Οι Αμερικανοί καλλιτέχνες είναι πολύ διαφορετικοί. Κάποιος ήταν ένα προφανές κοσμοπολίτικο όπως το Sarjent. Με την προέλευση, την αμερικανική, αλλά σχεδόν όλη η συνειδητή ζωή ζούσε στο Λονδίνο και στο Παρίσι.

Υπάρχουν μεταξύ αυτών και αυθεντικοί Αμερικανοί που απεικόνισαν τη ζωή μόνο των συμπατριώτων τους ως Rockwell.

Και υπάρχουν επίσης καλλιτέχνες από τον κόσμο αυτού, όπως ένα παζάρι. Ή εκείνοι των οποίων η τέχνη έχει γίνει προϊόν της κοινωνίας των καταναλωτών. Αυτό, φυσικά, για το Warhole.

Παρ 'όλα αυτά, όλοι είναι Αμερικανοί. Ελευθερία-αγάπη, τολμηρή, φωτεινή. Διαβάστε περίπου επτά από αυτά παρακάτω.

1. James Whistler (1834-1903)

James Whistler. Αυτοπροσωπογραφία. 1872 Ινστιτούτο Τεχνών στο Ντιτρόιτ, ΗΠΑ.

Ο Whistler είναι δύσκολο να καλέσει έναν πραγματικό αμερικανικό. Χυτεύεται, έζησε στην Ευρώπη. Και πέρασε παιδική ηλικία ... στη Ρωσία. Ο πατέρας του έχτισε έναν σιδηρόδρομο στην Αγία Πετρούπολη.

Ήταν εκεί που το αγόρι James και αγάπησε την τέχνη, που επισκέπτονται το Ερμιτάζ και το Peterhof χάρη στις σχέσεις του Πατέρα (τότε έκλεισαν στα δημόσια παλάτια).

Ποιο είναι το διάσημο Whistler; Σε οποιοδήποτε στυλ, έγραψε από τον ρεαλισμό στον Τοναλισμό *, μπορεί σχεδόν αμέσως να μάθει σε δύο σημάδια. Ασυνήθιστα χρώματα και μουσικά ονόματα.

Μέρος των πορτρέτων του είναι η απομίμηση των παλαιών δασκάλων. Όπως, για παράδειγμα, το διάσημο πορτρέτο του "Μητέρα του καλλιτέχνη".

James Whistler. Μητρική καλλιτέχνης. Σύνθεση σε γκρι και μαύρο. 1871

Ο καλλιτέχνης δημιούργησε μια εκπληκτική εργασία χρησιμοποιώντας χρώματα από ανοιχτό γκρι έως σκούρο γκρι. Και λίγο κίτρινο.

Αλλά αυτό δεν σημαίνει ότι ο Whistler αγάπησε τέτοια χρώματα. Ήταν ένας εξαιρετικός άνθρωπος. Θα μπορούσε εύκολα να εμφανιστεί στην κοινωνία σε κίτρινες κάλτσες και με μια φωτεινή ομπρέλα. Και τότε, όταν οι άνδρες ντυμένοι αποκλειστικά σε μαύρο και γκρι.

Έχει πολύ πιο φωτεινή δουλειά από τη "μητέρα". Για παράδειγμα, "Συμφωνική σε λευκό". Έτσι, η εικόνα που ονομάζεται ένας από τους δημοσιογράφους στην έκθεση. Ο Whistler άρεσε αυτή την ιδέα. Από τότε, σχεδόν όλο το έργο του κάλεσε μουσική.

James Whistler. Συμφωνική σε λευκό # 1. Εθνική Πινακοθήκη 1862 της Ουάσιγκτον, ΗΠΑ

Αλλά στη συνέχεια, το 1862, η "Συμφωνική" δεν του άρεσε το κοινό. Και πάλι λόγω των ιδιοριακών χρωμάτων του Whistler. Οι άνθρωποι φαινόταν περίεργοι να γράψουν μια γυναίκα σε λευκό σε λευκό φόντο.

Στην εικόνα βλέπουμε την κοκκινομάλλη ερωμένη του Whistler. Ολοκληρώστε το πνεύμα των προ-Faelites. Μετά από όλα, τότε ο καλλιτέχνης ήταν φίλοι με έναν από τους κύριους εισαγγελέους του προ-στρέμματος, Gabriel Rossetti. Ομορφιά, κρίνα, ασυνήθιστα στοιχεία (δέρμα λύκος). Όλοι όπως πρέπει να είναι.

Αλλά ο Whistler γρήγορα απομακρύνθηκε από τον προ-στέλνιο. Δεδομένου ότι δεν ήταν μια εξωτερική ομορφιά, αλλά η διάθεση και το συναίσθημα. Και δημιούργησε μια νέα κατεύθυνση - τον Τοναλισμό.

Τα τοπία του - Nocturons στο στυλ του Tonalism και πραγματικά σαν μουσική. Μονόχρωμη, Drig.

Ο ίδιος ο Wistler είπε ότι τα μουσικά ονόματα βοηθούν να επικεντρωθούν στη ζωγραφική, τις γραμμές και το χρώμα. Την ίδια στιγμή χωρίς να σκεφτόμαστε τον τόπο και τους ανθρώπους που απεικονίζονται.

James Whistler. Nocturne σε μπλε και ασήμι: Τσέλσι. 1871 Γκαλερί Tate, Λονδίνο
Mary Cassat. Κοιμάται μωρό. Παστέλ, χαρτί. 1910 Μουσείο Τεχνών στο Ντάλας, ΗΠΑ

Αλλά παρέμεινε πιστός στο στυλ της μέχρι το τέλος. Ιμπρεσιονισμός. Μαλακό παστέλ. Μητέρα με παιδιά.

Για χάρη της ζωγραφικής Cassat αρνήθηκε η μητρότητα. Αλλά η θηλυκή της άρχισε όλο και περισσότερο εκδηλωμένη σε τέτοιες διαγωνισμούς ως "ύπνο παιδί". Είναι κρίμα ότι η συντηρητική κοινωνία το έβαλε μία φορά πριν από μια τέτοια επιλογή.

3. John Sarjent (1856-1925)

John Sargen. Αυτοπροσωπογραφία. 1892 Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη

Ο John Saren ήταν σίγουρος ότι όλη η ζωή του θα ήταν ένα πορτρέτο. Η καριέρα ήταν επιτυχής. Οι αριστοκράτες παρατάσσονται για να το κάνουν μια παραγγελία.

Αλλά μια μέρα ο καλλιτέχνης, σύμφωνα με την εταιρεία, βγήκε πάνω από τη γραμμή. Είναι πλέον δύσκολο για εμάς να καταλάβουμε τι είναι τόσο απαράδεκτο στην ζωγραφική Madame X.

Είναι αλήθεια, στην αρχική έκδοση της ηρωίδας, ένας από τους Britlets παραλείφθηκε. Που σηκώθηκε "ανυψωμένο", αλλά αυτό δεν βοήθησε. Οι παραγγελίες πήγαν σε όχι.

John Sargen. Madame H. 1878 Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη

Τι άσεμνο είδε το κοινό; Και το γεγονός ότι το Saren απεικονίζει ένα μοντέλο σε μια πολύ αυτοπεποίθηση θέτουν. Ναι, περισσότερο ημιδιαφανές δέρμα και ροζ αυτί εξαιρετικά εύγλωτων.

Η εικόνα φαίνεται να λέει ότι αυτή η γυναίκα με αυξημένη σεξουαλικότητα δεν είναι αντίθετη για να φροντίσει άλλους άνδρες. Επιπλέον, παντρεύονται.

Δυστυχώς, οι σύγχρονοι δεν είδαν το αριστούργημα για αυτό το σκάνδαλο. Σκούρο φόρεμα, ελαφρύ δέρμα, δυναμική πόζα - Ένας απλός συνδυασμός που δίνεται μόνο στους πιο ταλαντούχους δασκάλους.

Αλλά δεν υπάρχει δυνατά χωρίς καλό. Η Sarjent έλαβε ελευθερία σε αντάλλαγμα. Άρχισα να πειραματίζομαι περισσότερο με τον ιμπρεσιονισμό. Γράψτε τα παιδιά σε άμεσες καταστάσεις. Έτσι, εμφανίστηκε το έργο του "γαρύφαλλου, του κρίνος, της κρίνας, της Rosa".

Ο Sarjent ήθελε να πιάσει μια ορισμένη στιγμή λυκόφως. Επομένως, μόνο 2 λεπτά την ημέρα λειτουργούσαν όταν ο φωτισμός ήταν κατάλληλος. Εργάστηκε το καλοκαίρι και το φθινόπωρο. Και όταν τα λουλούδια έφεραν, τα αντικατέστησαν με τεχνητό.

John Sargen. Γαρύφαλλο, κρίνο, κρίνο, Rosa. 1885-1886 Tate Gallery, Λονδίνο

Τις τελευταίες δεκαετίες, η Sarjent έχει εισέλθει στη γεύση της ελευθερίας, η οποία άρχισε να εγκαταλείπει πορτρέτα. Αν και η φήμη του έχει ήδη αποκατασταθεί. Ακόμα να ενοχλεί έναν τραχύ πελάτη, λέγοντας ότι θα γράψει το wicket της με μεγάλη ευχαρίστηση από το πρόσωπό της.

John Sargen. Λευκά πλοία. 1908 Μουσείο Μπρούκλιν, Ηνωμένες Πολιτείες

Οι σύγχρονοι ανήκαν στο Sardezent με ειρωνεία. Θεωρώντας το ξεπερασμένο στον μοντερνισμό. Αλλά ο χρόνος πέρασε τα πάντα στη θέση του.

Τώρα το έργο του δεν είναι μικρότερο από το έργο των πιο διάσημων νεωτεριστών. Λοιπόν, για την αγάπη του κοινού και δεν υπάρχει τίποτα να πω. Στις εκθέσεις με τα έργα του είναι πάντα άγχος.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Norman Rockwell. Αυτοπροσωπογραφία. Εικονογράφηση για την απελευθέρωση του περιοδικού "Το βράδυ του Σαββάτου" στις 13 Φεβρουαρίου 1960

Είναι δύσκολο να υποβάλετε έναν πιο δημοφιλούς καλλιτέχνη στη ζωή από το Norman Rockwell. Πολλές γενιές Αμερικανών αυξήθηκαν στις εικόνες του. Αγαπώντας τους με όλες τις ψυχές.

Μετά από όλα, ο Rockwell απεικονίζει τους απλούς Αμερικανούς. Αλλά ταυτόχρονα δείχνοντας τη ζωή τους από την πιο θετική πλευρά. Ο Rockwell δεν ήθελε να δείξει είτε κακούς πατέρες ούτε αδιάφοροι μητέρες. Και δεν θα συναντήσετε δυστυχισμένα παιδιά.

Norman Rockwell. Με όλη την οικογένεια σε διακοπές και ξεκούραση. Εικονογράφηση στο ημερολόγιο του βράδυ το Σάββατο ταχυδρομείο στις 30 Αυγούστου 1947. Μουσείο Norman Rockwell στο Stockber, Μασαχουσέτη, ΗΠΑ

Τα έργα του είναι γεμάτα χιούμορ, ζουμερά χρώματα και πολύ επιδέξια καταγράφονται από τη ζωή των εκφράσεων των ατόμων.

Αλλά αυτή είναι η ψευδαίσθηση ότι ο Rockwell είναι εύκολος στην εργασία. Για να δημιουργήσετε μια εικόνα, θα μπορούσε να κάνει πρώτα μέχρι εκατοντάδες φωτογραφίες με τα μοντέλα του για να πιάσει πιστές χειρονομίες.

Τα έργα του Rockwell είχαν τεράστιο αντίκτυπο στο μυαλό εκατομμυρίων Αμερικανών. Μετά από όλα, συχνά μίλησε με τη βοήθεια των έργων του.

Κατά τη διάρκεια του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου, αποφάσισε να δείξει ότι οι στρατιώτες της χώρας του αγωνίζονται. Δημιουργώντας την εικόνα "Ελευθερία από την ανάγκη". Ως ημέρα των Ευχαριστιών, στην οποία όλα τα μέλη της οικογένειας, γεμάτα και ικανοποιημένα, χαίρονται οικογενειακές διακοπές.

Norman Rockwell. Ελευθερία από τις ανάγκες. 1943 Μουσείο Norman Rockwell στο Stockbrier, Μασαχουσέτη, ΗΠΑ

Μετά από 50 χρόνια εργασίας το Σάββατο το βράδυ, η Post Rockwell πήγε σε ένα πιο δημοκρατικό περιοδικό "Looking", όπου ήταν σε θέση να εκφράσει τη θέση του σε κοινωνικά προβλήματα.

Το λαμπρότερο έργο αυτών των ετών είναι "το πρόβλημα με το οποίο ζούμε".

Norman Rockwell. Το πρόβλημα με το οποίο ζούμε. 1964 Μουσείο Norman Rockwell, Stockbridge, ΗΠΑ

Αυτή είναι η πραγματική ιστορία ενός μαύρου κοριτσιού που πήγε στο σχολείο για λευκό. Δεδομένου ότι ο νόμος υιοθετείται ότι οι άνθρωποι (και ως εκ τούτου οι εκπαιδευτικοί ιδρύματα) δεν πρέπει πλέον να χωρίζονται σε φυλετική βάση.

Αλλά ο θυμός των μέσων μέσων δεν ήταν το όριο. Στο δρόμο για το σχολείο, το κορίτσι φώναξε την αστυνομία. Εδώ είναι μια τέτοια "ρουτίνα" και έδειξε rockwell.

Αν θέλετε να μάθετε τη ζωή των Αμερικανών λίγο στο διακοσμημένο φως (αυτό που ήθελαν να την δουν), να είστε βέβαιος να δείτε τις εικόνες του Rockwell.

Ίσως οι ζωγράφοι που παρουσιάζονται σε αυτό το άρθρο, Rockwell - ο πιο Αμερικανός καλλιτέχνης.

5. Andrew White (1917-2009)

Andrew White. Αυτοπροσωπογραφία. 1945 Εθνική Ακαδημία Σχεδιασμού, Νέα Υόρκη

Σε αντίθεση με τον Rockwell, το Wyat δεν ήταν τόσο θετικό. Ανασύγχυση στον χαρακτήρα, δεν έζησε τίποτα σε είδος. Αντίθετα, απεικόνθηκα τα πιο συνηθισμένα τοπία και χωρίς αξιοσημείωτα πράγματα. Απλά ένα πεδίο σιταριού, απλά ένα ξύλινο σπίτι. Αλλά δεν ήταν καν τραυματίστηκε με κάτι μαγικό σε αυτά.

Το πιο διάσημο έργο του είναι το "Mir της Χριστίνας". Η Whita έδειξε τη μοίρα μιας γυναίκας, του γείτονά του. Που παραλύεται από την παιδική ηλικία, μετακόμισε γύρω από το περιβάλλον γύρω από το αγρόκτημα τους.

Έτσι δεν υπάρχει τίποτα ρομαντικό σε αυτή την εικόνα, όπως μπορεί να φαίνεται πρώτα. Αν κοιτάξετε προσεκτικά, η γυναίκα έχει μια οδυνηρή λεπτότητα. Και γνωρίζοντας ότι η ηρωίδα παραλύεται από τα πόδια τους, καταλαβαίνετε με τη θλίψη, όσο είναι ακόμα μακριά από το σπίτι.

Με την πρώτη ματιά, ο Wyat έγραψε το πιο συνηθισμένο. Εδώ είναι το παλιό παράθυρο του παλιού σπιτιού. Παλιά κουρτίνα, η οποία έχει ήδη αρχίσει να μετατρέπεται σε κομμάτια. Έξω από το παράθυρο σκουραίνει το δάσος.

Αλλά υπάρχει κάποια μυστηριώδες σε όλα αυτά. Κάποια διαφορετική εμφάνιση.

Andrew White. Άνεμος από τη θάλασσα. 1947 Εθνική Πινακοθήκη της Ουάσινγκτον, ΗΠΑ

Έτσι τα παιδιά ξέρουν πώς να κοιτάξουν τον κόσμο με ένα άγνωστο βλέμμα. Έτσι φαίνεται και ενώ. Και είμαστε μαζί του.

Όλες οι υποθέσεις του White ασχολούνταν με τη σύζυγό του. Ήταν ένας καλός διοργανωτής. Ήταν σε επαφή με τα μουσεία και τους συλλέκτες.

Ρομαντισμός στη σχέση τους ήταν ελάχιστα. Η Muse ήταν υποχρεωμένη να εμφανιστεί. Και έγινε απλή, αλλά με μια εξαιρετική εμφάνιση Helga. Εμείς που συναντάμε πολλά έργα.

Andrew White. Σούβλα (από τη σειρά "helga"). 1979 ιδιωτική συλλογή

Φαίνεται, βλέπουμε μόνο μια φωτογραφική εικόνα μιας γυναίκας. Αλλά για κάποιο λόγο είναι δύσκολο να αποκατασταθεί από αυτό. Είναι πολύ περίπλοκο με τα μάτια της, τους τεταμένους ώμους. Εμείς, μαζί με την εσωτερική του τράβηξη. Θα βρω μια εξήγηση αυτής της έντασης.

Εικόνες της πραγματικότητας σε όλες τις λεπτομέρειες, τα κοπέλλα μαγικά το περιφέρονται με συναισθήματα που δεν μπορούσαν να αφήσουν αδιάφορο.

Ο καλλιτέχνης δεν αναγνώρισε για μεγάλο χρονικό διάστημα. Με τον ρεαλισμό του, αν και μαγευτικό, δεν ταιριάζει στις νεωτεριστικές τάσεις του 20ού αιώνα.

Όταν οι εργάτες του μουσείου αγόρασαν το έργο του, προσπάθησαν να το κάνουν ήσυχα, να μην προσελκύουν προσοχή. Οι εκθέσεις οργανώθηκαν σπάνια. Αλλά πάντα είχαν μια εκκωφαντική επιτυχία στο φθόνο των νεωτεριστικών. Οι άνθρωποι ήρθαν πλήθος. Και εξακολουθούν να έρχονται.

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock. 1950 φωτογραφίες του Hans Namutu

Ο Jackson Pollock δεν μπορεί να παρακαμπτήσει. Μετακόμισε μια ορισμένη γραμμή στην τέχνη, μετά την οποία η ζωγραφική δεν μπορούσε να είναι η ίδια. Έδειξε ότι στην τέχνη σε όλα όσα μπορείτε να κάνετε χωρίς σύνορα. Όταν βάζετε τον καμβά στο πάτωμα και περάστε το χρώμα του.

Αλλά αυτός ο Αμερικανός καλλιτέχνης άρχισε με αφαίρεσης, στην οποία εντοπίζεται το εικαστικό. Στο έργο της 40s, το "στενογραφικό σχήμα" βλέπουμε τα περιγράμματα και το πρόσωπο και τα χέρια. Και ακόμη και κατανοητά σύμβολα με τη μορφή σταυρών και των Ζηλανδικών.

Jackson Pollock. Στενογραφική φιγούρα. 1942 Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη (MOMA)

Τα έργα του επαίνεσαν, αλλά δεν βγήκαν για να αγοράσουν. Ήταν φτωχός σαν ποντίκι εκκλησίας. Και άφησε άφθονα. Παρά τον ευτυχισμένο γάμο. Η σύζυγός του έσκυψε πάνω από το ταλέντο του και έκανε τα πάντα για την επιτυχία του συζύγου της.

Αλλά η Pollock ήταν αρχικά ένα προσωπικό σπασμένο. Από τη νεολαία του στις πράξεις του, ήταν σαφές ότι ο πρώιμος θάνατος ήταν η παρτίδα του.

Αυτή η λατρεία είναι ως αποτέλεσμα και θα το οδηγήσει σε θάνατο σε 44 χρόνια. Αλλά θα έχει χρόνο να κάνει μια επανάσταση στην τέχνη και να γίνει διάσημη.

Jackson Pollock. Φθινόπωρο ρυθμό (αριθμός 30). 1950 Μητροπολιτικό Μουσείο στη Νέα Υόρκη, ΗΠΑ

Και αποδείχθηκε από αυτόν κατά τη διάρκεια της διάρκειας της ισότητας των δύο ετών. Ήταν σε θέση να εργαστεί καλά το 1950-1952. Έχει πειραματιστεί πειραματικά μέχρι που ήρθε στην τεχνολογία στάγδην.

Τραγουδώντας έναν τεράστιο καμβά στο πάτωμα του αχυρώνα του, περπάτησε γύρω του, ήταν σαν στην ίδια την εικόνα. Και ψεκάζονται ή απλά ψέματα.

Αυτές οι ασυνήθιστες εικόνες έχουν αρχίσει να είναι πρόθυμοι να αγοράσουν για απίστευτη πρωτοτυπία και καινοτομία.

Jackson Pollock. Μπλε πόλους. 1952 Εθνική Πινακοθήκη της Αυστραλίας, Καμπέρα

Το Polock ήταν έκπληκτος από τη δόξα και έπεσε σε κατάθλιψη, χωρίς να καταλάβει πού προχωρήσει. Το θανατηφόρο μείγμα αλκοόλ και κατάθλιψη δεν τον άφησε πιθανότητα επιβίωσης. Μόλις κάθισε πίσω από τον τροχό έντονα μεθυσμένος. Τελευταία φορά.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Andy Warhole. 1979 Photo Arthur Tsesse

Μόνο σε μια χώρα με μια τέτοια λατρεία κατανάλωσης, όπως στην Αμερική, θα μπορούσε να γεννηθεί η ποπ τέχνη. Και ο κύριος εισαγγελέας του, φυσικά, ο Andy Warhol.

Έγινε διάσημος για το γεγονός ότι πήρε τα πιο συνηθισμένα πράγματα και τους γύρισε σε ένα έργο τέχνης. Συνέβη στην τράπεζα της σούπας Campbell.

Η επιλογή δεν ήταν τυχαία. Η μητέρα του Warhol σκότωσε τον γιο της κάθε μέρα μια τέτοια σούπα για περισσότερα από 20 χρόνια. Ακόμη και όταν μετακόμισε στη Νέα Υόρκη και πήρε τη μητέρα του μαζί του.

Andy Warhole. Τράπεζες Σούπα "Campbell". Πολυμερές, χειροκίνητη εκτύπωση. 32 εικόνες 50x40 το καθένα. 1962 Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη (MOMA)

Μετά από αυτό το πείραμα, το Warhol Fucked με την εκτύπωση οθόνης. Από τότε, πήρε εικόνες από ποπ αστέρια και τα ζωγράφισε σε διαφορετικά χρώματα.

Έτσι φάνηκε διάσημη υποβαθμισμένη Marilyn Monroe.

Αυτά τα θαλάσσια οξέα χρώματα οξέος απελευθερώθηκαν εύλογο ποσό. Η τέχνη του Warhol έβαλε τη ροή. Όπως στηρίζεται στην κοινωνία της κατανάλωσης.

Andy Warhole. Μέριλιν Μονροε. Μεταξογραφία, χαρτί. 1967 Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη (MOMA)

Τα ζωγραφισμένα πρόσωπα εφευρέθηκαν από warhol όχι από το μηδέν. Και πάλι δεν ήταν χωρίς την επιρροή της μητέρας. Στην παιδική ηλικία, κατά τη διάρκεια ενός γιο του παρατεταμένου γιού, τον έσπασε με πακέτα χρωματισμού.

Αυτό το μωρό χόμπι έχει μεγαλώσει σε αυτό που έχει γίνει η επαγγελματική του κάρτα και το έκανε υπέροχα πλούσιο.

Ζωγραφίστηκε όχι μόνο αστέρια ποπ, αλλά και τα αριστουργήματα προκάτοχους. Πήρε και.

"Venus", όπως η Marilyn έγινε αρκετά λίγοι. Η αποκλειστικότητα του έργου της τέχνης της "Starmet" Warhol σε σκόνη. Γιατί το έκανε ο καλλιτέχνης;

Να διαδραματίσει τα παλιά αριστουργήματα; Ή, αντίθετα, προσπαθήστε να τους υποτιμήσετε; Ευρετήριο ποπ αστέρια; Ή να αισθανθείτε το θάνατο της ειρωνείας;

Andy Warhole. Venus Botticelli. Μεταξογραφία, ακρυλικό, καμβά. 122x183 Βλέπε Μουσείο του 1982 του Ε. Warhol στο Πίτσμπουργκ, ΗΠΑ

Τα ζωγραφισμένα έργα της Madonna, Elvis Presley ή του Λένιν μερικές φορές πιο αναγνωρίσιμες από τις αρχικές φωτογραφίες.

Αλλά τα αριστουργήματα δεν κατάφεραν να επισκιάσουν. Όλα τα ίδια, η παρθένα "Venus" παραμένει ανεκτίμητη.

Ο Warhol ήταν ένα άπληστο κόμμα, προσελκύοντας πολλά περιθωριακά στον εαυτό του. Οι τοξικομανείς, οι αποτυχημένοι ηθοποιοί ή απλά μη ισορροπημένοι προσωπικοί. Ένα από τα οποία τον πυροβόλησε κάποτε.

Ο Warhol επιβίωσε. Αλλά μετά από 20 χρόνια, λόγω των συνεπειών του τραυματισμού, πέθανε μόνος του στο διαμέρισμά του.

Αμερικανικός λέβητας

Παρά τη σύντομη ιστορία της αμερικανικής τέχνης, η σειρά αποδείχθηκε ένα ευρύ. Μεταξύ Αμερικανών καλλιτεχνών υπάρχουν ιμπρεσιονιστές (SARJent) και μαγικοί ρεαλιστές (λευκό) και αφηρημένοι εξπρεσιονιστές (Pollock) και Naval Pop Art (Warhol).

Λοιπόν, οι Αμερικανοί αγαπούν την ελευθερία επιλογής σε όλα. Εκατοντάδες ονομασίες. Εκατοντάδες έθνη. Εκατοντάδες κατευθύνσεις τέχνης. Ότι αυτός και ο τήγματος λέβητας των Ηνωμένων Πολιτειών της Αμερικής.

Σε επαφή με

Αμερικανική ζωγραφική. Διαχειρισμός στη στροφή του 19ου και 20ου αιώνα.

Με τη στροφή του 19ου και του 20ου αιώνα, όταν δύο εμπορικά επιτυχείς και σεβαστές κατευθύνσεις κυριαρχούσαν στη ζωγραφική των Ηνωμένων Πολιτειών - ιμπρεσιονισμού και ακαδημαϊκού ρεαλισμού, αναδύεται και αναπτύσσεται η επιθυμία κάποιων καλλιτεχνών να αντικατοπτρίζουν την πραγματική σύγχρονη ζωή της πόλης Με τις μερικές φορές σκληρές στιγμές του, απεικονίζουν την ασυνήθιστη ζωή των αστικών σε εξωτερικούς χώρους, τα παιδιά των δρόμων, των πόρνων, των αλκοολικών, της ζωής των πολυκατοικιών. Πίστευαν ότι η ζωγραφική θα μπορούσε να είναι παρόμοια με τη δημοσιογραφία, αν και πολλοί από αυτούς τους καλλιτέχνες ήταν απολιτικοί και δεν περιορίστηκαν στην αντανάκλαση των ελκών και της φτώχειας της αστικής ζωής.

"... Μου άρεσε πολύ οι πόλεις, αγαπούσα το μεγάλο, γρήγορο ποτάμι,
Όλες οι γυναίκες, όλοι οι άνδρες που αναγνώρισα, ήταν κοντά μου ...
... και έζησα στον κόσμο, αγαπούσα τον Μπρούκλιν - άφθονα λόφους, ήταν δικό μου,
Και περιπλανήθηκα μέσω του Μανχάταν, και ήμουν κολύμπι στο νησί των αλατισμένων υδάτων ... "
(Walt Whitman. Φύλλα γρασιδιού. Στη μεταφορά του Μπρούκλιν.)

Ο ιδεολόγος αυτού του κινήματος Robert Henry, ο ανεμιστήρας ποίησης του Walt Whitman, ζήτησε να ήταν τόσο πραγματικοί όσο η βρωμιά, όπως ένα orsepard σκατά και χιόνι το χειμώνα στο Broadway. " Για τον εθισμό σε τέτοια οικόπεδα, αυτή η κατεύθυνση έλαβε το ψευδώνυμο "Σχολή του κουτιού απορριμμάτων" ή "Σχολή Urns για σκουπίδια", το οποίο διστάζει πίσω του και χρησιμοποιείται στην ιστορική λογοτεχνία τέχνης. Για πολλούς κριτικούς, αυτό το κίνημα συναντήθηκε στα μπαγιονέτ, μετά την πρώτη έκθεση, ένας από αυτούς κάτω από το ψευδώνυμο "κοσμηματοπωλείο" έγραψε: "χτένικες κτυπά στα μάτια σε αυτή την έκθεση ... θα μπορούσε να είναι όμορφη τέχνη που δείχνει τις πληγές μας;" Μερικές φορές το "Σχολή" Σκουπίδια "

Robert henry (Cozad), (1865-1929), καλλιτέχνης, δάσκαλος, έμπνευση "Σχολή του κουτιού σκουπιδιών και ο διοργανωτής της ομάδας" οκτώ ",

Γεννήθηκε στο Cincinnati στον τομέα των προγραμματιστών και των παικτών. Στο Skirmis για την ιδιοκτησία της γης, ο πατέρας πυροβόλησε τον αντίπαλο και έτρεξε στο Ντένβερ, όπου όλη η οικογένεια κινείται αργότερα, αλλάζοντας τα ονόματα και το επώνυμο. Έχοντας μελετήσει δύο χρόνια στην Ακαδημία Καλών Τεχνών στη Φιλαδέλφεια, ο νεαρός Robert πηγαίνει στο Παρίσι στην Ακαδημία Julien για μάθηση από ακαδημαϊκούς ρεαλιστές.

Μετά το ταξίδι στην Ιταλία, επιστρέφει στη Φιλαδέλφεια και αρχίζει να διδάσκει ένα σχολείο σχεδιασμού για τις γυναίκες, θεωρήθηκε γεννημένος δάσκαλος. Σε τριάντα χρόνια, ο Henry έρχεται στην ιδέα της ανάγκης να αναπτυχθεί μια τέτοια κατεύθυνση στη ζωγραφική, η οποία θα συνδυάζει τον ρεαλισμό και τα στοιχεία του ιμπρεσιονισμού, και την ονομάζεται "νέος ακαδημαϊκός".

Οι φίλοι και οι οπαδοί του δεν θεωρούσαν τον εαυτό τους μια ενιαία οργανωμένη ομάδα, αλλά η έκθεση στη γκαλερί "Macbeth" στη Νέα Υόρκη το 1908 προσέλκυσε προσοχή στους καλλιτέχνες της νέας κατεύθυνσης και τους έφερε φήμη. Το 1910, ο Henry, με τη βοήθεια της Slana, οργανώνει μια έκθεση ανεξάρτητων καλλιτεχνών, στα οποία πωλήθηκαν μόνο λίγες ζωγραφιές, η νέα σύγχρονη τέχνη ήταν ήδη να αλλάξει τους καλλιτέχνες και ο Robert Henry θα μπορούσε να αντικατασταθεί από τους καλλιτέχνες.

Τα επόμενα χρόνια έφεραν τη δημοτικότητα του Henry, πέρασε πολύ χρόνο στην Ιρλανδία και τη Σάντα Φε, που διδάσκεται στο πρωτάθλημα των φοιτητών στη Νέα Υόρκη, είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη του νεωτεριστικού προορισμού στους φοιτητές του -Huzhniki. Το 1929 ονομάστηκε από το Συμβούλιο των Τεχνών της Νέας Υόρκης σε έναν από τους τρεις καλύτερους ζωντανούς καλλιτέχνες. Τα κλασικά στοιχεία του στυλ του στο πορτρέτο - ο τρόπος γραφής, έντονα χρώματα και φωτεινά εφέ, αντανάκλαση της ατομικότητας και ψυχικής ποιότητας ενός ατόμου.

John Frenc Sloan (1871-1951), ένας από τους ιδρυτές της "Σχολής του κουτιού σκουπιδιών", μέλος της ομάδας "οκτώ", καλλιτέχνης και χαράκτης.

Ο πατέρας του είχε καλλιτεχνικές ικανότητες και ενθάρρυνε τα παιδιά του από την πρώιμη παιδική ηλικία στο σχέδιο. Άρχισε νωρίς ότι εργάζεται λόγω της ασθένειας του πατέρα, το έργο του πωλητή στο βιβλιοπωλείο τον άφησε πολύ ελεύθερο χρόνο για να διαβάσει, να σχεδιάσει και να αντιγραφεί τα έργα του Durer και Rembrandt, την οποία θαύμαζε. Άρχισε επίσης να κάνει χάραξη και να τα πουλήσει στο κατάστημα και οι κάρτες και τα ημερολόγιά του απολαμβάνουν επιτυχία. Εργασία αργότερα από έναν εικονογράφο από τον καλλιτέχνη, άρχισε να παίρνει μαθήματα βραδιάς στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Φιλαδέλφειας, συναντάμε τον Robert Henry, ο οποίος ήταν πεπεισμένος γι 'αυτόν να απευθύνει έκκληση στη ζωγραφική.

Η σκληρή ιστορία της οικογενειακής ζωής του (ο αλκοολισμός και η ψυχική αστάθεια της συζύγου του, η πρώην πόρνη, με την οποία συναντήθηκε στο Bardell), εμπόδισε το έργο του και αν και έγραψε σχεδόν 60 πίνακες το 1903, αλλά ακόμα δεν είχαν όνομα Ο κόσμος της τέχνης και πωλείται μικρά έργα του. Έχοντας μετακομίσει στη Νέα Υόρκη, εργάστηκε σε περιοδικά, ζωγραφισμένα πολιτικά κινούμενα σχέδια, εικονογραφημένα βιβλία, συμμετείχαν στην έκθεση στη γκαλερί Macbeth και διοργάνωσαν μια κινητή έκθεση μετά από αυτό, τελικά ήρθε σε αυτόν.

Ολόκληρη η επακόλουθη ζωή του Sloan ήταν πιστός στις σοσιαλιστικές ιδέες, η οποία σίγουρα αντανακλάται στο έργο του, αλλά κατηγορηματικά αντιρρήθηκε στις δηλώσεις των κριτικών για τον συνειδητό κοινωνικό προσανατολισμό της ζωγραφικής του.

Στο τέλος της δεκαετίας του '20, η Sloan άλλαξε όχι μόνο την τεχνική, αλλά και τα οικόπεδα των έργων του υπέρ των γυμνών και των πορτρέτων, που συχνά χρησιμοποιούν το Podmuelku και την εκκόλαψη και δεν έφτασαν ποτέ τη δημοτικότητα που είχε η δημοτική του έργα.

William J. Helakkens (1870-1938), επίσης, ένας από τους ιδρυτές της Σχολής Dustbump, γεννήθηκε στη Φιλαδέλφεια, όπου έζησαν πολλές γενιές της οικογένειάς του. Ο αδελφός και η αδελφή του έγινε επίσης καλλιτέχνες. Ο ίδιος ο William, που δείχνει τις ικανότητες του καλλιτέχνη ακόμα και στο σχολείο, εργάστηκε μετά την αποφοίτησή του από το Πανεπιστήμιο από τον καλλιτέχνη στις εφημερίδες, επισκέφθηκε το βράδυ στην Ακαδημία Καλών Τεχνών, όπου συναντήθηκε με έναν νεαρό Sloan και τον εισήγαγε στον Robert Henry.

Το 1895, ο Glakkens ταξιδεύει με μια ομάδα καλλιτεχνών στην Ευρώπη, θαυμάζει τις εικόνες του Μεγάλου "Ολλανδού", και στο Παρίσι, συναντά πρώτα την τέχνη των ιμπρεσιονιστών, τότε, καθ 'όλη τη διάρκεια της ζωής του, έχει φύγει για να σχεδιάσει το Παρίσι και το νότο της Γαλλίας. Μετά την επιστροφή στις Ηνωμένες Πολιτείες, ο Glakkens εγκαθίσταται στη Νέα Υόρκη, συμμετέχει ενεργά στις εκθεσιακές δραστηριότητες της Σχολής Dustbacker και των οκτώ ομάδας.

Στο έργο του, η ιμπρεσιονιστική κατεύθυνση είναι ολοένα και πιο εμφανής, ονομάζεται ακόμη και η "αμερικανική νεοφόρα", και σε αντίθεση με τη Slaoan, δεν ήταν ένας «κοινωνικός κατάχρης», αλλά ένας "καθαρός" καλλιτέχνης, για τον οποίο η καλλιτεχνική μορφή, η γεύση και η αισθησιασμός ήταν πρωταρχικής σημασίας. Η παλέτα του φωτίζεται με τα χρόνια, τα οικόπεδα αλλάζουν νόημα, κυριαρχούν τοπία, σκηνές παραλίας και στο τέλος της ζωής - ακόμα μήνες και πορτρέτα.

Η τέχνη του δεν αντικατοπτρίζει τα κοινωνικά προβλήματα της ημέρας, ο χρόνος της Μεγάλης κατάθλιψης, μάλλον, αντίθετα, "οι πίνακές του είναι γεμάτες με ένα φάντασμα της ευτυχίας, είναι εμμονή με την περισυλλογή της χαράς" (Leslie Kate " του William Glakkens, 1966).

George Benjamin Lax (1867-1933) Γεννήθηκε στο Williamsport στην οικογένεια φαρμακοποιών, η μητέρα ήταν ένας ερασιτέχνης καλλιτέχνης και ένας μουσικός. Μετά τη μετάβαση σε μια μικρή πόλη στα νότια της Πενσυλβανίας, που βρίσκεται κοντά στις καταθέσεις άνθρακα, ο Γιώργος είδε τη φτώχεια νωρίς και έλαβε τα μαθήματα της φτώχειας νωρίς και έλαβε τα μαθήματα συμπόνια από γονείς που βοήθησαν τις οικογένειες των ανθρακωρύχων.

Ξεκίνησε τη ζωή της σταδιοδρομίας στην εφηβεία, δουλεύοντας με τον αδελφό του στην πλωτή οδό, αλλά κατάλαβα πολύ νωρίς ότι ήθελε να είναι καλλιτέχνης. Μετά από μια σύντομη μελέτη στην Ακαδημία Καλών Τεχνών, πήγε στην Ευρώπη, μελέτησε διαφορετικά σχολεία τέχνης, έγινε οπαδός της ισπανικής και ολλανδικής ζωγραφικής (ειδικά Velasquez και França Hals) και χειροκίνητη τεχνολογία. Επιστρέφοντας στη Φιλαδέλφεια, η Lax λειτουργεί ο εικονογράφος στην εφημερίδα, η εξοικείωση με τους Glakkens, Sloan και Tinn, συμμετέχει στις πνευματικές συναντήσεις του Robert Henry και μετά τη μετάβαση στη Νέα Υόρκη και την εργασία, ο καλλιτέχνης στο περιοδικό του Pulitzer αρχίζει να πληρώνει ζωγραφιές περισσότερο χρόνο .

Συμμετέχει στις δραστηριότητες της Σχολής Dustbump και της ομάδας G8, προωθεί τις συζητήσεις σχετικά με τον νέο ρεαλισμό, αντλεί πολλά, περνώντας τη ζωή των μεταναστών, την εθνοτική ποικιλομορφία τους, το υλικό της Κάτω Ανατολικής πλευράς και το Μπρούκλιν. Εκτός από τις εικόνες σχετικά με τη ζωή της Νέας Υόρκης, η Lax σχεδιάζει τοπία και πορτρέτα, θεωρήθηκε κύριος ισχυρής χρώματος και φωτεινού εφέ.

Ο Lax ήταν ένα διακριτικό πρόσωπο, το Inborn Buntarem, ήταν υπερήφανη που το περιβάλλον τον θεωρούσε το "κακό αγόρι" της αμερικανικής τέχνης, δημιούργησε έναν μύθο του εαυτού του, συχνά οδήγησε στην απώλεια συνείδησης, ήταν ένας αλκοολικός και τελικά βρέθηκε στην είσοδο που σκοτώθηκε ως αποτέλεσμα μιας φιλονικίας των νοικοκυριών.

Eversett shinn (1876-1953), γεννήθηκε στο Woodstuna στην κοινότητα των συστημάτων στην οικογένεια των αγροτών.

Οι πρώιμες χειροποίητες ικανότητες τον επέτρεψαν για 15 χρόνια να αρχίσουν σοβαρά μελετώντας τα θεμέλια του σχεδίου, ένα χρόνο αργότερα, παίρνουν μαθήματα στην Ακαδημία Καλών Τεχνών και στην ηλικία των 17 ετών, αρχίζουν να εργάζονται ως καλλιτέχνης προσωπικού στις εφημερίδες. Το 1897, έχοντας μετακομίσει στη Νέα Υόρκη, οι νέοι Shinn σύντομα κέρδισαν τη φήμη ως έναν από τους ταλαντούχους ρεαλιστές που απεικονίζουν την αστική ζωή, τη βία, τα ατυχήματα και τις πυρκαγιές.

Αφού ταξιδεύετε με τη σύζυγό του στην Ευρώπη, υπήρχαν νέα οικόπεδα (θέατρο, μπαλέτο) και ιμπρεσιονιστικά στοιχεία στη ζωγραφική. Είναι η μόνη από τη "Σχολή του Κάδου" Σκουπίδια "και η ομάδα οκτώ", ο οποίος έχει πολλά παστέλ εργασίας, καθώς και τοιχογραφίες όχι μόνο στα διαμερίσματα του ελίτ του Μανχάταν, αλλά και 18 τοιχογραφίες για το διάσημο Blineway Belashera. Ο Shinn πίστευε ότι «ήταν τυχαίος μέλος οκτώ, ο οποίος δεν είχε πολιτική θέση και δεσμεύτηκε να κοσμήσει τη ζωή, αλλά αντανακλώντας ένα κομμάτι της αμερικανικής πραγματικότητας των αρχών του εικοστού αιώνα σε ένα ρεαλιστικό και ρομαντικό πνεύμα.

Υπάρχει μια υπόθεση ότι ο Everett Shinn χρησίμευσε ως πρωτότυπο του καλλιτέχνη Yujina Vitla στο μυθιστόρημα του Trizer "Genius".

Ernest lawson(1873-1939), που γεννήθηκε στο Χάλιφαξ, έφτασε στις Ηνωμένες Πολιτείες, έζησε πρώτα στην πόλη του Κάνσας και στη συνέχεια στη Νέα Υόρκη, σπούδασε στο πρωτάθλημα καλλιτεχνών στο Tuoktman, ο οποίος τον εισήγαγε στον ιμπρεναρισμό.

Στη Γαλλία, ενώ σπουδάζει στην Ακαδημία του Τζούλια, έγινε ενδιαφερόμενος για μια αιχμαλωσία ζωγραφική, συναντήθηκε με το SISPEL και το SOMERSET MOEM. Επιστρέφοντας στα κράτη, ο Lawson αναπτύσσει το δικό του αισθητικό στυλ, στα πρόθυρα του ιμπρεσιονισμού και του ρεαλισμού, ονομάζεται "ο τελευταίος ιμπρεσιονιστής της Αμερικής".

Ταξιδεύει πολύ στη χώρα, γράφει εγκαταλελειμμένα τοπία, συγκλίνει με τους καλλιτέχνες της Σχολής Dustbacker και γίνεται μέλος της ομάδας "οκτώ", αλλά σε αντίθεση με το δράμα στην εικόνα της αστικής ζωής και μετά τη συμμετοχή στην έκθεση σύγχρονης Η τέχνη "Armor Show", δεν αρνείται ρεαλιστικές και ιμπρεσιονιστικές τάσεις, δείχνει ενδιαφέρον για την υποκατάσταση, ιδίως στη Cezanne.

Το έργο του Louson δεν είναι τόσο γνωστό όσο οι άλλοι σύγχρονοι, αλλά ο Robert Henry τον θεωρούσε "ο μεγαλύτερος αξιωματικός τοπίου μετά τον Winslow Hommer". Πρυμούσε με μυστηριώδη συνθήκες, επιπλέει στην παραλία του Μαϊάμι.

George Wesley Belluses (1882-1925), ήταν αργά και μόνο παιδί στην οικογένεια της κόρης του πλοίου Captain Whale. Στο Πανεπιστήμιο του Οχάιο, σπούδασε και έπαιξε επιτυχώς το μπέιζμπολ και το μπάσκετ, υπό την προϋπόθεση ότι το πανεπιστημιακό έτος που απεικονίζει, ονειρεύεται να γίνει επαγγελματίας παίκτης του μπέιζμπολ που εργάστηκε ως εικονογράφος στα περιοδικά. Το 1904, χωρίς φινίρισμα του πανεπιστημίου, οι Beluses μετακινούνται στη Νέα Υόρκη, εισέρχονται στη Σχολή Τεχνών, ενώνει τους καλλιτέχνες του σχολείου σκουπιδιών και μια ομάδα "οκτώ", αφαιρεί το δικό του στούντιο στο Broadway.

Συμμετοχή σε εκθέσεις μαζί με τους μαθητές του Ρόμπερτ Χένρι και τη διδασκαλία στο πρωτάθλημα, οι καλλιτέχνες τον φέρνουν φήμη, παρόλο που πολλοί κριτικοί θεωρούσαν το έργο του με το "τραχύ" όχι μόνο στα οικόπεδα, αλλά και στιλιστικά.

Συνεχίζοντας τα θέματα της αστικής ζωής και του αθλητισμού στο έργο του, οι Belluses αρχίζουν επίσης να λαμβάνουν εντολές για πορτρέτα από την πλούσια ελίτ, και το καλοκαίρι γράφει θαλάσσια τοπία στο Maine.

Ήταν πολύ πολιτικοποιημένος, που τήρησε τη σοσιαλιστική και ακόμη και αναρχική απόψεις, εργάστηκε ως εικονογράφος σε ένα σοσιαλιστικό περιοδικό. Το 1918 δημιούργησε μια σειρά από χαρακτικά και πίνακες που απεικονίζουν φρικαλεότητες που εκτελούνται από γερμανούς στρατιώτες στην εισβολή του Βελγίου.

Ο Belous συνέβαλε σημαντικά στη λιθογραφία, απεικονίζει πολλά βιβλία, συμπεριλαμβανομένων αρκετών εκδόσεων Herbert Wells. Πέθανε στην ηλικία των 42 ετών από την Peritonita μετά από μια ανεπιτυχή λειτουργία, αφήνοντας πίσω τη σύζυγό του, δύο κόρες και ένα μεγάλο αριθμό ζωγραφικής και χαρακτικής σήμερα σε πολλά μεγάλα αμερικανικά μουσεία.

Οι ακόλουθοι δύο καλλιτέχνες δεν μπορούν να αποδοθούν πλήρως στην "Σχολή του κουκούστου σκουπιδιών", ούτε στην ομάδα "οκτώ", είναι πιο πιθανό πιο πιθανό στη νεωτεριστική κατεύθυνση, είναι πιο ανοιχτές σε πειράματα, η δημιουργικότητά τους μπορεί να θεωρηθεί μεταβατική Στάδιο στην κατάφωρη.

Arthur Bowen Davis (1853-1928), ήδη στην ηλικία των 15 ετών συμμετείχαν σε μια κινητή έκθεση στην πόλη του, που διοργανώθηκαν από τα μέλη του σχολείου του ποταμού Hudson. Μετά τη μετακίνηση της οικογένειας στο Σικάγο, σπούδασε στην ακαδημία σχεδιασμού και μετακόμισε στη Νέα Υόρκη, σπούδασε στο πρωτάθλημα καλλιτεχνών και εργάστηκε ως εικονογράφος στο περιοδικό.

Οι εξελιγμένες οικογενειακές συνθήκες (η απιστία του Ντέιβις, η παρουσία μιας δεύτερης παράνομης συζύγου και ενός εξωδικαστικού παιδιού) επέβαλε ένα σημάδι στη συμπεριφορά του και το μυστικό χαρακτήρα του, αλλά το πρώτο έτος μετά τη ζωγραφική του γάμου του Davis άρχισε να πωλείται με επιτυχία και τακτικά ταξίδια Στην Ευρώπη και το έργο του CORO και το μύλο τον βοήθησε να ελπίζει την αίσθηση του χρώματος και να επεξεργαστείτε τον γραφικό σας τρόπο.

Στα είκοσι, αναγνωρίστηκε ως ένας από τους πιο σεβαστούς και οικονομικά επιτυχημένους Αμερικανούς καλλιτέχνες. Ως μέλος της ομάδας "οκτώ", ήταν ο κύριος διοργανωτής του στρατού, πιο ενημερωμένος στη σύγχρονη τέχνη από τους συντρόφους του, έκανε ως σύμβουλος πολλών πλούσιων κατοίκων της Νέας Υόρκης κατά την πραγματοποίηση αγορών για τις συλλογές τους, βοήθησαν πολλούς νέους Καλλιτέχνης με το Συμβούλιο και τα χρήματα.

Ο Arthur B. Davis είναι ένα μη φυσιολογικό φαινόμενο στην αμερικανική ζωγραφική: το δικό του λυρικό στυλ μπορεί να χαρακτηριστεί ως συγκρατημένη συντηρητική, αλλά τα γούστα και τα ενδιαφέροντά του ήταν εντελώς πρωτοποριακά.

Maurice Βραζιλία Presterngast (1858-1924) Και ο δίδυμος αδελφός του γεννήθηκε στην οικογένεια του εργοστασιακού εμπόρου στη βρετανική αποικία της Βόρειας Αμερικής. Μετά τη μετακίνηση στη Βοστώνη, ο πατέρας του έδωσε το σχέδιο του Maurice στο σχέδιο του εμπορικού καλλιτέχνη, το οποίο εξηγεί τη φωτεινότητα και το "αεροπλάνο" του έργου του.

Εκπαίδευση στο Παρίσι στην Ακαδημία της Κολασίας, και στη συνέχεια στην Ακαδημία του Ιουλένιου, γνωριμία με τα έργα των αγγλικών και γαλλικών καλλιτεχνών Avant-Garde, η μελέτη των έργων του Van Gogh και του θείου τον οδήγησε στην πραγματικότητα στην κοινωνικότητα. Ο PeringerGast ήταν ένας από τους πρώτους Αμερικανούς που αναγνώρισαν τον Cezanne, ο οποίος κατάλαβε το έργο του και χρησιμοποίησε τις εκφραστικές μεθόδους μετάδοσης σχήματος και χρώματος. Επιστρέφοντας το 1895 στη Βοστώνη, λειτουργεί κυρίως στην τεχνική ακουαρέλας

Και η μονοτυπία, και μετά το ταξίδι στην Ιταλία, έλαβε φήμη και αναγνώριση της κριτικής για τα έργα τους αφιερωμένα στη Βενετία.

Συμμετέχει στους καλλιτέχνες της ομάδας "οκτώ", συμμετέχει μαζί τους στη διάσημη έκθεση στη γκαλερί Macbeth το 1908 και ο Glakkens γίνεται ο φίλος του για τη ζωή. Τα επτά έργα που τους υποβλήθηκαν στην "Show Show" έδειξαν τη στυλιστική του ωριμότητα και την τελική δέσμευση για μετασχηματισμό, το στυλ του σχηματίστηκε και χαρακτηρίστηκε εύστοχα από τους κριτικούς ως "ταπετσαρία" ή "μωσαϊκό".

Ο PeringerGast παρέμεινε μια πτυχή όλη τη ζωή του, πιθανώς λόγω της φυσικής συστολής, της αδύναμης υγείας και της ισχυρής κώφωσης στα τέλη της Ζωής.
Είναι ενδιαφέρον ότι τα επόμενα χρόνια, η ρεαλιστική κατεύθυνση στην αμερικανική ζωγραφική δεν έχασε τη συνάφεια του και έχει αντικατοπτριστεί και αναπτυχθεί σε υποθετικότητα, "μαγευτικό ρεαλισμό" και "περιφερειακός". Αλλά για αυτή την επόμενη φορά.
Και, όπως πάντα, η παρουσίαση της διαφάνειας στο θέμα στο οποίο εκπροσωπούνται πολύ περισσότερες αναπαραγωγές.

Παιδιά, βάζουμε την ψυχή στον ιστότοπο. Έτσι
Τι ανοίγετε αυτή την ομορφιά. Ευχαριστώ για την έμπνευση και τις χήνες.
Ελάτε μαζί μας Facebook. και Σε επαφή με

Φωτεινό λεκέδες, πιτσιλιές του φωτός, αφρώδη αέρα - Αυτοί οι καλλιτέχνες βλέπουν τον κόσμο με εξειδικευμένο και εκπληκτικά χρωματισμένο.
δικτυακός τόπος Προσφέρει κοιτάζοντας τον κόσμο μέσα από τα μάτια αυτών των οδηγών. Στην προσοχή σας μια επιλογή έργων ζωγραφικής των σύγχρονων ιμπρεσιονιστών, στην κυριαρχία επίλυσης χρώματος και του φωτός.

Το έργο του βουλγαρικού καλλιτέχνη Tsviavko Kinchev στο στυλ του ιμπρεσιονισμού είναι μια ψηφιακή ζωγραφική: εκτελούνται στον υπολογιστή, στο Photoshop. Απίστευτα ζουμερά πλάσματα του καλλιτέχνη υπογραμμίζουν την ομορφιά και τη φωτεινότητα του περιβάλλοντος κόσμου.

Ο ολλανδικός καλλιτέχνης William Henrites εργάζεται ακουαρέλα, ακρυλικό και παστέλ. Οι δημιουργίες του είναι μια εκπληκτική τρυφερότητα, κουδούνισμα αέρα που αναπνέει τα χρώματα του, τις κομψές γραμμές του. Τα έργα William είναι γνωστά παγκοσμίως με τη μορφή αφίσες και λιθογραφιών υψηλής ποιότητας.

Ο Γιούρι Πετρένκο γεννήθηκε στο Σότσι. Επαγγελματικά ασχολείται με τη ζωγραφική για περίπου 20 χρόνια. Juicy, χαριτωμένα σπίτια, πλοία και θάλασσα. Από τους πίνακές του φυσά τον ζεστό ήλιο και αλατισμένο αεράκι. Τα έργα βρίσκονται σε ιδιωτικές συλλογές σε όλες σχεδόν τις χώρες του κόσμου.

Ο Αρμενικός καλλιτέχνης Ovik Zograbyan εμφανίστηκε στην οικογένεια ενός διάσημου καλλιτέχνη και γλύπτη Nicokos Zograbyan. Το μοναδικό ύφος του ίδιου του καλλιτέχνη φαίνεται ότι το χαρακτηριστικό του ιμπρεσιονισμού με τα εγκεφαλικά επεισόδια. Οι ζεστές έγχρωμες πόλεις του, φωτεινά σπίτια γεμάτα με τον ήλιο και την ευτυχία.

Linda Wilder - Καναδικός καλλιτέχνης. Η Linda αγαπά να γράψει τοπία και το Mastikhin είναι ένα από τα αγαπημένα της εργαλεία. Φωτεινά, ακριβή εγκεφαλικά επεισόδια, λεπτώς εγκοπές και γραμμές - οι ζωγραφιές της Linda βρίσκονται σε εταιρικές και ιδιωτικές συλλογές στον Καναδά και σε όλο τον κόσμο.

Ο Sino-American καλλιτέχνης Ken Hong πνεύμονας αισθάνεται λεπτό χρώμα και ξέρει πώς να μεταφέρει τη μαγεία της ειρήνης. Τα αλιευτικά του χωριά και τα τοπία της ακτής έχουν γίνει μια αίσθηση στους καλλιτεχνικούς κύκλους του Χονγκ Κονγκ. Ο Ken θεωρείται ένας από τους καλύτερους κόσμους καλλιτέχνες των νεοομυεπισπρείων. Ονομάζεται ιδιοκτήτης μαγεμένων τοπίων, ονειρικές διαθέσεις και μαγικές αντανακλάσεις του φωτός και του χρώματος.

Ο Johan ζει και εργάζεται στο Βέλγιο. Οι πίνακές του αντικατοπτρίζουν τον άνετο κόσμο των σκιερών επαρχιακών αυλών, vintage πόλεμοι και καλοί άνεμοι. Ο Johan ξέρει πώς να μεταφέρει τη φροντίδα και την ήσυχη ευτυχία με αμέλεια εγκεφαλικά επεισόδια. Έργα πετρελαίου καλλιτέχνη και παστέλ.

Ο Jill Charrook είναι ένας σύγχρονος καναδικός καλλιτέχνης. Είκοσι χρόνια εργάστηκαν στα ρούχα και την εσωτερική βιομηχανία. Αγαπά να υπερβάλλει τα χρώματα, να ενισχύσει τις αντιθέσεις. Οι φωτεινές ζωγραφιές της έλαβαν διεθνή αναγνώριση, βρίσκονται στις συλλογές σύγχρονης τέχνης στη Βόρεια Αμερική, το Μεξικό και την Ευρώπη. Η Jill γράφει κυρίως πετρέλαιο και ακρυλικό.

Αμερικανική ζωγραφική
Το πρώτο από τα έργα της αμερικανικής ζωγραφικής ήρθε στα 16 γ. Αυτά είναι σκίτσα από ερευνητικές αποστολές. Ωστόσο, οι επαγγελματίες καλλιτέχνες εμφανίστηκαν στην Αμερική μόνο στις αρχές του 18ου αιώνα. Η μόνη σταθερή πηγή εισοδήματος για αυτούς ήταν ένα πορτρέτο. Αυτό το είδος συνέχισε να κρατά ηγετική θέση στην αμερικανική ζωγραφική μέχρι τις αρχές 19 V.
Αποικιακή περίοδος. Η πρώτη ομάδα πορτρέτων που εκτελείται στην τεχνική ζωγραφικής πετρελαίου χρονολογείται από το δεύτερο μισό του 17ου αιώνα. Αυτή τη στιγμή, η διάρκεια ζωής των μεταναστών προχώρησε σχετικά ήρεμα, η ζωή σταθεροποιήθηκε και οι ευκαιρίες άσκησης τέχνης εμφανίστηκαν. Από αυτά τα έργα, το πιο διάσημο πορτρέτο της κας Fritz με την κόρη του Μαρία (1671-1674, Μασαχουσέτη, Μουσείο Τέχνης στο Wistster), που γράφτηκε από έναν άγνωστο αγγλικό καλλιτέχνη. Μέχρι τις 1730 στις πόλεις της Ανατολικής Ακτής, υπήρχαν ήδη αρκετοί καλλιτέχνες που εργάστηκαν με πιο σύγχρονο και ρεαλιστικό τρόπο: Henrietta Johnston στο Τσάρλεστον (1705), Justus Englhardt Kün στην Annapolis (1708), Gustavi Hesselius στη Φιλαδέλφεια (1712) , John Watson στην Perth Εμπορία στο New Jersey (1714), Peter Pelm (1726) και John Smiber (1728) στη Βοστώνη. Η ζωγραφική των δύο τελευταίων είχε σημαντικό αντίκτυπο στο έργο του John Singleton Copli (1738-1815), το οποίο θεωρείται ο πρώτος μεγάλος Αμερικανός καλλιτέχνης. Σύμφωνα με τις εκτυπώσεις από τη συλλογή Pelam, ο νεαρός Κόπλα έλαβε μια ιδέα για το αγγλικό πορτρέτο της Parade και τη ζωγραφική Godfrey Neller, ο κορυφαίος αγγλικός πλοίαρχος που εργάστηκε σε αυτό το είδος στις αρχές του 18ου αιώνα. Στη ζωγραφική, ένα αγόρι με μια πρωτεΐνη (1765, η Βοστώνη, το Μουσείο Καλών Τεχνών) Copli δημιούργησε ένα θαυμάσιο ρεαλιστικό πορτρέτο, απαλή και εκπληκτικά ακριβή στη μετάδοση αντικειμένων αντικειμένων. Όταν το 1765, το Kopli έστειλε αυτό το έργο στο Λονδίνο, ο Joshua Reynolds τον συμβούλευσε να συνεχίσει τις σπουδές του στην Αγγλία. Ωστόσο, το Καπλώλι παρέμεινε στην Αμερική μέχρι το 1774 και συνέχισε να γράφει πορτρέτα, να εργάζει προσεκτικά όλες τις λεπτομέρειες και τις αποχρώσεις σε αυτά. Στη συνέχεια πήρε ένα ταξίδι στην Ευρώπη και εγκαταστάθηκε στο Λονδίνο το 1775. Στο στυλ του, εμφανίστηκαν οι τρόποι και τα χαρακτηριστικά του ιδεαλισμού, χαρακτηριστικά της αγγλικής ζωγραφικής αυτής της περιόδου. Μεταξύ των καλύτερων έργων που δημιουργήθηκαν από τον Copli στην Αγγλία, είναι μεγάλα μπροστινά πορτρέτα, που θυμίζουν τα έργα του Benjamin West, συμπεριλαμβανομένης της ζωγραφικής Brooke Watson και του καρχαρία (1778, Βοστώνη, Μουσείο Καλών Τεχνών). Ο Benjamin West (1738-1820) γεννήθηκε στην Πενσυλβάνια. Έχοντας γράψει πολλά πορτρέτα των κατοίκων της Φιλαδέλφειας, μετακόμισε στο Λονδίνο το 1763. Εδώ κέρδισε φήμη ως ιστορικό ζωγράφο. Ένα δείγμα του έργου του σε αυτό το είδος μπορεί να είναι η εικόνα του θανάτου του General Wulf (1770, Οτάβα, η Εθνική Πινακοθήκη του Καναδά). Το 1792, η Δύση αντικατέστησε τον Reynolds ως Πρόεδρο της Βρετανικής Βασιλικής Ακαδημίας Τεχνών.
Πόλεμος για την ανεξαρτησία και στις αρχές του 19ου αιώνα. Σε αντίθεση με τα COPLI και τη Δύση, που έμειναν για πάντα στο Λονδίνο, Portrear Gilbert Stewart (1755-1828) το 1792 επέστρεψε στην Αμερική, κάνοντας μια καριέρα στο Λονδίνο και το Δουβλίνο. Σύντομα έγινε ο κύριος κύριος του είδους αυτού του είδους στη νέα δημοκρατία. Ο Stewart έγραψε πορτρέτα σχεδόν όλων των εξαιρετικών πολιτικών και δημόσιων στοιχείων της Αμερικής. Τα έργα του γεμίζουν σε ένα ζωντανό, ελεύθερο, σκίτσο τρόπο, πολύ διαφορετικό από το στυλ των αμερικανικών έργων Copley. Το Benjamin West ενήργησε πρόθυμα στο εργαστήριο του Λονδίνου των νέων Αμερικανών καλλιτεχνών. Μεταξύ των μαθητών του ήταν ο Charles Wilson Pil (1741-1827) και ο Samuel FB Morza (1791-1872). Το Pyl έγινε ο ιδρυτής της δυναστείας των ζωγράφων και της οικογενειακής επιχείρησης στην Φιλαδέλφεια. Έγραψε πορτρέτα, που ασχολείται με την έρευνα και άνοιξε το Μουσείο Φυσικής Ιστορίας και Ζωγραφικής στη Φιλαδέλφεια (1786). Από τα δεκαεπτά παιδιά του, πολλοί έγιναν καλλιτέχνες και φυσιολόγοι. Morse, όσο πιο διάσημος ως εφευρέτης του τηλεγραφικού, έγραψε αρκετά όμορφα πορτρέτα και ένα από τα πιο φιλόδοξα έργα ζωγραφικής σε όλη την αμερικανική ζωγραφική - η γκαλερί του Λούβρου. Σε αυτό το έργο με εκπληκτική ακρίβεια, περίπου 37 καμβά αναπαράγονται σε μινιατούρα. Αυτό το έργο, όπως το Morse, ήταν να εισαγάγει ένα νεαρό έθνος με έναν μεγάλο ευρωπαϊκό πολιτισμό. Ο Washington Olxton (1779-1843) ήταν ένας από τους πρώτους Αμερικανούς καλλιτέχνες που έδωσαν φόρο τιμής στον ρομαντισμό. Κατά τη διάρκεια των μακροπρόθεσμων ταξιδιών τους γύρω από την Ευρώπη, έγραψε θαλάσσιες καταιγίδες, ποιητικά ιταλικά σκίτσα και συναισθηματικά πορτρέτα. Στις αρχές του 19ου αιώνα. Η πρώτη Αμερικανική Ακαδημία Τεχνών άνοιξε, ο οποίος έδωσε στους φοιτητές στην επαγγελματική κατάρτιση και την πιο άμεση συμμετοχή στην οργάνωση των εκθέσεων: η Πενσυλβανική Ακαδημία Τεχνών της Φιλαδέλφειας (1805) και η Εθνική Ακαδημία Ακαδημίας στη Νέα Υόρκη (1825), του οποίου η πρώτη Ο Πρόεδρος ήταν ο SR Morze. Το 1820-1830, ο John Tramball (1756-1843) και ο John Vanderlin (1775-1852) έγραψαν τεράστιες συνθέσεις στα οικόπεδα από την αμερικανική ιστορία, αποφασίζοντας τους τοίχους του Rotond Capitol στην Ουάσινγκτον. Το 1830, το τοπίο έγινε το κυρίαρχο είδος της αμερικανικής ζωγραφικής. Ο Thomas Cole (1801-1848) έγραψε την Παναγία της Βορράς (PCS. Νέα Υόρκη). Υποστήριξε ότι τα ξεπερασμένα βουνά και το φωτεινό δάσος του φθινοπώρου είναι πιο κατάλληλα οικόπεδα για τους Αμερικανούς καλλιτέχνες από τα γραφικά ευρωπαϊκά ερείπια. Ο Cole έγραψε επίσης πολλά τοπία που απορρίφθηκαν με ηθική και θρησκευτική έννοια. Μεταξύ αυτών είναι τέσσερις μεγάλες εικόνες της διαδρομής ζωής (1842, η Ουάσιγκτον, η εθνική γκαλερί) - οι αλληγορικές συνθέσεις, οι οποίες απεικονίζουν το σκάφος που κατεβαίνει κατά μήκος του ποταμού, στην οποία το αγόρι κάθεται, τότε ο νεαρός και τελικά ο άνθρωπος γέρος. Πολλοί παίκτες τοπίου ακολούθησαν το παράδειγμα της δροσερής και απεικονίστηκαν στα έργα τους τα είδη της αμερικανικής φύσης. Συχνά ενωθούν σε μια ομάδα που ονομάζεται "Σχολή του ποταμού Hudson" (ο οποίος δεν είναι αλήθεια, καθώς εργάστηκαν σε ολόκληρη τη χώρα και έγραψαν σε διαφορετικά στυλ). Από το αμερικανικό Genress, το πιο διάσημο στο William Sydney Mount (1807-1868), γραφής σκηνές από τους Long Island Farmers, και ο George Caleb Binham (1811-1879), των οποίων οι πίνακες είναι αφιερωμένοι στη ζωή των αλιέων από τις ακτές του Μισσούρι και Εκλογές σε μικρές επαρχιακές πόλεις. Πριν από τον εμφύλιο πόλεμο, ο πιο δημοφιλής καλλιτέχνης ήταν ο Frederick Edwin Cherch (1826-1900), μαθητής Cole. Έγραψε έργα κυρίως μεγάλης μορφής και χρησιμοποιείται μερικές φορές πολύ φυσιολογικά κίνητρα για να προσελκύσει και να αναισθητοποιήσει το κοινό. Cherge ταξίδεψε μέσα από τα πιο εξωτικά και επικίνδυνα μέρη, συλλογή υλικού για την εικόνα των ηφαιστείων της Νότιας Αμερικής και τα παγόβουνα των βόρειων θαλασσών. Ένα από τα πιο διάσημα έργα του είναι η εικόνα του Niagara Falls (1857, Ουάσινγκτον, γκαλερί Corcoran). Στη δεκαετία του 1860, τα τεράστια πανιά του Albert Birstadt (1830-1902) προκάλεσαν καθολικό θαυμασμό για την ομορφιά των βραχώδεις βουνών που απεικονίζονται πάνω τους, με τις καθαρές λίμνες, τα δάση και τις κορυφές του πύργου.

Μεταπολεμική περίοδο και γεννημένος από αιώνες. Μετά τον εμφύλιο πόλεμο, ήταν μοντέρνο να μάθουν έργα ζωγραφικής στην Ευρώπη. Στο Ντίσελντορφ, Μόναχο και ειδικά στο Παρίσι, ήταν δυνατόν να γίνει πολύ πιο θεμελιώδης εκπαίδευση απ 'ό, τι στην Αμερική. James McNeill Whistler (1834-1903), Mary Cassat (1845-1926) και John Singer Sarjent (1856-1925) Σπούδασε στο Παρίσι, ζούσαν και εργάστηκαν στη Γαλλία και την Αγγλία. Ο Whistler ήταν κοντά στους γάλλους Impressionists. Στους πίνακους του, έδωσε ιδιαίτερη προσοχή στους συνδυασμούς χρωμάτων και μια εκφραστική, συνοπτική σύνθεση. Η Mary Kassat κατά την πρόσκληση του Edgar Degi συμμετείχε στις εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών από το 1879 έως το 1886. Το Sarjent έγραψε πορτρέτα των πιο σημαντικών ανθρώπων παλαιού και νέου φωτός σε ένα τολμηρό, γευστικό, δοκίμιο. Ο αντίθετος ιμπρεσιονισμός της πλευράς του στιλιστικού φάσματος στην τέχνη των τελευταίων 19ου αιώνα. Καταλαμβάνουμε τους πραγματικούς καλλιτέχνες που έγραψαν ψευδαισθήσεις ακόμα Lifes: William Michael Harnett (1848-1892), John Friederik Peto (1854-1907) και John Haber (1856-1933). Δύο μεγάλοι καλλιτέχνες των τελευταίων 19ου - αρχές του 20ού αιώνα, ο Winslow Όμηρος (1836-1910) και ο Thomas Ikins (1844-1916) δεν ανήκαν σε καμία από τις μοντέρνες κατευθύνσεις εκείνη τη στιγμή. Ο Όμηρος ξεκίνησε τη δημιουργική του δραστηριότητα στη δεκαετία του 1860 με την απεικόνιση των περιοδικών της Νέας Υόρκης. Ήδη στη δεκαετία του 1890, είχε φήμη ως διάσημος καλλιτέχνης. Οι πρώιμοι πίνακες του είναι πλούσιοι στη φωτεινή σκηνή του ήλιου μιας ρουστίκ ζωής. Αργότερα, ο Όμηρος άρχισε να αναφέρεται σε πιο πολύπλοκες και δραματικές εικόνες και θέματα: στο ρεύμα γκολφ (1899, το μετρό) απεικόνισε την απελπισία ενός μαύρου ναύτη που βρίσκεται στο κατάστρωμα του σκάφους σε μια θυελλώδη, όμως από τους καρχαρίες της θάλασσας. Ο Thomas Ikins κατά τη διάρκεια της ζωής του επικρίθηκε βίαια για υπερβολική αντικειμενικότητα και άμεση. Τώρα τα έργα του εκτιμούνται ιδιαίτερα για ένα αυστηρό και καθαρό σχέδιο. Οι βούρτσες του ανήκουν σε εικόνες αθλητών και ειλικριτών, εμπλέκονται με εικόνες πορτρέτου συμπάθειας.

Ο εικοστός αιώνας. Στις αρχές του αιώνα, η απομίμηση του γάλλου ιμπρεσιονισμού αποτιμήθηκε. Η δημόσια γεύση αμφισβήτησε μια ομάδα οκτώ καλλιτεχνών: ο Robert Henry (1865-1929), ο V.J. Glakens (1870-1938), John Sloone (1871-1951), J.B.Laks (1867-1933), Eversett Shinn (1876-1953) Davis (1862-1928), Maurice Predandergast (1859-1924) και Ernest Lawson (1873-1939). Οι κριτικοί επικρίθηκαν από το σχολείο τους "κάδο απορριμμάτων" για τον εθισμό στην απεικόνιση των παραγκουπόλεων και άλλων προβλημάτων. Το 1913 στο λεγόμενο. Το "Armori Show" έβαλε τα έργα των Δασκάλων που ανήκουν σε διάφορες κατευθύνσεις της μεταποίησης. Αμερικανοί καλλιτέχνες διαιρεμένοι: Μερικοί από αυτούς στράφηκαν στη μελέτη των δυνατοτήτων της χρώματος και της επίσημης αφαίρεσης, άλλοι παρέμειναν στη λωρίδα ρεαλιστική παράδοση. Η δεύτερη ομάδα περιελάμβανε τον Charles Berchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Hopper Edward (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew White (r. 1917) και άλλα. Εικόνες του Avesha Albright (1897-1983), George Tuker (R. 1920) και Peter Bloom (1906-1992) γράφονται στο στυλ του "μαγικού ρεαλισμού" (η ομοιότητα με την καλοσύνη στα έργα τους είναι υπερβολική και η πραγματικότητα είναι μάλλον που θυμίζει τον ύπνο ή την ψευδαίσθηση). Άλλοι καλλιτέχνες, όπως ο Charles Schieler (1883-1965), ο Charles Demouge (1883-1935), ο Lionel Feyninger (1871-1956) και η Γεωργία για το "Kiff (1887-1986), τα συνδυασμένα στοιχεία του ρεαλισμού, κυβισμός, εξπρεσιονισμός στα έργα τους και άλλες τάσεις της ευρωπαϊκής τέχνης. Τα είδη της θάλασσας του John Maryna (1870-1953) και το Marsden Hartley (1877-1943) είναι κοντά στον εξπρεσιονισμό. Οι εικόνες των πτηνών και των ζώων στις εικόνες των τάφων του Maurice (r. 1910) διατηρούν ακόμα μια σύνδεση Με έναν ορατό κόσμο, αν και οι μορφές στα έργα του παραμορφώνονται πολύ και έρχονται σε σχεδόν ακραίες συμβολικές ονομασίες. Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, η ηγετική κατεύθυνση στην αμερικανική τέχνη ήταν η ζωγραφική σωστής χρήσης. Η κύρια προσοχή δόθηκε στη γραφική επιφάνεια από μόνη της. θεωρήθηκε ως αρένα αλληλεπίδρασης γραμμών, μάζας και χρωμάτων. Ο πιο σημαντικός τόπος αφηρημένος εξπρεσιονισμός πήρε τα χρόνια. Έγινε η πρώτη πορεία της ζωγραφικής, η οποία προέκυψε στις Ηνωμένες Πολιτείες και είχε διεθνή σημασία. Οι ηγέτες του Αυτό το κίνημα ήταν arshail gorki (1904-1948), Villem de Conting (Cunning) (1904-1997), Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rotko (1903-1970) και Franz Kleline (1910-1962). Μία από τις πιο ενδιαφέρουσες ανακαλύψεις της αφηρημένης εξπρεσιονίας ήταν η καλλιτεχνική μέθοδος του Jackson Pollock, ο οποίος στεγνώσει με χρώματα σε καμβά ή τους έριξε για να αποκτήσει ένα πολύπλοκο λαβύρινθο δυναμικών γραμμικών μορφών. Άλλοι καλλιτέχνες αυτής της περιοχής - Hans Hofmann (1880-1966), KLAFORD Ακόμα (1904-1980), Robert Mazerwell (1915-1991) και Helen Frankenteler (R. 1928) - Εργασμένες τεχνικές ζωγραφικής Canvase. Μια άλλη επιλογή εγχώρια τέχνης αντιπροσωπεύει ζωγραφική Joseph Albers (1888-1976) και ed Rainharta (1913-1967). Οι εικόνες τους αποτελούνται από κρύο, με ακρίβεια υπολογισμένες γεωμετρικές μορφές. Μεταξύ άλλων καλλιτεχνών που εργάστηκαν σε αυτό το στυλ: Elsworth Kelly (R. 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (R.1924), Frank Stella (R.1936) και El (R.1928). Αργότερα, κατέγραψαν την κατεύθυνση της τεχνολογίας Opt-Art. Στα τέλη της δεκαετίας του 1950, ο Robert Raushenberg (R. 1925), ο Jasper Jones (R. 1930) και ο Larry Rivers (R. 1923) και Larry Rivers, πραγματοποιήθηκαν από Impregnable Art. Περιλαμβάνουν τα θραύσματα "ζωγραφικής" των φωτογραφιών, εφημερίδων, αφίσες και άλλα αντικείμενα. Στις αρχές της δεκαετίας του 1960, ο συναρμολογητής δημιούργησε ένα νέο κίνημα, το λεγόμενο. Pop Art, των οποίων οι εκπρόσωποι είναι πολύ προσεκτικά και ακριβείς αναπαράγονται με ακρίβεια στα έργα τους μια ποικιλία αντικειμένων και εικόνων αμερικανικής ποπ κουλτούρας: τράπεζες της Coca-Cola και κονσερβοποιημένα, πακέτα τσιγάρων, κόμικς. Κορυφαίοι καλλιτέχνες αυτής της περιοχής - Andy Warhol (1928-1987), James Rosenkuist (R. 1933), Jim Dyan (R. 1935) και Roy Lakhtenstin (R. 1923). Μετά την POP ART, εμφανίστηκε μια τεχνολογία OPT-ART, με βάση τις αρχές της οπτικής και της οπτικής ψευδαίσθησης. Στη δεκαετία του 1970, διάφορα σχολεία εξπρεσιονισμού συνέχισαν να υπάρχουν στην Αμερική, γεωμετρικά σκληρά-ej, pop art, όλο και περισσότερο στη μόδα φωτορεαλισμό και άλλα στυλ τέχνης στυλ.

ΒΙΒΛΙΟΓΡΑΦΙΑ
Chegodaev a.d. Η τέχνη των Ηνωμένων Πολιτειών της Αμερικής από τον πόλεμο της ανεξαρτησίας μέχρι σήμερα. Μ., 1960 CHEGODAEV A.D. Τέχνη των Ηνωμένων Πολιτειών της Αμερικής. 1675-1975. Ζωγραφική, αρχιτεκτονική, γλυπτική, γραφικά. Μ., 1975.

Η Εγκυκλοπαίδεια του Colley. - ανοικτή κοινωνία. 2000 .

Παρακολουθήστε τι είναι η "αμερικανική ζωγραφική" σε άλλα λεξικά:

Οικιακές σκηνές και τοπία Αμερικανών καλλιτεχνών της δεκαετίας του 1920 και του 1930, κατασκευασμένες με φυσιοκρατικό, περιγραφικό τρόπο. Το αμερικανικό είδος ζωγραφικής είδους δεν οργανώθηκε από την κίνηση, ήταν ευρέως διαδεδομένη μεταξύ των Αμερικανών ... Wikipedia

- "Αγροτικός γάμος", 1568, Peter Bruegel, Μουσείο Τέχνης Ιστορία, Βιέννη ... Wikipedia

Συντεταγμένες: 29 ° 43'32 "s. SH. 95 ° 23'26. δ. / 29.725556 ° С. SH. 95.390556 ° C. ρε. ... Wikipedia

Μητροπολιτικό Μουσείο στη Νέα Υόρκη "Ένα από τα μεγαλύτερα μουσεία στον κόσμο και το μεγαλύτερο μουσείο τέχνης των Ηνωμένων Πολιτειών - Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης (Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης), που βρίσκεται στη Νέα Υόρκη στην ανατολική πλευρά του Κεντρικού Πάρκου στο Μανχάταν. Τοποθετήστε το γνωστό ως μίλι μουσείο ... ... ΕΓΚΥΚΛΟΠΤΙΚΕΣ ΕΡΓΑΖΟΜΕΝΕΣ

Η Wikipedia έχει άρθρα σχετικά με άλλα άτομα με αυτό το επώνυμο, βλ. Bezonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22 Φεβρουαρίου 1945 (19450222), Μόσχα 27 Ιουνίου 2001, Μόσχα) Ρωσικός ιστορικός τέχνης, κριτικός, μουσείο σχήμα. Περιεχόμενα 1 ... ... Wikipedia

Ένα από τα μεγαλύτερα καλλιτεχνικά μουσεία των Ηνωμένων Πολιτειών. Με έδρα τη Βοστώνη το 1870. Αποθηκεύει εκκρεμή δείγματα της γλυπτικής της αρχαίας Αιγύπτου (προτομή της Anchhaf, 3 ES. BC), Ελλάδα και Ρώμη, Κοπτικά Υφάσματα, Μεσαιωνική Τέχνη της Κίνας και Ιαπωνίας ... ... Μεγάλη σοβιετική εγκυκλοπαίδεια

- (De Kooning, Willem) de πονηριά στο εργαστήριό του. (1904 1997), ένας σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης, επικεφαλής της σχολής αφηρημένου εξπρεσιονισμού. Η De Cuning γεννήθηκε στις 24 Απριλίου 1904 στο Ρότερνταμ. Στην ηλικία των 15 ετών εισήλθε στα βραδινά μαθήματα ζωγραφικής ... ... Εγκυκλοπαίδεια χρώμα

- (Chattanooga) πόλη στα νοτιοανατολικά των Ηνωμένων Πολιτειών (βλ. Τις Ηνωμένες Πολιτείες της Αμερικής) (Τενεσί). Λιμάνι στον ποταμό Τενεσί στη Μεγάλη Κοιλάδα της Ασπαλαχίας. Βρίσκεται ανάμεσα στα βουνά της Appalachi και του οροπεδίου Cumberland, στα σύνορα με τη Γεωργία. Πληθυσμός 153,6 χιλιάδων ... ... Γεωγραφική εγκυκλοπαίδεια

- (Chattanooga), πόλη στη νοτιοανατολική Αμερική, Τενεσί. Θύρα r. Τενεσί. 152 χιλιάδες κάτοικοι (1994, με προάστια περίπου 430 χιλιάδες κάτοικοι). Χημική, κλωστοϋφαντουργία, χάρτινη βιομηχανία χαρτιού. Μαύρη μεταλλουργία, μηχανική μηχανική. ... ... Εγκυκλοπαιδικό λεξικό

Barbara Rose (Eng. Barbara Rose, R. 1938) Αμερικανός ιστορικός τέχνης και κριτικός τέχνης. Σπούδασε στο Smith College, το Barnard College και το Πανεπιστήμιο της Κολούμπια. Το 1961, το 1969 παντρεύτηκε τον καλλιτέχνη Frank Stella. Σε ... ... Wikipedia

Βιβλία

• Αγγλική και αμερικανική ζωγραφική στην Εθνική Πινακοθήκη της Ουάσινγκτον (Soft Binding), Milyugina E. G., η εθνική γκαλερί της Ουάσινγκτον έχει τις μεγαλύτερες συλλογές του κόσμου της αγγλικής και αμερικανικής ζωγραφικής ενός υψηλού επιπέδου τέχνης. Οι συλλογές αντανακλούν ως ιστορικό παγκόσμιας ζωγραφικής, ... Κατηγορία:

"Παίκτες σε κάρτες"

Συντάκτης

Paul Cesanne

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1839–1906
Στυλ Ταχυδρομική ύλη

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στα νότια της Γαλλίας σε μια μικρή πόλη πρώην en-provence, αλλά η ζωγραφική άρχισε να συμμετέχει στο Παρίσι. Αυτή η επιτυχία ήρθε σε αυτόν μετά την προσωπική έκθεση που διοργάνωσε ο συλλέκτης Ambruz Vollar. Το 1886, 20 χρόνια πριν τη φροντίδα του, μετακόμισε στα περίχωρα της πατρίδας του. Οι νέοι καλλιτέχνες τον κάλεσαν ονομάζεται "προσκύνημα στην πρώην".

130x97 cm
1895 έτος
Κόστος
250 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2012
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση

Η δημιουργικότητα Cezanne είναι εύκολο να κατανοηθεί. Ο μόνος κανόνας του καλλιτέχνη ήταν η άμεση μετάδοση του θέματος ή του οικόπεδο στον καμβά, έτσι ώστε οι πίνακές του να μην προκαλούν την αμηχανία του θεατή. Cezanne συνέδεσε δύο κύριες γαλλικές παραδόσεις στην τέχνη του: κλασικισμός και ρομαντισμός. Με τη βοήθεια μιας πολύχρωμης υφή, έδωσε μια εκπληκτική πλαστικότητα των αντικειμένων.

Μια σειρά από πέντε πίνακες "παίκτες στους χάρτες" γράφτηκε το 1890-1895. Το οικόπεδο τους είναι το ίδιο - πολλοί άνθρωποι παίζουν ενθουσιώδες πόκερ. Διατίθεται μόνο από τον αριθμό των παικτών και μεγεθών καμβά.

Τέσσερις πίνακες αποθηκεύονται στα Μουσεία της Ευρώπης και της Αμερικής (Μουσείο του Μελφαρίου, Μητροπολιτικό Μουσείο, Barnes Ίδρυμα και το Ινστιτούτο Κούρτο) και η πέμπτη φορά μέχρι πρόσφατα ήταν η διακόσμηση της ιδιωτικής συλλογής του ελληνικού δισεκατομμυριούχου-εφοπλιστή Georg Negbyricos. Λίγο πριν από το θάνατό του, το χειμώνα του 2011, αποφάσισε να το θέσει στην πώληση. Ο αντιπρόσωπος της τέχνης William Akvavella και ένα glimpical όνομα του Larry Gagosyan, ο οποίος το προσέφερε περίπου 220 εκατομμύρια δολάρια, οι οποίοι προσφέρουν περίπου 220 εκατομμύρια δολάρια για αυτό από τους πιθανούς αγοραστές "ελεύθερης" εργασίας. Ως αποτέλεσμα, η εικόνα πήγε στη βασιλική οικογένεια του Αραβικού Κράτους Κατάρ για 250 εκατομμύρια. Η μεγαλύτερη συμφωνία τέχνης στην ιστορία της ζωγραφικής έκλεισε τον Φεβρουάριο του 2012. Αυτό στην Vanity Fair ανέφερε έναν δημοσιογράφο Αλέξανδρο Pierce. Ανακάλυψε το κόστος της εικόνας και το όνομα του νέου ιδιοκτήτη και στη συνέχεια πληροφορίες διείσδυσε τα μέσα σε όλο τον κόσμο.

Το 2010, το Αραβικό Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης και το Εθνικό Μουσείο του Qatari άνοιξε στο Κατάρ. Τώρα οι συλλογές τους αναπληρώνονται. Ίσως η πέμπτη έκδοση των "παικτών στην κάρτα" αποκτήθηκε από τον Sheikh για το σκοπό αυτό.

ΣάμηΑγαπητέ ζωγραφικήστον κόσμο

Ιδιοκτήτης
Σέιχ Χαμάς
bin caliph al-tanya

Η δυναστεία al-tanya κυβερνά το Κατάρ πάνω από 130 χρόνια. Περίπου πριν από περίπου μισό αιώνα, βρέθηκαν τεράστια αποθέματα πετρελαίου και φυσικού αερίου εδώ ότι το VMIG έκανε το Κατάρ μία από τις πλουσιότερες περιοχές του κόσμου. Χάρη στην εξαγωγή υδρογονανθράκων σε αυτή τη μικρή χώρα, καταγράφεται το μεγαλύτερο κατά κεφαλήν ΑΕΠ. Ο Sheikh Hamad Bin Califa Al-Tanya το 1995, ενώ ο πατέρας του ήταν στην Ελβετία, με την υποστήριξη των μελών της οικογένειας κατασχέθηκαν εξουσία. Η αξία του σημερινού κυβερνήτη, σύμφωνα με τους εμπειρογνώμονες, σε μια σαφή στρατηγική για την ανάπτυξη της χώρας, δημιουργώντας μια επιτυχημένη κατάσταση. Τώρα το Σύνταγμα και ο Πρωθυπουργός εμφανίστηκαν στο Κατάρ και οι γυναίκες έλαβαν το δικαίωμα να ψηφίσουν στις κοινοβουλευτικές εκλογές. Με την ευκαιρία, ήταν το emir του Κατάρ που ίδρυσε το κανάλι News Al-Jazeera. Τεράστια προσοχή των αρχών του αραβικού κράτους να πληρώσουν τον πολιτισμό.

2

"Αριθμός 5"

Συντάκτης

Jackson Pollock

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1912–1956
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Ο ψεκαστήρας Jack - ένα τέτοιο ψευδώνυμο δόθηκε στο αμερικανικό κοινό για την ειδική τεχνική της ζωγραφικής. Ο καλλιτέχνης αρνήθηκε τη βούρτσα και το καβαλέτο, και το χρώμα που χύθηκε πάνω από την επιφάνεια του καμβά ή του φιορίτη κατά τη διάρκεια της συνεχούς κίνησης γύρω και μέσα τους. Από νεαρή ηλικία, αγαπούσε τη φιλοσοφία Jedda Krishnamurti, η κύρια υπόσχεση της οποίας - η αλήθεια ανοίγει κατά τη διάρκεια της ελεύθερης "εκσυγχρονισμού".

122x244 cm
1948.
Κόστος
140 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Sotheby's.

Η αξία του έργου του Midfield δεν αποτελεί αποτέλεσμα, αλλά στη διαδικασία. Ο συγγραφέας δεν αποκλείει τυχαία την τέχνη της δράσης ζωγραφικής. Με το ελαφρύ χέρι του έγινε ο κύριος τομέας της Αμερικής. Jackson Pollock Μικτή βαφή με άμμο, σπασμένο γυαλί και έγραψε ένα κομμάτι χαρτονιού, μαστίγιο, μαχαίρι, σέσουλα. Ο καλλιτέχνης ήταν τόσο δημοφιλής ότι στη δεκαετία του 1950, οι μιμητές βρέθηκαν ακόμη και στην ΕΣΣΔ. Η εικόνα "Αριθμός 5" αναγνωρίζεται ως ένα από τα πιο παράξενα και ακριβά στον κόσμο. Ένας από τους δημιουργούς των Dreamworks David Hepfen το απέκτησε για μια ιδιωτική συλλογή και το 2006 πωλήθηκε στη δημοπρασία Sotheby »για 140 εκατομμύρια δολάρια στο Μεξικάνικο David Martinez. Ωστόσο, σύντομα μια δικηγορική εταιρεία εξ ονόματος του πελάτη του κυκλοφόρησε ένα δελτίο τύπου, το οποίο ανέφερε ότι ο David Martinez δεν είναι ο ιδιοκτήτης της ζωγραφικής. Προφανώς μόνο ένα πράγμα είναι γνωστό: Ο Μεξικανός χρηματοδότης έχει πράγματι πρόσφατα συλλογή έργων σύγχρονης τέχνης. Είναι απίθανο ότι θα είχε χάσει ένα τέτοιο "μεγάλο ψάρι" ως "αριθμός 5" του μεσουού.

3

"Γυναίκα ΙΙΙ"

Συντάκτης

Villem de Kuning

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1904–1997
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Η αποχώρηση από τις Κάτω Χώρες, μετανάστευσε στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1926. Το 1948 πραγματοποιήθηκε μια προσωπική έκθεση του καλλιτέχνη. Οι επικριτές της τέχνης εκτιμάται σύνθετες, νευρικές ασπρόμαυρες συνθέσεις, αναγνωρίζοντας στον συγγραφέα του μεγάλου καλλιτέχνη-μοντερνιστή. Έχει υποστεί το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του με τον αλκοολισμό, αλλά η χαρά της δημιουργίας νέας τέχνης αισθάνεται σε κάθε έργο. Ο De Kuning διακρίνεται από την παρορμητικότητα της ζωγραφικής, τα ευρεία εγκεφαλικά επεισόδια, που μερικές φορές η εικόνα δεν ταιριάζει στα όρια του καμβά.

121x171 cm
1953.
Κόστος
137 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση

Στη δεκαετία του 1950, οι γυναίκες με κενά μάτια, μαζικά στήθη, άσχημη χαρακτηριστικά του προσώπου εμφανίζονται στους πίνακες του de Kuning. Η "Woman III" έγινε η τελευταία δουλειά από αυτή τη σειρά που συμμετείχε στη δημοπρασία.

Από τη δεκαετία του 1970, η εικόνα διατηρήθηκε στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης Τεχεράνης, αλλά μετά την εισαγωγή σκληρών κανόνων ηθικής στη χώρα, προσπάθησαν να το ξεφορτωθούν. Το 1994, το έργο αφαιρέθηκε από το Ιράν και μετά από 12 χρόνια ο ιδιοκτήτης του David Hepfen (ο πιο παραγωγός που πώλησε το κανάλι Jackson Pollock "Number 5") έδωσε την εικόνα στο Milliona Stephen Cohen για 137,5 εκατομμύρια δολάρια. Είναι ενδιαφέρον ότι ο Hepfhen άρχισε να πωλεί τη συλλογή ζωγραφικής του σε ένα χρόνο. Δημιούργησε ένα βάρος φήμης: για παράδειγμα, ο παραγωγός αποφάσισε να αγοράσει την εφημερίδα του Λος Άντζελες.

Σε ένα από τα φόρουμ της τέχνης, εκφράστηκε γνώμη σχετικά με την ομοιότητα των "γυναικών ΙΙΙ" με την εικόνα της Leonardo da Vinci "κυρία με το Mornosta". Για ένα χαμόγελο οδοντωτού και μια άμορφη φιγούρα της ηρωίδας, ο γνώστης της ζωγραφικής είδε τη χάρη του βασιλικού αίματος. Αυτό αποδεικνύεται από την κακώς βαμμένη κορώνα, το κεφάλι του γάμου μιας γυναίκας.

4

"Πορτρέτο του AdeliBloch-Bauer I »

Συντάκτης

Gustav klimt.

Χώρα Αυστρία
Χρόνια της ζωής 1862–1918
Στυλ Μοντέρνο

Ο Gustav Klimt γεννήθηκε στην οικογένεια μιας οικογένειας χαράκτη και ήταν το δεύτερο από τα επτά παιδιά. Τρεις γιοι του Ernest Klimt έγιναν καλλιτέχνες, και μόνο ο Γκουσβός είχε γίνει διάσημος για ολόκληρο τον κόσμο. Το μεγαλύτερο μέρος της παιδικής ηλικίας που πέρασε στη φτώχεια. Μετά το θάνατο του πατέρα του, ήταν υπεύθυνος για όλη την οικογένεια. Είναι αυτή τη στιγμή ότι η αναρρίχηση αναπτύσσει το ύφος του. Μπροστά από τους πίνακές του, οποιοσδήποτε προβολέας παγώνει: κάτω από τα λεπτά επιχρίσματα του χρυσού είναι σαφώς ορατό στον ερωτισμό του Frank.

138x136 cm
1907 έτος
Κόστος
135 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Sotheby's.

Η τύχη της εικόνας, η οποία ονομάζεται "Αυστριακή Mona Liza", μπορεί εύκολα να γίνει η βάση για το μπεστέλες. Το έργο του καλλιτέχνη ήταν η αιτία της σύγκρουσης ολόκληρου του κράτους και μιας ηλικιωμένης κυρίας.

Έτσι, στο "πορτρέτο του Adeli Bloch-Bauer" έδωσα έναν αριστοκράτη, τη σύζυγο του Ferdinand Bloch. Η τελευταία της θέληση ήταν να μεταφέρει την εικόνα της αυστριακής κρατικής γκαλερί. Ωστόσο, οι ψύλλοι στην ακυρωμένη δωρεά και ο καμβάς απαλλοτριώθηκε στους ναζί. Αργότερα, η γκαλερί μόλις αγόρασε το "Golden Adel", αλλά εδώ εμφανίστηκαν οι κληρονόμοι - Maria Altman, η ανιψιά του Ferdinand Bloch.

Το 2005 ξεκίνησε η δυνατή διαδικασία "Maria Altman εναντίον της Αυστριακής Δημοκρατίας", ακολουθώντας την εικόνα "Αριστερά" μαζί της στο Λος Άντζελες. Αυστρία υιοθέτησε πρωτοφανή μέτρα: Υπήρξαν διαπραγματεύσεις για τα δάνεια, ο πληθυσμός θυσιάστηκε χρήματα για να αγοράσει ένα πορτρέτο. Καλή και δεν κέρδισε το κακό: Η τιμή του Altman αύξησε στα 300 εκατομμύρια δολάρια. Κατά τη στιγμή της διαδικασίας, ήταν 79 ετών και εισήλθε στην ιστορία ως πρόσωπο που είχε αλλάξει τη βούληση του Bloch Bauer υπέρ των προσωπικών συμφερόντων. Η εικόνα αποκτήθηκε από τον Ronald Laoupere, τον ιδιοκτήτη της "Νέας Γκαλερί" στη Νέα Υόρκη, όπου βρίσκεται ακόμα αυτή τη μέρα. Όχι για την Αυστρία, γι 'αυτόν ο Altman μειώνει την τιμή των 135 εκατομμυρίων δολαρίων.

5

"Ποταμάκι"

Συντάκτης

Edward munk.

Χώρα Νορβηγία
Χρόνια της ζωής 1863–1944
Στυλ εξπρεσιονισμός

Η πρώτη εικόνα της λάσπης, η οποία έχει γίνει διάσημη παγκοσμίως, - "άρρωστο κορίτσι" (υπάρχει σε πέντε αντίγραφα) - αφιερωμένη στην αδελφή του καλλιτέχνη που αποβιώνει από τη φυματίωση ηλικίας 15 ετών. Η MINCA ενδιαφέρεται πάντα για το θέμα του θανάτου και της μοναξιάς. Στη Γερμανία, η βαριά, μανιακή ζωγραφική του προκάλεσε ακόμη ένα σκάνδαλο. Ωστόσο, παρά τα καταθλιπτικά οικόπεδα, οι πίνακές του έχουν ειδικό μαγνητισμό. Πάρτε τουλάχιστον κολπίσκο.

73,5х91 cm
1895 έτος
Κόστος
119,992 εκατομμύρια δολάρια
Πωλούνται Β. 2012.
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το πλήρες όνομα της εικόνας είναι το Der Schrei Der Natur (μεταφράζεται από το Γερμανό - "Creek of Nature"). Το πρόσωπο είναι αν το άτομο είναι, ή οι αλλοδαποί που εκφράζουν απελπισία και πανικό - το ίδιο συναίσθημα βιώνει έναν θεατή όταν κοιτάζει την εικόνα. Ένα από τα βασικά έργα του εξπρεσιονιστή προειδοποιεί τα θέματα που έχουν γίνει οξεία στην τέχνη του XX αιώνα. Σύμφωνα με μια από τις εκδόσεις, ο καλλιτέχνης το δημιούργησε υπό την επιρροή της ψυχικής διαταραχής, ο οποίος υπέστη όλη του τη ζωή.

Η εικόνα έχει κλαπεί δύο φορές από διαφορετικά μουσεία, αλλά επιστράφηκε. Η προκύπτουσα μικρή ζημιά μετά την κλοπή "Creek" ανακαινίστηκε και ήταν και πάλι έτοιμος να δείξει στο Μουσείο του μύλου το 2008. Για τους εκπροσώπους της ποπ κουλτούρας, το έργο έγινε πηγή έμπνευσης: ο Andy Warhol δημιούργησε μια σειρά από τα έντυπα εκτύπωσης και η μάσκα από την ταινία "Creek" έγινε στην εικόνα και την ομοιότητα του ήρωα της εικόνας.

Για ένα οικόπεδο, ο Munk έγραψε τέσσερις εκδόσεις της εργασίας: το ένα είναι στην ιδιωτική συλλογή, εκτελούνται παστέλ. Νορβηγικός δισεκατομμυριούχος Petter Olsen το έβαλε στη δημοπρασία στις 2 Μαΐου 2012. Ο αγοραστής ήταν ο Leon Black, ο οποίος δεν αντέχει στη "κλάμα" του ποσού ρεκόρ. Ιδρυτής εταιρειών Apollo Advisors, L.P. και τους συμβούλους λιονταριού, L.P. Γνωστό από την αγάπη του για την τέχνη. Το Black είναι ένα Patron του College Dartmouth, Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης, Κέντρο Τέχνης Λίνκολν, Μητροπολιτικό Μουσείο Τεχνών. Έχει τη μεγαλύτερη συλλογή έργων ζωγραφικής των σύγχρονων καλλιτεχνών και κλασικών πλοιάρχων των παρελθόντων αιώνων.

6

"Γυμνό στο φόντο της προτομής και των πράσινων φύλλων"

Συντάκτης

Πάμπλο Πικάσο

Χώρα Ισπανία, Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1881–1973
Στυλ κυβισμός

Με προέλευση, είναι ένας Ισπανός, και στο πνεύμα και τον τόπο κατοικίας - ένας πραγματικός Γάλλος. Το στούντιο της τέχνης του Πικάσο άνοιξε στη Βαρκελώνη όταν ήταν μόλις 16 ετών. Στη συνέχεια πήγε στο Παρίσι και πέρασε την πλειοψηφία της ζωής εκεί. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο στην επώνυμό του διπλή έμφαση. Στην καρδιά του στυλ, εφευρέθηκε Picasso, υπάρχει άρνηση της άποψης ότι το αντικείμενο που απεικονίζεται στον καμβά μπορεί να θεωρηθεί μόνο υπό μία άποψη.

130x162 cm
1932 έτος
Κόστος
106,482 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το έτος 2010
στη δημοπρασία Christie.

Κατά τη διάρκεια της δουλειάς του στη Ρώμη, ο καλλιτέχνης συναντήθηκε ο χορευτής της Olga Khokhlov, ο οποίος σύντομα έγινε η σύζυγός του. Τελείωσε με την Vagrancy, μετακόμισε μαζί της σε ένα πολυτελές διαμέρισμα. Μέχρι τότε, η αναγνώριση βρήκε έναν ήρωα, αλλά ο γάμος καταστράφηκε. Ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες του κόσμου δημιουργήθηκε σχεδόν τυχαία - σε μεγάλη αγάπη, η οποία, όπως πάντα, ο Πικάσο ήταν σύντομος. Το 1927, παρασύρθηκε από το Young Marie Terez Walter (ήταν 17 ετών, ήταν 45). Σε μυστικό, έφυγε από τη σύζυγό του με την ερωμένη του στην πόλη κοντά στο Παρίσι, όπου έγραψε ένα πορτρέτο, που απεικονίζει τη Marie Terez στην εικόνα της Δάφνης. Ο καμβάς απέκτησε τον αντιπρόσωπο της Νέας Υόρκης Paul Rosenberg και το 1951 τον έδωσε το Σίδνεϊ Σ. Μπρούδα. Οι σύζυγοι Brody έδειξαν μια εικόνα του κόσμου μόνο μία μέρα και μόνο επειδή ο καλλιτέχνης ήταν 80 ετών. Μετά το θάνατο του συζύγου της, κυρία Brody, τον Μάρτιο του 2010, έβαλε ένα έργο για τη δημοπρασία στο σπίτι της Christie's. Για έξι δεκαετίες, η τιμή έχει αυξηθεί περισσότερο από 5.000 φορές! Ένας άγνωστος συλλέκτης την απέκτησε για 106,5 εκατομμύρια δολάρια. Το 2011, η "Έκθεση ενός σχεδίου" έλαβε χώρα στη Βρετανία, όπου είδε το φως της δεύτερης ώρας, αλλά το όνομα του ιδιοκτήτη είναι ακόμα άγνωστο.

7

"Οκτώ elvis"

Συντάκτης

Andy warhole

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1928-1987
Στυλ
ποπ art

"Το σεξ και τα κόμματα είναι τα μόνα μέρη όπου πρέπει να εμφανιστείτε με το δικό σας πρόσωπο", δήλωσε ο καλλιτέχνης Pop Art, σκηνοθέτης, ένας από τους ιδρυτές του περιοδικού συνέντευξης, σχεδιαστής Andy Warhol. Εργάστηκε με τη μόδα και το παζάρι του Harper, καταρτίζει το εξώφυλλο των αρχείων, ήρθε με παπούτσια για i.Miller. Στη δεκαετία του 1960, εμφανίστηκαν εικόνες των συμβόλων της Αμερικής: η σούπα Campbell και η Coca-Cola, Presley και Monroe - το έκανε ο θρύλος.

358x208 cm
1963 χρόνια
Κόστος
100 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση

Warholovsky 60s - η εποχή της Pop Art's Era στην Αμερική. Το 1962 εργάστηκε στο Μανχάταν στο στούντιο "εργοστάσιο", όπου συγκεντρώθηκαν όλη η Βοημία Νέα Υόρκη. Οι λαμπεροί αντιπροσώπους του: Mick Jagger, Bob Dylan, Trueman Hood και άλλος άνθρωπος γνωστός στον κόσμο. Ταυτόχρονα, η Warhol προσπάθησε τη μεταξογραφική τεχνολογία - μια πολλαπλή επανάληψη μιας εικόνας. Χρησιμοποίησε αυτή τη μέθοδο και κατά τη δημιουργία "οκτώ elvis": ο θεατής φαίνεται να βλέπει τα πλαίσια από την ταινία, όπου το αστέρι έρχεται στη ζωή. Υπάρχουν όλα όσα αγαπάει τόσο πολύ ο καλλιτέχνης: η νίκη-νίκη δημόσια εικόνα, το ασημένιο χρώμα και η προδικασία του θανάτου ως κύρια υπόσχεση.

Υπάρχουν δύο αντιπροσώπους τέχνης που προωθούν το έργο του Warhol στην παγκόσμια αγορά σήμερα: ο Larry Gagosyan και ο Alberto Morbai. Το πρώτο το 2008 δαπάνησε 200 εκατομμύρια δολάρια για να αποκτήσει περισσότερα από 15 έργα Warhol. Το δεύτερο αγοράζει και πωλεί τα έργα του ως Χριστουγεννιάτικες κάρτες, μόνο πιο ακριβό. Αλλά όχι, και ο μέτριος σύμβουλος της Γαλλικής Τέχνης Philip Segalo βοήθησε τον ρωμαϊκό γνώρισμα της τέχνης της Annibal Berlingheri να πουλήσει τον άγνωστο αγοραστή "οκτώ Elvis" για ένα αρχείο για Warhol - 100 εκατομμύρια δολάρια.

8

"Πορτοκάλι,Κόκκινο κίτρινο"

Συντάκτης

Mark rotko

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1903–1970
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Ένας από τους δημιουργούς της ζωγραφικής του χρωμάτων που γεννήθηκε στο Dvinsk, Ρωσία (τώρα - Daugavpils, Λετονία), σε μια μεγάλη οικογένεια του εβραϊκού φαρμακοποιού. Το 1911, μετανάστευσαν στις Ηνωμένες Πολιτείες. Ο Rotko σπούδασε στη Σχολή Τέχνης του Πανεπιστημίου Yale, πέτυχε υποτροφίες, αλλά τα αντισημιτικά συναισθήματα τον ανάγκασαν να εγκαταλείψει τις σπουδές του. Παρά τα πάντα, η κριτική της τέχνης του καλλιτέχνη φυλάσσεται και τα μουσεία ακολούθησαν όλη τη ζωή του.

206x236 cm
1961 έτος
Κόστος
86.882 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Christie.

Τα πρώτα καλλιτεχνικά πειράματα του Rotko ήταν ένας σουρεαλιστικός προσανατολισμός, αλλά με την πάροδο του χρόνου απλουστεύει το οικόπεδο στα έγχρωμα σημεία, στερούσε τους οποιοδήποτε αντικείμενο. Αρχικά είχαν φωτεινές αποχρώσεις, και τη δεκαετία του 1960 χύθηκαν καφέ, βιολετί, πάχοντας μαύρα μέχρι τη στιγμή του θανάτου του καλλιτέχνη. Ο Mark Rotko προειδοποίησε ενάντια στην αναζήτηση οποιασδήποτε σημασίας στους πίνακές του. Ο συγγραφέας ήθελε να πει ακριβώς τι είπε: μόνο ένα χρώμα που διαλύεται στον αέρα, και τίποτα περισσότερο. Συνιστάται να κοιτάζει το έργο από απόσταση 45 cm, έτσι ώστε ο θεατής να "καθυστερήσει" στο χρώμα, όπως σε μια χοάνη. ΠΡΟΣΟΧΗ: Ψάχνετε για όλους τους κανόνες μπορεί να οδηγήσει στην επίδραση του διαλογισμού, δηλαδή, σταδιακά έρχεται στην επίγνωση του άπειρου, πλήρης εμβάπτιση από μόνη της, χαλάρωση, καθαρισμό. Το χρώμα στις ζωγραφιές του ζει, αναπνέει και έχει ισχυρότερο συναισθηματικό αντίκτυπο (λένε, μερικές φορές θεραπεύοντας). Ο καλλιτέχνης δήλωσε: "Ο θεατής πρέπει να κλάψει, κοιτάζοντας τους" και τέτοιες περιπτώσεις ήταν πράγματι. Στη θεωρία του Rotko, αυτή τη στιγμή οι άνθρωποι ζουν την ίδια πνευματική εμπειρία καθώς στη διαδικασία της εργασίας στην εικόνα. Εάν καταφέρατε να το καταλάβετε σε ένα τόσο λεπτό επίπεδο, τότε δεν θα εκπλαγείτε ότι αυτά τα έργα της ακρίβειας που συχνά συγκρίνονται με τα εικονίδια.

Το έργο "πορτοκαλί, κόκκινο, κίτρινο" εκφράζει όλη την ουσία της ζωγραφικής σήμανσης Rothko. Το αρχικό του κόστος στη δημοπρασία της Christie στη Νέα Υόρκη 35-45 εκατομμύρια δολάρια. Ένας άγνωστος αγοραστής προσέφερε μια τιμή δύο φορές ως υπέρβαση. Το όνομα του χαρούμενου ιδιοκτήτη ζωγραφικής, όπως συμβαίνει συχνά, δεν αποκαλύπτεται.

9

"Τρίπτυχο"

Συντάκτης

Φράνσις Μπέικον

Χώρα
Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια της ζωής 1909–1992
Στυλ εξπρεσιονισμός

Οι περιπέτειες του Francis Beckon, ένα πλήρες ομώνυμο και εκτός από έναν μακρύ απόγονο του μεγάλου φιλόσοφου, ξεκίνησε όταν ο Πατέρας τον παραιτηθεί, δεν μπορεί να δεχτεί τις ομοφυλοφιλικές τάσεις του Υιού. Ο Μπέικον πήγε πρώτα στο Βερολίνο, στη συνέχεια στο Παρίσι, και στη συνέχεια τα ίχνη του συγχέονται σε όλη την Ευρώπη. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, το έργο του εκτέθηκε σε κορυφαία πολιτιστικά κέντρα του κόσμου, μεταξύ των οποίων το μουσείο Guggenheim και η γκαλερί Tretyakov.

147,5х198 cm (το καθένα)
1976
Κόστος
$ 86,2 εκατομμύρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.

Τα διάσημα μουσεία προσπάθησαν να κατέχουν πίνακες της Bekon, αλλά το αρχικό αγγλικό κοινό δεν βιάζεται να επιβιώσει για την τέχνη αυτή. Ο θρυλικός πρωθυπουργός της British Margaret Thatcher μίλησε γι 'αυτόν: "Ένα άτομο που αντλεί αυτούς τους τρομακτικούς πίνακες".

Η περίοδος εκκίνησης στο έργο του, ο ίδιος ο καλλιτέχνης εξέτασε τον μεταπολεμικό χρόνο. Επιστρέφοντας από την υπηρεσία, έλαβε και πάλι ζωγραφική και δημιούργησε τα κύρια αριστουργήματα. Πριν από τη συμμετοχή του Triptych, το 1976 στη δημοπρασία του πιο ακριβού έργου μπέικον ήταν "Eterude στο πορτρέτο του Πάπα Innokentia X" (52,7 εκατομμύρια δολάρια). Στο Triptykh, το 1976, ο καλλιτέχνης απεικονίζει ένα μυθικό οικόπεδο της διώξεως της οργής ορεστέ. Φυσικά, ο ίδιος ο ίδιος είναι ο ίδιος ο Bacon, και ο Furi είναι το μαρτύριο του. Για περισσότερα από 30 χρόνια, η εικόνα ήταν στην ιδιωτική συλλογή και δεν συμμετείχε σε εκθέσεις. Το γεγονός αυτό το δίνει μια ειδική αξία και, κατά συνέπεια, αυξάνει το κόστος. Αλλά τι είναι μερικά εκατομμύρια για έναν γνώστη τέχνης, και ακόμη και στα ρωσικά γενναιόδωρα; Ο Ρωμαίος Abramovich άρχισε να δημιουργεί τη συλλογή του τη δεκαετία του 1990, η φίλη Dasha Zhukov τον επηρέασε σημαντικά, το οποίο έγινε μια μοντέρνα γκαλερί στη σύγχρονη Ρωσία. Σύμφωνα με ανεπίσημα δεδομένα, στην προσωπική ιδιοκτησία του επιχειρηματία, υπάρχουν έργα του Alberto Dzhacometti και του Pablo Picasso, αγόρασαν για ποσά που υπερβαίνουν τα 100 εκατομμύρια δολάρια. Το 2008, έγινε ιδιοκτήτης του Triptych. Με την ευκαιρία, το 2011 αποκτήθηκε μια άλλη πολύτιμη δουλειά του Bekon - "τρία σκίτσα στο πορτρέτο του Lucien Freud". Οι κρυφές πηγές λένε ότι ο Ρωμαίος Arkadyevich έγινε και πάλι ο αγοραστής.

10

"Λίμνη με νούφαρο"

Συντάκτης

Claude monet

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1840–1926
Στυλ ιμπρεσιονισμός

Ο καλλιτέχνης αναγνωρίζεται από τον πρόγονο του ιμπρεσιονισμού, "με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας" αυτή τη μέθοδο στις καμβά της. Η πρώτη σημαντική δουλειά ήταν η ζωγραφική "πρωινό στο γρασίδι" (η αρχική έκδοση του έργου του Edward Mane). Στη νεολαία του, ζωγράφισε καρικατούρες και μια πραγματική ζωγραφική ανέλαβε κατά τη διάρκεια των ταξιδιών του κατά μήκος της ακτής και σε εξωτερικούς χώρους. Στο Παρίσι, οδήγησε τον Bohemian Lifestyle και δεν τον άφησε ακόμη και μετά την υπηρεσία στο στρατό.

210x100 cm
1919 έτος
Κόστος
80,5 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Christie.

Εκτός από το γεγονός ότι ο Monet ήταν ένας σπουδαίος καλλιτέχνης, έλαβε επίσης ενθουσιασμό με την κηπουρική, λατρευμένη ζωντανή φύση και λουλούδια. Στα τοπία του, η κατάσταση της φύσης είναι ελαφρώς, αντικείμενα σαν να θολωθεί από την κίνηση του αέρα. Η εντύπωση ενισχύεται από μεγάλα κηλίδες, από μια ορισμένη απόσταση γίνονται ανεπαίσθητα και συγχωνεύονται σε μια υφή, τρισδιάστατη εικόνα. Στη ζωγραφική του καθυστερημένου γάμου, το θέμα του νερού και της ζωής σε αυτό καταλαμβάνει μια ειδική θέση. Στην πόλη της Γκβέρνης, ο καλλιτέχνης ήταν η δική του λίμνη, όπου μεγάλωσε η Πίτα από τους σπόρους, που έφερε ειδικά από την Ιαπωνία. Όταν τα λουλούδια τους ανθίζουν, έψαχνε να σχεδιάσει. Μια σειρά από "γλυκά" αποτελείται από 60 έργα που ο καλλιτέχνης έγραψε για σχεδόν 30 χρόνια μέχρι θανάτου. Το όραμά του έχει επιδεινωθεί με την ηλικία, αλλά δεν σταμάτησε. Ανάλογα με τον άνεμο, την εποχή του χρόνου και τον καιρό, η λίμνη έχει αλλάξει συνεχώς, αυτές οι αλλαγές ήθελαν να καταγράψουν το Monet. Μέσω διεξοδικά για αυτόν, η κατανόηση της ουσίας της φύσης ήρθε. Μερικά από τα κελύφη της σειράς αποθηκεύονται στις κορυφαίες γκαλερί του κόσμου: το Εθνικό Μουσείο της Δυτικής Τέχνης (Τόκιο), το πορτοκαλί (Παρίσι). Η έκδοση της επόμενης "λίμνης με το νούφαρο" πήγε στα χέρια ενός άγνωστου αγοραστή για ένα αρχείο ρεκόρ.

11

Ψεύτικο αστέρι Τ.

Συντάκτης

Jasper Jones

Χώρα ΗΠΑ
Ετος γέννησης 1930
Στυλ ποπ art

Το 1949, ο Jones εισήλθε στο σχολείο σχεδιασμού στη Νέα Υόρκη. Μαζί με τον Jackson Pollock, Willem de Cunning και άλλους, αναγνωρίζεται ως ένας από τους κύριους καλλιτέχνες του 20ού αιώνα. Το 2012 έλαβε το "προεδρικό μετάλλιο της ελευθερίας" - το υψηλότερο άμαχο βραβείο των Ηνωμένων Πολιτειών.

137.2х170,8 cm
1959
Κόστος
80 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση

Όπως η Μασσαλία Dushan, ο Jones εργάστηκε με πραγματικά αντικείμενα, τα οποία τους απεικονίζουν σε καμβά και σε γλυπτική σε πλήρη συμφωνία με το πρωτότυπο. Για το έργο τους, χρησιμοποίησε απλά και κατανοητά αντικείμενα: μπουκάλι μπύρας, σημαία ή κάρτα. Η ψευδή εικόνα εκκίνησης δεν έχει καμία σαφή σύνθεση. Ο καλλιτέχνης σαν να παίζει με το κοινό, συχνά "λάθος" που υπογράφει χρώματα στην εικόνα, στρέφοντας την έννοια του ίδιου του χρώματος: "Ήθελα να βρω έναν τρόπο να απεικονίσω το χρώμα έτσι ώστε να μπορεί να καθοριστεί από κάποια άλλη μέθοδο". Το πιο εκρηκτικό και "ανθεκτικό στον εαυτό του", σύμφωνα με τους κριτικούς, η εικόνα αποκτήθηκε από έναν άγνωστο αγοραστή.

12

"ΣυνεδρίασηΓυμνός στον καναπέ"

Συντάκτης

Amedeo modiganiani

Χώρα Ιταλία, Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1884–1920
Στυλ εξπρεσιονισμός

Το Moodigaliani συχνά άρρωστοι από την παιδική ηλικία, κατά τη διάρκεια μιας πυρετωδούς ανοησίας, αναγνώρισε τον σχεδιαστή του καλλιτέχνη. Σπούδασε ζωγραφική στο Λιβόρνο της Φλωρεντίας, της Βενετίας και το 1906 πήγε στο Παρίσι, όπου η τέχνη του άνθισε.

65x100 cm
1917 χρόνια
Κόστος
$ 68.962 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το έτος 2010
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το 1917, ο Modigliani συναντήθηκε το 19χρονο Jeanne Ebutern, ο οποίος έγινε το μοντέλο του, και στη συνέχεια η σύζυγός του. Το 2004, ένα από τα πορτρέτα της πωλήθηκε για $ 31,3 εκατομμύρια, τα οποία έγιναν το τελευταίο ρεκόρ πριν από την πώληση "συνεδρίαση γυμνό στον καναπέ" \u200b\u200bτο 2010. Η εικόνα απέκτησε έναν άγνωστο αγοραστή για το μέγιστο για το modigliani τη στιγμή της τιμής. Οι ενεργοί πωλήσεις εργασίας άρχισαν μόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη. Πέθανε σε μια φτώχεια, άρρωστη φυματίωση και την επόμενη μέρα που διαπράχθηκε μαζί του και ο Zhanna Ebutern, ο οποίος έμεινε στον ένατο μήνα της εγκυμοσύνης.

13

"Αετός στο πεύκο"

Συντάκτης

Qi Bayshi.

Χώρα Κίνα
Χρόνια της ζωής 1864–1957
Στυλ Gokhua

Το ενδιαφέρον για την καλλιγραφία οδήγησε Qi Baisha στη ζωγραφική. Στην ηλικία των 28 ετών, έγινε φοιτητής του καλλιτέχνη HU Zinyuan. Το Υπουργείο Πολιτισμού της Κίνας του διέκοψε τον τίτλο του «μεγάλου καλλιτέχνη του κινεζικού λαού», το 1956 έλαβε ένα διεθνές βραβείο του κόσμου.

10x26 cm
1946
Κόστος
65,4 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Κίνα Guardian.

Ο Qi Bayshi ενδιαφέρεται για αυτές τις εκδηλώσεις του περιβάλλοντος κόσμου, το οποίο πολλοί δεν δίνουν αξίες και σε αυτό το μεγαλείο του. Ένας άνδρας χωρίς εκπαίδευση έγινε καθηγητής και ένας εξαιρετικός δημιουργός στην ιστορία. Ο Pablo Picasso μίλησε γι 'αυτόν: "Φοβάμαι να πάω στη χώρα σας, γιατί στην Κίνα υπάρχουν qi baisha". Η σύνθεση "αετός σε ένα πεύκο" αναγνωρίζεται ως το μεγαλύτερο έργο του καλλιτέχνη. Εκτός από τον καμβά, περιλαμβάνει δύο ιερογλυφικά κύλιση. Για την Κίνα, το ποσό για το οποίο αγοράστηκε η εργασία, αντιπροσωπεύει ένα αρχείο - 425,5 εκατομμύρια γιουάν. Μόνο ένας κύλισης ενός αρχαίου calligrapher Juan Tinjiang πωλήθηκε για 436,8 εκατομμύρια.

14

"1949-A-№1"

Συντάκτης

Clifford ακόμα

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1904–1980
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Σε ηλικία 20 ετών, επισκέφθηκε το Μητροπολιτικό Μουσείο στη Νέα Υόρκη και ήταν απογοητευμένος. Αργότερα, υπογράφηκε για την πορεία του φοιτητικού πρωταθλήματος των Τεχνών, αλλά άφησε 45 λεπτά μετά την έναρξη των τάξεων - αποδείχθηκε ότι δεν είναι "όχι". Η πρώτη προσωπική έκθεση προκάλεσε ένα συντονισμό, ο καλλιτέχνης βρήκε τον εαυτό του, και με αυτή την αναγνώριση

79x93 cm
1949 έτος
Κόστος
61,7 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's.

Όλα τα έργα τους, και αυτό είναι πάνω από 800 καμβά και 1600 έργα σε χαρτί, ο στυλίστας κέρδισε την αμερικανική πόλη, όπου θα ανοίξει το μουσείο του ονόματός του. Ο Ντένβερ έγινε μια τέτοια πόλη, αλλά μόνο η κατασκευή ήταν δαπανηρή στις αρχές, και για την ολοκλήρωσή της, τέσσερα έργα τέθηκαν σε δημοπρασία. Τα έργα της Stille είναι απίθανο να συμμετάσχουν στη δημοπρασία που προχώρησε ακόμα, η οποία προχώρησε την τιμή τους εκ των προτέρων. Η ζωγραφική "1949-A-No.1" πωλήθηκε για ένα αρχείο για τον καλλιτέχνη, αν και οι εμπειρογνώμονες πρόβλεψαν την πώληση 25-35 εκατομμυρίων δολαρίων.

15

"Suprematic composition"

Συντάκτης

Kazimir malevich

Χώρα Ρωσία
Χρόνια της ζωής 1878–1935
Στυλ Υπερεστισμός

Η Malevich έμαθε ζωγραφική στο σχολείο τέχνης Κίεβο, στη συνέχεια στη Μόσχα Ακαδημία Τεχνών. Το 1913 άρχισε να γράφει αφηρημένες γεωμετρικές ζωγραφιές με στυλ, το οποίο ονομάζεται υπερεκτισμός (από το LAT. "Κυριαρχία").

71x 88,5 cm
1916
Κόστος
60 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.

Στο αστικό μουσείο του Άμστερνταμ, η εικόνα διατηρήθηκε περίπου 50 ετών, αλλά μετά από μια 17χρονη διαμάχη με τους συγγενείς του Malevich, το μουσείο της έδωσε. Ο καλλιτέχνης έγραψε αυτή τη δουλειά σε ένα χρόνο με το "Manifesto of Suprematism", οπότε η Sotheby`s ανακοινώθηκε πριν από την προσφορά, δεν θα πάει στην ιδιωτική συλλογή σε μια ιδιωτική συλλογή. Ετσι κι εγινε. Είναι καλύτερο να το κοιτάξουμε: τα σχήματα στον καμβά μοιάζουν με την άποψη της γης από τον αέρα. Με την ευκαιρία, λίγα χρόνια νωρίτερα, οι ίδιοι συγγενείς απαλλοκοπικοί από το Μουσείο της MOMA μια άλλη "υπερμετρική σύνθεση" για να το πουλήσει στη δημοπρασία Phillips για 17 εκατομμύρια δολάρια.

16

"Πόρπες"

Συντάκτης

Paul Gajen

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1848–1903
Στυλ Ταχυδρομική ύλη

Μέχρι και επτά χρόνια, ο καλλιτέχνης έζησε στο Περού, τότε με την οικογένειά του επέστρεψε στη Γαλλία, αλλά οι αναμνήσεις των παιδιών τον έσπρωξαν συνεχώς να ταξιδεύουν. Στη Γαλλία, άρχισε να γράφει χρώματα, ήταν φίλοι με το Van Gogh. Πέρασε ακόμη και αρκετούς μήνες μαζί του στην Arles, μέχρι το Van Gogh κατά τη διάρκεια μιας διαμάχης να κόψει το αυτί του.

93,4х60,4 cm
1902 έτος
Κόστος
55 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το 2005
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το 1891, ο Gauguen διευθετείται να πουλήσει τους πίνακες του για να πάει βαθιά στο νησί της Ταϊτής στα αντίστροφα χρήματα. Εκεί δημιούργησε την εργασία στην οποία αισθάνεται η λεπτή σχέση της φύσης και του ανθρώπου. Το GOGEN έζησε σε μια καλύβα άχυρου και ένας τροπικός παράδεισος άνθισε στις καμβά του. Η σύζυγός του έγινε η 13χρονη Tahitiankah Teehra, η οποία δεν εμπόδισε τον καλλιτέχνη να συμμετάσχει με διαταραχές. Ασθένεια Σύφλεση, έφυγε για τη Γαλλία. Ωστόσο, η Mogen ήταν στενά και επέστρεψε στην Ταϊτή. Αυτή η περίοδος ονομάζεται "δεύτερος taitian" - τότε ήταν ότι η εικόνα των "swimsters" γράφτηκε, ένα από τα πιο πολυτελή στο έργο του.

17

"Νάρκισσος και τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ τόνους"

Συντάκτης

Henri Matisse

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1869–1954
Στυλ Φοβισόφ

Το 1889, ο Henri Matisse είχε επίθεση απόκενττιδα. Όταν ανακτήθηκε από τη λειτουργία, η μητέρα αγόρασε τα χρώματα. Αρχικά, η Matisse από την Boredom αντιγράφηκε χρωματικά καρτ ποστάλ, τότε - τα έργα των μεγάλων ζωγράφων, που είδε στο Λούβρο, και στις αρχές του 20ού αιώνα ήρθαν με ένα στυλ - σχηματισμό.

65.2χ81 cm
1911
Κόστος
46,4 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2009
στη δημοπρασία Christie.

Η εικόνα "Νάρκισσος και τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ τόνους" για μεγάλο χρονικό διάστημα ανήκε στο Iva Saint-Laurent. Μετά το θάνατο του Kuturier, η όλη της συλλογή τέχνης έχει μετακομίσει στα χέρια του φίλου του και ο εραστής Pierre Berez, ο οποίος αποφάσισε να το θέσει στη δημοπρασία της Christie. Το μαργαριτάρι της συλλογής που πωλείται ήταν η ζωγραφική "Νάρκισσος και ένα τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ τόνους", γραμμένο σε ένα απλό τραπεζομάντιλο αντί για καμβά. Ως δείγμα της αχυρώνας, γεμίζει με έγχρωμη ενέργεια, τα χρώματα φαίνεται να εκραγούν και να φωνάζουν. Από τη διάσημη σειρά έργων ζωγραφικής που γράφτηκαν στο τραπεζομάντιλο, σήμερα αυτό το έργο είναι το μόνο, το οποίο βρίσκεται στην ιδιωτική συλλογή.

18

"Κοιμάται κορίτσι"

Συντάκτης

ΡομΨέμα

khtenstein

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1923–1997
Στυλ ποπ art

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Νέα Υόρκη και αποφοίτησε από το σχολείο, πήγε στο Οχάιο, όπου πήγε στα μαθήματα τέχνης. Το 1949, ο Λιχτενστάιν έλαβε ένα μεταπτυχιακό δίπλωμα σε κομψές τέχνες. Το ενδιαφέρον για τα κόμικς και η ικανότητα να σιδερώσουν τον καλλιτέχνη λατρείας του περασμένου αιώνα.

91x91 cm
1964
Κόστος
$ 44.882 εκατομμύρια
Πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Sotheby's.

Μια μέρα ένα τσίχλα χτύπησε το Λιχτενστάιν. Επαναλάσσει την εικόνα από την επένδυση στον καμβά και έγινε διάσημος. Σε αυτό το οικόπεδο από τη βιογραφία του, ολόκληρη η αποστολή ποπ τέχνης ολοκληρώνεται: η κατανάλωση είναι ένας νέος Θεός και στην καραμέλα από το Zhwachka όχι λιγότερο ομορφιά από ό, τι στο Mont Lisa. Οι πίνακές του μοιάζουν με κόμικς και κινούμενα σχέδια: Το Λιχτενστάιν απλώς αύξησε την τελειωμένη εικόνα, αντλώντας τα rasters, χρησιμοποιημένη εκτύπωση μεμβράνης και μεταξοτυπία. Η εικόνα "κοιμάται κορίτσι" ανήκε για σχεδόν 50 χρόνια στους συλλέκτες Beatris και Philip Pearrs, των οποίων οι κληρονόμοι το πωλήθηκαν σε δημοπρασία.

19

"Νίκη. Boogie woogie "

Συντάκτης

Πιτ Μονδικά

Χώρα Ολλανδία
Χρόνια της ζωής 1872–1944
Στυλ Νεοφισμός

Το πραγματικό του επώνυμο - Cornelis - ο καλλιτέχνης άλλαξε στο Mondrian, όταν το 1912 μετακόμισε στο Παρίσι. Μαζί με τον καλλιτέχνη Teo Vann Dusburg ίδρυσε το κίνημα "Nexousticism". Προς τιμήν της Mondrian, η γλώσσα Piet προγραμματισμού ονομάζεται.

27x127 cm
1944
Κόστος
40 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το 1998.
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το πιο "μουσικό" από τους καλλιτέχνες του 20ού αιώνα κέρδισε ζωντανό με ακουαρέλα ακόμα ζωφάβες, αν και έγινε διάσημος για έναν νεοπλασματικό καλλιτέχνη. Στις ΗΠΑ, μετακόμισε τη δεκαετία του 1940 και πέρασε εκεί το υπόλοιπο της ζωής. Jazz και Νέα Υόρκη - Αυτό τον ενέπνευσε περισσότερο! Εικόνα "Νίκη. Το Bogi-Vuy "είναι το καλύτερο παράδειγμα αυτού. Τα "επώνυμα" καθαρά τετράγωνα ελήφθησαν λόγω της χρήσης της κολλητικής ταινίας - του αγαπημένου υλικού του Mondrian. Στην Αμερική, ονομάστηκε "πιο διάσημος μετανάστης". Στη δεκαετία του εξήντα, ο Yves Saint Laurent κυκλοφόρησε τα Μονιακά φορέματα που είναι γνωστά σε ολόκληρο τον κόσμο με μια εκτύπωση σε ένα μεγάλο κύτταρο χρώματος.

20

"Σύνθεση αριθ. 5"

Συντάκτης

ΒασιλικόςΚανδινίνσκι

Χώρα Ρωσία
Χρόνια της ζωής 1866–1944
Στυλ avant-garde

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Μόσχα και ο πατέρας του ήταν από τη Σιβηρία. Μετά την επανάσταση, προσπάθησε να συνεργαστεί με τη σοβιετική εξουσία, αλλά σύντομα συνειδητοποίησε ότι οι νόμοι του προλεταριάτου δεν δημιουργήθηκαν γι 'αυτόν και δεν μετανάστευσαν στη Γερμανία χωρίς δυσκολίες.

275x190 cm
1911
Κόστος
40 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2007.
στη δημοπρασία Sotheby's.

Kandinsky Ένα από τα πρώτα αρνήθηκε εντελώς το θέμα ζωγραφικής, για το οποίο έλαβε τον τίτλο της ιδιοφυΐας. Κατά τη διάρκεια του ναζισμού στη Γερμανία, οι πίνακές του αποδόθηκαν στην "εκφυλιστική τέχνη" και δεν έχουν εκδηλωθεί οπουδήποτε. Το 1939, η Kandinsky υιοθέτησε τη γαλλική ιθαγένεια, συμμετείχε στην καλλιτεχνική διαδικασία στο Παρίσι. Οι ζωγραφιές του "ήχοι", σαν τη φούγκα, τόσοι πολλοί κλήθηκαν "συνθέσεις" (η πρώτη γράφτηκε το 1910, το τελευταίο - το 1939). "Σύνθεση αριθ. 5" είναι ένα από τα κλειδιά που λειτουργεί σε αυτό το είδος: "Η λέξη" σύνθεση "ακούστηκε για μένα ως προσευχή", δήλωσε ο καλλιτέχνης. Σε αντίθεση με πολλούς οπαδούς, σχεδίαζε τι θα απεικονίζει σε έναν τεράστιο καμβά, σαν να έγραψε σημειώσεις.

21

"Eterude γυναίκες με μπλε χρώμα"

Συντάκτης

Fernian Leo

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1881–1955
Στυλ Cubism-Postressistrism

Ο Legeway έλαβε αρχιτεκτονική εκπαίδευση, και στη συνέχεια ήταν ακροατής της Σχολής Κομψών Τεχνών στο Παρίσι. Ο καλλιτέχνης θεωρείται ο οπαδός της Cezanna, ήταν απολογητής του κυβισμού και στον XX αιώνα ήταν επίσης επιτυχής ως γλύπτης.

96,5х129,5 cm
1912-1913 Έτος
Κόστος
39,2 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.

Ο David Norman, πρόεδρος του Διεθνούς Τμήματος Εμπρόσημο και ο Μοντερνισμός Sotheby`s, θεωρεί ένα τεράστιο ποσό που καταβάλλεται για την "κυρία με μπλε χρώμα", δικαιολογημένη. Η εικόνα ανήκει στη διάσημη συλλογή Lesion (ο καλλιτέχνης έγραψε τρεις φωτογραφίες σε ένα οικόπεδο, σε ιδιωτικά χέρια σήμερα - το τελευταίο. - ed. Ed.) Και η επιφάνεια του καμβά διατηρείται σε παρθένα. Ο ίδιος ο συγγραφέας έδωσε αυτή τη δουλειά στη γκαλερί του Der Sturm, τότε έπεσε στη συλλογή Hermann Lang, τους γερμανούς συλλέκτες του μοντερνισμού και τώρα ανήκει σε έναν άγνωστο αγοραστή.

22

"Σκηνή δρόμου. Βερολίνο"

Συντάκτης

Ernst ludwigKirchner

Χώρα Γερμανία
Χρόνια της ζωής 1880–1938
Στυλ εξπρεσιονισμός

Για τον γερμανικό εξπρεσιονισμό, ο Kirchner έγινε υπογράψει πρόσωπο. Ωστόσο, οι τοπικές αρχές τον κατηγόρησαν τη δέσμευση να «εκφυλιστική τέχνη», η οποία επηρέασε τραγικά τη μοίρα των ζωγραφικών του και στη ζωή του καλλιτέχνη που αυτοκτόνησε το 1938.

95x121 cm
1913 χρόνια
Κόστος
38.096 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Christie.

Μετά τη μετάβαση στο Βερολίνο, ο Kirchner δημιούργησε 11 σκίτσα σκηνών δρόμου. Ήταν εμπνευστείτε από την αναταραχή και τη νευρικότητα μιας μεγάλης πόλης. Στην ταινία που πωλείται το 2006 στη Νέα Υόρκη, μια ανησυχητική κατάσταση του καλλιτέχνη είναι ιδιαίτερα οξεία: οι άνθρωποι στο δρόμο του Βερολίνου μοιάζουν με τα πουλιά - κομψά και επικίνδυνα. Έγινε η τελευταία δουλειά από τη διάσημη σειρά που πωλείται στη δημοπρασία, τα υπόλοιπα αποθηκεύονται σε μουσεία. Το 1937, οι Ναζί ασχολήθηκαν σκληρά με τον Kirchner: 639 από τα έργα του αποσύρθηκαν από γερμανικές γκαλερί, καταστράφηκαν ή πωλούνται στο εξωτερικό. Ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε να επιβιώσει αυτό.

23

"Αναψυχήχορεύτρια"

Συντάκτης

Edgar degas

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1834–1917
Στυλ ιμπρεσιονισμός

Η ιστορία της DEGI ως καλλιτέχνη άρχισε με το γεγονός ότι εργάστηκε ως copywriter στο Λούβρο. Ονειρευόταν να γίνει "διάσημο και άγνωστο" και τελικά ήταν δυνατό. Στο τέλος της ζωής, οι κωφοί και οι Dazzle 80-year-old degas συνέχισαν να παρακολουθούν εκθέσεις και δημοπρασίες.

64x59 cm
1879 χρόνια
Κόστος
37.043 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.

"Η μπαλαρίνα ήταν πάντα για μένα μόνο ένα πρόσχημα για να απεικονίσει τα υφάσματα και να αρπάξει την κίνηση", δήλωσε ο Degas. Οικόπεδα από τη ζωή των χορευτών σαν να είναι peeped: τα κορίτσια δεν δημοσιεύονται από έναν καλλιτέχνη, αλλά απλά γίνετε μέρος της ατμόσφαιρας που έπιασε μια ματιά στις Degas. Ο "χορευτής ανάπαυσης" πωλήθηκε για 28 εκατομμύρια δολάρια το 1999 και σε λιγότερο από 10 χρόνια το αγόρασαν για 37 εκατομμύρια - σήμερα είναι το πιο ακριβό έργο του καλλιτέχνη, που έβαλαν ποτέ δημοπρασία. Πολλή προσοχή δόθηκε στο Ramam, ο ίδιος τους σχεδίασε και τους απαγόρευσε. Αναρωτιέμαι τι είδους πλαίσιο είναι εγκατεστημένο σε μια φωτογραφία που πωλείται;

24

"Ζωγραφική"

Συντάκτης

Χουάν Miro

Χώρα Ισπανία
Χρόνια της ζωής 1893–1983
Στυλ αφηρημένη τέχνη

Κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου στην Ισπανία, ο καλλιτέχνης βρισκόταν στην πλευρά των Ρεπουμπλικανών. Το 1937 έτρεξε από τη φασιστική δύναμη στο Παρίσι, όπου ζούσε σε μια φτώχεια με την οικογένειά του. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Miro γράφει την εικόνα "Βοήθεια Ισπανία!", Δίνοντας προσοχή σε ολόκληρο τον κόσμο στην κυριαρχία του φασισμού.

89x115 cm
1927 έτος
Κόστος
36,824 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το δεύτερο όνομα της εικόνας είναι το "μπλε αστέρι". Ο καλλιτέχνης το έγραψε την ίδια χρονιά όταν ανακοίνωσε: «Θέλω να σκοτώσω τη ζωγραφική» και ανελέω να κοροϊδεύουν τον καμβά, γρατσουνίζοντας το χρώμα με τα νύχια, κολλήσει στον καμβά των φτερών, που καλύπτει την εργασία με τα σκουπίδια. Ο στόχος του ήταν να καταστρέψουν τους μύθους για το μυστήριο της ζωγραφικής, αλλά, αντιμετώπιση αυτού, ο Miro δημιούργησε το δικό του μύθο - σουρεαλιστική αφαίρεση. Η "ζωγραφική" του αναφέρεται στον κύκλο της "snowstice". Στη δημοπρασία, τέσσερις αγοραστές αγωνίστηκαν γι 'αυτήν, αλλά ένα τηλεφωνικό incognito λύσει τη διαφορά και η "ζωγραφική" έγινε η πιο ακριβή εικόνα του καλλιτέχνη.

25

"Μπλε τριαντάφυλλο"

Συντάκτης

Yves klein

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1928–1962
Στυλ Μονόχρωμη ζωγραφική

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στην οικογένεια των ζωγράφων, αλλά σπούδασε ανατολίτικο, ναυτικούς, τις βιοτεχνίες του Golden Ram, Zen-Buddhism και πολλά. Η προσωπικότητά του και τα χαραγμένα κόλπα του ήταν μερικές φορές πιο ενδιαφέροντα σε μονόχρωμες ζωγραφιές.

153x199x16 cm
1960.
Κόστος
36.779 εκατομμύρια δολάρια
Που πωλούνται το 2012
Στη δημοπρασία της Christie

Η πρώτη έκθεση μονοφωνικών κίτρινων, πορτοκαλί, ροζ δουλειά δεν προκαλούσε ενδιαφέρον μεταξύ του κοινού. Ο Klein προσβάλλεται και την επόμενη φορά που παρουσίασα 11 πανομοιότυπα καμβά χρωματίστηκε με υπεριώδη ξεχώριστη με μια ειδική συνθετική ρητίνη. Μάναι με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας αυτή τη μέθοδο. Στην ιστορία, το χρώμα εισήλθε ως το "διεθνές μπλε χρώμα του Klein". Ένας άλλος καλλιτέχνης που πωλούσε την κενότητα, δημιούργησε εικόνες, αντικαθιστώντας το χαρτί για τη βροχή, που βρίσκεται στο χαρτόνι, κάνοντας τον καμβά του αποτυπώματος του ανθρώπινου σώματος. Σε μια λέξη, πειραματίζεται όπως μπορούσε. Για να δημιουργήσετε ένα "μπλε τριαντάφυλλο" που χρησιμοποιούνται ξηρές χρωστικές, ρητίνες, βότσαλα και φυσικό σφουγγάρι.

26

"Σε αναζήτηση του Μωυσή"

Συντάκτης

Sir Lawrence Alma Tadema

Χώρα Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια της ζωής 1836–1912
Στυλ Νεοκλασικότητα

Το πρόθεμα "Alma" στο επώνυμό του Sir Lawrence πρόσθεσε τον εαυτό του να είναι ο πρώτος στους καλλιτεχνικούς καταλόγους. Στη βικτοριανή Αγγλία, οι πίνακές του ισχυρίστηκαν έτσι ώστε ο καλλιτέχνης ανατέθηκε η ιππική τάξη.

213,4х136,7 cm
1902 έτος
Κόστος
35,922 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το κύριο θέμα της δημιουργικότητας του Alma Tadema ήταν η αρχαιότητα. Στις φωτογραφίες, προσπάθησε στις μικρότερες λεπτομέρειες να απεικονίσει την εποχή της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας, γι 'αυτό που ασχολείται ακόμη και σε αρχαιολογικές ανασκαφές στη χερσόνησο του Apenninsky και στο σπίτι του στο Λονδίνο αναπαράγεται το ιστορικό εσωτερικό των ετών. Τα μυθολογικά οικόπεδα έχουν γίνει μια άλλη πηγή έμπνευσης γι 'αυτόν. Ο καλλιτέχνης ήταν εξαιρετικά σε ζήτηση κατά τη διάρκεια της ζωής του, αλλά μετά το θάνατο γρήγορα ξέχασε. Τώρα το ενδιαφέρον ξαναγεννίζεται, ως το κόστος της εικόνας "στην αναζήτηση του Μωυσή", επτά φορές, που υπερβαίνει την εκτίμηση πριν από την πώληση.

27

"Πορτρέτο του ύπνου γυμνό επίσημο"

Συντάκτης

Lucien Freud.

Χώρα Γερμανία,
Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια της ζωής 1922–2011
Στυλ Εικονική ζωγραφική

Ο καλλιτέχνης είναι εγγονός Sigmund Freud, πατέρας ψυχανάλυσης. Μετά τη δημιουργία του φασισμού στη Γερμανία, η οικογένειά του μετανάστευσε στο Ηνωμένο Βασίλειο. Τα έργα του Freud βρίσκονται στο Μουσείο του Λονδίνου "Συνάντηση Wallace", όπου δεν εκτίθεται προηγουμένως σύγχρονος καλλιτέχνης.

219.1х151,4 cm
1995.
Κόστος
33,6 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Christie.

Ενώ οι καλλιτέχνες μόδας του 20ού αιώνα δημιούργησαν θετικούς "έγχρωμους λεκέδες στον τοίχο" και τους πώλησε για εκατομμύρια, ο Freud έγραψε εξαιρετικά φυσιολογικούς πίνακες και τους πώλησε ακόμα πιο ακριβό. "Καταγράφω τις φωνές της ψυχής και υποφέρουν από τη σάρκα ξεθωριασμού", είπε. Οι κριτικοί πιστεύουν ότι όλη αυτή η "κληρονομιά" Sigmund Freud. Οι πίνακες εκτέθηκαν τόσο ενεργά και πωλούσαν επιτυχώς ότι οι ειδικοί είχαν αμφιβολία: Έχουν υπνωτικές ιδιότητες; Το "πορτρέτο του ύπνου γυμνό επίσημη", σύμφωνα με την ηλιοθεραπεία, απέκτησε γνώση του πανέμορφου και δισεκατομμυριούχου Ρωμαϊκή Αμπράμιτς.

28

"Βιολί και κιθάρα"

Συντάκτης

Η.uan gras.

Χώρα Ισπανία
Χρόνια της ζωής 1887–1927
Στυλ κυβισμός

Γεννήθηκε στη Μαδρίτη, όπου αποφοίτησε από τη σχολική τέχνη και τη βιοτεχνία. Το 1906 μετακόμισε στο Παρίσι και εισήλθε στον κύκλο των πιο σημαντικών καλλιτεχνών της εποχής: Πικάσο, Modigliani, γάμο, Matisse, Lyzh, επίσης συνεργάστηκε με τον Σεργκέι Dyagilev και το τεμάχιο του.

5x100 cm
1913 χρόνια
Κόστος
$ 28.642 εκατομμύρια
Πωληθεί Το έτος 2010
στη δημοπρασία Christie.

Ο Γκρί, σύμφωνα με τα δικά του λόγια, ασχολήθηκε με "αεροπλάνο, έγχρωμη αρχιτεκτονική". Οι πίνακές του σκέφτονται με ακρίβεια: Δεν άφησε ένα μόνο τυχαίο επίχρισμα, το οποίο σχετίζεται με τη δημιουργικότητα με τη γεωμετρία. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε την έκδοση του κυβισμού, αν και ο Pablo Picasso, ο ιδρυτής της κατεύθυνσης πολύ σεβαστός. Ο διάδοχος ήταν ακόμη αφιερωμένος σε αυτόν την πρώτη δουλειά του στο ύφος του κυβισμού «αφιέρωμα στον Πικάσο». Η ζωγραφική "βιολί και κιθάρα" αναγνωρίζεται ως εξαιρετική στο έργο του καλλιτέχνη. Κατά τη διάρκεια της ζωής, ο Γκς ήταν γνωστός, κλινικά επικριτές και ιστορικούς τέχνης. Τα έργα του εκτίθενται στα μεγαλύτερα μουσεία του κόσμου, που αποθηκεύονται σε ιδιωτικές συλλογές.

29

"ΠορτρέτοΠεδία elouar »

Συντάκτης

Σαλβαδόρ Νταλί

Χώρα Ισπανία
Χρόνια της ζωής 1904–1989
Στυλ σουρεαλισμός

"Ο σουρεαλισμός είναι εγώ", δήλωσε ο Ντάλι, όταν αποκλείστηκε από την ομάδα των σουρεαλιστών. Με την πάροδο του χρόνου, έγινε ο πιο διάσημος σουρεαλιστικός καλλιτέχνης. Η δημιουργικότητα δόθηκε παντού και όχι μόνο στις γκαλερί. Για παράδειγμα, ήρθε με μια συσκευασία για chupa-chupa.

25x33 cm
1929 έτος
Κόστος
20,6 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το 1929, επισκεφθείτε το μεγάλο προκλητή και ο σκανδαλιστής Dali ήρθε ο ποιητής Paul Eluro με τη ρωσική σύζυγό του Galo. Η συνάντηση ήταν η αρχή της ιστορίας της αγάπης που διήρκεσε περισσότερο από μισό αιώνα. Η εικόνα "Πορτρέτο του πεδίου Eloire" γράφεται μόνο κατά τη διάρκεια αυτής της ιστορικής επίσκεψης. "Ένιωσα ότι χρεώθηκα για ένα καθήκον να συλλάβει το πρόσωπο του ποιητή, με τον Ολύμπο του οποίου απνήνω ένα από τη μουσική", δήλωσε ο καλλιτέχνης. Πριν γνωρίσετε με το Galo, ήταν παρθένο και έμπειρο αηδία με σκέψη για σεξ με μια γυναίκα. Το τρίγωνο αγάπης υπήρχε πριν από το θάνατο του ελούαρ, μετά από το οποίο έγινε ένα ντουέτο Dali Gala.

30

"Επέτειος"

Συντάκτης

Σημάδι shagal

Χώρα Ρωσία, Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1887–1985
Στυλ Avangard

Ο Moisha Segal γεννήθηκε στο Vitebsk, αλλά το 1910 μετανάστευσε στο Παρίσι, αντικατέστησε το όνομα, έγινε κοντά στους κορυφαίους πρωτοπορικούς της εποχής. Στη δεκαετία του 1930, όταν καταγράφουν τις αρχές, οι φασίστες πήγαν στις Ηνωμένες Πολιτείες με τη βοήθεια του Αμερικανικού Προξενείου. Επέστρεψε στη Γαλλία μόνο το 1948.

80x103 cm
1923
Κόστος
14,85 εκατομμύρια δολάρια
Που πωλούνται το 1990
στη δημοπρασία του Sotheby

Η εικόνα "επετείου" αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα έργα του καλλιτέχνη. Έχει όλα τα χαρακτηριστικά της δημιουργικότητάς του: οι φυσικοί νόμοι του κόσμου έχουν διαγράψει, η αίσθηση των παραμυθιών στο τοπίο της ζωής του Meshchansky παραμένει, και στο κέντρο του οικόπεδο - αγάπη. Ο Chagall δεν σχεδίασε ανθρώπους από τη φύση, αλλά μόνο στη μνήμη ή τη φαντασία. Στην εικόνα "επέτειος" που συλλαμβάνεται από τον καλλιτέχνη με τη σύζυγό του Bel. Η εικόνα πωλήθηκε το 1990 και από τότε δεν συμμετείχε στη δημοπρασία. Είναι ενδιαφέρον ότι στο Νέα Υόρκη Moma Museum Moma είναι απολύτως το ίδιο, μόνο που ονομάζεται "γενέθλια". Με την ευκαιρία, γράφτηκε πριν - το 1915.

Έργο προετοιμασμένο
Tatyana Palaceov
Βαθμολογία που αποτελείται από
Με τη λίστα www.art-spb.ru.
Περιοδικό TMN №13. (Μάιος-Ιούνιος 2013)