Μιλήστε σύντομα η ιστορία της ζωγραφικής. Δέκα ψυχαγωγικές ιστορίες σχετικά με πίνακες από τη γκαλερί Tretyakov

Η ιδέα της απεικόνισης ροής ρολογιού που επισκέφθηκε τον Ελ Σαλβαδόρ δόθηκε με δείπνο όταν παρατήρησε πώς το Καμπαμπουβικό ήταν τοποθετημένο.

Αυτό αργότερα έδωσε ρώτησε εάν η θεωρία της σχετικότητας Einstein κρυπτογραφήθηκε στον καμβά και απάντησε με μια έξυπνη εμφάνιση: "μάλλον, η θεωρία του Ηρακλείου που μετράται με τη δύναμη της σκέψης. Ως εκ τούτου, κάλεσα την εικόνα "Constancy of Memory. Και στην αρχή υπήρχε τυρί, λιωμένο τυρί. "

"Μυστικός δείπνος"

Όταν ο Leonardo da Vinci έγραψε ένα "μυστικό βράδυ", έδωσε ιδιαίτερη προσοχή σε δύο αριθμούς: Χριστός και Ιούδα. Μια ομαδική εργασία για το γλείψιμο Ιησού Leonardo βρήκε σχετικά γρήγορα - ένας νεαρός άνδρας που σπείρωσε στην εκκλησιαστική χορωδία πλησίασε το ρόλο του. Αλλά το πρόσωπο ικανό να εκφράσει τον αντιπρόεδρο του Ιούδα, ο Leonardo αναζητούσε τρία χρόνια. Κάποτε, περπατώντας κάτω από το δρόμο, ο δάσκαλος είδε το χαντάκι για να πιει. Ο Da Vinci έφερε μεθυσμένο στο εστιατόριο, όπου άρχισε αμέσως να γράψει από τον Judas.

Όταν πίνετε, θυμήθηκε ότι πριν από αρκετά χρόνια είχαν ήδη πάρει τον καλλιτέχνη. Αυτό ήταν το πολύ singe. Στη μεγάλη τοιχογραφία, τον Λεονάρντο, τον Ιησού και την Ιούδα - το πρόσωπο ενός ατόμου.

"Ιβάν ο τρομερός και γιος του Ιβάν του"

Το 1913, ο ένθετος καλλιτέχνης χρησιμοποίησε την εικόνα της repin "ivan ο τρομερός και γιος του Ιβάν του." Λόγω του εργαστηρίου των εργασιών των αποκαταστατών, ο καμβάς κατάφερε να αποκαταστήσει. Ο ίδιος η ilea repin ο ίδιος ήρθε στη Μόσχα και επανεγκατάσταση του κεφαλιού του Grozny σε ένα περίεργο χρώμα πασχαλιά - για δύο δεκαετίες της παρουσίασης της ζωγραφικής, ο καλλιτέχνης έχει αλλάξει πολλά. Οι αποκαταστητές αφαιρέθηκαν αυτές τις επεξεργασίες και επέστρεψαν την εικόνα σε ακριβή συμμόρφωση με τις φωτογραφίες του μουσείων. Repin, βλέποντας αργότερα ανακαινισμένο καμβά, δεν παρατηρήσατε τις διορθώσεις.

"Υπνος"

Το 2006, ο Αμερικανός Συλλέκτης Steve Winn συμφώνησε να πουλήσει την εικόνα Pablo Picasso "Sleep" για 139 εκατομμύρια δολάρια, η οποία θα ήταν μια από τις πιο καταγράψεις τιμές στην ιστορία. Αλλά όταν παίρνετε μια ιστορία για την εικόνα, ορκίστηκε πολύ εκφραστικά με τα χέρια του και έσπασε την τέχνη του καλλιτέχνη. Το Winn θεωρείται αυτό ως ένα σημάδι πάνω και αποφάσισε να μην πουλήσει τον καμβά μετά την αποκατάσταση, η οποία, παρεμπιπτόντως, πέταξε σε μια δεκάρα.

"Ενα σκάφος"

Λιγότερο καταστροφικό, αλλά κανένα λιγότερο περίεργο περιστατικό συνέβη στην εικόνα Henri Matisse. Το 1961, το Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη, παρουσίασε στο δικαστήριο του κοινού μια εικόνα του Master "Boat". Η έκθεση απολάμβανε επιτυχία. Αλλά μόνο επτά εβδομάδες αργότερα, ένας τυχαίος γνώστης ζωγραφικής σημείωσε ότι το αριστούργημα κλείνει τα πόδια του. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, οι τέχνες κατάφεραν να δουν 115 χιλιάδες άτομα, το βιβλίο αναπληρώθηκε με εκατοντάδες θαυμάζοντας σχόλια. Ο Confuez είχε όλες τις εφημερίδες.

"Μάχη των μαύρων σε μια σπηλιά βαθιά τη νύχτα"

Η περίφημη "Μαύρη Πλατεία" δεν ήταν η πρώτη εικόνα αυτού του είδους. Πάνω από 22 ετών στο Malevich, το 1893, ο γαλλικός καλλιτέχνης και ο συγγραφέας Alla Alfons έβαλαν το αριστούργημά του "Μάχη των Μαύρων σε μια βαθιά νύχτα" στη γκαλερί στο Vivien's Gallery - έναν εντελώς μαύρο ορθογώνιο καμβά.

"Γιορτή των θεών στον Όλυμπο"

Στη δεκαετία του 1960 Στην Πράγα, βρέθηκε ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Peter Paul Rubens "γιορτή των θεών στον Ολύμπο". Για μεγάλο χρονικό διάστημα, η ημερομηνία της γραφής της παρέμεινε μυστήριο. Η λύση βρέθηκε στην ίδια την εικόνα και, ως αστρονόμος. Μείωσαν ότι η θέση των πλανητών ήταν ωραία στον καμβά. Για παράδειγμα, ο Mantuy Duke Gonzaga στην εικόνα του Θεού Δία, ο Ποσειδώνας με τον ήλιο και η κοινή Αφροδίτη με την Amur αντανακλούν τη θέση του Δία, την Αφροδίτη και τον ήλιο στο ζωδιακό.

Επιπλέον, μπορεί να φανεί ότι η Αφροδίτη πηγαίνει στον αστερισμό των ψαριών. Το σχολαστικό αστέρι έχει υπολογίσει ότι μια τέτοια σπάνια θέση των πλανητών στον ουρανό παρατηρήθηκε στις ημέρες του χειμερινού ηλιοστάτη το 1602. Έτσι διεξήχθη μια αρκετά ακριβής εικόνα που χρονολογείται.

"Πρωινό στο γρασίδι"

Eduard Mana, "Πρωινό στο γρασίδι"

Claude Monet, "Πρωινό στο γρασίδι"

Ο Eduard Mana και ο Claude Monet συγχέει όχι μόνο τους σημερινούς αιτούντες καλλιτεχνικές σχολές - ακόμη και οι σύγχρονοι μπερδεύτηκαν. Και οι δύο έζησαν στο τέλος του δέκατου ένατου αιώνα στο Παρίσι, επικοινωνούσαν μεταξύ τους και είχαν σχεδόν το όνομά του μετά το ίδιο όνομα. Έτσι, στην ταινία "Έντεκα φίλους του Osuhen" μεταξύ των χαρακτήρων του George Clooney και της Julia Roberts, ο ακόλουθος διάλογος έρχεται:
- όλη την ώρα που συγχέω τον Monet και τον άνθρωπο. Θυμάμαι μόνο ότι ένας από αυτούς παντρεύτηκε την ερωμένη της.
- MONET.
"Έτσι η Mane είχε σύφιλη."
- Και έγραψαν επίσης και τις δύο φορές.
Αλλά οι καλλιτέχνες είχαν μικρή σύγχυση με τα ονόματα, επιπλέον δανείστηκαν ενεργά τις ιδέες του άλλου. Αφού η Manne παρουσίασε μια εικόνα του "πρωινό στο γρασίδι", ο Monet, Not Thinking, έγραψε το δικό του με το ίδιο όνομα. Χωρίς σύγχυση, όπως συνήθως, δεν κοστίζει.

"Sistine Madonna"

Όταν κοιτάζετε την εικόνα του Raphael "Sicstinskaya Madonna" σαφώς ότι υπάρχουν έξι δάχτυλα στο χέρι του Πάπα του Sikt. Μεταξύ άλλων, το όνομα του Sikst μεταφράζεται ως "έξι", το οποίο τελικά έδωσε μια μάζα θεωριών. Στην πραγματικότητα, το "Nizhny Mysinets" δεν είναι καθόλου δάκτυλο, αλλά ένα μέρος της παλάμης. Αυτό είναι αισθητό αν κοιτάξετε προσεκτικά. Καμία μυστικιστική και μυστική προοπτική για την Αποκάλυψη και συγνώμη.

"Πρωί σε πευκοδάσος"

Τα κομμάτια προειδοποιούνται από τον εορτασμό από τη ζωγραφική "πρωί στο πευκοδάσος" Το Shishkin δεν είναι όλα τα χέρια του Shishkin. Ο Ιβάν ήταν ένα θαυμάσιο τοπίο, ήταν σε θέση να μεταφέρει το παιχνίδι του φωτός και των σκιών στο δάσος, αλλά οι άνθρωποι και τα ζώα δεν του δόθηκαν σε αυτόν. Έτσι, χαριτωμένα cubs κατόπιν αιτήματος του καλλιτέχνη ζωγραφισμένα στον Κωνσταντίν Σματσίτσκυ, και η ίδια η εικόνα υπογράφηκε από δύο ονόματα. Αλλά ο Pavel Tretyakov μετά την αγορά ενός τοπίου στον εαυτό του στη συλλογή του Savitsky Star Savitsky, και όλες οι δάφνες πήγαν στο Shishkin.

Ο μυστηριώδης κόσμος της τέχνης μπορεί να φαίνεται συγκεχυμένη στον άπειρο άτομο, αλλά υπάρχουν αριστουργήματα που όλοι πρέπει να γνωρίζουν. Το ταλέντο, η έμπνευση και η επίπονη εργασία σε κάθε επίχρισμα γεννούν έργα που οι αιώνες θαυμάζουν αργότερα.

Είναι αδύνατο να συλλέξουμε όλες τις εξαιρετικές δημιουργίες σε μια συλλογή, αλλά προσπαθήσαμε να επιλέξουμε τους πιο διάσημους πίνακες που συλλέγουν γιγαντιαία ουρά μπροστά σε μουσεία σε όλο τον κόσμο.

Οι πιο διάσημοι πίνακες των ρωσικών καλλιτεχνών

"Πρωί σε ένα πευκοδάσος", Ivan Shishkin και Konstantin Savitsky

Έτος Δημιουργίας: 1889
Μουσείο

Ο Shishkin ήταν ένας εξαιρετικός αξιωματικός τοπίου, αλλά έπρεπε να ζωγραφίσει τα ζώα σπάνια, έτσι ώστε οι αριθμοί της αρκούδας που έβαλαν τον Savitsky, έναν εξαιρετικό ζωικό καλλιτέχνη. Στο τέλος του έργου, ο Tretyakov διέταξε να διαγράψει την υπογραφή του Σαβίτσκυ, έχοντας θεωρήσει ότι ο Shishkin είχε κάνει πολύ πιο εκτεταμένη εργασία.

"Ο Ιβάν ο τρομερός και γιος του Ιβάν του στις 16 Νοεμβρίου 1581", Ilya Repin

Χρόνια δημιουργίας: 1883–1885
Μουσείο: Tretyakov Gallery, Μόσχα

Η δημιουργία ενός αριστουργού, πιο διάσημη για το "Ιβάν Γκρόζς σκοτώνει το γιο του", η Repin ενέπνευσε τη Συμφωνία του "Antar" Roman-Korsakov, δηλαδή το δεύτερο μέρος της που ονομάζεται "γλυκύτητα της εκδίκησης". Υπό την επίδραση των ήχων μουσικής, ο καλλιτέχνης απεικόνισε μια αιματηρή σκηνή δολοφονίας και μεταγενέστερη μετάνοια που παρατηρήθηκε στα μάτια του κυρίαρχου.

"Demon Sitting", Mikhail Vrubel

Έτος Δημιουργίας: 1890
Μουσείο: Tretyakov Gallery, Μόσχα

Η εικόνα ήταν μεταξύ των τριάντα εικονογραφήσεων που αντλείται από το Vrubel στην έκδοση επετείου των έργων M.yu. Lermontov. Το "Demon Sitting" προσωποποιεί αμφιβολίες εγγενές στο ανθρώπινο πνεύμα, μια λεπτή, αόριστη "διάθεση της ψυχής". Σύμφωνα με τους ειδικούς, ο καλλιτέχνης ήταν σε κάποιο βαθμό στον δαίμονα: ο "δαίμονας που φέρουν" και "demon ηττημένος" ακολούθησε αυτή την εικόνα.

"Buar Morozova", Vasily Surikov

Χρόνια δημιουργίας: 1884–1887
Μουσείο: Tretyakov Gallery, Μόσχα

Η ζωγραφική βασίστηκε στην πλοκή των παλαιών προμηθειών της "ιστορία του Boyaper Morozova". Η κατανόηση της εικόνας του κλειδιού ήρθε στον καλλιτέχνη, όταν είδε το κοράκι, τα στίγματα μαύρα φτερά στο χιόνι καμβά. Αργότερα, ο Surikov ψάχνει για ένα πρωτότυπο για πολύ καιρό ένα πρωτότυπο για μεγάλο χρονικό διάστημα, αλλά δεν μπορούσε να ανακαλύψει κάτι κατάλληλο, μέχρι να συναντήσει μια γυναίκα ηλικιωμένη γυναίκα στο νεκροταφείο με ένα απαλό μαλακωμένο πρόσωπο. Το πορτρέτο σκίτσο ολοκληρώθηκε σε δύο ώρες.

"Bogatyri", Victor Vasnetsov

Χρόνια δημιουργίας: 1881–1898
Μουσείο: Tretyakov Gallery, Μόσχα

Το μελλοντικό Epic Masterpiece γεννήθηκε ένα μικρό σκίτσο μολυβιού το 1881. Για περαιτέρω εργασίες στις βαλβίδες Vasnetsov, πολλά χρόνια συλλέγει επίσης πληροφορίες σχετικά με τους ήρωες από τους μύθους, τους θρύλους και τους θρύλους, και επίσης μελετούσε γνήσια παλιά ρωσικά πυρομαχικά σε μουσεία.

Ανάλυση της ζωγραφικής του Vasnetsov "Τρεις ήρωες"

"Κολύμβηση κόκκινου αλόγου", Kuzma Petrov-Vodkin

Έτος Δημιουργίας: 1912
Μουσείο: Tretyakov Gallery, Μόσχα

Αρχικά, η εικόνα σχεδιάστηκε ως δειγματοληψία οικιακής χρήσης από τη ζωή του ρωσικού χωριού, ωστόσο, κατά τη διάρκεια του έργου του υφάσματος του καλλιτέχνη κάλυψε έναν τεράστιο αριθμό χαρακτήρων. Κάτω από το κόκκινο άλογο, ο Petrov-Vodkin σήμαινε τη "τύχη της Ρωσίας". Μετά την είσοδο της χώρας στον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, αναφώνησε: "Έτσι γι 'αυτό επέστρεψα αυτή την εικόνα!" Ωστόσο, μετά την επανάσταση, οι ιστορικοί καλλιτέχνης Protector ερμήνευσαν την βασική φιγούρα του καμβά ως "προάστωμα επαναστατικών πυρκαγιών".

"Trinity", Andrei Rublev

Έτος Δημιουργίας: 1411
Μουσείο: Tretyakov Gallery, Μόσχα

Το εικονίδιο, το οποίο δημοσίευσε την αρχή της παράδοσης της ρωσικής εικονογραφίας των αιώνων XV-XVI. Ο καμβάς που απεικονίζει την παλιά Trojet Trinity των αγγέλων, τα οποία ήταν Avraham, είναι ένα σύμβολο της ενότητας της Αγίας Τριάδας.

"Ένατο Val", Ivan Aivazovsky

Έτος Δημιουργίας: 1850
Μουσείο

Pearl στο "όνομα χαρτογράφησης" του θρυλικού εγχώριου μαρινιστή, τον οποίο χωρίς δισταγμό μπορεί να αποδοθεί στον αριθμό των διάσημων καλλιτεχνών του κόσμου. Μπορούμε να δούμε πώς ένα θαύμα επέζησε μετά τους πλοηγούς καταιγίδας που προσκολλώνται στον ιστό, περιμένοντας μια συνάντηση με τον "ένατο άξονα", το μυθικό απορροφητήρα όλων των καταιγίδων. Αλλά οι θερμές αποχρώσεις που κυριαρχούν στον καμβά δίνουν ελπίδα για τη σωτηρία των θυμάτων.

"Τελευταία Ημέρα Πομπηία", Karl Brullov

Χρόνια δημιουργίας: 1830–1833
Μουσείο: Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Ζωγραφική Bryullov, που ολοκληρώθηκε το 1833, που τέθηκε αρχικά στις μεγαλύτερες πόλεις της Ιταλίας, όπου η πραγματική επέκταση συγκρίθηκε με τον Michelangelo, Titian, Rafael ... Το αριστούργημα συναντήθηκε με κανέναν λιγότερο ενθουσιασμό, εδραίοντας το ψευδώνυμο "Karl Great". Το φύλλο είναι πραγματικά μεγάλο: οι διαστάσεις του είναι 4,6 κατά 6,5 μέτρα, γεγονός που το καθιστά έναν από τους μεγαλύτερους πίνακες ζωγραφικής μεταξύ των δημιουργιών των ρωσικών καλλιτεχνών.

Οι πιο διάσημοι πίνακες του Leonardo da Vinci

"Μόνα Λίζα"

Χρόνια δημιουργίας: 1503–1505
Μουσείο: Λούβρο, Παρίσι

Αριστούργημα του Florentine Genius, δεν απαιτείται. Αξίζει να σημειωθεί ότι η κατάσταση της λατρείας της εικόνας που ελήφθη μετά το περιστατικό με την απαγωγή από το Λούβρο το 1911. Δύο χρόνια αργότερα, ο απαγωγέας, ο οποίος αποδείχθηκε ένας υπάλληλος του μουσείου, προσπάθησε να πουλήσει το πανί στην γκαλερί Uffiza. Τα γεγονότα της δυναμικής επιχείρησης καλύφθηκαν λεπτομερώς στον Παγκόσμιο Τύπο, μετά την πώληση εκατοντάδες χιλιάδες αναπαραγωγές στην πώληση και το μυστηριώδες αφρόθιο έγινε το αντικείμενο της λατρείας.

Χρόνια δημιουργίας: 1495–1498
Μουσείο: Santa Maria Delle Grazie, Μιλάνο

Μετά από πέντε αιώνες, η τοιχογραφία με κλασικό οικόπεδο στον τοίχο της τελετουργικής Δομινικανής Μονής στο Μιλάνο αναγνωρίζεται ως ένας από τους πιο μυστηριώδεις πίνακες στην ιστορία. Σύμφωνα με την ιδέα του Da Vinci, η εικόνα απεικονίζει τη στιγμή του Πάσχα, όταν ο Χριστός παρατηρεί τους μαθητές για τη σύντομη προδοσία. Ένας τεράστιος αριθμός κρυφών συμβόλων γεννήθηκε ως τεράστιες πολλές μελέτες, αναφορές, δανεισμός και παρωδία.

"Madonna Litta"

Έτος Δημιουργίας: 1491
Μουσείο: Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Επίσης γνωστό ως "Madonna με ένα μωρό" Μια φωτογραφία εδώ και πολύ καιρό διατηρήθηκε στη συλλογή των Dukes της Litta και το 1864 αγοράστηκε από το Ερμιτάζ της Αγίας Πετρούπολης. Πολλοί εμπειρογνώμονες συμφωνούν ότι η φιγούρα του μωρού δεν ήταν γραμμένη προσωπικά προσωπικά και ο Vinci και ένας από τους μαθητές του είναι πολύ ασυνήθιστο για τη στάση του ζωγράφου.

Οι πιο διάσημοι πίνακες του Ελ Σαλβαδόρ Νταλί

Έτος Δημιουργίας: 1931
Μουσείο: Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης, Νέα Υόρκη

Παράδοξα, αλλά το πιο διάσημο έργο της ιδιοφυΐας του σουρεαλισμού γεννήθηκε με σκέψεις τυριού Camambur. Σε ένα από τα βράδια, μετά από ένα φιλικό δείπνο, ο τερματισμός με τα τυρί σνακ, ο καλλιτέχνης βυθίστηκε σε αντανακλάσεις σχετικά με τον "διάσπαση πολτού" και η φαντασία του έγραψε μια εικόνα όπως η τήξη των ωρών με ένα κλαδί ελιάς στο προσκήνιο.

Έτος Δημιουργίας: 1955
Μουσείο: Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσινγκτον

Το παραδοσιακό οικόπεδο που έλαβε έναν σουρεαλιστικό καμβά χρησιμοποιώντας τις αριθμητικές αρχές που μελετήθηκαν από τον Leonardo da Vinci. Στο κεφάλι της γωνίας, ο καλλιτέχνης έβαλε μια περίεργη μαγεία του αριθμού "12", αναχωρώντας από την ερμηνευτική μέθοδο ερμηνείας του βιβλικού οικόπεδο.

Οι πιο διάσημοι πίνακες Pablo Picasso

Έτος Δημιουργίας: 1905
Μουσείο: Μουσείο Πούσκιν, Μόσχα

Η εικόνα ήταν το πρώτο χελιδόνι της λεγόμενης "ροζ" περιόδου στο έργο του Πικάσο. Η ακατέργαστη υφή και το απλοποιημένο στυλ συνδυάζονται με ένα ευαίσθητο παιχνίδι γραμμών και χρωμάτων, η αντίθεση μεταξύ της μαζικής φιγούρας ενός αθλητή και των εύθραυστων αθλήχων. Ο καμβάς πωλήθηκε μαζί με 29 άλλες εργασίες για 2 χιλιάδες φράγκα (συνολικά) συλλέκτη του Παρισιού, άλλαξαν διάφορες συλλογές και το 1913 απέκτησε έναν ρωσικό προστάτη Ivan Morozov, ήδη για 13 χιλιάδες φράγκα.

Έτος Δημιουργίας: 1937
Μουσείο: Μουσείο Βασίλισσας Σόφιας, Μαδρίτη

Gernik - Όνομα της πόλης του Baskov, ο οποίος υποβλήθηκε στο γερμανικό βομβαρδισμό τον Απρίλιο του 1937. Ο Πικάσο δεν έχει πάει ποτέ στο Gernik, αλλά ήταν έκπληκτος από τις κλίμακες της καταστροφής σαν το "χτύπημα των bullish κέρατα". Ο καλλιτέχνης σε μια αφηρημένη μορφή μεταβίβασε τις φρίκες του πολέμου και έδειξε το πραγματικό πρόσωπο του φασισμού, την οδήγησε με παράξενες γεωμετρικές μορφές.

Τις πιο διάσημες εικόνες της Αναγέννησης

"Sicstinskaya Madonna", Rafael Santi

Χρόνια δημιουργίας: 1512–1513
Μουσείο: Γκαλερί παλαιών δασκάλων, Δρέσδη

Αν κοιτάξετε προσεκτικά στο πίσω φόντο, με την πρώτη ματιά που αποτελείται από σύννεφα, μπορείτε να δείτε ότι στην πραγματικότητα ο Rafael απεικονίζει το κεφάλι των αγγέλων. Δύο άγγελοι που βρίσκονται στο κάτω μέρος της εικόνας είναι γνωστές σχεδόν περισσότερο από το ίδιο το αριστούργημα, λόγω της ευρείας μετατροπής στη μαζική τέχνη.

"Γέννηση της Αφροδίτης", Sandro Botticelli

Έτος Δημιουργίας: 1486
Μουσείο: Γκαλερί Uffizi, Φλωρεντία

Η εικόνα βασίζεται στον αρχαίο ελληνικό μύθο της γέννησης των Αφροδίων από τον αφρό της θάλασσας. Σε αντίθεση με πολλά αριστουργήματα της Αναγέννησης, ο καμβάς ήρθε σε αυτή την ημέρα σε άριστη κατάσταση λόγω του προστατευτικού στρώματος του κρόκου αυγού, το οποίο η Botticelli κάλυψε τη δουλειά.

"Δημιουργία Αδάμ", Michelangelo Buonotti

Έτος Δημιουργίας: 1511
Μουσείο: Sicastinskaya Capella, Βατικανό

Μία από τις εννέα τοιχογραφίες στην οροφή του παρεκκλησίου της Σιστίνης, που απεικονίζει το κεφάλαιο από το να είναι: "Και ο Θεός δημιούργησε έναν άνθρωπο στην εικόνα του." Ήταν ο Michelangelo ο οποίος ήταν ο πρώτος που απεψείδωσε τον Θεό μέσα ως Messenger του γέρου, μετά την οποία η εικόνα αυτή έγινε αρχέτυπη. Οι σύγχρονοι επιστήμονες πιστεύουν ότι τα περιγράμματα της φιγούρας του Θεού και των αγγέλων προσωποποιούν τον ανθρώπινο εγκέφαλο.

"Νυχτερινό ρολόι", Rembrandt

Έτος Δημιουργίας: 1642
Μουσείο: Κρατικό Μουσείο, Άμστερνταμ

Το πλήρες όνομα της εικόνας είναι "Ομιλία από την εταιρεία τουφέκι Captain France Bannang Coca και υπολοχαγός Villem van ryuteitbürga." Ο σύγχρονος τίτλος της εικόνας ελήφθη στο XIX αιώνα, όταν βρέθηκαν ιστορικοί τέχνης, λόγω της εργασίας που καλύπτει το στρώμα βρωμιάς αποφασίζει ότι η δράση στην εικόνα συμβαίνει κάτω από το κάλυμμα του σκοταδιού της νύχτας.

"Κήπος της γήινης ευχαρίστησης", Jerome Bosch

Χρόνια δημιουργίας: 1500–1510
Μουσείο: Μουσείο Prado, Μαδρίτη "Μαύρη πλατεία"

Ο Malevich έγραψε "μαύρη πλατεία" για αρκετούς μήνες. Ο θρύλος δηλώνει ότι κάτω από το στρώμα της μαύρης βαφής είναι ένα γραφικό ύφασμα - ο καλλιτέχνης δεν είχε χρόνο να τελειώσει το έργο εγκαίρως και στην επίθεση του θυμού να σηκώθηκε η εικόνα. Υπάρχουν τουλάχιστον επτά αντίγραφα της μαύρης πλατείας, το χέρι του Malevich, καθώς και μια περίεργη "συνέχεια" των suprematic squares - "Κόκκινη πλατεία" (1915) και "Λευκή Πλατεία" (1918).

"Creek", Edward Munch

Έτος Δημιουργίας: 1893
Μουσείο: Εθνική Πινακοθήκη, Όσλο

Λόγω της ανεξήγητης μυστικιστικής επίδρασης στον θεατή, η εικόνα απήγαγε το 1994 και το 2004. Υπάρχει μια άποψη ότι η εικόνα που δημιουργήθηκε με τη σειρά του αιώνα XX αναμενόταν πολυάριθμες καταστροφές του επερχόμενου αιώνα. Βαθιά συμβολισμός "Cry" ενέπνευσε πολλούς καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένου του Andy Warhol "Νο. 5, 1948"

Αυτός ο καμβάς εξακολουθεί να προκαλεί πολλές διαφορές. Μέρος των ιστορικών της τέχνης πιστεύει ότι ο ενθουσιασμός γύρω από τη ζωγραφική που αντλήθηκε στην τεχνολογία τεχνολογίας πιτσίλισμα δημιουργήθηκε τεχνητά. Ο καμβάς δεν πωλήθηκε μέχρι να αγοράσουν όλα τα άλλα έργα του καλλιτέχνη, αντίστοιχα, η τιμή για το αδιαμφισβήτητο αριστούργημα απογειώθηκε στον ουρανό. Το "πέμπτο δωμάτιο" πωλήθηκε για 140 εκατομμύρια δολάρια, καθιστώντας την πιο ακριβή εικόνα στην ιστορία.

"Diptych Marilyn", Andy Warhol

Έτος Δημιουργίας: 1962
Μουσείο: Tate Gallery, Λονδίνο

Μια εβδομάδα μετά το θάνατο της Marilyn Monroe, ο σκανδαλώδης καλλιτέχνης άρχισε να εργάζεται στον ιστό. 50 Οθόνες Πορτρέτα της ηθοποιού Στυλιζαρισμένα στο είδος "Pop Art" κατατέθηκαν στον καμβά.
Εγγραφείτε στο κανάλι μας στο Yandex.Dzen

Σήμερα σε κάθε μουσείο μπορείτε να ακούσετε υπέροχες οδηγούς, οι οποίες θα μιλήσουν λεπτομερώς για τη συνάντηση και τους καλλιτέχνες, σε αυτό που παρουσιάστηκε. Ταυτόχρονα, πολλοί γονείς γνωρίζουν ότι τα περισσότερα παιδιά είναι δύσκολο να περάσουν ακόμη και μια ώρα στο μουσείο, και ιστορίες για την ιστορία της ζωγραφικής είναι αρκετά γρήγορα κουρασμένοι από αυτούς. Έτσι, τα παιδιά στο μουσείο δεν βαρεθούν, προσφέρουμε ένα "Crib" για τους γονείς - δέκα διασκεδαστικές ιστορίες σχετικά με τις ζωγραφιές από τη γκαλερί Tretyakov, η οποία θα είναι ενδιαφέρον για τα παιδιά και τους ενήλικες.

1. Ivan Kramskaya. "Γοργόνες", 1871

Το Ivan Kramskaya είναι κυρίως γνωστό ως συγγραφέας της ζωγραφικής "άγνωστο" (συχνά ονομάζεται εσφαλμένα ο "ξένος"), καθώς και μια σειρά από όμορφα πορτρέτα: λιοντάρι Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleev. Αλλά τα παιδιά είναι καλύτερα να ξεκινήσουν τη γνωριμία με τη δουλειά του με μια μαγική ζωγραφική "γοργόνα", η οποία συνδέεται με ποια ιστορία.
Τον Αύγουστο του 1871, ο καλλιτέχνης Ivan Kramskaya βρισκόταν στην ύπαιθρο του φίλου του, τους λάτρεις της τέχνης και του διάσημου προστάτη του Pavel Stroganov. Περπατώντας τα βράδια, θαύμαζαν φεγγάρι και θαύμαζε το μαγικό φως. Κατά τη διάρκεια αυτών των βόλων, ο καλλιτέχνης αποφάσισε να γράψει ένα νυχτερινό τοπίο και να προσπαθήσει να μεταφέρει όλη τη γοητεία, όλη τη μαγεία της σεληνιακής νύχτας, "Πιάσε το φεγγάρι" - σύμφωνα με τη δική του έκφραση.
Ο Kramskaya άρχισε να εργάζεται στην εικόνα. Η ακτή του ποταμού στη σεληνιακή νύχτα, το λόφο και το σπίτι πάνω του, περιβάλλεται από λεύκες. Το τοπίο ήταν όμορφο, αλλά κάτι δεν είχε - η μαγεία στον καμβά δεν γεννήθηκε. Το βιβλίο του καλλιτέχνη Nikola Gogol έφτασε στον καλλιτέχνη "στο αγρόκτημα κοντά στη Δικάνκα", με μεγαλύτερη ακρίβεια την ιστορία που ονομάζεται "Μαΐου νύχτα, ή ένα μεθυσμένο" - Fabulous και λίγο τρελό. Και εδώ οι εικόνες εμφανίστηκαν κορίτσια που φωτίζονται με το φως του φεγγαριού.
Ο καλλιτέχνης λειτούργησε τόσο προσεκτικά στην εικόνα που άρχισε να ονειρεύεται και ήθελε συνεχώς να τελειώσει κάτι σε αυτό. Ένα χρόνο αφού αγόρασε τον ιδρυτή της Tretyakov Gallery - Pavel Tretyakov, - Kramskoy για άλλη μια φορά ήθελε να αλλάξει κάτι σε αυτό και έκανε μικρές τροποποιήσεις ακριβώς στην αίθουσα εκθέσεων.
Ο καμβάς Kramsky έγινε η πρώτη "υπέροχη" εικόνα στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής.

2. Vasily vereshchagin. "Απόθισμό του πολέμου", 1871


Έτσι συνέβη ότι οι άνθρωποι πάντοτε πολέμησαν. Οι καταστάσεις έκτακτης ανάγκης από τους γενναίους ηγέτες και οι ισχυροί ηγέτες έχουν εξοπλίσει τους στρατούς τους και τους έστειλαν στον πόλεμο. Φυσικά, ήθελαν να μάθουν για τις στρατιωτικές εκμεταλλεύσεις τους, επομένως, οι ποιητές έγιναν ποιητές και τραγούδια, και οι καλλιτέχνες δημιούργησαν όμορφες ζωγραφιές και γλυπτά. Σε αυτούς τους πίνακες, ο πόλεμος συνήθως μοιάζει με διακοπές - φωτεινά χρώματα, ατρόμητος πολεμιστές που πρόκειται να μάθουν ...
Ο καλλιτέχνης Vasily VereshchaGin γνώριζε ότι ο πόλεμος δεν έλαβε πρώτα - είχε πάρει επανειλημμένα μέρος στις μάχες - και έγραψε πολλά έργα ζωγραφικής, τα οποία έγραψε αυτό που είδε αυτό που είδε τα μάτια του: όχι μόνο τους γενναίους στρατιώτες και τους στρατιωτικούς ηγέτες τους, αλλά και το αίμα , πόνο και πόνο.
Μόλις σκεφτεί πώς να δείξει όλες τις φρίκες του πολέμου σε μια εικόνα, πώς να δώσει το κοινό να καταλάβει ότι ο πόλεμος είναι πάντα θλίψη και ο θάνατος, πώς να δώσει στους άλλους να ρίξουν μια ματιά στις αηδιαστικές λεπτομέρειες της; Συνειδητοποίησε ότι δεν ήταν αρκετό να γράψω μια φωτογραφία με ένα πεδίο μάχης, οι νεκροί πολεμιστές, ήταν προηγουμένως ο καμβάς πριν. Ο VereshchaGin ήρθε με ένα σύμβολο του πολέμου, μια εικόνα, απλά κοιτάζοντας ποιο, όλοι μπορούν να φανταστούν πόσο τρομερό είναι ο πόλεμος. Έγραψε μια καυτή έρημο, στη μέση της οποίας η πυραμίδα από τα ανθρώπινα κρανία είναι πύργοι. Γύρω - μόνο στεγνά, άψυχα δέντρα, και μόνο το ΡορΟΝιο πετάει στην γιορτή τους. Η ερειπωμένη πόλη μπορεί να δει στην απόσταση και ο θεατής μπορεί εύκολα να μαντέψει ότι δεν υπάρχει πλέον ζωή εκεί.

3. Alexey Savrasov. "Graci Flew", 1871


Η ζωγραφική "Graci πέταξε" ο καθένας ξέρει από την παιδική ηλικία και σίγουρα έγραψε όλοι στα δοκίμια της σχολής. Και σήμερα, οι δάσκαλοι σίγουρα θα πουν τα παιδιά για τα λυρικά τοπία του Σαβράσοφ και για το γεγονός ότι με το ίδιο το όνομα αυτής της εικόνας ακούει το χαρούμενο για πάντα το πρωί του έτους και τα πάντα σε αυτό εκπληρώνουν βαθιά, κοντά στην καρδιά του η έννοια. Εν τω μεταξύ, λίγοι άνθρωποι γνωρίζουν ότι οι διάσημοι "grackers ...", καθώς και όλο το υπόλοιπο Savrasov, δεν μπορούσαν να είναι καθόλου.
Ο Alexey Savrasov ήταν ο γιος ενός μικρού ψιλικού Μόσχας. Η επιθυμία του αγοριού να ασχοληθεί με τη ζωγραφική δεν προκάλεσε τον γονέα απόλαυση, αλλά παρ 'όλα αυτά, στη Σχολή Ζωγραφικής και Γλυπτικής της Μόσχας, ο Kondrat Savrasov Sona αφήνει να φύγει. Τόσο οι δάσκαλοι όσο και οι συμμαθητές αναγνώρισαν το ταλέντο ενός νεαρού καλλιτέχνη και του αναφέρθηκαν σε ένα μεγάλο μέλλον. Αλλά ήταν έτσι ώστε, χωρίς να κερδίζετε και χρόνια, Alexey, προφανώς, λόγω της νόσου της μητέρας, αναγκάστηκε να σταματήσει να σπουδάζει. Ο δάσκαλός του Karl Rabus στράφηκε στο Maulast Maulast-Politzmer Maulator Ivan Luzhin, ο οποίος βοήθησε τον ταλαντούχο νεαρό άνδρα να λάβει εκπαίδευση τέχνης.
Αν ο Luzhin δεν συμμετείχε στην τύχη του νεαρού καλλιτέχνη, ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στην ιστορία της εγχώριας ζωγραφικής δεν θα είχε ποτέ προκύψει.

4. Vasily Polenov. "Moskovsky Dvorik", 1878


Μερικές φορές, για να γράψω μια υπέροχη εικόνα, ο καλλιτέχνης ταξιδεύει πολύ, για πολύ καιρό και επιλεκτικό το πιο όμορφο είδος, στο τέλος, βρίσκει ένα αγαπημένο μέρος και μια φορά την πάροδο του χρόνου έρχεται εκεί με ένα σκίτσο. Και συμβαίνει έτσι ώστε να δημιουργηθεί μια υπέροχη δουλειά, αρκεί να προσεγγίσει το δικό σας παράθυρο, κοιτάξτε μια εντελώς συνηθισμένη αυλή της Μόσχας - και ένα θαύμα συμβαίνει, εμφανίζεται ένα καταπληκτικό τοπίο, γεμάτο με φως και αέρα.
Ήταν ένα τέτοιο θαύμα που συνέβη στον καλλιτέχνη Vasily Polenovyov, ο οποίος κοίταξε έξω από το παράθυρο του διαμερίσματός του στις αρχές του καλοκαιριού του 1878 και έγραψε αρκετά γρήγορα. Το σύννεφο εύκολα ολισθαίνει στον ουρανό, ο ήλιος ανυψώνεται πάνω, θέρμανση του εδάφους με τη ζεστασιά του, φωτίζοντας τις εκκλησίες με λάμψη, μειώνοντας τις χοντρές σκιές ... θα φαινόταν - μια απλή εικόνα, στην οποία ο ίδιος ο καλλιτέχνης αρχικά δεν το έκανε Σοβαρά: έγραψε και σχεδόν ξέχασε γι 'αυτήν. Αλλά εδώ κλήθηκε να συμμετάσχει στην έκθεση. Δεν είχε τίποτα σημαντικό και ο Polenov αποφάσισε να παρουσιάσει τη Μόσχα Dvorik.
Παραδόξως, ήταν αυτή η «ασήμαντη εικόνα» που έφερε τον Vasily Polenov φήμη και δόξα - έπεσε στην αγάπη με το κοινό, και τους κριτικούς: έχει ζεστά και φωτεινά χρώματα, και οι ήρωες της μπορούν να θεωρηθούν απείρως, να εφεύρουν την ιστορία για κάθε ένα από αυτά τους.

5. Ivan Shishkin. "Πρωί σε ένα πευκοδάσος", 1889

"Πρωί στο πευκοδάσος" Το Ivan Shishkin είναι ίσως η πιο διάσημη εικόνα από τη συλλογή της γκαλερί Tretyakov. Στη χώρα μας, ξέρει τα πάντα, χάρη στις αναπαραγωγές στα σχολικά εγχειρίδια και ίσως χάρη στις καραμέλες σοκολάτας "Bear Kosolapiy".
Αλλά δεν γνωρίζουν όλοι ότι ο ίδιος ο Shishkin έγραψε μόνο το πρωινό δάσος σε μια ομίχλη ομίχλη και η σχέση δεν έχει σχέση. Αυτή η εικόνα είναι ο καρπός της κοινής δημιουργικότητας του Shishkin και του φίλου του, ο καλλιτέχνης Κωνσταντίνος Σαβίτσκυ.
Ο Ιβάν Shishkin ήταν ένας αξεπέραστος Δάσκαλος για να απεικονίσει όλα τα είδη βοτανικών λεπτών λεπτών - ο κριτικός Αλέξανδρος Μπενουά τον έριξε τον εαυτό του σε φωτογραφική ακρίβεια, που ονομάζεται πίνακες με άψυχο και κρύο. Αλλά με τη ζωολογία, ο καλλιτέχνης δεν ήταν φιλικός. Λένε ότι γι 'αυτό ο Shishkin απευθύνει έκκληση στον Σαβίτσκυ με ένα αίτημα για να τον βοηθήσει με αρκούδες. Ο Savitsky Buddy δεν αρνείται, αλλά δεν πήρε σοβαρά υπόψη το έργο του - και δεν έβαλε την υπογραφή.
Αργότερα, ο Pavel Tretyakov απέκτησε αυτό το πανί από το Shishkin και ο καλλιτέχνης πρότεινε να Savitsky να αφήσει μια υπογραφή στην εικόνα - τελικά, δούλευαν μαζί της μαζί. Ο Σαβίτσκυ έκανε, αλλά ο tretyakov δεν του άρεσε. Δηλώνοντας ότι αγόρασε την εικόνα από το Shishkin, αλλά για τον Savitsky και δεν γνωρίζει τίποτα, απαίτησε έναν διαλύτη και τα χέρια του διαγράψουν την "επιπλέον" υπογραφή. Έτσι συνέβη σήμερα ότι σήμερα στη γκαλερί Tretyakov δείχνει τη συγγραφέα μόνο ενός καλλιτέχνη.

6. Victor Vasnetsov. "Bogatyri", 1898


Ο πιο "Fabulous" καλλιτέχνης στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής είναι ο Viktor Vasnetsov - Είναι οι βούρτσες του ανήκουν σε τέτοια γνωστά έργα ως "Alenushka", "Vityaz στο σταυροδρόμι", "Bogatyr Skok" και πολλοί άλλοι. Αλλά η πιο διάσημη εικόνα του είναι η "Bogattyry", η οποία δείχνει τους κύριους χαρακτήρες της ρωσικής επικής.
Ο ίδιος ο καλλιτέχνης περιέγραψε την εικόνα όπως αυτή: "Bogatyi Dobrynya, Ilya και Alyosha Popovich για το Bogatlishway - ειδοποίηση στον τομέα, αν δεν υπάρχει τόπος, μην προσβάλλετε κανέναν;".
Στη μέση στο κοράκι άλογο Ilya Muromets, κοιτάζει σε απόσταση από κάτω από την παλάμη της παλάμης, στο ένα χέρι στον ήρωα του δόρυ, σε ένα άλλο μπουκέτο. Στα αριστερά στο λευκό άλογο του Dobrynya Nikitich, βγάζει το σπαθί από το περίβλημα. Στα δεξιά στο άλογο της red-masting Alyosha Popovich, κρατά κρεμμύδια στα χέρια του με τα βέλη. Με τους ήρωες αυτής της ζωγραφικής - με μεγαλύτερη ακρίβεια με τα πρωτότυπα τους - μια περίεργη ιστορία είναι συνδεδεμένη.
Ο Victor Vasnetsov μακρά σκέψη για μεγάλο χρονικό διάστημα, καθώς η Ilya Murometh πρέπει να μοιάζει και για μεγάλο χρονικό διάστημα δεν μπορούσε να βρει ένα "σωστό" πρόσωπο - ένα τολμηρό, ειλικρινούς, εκφράζοντας τόσο τη δύναμη όσο και την καλοσύνη. Αλλά μια μέρα, συναντήθηκε με έναν αγροτικό Ivan Petrov, ο οποίος ήρθε στη Μόσχα για κέρδη. Ο καλλιτέχνης ήταν έκπληκτος - είδε το πραγματικό Ily Muromets στην οδό Μόσχα. Ο αγρότης συμφώνησε να θέσει Vasnetsov και ... παρέμεινε στους αιώνες.
Το Dobrynyna Nikitich Nikitich, αλλά για κάποιο λόγο ένα άτομο μεσήλικας απεικονίζεται στην εικόνα Vasnetsov. Γιατί ο καλλιτέχνης λύσει τόσο πολύ να κάνει με τις λαϊκές ιστορίες; Η εξασθένηση είναι απλή: Στην εικόνα του Dobryni Vasnetsov απεικονίζεται ο ίδιος, αρκεί να συγκρίνετε την εικόνα με πορτρέτα και φωτογραφίες του καλλιτέχνη.

7. Valentin Serov. "Κορίτσι με ροδάκινα. Πορτρέτο του V. S. Mammoth ", 1887

"Κορίτσι με ροδάκινα" είναι ένα από τα πιο διάσημα πορτρέτα στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής, που γράφτηκε από τον καλλιτέχνη Valentin Serov.
Το κορίτσι στο πορτραίτο - Verochka, η κόρη των Matsennas της Σάββα Μαμόντοφ, στο σπίτι της οποίας επισκέφθηκε ο καλλιτέχνης. Είναι ενδιαφέρον ότι τα ροδάκινα που βρίσκονται στο τραπέζι δεν έφεραν από ζεστά άκρα, και αυξήθηκαν κοντά στη Μόσχα, ακριβώς στο κτηματομεσίτη, το οποίο στο XIX αιώνα ήταν αρκετά ασυνήθιστο στο XIX αιώνα. Ο Mamontov εργάστηκε ένας Κηπουρός-Οδηγός - στα επιδέξιό του χέρια, τα οπωροφόρα δέντρα ανθίζουν ακόμη και τον Φεβρουάριο και η συγκομιδή συλλέχθηκε στις αρχές του καλοκαιριού.
Χάρη στο πορτρέτο της Serovsky, η Vera Mamontov εισήλθε στην ιστορία, αλλά ο ίδιος ο καλλιτέχνης υπενθύμισε, τι είδους δουλειά αξίζει τον κόπο να πείσει να δημιουργήσει ένα 12χρονο κορίτσι, το οποίο διακρίθηκε από τη σπανιότητα ενός ανήσυχου χαρακτήρα. Ο Serov εργάστηκε στην εικόνα για σχεδόν ένα μήνα, και κάθε μέρα της πίστης για λίγες ώρες κάθισε smirchly στην τραπεζαρία.
Οι διαδικασίες δεν ήταν μάταια: Όταν ο καλλιτέχνης εισήγαγε ένα πορτρέτο στην έκθεση, μου άρεσε πραγματικά τη ζωγραφική. Και σήμερα, περισσότερο από εκατό χρόνια αργότερα, το "κορίτσι με τα ροδάκινα" θαυμάζει τους επισκέπτες στη γκαλερί Tretyakov.

8. Ilya repin. "Ο Ιβάν ο τρομερός και γιος του Ιβάν του στις 16 Νοεμβρίου 1581", 1883-1885.


Κοιτάζοντας μια ή μια άλλη εικόνα, συχνά ζήτησε από την ερώτηση που χρησίμευε ως πηγή έμπνευσης για τον καλλιτέχνη, αυτό που τον ώθησε να γράψει ακριβώς τέτοιου είδους δουλειά; Στην περίπτωση της εικόνας της Ilya Repin "Ivan ο τρομερός και γιος του Ιβάν του στις 16 Νοεμβρίου 1581" για να μαντέψει τις αληθινές αιτίες καθόλου δύσκολη.
Η εικόνα δείχνει το θρυλικό επεισόδιο από τη ζωή του Ιβάν το φοβερό, όταν στην κατάσχεση του θυμού χτύπησε το γιο του στον γιο του Τσαρέβιχ Ιβάν. Ωστόσο, πολλοί ιστορικοί πιστεύουν ότι στην πραγματικότητα η δολοφονία δεν ήταν και ο Tsarevich πέθανε από ασθένεια, αλλά όχι σε όλο τον πατέρα του. Φαίνεται ότι μπορεί να κάνει τον καλλιτέχνη να στραφεί σε ένα τέτοιο ιστορικό επεισόδιο;
Καθώς ο ίδιος ο καλλιτέχνης υπενθύμισε, η σκέψη της γραφής της εικόνας "Ιβάν Γκρόζς και ο γιος του Ιβάν" εμφανίστηκαν από τον ... μια συναυλία, στην οποία άκουσε τη μουσική του συνθέτη ρωμαϊκού Κορσάκοφ. Ήταν η συμφωνική σουίτα "Antar". Οι ήχοι της μουσικής κατέλαβαν τον καλλιτέχνη και ήθελε να ενσωματώσει στη ζωγραφική τη διάθεση, η οποία δημιουργήθηκε υπό την επιρροή του από αυτό το έργο.
Αλλά όχι μόνο η μουσική έχει γίνει πηγή έμπνευσης. Ταξιδεύοντας στην Ευρώπη το 1883, η Repin επισκέφθηκε τον αγώνα ταύρων. Η εμφάνιση αυτού του αιματηρού γυαλιού εντυπωσιάστηκε από τον καλλιτέχνη που έγραψε ότι «εισχωρήσει ... αυτό το αιματηρό, στο σπίτι άφιξης, τώρα άρχισε πίσω από την αιματηρή σκηνή" Ivan Grozny και Son ". Και η εικόνα του αίματος είχε μεγάλη επιτυχία. "

9. Mikhail Vrubel. "Demon Sitting", 1890


Όπως μερικές φορές πολύ σημαίνει το όνομα της εικόνας. Αυτό που βλέπει τον θεατή με την πρώτη ματιά στον καμβά του Mikhail Vrubel "Demon Sitting"; Ένας μυϊκός νεαρός άνδρας κάθεται σε ένα βράχο και κοιτάζοντας το ηλιοβασίλεμα με τη θλίψη. Αλλά μόλις προφέραμε τη λέξη "δαίμονας", εμφανίζεται η εικόνα ενός μαγικού ασυνήθιστου πλάσματος. Εν τω μεταξύ, ο δαίμονας Mikhail Vrubel δεν είναι ένα κακό πνεύμα. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης έχει δηλώσει επανειλημμένα ότι ο δαίμονας - το πνεύμα "δεν είναι τόσο κακό ως δεινά και θλιβερή, αλλά με όλο το πνεύμα το πνεύμα είναι αυταρχικό, ... το υπέροχο."
Αυτή η εικόνα είναι ενδιαφέρουσα για τη γραφική τεχνική της. Ο καλλιτέχνης βάζει χρώμα στον καμβά που δεν είναι εξοικειωμένο με μια βούρτσα, αλλά μια λεπτή χαλύβδινη πλάκα - μια μαστίγιο. Μια τέτοια τεχνική σας επιτρέπει να συνδέσετε τις μεθόδους του ζωγράφου και του γλύπτη, κυριολεκτικά "να κερδίσετε" την εικόνα με τη βοήθεια χρωμάτων. Αυτό επιτυγχάνεται το "μωσαϊκό" - φαίνεται ότι ο ουρανός, οι βράχοι και το ίδιο το σώμα του ήρωα δεν είναι γραμμένες στο χρώμα, αλλά δημοσιεύονται από προσεκτικά γυαλισμένα, ίσως ακόμη και πολύτιμοι λίθοι.

10. Αλέξανδρος Ιβάνοφ. "Το φαινόμενο του Χριστού στον λαό (το φαινόμενο του Μεσσίας)", 1837-1857.


Εικόνα του Alexander Ivanova "Το φαινόμενο του Χριστού στο λαό" - η εκδήλωση είναι μοναδική στην ιστορία της εγχώριας ζωγραφικής. Είναι δύσκολο να μιλήσουμε γι 'αυτήν με παιδιά, ειδικά 6-7 ετών, αλλά για να δείτε αυτόν τον μνημειώδη καμβά, πάνω από το οποίο ο καλλιτέχνης εργάστηκε για περισσότερα από 20 χρόνια και που έχει γίνει το θέμα της ζωής του, πρέπει αναγκαστικά.
Το οικόπεδο των έργων βασίζεται στο τρίτο κεφάλαιο του Ευαγγελίου από τον Ματθαίο: ο Ιωάννης ο πρόδρομος, ο θανάτου εβραϊκού λαού στην ακτή της Ιορδανίας, στο όνομα του αναμενόμενου Σωτήρα, κοιτάζει ξαφνικά την επόμενη, στο όνομα του οποίου Βάζει τους ανθρώπους. Από τα σύνθετα χαρακτηριστικά της εικόνας, για τα σύμβολά της και για την καλλιτεχνική γλώσσα, τα παιδιά θα μάθουν αργότερα. Κατά τη διάρκεια της πρώτης γνωριμίας, αξίζει να μιλάμε για το πώς μια εικόνα έχει γίνει το έργο της ζωής του καλλιτέχνη.
Μετά την αποφοίτηση στην Ακαδημία Ακαδημίας Αγίας Πετρούπολης, ο Αλέξανδρος Ιβάνοφ έστειλε "στην πρακτική άσκηση" στην Ιταλία. Το "φαινόμενο του λαού του Χριστού" θα έπρεπε να έχει γίνει μια εργασία αναφοράς. Αλλά ο καλλιτέχνης είναι πολύ σοβαρός για το έργο του: μελετά προσεκτικά την Αγία Γραφή, την Ιστορία, οι μήνες αναζητούν το επιθυμητό τοπίο, ο άπειρος χρόνος ψάχνει για μια εικόνα για κάθε ήρωα της εικόνας. Τα χρήματα που έληξαν μαζί του στη δουλειά, ο Ιβάνοφ οδηγεί μια ύπαρξη ζητιάνο. Η επίπονη εργασία στην εικόνα οδήγησε στο γεγονός ότι ο καλλιτέχνης χαλάσει την όρασή του και αναγκάστηκε να αντιμετωπιστεί για μεγάλο χρονικό διάστημα.
Όταν ο Ivanov ολοκλήρωσε το έργο του, το ιταλικό ακροατήριο με την απόλαυση πήρε την εικόνα, ήταν μία από τις πρώτες περιπτώσεις της ευρωπαϊκής αναγνώρισης του ρωσικού καλλιτέχνη. Στη Ρωσία, δεν εκτιμήθηκε αμέσως - μόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη, η πραγματική δόξα ήρθε σε αυτόν.
Εργασία στην εικόνα, ο Ivanov δημιούργησε περισσότερα από 600 σκίτσα. Στην αίθουσα όπου εκτίθεται, μπορείτε να δείτε μερικά από αυτά. Είναι ενδιαφέρον για αυτά τα παραδείγματα να εντοπιστούν πώς ο καλλιτέχνης εργάστηκε στη σύνθεση, το τοπίο, πάνω από τις εικόνες των ηρώων της εικόνας.

Επιλογή αρχείων

Σήμερα σε κάθε μουσείο μπορείτε να ακούσετε υπέροχες οδηγούς, οι οποίες θα μιλήσουν λεπτομερώς για τη συνάντηση και τους καλλιτέχνες, σε αυτό που παρουσιάστηκε. Ταυτόχρονα, πολλοί γονείς γνωρίζουν ότι τα περισσότερα παιδιά είναι δύσκολο να περάσουν ακόμη και μια ώρα στο μουσείο, και ιστορίες για την ιστορία της ζωγραφικής είναι αρκετά γρήγορα κουρασμένοι από αυτούς. Έτσι, τα παιδιά στο μουσείο δεν βαρεθούν, προσφέρουμε ένα "Crib" για τους γονείς - δέκα διασκεδαστικές ιστορίες σχετικά με τις ζωγραφιές από τη γκαλερί Tretyakov, η οποία θα είναι ενδιαφέρον για τα παιδιά και τους ενήλικες.

1. Ivan Kramskaya. "Γοργόνες", 1871

Το Ivan Kramskaya είναι κυρίως γνωστό ως συγγραφέας της ζωγραφικής "άγνωστο" (συχνά ονομάζεται εσφαλμένα ο "ξένος"), καθώς και μια σειρά από όμορφα πορτρέτα: λιοντάρι Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleev. Αλλά τα παιδιά είναι καλύτερα να ξεκινήσουν τη γνωριμία με τη δουλειά του με μια μαγική ζωγραφική "γοργόνα", η οποία συνδέεται με ποια ιστορία.
Τον Αύγουστο του 1871, ο καλλιτέχνης Ivan Kramskaya βρισκόταν στην ύπαιθρο του φίλου του, τους λάτρεις της τέχνης και του διάσημου προστάτη του Pavel Stroganov. Περπατώντας τα βράδια, θαύμαζαν φεγγάρι και θαύμαζε το μαγικό φως. Κατά τη διάρκεια αυτών των βόλων, ο καλλιτέχνης αποφάσισε να γράψει ένα νυχτερινό τοπίο και να προσπαθήσει να μεταφέρει όλη τη γοητεία, όλη τη μαγεία της σεληνιακής νύχτας, "Πιάσε το φεγγάρι" - σύμφωνα με τη δική του έκφραση.
Ο Kramskaya άρχισε να εργάζεται στην εικόνα. Η ακτή του ποταμού στη σεληνιακή νύχτα, το λόφο και το σπίτι πάνω του, περιβάλλεται από λεύκες. Το τοπίο ήταν όμορφο, αλλά κάτι δεν είχε - η μαγεία στον καμβά δεν γεννήθηκε. Το βιβλίο του καλλιτέχνη Nikola Gogol έφτασε στον καλλιτέχνη "στο αγρόκτημα κοντά στη Δικάνκα", με μεγαλύτερη ακρίβεια την ιστορία που ονομάζεται "Μαΐου νύχτα, ή ένα μεθυσμένο" - Fabulous και λίγο τρελό. Και εδώ οι εικόνες εμφανίστηκαν κορίτσια που φωτίζονται με το φως του φεγγαριού.
Ο καλλιτέχνης λειτούργησε τόσο προσεκτικά στην εικόνα που άρχισε να ονειρεύεται και ήθελε συνεχώς να τελειώσει κάτι σε αυτό. Ένα χρόνο αφού αγόρασε τον ιδρυτή της Tretyakov Gallery - Pavel Tretyakov, - Kramskoy για άλλη μια φορά ήθελε να αλλάξει κάτι σε αυτό και έκανε μικρές τροποποιήσεις ακριβώς στην αίθουσα εκθέσεων.
Ο καμβάς Kramsky έγινε η πρώτη "υπέροχη" εικόνα στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής.

2. Vasily vereshchagin. "Απόθισμό του πολέμου", 1871


Έτσι συνέβη ότι οι άνθρωποι πάντοτε πολέμησαν. Οι καταστάσεις έκτακτης ανάγκης από τους γενναίους ηγέτες και οι ισχυροί ηγέτες έχουν εξοπλίσει τους στρατούς τους και τους έστειλαν στον πόλεμο. Φυσικά, ήθελαν να μάθουν για τις στρατιωτικές εκμεταλλεύσεις τους, επομένως, οι ποιητές έγιναν ποιητές και τραγούδια, και οι καλλιτέχνες δημιούργησαν όμορφες ζωγραφιές και γλυπτά. Σε αυτούς τους πίνακες, ο πόλεμος συνήθως μοιάζει με διακοπές - φωτεινά χρώματα, ατρόμητος πολεμιστές που πρόκειται να μάθουν ...
Ο καλλιτέχνης Vasily VereshchaGin γνώριζε ότι ο πόλεμος δεν έλαβε πρώτα - είχε πάρει επανειλημμένα μέρος στις μάχες - και έγραψε πολλά έργα ζωγραφικής, τα οποία έγραψε αυτό που είδε αυτό που είδε τα μάτια του: όχι μόνο τους γενναίους στρατιώτες και τους στρατιωτικούς ηγέτες τους, αλλά και το αίμα , πόνο και πόνο.
Μόλις σκεφτεί πώς να δείξει όλες τις φρίκες του πολέμου σε μια εικόνα, πώς να δώσει το κοινό να καταλάβει ότι ο πόλεμος είναι πάντα θλίψη και ο θάνατος, πώς να δώσει στους άλλους να ρίξουν μια ματιά στις αηδιαστικές λεπτομέρειες της; Συνειδητοποίησε ότι δεν ήταν αρκετό να γράψω μια φωτογραφία με ένα πεδίο μάχης, οι νεκροί πολεμιστές, ήταν προηγουμένως ο καμβάς πριν. Ο VereshchaGin ήρθε με ένα σύμβολο του πολέμου, μια εικόνα, απλά κοιτάζοντας ποιο, όλοι μπορούν να φανταστούν πόσο τρομερό είναι ο πόλεμος. Έγραψε μια καυτή έρημο, στη μέση της οποίας η πυραμίδα από τα ανθρώπινα κρανία είναι πύργοι. Γύρω - μόνο στεγνά, άψυχα δέντρα, και μόνο το ΡορΟΝιο πετάει στην γιορτή τους. Η ερειπωμένη πόλη μπορεί να δει στην απόσταση και ο θεατής μπορεί εύκολα να μαντέψει ότι δεν υπάρχει πλέον ζωή εκεί.

3. Alexey Savrasov. "Graci Flew", 1871


Η ζωγραφική "Graci πέταξε" ο καθένας ξέρει από την παιδική ηλικία και σίγουρα έγραψε όλοι στα δοκίμια της σχολής. Και σήμερα, οι δάσκαλοι σίγουρα θα πουν τα παιδιά για τα λυρικά τοπία του Σαβράσοφ και για το γεγονός ότι με το ίδιο το όνομα αυτής της εικόνας ακούει το χαρούμενο για πάντα το πρωί του έτους και τα πάντα σε αυτό εκπληρώνουν βαθιά, κοντά στην καρδιά του η έννοια. Εν τω μεταξύ, λίγοι άνθρωποι γνωρίζουν ότι οι διάσημοι "grackers ...", καθώς και όλο το υπόλοιπο Savrasov, δεν μπορούσαν να είναι καθόλου.
Ο Alexey Savrasov ήταν ο γιος ενός μικρού ψιλικού Μόσχας. Η επιθυμία του αγοριού να ασχοληθεί με τη ζωγραφική δεν προκάλεσε τον γονέα απόλαυση, αλλά παρ 'όλα αυτά, στη Σχολή Ζωγραφικής και Γλυπτικής της Μόσχας, ο Kondrat Savrasov Sona αφήνει να φύγει. Τόσο οι δάσκαλοι όσο και οι συμμαθητές αναγνώρισαν το ταλέντο ενός νεαρού καλλιτέχνη και του αναφέρθηκαν σε ένα μεγάλο μέλλον. Αλλά ήταν έτσι ώστε, χωρίς να κερδίζετε και χρόνια, Alexey, προφανώς, λόγω της νόσου της μητέρας, αναγκάστηκε να σταματήσει να σπουδάζει. Ο δάσκαλός του Karl Rabus στράφηκε στο Maulast Maulast-Politzmer Maulator Ivan Luzhin, ο οποίος βοήθησε τον ταλαντούχο νεαρό άνδρα να λάβει εκπαίδευση τέχνης.
Αν ο Luzhin δεν συμμετείχε στην τύχη του νεαρού καλλιτέχνη, ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στην ιστορία της εγχώριας ζωγραφικής δεν θα είχε ποτέ προκύψει.

4. Vasily Polenov. "Moskovsky Dvorik", 1878


Μερικές φορές, για να γράψω μια υπέροχη εικόνα, ο καλλιτέχνης ταξιδεύει πολύ, για πολύ καιρό και επιλεκτικό το πιο όμορφο είδος, στο τέλος, βρίσκει ένα αγαπημένο μέρος και μια φορά την πάροδο του χρόνου έρχεται εκεί με ένα σκίτσο. Και συμβαίνει έτσι ώστε να δημιουργηθεί μια υπέροχη δουλειά, αρκεί να προσεγγίσει το δικό σας παράθυρο, κοιτάξτε μια εντελώς συνηθισμένη αυλή της Μόσχας - και ένα θαύμα συμβαίνει, εμφανίζεται ένα καταπληκτικό τοπίο, γεμάτο με φως και αέρα.
Ήταν ένα τέτοιο θαύμα που συνέβη στον καλλιτέχνη Vasily Polenovyov, ο οποίος κοίταξε έξω από το παράθυρο του διαμερίσματός του στις αρχές του καλοκαιριού του 1878 και έγραψε αρκετά γρήγορα. Το σύννεφο εύκολα ολισθαίνει στον ουρανό, ο ήλιος ανυψώνεται πάνω, θέρμανση του εδάφους με τη ζεστασιά του, φωτίζοντας τις εκκλησίες με λάμψη, μειώνοντας τις χοντρές σκιές ... θα φαινόταν - μια απλή εικόνα, στην οποία ο ίδιος ο καλλιτέχνης αρχικά δεν το έκανε Σοβαρά: έγραψε και σχεδόν ξέχασε γι 'αυτήν. Αλλά εδώ κλήθηκε να συμμετάσχει στην έκθεση. Δεν είχε τίποτα σημαντικό και ο Polenov αποφάσισε να παρουσιάσει τη Μόσχα Dvorik.
Παραδόξως, ήταν αυτή η «ασήμαντη εικόνα» που έφερε τον Vasily Polenov φήμη και δόξα - έπεσε στην αγάπη με το κοινό, και τους κριτικούς: έχει ζεστά και φωτεινά χρώματα, και οι ήρωες της μπορούν να θεωρηθούν απείρως, να εφεύρουν την ιστορία για κάθε ένα από αυτά τους.

5. Ivan Shishkin. "Πρωί σε ένα πευκοδάσος", 1889

"Πρωί στο πευκοδάσος" Το Ivan Shishkin είναι ίσως η πιο διάσημη εικόνα από τη συλλογή της γκαλερί Tretyakov. Στη χώρα μας, ξέρει τα πάντα, χάρη στις αναπαραγωγές στα σχολικά εγχειρίδια και ίσως χάρη στις καραμέλες σοκολάτας "Bear Kosolapiy".
Αλλά δεν γνωρίζουν όλοι ότι ο ίδιος ο Shishkin έγραψε μόνο το πρωινό δάσος σε μια ομίχλη ομίχλη και η σχέση δεν έχει σχέση. Αυτή η εικόνα είναι ο καρπός της κοινής δημιουργικότητας του Shishkin και του φίλου του, ο καλλιτέχνης Κωνσταντίνος Σαβίτσκυ.
Ο Ιβάν Shishkin ήταν ένας αξεπέραστος Δάσκαλος για να απεικονίσει όλα τα είδη βοτανικών λεπτών λεπτών - ο κριτικός Αλέξανδρος Μπενουά τον έριξε τον εαυτό του σε φωτογραφική ακρίβεια, που ονομάζεται πίνακες με άψυχο και κρύο. Αλλά με τη ζωολογία, ο καλλιτέχνης δεν ήταν φιλικός. Λένε ότι γι 'αυτό ο Shishkin απευθύνει έκκληση στον Σαβίτσκυ με ένα αίτημα για να τον βοηθήσει με αρκούδες. Ο Savitsky Buddy δεν αρνείται, αλλά δεν πήρε σοβαρά υπόψη το έργο του - και δεν έβαλε την υπογραφή.
Αργότερα, ο Pavel Tretyakov απέκτησε αυτό το πανί από το Shishkin και ο καλλιτέχνης πρότεινε να Savitsky να αφήσει μια υπογραφή στην εικόνα - τελικά, δούλευαν μαζί της μαζί. Ο Σαβίτσκυ έκανε, αλλά ο tretyakov δεν του άρεσε. Δηλώνοντας ότι αγόρασε την εικόνα από το Shishkin, αλλά για τον Savitsky και δεν γνωρίζει τίποτα, απαίτησε έναν διαλύτη και τα χέρια του διαγράψουν την "επιπλέον" υπογραφή. Έτσι συνέβη σήμερα ότι σήμερα στη γκαλερί Tretyakov δείχνει τη συγγραφέα μόνο ενός καλλιτέχνη.

6. Victor Vasnetsov. "Bogatyri", 1898


Ο πιο "Fabulous" καλλιτέχνης στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής είναι ο Viktor Vasnetsov - Είναι οι βούρτσες του ανήκουν σε τέτοια γνωστά έργα ως "Alenushka", "Vityaz στο σταυροδρόμι", "Bogatyr Skok" και πολλοί άλλοι. Αλλά η πιο διάσημη εικόνα του είναι η "Bogattyry", η οποία δείχνει τους κύριους χαρακτήρες της ρωσικής επικής.
Ο ίδιος ο καλλιτέχνης περιέγραψε την εικόνα όπως αυτή: "Bogatyi Dobrynya, Ilya και Alyosha Popovich για το Bogatlishway - ειδοποίηση στον τομέα, αν δεν υπάρχει τόπος, μην προσβάλλετε κανέναν;".
Στη μέση στο κοράκι άλογο Ilya Muromets, κοιτάζει σε απόσταση από κάτω από την παλάμη της παλάμης, στο ένα χέρι στον ήρωα του δόρυ, σε ένα άλλο μπουκέτο. Στα αριστερά στο λευκό άλογο του Dobrynya Nikitich, βγάζει το σπαθί από το περίβλημα. Στα δεξιά στο άλογο της red-masting Alyosha Popovich, κρατά κρεμμύδια στα χέρια του με τα βέλη. Με τους ήρωες αυτής της ζωγραφικής - με μεγαλύτερη ακρίβεια με τα πρωτότυπα τους - μια περίεργη ιστορία είναι συνδεδεμένη.
Ο Victor Vasnetsov μακρά σκέψη για μεγάλο χρονικό διάστημα, καθώς η Ilya Murometh πρέπει να μοιάζει και για μεγάλο χρονικό διάστημα δεν μπορούσε να βρει ένα "σωστό" πρόσωπο - ένα τολμηρό, ειλικρινούς, εκφράζοντας τόσο τη δύναμη όσο και την καλοσύνη. Αλλά μια μέρα, συναντήθηκε με έναν αγροτικό Ivan Petrov, ο οποίος ήρθε στη Μόσχα για κέρδη. Ο καλλιτέχνης ήταν έκπληκτος - είδε το πραγματικό Ily Muromets στην οδό Μόσχα. Ο αγρότης συμφώνησε να θέσει Vasnetsov και ... παρέμεινε στους αιώνες.
Το Dobrynyna Nikitich Nikitich, αλλά για κάποιο λόγο ένα άτομο μεσήλικας απεικονίζεται στην εικόνα Vasnetsov. Γιατί ο καλλιτέχνης λύσει τόσο πολύ να κάνει με τις λαϊκές ιστορίες; Η εξασθένηση είναι απλή: Στην εικόνα του Dobryni Vasnetsov απεικονίζεται ο ίδιος, αρκεί να συγκρίνετε την εικόνα με πορτρέτα και φωτογραφίες του καλλιτέχνη.

7. Valentin Serov. "Κορίτσι με ροδάκινα. Πορτρέτο του V. S. Mammoth ", 1887

"Κορίτσι με ροδάκινα" είναι ένα από τα πιο διάσημα πορτρέτα στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής, που γράφτηκε από τον καλλιτέχνη Valentin Serov.
Το κορίτσι στο πορτραίτο - Verochka, η κόρη των Matsennas της Σάββα Μαμόντοφ, στο σπίτι της οποίας επισκέφθηκε ο καλλιτέχνης. Είναι ενδιαφέρον ότι τα ροδάκινα που βρίσκονται στο τραπέζι δεν έφεραν από ζεστά άκρα, και αυξήθηκαν κοντά στη Μόσχα, ακριβώς στο κτηματομεσίτη, το οποίο στο XIX αιώνα ήταν αρκετά ασυνήθιστο στο XIX αιώνα. Ο Mamontov εργάστηκε ένας Κηπουρός-Οδηγός - στα επιδέξιό του χέρια, τα οπωροφόρα δέντρα ανθίζουν ακόμη και τον Φεβρουάριο και η συγκομιδή συλλέχθηκε στις αρχές του καλοκαιριού.
Χάρη στο πορτρέτο της Serovsky, η Vera Mamontov εισήλθε στην ιστορία, αλλά ο ίδιος ο καλλιτέχνης υπενθύμισε, τι είδους δουλειά αξίζει τον κόπο να πείσει να δημιουργήσει ένα 12χρονο κορίτσι, το οποίο διακρίθηκε από τη σπανιότητα ενός ανήσυχου χαρακτήρα. Ο Serov εργάστηκε στην εικόνα για σχεδόν ένα μήνα, και κάθε μέρα της πίστης για λίγες ώρες κάθισε smirchly στην τραπεζαρία.
Οι διαδικασίες δεν ήταν μάταια: Όταν ο καλλιτέχνης εισήγαγε ένα πορτρέτο στην έκθεση, μου άρεσε πραγματικά τη ζωγραφική. Και σήμερα, περισσότερο από εκατό χρόνια αργότερα, το "κορίτσι με τα ροδάκινα" θαυμάζει τους επισκέπτες στη γκαλερί Tretyakov.

8. Ilya repin. "Ο Ιβάν ο τρομερός και γιος του Ιβάν του στις 16 Νοεμβρίου 1581", 1883-1885.


Κοιτάζοντας μια ή μια άλλη εικόνα, συχνά ζήτησε από την ερώτηση που χρησίμευε ως πηγή έμπνευσης για τον καλλιτέχνη, αυτό που τον ώθησε να γράψει ακριβώς τέτοιου είδους δουλειά; Στην περίπτωση της εικόνας της Ilya Repin "Ivan ο τρομερός και γιος του Ιβάν του στις 16 Νοεμβρίου 1581" για να μαντέψει τις αληθινές αιτίες καθόλου δύσκολη.
Η εικόνα δείχνει το θρυλικό επεισόδιο από τη ζωή του Ιβάν το φοβερό, όταν στην κατάσχεση του θυμού χτύπησε το γιο του στον γιο του Τσαρέβιχ Ιβάν. Ωστόσο, πολλοί ιστορικοί πιστεύουν ότι στην πραγματικότητα η δολοφονία δεν ήταν και ο Tsarevich πέθανε από ασθένεια, αλλά όχι σε όλο τον πατέρα του. Φαίνεται ότι μπορεί να κάνει τον καλλιτέχνη να στραφεί σε ένα τέτοιο ιστορικό επεισόδιο;
Καθώς ο ίδιος ο καλλιτέχνης υπενθύμισε, η σκέψη της γραφής της εικόνας "Ιβάν Γκρόζς και ο γιος του Ιβάν" εμφανίστηκαν από τον ... μια συναυλία, στην οποία άκουσε τη μουσική του συνθέτη ρωμαϊκού Κορσάκοφ. Ήταν η συμφωνική σουίτα "Antar". Οι ήχοι της μουσικής κατέλαβαν τον καλλιτέχνη και ήθελε να ενσωματώσει στη ζωγραφική τη διάθεση, η οποία δημιουργήθηκε υπό την επιρροή του από αυτό το έργο.
Αλλά όχι μόνο η μουσική έχει γίνει πηγή έμπνευσης. Ταξιδεύοντας στην Ευρώπη το 1883, η Repin επισκέφθηκε τον αγώνα ταύρων. Η εμφάνιση αυτού του αιματηρού γυαλιού εντυπωσιάστηκε από τον καλλιτέχνη που έγραψε ότι «εισχωρήσει ... αυτό το αιματηρό, στο σπίτι άφιξης, τώρα άρχισε πίσω από την αιματηρή σκηνή" Ivan Grozny και Son ". Και η εικόνα του αίματος είχε μεγάλη επιτυχία. "

9. Mikhail Vrubel. "Demon Sitting", 1890


Όπως μερικές φορές πολύ σημαίνει το όνομα της εικόνας. Αυτό που βλέπει τον θεατή με την πρώτη ματιά στον καμβά του Mikhail Vrubel "Demon Sitting"; Ένας μυϊκός νεαρός άνδρας κάθεται σε ένα βράχο και κοιτάζοντας το ηλιοβασίλεμα με τη θλίψη. Αλλά μόλις προφέραμε τη λέξη "δαίμονας", εμφανίζεται η εικόνα ενός μαγικού ασυνήθιστου πλάσματος. Εν τω μεταξύ, ο δαίμονας Mikhail Vrubel δεν είναι ένα κακό πνεύμα. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης έχει δηλώσει επανειλημμένα ότι ο δαίμονας - το πνεύμα "δεν είναι τόσο κακό ως δεινά και θλιβερή, αλλά με όλο το πνεύμα το πνεύμα είναι αυταρχικό, ... το υπέροχο."
Αυτή η εικόνα είναι ενδιαφέρουσα για τη γραφική τεχνική της. Ο καλλιτέχνης βάζει χρώμα στον καμβά που δεν είναι εξοικειωμένο με μια βούρτσα, αλλά μια λεπτή χαλύβδινη πλάκα - μια μαστίγιο. Μια τέτοια τεχνική σας επιτρέπει να συνδέσετε τις μεθόδους του ζωγράφου και του γλύπτη, κυριολεκτικά "να κερδίσετε" την εικόνα με τη βοήθεια χρωμάτων. Αυτό επιτυγχάνεται το "μωσαϊκό" - φαίνεται ότι ο ουρανός, οι βράχοι και το ίδιο το σώμα του ήρωα δεν είναι γραμμένες στο χρώμα, αλλά δημοσιεύονται από προσεκτικά γυαλισμένα, ίσως ακόμη και πολύτιμοι λίθοι.

10. Αλέξανδρος Ιβάνοφ. "Το φαινόμενο του Χριστού στον λαό (το φαινόμενο του Μεσσίας)", 1837-1857.


Εικόνα του Alexander Ivanova "Το φαινόμενο του Χριστού στο λαό" - η εκδήλωση είναι μοναδική στην ιστορία της εγχώριας ζωγραφικής. Είναι δύσκολο να μιλήσουμε γι 'αυτήν με παιδιά, ειδικά 6-7 ετών, αλλά για να δείτε αυτόν τον μνημειώδη καμβά, πάνω από το οποίο ο καλλιτέχνης εργάστηκε για περισσότερα από 20 χρόνια και που έχει γίνει το θέμα της ζωής του, πρέπει αναγκαστικά.
Το οικόπεδο των έργων βασίζεται στο τρίτο κεφάλαιο του Ευαγγελίου από τον Ματθαίο: ο Ιωάννης ο πρόδρομος, ο θανάτου εβραϊκού λαού στην ακτή της Ιορδανίας, στο όνομα του αναμενόμενου Σωτήρα, κοιτάζει ξαφνικά την επόμενη, στο όνομα του οποίου Βάζει τους ανθρώπους. Από τα σύνθετα χαρακτηριστικά της εικόνας, για τα σύμβολά της και για την καλλιτεχνική γλώσσα, τα παιδιά θα μάθουν αργότερα. Κατά τη διάρκεια της πρώτης γνωριμίας, αξίζει να μιλάμε για το πώς μια εικόνα έχει γίνει το έργο της ζωής του καλλιτέχνη.
Μετά την αποφοίτηση στην Ακαδημία Ακαδημίας Αγίας Πετρούπολης, ο Αλέξανδρος Ιβάνοφ έστειλε "στην πρακτική άσκηση" στην Ιταλία. Το "φαινόμενο του λαού του Χριστού" θα έπρεπε να έχει γίνει μια εργασία αναφοράς. Αλλά ο καλλιτέχνης είναι πολύ σοβαρός για το έργο του: μελετά προσεκτικά την Αγία Γραφή, την Ιστορία, οι μήνες αναζητούν το επιθυμητό τοπίο, ο άπειρος χρόνος ψάχνει για μια εικόνα για κάθε ήρωα της εικόνας. Τα χρήματα που έληξαν μαζί του στη δουλειά, ο Ιβάνοφ οδηγεί μια ύπαρξη ζητιάνο. Η επίπονη εργασία στην εικόνα οδήγησε στο γεγονός ότι ο καλλιτέχνης χαλάσει την όρασή του και αναγκάστηκε να αντιμετωπιστεί για μεγάλο χρονικό διάστημα.
Όταν ο Ivanov ολοκλήρωσε το έργο του, το ιταλικό ακροατήριο με την απόλαυση πήρε την εικόνα, ήταν μία από τις πρώτες περιπτώσεις της ευρωπαϊκής αναγνώρισης του ρωσικού καλλιτέχνη. Στη Ρωσία, δεν εκτιμήθηκε αμέσως - μόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη, η πραγματική δόξα ήρθε σε αυτόν.
Εργασία στην εικόνα, ο Ivanov δημιούργησε περισσότερα από 600 σκίτσα. Στην αίθουσα όπου εκτίθεται, μπορείτε να δείτε μερικά από αυτά. Είναι ενδιαφέρον για αυτά τα παραδείγματα να εντοπιστούν πώς ο καλλιτέχνης εργάστηκε στη σύνθεση, το τοπίο, πάνω από τις εικόνες των ηρώων της εικόνας.

Επιλογή αρχείων

Στις 3 Δεκεμβρίου 1961, σημειώθηκε ένα γεγονός ορόσημο στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Νέας Υόρκης - η εικόνα του Matisse "Boat", η οποία 46 ημέρες αντιστάθηκε στη στρογγυλή εξωτερική μορφή, γύρισε σωστά. Αξίζει να πούμε ότι αυτό δεν είναι μια αστεία περίπτωση που σχετίζεται με τις εικόνες των μεγάλων καλλιτεχνών.

Ο Pablo Picasso συνέταξε ένα από τα περίφημα πορτρέτα του σε λιγότερο από 5 λεπτά

Κάπως ένας από τους γνωστούς Pablo Picasso, λαμβάνοντας υπόψη τα νέα έργα του είπε ειλικρινά στον καλλιτέχνη: "Λυπούμαστε, αλλά δεν μπορώ να το καταλάβω αυτό. Τέτοια πράγματα απλά δεν υπάρχουν. " Τι Picasso Parried: "Εσείς και οι Κινέζοι δεν καταλαβαίνουν. Αλλά εξακολουθεί να υπάρχει. " Ωστόσο, ο Picasso δεν κατάλαβε πολλά. Κάπως, προσέφερε το Ehrenburg στον ρωσικό συγγραφέα, τον καλό του φίλο, γράψε το πορτρέτο του. Συμφωνήθηκε ευτυχώς, αλλά δεν είχε χρόνο να μείνει σε μια καρέκλα να θέσει, όπως είπε ο καλλιτέχνης όλα είναι έτοιμα.

Το Ehrenburg εξέφρασε έκπληξη στην ταχύτητα εκτέλεσης της εργασίας, επειδή δεν ήταν για 5 λεπτά, για τους οποίους απάντησε ο Πικάσο: «Σας ξέρω 40 χρόνια. Και όλα αυτά τα 40 χρόνια έμαθα να γράφω πορτρέτα σε 5 λεπτά. "

Η Ilya Repin βοήθησε να πουλήσει μια φωτογραφία που δεν έγραψε

Μια κυρία που απέκτησε στην αγορά μόνο για 10 ρούβλια μια εντελώς ταλέντο εικόνα, στην οποία η υπογραφή "I. Rupin υπερηφανεύεται με υπερηφάνεια. Όταν η κόκκινη ζωγραφική έδειξε αυτό το έργο στο Ilya Efimovich, γέλασε και προσθέτει "δεν επαναλαμβάνει" και βάζει τον αυτόγραφο του. Μετά από λίγο, μια επιχειρηματική κυρία πώλησε την εικόνα ενός άγνωστου καλλιτέχνη με αυτόγραφο του μεγάλου κύριου για 100 ρούβλια.

Αρκούδα στη διάσημη ζωγραφική Shishkin Drew άλλου καλλιτέχνη

Στο περιβάλλον των καλλιτεχνών, υπάρχει ένας άγνωστος νόμος - μια επαγγελματική αμοιβαία εκτέλεση. Μετά από όλα, ο καθένας από αυτούς δεν έχει μόνο αγαπημένα οικόπεδα και πλεονεκτήματα, αλλά και αδυναμίες, οπότε γιατί να μην βοηθάτε ο ένας τον άλλον. Επομένως, είναι γνωστό ότι για τη ζωγραφική "Πούσκιν στην ακτή" της φιγούρας AIVazovsky της μεγάλης ποιητής ζωγραφισμένης repin, και για τη ζωγραφική της Levitan "Ημέρα του φθινοπώρου. Sokolniki "Dama σε μαύρο χρώμα Nikolai Chekhov. Ο παίκτης του τοπίου Shishkin, ο οποίος μπορούσε να αντλήσει κάθε λεπίδα και μια μάσηση στις ζωγραφιές του, όταν δημιουργεί μια ζωγραφική "πρωί στο πεύκο bor", οι αρκούδες δεν αποκτήθηκαν. Ως εκ τούτου, οι αρκούδες για το περίφημο Shishkin Canvase ζωγραφισμένο Savitsky.

Ένα κομμάτι ινιδολίτη, πάνω από το οποίο απλά χύθηκε σε χρώμα, έγιναν ένα από τα πιο ακριβά πίνακα

Η πιο ακριβή εικόνα στον κόσμο το 2006 ήταν ένας καμβάς του Jackson Poloka "Αριθμός 5, 1948". Σε μία από τις δημοπρασίες, η εικόνα πήγε για 140 εκατομμύρια δολάρια. Μπορεί να φαίνεται αστείο, αλλά πάνω από τη δημιουργία αυτής της ζωγραφικής, ο καλλιτέχνης ειδικά "δεν ενοχλεί": απλά χύθηκε το χρώμα σε ένα κομμάτι φιορίτης που ορίζεται στο πάτωμα.

Ο Rubens κρυπτογραφήθηκε τη ζωγραφική του στα αστέρια

Οι ιστορικοί και οι επιστήμονες τέχνης για μεγάλο χρονικό διάστημα δεν μπορούσαν να καθορίσουν την ημερομηνία δημιουργίας ενός από τα πιο διάσημα φασόλια του Rubens - τις εικόνες της "γιορτής των θεών στον Όλυμπο". Το μυστήριο επιτρέπεται μόνο αφού οι αστρονόμοι κοίταξαν την εικόνα. Αποδείχθηκε ότι οι χαρακτήρες στην εικόνα ήταν με ακρίβεια την ίδια σειρά, καθώς οι πλανήτες βρίσκονταν στον ουρανό το 1602.

Logo "chupa chups" ζωγραφισμένα στον κόσμο διάσημο surrealist

Το 1961, ο Enrik Bernata, ο ιδιοκτήτης της εταιρείας "Chupa Chups", στράφηκε στον καλλιτέχνη El Salvador Dali με ένα αίτημα να βρει μια εικόνα για ένα περιτύλιγμα καραμελών. Dailed το αίτημα που εκτελέστηκε. Σήμερα είναι μια εικόνα, αν και σε μια κάπως τροποποιημένη μορφή, αναγνωρίσιμη στα γλειφιτζούρια αυτής της εταιρείας.

Σημειώνεται ότι το 1967 στην Ιταλία, με την ευλογία, ο Pope Roman κυκλοφόρησε με τις εικόνες του Σαλβαδόρ.

Το πιο ακριβό πρότυπο αλεύρι φέρνει ατυχία

Η εικόνα του λάσπης "Creek" πωλήθηκε σε δημοπρασία για 120 εκατομμύρια δολάρια και είναι σήμερα η πιο ακριβή εικόνα αυτού του καλλιτέχνη. Λέγεται ότι το Munch, του οποίου η διαδρομή ζωής - η πίστωση τραγωδία, βάλτε τόσο πολύ καύση σε αυτήν που η εικόνα έχει απορροφήσει την αρνητική ενέργεια και παίρνει τους παραβάτες.

Ένα από τα προσωπικά του Μουσείου Mulk κατά κάποιον τρόπο πέφτει κατά λάθος την εικόνα, μετά την οποία άρχισε να υποφέρεται από τρομερά πονοκεφάλους, οι οποίοι οδήγησαν αυτό το άτομο να αυτοκτονήσει. Ένας άλλος υπάλληλος του Μουσείου που δεν κατάφερε να κρατήσει την εικόνα, κυριολεκτικά μέσα από λίγες μπήκε σε ένα τρομερό αυτοκινητιστικό ατύχημα. Και ο επισκέπτης του μουσείου, ο οποίος επέτρεψε στον εαυτό του να αγγίξει την εικόνα, μετά από κάποιο χρονικό διάστημα καίγεται σε μια πυρκαγιά ζωντανή. Ωστόσο, δεν αποκλείεται ότι είναι μόνο συμπτώσεις.

Η "μαύρη πλατεία" Malevich έχει έναν "μεγαλύτερο αδελφό"

Το "Black Square", το οποίο είναι ίσως η πιο διάσημη εικόνα του Καζιμίρ Malevich, είναι ένα πανί των 79,5 * 79,5 εκατοστά, στις οποίες η μαύρη πλατεία εμφανίζεται σε λευκό φόντο. Ο Malevich έγραψε την εικόνα του το 1915. Και το 1893, 20 ετών στο Malevich, Alfons Alla, γαλλικός χιούμορ συγγραφέας, έσυρε τη "μαύρη πλατεία" του. Είναι αλήθεια, η εικόνα του Alla "Μάχη των Μαύρων σε ένα βαθύ σπήλαιο σκοτεινό τη νύχτα" κλήθηκε.

Ο Χριστός και ο Ιούδας στην εικόνα Da Vinci ένα πρόσωπο

Λέγεται ότι η δημιουργία ζωγραφικής "το τελευταίο δείπνο" απαίτησε από τον Leonardo da Vinci των προσπαθειών του Τιτανικού. Ο άνθρωπος από τον οποίο γράφτηκε η εικόνα του Χριστού τον καλλιτέχνη που βρέθηκε αρκετά γρήγορα. Ένας από τους τραγουδιστές της εκκλησιαστικής χορωδίας πλησίασε αυτόν τον ρόλο. Αλλά το "Juda" da Vinci αναζητούσε τρία χρόνια.

Κάπως στο δρόμο, ο καλλιτέχνης είδε έναν μεθυσμένο, ο οποίος ανεπιτυχείς προσπάθησε να βγει από το cesspool. Ο Da Vinci τον πήρε σε ένα από τα τελετουργικά ιδρύματα, κάθισε και άρχισε να σχεδιάζει. Ποια ήταν η έκπληξη του καλλιτέχνη, πότε, το κάπνισμα, ο Drunkard παραδέχθηκε ότι πριν από αρκετά χρόνια είχε ήδη πάρει τον. Αποδείχθηκε ότι αυτό είναι το πιο απλό.