (1933)
Ρωσικός και σοβιετικός ζωγράφος, μνημειακολόγος, κύριος πορτραίτο, αποκαταστατής και δάσκαλος, καθηγητής.
Έφερε στο παλάτι και ξεκίνησε με τα γραπτά των εικόνων. Σπούδασε στη Σχολή Επιστήμης και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας, με την πάροδο του χρόνου έγινε ένας από τους σημαντικότερους δασκάλους του πρώιμου σοβιετικού πορτρέτου, δημιούργησε μια ολόκληρη γκαλερί πορτρέτων διανοουμένων του χρόνου του.
Για έργα αυτού του καλλιτέχνη, μνημειιτική, σκληρή γάμμα, σαφώς πεπλατυσμένες μορφές.
Τα πιο διάσημα έργα του Π. Corina: Triptych "Alexander Nevsky", πορτραίτα Γιώργος Ζούκοφ και Maxim Gorky.

Π. Corin. Triptych "Alexander Nevsky"
Το Triptych διατάχθηκε από τον καλλιτέχνη το έτος του μεγάλου πατριωτικού πολέμου, όταν το θέμα της αντιπολίτευσης στον εισβολέα ήταν κεντρικό στην τέχνη.
Στην αριστερή και τη δεξιά πλευρά του Triptych, οι στρατιώτες πηγαίνουν στον πόλεμο. Οι γυναίκες συνοδεύουν τους: η μητέρα της παλιάς γυναίκας, μια γυναίκα που κατέχουν ένα μικρό παιδί στα χέρια. Αυτά, καθώς και εγγενή γη χρειάζονται προστασία.

Στη μέση - η εικόνα ενός πολεμιστή. Ο Αλέξανδρος Νέβσκι σε μακρινούς χρόνους σταμάτησε τους Γερμανούς Ιππότες, οπότε μπορεί να εμπνεύσει τους υπερασπιστές στον πόλεμο με τους φασιστικούς εισβολείς. Η φιγούρα του είναι μνημειώδης - αυτή είναι η μνήμη των ρωσικών ήρωων. Το πρόσωπο με το πρόσωπο του Χριστού μοιάζει με την αγιότητα της ρωσικής γης. Βρίσκεται, κλίνει σε ένα σπαθί, - οι εχθροί πρέπει να πεθάνουν από αυτό το σπαθί με τον οποίο ήρθαν.
Για την πλάτη του γη που πρέπει να προστατευθεί.
Οι θεματικοί πίνακες και τα πορτρέτα στην εκτέλεση του οδηγού χαρακτηρίζονται από πνευματικότητα και συλλογές εικόνων, της αυστηρότητας της σύνθεσης και του σχεδίου.
Το ενδιαφέρον για τις δημιουργικές προσωπικότητες χαρακτηρίζεται από την ατμόσφαιρα αυτής της περιόδου.

Καλλιτέχνες των 30 ετών

Καλλιτέχνες Deineka, Pimenov, Williams, S.Gerasimov, Kubrin, Konchalovsky, Lentulov, Mashkov, Ulyanov, Mukhina, Kuznetsov, Saryan

Με τον Daenekoy, συναντήθηκα για πρώτη φορά στο Λένινγκραντ. Ήρθε όταν η έκθεση είχε ήδη ανακινείται, στις πιο πρόσφατες μέρες πριν από την ανακάλυψη, αφαιρέθηκε όλη του την εργασία του από τον τοίχο και τους κρεμάει στο δικό του, κόβοντας πολύ έντονα: μερικές μικρές κουκουβάγιες έφεραν, και τους αφαιρεί. Στο τέλος, υπήρχε "αμυντική πετρωμαράδα", "ύπνο αγόρι με αραβοσίτου", πολλά πρώτα πράγματα. Στη συνέχεια, η Deineka με εντυπωσίασε περίεργη και μάλλον αρνητική. Έκοψε, λίγο αγενής. Οι περισσότεροι άνθρωποι τον αντιλαμβάνονται και αντιλαμβάνονται - τι; Τότε ο αθλητής, ο ποδοσφαιριστής ή ο μπόξερ. Αλλά, ευτυχώς, έκανα γρήγορα τον πραγματικό του χαρακτήρα. Δεν περιείχε κάτι τέτοιο, ήταν ένας τρόπος να κρατηθεί ο ίδιος με τους ξένους, με ξένους. Πήρα κοντά του στα μέσα της δεκαετίας του '30, όταν άρχισα να δουλεύω στα παιδιά, η συνομιλία θα ήταν επόμενη. Και ο μεγαλύτερος χρόνος πέρασε, ο χρόνος έγινε πιο κοντά και πιο κοντά. Η τελευταία ημερομηνία αλληλογραφίας μας δύο ημέρες πριν από το θάνατό του ήταν η ανταλλαγή των πιο απαλών λέξεων στο τηλέφωνο και στις δύο πλευρές.

Με ένα άλλο CONESTLE - YURI IVANOVICH PIMENOV, δεν συναντήθηκα στο Λένινγκραντ. Στο Λένινγκραντ, υπήρχαν πολύ λίγοι από το έργο του, και το είδα για πρώτη φορά στη Μόσχα, όταν ο αναπληρωτής διευθυντής του ρωσικού μουσείου, η έκτακτη έφτασε να πληρώσει με τους καλλιτέχνες για την εργασία τους που αποκτήθηκαν στο Λένινγκραντ. Όλοι τους συλλέχθηκαν στη Βολκώνα, σε ένα από αυτά τα μικρά σπίτια που βρίσκονται μεταξύ της οδού Frunze και του Μουσείου. Όλοι οι καλλιτέχνες κάθονταν στο διάδρομο και κουβεντιάζουν, και προσκλήθηκαν με τη σειρά του τι; Τότε το δωμάτιο. Και εδώ είδα την πρώτη φορά και θυμήσα την Pimenova. Έδειξε πώς τρεις καλλιτέχνες κάνουν τοπία προς πώληση: Κάποιος καθορίζει πολλές πανομοιότυπες καμβάδες και τους γεμίζει με μπλε χρώμα που απεικονίζει τη θάλασσα, το δεύτερο περνάει και ξοδεύει μαύρο χρώμα τι βάρκες και το τελευταίο βάζει σε ένα μόνο πανί. Το έδειξε ασυνήθιστα πυκνοκατοικία και πολύ εκφραστική.

Έχουμε μια πολύ γρήγορη σχέση μαζί του, αλλά όχι στο χώμα του μουσείου, επειδή δεν έκανε γραφικά - ούτε χάραξη και ένα μοτίβο; αυτό δεν ήταν πολύ, ήταν ο πιο αγνός ζωγράφος. Ήδη το 1932 είχαμε μια απαλή φιλία. Είναι μόνο κατά τη διάρκεια αυτού του χάσματος, μεταξύ 1930 και 1932, υπέστη μια πολύ βαριά εγκεφαλική ασθένεια, η οποία συνδέεται με μια διάσειση, ή ακόμα και με την τότε ειλικρινή ασθένεια, και τελικά την απαλλάζει, αλλάξει εντελώς τον χαρακτήρα του. Τόσο πολύ που κατέστρεψε τα περισσότερα από τα πρώιμα έργα του, πολύ επιδεινώθηκε, εκφραστική, σχηματική, υπομονήθηκε ακόμη και σε μουσεία που είχε χρόνο να αγοράσει. Και έγινε εντελώς διαφορετικός, καθώς παρέμεινε για τη ζωή: λάμπει, ελαφρύ, ηλιόλουστο, γεμάτο από το τι; Τότε η μεγαλύτερη απληστία σε μια πραγματική ζωντανή ζωή. Κάθε χρόνο, κάθε χρόνο όλο και πιο βαθύτερες φιλικές σχέσεις, και τελικά έγινε από τους συνομηλίκους μου όσο περισσότερο κοντά μου ως Schmarinov. Στην πραγματικότητα, οι δύο τους πρέπει να καλούνται πρώτα από όλους τους πιο στενούς φίλους της γενιάς μου. Ήμουν ένα χρόνο και μισό νεότερο pimenova και ένα χρόνο και μισό παλαιότερο schmarinov.

Με τον Williams, έγινα επίσης φίλοι στις αρχές της δεκαετίας του '30. Τότε ήταν ζωγράφος, και ένας πολύ ισχυρός, καλός ζωγράφος. Είχε εξαιρετική δουλειά: ένα πορτρέτο του Meyerhold, ένα πορτρέτο του Barnet του σκηνοθέτη, μια μεγάλη εικόνα "ναύτες με aurora, το οποίο στάλθηκε σε τι; Τότε η έκθεση στη Βενετία και εκεί έδωσαν την τοπική κομμουνιστική οργάνωση εκεί. Εκεί παρέμεινε εκεί. Αλλά έχω πραγματικά την αναπαραγωγή της. Αυτό είναι ένα πολύ καλό, θυμάμαι την τέλεια. Αλλά τότε, ήδη από τα μέσα της δεκαετίας του '30, έγινε ενδιαφέρεται για το θέατρο, είχε μια εξαιρετική επιτυχία, για παράδειγμα, το σχεδιασμό στο Pickwick Club στη Μόσχα, με ασυνήθιστα παράξενες διακοσμήσεις, στις οποίες εισήχθησαν ανθρώπινα πρόσωπα. Και στη συνέχεια έγινε ο πιο μοντέρνος καλλιτέχνης του θεάτρου Bolshoi και ακόμη και ξεκίνησε το στύλο, όπως ένα επιτυχημένο θέατρο: κάποιο εξαιρετικό γούνινο παλτό είναι σχεδόν στο έδαφος με μια γούνα από την πύλη στο ίδιο της Niza, ένα καπέλο σαν ένα μύλο Το κεφάλι, το οποίο αποτέλεσε αντικείμενο της μεγαλύτερης εκφοβισμού μου και pimenova σε χαρακτηριστικά. Μόνο χαμογέλασε σύγχυση. Γενικά, εισήλθε στο θεατρικό περιβάλλον, τη θεατρική ζωή.

Με τον Williams, έχω μια πολύ ήπια αναμνήσεις. Στα μέσα της δεκαετίας του 1930, η Νατάσα και εγώ πήγαμε στον Καύκασο στην Τεχνίτερη - αυτό είναι το μέρος πάνω από τον ποταμό Baksan στους πρόποδες του Elbrus. Υπήρξε ένα σπίτι διακοπών, που ανήκουν σε κανέναν - δεν ξέρω, αλλά προορίζονται για δημιουργική νοημοσύνη. Σε κάθε περίπτωση, τα δελτία έπρεπε να λάβουν στο Ίδρυμα της Ένωσης της Μόσχας της Ένωσης της Μόσχας και όταν ήρθα εκεί, μου είπαν ότι είχα μόλις ο Williams και θα πάμε και εκεί.

Υπήρχαν πολλοί φίλοι στην Τεχνίτερη. Υπήρχε ο φίλος μας με έναν στενό φίλο του Natasha - ένας επιστήμονας - γεωγράφος Lazar Gordovich Gordonov, με τον οποίο, στην πραγματικότητα, και συμφωνήσαμε να πάμε εκεί. Υπήρχε ένας σκηνοθέτης ταινία Alexandrov με την αγάπη της συζύγου του Orlova. Υπήρχε ένας ποιητής Nikolai Tikhonov. Υπήρχε ένας βαρεμένος μεταφραστής - θεωρήθηκε ότι υπήρχαν αλλοδαποί, αλλά δεν ήταν, και δυστυχώς περιπλανήθηκε χωρίς τίποτα. Σε ένα από τα βράδια, αναβίωσε: Τέλος, ο Άγγλος κ. Williams έλαβε τελικά! Χύνεται, ζωγραφισμένα τα χείλη του, γενικά, παρασκευάστηκε. Αλλά όταν εμφανίστηκε αυτός ο κ. Williams, αποδείχθηκε ότι αυτός είναι ο φίλος μου Peter Vladimirovich Williams, ο οποίος δεν γνώριζε μια μόνο λέξη στα αγγλικά καθόλου. Ο πατέρας του ήταν πράγματι η αγγλική προέλευση, κατά τη γνώμη μου, τι; Τότε ένας σημαντικός γεωργικός επιστήμονας, αλλά ο ίδιος δεν είχε σχέση, οπότε ο μεταφραστής ήταν απογοητευμένος.

Θυμάμαι πώς πήγαμε στο Elbrus μία φορά, όχι στο πιο, φυσικά, στην κορυφή, και στον ορίζοντα, είναι κάπου στο μισό φυσητήρα, ήδη πάνω από τα σύννεφα - μια παιδική χαρά και ένα μικρό ξενοδοχείο. Αναρρίψαμε μέσα από το σύννεφο πάνω από ένα απότομο μονοπάτι και, βγούμε από αυτό το σύννεφο, ήρθε εκεί εντελώς υγρό. Οι κυρίες πήγαν στο ξενοδοχείο για να αλλάξουν τα ρούχα, να βάλουν τις ίδιες, και περιείγω με τους Williams γύρω από το γήπεδο. Και ξαφνικά ποιος; Στη συνέχεια φώναξε: "ανοίγει ο Elbrus!" Όλοι ήταν σφιχτά με τα σύννεφα και ξαφνικά γεννήθηκαν τα σύννεφα, και στο φόντο ενός εντελώς πράσινου ουρανού, ένας χιόνι λευκό κώνος της κορυφής του Elbrus προέκυψε. Ο Williams έσπευσαν σε ένα σπίτι πίσω από χαρτί και ένα μολύβι - δεν καταγράφει τίποτα άλλο μαζί του - και άρχισε στη βροχή, η οποία αυτή τη στιγμή ψέματα ψέματα στην κορυφή, να ρίξει όλα τα περιγράμματα, καταγράφοντας τι χρώση. Το θυμήθηκα με τα λοβιακά που συνδέονται με το μέτωπο, να σχεδιάζουν σπασμένα και να καταγράφουν αυτά τα περισσότερα χρώματα. Αλλά, δυστυχώς, τίποτα δεν βγήκε από αυτό: όταν μου έδειξε ένα Eterude στη Μόσχα, που έγινε σε αυτό το σκίτσο, όλα αποδείχθηκαν εντελώς σε αντίθεση με. Ναι, και ο ίδιος το γνώριζε τέλεια. Θυμάμαι ότι οι κυρίες μας ανέβηκαν στον Elbrus ήταν εντελώς picked. Το "φαινόμενο του Elbrus" ήταν ένα φευγαλέα θέαμα, είχαμε χορηγηθεί σε όλα τα δύο λεπτά - τρία λεπτά.

Ο Williams ήταν ένα απλό, είδος, καλό πρόσωπο, ελαφρώς αστείο με τα μοντέρνα θεατρικά χόμπι του.

Είχα επίσης καλές σχέσεις με άλλους ψύκτες - τόσο με labas, όσο και με sifrin, αλλά δεν ήταν τόσο κοντά. Ο Shifrin ήταν ένα αξιολάτρευτο άτομο, ένας πολύ καλός καλλιτέχνης θεάτρου, ένα λαμπρό θέατρο. Ο Labas ήταν πάντα μια μικρή τρελή και χαμηλή φιγούρα. Αλλά ποιος, φυσικά, ήταν ένα εντελώς υπέροχο πρόσωπο και ένας θαυμάσιος καλλιτέχνης, αυτός είναι ένας tyshler. Αλλά μαζί του η γνωριμία και η φιλία ανήκουν στις τελευταίες εποχές, ο μεταπολεμικός. Πώς βγήκε το ότι στο Λένινγκραντ δεν παρουσιάστηκε, και στη συνέχεια δεν έπρεπε να συναντήσω μαζί του. Πριν από τον πόλεμο ήμουν εξοικειωμένος μαζί του, αλλά δημοσιεύθηκε. Μόνο μετά τον πόλεμο υπήρξε μια πολύ τρυφερή φιλία, η οποία μόλις βαθμού και βελτιώθηκε. Είναι ένα από τα πιο αξιολάτρευτα πλάσματα που συναντήθηκα στη ζωή μου.

Μετά από OST, είναι απαραίτητο, φυσικά, να καλέσετε, αν μιλάμε για καλλιτεχνικές ομάδες των 20, δύο, που με έφεραν πολύ στενούς φίλους. Πρώτα απ 'όλα, αυτά είναι "4 τέχνες", στα οποία ο Favorsky, και ο Uyanov, και ο Paul Kuznetsov, και ο Saryan, και ακόμα ένας αριθμός ανθρώπων που με πλησιάζουν. Και η δεύτερη είναι η κοινωνία των καλλιτεχνών της Μόσχας - "Omx", ο οποίος μου έφερε μια από τις πιο ακριβές φιλίες - με τον Σεργκέι Βασιλερέεβο Γερασίμοφ, καθώς και με τον Rodionov, με το Ormerkin και άλλους.

Συναντήθηκα για πρώτη φορά στον Σεργκέι Βασιλέα, για πρώτη φορά στο Λένινγκραντ, ήταν ένας από τους διοργανωτές της έκθεσης, ήταν μεταξύ των ταξιαρχίες και είδε τους πίνακες των καλλιτεχνών του και των στενών του. Αν και δίδαξε στο Vhoute ένα σχέδιο, αλλά με το πρόγραμμά του συναντήθηκα πολύ αργότερα και δεν έπρεπε να το αγοράσω για το μουσείο. Αλλά στο Λένινγκραντ έπρεπε να συναντήσουμε καθημερινά, να συναντηθούμε σε μια κοινή δουλειά και το σημαντικότερο, πήγαμε να δειπνήσουμε την εταιρεία: αυτός, εγώ, ο Obreyanov και η Istomin. Ήταν τόσο συχνά που αναγνώρισα πολύ γρήγορα τον χαρακτήρα του, το πνεύμα του, τα αστεία του και η γελοιοποίηση, που ήταν μόνο άμυνα από άλλους ανθρώπους. Ήταν ήδη εκτιμούσα τον καταπληκτικό χαρακτήρα του και την υπέροχη τέχνη του. Αν και ήταν ακόμα μια πολύ πρώιμη περίοδος, η εργασία ήταν μόνο η δεκαετία του '20, η αρχή της δεκαετίας του '30, ήταν ήδη πολύ καλές. Και τότε αυτή η γνωριμία μετακόμισε σταδιακά σε αυξανόμενη και πιο οικειότητα και στη μεταπολεμική περίοδο ήταν, φυσικά, ένας από τους πιο στενούς ανθρώπους με. Και πρέπει να πω με μεγάλη ευχαρίστηση ότι, φαινομενικά, και ήμουν ένας από τους πλησιέστερους ανθρώπους, το χρησιμοποίησα με μια πλήρη πληρεξούσια, έκανα όλες τις αποστολές του, ειδικά όταν έγινε στο κεφάλι της Ένωσης καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ . Στην πραγματικότητα, αυτός και πριν γίνει αυτό αντιληπτό ως τέτοιο, από όλους τους αναγνωρισμένους, αν και απολύτως άτυπη κεφαλή της Σοβιετικής Τέχνης. Όμως, όταν το 1957, το πρώτο σύνολο των κρατών μελών των καλλιτεχνών συνέβη, ήταν φυσικό ότι ο Σεργκέι Βασιλερέβιτς ήταν στο κεφάλι της Ένωσης.

Ίσως περισσότερη εξωτερική, αλλά πολύ φιλικές σχέσεις που παρατηρήθηκα και γνωριμία με το Osmertkin, ένας από τους κύριους συμμετέχοντες του Vault Bubnovoy, ο οποίος από τις 30 έγινε ένα πολύ απλό λυρικό τοπίο, λεπτό και απαλό. Και ο ίδιος ήταν ένας θαυμάσιος άνθρωπος, ελκυστικός, λεπτός. Αλλά τον συνάντησα λιγότερο συχνά και ήταν όλα; Taki περιφερειακή φιλία, και όχι το κύριο, ριζωμένο.

Μιλώντας για τους πρώην συμμετέχοντες στην ομάδα "The Bubnovaya Valet", πρέπει να θυμάστε ένα άλλο απαλό, Miley και ελκυστικό άτομο, Alexander Vasilyevich Kurrin. Το Kubrin ήταν χαμηλό, με μια μικρή γενειάδα, ένα πολύ σιωπηλό και ντροπαλό άτομο, πολύ μεμονωμένο ντυμένο, χωρίς εξωτερικά αποτελέσματα, καταλαμβάνεται από το τι γίνεται με τις αντανακλάσεις τους και το έργο τους. Ο Ormerkin και ο Kubrin είναι ίσως οι δύο πιο λεπτότεροι καλλιτέχνες σε ολόκληρη την ομάδα.

Με το μαγείρεμα, έχω, καθώς και το Ormerkin, ήταν το πιο φιλικό και μπορούμε να πούμε, ειλικρινείς σχέσεις. Όχι Όπως και με τον Konchalovsky, στον οποίο είχα ένα βαθύ σεβασμό, ο οποίος με ευνόησε, αλλά όλα; Υπήρχε μεγάλη απόσταση μεταξύ μας.

Η σχέση μου με τον Peter Petrovich Konchalovsky ήταν πολύ φιλικό, έγραψα γι 'αυτόν, και του άρεσε πώς έγραψα. Αλλά η εγγύτητα του ειδικού δεν μπορούσε να συμβεί, ήταν πολύ διαφορετική. Ήταν κυρίως ένα barin, ένα ελαφρώς έμπορο, ο οποίος ζούσε σε ένα ευρύ σκέλος, μια ασυνήθιστα ιδιοσυγκρασιακή, με μια τεράστια καλλιτεχνική "οικονομία". Κάποτε, όταν ήμουν στο εργαστήριό του, είπε: «Έχω ήδη χίλια οκτακόσια αριθμούς». Αυτό εφαρμόζεται μόνο στους πίνακές του. Ακουαρέλες και σχέδια, δεν σκέφτηκε καν. Σε κάθε περίπτωση, είχαμε μια φιλική σχέση, η οποία στη συνέχεια ψύχθηκε πολύ από τη χάρη της κόρης του και ο γιος-σε-νόμος - η Natalia Petrovna Konchalovskaya, η ποιήτα και ο σύζυγός της Mikhalkov. Αλλά ο Peter Petrovich δεν ήταν καμία σχέση με αυτό, όπως ήταν τουλάχιστον σε κάποιο βαθμό και στο μπαρσκαγιάο σνακ του σπιτιού του - επιβλήθηκε στον σύζυγό του, μια κυρία με έναν δύσκολο χαρακτήρα, το οποίο, που είναι μια κόρη Surikova, κατανοητό Πολύ για τον εαυτό του και εξαιρετικά την αξιοπρέπεια του Konchalovsky. Όταν έγραψα ένα άρθρο, κατόπιν αιτήματός του, για την τελευταία έκθεσή του το 1956, τότε μια σύγχυση στράφηκε με αυτό το άρθρο. Της έδωσα να διαβάσει τον Peter Petrovich. Εγκρίθηκε θερμά της, του άρεσε πραγματικά. Και στη συνέχεια ο Νικολάι Γεωργίβιτς Μασκόφτσεφ ήρθε σε μένα, ο παλιός ιστορικός των Τεχνών και του Εργαζόμενου Μουσείου που εργάστηκε αυτή τη στιγμή στην Ακαδημία Τεχνών και του πρώην μέλους - ο ανταποκριτής αυτής της Ακαδημίας, με μια συγκεχυμένη εμφάνιση, ότι τώρα; Vasilyevna έβαλε "Βέτο" στο άρθρο μου, επειδή είμαι konchalovsky εκεί για κάποια κριτική. Ο Peter Petrovich δεν προσέφερε την προσοχή σε αυτό, και η σύζυγός του δεν επέτρεψε την εκτύπωση αυτής της κριτικής αυτής. Είπα ότι θα το πάρω πίσω, δεν θα το δώσω στον κατάλογο, πώς σας άρεσε σε ελαττωματική φόρμα. Όταν τελικά συναντήθηκα με τον Peter Petrovich, περπάτησε το κεφάλι του, λυπάται πόσο άσχημα αποδείχθηκε. Αλλά τον καθησύχησα, παρηγορή, δήλωσε ότι το είχα ήδη δώσει στο περιοδικό "Τέχνη" και θα τυπωθεί σε αυτή τη μορφή, σε αυτό που το έγραψα. Αλλά κατά τη διάρκεια αυτής της έκθεσης πέθανε, οπότε δεν είδα το άρθρο μου εκτυπωμένο. Και αποδείχθηκε ότι ήταν τόσο επιτυχημένη η οποία της χωρίς γνώσεις μου ανατυπώθηκε, ειδικότερα, στον τεράστιο τόμο της «κληρονομιάς τέχνης konchalovsky» και ακόμη και τοποθετημένος, χωρίς να με ρωτάει ως εισαγωγικό άρθρο. Προφανώς, απάντησε στον προορισμό της. Αλλά όλα; Έτσι, αυτές οι σχέσεις δεν ήταν κοντά, αν και καλό, φιλικό.

Ο Favorsky μου είπε ένα αστείο επεισόδιο που σχετίζεται με το έργο του για το σχεδιασμό του ποίημα της κόρης του Πέτρου Πετρόπου, Ναταλία Πετρόνα Κονχαλόβσκα, «αρχαία πρωτεύουσα». Έπρεπε να πάει στο σπίτι του Konchalovsky για πολύ καιρό: «Η αρχαία πρωτεύουσα» αποτελούσε ολόκληρα τρία βιβλία, έπρεπε να κάνει πολλές απεικονίσεις. Η Natalia Petrovna στους στίχους του συχνά απλά τον αναφέρθηκε: ο καλλιτέχνης θα σας δείξει όλα τα άλλα.

Ενώ εργάστηκαν με τη Ναταλία Petrovnoy, ο Peter Petrovich εισήλθε στο δωμάτιο, κοίταξε το που απομακρυνθεί από τα φύλλα και είπε: «Ποτέ δεν το σκέφτηκα ότι από τον ανόητο μου - η Nataski θα αποδειχθεί ότι;

Από τότε, παρέμεινε "ανόητος - Νατάσα" στο σπίτι μας. Αυτό το όνομα τραύθηκε σταθερά και απελπισία. Όσον αφορά τον Mikhalkov, η συζήτηση θα είναι στη σειρά του γι 'αυτόν όταν πρόκειται για το παιδί, όπου εμφανίστηκε για πρώτη φορά και πού στα μάτια μου αυξήθηκε και αναπτύχθηκε ως επιτυχημένος επίσημος ποιητής της λατρείας της προσωπικότητας.

Άλλα "Bubnovoletti" ήταν πολύ διαφορετικά. LENTULOV - Ήταν μια απομακρυσμένη προσωπικότητα. Έτσι, ήταν δυνατό να φανταστείτε πώς πετάει σε ένα likhache - ένα περιττώματα στον τέλειο προϋπολογισμό της Haul που λέγεται μέχρι το πρωί σε αυτό; Vs "Yar". Ίσως ήταν μια φανταστική, αλλά οδήγησε τον εαυτό του - την ψυχή ενός γύρου, μια ευρεία φύση. Ουσιαστικά, ήταν πολύ σοβαρός και ένας πραγματικός πλοίαρχος, αν και άρχισε να βλέπει πώς θα μπορούσε να δει κανείς στην έκθεση "Μόσχα - Παρίσι" με πολύ βίαια πράγματα, όπου κυβισμός στο μισό και με την κληρονομιά της ρωσικής ζωγραφικής του το XIX αιώνα. Και τα πάντα σε εξαιρετικά βίαιη μορφή σε τεράστιο καμβά. Στην πραγματικότητα, με όλα αυτά ήταν ένας πολύ λεπτός καλλιτέχνης. Ο Lentulov ήταν πολύ φιλικός με το Pimenov και, στην πραγματικότητα, η σχέση μου μαζί του ήταν κυρίως μέσω του Pimenov. Ο άνθρωπος ήταν ευχάριστος, καλός.

Με τον Mashkov, η καλή μου σχέση δεν λειτούργησε. Ήταν πολύ ταλαντούχος. Αλλά από την πρώτη συνάντηση μαζί του άρχισα να διαιρεί πώς ο Κύριος μπορούσε να βάλει το ταλέντο σε τόσο εκατό στρατό, σε ένα τέτοιο απελπιστό ανόητο άνθρωπο. Έχει επηρεάσει εξαιρετικά σαφώς όταν προσπάθησε να αντλήσει ανθρώπινα στοιχεία. Εισήλθε σε AHR και ζωγράφισε ποιοι πρωτοπόροι με δεσμούς στην ακτή της Μαύρης Θάλασσας - ήταν κάτι εντελώς αδύνατο, έχοντας ελαφρώς αποφυγή, τα χυδαία και ανόητα είδη. Και εξακολουθεί να ζει, ωστόσο, έγραψε μεγάλη όλη τη ζωή του. Δεν μπορούσα να συνεργαστώ μαζί του μαζί του. Και όταν δωρίω σε ένα από τα άρθρα μου, το κύριο "πορτραίτο ενός κομματιού", όπου οι συμμετοχές με το Drakel, με τα τουφέκια, με κασέτες και κορδέλες του μηχανήματος απεικονίστηκαν γύρω από ένα υπέροχο, μεγάλο, πολυτελώς γραπτό ficus, σαν να Η φωτογραφία του θώρακα του επαρχιακού φωτογράφου - σαν να έβαλαν τα πρόσωπά τους στις τρύπες της τελικής πλάτης, - ο Mashkov, φυσικά, ήταν εντελώς θερμαινόμενος και η σχέση μας σταμάτησε εντελώς.

Δεν είχα μια σχέση με ένα ακόμα πρώην "Bubnovovotets", Falc. Αλλά θα το πω αργότερα όταν πρόκειται για χρόνια πολέμου - μόνο τότε τον γνώρισα, στην εκκένωση, στη Σαμαρκάντα. Ήταν μια πολύ δυσάρεστη συνάντηση και τον αντιμετωπίζω αρκετά δροσερό - και στην τέχνη του και, ειδικότερα, στο δικό του πρόσωπο. Πολύ αυστηρά, πολύ αλαζονικός, συναδέλφους και εξαιρετικά δυσμενείς άνδρες σε σχέση με τους ανθρώπους.

Όσον αφορά την κοινωνία "4 τέχνες", βρήκα καλούς φίλους εκεί. Αυτό δεν είναι μόνο ο Favorsky, αλλά μετά από αυτόν και ο Ulyanov. Συνάντησα για πρώτη φορά με τον Nikolai Pavlovich Ulyanov, όταν διοργάνωσα την έκθεση γραφικών ήδη στη Μόσχα. Υπήρχε το περίπτερο του, στο οποίο επιλέχθηκαν τα πολύ καλά σχέδια, κυρίως πορτρέτα. Θυμάμαι ότι υπήρχε ένα πορτρέτο του Mashkovtseva, ένα πορτρέτο του EPRO. Από τότε, έχουμε δημιουργήσει όλο και πιο στενές σχέσεις που έχουν περάσει στο τέλος σε μια πολύ σημαντική φιλία για μένα. Συνεχώς περπάτησα σε αυτόν, μου έγραψε γράμματα, αν και και οι δύο ζούσαμε στη Μόσχα. Και στη Σαμαρκάντα, όπου και οι δύο βρισκόμασταν στην εκκένωση, τον είδα σχεδόν κάθε μέρα. Του στην αρχή του πολέμου στάλθηκε στο Nalchik, στη συνέχεια στην Τιφλίδα, μαζί με μια ολόκληρη ομάδα επιφανειακών συγγραφέων, καλλιτεχνών, καλλιτεχνών. (Μαζί, με τον τρόπο, με τον Alexander Borisovich Goveraloror.) Το φθινόπωρο του 1942 μεταφέρθηκαν όλοι στην Κεντρική Ασία, αλλά οι περισσότερες από αυτές οδήγησαν στην Τασκένδη και παρέμεινε στη Σαμαρκάντ.

Είμαι καθημερινά, έρχομαι στο μητρώο, όπου βρίσκεται το Ινστιτούτο Τέχνης της Μόσχας, ήρθε να τον συμβουλευτεί, επειδή η ζωή του στη Σαμαρκάντ ήταν πολύ βαρύ. Τον δόθηκε ένα εντελώς άσχημο, άβολα, ερειπωμένο Khuchra στην αυλή του Shir - Ντόρα, χωρίς έπιπλα. Και έφερε τη θάνατο σύζυγο από τον Καύκασο, που βρίσκεται χωρίς κίνηση. Πέθανε εκεί στη Σαμαρκάντα.

Ο Nikolai Pavlovich Ulyanov, και μετά το θάνατό του, η δεύτερη σύζυγός του βέρα Evgenievna έδωσε στον πατέρα μου πολλά έργα πρώτης τάξης Ulyanovsk έργα: πορτρέτο του Vyacheslav Ivanova, ακουαρέλα "didro στην Catherine", ένα από τα καλύτερα σχέδια του Pushkin, - σκίτσα των κοστουμιών "MODVER" και ένας αριθμός άλλων. Εμείς και η σπάνια δουλειά αποθηκεύουμε - το τοπίο του αποθανόντος του στη Σαμαρκάντα \u200b\u200bτης πρώτης συζύγου του καλλιτέχνη Glagoleva. Με ένα μεγάλο πράγμα Ulyanov "μοντέλο και άλογο Silele" συνδέεται με μια ολόκληρη ιστορία. Αυτό το στοιχείο του νέου Ulyanov έγραψε στηνεία του βοηθού του Serov στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτά και Αρχιτεκτονική, - ήταν μια κατάρτιση "παραγωγή", η οποία ο Serov πρότεινε στους μαθητές του. Επιστρέφοντας από την εκκένωση στη Μόσχα, ο Ulyanov διαπίστωσε ότι αυτός ο καμβάς αφαιρέθηκε από το υποπλαίσιο. Η εικόνα ήταν μια μαύρη ραγισμένη Com, στην οποία δύσκολα θα μπορούσε να είναι αυτό; Στη συνέχεια διακρίνει. Ο Ulyanov του έδωσε τον πατέρα του, λέει πολύ: αν μπορείτε να αποθηκεύσετε, αφήστε τον εαυτό σας. Ο πατέρας έδωσε τον καμβά με έναν υπέροχο εστιατόριο GM II Stepan Churakov, και έσωσε; Έτσι δουλέψτε! Η αντιγραφή σε ένα νέο καμβά, εξαφανισμένα - ίχνη αποκατάστασης είναι σχεδόν ορατά, και το "μοντέλο και το άλογο είναι ισχυρό", λάμπει με όλη του την πραγματική ζωγραφική "Serovskaya", τώρα ο αστερισμός κρέμεται πάνω από τον καναπέ του πατέρα στο γραφείο του.

Από την ίδια ομάδα των "4 Τέχνης", υπήρχαν άλλοι άνθρωποι κοντά μου, όπως η Vera Ignatievna Mukhin, ένας θαυμάσιος γλύπτης και ένας άνθρωπος υπέροχης, εξαιρετικής δύναμης, εξουσίας και ενέργειας, απόλυτης ανεξαρτησίας, με έναν ασυνήθιστα μεγάλο ειλικρινούς κόσμο και ένα μεγάλο ειλικριτικό μυαλό. Χύθηκε στο μεγάλο μνημειακό πλαστικό, και σε λυρικά πράγματα - η διάσημη ομάδα, που έγινε για την έκθεση στο Παρίσι το 1937, συνοδεύτηκε από τέτοια έργα ως "ψωμί", ένα από τα πιο ποιητικά και απαλά γλυπτά, τα οποία γενικά Σοβιετική τέχνη. Ήταν και θαυμάσιο πορτρέτο.

Από την ίδια κοινωνία, στην πραγματικότητα, ήταν η Sarah Dmitrievna Lebedev, πότε; Τότε η πρώην σύζυγος του Βλαντιμίρ Βασιλέβου Λεμπέεφ, ένας από τους πιο λεπτούς γλύπτες, αυτό που είχαμε, και το αξιολάτρευτο πρόσωπο, πολύ συγκρατημένο, πολύ σιωπηλό, πολύ ήρεμο και με τι Τότε μια εντυπωσιακή, επιδεινούμενη αίσθηση χαρακτήρα και κίνησης στην τέχνη τους. Ό, τι κι αν κάνει, αν είναι ένα μεγάλο άγαλμα του "κοριτσιού με μια πεταλούδα", ένα από τα καλύτερα έργα της, είτε πορτραίτα, όπως, για παράδειγμα, ένα πορτρέτο σε πλήρη ανάπτυξη, αν και μικροσκοπικό μέγεθος, tatlin, με τα μαγειρεμένα πόδια του , Long Horsepie Physiognomomy - ήταν ασυνήθιστα σημαντική και σπάνια ταλαντούχα. Η συνάντηση με τη Sarah Lebedeva και η καλή σχέση μαζί της είναι επίσης μια από τις πολύ ακριβές αναμνήσεις για μένα.

Πολύ καλή σχέση, αν και η εγγύτητα μιας ειδικής ψυχικής δεν έχει συμβεί ποτέ, έχω σχηματίσει με το Pavel Bartholomeyevich Kuznetsov, ένα άτομο είναι πολύ εφησυχασμένο, λίγο κατοικία. Ωστόσο, ίσως ήταν μια μορφή συμπεριφοράς για την οποία κρύβονταν τι; Τότε περισσότερο. Ο Pokreyanov αυτός, ωστόσο, που ονομάζεται πολύ καλά λόγια: "Μια σφραγίδα που προσπαθεί να προσποιηθεί ότι είναι λιοντάρι". Ίσως αυτό αντιστοιχούσε στον χαρακτήρα του.

Ήταν πολύ απλή και εκδηλώθηκε σε διάφορες μορφές. Για παράδειγμα, μια μέρα στην αίθουσα, όπου είδα χαρακτικά και τα χαρακτικά του Nivinsky, Kravchenko και της αιθμαμπί άλλων γραφημάτων, ξαφνικά είναι ο Kuznetsov, ο καμβάς που σέρνει από έναν από τους μαθητές του - άμορφο, εντελώς γραφικό. Και όταν λέω με έκπληξη: "Λοιπόν, πού είμαι ο Denu;", Pavel Varfolomeevich απαντά: "Αλλά αυτό είναι ένα τέλειο πρόγραμμα!" Τίποτα λιγότερο παρόμοιο με το πρόγραμμα δεν μπορούσε να βρει. Ήταν πολύ προσεκτικός για τους μαθητές του. Αυτός ο καμβάς ήταν, παρεμπιπτόντως, ο Davidovich, ο οποίος πέθανε στην πολιτοφυλακή κατά τη διάρκεια του πολέμου. Αλλά δεν ήμουν σχεδόν εξοικειωμένος μαζί του.

Ενώ εργάζεστε στο Λένινγκραντ, έπρεπε να δειπνήσουμε από το Pavl Barfolomeyevich, μερικές φορές στο ρωσικό μουσείο. Τρέφονται εκεί αηδιαστικό, αλλά τίποτα δεν μπορούσε να γίνει - δεν ήταν πάντα δυνατό να συνταξιοδοτηθεί στο ξενοδοχείο "Ευρωπαϊκό" ή στο σπίτι των επιστημόνων. Θυμάμαι, απλά κάθισαμε με τον Pavel Bartholomeyevich, και αυτός από τη σούπα, την οποία κατέθεσε, έβγαλε μια μακρά ουρά ψαριών. Κάλεσε μια σερβιτόρα και την ρώτησε πολύ ήρεμα: "Τι έκανες, αυτί ή σούπα"; Είπε: "Σούπα". Τότε της έδειξε μια ουρά ψαριών, στη μεγάλη αμηχανία της. Μου άρεσε πραγματικά το σοβαρό του ενδιαφέρον να ανακαλύψει τι, στην πραγματικότητα, τον κατατέθηκε.

Ήταν πολύ ευχάριστο για μένα. Η συνάντησή μας μαζί του στο Gurzuf στις αρχές της δεκαετίας του '50, όταν άρχισε να γράφει το πορτρέτο μου. Μου πρότεινε αρκετές φορές στη Μόσχα αρκετές φορές, αλλά στη Μόσχα δεν είχα χρόνο να θέσω, και στο Gurzuf δεν θα έπρεπε να αρνηθώ τις προβλέψεις. Κάθισε στην κορυφή της εξοχικής κατοικίας Korovinsky στο φόντο της θάλασσας και έγραψε ένα τεράστιο φωτεινό κόκκινο κεφάλι, παρόμοιο με τα μεγάλα μεγέθη της ντομάτας στο φόντο μιας εκθαμβωτικής γαλάζιας θάλασσας. Έγραψε αυτό το πορτρέτο με μεγάλη ευχαρίστηση, και είμαι τρομερά λυπάμαι που είναι πού; Τότε έριξε. Πρόσφατα, όμως, μου είπαν ότι μετά το θάνατο του Kuznetsov και της συζύγου του (δεν είχαν παιδιά) όλα όσα παρέμειναν στο εργαστήριο, πήγαν στο Saratov, στο μουσείο Radishvsky. Μπορεί πολύ που πήρε το πορτρέτο μου εκεί. Ομοιότητες εκεί, ίσως, δεν ήταν πάρα πολύ, αλλά η ίδια η μνήμη είναι απλά ευχάριστη. Τον βλέπω επίσης, καθώς κάθεται και με μεγάλη χαρά γράφει αυτή την πιο αντίθεση με φωτεινό χρώμα με φωτεινό μπλε. Αλλά, η αλήθεια είναι να πούμε, ήταν δύσκολο να καθίσετε, επειδή η σύζυγός του Bebutov, επίσης ένας καλλιτέχνης, αποφάσισε να με διασκεδάσει για να διασκεδάσουν επιστήμονες. Συζητήσεις, με όλες τις προσπάθειές της για την υποτροφία, υπήρχαν τέτοιες που μόλις κράτησα μόλις μόλις το γέλιο. Και αυτή ήταν ένα άτομο σε καλό και αθώο.

Με το Kuznetsov, μια στενή φιλία δύσκολα θα μπορούσε να λειτουργήσει - είμαστε πραγματικά διαφορετικοί άνθρωποι. Αλλά τον θυμάμαι με μεγάλη σεβασμό. Και ο καλλιτέχνης είναι πολύ καλός, ο οποίος έδειξε την πρόσφατη έκθεση του μαζί με τον Matveyev.

Αλλά ο Matveyev, γνωριμία μαζί του, το οποίο πέρασε σε πολύ καλές σχέσεις, ήταν ένα από τα σημαντικότερα "επιτεύγματά μου". Ο άνθρωπος ήταν πολύ πρύμνη, πολύ σιωπηλός, πολύ διακριτικός, κλειστό, αργά και ελάχιστα εργάστηκε, που οδήγησε το έργο του εδώ και πολλά χρόνια. Μετά από αυτόν, δεν υπάρχουν πολλά πράγματα, αλλά είναι υπέροχα.

Σε αυτή τη φορά, το αργότερο μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του '30, συναντήθηκα το Saryan. Αυτό είναι ένα από τα πολύ σημαντικά γεγονότα στην καλλιτεχνική μου βιογραφία. Πότε και πού τον γνώρισα, δεν θυμάμαι καθόλου, γιατί στο μουσείο δεν έφτασε σε μένα, επειδή κανένα γραφικό δεν έκανε, και στις εκθέσεις που κανονίσα, δεν συμμετείχαν. Και στο Λένινγκραντ το 1932 ο ίδιος δεν ήταν. Υπήρχε το τείχος του, μάλλον τυχαίο στη σύνθεσή του, γενικά δεν ανταποκρίνεται στο επίπεδο και το νόημά του, αν και όμορφο. Αλλά σε σύγκριση με τα τρία άλλα, τα λαμπρά τοίχους της ίδιας αίθουσας - Petrova - Vodkina, Shevchenko και Kuznetsov, φαινόταν πιο μέτρια, αν και στα αποτελέσματα του δημιουργικού του μονοπατιού ξεπέρασε και τα τρία σε πολλά κεφάλια. Έγραψα γι 'αυτόν πολύ διευθυντικό, απλά ένα ενθουσιώδες άρθρο το 1936, ήδη γνωρίζω και αυτό το άρθρο σημείωσε την έναρξη μιας σταθερής φιλίας, η οποία διατηρήθηκε μέχρι το τέλος της ζωής του Saryan. Με την ευκαιρία, αυτό το άρθρο στην "λογοτεχνική εφημερίδα" του 1936 προκάλεσε πολύ μεγάλη δυσαρέσκεια του Κεμμένι, ο οποίος τότε, όπως και εγώ, κρεμούσαν την "λογοτεχνική εφημερίδα" ως κριτική. Έχουμε εκτυπώσει μαζί του σχεδόν με τη σειρά του, στέκεται σε διαμετρικά αντίθετες θέσεις και πολύ να μην εγκρίνει ο ένας τον άλλον.

Μετά τον πόλεμο, είδα συχνά Saryan - κάθε φορά που ήταν στη Μόσχα. Έγραψα γι 'αυτό αρκετές φορές αργότερα, ήδη στη δεκαετία του '60 και αργότερα. Ο Saryan δεν έχει τίποτα να περιγράψει - όλοι τον ξέρουν, αλλά πάντα έκπληκτα τι είδους παιδική ηλικία αυτού του ανθρώπου, ανοικτό, αθώο θαυμασμό του για την ομορφιά του πραγματικού κόσμου, άπειρη καλή φύση του απέναντι στους ανθρώπους, αν και ήταν εξαιρετικά έμπειρος, που τον αναφέρεται. Το 1952, ο Μπόρις Weimarn ενήργησε τη συζήτηση της έκθεσης επετείου με ασυνήθιστα καταστραφεί Tirades, πολύ αγανακτιστερό στην αμερικανική κριτική επιτροπή, η οποία πήρε τους φρικτούς πίνακες του Saryan στην έκθεση. Στη συνέχεια, σε πέντε χρόνια, σε μόλις πέντε, αυτές οι πολύ εικόνες παραδόθηκαν στο βραβείο Saryan Leninsky, έτσι ώστε ο Waymorn κέρδισε μόνο το γεγονός ότι ο Saryan δεν εκφράστηκε στο τέλος των ημερών του διαφορετικά, όπως "αυτό το Merzavets Weimarn". Και αυτό είναι με όλη την καλοσύνη και την ηλιοφάνεια του, η οποία δεν ήταν μόνο στη ζωγραφική του Saryan, αλλά σε όλη τη συμπεριφορά του, σε ολόκληρη την εμφάνισή του - την προσωποποίηση του ήλιου και τον ήλιο της Αρμενίας. Αυτός είναι ένας πολύ ιδιαίτερος ήλιος. Μία από τις πιο όμορφες χώρες, που είναι στη Γη, - Αρμενία. Το έμαθα στα μεταπολεμικά χρόνια όταν ήταν εκεί δύο φορές.

Θυμάμαι καλά πώς ο πατέρας μου και εγώ ήμασταν στο Saryan στο εργαστήριό του στο Ερεβάν στην οδό Saryan, καθώς μας έδειξε το έργο του - και νωρίς και πολύ πρόσφατα έκαναν πολύ τραγικά και ισχυρά σχέδια μηχανής. Από τη θερμότητα του Πατέρα, άρχισε η ισχυρότερη ρινική αιμορραγία, "Saryan ήταν τρομερά φθαρμένο, έβαλε τον πατέρα του στον καναπέ, τον φροντίζει με επαφή με την προσοχή. Ήταν ήδη πολύ παλιά και παρόλο που ήταν ακόμα φωτεινό, πολύ λυπηρό, - λίγο πριν, σε ένα αυτοκινητιστικό ατύχημα, ο γιος του πέθανε .

Ο Γκόγκολ και οι καλλιτέχνες είναι ευχαριστημένοι με έναν συγγραφέα ο οποίος πέρα \u200b\u200bαπό τους χαρακτήρες του βαρετή, δυσάρεστη, εντυπωσιακή την πραγματικότητά του, πλησιάζει τους χαρακτήρες, που είναι η υψηλή αξιοπρέπεια του ατόμου ... Gogol, "Νεκρά Ψυχές" για τους απογόνους της σύνδεσης του Gogol Ο Ivanov διατηρείται

Οι καλλιτέχνες και οι γλύπτες είναι καλλιτέχνες, των οποίων τα έργα είμαι ενθουσιασμένος τώρα, αλλά από πολλά έργα καλλιτεχνών έμαθα να θαυμάζω τη νεολαία. Το μεγαλύτερο μέρος όλων αγαπώ τους ιμπρεσιονιστές. Cezann θεός για μένα. Αφήνει πάντα την έκθεση της φαντασίας. Είναι αρκετός

Καλλιτέχνες για πρώτη φορά με τους καλλιτέχνες της "παγκόσμιας τέχνης" που συναντήθηκαν το 1904. Ένας από τους υπαλλήλους του "νέου τρόπου" και ένας στενός φίλος του Α. Ν. Μπενουά με πήρε τη δημοσιογραφία σε αυτόν τον ηγέτη και τους απολογικούς δασμούς της Πετρούπολης. Στη συνέχεια, έμαθα ότι οι καλλιτέχνες με κοίταξαν εκείνη την εποχή

Οι καλλιτέχνες ζωγραφισμένες βούρτσα παντού βρίσκουν μονοπάτια. Και, στην αποπλάνηση του πολιστωμένου των θέσεων, άγνωστους καλλιτέχνες στην Ευρώπη γράφουν χρώματα στις ζοφερές γέφυρες. Κάτω από τα πέλματα της εποχής περπατήματος, οι πίνακες κοιμούνται, χαμογελώντας και οι πέψη. Αλλά εκείνοι που είναι καλοί, και εκείνοι που κακοί, εξαφανίζονται μετά την πρώτη

Οι καλλιτέχνες του Yakov Vinovetsky, που είναι ο ίδιος ο καλλιτέχνης, αν και όχι επαγγελματίας, με εισήγαγε δύο ακόμα - όχι μόνο με τους επαγγελματίες, αλλά πρωταθλητές, οι ήρωες, οι ήρωες της περίπτωσής του, οι οποίοι, παρά το σούπερ μάρκετ και το πρωτάθλημα της,

Οι καλλιτέχνες στο Παρίσι ζουν Konstantin Korovin. Πόσες σκέψεις σχετικά με τη ρωσική εθνική ζωγραφική συνδέονται με αυτό το όνομα. Πολλοί θυμόμαστε ως το όνομα του μαγευτικού διακοσμητή, την εκπλήρωση μιας μεγάλης ποικιλίας θεατρικών καθηκόντων. Αλλά αυτό είναι μόνο μέρος της οντότητας της αγελάδας.

Μεξικανοί καλλιτέχνες στην πνευματική ζωή του Μεξικού κυριαρχείται από καλλιτέχνες. Αυτοί οι καλλιτέχνες ζωγράφισαν ολόκληρη την πόλη της πόλης του Μεξικού με ιστορίες από την ιστορία και τη γεωγραφία, εικόνες σε πολιτικά θέματα, στα οποία ακουγόταν η μέταλλα διαμάχη. Clememate - Αυτοί ο orostoko, κοκαλιάρικο

Καλλιτέχνες στο μουσείο Έναρξη της χρονολόγησης με καλλιτέχνες - Επισκέπτες του Υπουργικού Συμβουλίου Χαρακτικής. Rodionov, Favorsky, Sterberg, Goncharov, Kreyhanov, Shevchenko, Bruni, Tatley την έναρξη της εμφάνισης αυτών των πάντα ευρύτερων συνδέσεων ριζωμένη στο Μουσείο Τέχνης - Από τότε

Οι καλλιτέχνες στον πατέρα μου Βλαντιμίρ στο ναό ήταν μια άλλη επισκευή, πλύθηκε ζωγραφική και ζωγραφισμένες οροφές. Η εκκλησία στο Losinka δεν είναι αρχαία, χτισμένη το 1918. Πριν από την επανάσταση, οι τοίχοι του δεν είχαν χρόνο, και στη συνέχεια δεν ήταν η ομορφιά. Έτσι ο πατέρας μου, να γίνει ο ηγούμενος, αποφάσισε

Καλλιτέχνες "Αντιολισθητικοί" Περισσότεροι από 70χρονες (1917-1991) πρακτική της λεγόμενης "σκληρής, ασυμβίβαστης" καταπολέμησης εναντίον πολιτικού αντίπαλου, αντιφρασμένες, αντιφρονούντες δεν είναι εκατό ανοικτές ή μυστικές conspira Λειτουργίες κόμματος με αυτή την κατηγορία

Καλλιτέχνες Αγαπητέ Oleg Leonidovich! Ένας τοπικός καλλιτεχνικός κριτικός έχει μια βιασύνη με ρωτάει, πώς οι καλλιτέχνες ζουν στη Μόσχα και ποια είναι τα πραγματικά κέρδη τους; Δεν έχω αυτά τα δεδομένα. Έχουμε ακούσει ότι οι συγγραφείς κερδίζουν καλά και τα ετήσια τέλη του Tolstoy και του Sholokhov

Οι καλλιτέχνες ως όμορφοι τρελός δίνουμε ένα φόρο τιμής στο Σεργκέι Schukin και το Ivan Morozov όχι μόνο για τη συγκέντρωσή τους, αλλά και για μια έγκυρη γεύση, για την ικανότητα να μαντέψουν το επόμενο κύμα της καλλιτεχνικής διαδικασίας. Και ήταν μακριά από εύκολο. Οπως σημειώθηκε

Καλλιτέχνες ενδιαφέρον για την τέχνη κοντά στο Gogol με την αποικία των ρωσικών καλλιτεχνών στη Ρώμη. Διακόπτουν μια φιλική εταιρεία, διακόπτοντας τις μέτριες επιδοτήσεις που εκδίδει η Ακαδημία Τεχνών. Μεταξύ αυτών ήταν εξαιρετικά ταλέντα που έγιναν υπερηφάνεια της ρωσικής τέχνης. Gogol N.

Καλλιτέχνες Ιρ από ένα από τα πιο διάσημα αρχεία

Στη δεκαετία του '20 Ορισμένες καλλιτεχνικές κατευθύνσεις διατηρούνται συνέχεια με την τέχνη της ρωσικής

Σύγχρονη και πρωτοποριακή - κυρίως λόγω του γεγονότος ότι οι δάσκαλοι των αρχών του αιώνα συνέχισαν να εργάζονται. Από την άλλη πλευρά, οι λειτουργίες της τέχνης στην κοινωνία έχουν γίνει πιο διαφορετικές. Υπήρχαν νέοι τύποι καλλιτεχνικών δραστηριοτήτων: κινηματογράφος, διαφήμιση, σχεδιασμός.

Ενεργά διαφορών διεξάγεται «Stankovists» (υποστηρικτές των μορφών μηχανής τέχνης) και «παραγωγής», ή κονστρουκτιβιστές, των οποίων οι δραστηριότητες που αποσκοπούν στη βελτίωση του στόχου του περιβάλλοντος. Η αρχή του κονστρουκτιβισμού κίνηση σχετίζεται με την κοινωνία της Μόσχας νέων καλλιτεχνών (obamuh), που διοργανώθηκε το 1919. Konstantin (Καζιμίρ Konstantinovich) Medusesky (1899-1935) και τα αδέλφια Stenbergi - Βλαντιμίρ Augustusich (1899-1982) και Γκεόργκι Augustovich (1900-1933). Στις εκθέσεις, καλλιτέχνες αποδεικνύεται κυρίως τρισδιάστατα σχέδια - στο χώρο και στο αεροπλάνο. Αν στις suprematic συνθέσεις του Καζιμίρ Μαλέβιτς, η μεγαλύτερη αξία ήταν το πιο γραφικό συναίσθημα, τότε τα έργα του obamuchi ανήκε στο χώρο του σχεδιασμού. Εφαρμόστηκαν εύκολα στο σχεδιασμό της απόδοσης ή το βιβλίο, στην αφίσα και όταν η φωτογραφία.

El Lisitsky (πραγματικό όνομα Lazar Markovich Lisitsky, 1890-1941) κάλεσε τα έργα του "Poduna" - "Έργα Έγκριση των νέων". Σύμφωνα με τον συγγραφέα, που αντιπροσώπευε ένα «σταθμό μεταμόσχευση από τη ζωγραφική στην αρχιτεκτονική.» Αλέξανδρος Μιχαήλοβιτς Rodchenko (1891 -1956) «Σχεδιασμένο» βιβλία που δημιουργήθηκε διαφημιστικές αφίσες, σχεδιασμένα έπιπλα και ρούχα, που ασχολούνται με την φωτογραφία.

Για την προετοιμασία καλλιτεχνών - μηχανικών και σχεδιαστών ικανός να σχεδιάζουν βιομηχανικά προϊόντα, το 1920, δημιουργήθηκαν τα υψηλότερα καλλιτεχνικά εργαστήρια (Vhutemas) στη Μόσχα. Τα εργαστήρια ενωμένοι αρκετές σχολές: αρχιτεκτονική, γραφικά (εκτύπωση και τυπωμένα γραφικά), επεξεργασία μετάλλων, ξύλου, γραφικό, κεραμικά, γλυπτική και της κλωστοϋφαντουργίας. Για τα πρώτα δύο χρόνια, οι φοιτητές έπρεπε να κατανοήσουν τους νόμους του σχηματισμού κοινές στην τέχνη και στη συνέχεια η εξειδίκευση υποτίθεται σε οποιαδήποτε σχολή.

Το 1926, η Μόσχα Vhutemas μετατράπηκε σε Vhutein - την Ανώτατη Τέχνη και το Τεχνικό Ινστιτούτο. (Από το 1922, η Vhutein υπήρχε ήδη στο Λένινγκραντ αντί της Ακαδημίας Τεχνών.) Το 1930, ο Vhutein έκλεισε, οι σχολές του έγιναν ξεχωριστά ιδρύματα - εκτύπωση, κλωστοϋφαντουργία κ.λπ.

Όσον αφορά τη ζωγραφική, ήδη στη δεκαετία του '20. Οι κριτικοί γιόρτασαν τη "στροφή στον ρεαλισμό". Κάτω από τον ρεαλισμό, εννοούσαν κυρίως το ενδιαφέρον για την εικαστικότητα (σε αντίθεση με την αφαίρεση), σε μια κλασική γραφική παράδοση. Η έκκληση προς τα κλασικά μπορεί να εξηγηθεί από τις απαιτήσεις της ιδεολογίας: η τέχνη του Σοβιετικού κράτους κλήθηκε να χρησιμοποιήσει τα καλύτερα επιτεύγματα της παγκόσμιας κουλτούρας. Προσδιόρισε την αναζήτηση για σαφείς και σαφείς μορφές "μεγάλου στυλ".

Η Ένωση Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας (AHRR), που ιδρύθηκε το 1922 (από το 1928 - η Ένωση Καλλιτεχνών της Επανάστασης, AHR), δέχτηκε εν μέρει τη Μπατόν στην ταινία. Η ίδια η συνεργασία των εκθέσεων κινητής τέχνης έπαυσε ένα χρόνο αργότερα, και πολλές ταινίες - μεταξύ τους, ειδικότερα, ήταν ο Abram Efremovich Arkpov, Nikolai Alekseevich Kasatkin - έγινε μέλη της Αχρά. Σε διαφορετικές χρονικές στιγμές, ο Σεργκέι ΒΑΣΙΛΗΕΒΗ ΜΑΛΥΤΕΙΝ (1859-1937), Αλέξανδρος Μικχαιλόφ Άλλοι καλλιτέχνες.

Αυτοί οι δάσκαλοι ενέκρινε τον συνολικό ιδεολογικό προσανατολισμό. Επίσης επέμειναν στη δημιουργία της αφήγησης τέχνης, του είδους, το οποίο θα ήταν σαφές στους ανθρώπους και ειλικρινά αντανακλούσε την πραγματικότητα. Ο Σύνδεσμος δημοσίευσε το περιοδικό "Τέχνη σε Massay" και οδήγησε ενεργές δραστηριότητες δραστηριότητας.

Τα ονόματα των εκθέσεων μιλούν για το θέμα των έργων των καλλιτεχνών της Αχρά: "Ζωή και ζωή των εργαζομένων" (1922), "Κόκκινος Στρατός" (1923), "Επανάσταση, Ζωή και Εργασία" (1925) κλπ. Η δημιουργικότητά του καθόρισαν τις έννοιες του «καλλιτεχνικού ντοκιμαντέρ» και του «ηρωικού ρεαλισμού», λαμβάνοντας υπόψη τη ζωγραφική ως ιστορικά στοιχεία ως το χρονικό της εποχής.

Σε αυτό το πνεύμα, ο καμβάς του Grekov για τα θέματα του εμφυλίου πολέμου, οι πίνακες "Vladimir ilyich Lenin στο Smolny" (1930) του Brodsky, "Πορτρέτο του Δ. Α. Furmanova" (1922) Malyutina. Ο Σύνδεσμος υπήρχε μέχρι το 1932.

Το 1925, οι απόφοιτοι του εργαστηρίου του David Petrovich Sterönberg (1881 - 1948) στο Vhutemas σχημάτισαν την κοινωνία των Στάνκοβιτς (OST). Ενωτούν ως υποστηρικτές της μηχανικής τέχνης - σε αντίθεση με την "παραγωγή". Παρ 'όλα αυτά, το έργο των coolests δεν μπορεί να ληφθεί υπόψη με μηχανήματα με την αυστηρή έννοια της λέξης. Τα μέλη της OST ασχολούνταν με μνημειακή ζωγραφική και μια αφίσα, διακοσμημένα βιβλία, θεατρικές παραγωγές.

Ο Alexander Aleksandrovich Daenek (1899-1969) αρχικά εργάστηκε ως πρόγραμμα καφέ, ο V. A. Favorsky πραγματοποιήθηκε και αργότερα κατάφερε να «διανείμει» τις αρχές του σχεδιασμού ενός βιβλίου (περιοδικό) για το σχεδιασμό του τοίχου. Στους μνημειώδεις διακοσμητικές ζωγραφιές του 1928. "Στο εργοτάξιο των νέων εργαστηρίων" και η "υπεράσπιση του Πετρουργάτου", ο καλλιτέχνης διανέμει, το "Mounts" Light και Dark Spots, φαίνεται να κόβουν και να επικολλάμε ο ένας στον άλλο. Το λευκό φόντο της υπεράσπισης του Petrograd στην αίθουσα της κρατικής γκαλερί Tretyakov συγχωνεύεται με τον τοίχο, πηγαίνει σε αυτήν, και μόνο η ραχοκοκαλιά "μέταλλο" παραμένει.

Η σύνθεση του Γιούρι Ivanovich Pimenova (1903-1977) "Ας δώσουμε μια βαριά βιομηχανία!" (1927) Υπάρχει σε δύο εκδόσεις - μια εικόνα και αφίσα, και στην τελευταία περίπτωση είναι πιο βιολογική.

Οι καλλιτέχνες παραμένουν συμμετείχαν σε διεθνείς εκθέσεις, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που πραγματοποιήθηκαν στη Γερμανία. Η επιρροή της γερμανικής τέχνης - του εξπρεσιονισμού και της "νέας ουσίας" - τα γραφικά και γραφικά έργα του Αλεξάνδρου Γρηγορίουφ του Tyshler (1898-1980), Alexander Arkadyevich Labasa (1900-1983) και άλλοι καλλιτέχνες.

Το 1931, η Εταιρεία Στάνκοβιτς χωρίζεται σε δύο ενώσεις - το OST και το "Isorbard", και το 1932 σταμάτησαν την ύπαρξή τους.

Στις 20-30. Τα γραφικά έχουν γίνει όλο και πιο σημαντική: εικονογράφηση βιβλίου, σχέδιο, χαρακτική - τέχνη που έχει σχεδιαστεί για αναπαραγωγή, προσιτές μάζες απευθείας αντιμετωπίζουν τον άνθρωπο. Εξαιρετικοί καλλιτέχνες-εικονογράφοι Alexey Ilyich

Kravchenko (1889-1940) και Vladimir Andreevich Favorsky (1886-1964) εργάστηκε κυρίως στην τεχνική της ξυλογραφίας - χαρακτικά στο δέντρο. Ο Favorsky ήταν δάσκαλος του Vhutemas-Vhutein και από το 1930 - ινστιτούτο εκτύπωσης της Μόσχας. Επιδίωξε τον συνθετικό σχεδιασμό του βιβλίου, όταν όλα τα στοιχεία της τέχνης είναι εικονογραφήσεις, screensavers και γραμματοσειρές - συνθέτουν ένα ενιαίο εικονιστικό στιλιστικό σύνολο. Εφαρμόζοντας το βιβλίο των παιδιών αφιερωμένο στη δημιουργικότητά τους Βλαντιμίρ Μικχαωτογραφία Konashevich (1888-1963) και Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891 - 1967). Το 1932, δημοσιεύθηκε διάταγμα σχετικά με την διακοπή όλων των καλλιτεχνικών ομάδων και τη δημιουργία μιας ενιαίας ένωσης καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ. Τώρα μόνο το κράτος θα μπορούσε να κάνει παραγγελίες, να κανονίσει θεματικές εκθέσεις μεγάλης κλίμακας αφιερωμένες στη βιομηχανία του σοσιαλισμού. Έστειλε καλλιτέχνες να γράψουν όλες τις κατασκευές και τα πορτρέτα της ένωσης των τυμπανών της παραγωγής.

Οι κριτικοί και οι ερευνητές θεωρούν την τέχνη της δεκαετίας του '30. Ως μια περίοδο νεοκλασικού. Κλασικό υποστήριξε, είχε χρησιμοποιηθεί ενεργά. Χόμπει τα δείγματα τέχνης των προηγούμενων χρόνων άνθισης, ενώ η ανεξάρτητη μελέτη της φύσης μετακόμισε στο παρασκήνιο.

Τα πιο διάσημους δασκάλους του σοσιαλιστικού ρεαλισμού του '30. Ο πρώην Akhrovtsy Α Μ Gerasimov και Β V. Johanson. Gerasimov στα πορτρέτα της παρέλασης του 1938 "I. Β. Στάλιν και Κ. Ε. Voroshilov στο Κρεμλίνο, "" Πορτρέτο μιας μπαλαρίνας Ο. V. Lepheshinsky "φτάνει σχεδόν σε φωτογραφικό αποτέλεσμα. Το έργο του Johanson "ανάκριση των κομμουνιστών" (1933) και "στο παλιό εργοστάσιο ουρλημάτων" (1937) συνεχίζει την παράδοση του κινητού τηλεφώνου. Ο καλλιτέχνης μερικές φορές "τους αποσυνδέει" σε μερικές φωτογραφίες.

"Για τον εαυτό σας", δηλαδή, πολλοί καλλιτέχνες εργάστηκαν εκτός των κανόνων του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. Μεταξύ αυτών, ο Alexander Davydovich Tree (Trevets, 1889-1938) και ο Mikhail Xenofontovich Sokolov (1885-1947), ο οποίος σε οικεία αίθουσα λειτουργεί με έναν ορισμένο κύκλο ωραίων θεμάτων. Και οι δύο δάσκαλοι κατά τη διάρκεια των χρόνων της τρομοκρατίας του Στάλιν καταπατούσαν.

Από την αρχή της δεκαετίας του '40. Πίεση στους καλλιτέχνες από την αρχή εντατικοποιήθηκαν. Το Μουσείο της Νέας Δυτικής Τέχνης έκλεισε, όπου εκτέθηκαν τα έργα των ιμπρεσιονιστών - τα χωράφια της Cesanna, Henri Matisse, άλλων δασκάλων του δεύτερου μισού του XIX - πρώιμη XX αιώνα.

Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού πολέμου 1941 - 1945. Μαζικά να αναπαράγονται τα γραφικά που έλαβε τη μεγαλύτερη ανάπτυξη, και πάνω απ 'όλα αφίσα.

Εισαγωγή C.3.
1. Καλλιτέχνες και καλλιτεχνικές ενώσεις του 20S S.5
2. καλλιτέχνες και καλλιτεχνικά σωματεία του '30 σ.11
Αναφορές C.20

Εισαγωγή

Ο Οκτώβριος 1917 άνοιξε μια νέα εποχή όχι μόνο στην κοινωνική ζωή, αλλά και στη ζωή της τέχνης. Οποιαδήποτε επανάσταση καταστρέφει κάτι, και στη συνέχεια αρχίζει η δημιουργία ενός νέου. Δεν υπάρχει απλή ανάπτυξη, αλλά ένας αποφασιστικός επαναπροσδιορισμός των θεμελίων των πρώην κοινωνικών, πολιτικών, ιδεολογικών και άλλων ειδών δομών, συμπεριλαμβανομένης της τέχνης.
Η επανάσταση έχει προχωρήσει τουλάχιστον δύο προβλήματα. Το πρώτο πρόβλημα είναι classiness της τέχνης. Προσπάθεια να τον παραμείνει με μια ταξική πάλη που οδήγησε να στρεβλώσει τον πολυλειτουργικό του χαρακτήρα. Ιδιαίτερα οξεία απλουστευμένη κατανόηση της αξιοπιστίας της τέχνης που εκδηλώνεται στις δραστηριότητες ενός ανεπιθύμητου καθετήρα. Το στοιχείο του αγώνα οδήγησε στην καταστροφή των πολιτιστικών μνημείων που προκλήθηκαν όχι μόνο από στρατιωτικές ενέργειες κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου και της ξένης παρέμβασης, αλλά και μια πολιτική που αποσκοπεί στη σύνθλιψη του αστικού πολιτισμού. Έτσι, πολλά γλυπτά μνημεία κατεδαφίστηκαν ή καταστράφηκαν, έργα αρχαίας αρχιτεκτονικής που συνδέονται με τη θρησκευτική λατρεία.
Το δεύτερο πρόβλημα είναι το πρόβλημα της πολιτικής της τάξης στην τέχνη. Όλες οι δυνάμεις συμμετείχαν στην επίλυσή τους: "αστικός" και "προλεταριακός", καταστροφικός και δημιουργικός, σοβιετικός και μη νομισματικός, "αριστερός" και "δεξί", πολιτιστικός και άγνοια, επαγγελματικός και άγριος.
Οι αρχές της κοινωνικής ανάπτυξης που διακηρύχθηκαν από το κράτος καθόρισαν σε μεγάλο βαθμό τη σταδιακή κίνηση της τέχνης. Υπήρχε ένα είδος στρωματοποίησης δυνάμεων, από την προσθήκη του οποίου σχηματίστηκε ο φορέας της πραγματικής τεχνολογίας. Από τη μία πλευρά, αυτή είναι η δύναμη της αυτο-ανάπτυξης, όπου τα πρότυπα της κυκλοφορίας των μορφών που συνάπτονται στη φύση της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας που επηρεάζονται. Από την άλλη πλευρά, η επιρροή των κοινωνικών δυνάμεων, των δημόσιων ιδρυμάτων που ενδιαφέρονται και όχι σε οποιαδήποτε άλλη κίνηση της τέχνης, στις καθορισμένες μορφές της. Με την τρίτη υπαγόρευση της κρατικής πολιτικής, η οποία στηριζόμενη στις κοινωνικές δυνάμεις ή χωρίς να βασίζεται σε αυτούς, είχε άνευ όρων αντίκτυπου στη δομή της τέχνης, στην ουσία της, στην εξελικτική και επαναστατική ισχύ της. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1920, η πολιτική παραμορφώνεται ρητά τη φυσιολογική διαδικασία ανάπτυξης τέχνης, να έχει κάποια πίεση σε αυτήν απαγορεύοντας ή καταδικάζοντας αυτές ή άλλες "δυσκολίες" εκδηλώσεις.

1. Καλλιτέχνες και καλλιτεχνικές ενώσεις των 20 ετών.

Οι 20 ήταν ένας γρήγορος χρόνος για την τέχνη. Υπήρχαν πολλές διαφορετικές ομάδες. Καθένας από αυτούς προτείνει την πλατφόρμα, το καθένα από τα οποία εκτελείται με το μανιφέστο του. Η τέχνη, η εμμονή ιδέα αναζήτησης, ήταν διαφορετική. Βρέθηκε και βράζει, προσπαθώντας να συμβαδίσει με την εποχή και να εξετάσει το μέλλον.
Οι σημαντικότερες ομάδες, στις δηλώσεις και στη δημιουργική πρακτική της οποίας αντανακλούσαν οι κύριες δημιουργικές διαδικασίες του χρόνου, ήταν Agh, OST και "4 τέχνες" (8, σελ. 87).
Η ομάδα AHRR (ο Σύνδεσμος Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας) προέρχεται από το 1922 (το 1928 μετονομάστηκε σε AHR - την Ένωση Καλλιτεχνών της Επανάστασης). Ο πυρήνας AHRR έχει αναπτυχθεί κυρίως από τους πρώην συμμετέχοντες στην εταιρική σχέση κινητής τηλεφωνίας. Η δήλωση AHRR καθορίστηκε στον κατάλογο έκθεσης 1922: «Το αστικό χρέος μας στην ανθρωπότητα είναι το καλλιτεχνικό και ντοκιμαντέρ που καταγράφει τη μεγαλύτερη στιγμή της ιστορίας στην επαναστατική του βιασύνη. Θα δείξουμε σήμερα: η ζωή του κόκκινου στρατού, η ζωή των εργαζομένων, η αγροτιά, οι επαναστάτες και οι ήρωες χαρακτήρων. "
Οι καλλιτέχνες AgrhR προσπάθησαν να κάνουν τη ζωγραφική τους έναν προσβάσιμο μαζικό θεατή του πόρου. Στο έργο του, συχνά χρησιμοποιούσαν μηχανικά τη μακρά γλώσσα της καθυστερημένης κίνησης. Ο Agh διοργάνωσε μια σειρά θεματικών εκθέσεων τέχνης, των οποίων τα ονόματα είναι: "Ζωή και ζωή των εργαζομένων" (1922), "Ζωή και ζωή του Κόκκινου Στρατού" (1923), "Επανάσταση, Ζωή και Εργασία" (1924 - 1925) , "Ζωή και ζωή των λαών USSR" (1926) - Μιλήστε για τα καθήκοντα της άμεσης απεικόνισης της σύγχρονης πραγματικότητας.
Η ιδιαιτερότητα της πρακτικής του Akhrovtsev ήταν ότι ήταν στο εργοστάσιο και τα φυτά, στους Krasnoarmeysian Barracks, για να παρακολουθήσουν τη ζωή και τη ζωή των ηρώων τους. Κατά την προετοιμασία της έκθεσης "Ζωή και ζωή των λαών της ΕΣΣΔ", οι συμμετέχοντες επισκέφθηκαν τις πιο απομακρυσμένες γωνιές της Σοβιετικής Χώρας και έφεραν από εκεί ένα σημαντικό αριθμό σκίτσων, το πιο σημαντικό από τα έργα τους. Οι καλλιτέχνες του ΑΧΑρ έπαιξαν μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη νέων θεμάτων, έχοντας αντίκτυπο στους εκπροσώπους διαφόρων ομάδων τέχνης εκείνης της εποχής.
Μεταξύ των καλλιτεχνών AHRR, η δημιουργικότητα του Ι. Ι. Brodsky διατίθεται (1883 - 1939), η οποία θέτει ακριβή, την αναπαραγωγή των γεγονότων και των ηρώων της επανάστασης. Ο καμβάς του αφιερώθηκε στις δραστηριότητες του V. I. Lenin απέκτησε μεγάλη φήμη. Η βάση των γραφικών Λεινίνων βασίστηκε και γράφτηκε από τον Brodsky το 1929. Η ζωγραφική "Η απόδοση του Λένιν στο εργοστάσιο του Putilovsky" και ένα από τα πιο διάσημα έργα "Λένιν στο Smolny" (1930), που απεικονίζει τον Λένιν στο γραφείο του στην εργασία. Ο Brodsky είδε τον Λένιν πολλές φορές και έκανε σκίτσα από αυτόν (12, σελ. 92).
Τα έργα του Brodsky έχουν σημαντική ποιότητα - αξιοπιστία που έχει ένα μεγάλο ιστορικά ενημερωτικό νόημα. Ωστόσο, η επιθυμία για ντοκιμαντέρ οδήγησε στην εμπειρική, φυσιολογική ερμηνεία του γεγονότος. Η καλλιτεχνική σημασία των ζωγραφων του Brodsky μείωσε επίσης τον ξηρό φυσιολογικό, μια διατροφική γεύση, η οποία είναι ιδιόμορφη για ένα σημαντικό μέρος των έργων του.
Ο πλοίαρχος πορτρέτου του Γ. Ρυαζχσκι (1895 - 1952) προσχώρησε στο Agrh το 1923. Τα έργα του «αντιπροσώπου» (1927) και του "πρόεδρος" (1927), στην οποία ο καλλιτέχνης προσδιορίζει τα τυπικά κοινωνικά και ψυχολογικά χαρακτηριστικά ενός νέου Γυναίκες κοινωνίες, ενεργός συμμετέχων στη βιομηχανική και δημόσια ζωή της χώρας. Ο "πρόεδρός" του είναι ένας εργαζόμενος ακτιβιστής. Στη θέση της, η χειρονομία ανιχνεύει ένα αίσθημα αυτοεκτίμησης, απαλλαγή ως απόδειξη της κατάστασης μιας γυναίκας σε μια νέα Εταιρεία Εργασίας.
Μεταξύ των ριπωτών AHRR, ο S. Malyutin ήταν ρόλος (1859 - 1937). Ξεκίνησε από αυτόν πριν από την επανάσταση, η γκαλερί πορτρέτου συμπληρώθηκε σε σοβιετικούς χρόνους με πορτρέτα V.K. Bialynitsky-Biruli, Α. Β. Lunacharsky και πολλούς άλλους. Μεταξύ αυτών, το πορτρέτο του Dmitry Furmanov, το οποίο γράφτηκε το 1922, αποκαλύπτοντας πειστικά την εικόνα ενός συγγραφέα πολεμιστή, έναν εκπρόσωπο της νέας, σοβιετικής νοημοσύνης.
Ο ενεργός συμμετέχων των εκθέσεων AHRR ήταν ένας μεγάλος ρωσικός ζωγράφος της στροφής των αιώνων XIX - XX. Α. Ε. Arkhipov. Στα 20s των Archups, δημιουργεί τις εικόνες των αγροτών - "μια γυναίκα με μια κανάτα", "ο αγρότης στην πράσινη ποδιά", "ο αγρότης με ένα ροζ μαντήλι στο χέρι του" και άλλοι. Αυτές οι εικόνες γράφονται Σε μια ευρεία βούρτσα, τα πυρκαγιά και πολύχρωμα.
Το έργο και η προσοχή στα νέα φαινόμενα της ζωής είναι η δημιουργικότητα του Ε. Μ. Chepetova (1874 - 1943), η οποία συνέχισε τις παραδόσεις κίνησης της στην περιοχή του οικιακού είδους. Η εικόνα του "Συνάντηση του χωριού" (1924) είναι ευρέως γνωστή, η οποία απεικονίζει ρουστίκ ακτιβιστές των πρώτων ετών επανάστασης. Η παρατήρηση και η ειλικρίνεια του συγγραφέα, η απλότητα της εμφάνισης των ηρώων του, η αδράνεια των γύρω εξαρτημάτων έκανε μια μικρή, μέτρια ζωγραφική από το έργο του Chepzov ένα από τα πιο ενδιαφέροντα δείγματα της AHRR ART.
Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για ένα από τα έργα του συστήματος τοπίου Β. Ν. Yakovlev (1880 - 1972). Η "μεταφορά" του καθιερώνει "(1923) - μέτρια και ταυτόχρονα μια βαθιά αφήγηση της δύσκολης εποχής των πρώτων ετών επανάστασης, για την καθημερινή εργασία των ανθρώπων. Ήσυχο και μόλις γραπτό, αυτή η εικόνα είναι ένα από τα πρώτα παραδείγματα ενός βιομηχανικού τοπίου στη σοβιετική ζωγραφική.
Ο ειδικός τόπος του Akhrr καταλαμβάνεται από τη δημιουργικότητα M. B. Grekova (1882-1934) - ο ιδρυτής του είδους μάχης στη σοβιετική τέχνη. Για μια περίοδο ενός έτους και μισό - μέχρι το τέλος της ζωής - ασχολήθηκε με τη δημιουργία ενός κύκλου ζωγραφικής αφιερωμένο στον πρώτο ιππικό στρατό, σε πεζοπορίες και μάχες των οποίων συμμετείχε ο καλλιτέχνης. Στο έργο του, ειδικά στην πρώιμη περίοδο, είναι σαφές να γνωρίζουμε τις παραδόσεις της VereshchchchaGin. Ο κύριος ήρωας του Grekova είναι οι άνθρωποι που ανέλαβαν όλες τις δυσκολίες του πολέμου. Τα έργα των ζωντανών υποθέσεων του Grekova. Σε τέτοιες εικόνες των μέσων 20, όπως το "Tacank" (1925), η ακρίβεια κίνησης της εικόνας συνδυάζεται με ρομαντική αντοχή. Αργότερα, συνεχίζοντας το ιδιαίτερο γραφικό χρονικό του πρώτου ιππικού στρατού, οι Έλληνες δημιουργούν έναν επικό ιστό, μεταξύ των οποίων διακρίνονται οι πίνακες "για τον Kuban" και "Trumpeters του πρώτου ιππικού στρατού" (και τα δύο - 1934).
Μαζί με την AHRR, στην οποία οι καλλιτέχνες της παλαιότερης και της μεσαίας γενιάς, που είχαν τον χρόνο της επανάστασης, έχουν ήδη δημιουργηθεί μια δημιουργική εμπειρία, η ομάδα OST (κοινωνία των Στάνννοβιτς) που διοργανώθηκε το 1925 έπαιξε ενεργό ρόλο στην καλλιτεχνική ζωή του Αυτά τα χρόνια, που διοργανώθηκαν το 1925. Ενωτεί η καλλιτεχνική νεολαία του πρώτου σοβιετικού καλλιτεχνικού πανεπιστημίου - VHU-TEPES. (3)
Το κύριο καθήκον της ενοποίησης των καλλιτεχνών, όπως το "Akhrovtsy", θεωρείται ο αγώνας για την αναβίωση και την περαιτέρω ανάπτυξη της μηχανουργίας σε ένα σύγχρονο θέμα ή με το σύγχρονο περιεχόμενο. Ωστόσο, οι δημιουργικές φιλοδοξίες και οι μέθοδοι καλλιτεχνών παραμένουν χαρακτηριστικές διαφορές. Προσπάθησαν να προβληματιστούν σε ξεχωριστά γεγονότα νέες ιδιότητες της σύγχρονης εποχής σε σχέση με την εποχή του προηγούμενου. Το κύριο θέμα της Ρωσίας, η εκβιομηχάνιση της Ρωσίας, πρόσφατα ακόμα αγροτικός και προς τα πίσω, η επιθυμία να δείξει τη δυναμική της σχέσης μεταξύ της σύγχρονης παραγωγής και του ανθρώπου.
Ένας από τους πιο ταλαντούχους εκπροσώπους της Ομάδας OST ήταν ο Α. Α. Deineka. Οι πλησιέστερες δηλώσεις του OST είναι πίνακες του: "Στο εργοτάξιο των νέων εργαστηρίων" (1925), "Πριν από την κατεύθυνση του ορυχείου" (1924), "Ποδόσφαιρο" (1924), "Υφαντουργία" (1926). Ο παθός του Daeneki βρήκε μια έξοδο σε ένα δημοσιογραφικό πρόγραμμα, στο οποίο ο καλλιτέχνης πραγματοποίησε ως εικονογράφος σε περιοδικά για ευρεία ανάγνωση - όπως το "στο μηχάνημα", "Handless of the Machine", "Νεολαία" και άλλα κεντρικά Τα έργα DELIALEKI της περιόδου Oskesky έγιναν ζωγραφική "Άμυνας του Petrograd", γραμμένο το 1928 για τη θεματική έκθεση "10 χρόνια του Κόκκινου Στρατού". Αυτό το έργο αποκαλύπτει το κύριο Παθό και την έννοια των καινοτόμων παραδόσεων του OST της πιο θέσης και εκείνων που έχουν βρει την ανάπτυξή τους στη σοβιετική τέχνη των επόμενων περιόδων. Το Daeken ενσωματώνεται σε αυτή την εικόνα όλη αυτή την ιδιαιτερότητα του στυλ του, ελαχιστοποίησε τα μέσα εκφραστικότητας, αλλά τους έκανε πολύ ενεργό και αποτελεσματικό (8, σελ. 94).
Από τα υπόλοιπα μέλη, το υπόλοιπο κοντά στο Daenek στη φύση των έργων τους στο στυλ του στυλ του Yu. Ι. Pimenov, Ρ. V. Williams, S.A. Luchishkin. Τα έργα της "βαριάς βιομηχανίας" της Pimenova, της "εξέγερσης του Αμβούργου" του Ουίλιαμς, που δημιουργήθηκαν κατά την ίδια περίοδο της «Αύξιας Αμβούργου» και "Αγαπώ αγάπη" που αποκαλύπτεται η Luchishkina και οι καινοτόμες αντανακλούσαν σημαντικές ιδιότητες της σύγχρονης πραγματικότητας,
Σε αντίθεση με την πιο cool, τη νεολαία, στη σύνθεσή της, η ομάδα δύο άλλων που κατέλαβαν ένα σημαντικό μέρος στην καλλιτεχνική ζωή αυτών των ετών δημιουργικές ομάδες - "4 τέχνες" και OMX. (Κοινωνία καλλιτεχνών της Μόσχας), - Ενωμένες από μόνα τους τους δασκάλους της παλαιότερης γενιάς, οι οποίοι αναπτύχθηκαν δημιουργικά σε ένα προ-επαναστατικό χρόνο, με ιδιαίτερη εμφάνιση αφορούν τα προβλήματα της διατήρησης της εικονογραφικής κουλτούρας και θεωρείται ένα πολύ σημαντικό μέρος της εργασίας Η ίδια η γλώσσα του, πλαστική μορφή. Η κοινωνία "4 art" προέκυψε το 1925 από τα σημαντικότερα μέλη αυτής της ομαδοποίησης ήταν ο Ρ. V. Kuznetsov, ο Κ. S. Petrov-Vodkin, Μ. S. Sarian, Ν. Π. Ulyanov, Κ. Ν. Istome, V. A. Favorsky, V. Favorsky.
Τα έργα της Petrov-Vodkina είναι όπως "μετά τον αγώνα" (1923), "Το παράθυρο του παραθύρου" (1928), το "άγχος" (1934), η οποία εξέφρασε πλήρως την ηθική έννοια των διαφόρων περιόδων - ορόσημα στην ανάπτυξη της σοβιετικής κοινωνίας. Η εικόνα του "θάνατος του Επιτρόπου" (1928), όπως και η "υπεράσπιση της Petrograd", που γράφτηκε σε σχέση με την έκθεση "10 χρόνια του Κόκκινου Στρατού", σε αντίθεση με τον συγκεκριμένο δημοσιογράφο - τη βάση των εικονιστικών αποφάσεων του Deneki - δίνει τη φιλοσοφική του λύση στην εργασία: μέσω των γεγονότων που γενικεύουν τις ιδέες για τα γεγονότα που λαμβάνουν χώρα σε ολόκληρο τον πλανήτη Γη μέσω της ταυτοποίησης της ηθικής ουσίας αυτών των γεγονότων. Ο Επίτροπος είναι ένα πρόσωπο, και στη ζωή και με το θάνατο της δικής του διαμάχης στο όνομα της ανθρωπότητας. Η εικόνα του είναι μια έκφραση της παρενόχλησης ελαφρών ιδεών που θα κερδίσει στο μέλλον, ανεξάρτητα και αντίθετα με το θάνατο των πιο ενεργών μεταφορείς αυτών των ιδεών. Μια αποχαιρετισμένη άποψη του Επιτρόπου που πεθαίνει ως αποχαιρετισμός με την εντολή των μαχητών πριν επιτεθεί - είναι γεμάτος πίστη στη νίκη.
Οι φιλοσοφικές ιδέες Petrov-Vodkin βρίσκουν μια επαρκή πλαστική έκφραση. Ο απεικονισμένος χώρος εκτείνεται πάνω από τη σφαιρική επιφάνεια του πλανήτη. Συνδυάζοντας την άμεση και αντίστροφη προοπτική πειστικά και έντονα μεταφέρει το "πλανητικό" πανόραμα του τι συμβαίνει. Σαφώς λύσει εικονιστικά προβλήματα στο σύστημα χρωμάτων. Στη ζωγραφική του, ο καλλιτέχνης προσκολλάται στην αρχή μιας τριών οικογενειών, σαν να προσωποποιεί τα κύρια χρώματα της γης: κρύο μπλε αέρα, μπλε νερό. καφέ-κόκκινη γη? Πράσινο του κόσμου των φυτών.
Σημαντικό ίχνος στην ιστορία της σοβιετικής ζωγραφικής αφέθηκε από καλλιτέχνες της ομάδας OMX, που διοργανώθηκε το 1927, πολλοί από αυτούς έγιναν κοντά ο ένας στον άλλο στα προ-επαναστατικά χρόνια στην ένταξη "Bubnovaya Valet". Το πιο δραστήριο στο Ohkhi ήταν ο Ρ. Π. Konchalovsky, ο Ι. Ι. Mashkov, Α. V. Lentulov, Α. V. Kubrin, R. R. Falk, V. V. Χριστουγεννιάτικα, Α. Α. Osmertkin.
Στη δήλωσή του, οι καλλιτέχνες Omha είπαν: «Ζητούμε από τον καλλιτέχνη της μεγαλύτερης αποτελεσματικότητας και της εκφραστικότητας των επίσημων πτυχών της δημιουργικότητάς του, σχηματίζοντας την αδιαχώριστη με την ιδεολογική πλευρά του τελευταίου». Το πρόγραμμα αυτό αισθάνθηκε την εγγύτητα της ομάδας "4 τέχνες".
Ένας από τους πιο εντυπωσιακούς εκφράσεις αυτού του προγράμματος στη σοβιετική τέχνη των πρώτων χρόνων ήταν ο Ρ. Π. Konchalovsky. Προσπάθησε να συνδυάσει τις τάσεις του "Bubnovovet" με την κληρονομιά των ρωσικών ρεαλιστικών καλλιτεχνών, οι οποίες επεκτείναν σε μεγάλο βαθμό τη δημιουργική του σειρά, βοήθησε να εισέλθουν στη σοβιετική τέχνη της δεκαετίας του '20. Η χρωστική ολότητα με την ένταση των μεμονωμένων χρωμάτων διακρίνεται από τέτοια έργα του οδηγού ως "αυτοπροσωπογραφία με τη σύζυγό του" (1922), "Πορτρέτο του Ο. V. Konchalovskaya" (1925), "Πορτρέτο της κόρης του Νατάσα" (1925). Τα ίδια χρόνια, ο P. P. Konchalovsky επιχειρεί να δημιουργήσει θεματικούς πίνακες, μεταξύ των οποίων το καλύτερο είναι το "Novgorod" (1921) και "από την έκθεση" (1926). Ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται για τις παραδοσιακές εικόνες των "ρωσικών ανδρών" - ισχυρή, ντυμένη, διαβίωσης που περιβάλλεται από τα συνήθη αντικείμενα, σύμφωνα με τους νόμους των παλαιών τελωνείων και, μαζί με το μέσο τους, κάτι τυπικά εθνικό.

2. Καλλιτέχνες και καλλιτεχνικές ενώσεις των 30 ετών.

Η δεκαετία του 1930 στην ιστορία της Σοβιετικής Τέχνης είναι μια δύσκολη περίοδος που αντικατοπτρίζει τις αντιφάσεις της ίδιας της πραγματικότητας. Έχοντας αντιληφθεί σημαντικές βάρδιες που έλαβαν χώρα στην κοινωνία, ο πατήρ εκβιομηχάνισης, οι δάσκαλοι της τέχνης ταυτόχρονα σχεδόν δεν προσέχουν σημαντικές δημόσιες αντιφάσεις, δεν εκφράζουν κοινωνικές συγκρούσεις που σχετίζονται με την ενίσχυση της λατρείας της προσωπικότητας του Στάλιν (1) .
Στις 23 Απριλίου 1932, το Κομμουνιστικό Κόμμα του Κόμματος ενέκρινε ψήφισμα "σχετικά με την αναδιάρθρωση των λογοτεχνικών και έργων τέχνης". Το ψήφισμα αυτό εξαλείφθηκε από όλες τις προηγούμενες καλλιτεχνικές ομάδες και οι γενικές οδοί και οι μορφές σταθεροποίησης και ανάπτυξης όλων των δημιουργικών δυνάμεων της σοβιετικής τέχνης υποδεικνύονται. Η απόφαση αποδυναμώθηκε αυτή η αντιπαράθεση μεταξύ των μεμονωμένων ενώσεων, η οποία ήταν τόσο επιδεινωμένη στη στροφή των 20 - 30. Αλλά από την άλλη πλευρά, οι τάσεις της ενοποίησης εντατικοποιήθηκαν σε φυλλοβόλο τρόπο. Τα πρωτοποριακά πειράματα, που έδωσαν τους εαυτούς τους να γνωρίζουν στη δεκαετία του '20, διακόπηκαν. Ο αγώνας με τον λεγόμενο φορμαλισμό αποδείχθηκε, ως αποτέλεσμα της οποίας πολλοί καλλιτέχνες αναγκάστηκαν να εγκαταλείψουν τις προηγούμενες κατακτήσεις τους.
Η δημιουργία μιας ενιαίας ένωσης συνέπεσε με την έγκριση της αρχής του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, που διατυπώθηκε από το Α.Μ. Γκόρκι στο πρώτο σύνολο των συνδικάτων των σοβιετικών συγγραφέων. Ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός ανέλαβε την κληρονομιά των παραδόσεων της ρεαλιστικής τέχνης του XIX αιώνα. Και στοχεύοντας στους καλλιτέχνες στην εικόνα της πραγματικότητας στην επαναστατική τους ανάπτυξη. Ωστόσο, όπως φαίνεται από την περαιτέρω πρακτική της Σοβιετικής Τέχνης, ο όρος "σοσιαλιστικός ρεαλισμός" δεν ήταν αρκετός και επαρκείς πολύπλοκες και πολυστρωματικές τάσεις σε μια νέα κουλτούρα. Η επίσημη αίτησή της για καλλιτεχνική πρακτική που συχνά συνδέεται με τον ρόλο της δογματικής ανάπτυξης πέδησης της τέχνης. Στις συνθήκες κοινωνικής ανακατασκευής της δεκαετίας του 1980, ο όρος "σοσιαλιστικός ρεαλισμός" υποβλήθηκε σε συζήτηση συζήτησης σε επαγγελματίες κύκλους σε διαφορετικά επίπεδα.
Πολλές προοδευτικές τάσεις που εμφανίστηκαν στη δεκαετία του '20 συνεχίζουν να αναπτύσσονται στο 30ο. Αυτό ισχύει για, για παράδειγμα, καρποφόρα αλληλεπίδραση διαφόρων εθνικών σχολείων.
Σε μεγάλες εκθέσεις τέχνης που διοργανώνονται στη δεκαετία του 1930, εμπλέκονται οι καλλιτέχνες όλων των δημοκρατιών της Σοβιετικής Ένωσης. Ταυτόχρονα, οργανώνονται δημοκρατικές εκθέσεις στη Μόσχα σε σχέση με δεκαετίες εθνικής τέχνης. Τα εθνικά θέματα τέχνης ανησυχούν ιδιαίτερα από καλλιτέχνες των αδελφικών δημοκρατιών.
Στη δεκαετία του 1930, η πρακτική των κρατικών εντολών και των δημιουργικών επιχειρηματικών εκδρομών επεκτείνεται. Οι μεγαλύτερες εκθέσεις οργανώνονται: "15 χρόνια RKKKA", "20 χρόνια του Κόκκινου Στρατού", "20 χρόνια του Σοσιαλισμού", "Η βιομηχανία του σοσιαλισμού", "Έκθεση των καλύτερων έργων σοβιετικής ζωγραφικής" κλπ. Οι Σοβιετικοί καλλιτέχνες συμμετέχουν σε διεθνείς εκθέσεις στο Παρίσι και τη Νέα Υόρκη, εκτελούν εργασίες για τη γεωργική έκθεση σε όλη την Ένωση στη Μόσχα, σε σχέση με την προετοιμασία της οποίας δημιουργήθηκε ένας σημαντικός αριθμός μνημειών και διακοσμητικών έργων, η οποία, στην ουσία, σήμαινε σημαντική Στάδιο της αναβαλλόμενης μνημειακής ζωγραφικής ως ανεξάρτητο, έχοντας τους δικούς του στόχους και τα πρότυπα τέχνης. Σε αυτά τα έργα, υπήρξε μια έκφραση για τη σοβιετική τέχνη στον μνημειισμό.
Ένας καλλιτέχνης Boris Vladimirovich Johanson (1893 - 1973), ο οποίος υπέβαλε στο έργο του στις υψηλότερες παραδόσεις της ρωσικής ζωγραφικής XIX στις υψηλότερες παραδόσεις της ρωσικής ζωγραφικής XIX αιώνα, είναι ένας από τους σημαντικότερους εκπροσώπους της μηχανής ζωγραφικής αυτής της περιόδου. Ερμηνεύει την κληρονομιά του Surikov και η αποδοχή, φέρνοντας ένα νέο επαναστατικό περιεχόμενο στα έργα του ένα νέο επαναστατικό περιεχόμενο. Από αυτή την άποψη, οι πίνακες του Johanson "ανάκριση των κομμουνιστών" (1933) και "στο παλιό εργοστάσιο ουρλημάτων" (1937) είναι ιδιαίτερα σημαντικές.
Η ζωγραφική "ανάκριση των κομμουνιστών" εκτέθηκε για πρώτη φορά στην έκθεση "15 χρόνια του Κόκκινου Στρατού". Σε αυτό, ο καλλιτέχνης έδειξε τους κομμουνιστές που διοργανώθηκαν για την υπεράσπιση της επαναστατικής πατρίδας και τους αντιπάλους τους - λευκούς φρουρούς, οι οποίοι προσπαθούσαν να στρατολογήσουν το Σοβιετικό κράτος κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου. Ο καλλιτέχνης διεξάγει την ιστορική του γενίκευση στις παραδόσεις της repin, μέσω της επίδειξης μιας συγκεκριμένης δράσης σε ένα συγκεκριμένο περιβάλλον. Δεν γνωρίζουμε τα ονόματα των ανθρώπων που απεικονίζονται εδώ, τόσο πιο ιστορικά καθολικό θεωρείται από εμάς την εικόνα ως σύνολο. Οι κομμουνιστές στην εικόνα του Johanson είναι καταδικασμένοι στο θάνατο. Αλλά ο καλλιτέχνης δείχνει την ηρεμία, το θάρρος, τη δύναμη και την αντίσταση τους, η οποία αντίθετα με το άγχος, τη νευρικότητα, την ψυχολογική απονομή, βασιλεύοντας στην ομάδα των λευκών φρουρών, αδυναμία όχι μόνο σε αυτή την κατάσταση, αλλά όπως ήταν, ενόψει της ιστορίας.
Στη ζωγραφική "Στο παλιό εργοστάσιο ουρλημάτων", γραμμένο για την έκθεση "Η βιομηχανία του σοσιαλισμού", ο Johanson αντιτίθεται στις εικόνες του κτηνοτρόφου και του εργαζομένου, στην οποία αποκαλύπτει το αίσθημα της αναδυόμενης αυτοσυνείδησης και της εσωτερικής ανωτερότητας πάνω από το εκμεταλευτής. Αυτή η εικόνα, ο καλλιτέχνης έδειξε μια ιστορική σύγκρουση μεταξύ παλιού και νέου, αντιδραστικού και προοδευτικού και ενέκρινε τη νικηφόρα δύναμη του επαναστατικού και προοδευτικού. Αυτά είναι τα νέα χαρακτηριστικά του σοβιετικού ιστορικού και επαναστατικού είδους στο παράδειγμα της ζωγραφικής του Johanson.
Ένας ειδικός χώρος καταλαμβάνει μια πολύπλευρη εικόνα, τα θέματα και τα είδη του έργου του Σεργκέι Βασιλείου Γεραιμόφ. Το πιο εντυπωσιακό έργο του ιστορικού είδους στο έργο του είναι η εικόνα του "όρκου του Σιβηρίας Partizan" (1933), το οποίο είναι εκπληκτικό με την ανοικτή εκφραστικότητα, που ανιχνεύεται με χρωματιστική εκφραστικότητα, αιχμηρό πρότυπο, δυναμική σύνθεση. Εργασία στο είδος του νοικοκυριού, ο S. V. Gerasimov επικεντρώθηκε στο θέμα των αγροτών. Με την απόφασή της, ο καλλιτέχνης περπάτησε μέσα από το πορτρέτο δημιουργώντας έναν αριθμό πειστικότερων αγροτών εικόνων. Κατά τη διάρκεια της κατασκευής ενός συλλογικού αγροτικού χωριού, έγραψε ένα από τα πιο εντυπωσιακά πορτρέτα του "συλλογικού αγρόκτημα" (1933). Τα σημαντικότερα έργα της ζωγραφικής του είδους των 30 ετών εισήλθαν στις "συλλογικές αγροτικές διακοπές" (1937), το οποίο εκτέθηκε στην έκθεση "η βιομηχανία σοσιαλισμού". Ακριβώς και ο Emko χαρακτηρίζει αυτήν την εικόνα ο μεγαλύτερος σοβιετικός αρχικός ακαδημαϊκός της Σοβιετικής Τέχνης, δηλαδή Grabar: "Όταν εμφανίστηκε ένας θαυμάσιος καμβάς" Colhoment Holiday ", ένας από τους καλύτερους πίνακες της έκθεσης" Η βιομηχανία του σοσιαλισμού ", η νέα, εξαιρετική ανάπτυξη του Δασκάλου έγινε προφανής . Σίγουρα κάποιος από τους σοβιετικούς καλλιτέχνες, εκτός από τον Σεργκέι Γερασμόφ, θα αντιμετωπίσει μια τέτοια σύνθετη, ελαφριά και έγχρωμη πρόκληση, και ακόμη και με τόσο απλά μέσα και τεχνικές. Αυτή ήταν η ηλιακή εικόνα στη ρωσική ζωγραφική κατά τη διάρκεια της επανάστασης, παρά το γεγονός ότι ολοκληρώθηκε στο συγκρατημένο σχέδιο "(1, σ. 189).
Ο "τραγουδιστής" της Σοβιετικής Αγρονίας ήταν ο Arkady Alexandrovich Devstors (1893 - 1983), που σχετίζεται με το ρωσικό χωριό με την προέλευσή του. Είχε μεγάλη επιρροή γι 'αυτόν, οι εντυπώσεις της παιδικής ηλικίας που ξοδεύονται σε στενή επικοινωνία με τη φύση, με τη γη, με αγρότες που ζουν σε αυτή τη γη.
Μετά τη Μεγάλη Οκτώβριο της Σοσιαλιστικής Επανάστασης των ορόφων, ο οποίος οδηγήθηκε από το έργο του εγγενούς χωριού του, δίνοντας έναν ελεύθερο χρόνο ζωγραφικής, συσσωρευμένων αδελφών και εντυπώσεων για τα μελλοντικά του έργα αφιερωμένα στην αγροτική ζωή. Ένα από τα πρώτα σημαντικά έργα του Plastov - Πλήρης ζωγραφική αέρα και φωτός "άλογο κολύμβησης" - πραγματοποιήθηκε από αυτούς για την έκθεση "20 χρόνια του Κόκκινου Στρατού". Για την έκθεση "η βιομηχανία σοσιαλισμού" των στρωμάτων έγραψε ένα μεγάλο πανί "συλλογικές αγροτικές διακοπές". Ένα άλλο φωτεινό έργο του Plastov του πόρου είναι το "συλλογικό αγέλη του αγρότες" (1938). Σε όλες τις αναφερόμενες εικόνες, ορισμένα κοινά χαρακτηριστικά εκδηλώνται. Οι δεξαμενές δεν νομίζουν ότι η σκηνή του είδους έξω από το τοπίο, εκτός της ρωσικής φύσης, πάντα εκπαιδεύτηκε σε ένα λυρικό σχέδιο, αποκαλύπτοντας την ομορφιά του στις απλούστερες εκδηλώσεις. Ένα άλλο χαρακτηριστικό των ειδών του Plastov είναι η απουσία οποιασδήποτε σύγκρουσης ή μια ιδιαίτερη στιγμή στον εκλεγμένο καλλιτέχνη του οικόπεδο. Μερικές φορές δεν υπάρχουν εκδηλώσεις στους πίνακές του, όπως στο "Συλλογικό Farm Flock", τίποτα δεν συμβαίνει. Αλλά ταυτόχρονα ο καλλιτέχνης επιτυγχάνει πάντα ποιητική εκφραστικότητα της εικόνας.
Στη δεκαετία του 1930, A. Α. Deneki αναπτύχθηκε στη δεκαετία του '30. Συνέχισε να τηρεί τα πρώην θέματα, τα οικόπεδα, τις αγαπημένες εικόνες, το χρώμα και το σύνθετο σύστημα. Είναι αλήθεια ότι ο γραφικός του τρόπος είναι κάπως μαλακωμένος, παραδείγματα τι καλύτερα έργα της δεκαετίας του '30 - "μητέρα" (1932), "Break Lunch στο Donbasse" (1935), "μελλοντικοί πιλότοι" (1938). Αθλητισμός, αεροπορία, γυμνό εκπαιδευμένο σώμα, λακωνισμός και απλότητα της γραφικής γλώσσας, οι συνδυασμοί κουδουνίσματος καφέ-πορτοκαλί και μπλε μαλακώνουν σε ορισμένες περιπτώσεις λυισμός, τη στιγμή της περισυλλογής. Ο Daenek έσπρωξε το θεματικό πλαίσιο του έργου του, συμπεριλαμβανομένων των ιστοριών από τη ζωή των ξένων χωρών, τα οποία εμφανίστηκαν ως αποτέλεσμα να ταξιδεύουν στις Ηνωμένες Πολιτείες, στη Γαλλία, τη Γερμανία και την Ιταλία.
Ένα άλλο πρώην μέλος OST - YU. Ι. Pimenov (1903-1977) δημιούργησε ένα από τα καλύτερα έργα ζωγραφικής της δεκαετίας του 1930 "Νέα Μόσχα" (1937). Το τοπίο του κέντρου της Μόσχας (pl. Sverdlova), σαν να φαίνεται από το αγωνιστικό αυτοκίνητο, πίσω από το τιμόνι της οποίας μια νεαρή γυναίκα κάθεται πίσω στον θεατή. Νέα κτίρια, γρήγορη λειτουργία του αυτοκινήτου, τα ελαφρά χρώματα, μια αφθονία του αέρα, το εύρος του χώρου και η πρόσληψη της σύνθεσης - Όλα είναι αμφισβητήσιμα με αισιόδοξη παγκοσμιοποίηση.
Στη δεκαετία του '30, η δημιουργικότητα του τοπίου της πόλης Nissky (1903 - 1987), ο οπαδός των ψυγείων, που αντιλαμβάνονται ο λακωνισμός, η ευκρίνεια των σύνθετων και ρυθμικών λύσεων από αυτούς. Αυτά είναι η ζωγραφική του "Φθινόπωρο" (1932) και "με τους τρόπους" (1933). Στα τοπία του Nissky, η δραστηριότητα μετατροπής του ανθρώπου είναι πάντα ορατή.
Από τους παίκτες τοπίου ανώτερης γενιάς, ο Ν. Π. Κρυμούβα (1884 - 1958), ο οποίος δημιούργησε τη διάσημη ζωγραφική "το πρωί στο Κεντρικό Πάρκο Πολιτισμού και ξεκούρασε το όνομα του Γκόρκι στη Μόσχα" το 1937. Μια μεγάλη πανοραμική θέα στο πάρκο, ο οποίος έπεσε πίσω του, δόθηκε, μια ομαλή γραμμή του ορίζοντα, λαμβάνοντας το μάτι του θεατή έξω από τον καμβά, - όλα αναπνέουν με φρεσκάδα και έκθεση.
Α. Rylov, του οποίου το έργο σχηματίστηκε στις αρχές του 20ού αιώνα, στην εικόνα "Λένιν στη διαρροή" (1934) συνδέει το τοπίο με το ιστορικό είδος, φτάνοντας στην αίσθηση της έκτησης της φύσης, των σκέψεων, των συναισθημάτων, ισχυριζόμενος ιστορικός ιστορικός αισιοδοξία.
Το πανοραμικό τοπίο έχει εκδηλωθεί στα έργα πολλών ζωγράφων διαφόρων δημοκρατιών. Αυτή η επιβάρυνση συσχετίστηκε με την απότομη αίσθηση της πατρίδας, της μητρικής γης, η οποία στη δεκαετία του 1930 ενισχύθηκε και μεγάλωσε. Δ. Ν. ΚΑΚΑΒΑΔΕΖΕ (1889 - 1952) Στο "ημερεϊκό τοπίο" του (1934) δίνει μια μεγάλη στροφή των καυκάσων βουνών, πηγαίνετε μακριά, είναι η κορυφογραμμή πίσω από την κορυφογραμμή, η πλαγιά πίσω από την πλαγιά. Στο έργο του Μ. S. SAARD, οι 30 χώρες σημείωσαν επίσης από το ενδιαφέρον για το εθνικό τοπίο, στην πανοραμική θέα της Αρμενίας.
Η καρποφόρα ανάπτυξη κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου λαμβάνει ένα είδος πορτρέτου στο οποίο οι καλλιτέχνες της παλαιότερης γενιάς Π. Π. Konchalovsky, Ι. Ε. Grabar, Μ. V. Nesterov και κάποιοι άλλοι ανιχνεύουν.
Π. P. Konchalovsky, γνωστός για τα έργα του στα πιο διαφορετικά είδη ζωγραφικής, στη δεκαετία του '30 - 40s δημιουργεί μια ολόκληρη σειρά πορτρέτων φοιτητών της Σοβιετικής Επιστήμης και της Τέχνης. Μεταξύ των καλύτερων πορτρέτων του V. V. Sofronitsky για Royal (1932), S. S. Prokofiev (1934), V. Ε. Meyerhold (1937). Σε αυτά τα έργα, ο Konchalovsky συμβάλλει στην εξαιρετική ικανότητά της να εκφράζει τη ζωή μέσω ενός συστήματος πλαστικών λουλουδιών. Συνδέει τις καλύτερες παραδόσεις της παλιάς τέχνης με μια καινοτόμο ευκρίνεια της έγχρωμης όρασης, της επιβεβαίωσης της ζωής, της μεγάλης συναισθηματικής και ισχυρής εικόνας που ακούγεται.
Η γνήσια κορυφή της ανάπτυξης της ζωγραφικής πορτρέτου αυτής της περιόδου ήταν τα έργα του Μ. V. Nesterov. Καθ 'όλη τη δουλειά του, τα οποία ενώνουν τους αιώνες XIX και XX., Ο Nesterov διατηρεί το μέσον της ζωής με τη ζωή. Στη δεκαετία του '30, επιβίωσαν ένα λαμπρό ανελκυστήρα, ανοίγοντας το ταλέντο του πορτρέτου του. Ένα εικονιστικό νόημα στο Nesterov Πορτρέτα - Έγκριση του δημιουργικού πνεύματος του χρόνου μέσω της ταυτότητας του δημιουργικού PATOS μιας μεγάλης ποικιλίας ανθρώπων που αντιπροσωπεύουν αυτή τη φορά. Ο κύκλος των ηρώων Nesterov είναι εκπρόσωποι της σοβιετικής διανοητικής παραγωγής, των ανθρώπων δημιουργικών επαγγελμάτων. Έτσι, μεταξύ των σημαντικότερων έργων του Nesterov, πορτρέτα καλλιτεχνών - αδελφοί Cory (1930), Γλύπτης Ι. Δ. Σκιά (1934), Ακαδημαϊκός Ι. Παβλοβάβα (1935), Χειρουργός Σ. Σ. Yudina (1935), Γλύπτης Β. Ι. Mukhina (1940) . Ο Nesterov λειτουργεί ως οπαδός των παραγράφων πορτρέτου V. Α. Serov. Υπογραμμίζει τα χαρακτηριστικά, τονίζει τις χειρονομίες, χαρακτηριστικές θέσεις των ηρώων τους. Ο ακαδημαϊκός Pavlov σφιγεί σταθερά γροθιές που τοποθετούνται στο τραπέζι και αυτή η στάση αποκαλύπτει τη δύναμη του Πνεύματος, σε αντίθεση με μια σαφή γήρατα. Ο χειρουργός Yudin απεικονίζεται επίσης σε ένα προφίλ που κάθεται στο τραπέζι. Αλλά η εκφραστικότητα αυτής της εικόνας είναι χτισμένη σε ένα χαρακτηριστικό, η "πετώντας" χειρονομία των όπλων που ανέκυψαν. Εξαγάγετε τα δάχτυλα του Yudin - οι τυπικοί χειρουργοί, το Deft και ισχυρό, έτοιμο να εκπληρώσει τη θέλησή του. Η Mukhina απεικονίζεται κατά τη στιγμή της δημιουργικότητας. Γλυπτεί τη γλυπτική - εστιασμένη, χωρίς να δώσει προσοχή στον καλλιτέχνη, να υπακούει εντελώς την ώθηση του.
Παρατίθεται συνοπτικά σε αυτά τα αξεσουάρ πορτρέτων. Είναι γεμάτα και ενεργά περιλαμβάνονται στα χαρακτηριστικά των ανθρώπων που απεικονίζονται από το χρώμα τους, φωτισμό, σιλουέτα. Η γεύση των πορτρέτων είναι δραματικά ενεργή, κορεσμένη με ήχο, λεπτώς coararled επιπλέον τόνους. Έτσι, σύνθετο χρώμα στο πορτρέτο του Pavlova, χτισμένο σε ένα συνδυασμό των καλύτερων αποχρώσεων των κρύων και ζεστών τόνων, χαρακτηρίζει την πνευματική σαφήνεια και την ακεραιότητα του εσωτερικού κόσμου του επιστήμονα. Και στο πορτρέτο των καφέ αδελφών, είναι παχιά σε βαθύ μπλε, μαύρο, κορεσμένο καφέ, εκφράζοντας τη δραματικότητα της δημιουργικής τους κατάστασης. Τα πορτραίτα Nesterov εισήγαγαν την τέχνη της ουσιαστικά νέας, η επιβεβαίωση της ζωής ξεκίνησε, δημιουργική καύση ως τις πιο χαρακτηριστικές και φωτεινές εκδηλώσεις των ανθρώπων στην εποχή του υψηλού ενθουσιασμού της απασχόλησης.
Το πλησιέστερο στον καλλιτέχνη Nesterov Pavel Dmitievich Korin (1892 - 1967). Έφερε στους ζωγράφους παλπιά, άρχισε τον δημιουργικό του τρόπο με τις γραφές των εικόνων και το 1911, στο Συμβούλιο, ο Nesterov εισήλθε στη Σχολή Ζωγραφικής, Scary και αρχιτεκτονικής της Μόσχας. Ο Σουστγκο απαιτητικός στους εαυτούς τους και στους ανθρώπους, η Corin έφερε αυτή την ποιότητα μέσω της δημιουργικότητάς του. Σε δημιουργική ανάπτυξη, και γενικά, ο Α. Μ. Γκυνί έπαιξε σημαντικό ρόλο στη ζωή του καλλιτέχνη, με τον οποίο συναντήθηκε το 1931. Ο Γκόρκι βοήθησε τον Κορίνα να ταξιδέψει στο εξωτερικό για να μελετήσει τα καλύτερα μνημεία της παγκόσμιας τέχνης.
Μπορεί να είναι γι 'αυτό η γκαλερί πορτρέτου των επιστημόνων, των καλλιτεχνών, των συγγραφέων της εποχής μας, που η Corin δημιουργεί τα χρόνια, άρχισε ο τρόπος Α. Μ. Γκυνί (1932). Ουσιαστικά, σε αυτό το έργο αποκαλύπτονται τα κύρια χαρακτηριστικά του Corin-Portrainist. Το πορτραίτο του Gorky είναι ένα πραγματικά μνημειώδες προϊόν, όπου μια σαφή ανιχνευμένη σιλουέτα, ένα φόντο αντίθεσης, ένα ευρύ γεμισμένο με το χρώμα των μεγάλων περιοχών καμβά, μια απότομη εκφραστική εικόνα εκφράζει την ιστορική γενίκευση της προσωπικότητας του συγγραφέα. Για αυτό, όπως και για άλλα πορτρέτα της Corin, χαρακτηρίζεται από ένα σκληρό γάμμα με αφθονία σκούρου γκρι, σκούρο μπλε, λιπαρό, μερικές φορές σε μαύρο, τόνους. Αυτό το γάμμα, καθώς και ένα σαφώς κολλημένο σχήμα του κεφαλιού και των αριθμών που απεικονίζονται, εκφράζει τις συναισθηματικές ιδιότητες του ίδιου του καλλιτέχνη (6).
Στη δεκαετία του '30, Corin δημιουργεί πορτρέτα των ηθοποιών L. M. Leonidov και V. I. Kachalova, καλλιτέχνης Μ. V. Nesterova, Writer A. N. Tolstoy, επιστήμονας Ν. F. Gamaley. Προφανώς, γι 'αυτόν, καθώς και για τον πνευματικό του δάσκαλο, ο Μ. V. Nesterov, το ενδιαφέρον για το δημιουργικό πρόσωπο απέχει πολύ από την κατάσταση έκτακτης ανάγκης.
Οι επιτυχίες της ζωγραφικής των 30 δεν σημαίνουν ότι η πορεία της ανάπτυξής της ήταν απλή και στερημένη αντιφάσεις. Σε πολλά έργα εκείνης των χρόνων, εμφανίστηκαν και σταθεροποιήθηκαν τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα που παράγονται από τη λατρεία του Ι. V. Stalin. Πρόκειται για ένα ψεύτικο παθό μιας ψευδο-ετεροϊδικής, ψευδο-μονομεταλικής, ψευδοδυπρωτικής στάσης απέναντι στη ζωή, καθορίζοντας την ουσία και το νόημα της τέχνης "παρέλασης". Υπήρξε ένας ανταγωνισμός μεταξύ των καλλιτεχνών στον αγώνα για αδιαμφισβήτητες "Σερπέρια", που συνδέονται με την εικόνα του Ι. Β. Στάλιν, την επιτυχία της εκβιομηχάνισης, την επιτυχία της αγροτιάς και της συλλογικότητας. Υπήρχαν ένας αριθμός καλλιτεχνών, "ειδικεύοντας" σε αυτό το θέμα. Το πιο επιθετικό σε αυτό το θέμα ήταν ο Αλέξανδρος Γερασιμοφύς ("Στάλιν και Κ. Voroshilov στο Κρεμλίνο" και τα άλλα έργα του).

Βιβλιογραφία

1. VereshchaGin Α. Καλλιτέχνης. Χρόνος. Ιστορία. Δοκίμια της ιστορίας της ρωσικής ιστορικής ζωγραφικής XVIII - αρχή. XX αιώνες. - L.: ART, 1973.
2. Ζωγραφική 20 - 30s / ed. V.SManina. - SPB.: Καλλιτέχνης RSFSR, 1991.
3. Zezina Μ. R., Koshman L. V., Shulgin V. S. Ιστορία της ρωσικής κουλτούρας. - m.: Υψηλότερη. Σχολείο, 1990.
4. Lebedev P.I. Σοβιετική τέχνη κατά τη διάρκεια της εξωτερικής παρέμβασης και του εμφυλίου πολέμου. - Μ., 1987.
5. Likhachev Δ. Σ. Ρωσική τέχνη από την αρχαιότητα στο Avant-Garde. - M.: ART, 1992.
6. Ilina T. V. Ιστορία των Τεχνών. Πατριωτική τέχνη. - m.: Υψηλότερη. Σχολείο, 1994.
7. Ιστορία της τέχνης των λαών της ΕΣΣΔ. Σε 9 τόνους. - Μ., 1971 - 1984.
8. Ιστορία της ρωσικής και της σοβιετικής τέχνης / ed. Μ.Μ. Αλεννοβάβα. - M.: Ανώτερο Σχολείο, 1987.
9. Polycarpov V.M. Πολιτισμολογία. - M.: Gardaria, 1997.
10. Rosin V.M. Εισαγωγή στη ανθοφορία. - Μ.: Φόρουμ, 1997.
11. Stepananan Ν. Τέχνη της Ρωσίας του XX αιώνα. Προβολή από τη δεκαετία του '90. - Μόσχα: Eksmo-Press, 1999.
12. Suzdalev P.K. Η ιστορία της σοβιετικής ζωγραφικής. - Μ., 1973.

© Τοποθέτηση υλικού σε άλλους ηλεκτρονικούς πόρους που συνοδεύεται μόνο από ενεργό σύνδεσμο

Εργασία δοκιμών στο Magnitogorsk, ελέγξτε την εργασία, τα μαθήματα στα δεξιά, για να αγοράσετε μαθήματα δεξιά, όρος εργασίας στο Ranjigs, ανταλλαγή εργασιών στα δεξιά στο Ranjigs, δίπλωμα εργασίας στα δεξιά στο Magnitogorsk, διπλώματα δεξιά στο MIEP, διπλώματα και μαθήματα στο VSU, , Δοκιμαστικές εργασίες στη SGA, οι διατριβές Magistraskoy στα δεξιά στο Chelu.