Ζωγράφοι της πρώιμης Αναγέννησης. Μεγάλοι ζωγράφοι της Αναγέννησης

Αναγέννηση - μεταφρασμένο από τα γαλλικά σημαίνει "Αναγέννηση". Αυτό είναι το όνομα που δόθηκε σε μια ολόκληρη εποχή, συμβολίζοντας την πνευματική και καλλιτεχνική άνθηση του ευρωπαϊκού πολιτισμού. Η Αναγέννηση ξεκίνησε στην Ιταλία στις αρχές του 14ου αιώνα, προαναγγέλλοντας την εξαφάνιση μιας εποχής πολιτιστικής παρακμής και του Μεσαίωνα), η οποία βασίστηκε στη βαρβαρότητα και την άγνοια και, εξελισσόμενη, έφτασε στο αποκορύφωμά της τον 16ο αιώνα.

Για πρώτη φορά, ιστορικός ιταλικής καταγωγής, ζωγράφος και συγγραφέας έργων για τη ζωή διάσημων καλλιτεχνών, γλυπτών και αρχιτεκτόνων στις αρχές του 16ου αιώνα, έγραψε για την Αναγέννηση.

Αρχικά, ο όρος «Αναγέννηση» σήμαινε μια ορισμένη περίοδο (αρχές XIV αιώνα) της διαμόρφωσης ενός νέου κύματος τέχνης. Αλλά μετά από λίγο αυτή η έννοια απέκτησε μια ευρύτερη ερμηνεία και άρχισε να υποδηλώνει μια ολόκληρη εποχή ανάπτυξης και διαμόρφωσης μιας κουλτούρας αντίθετης προς τη φεουδαρχία.

Η περίοδος της Αναγέννησης συνδέεται στενά με την εμφάνιση νέων στυλ και τεχνικών ζωγραφικής στην Ιταλία. Εμφανίζεται ενδιαφέρον για εικόνες αντίκες. Η εκκοσμίκευση και ο ανθρωποκεντρισμός είναι αναπόσπαστα χαρακτηριστικά που γεμίζουν τα γλυπτά εκείνης της εποχής και τη ζωγραφική. Η Αναγέννηση αντικαθιστά τον ασκητισμό που χαρακτήριζε τη μεσαιωνική εποχή. Ένα ενδιαφέρον έρχεται για κάθε τι εγκόσμιο, την απέραντη ομορφιά της φύσης και φυσικά τον άνθρωπο. Οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης προσεγγίζουν το όραμα του ανθρώπινου σώματος από επιστημονική άποψη, προσπαθώντας να επεξεργαστούν τα πάντα μέχρι την παραμικρή λεπτομέρεια. Οι εικόνες γίνονται ρεαλιστικές. Η ζωγραφική είναι κορεσμένη με ένα μοναδικό στυλ. Καθιέρωσε τους βασικούς κανόνες του γούστου στην τέχνη. Μια νέα έννοια της κοσμοθεωρίας που ονομάζεται «ανθρωπισμός» είναι ευρέως διαδεδομένη, σύμφωνα με την οποία ένα άτομο θεωρείται η υψηλότερη αξία.

αναγέννηση

Το πνεύμα της ευημερίας έχει ευρεία έκφραση στους πίνακες εκείνης της εποχής και γεμίζει τον πίνακα με έναν ιδιαίτερο αισθησιασμό. Η εποχή της Αναγέννησης συνδέει τον πολιτισμό με την επιστήμη. Οι καλλιτέχνες άρχισαν να θεωρούν την τέχνη ως κλάδο της γνώσης, μελετώντας διεξοδικά την ανθρώπινη φυσιολογία και τον κόσμο γύρω τους. Αυτό έγινε για να αντικατοπτρίζεται πιο ρεαλιστικά η αλήθεια της δημιουργίας του Θεού και τα γεγονότα που διαδραματίζονται στους καμβάδες τους. Μεγάλη προσοχή δόθηκε στην απεικόνιση θρησκευτικών θεμάτων, η οποία απέκτησε γήινο περιεχόμενο χάρη στη δεξιοτεχνία μεγαλοφυιών όπως ο Λεονάρντο ντα Βίντσι.

Υπάρχουν πέντε στάδια στην ανάπτυξη της ιταλικής αναγεννησιακής τέχνης.

Διεθνές (δικαστήριο) γοτθικό

Το Court Gothic (ducento), που προήλθε στις αρχές του 13ου αιώνα, χαρακτηρίζεται από υπερβολική χρωματικότητα, πομπή και επιτηδειότητα. Ο κύριος τύπος ζωγραφικής είναι μια μινιατούρα που απεικονίζει σκηνές βωμού. Οι καλλιτέχνες χρησιμοποιούν χρώματα τέμπερας για να δημιουργήσουν τους πίνακές τους. Η Αναγέννηση είναι πλούσια σε διάσημους εκπροσώπους αυτής της περιόδου, για παράδειγμα, όπως οι Ιταλοί ζωγράφοι Vittore Carpaccio και Sandro Botticelli.

Προαναγεννησιακή περίοδος (Πρωτο-Αναγέννηση)

Το επόμενο στάδιο, το οποίο πιστεύεται ότι είχε προβλέψει την εποχή της Αναγέννησης, ονομάζεται Πρωτο-Αναγέννηση (trecento) και πέφτει στα τέλη του XIII - αρχές του XIV αιώνα. Σε σχέση με την ταχεία ανάπτυξη της ανθρωπιστικής κοσμοθεωρίας, η ζωγραφική αυτής της ιστορικής περιόδου αποκαλύπτει τον εσωτερικό κόσμο ενός ατόμου, την ψυχή του, έχει ένα βαθύ ψυχολογικό νόημα, αλλά ταυτόχρονα έχει μια απλή και σαφή δομή. Οι θρησκευτικές πλοκές ξεθωριάζουν στο παρασκήνιο και οι κοσμικές γίνονται οι κορυφαίες και ένα άτομο με τα συναισθήματα, τις εκφράσεις του προσώπου και τις χειρονομίες του ενεργεί ως κύριος χαρακτήρας. Εμφανίζονται τα πρώτα πορτρέτα της ιταλικής Αναγέννησης, παίρνοντας τη θέση των εικόνων. Διάσημοι καλλιτέχνες αυτής της περιόδου είναι οι Giotto, Pietro Lorenzetti.

Πρώιμη Αναγέννηση

Στην αρχή ξεκινά το στάδιο της πρώιμης Αναγέννησης (quattrocento), που συμβολίζει την άνθηση της ζωγραφικής με την απουσία θρησκευτικών θεμάτων. Τα πρόσωπα στις εικόνες αποκτούν ανθρώπινη εμφάνιση και το τοπίο, ως είδος στη ζωγραφική, καταλαμβάνει ξεχωριστή θέση. Ο ιδρυτής της καλλιτεχνικής κουλτούρας της πρώιμης Αναγέννησης είναι ο Mozaccio, του οποίου η ιδέα βασίζεται στη διανοητικότητα. Οι πίνακές του είναι άκρως ρεαλιστικές. Οι μεγάλοι δάσκαλοι εξερεύνησαν τη γραμμική και εναέρια προοπτική, την ανατομία και χρησιμοποίησαν τη γνώση στις δημιουργίες τους, στις οποίες φαίνεται ο σωστός τρισδιάστατος χώρος. Εκπρόσωποι της πρώιμης Αναγέννησης είναι οι Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.

Υψηλή Αναγέννηση ή «Χρυσή Εποχή»

Από τα τέλη του 15ου αιώνα ξεκίνησε το στάδιο της Υψηλής Αναγέννησης (cinquecento) και κράτησε για ένα σχετικά μικρό χρονικό διάστημα, μέχρι τις αρχές του 16ου αιώνα. Η Βενετία και η Ρώμη έγιναν το κέντρο της. Οι εργαζόμενοι της τέχνης διευρύνουν τους ιδεολογικούς τους ορίζοντες και ενδιαφέρονται για το διάστημα. Ένα άτομο εμφανίζεται στην εικόνα ενός ήρωα, τέλειο τόσο πνευματικά όσο και σωματικά. Οι φιγούρες αυτής της εποχής θεωρούνται οι Λεονάρντο ντα Βίντσι, Ραφαήλ, Τιτσιάν Βετσέλιο, Μικελάντζελο Μπουοναρότι κ.α. Ο μεγάλος καλλιτέχνης Λεονάρντο ντα Βίντσι ήταν ένας «καθολικός άνθρωπος» και βρισκόταν σε διαρκή αναζήτηση της αλήθειας. Ασχολούμενος με τη γλυπτική, το δράμα, διάφορα επιστημονικά πειράματα, κατάφερε να βρει χρόνο για ζωγραφική. Η δημιουργία "Madonna of the Rocks" εμφανίζει ξεκάθαρα το στυλ του chiaroscuro που δημιούργησε ο ζωγράφος, όπου ο συνδυασμός φωτός και σκιάς δημιουργεί το εφέ της τρισδιάστατης εικόνας και η περίφημη "La Gioconda" γίνεται με την τεχνική "smooth". δημιουργώντας την ψευδαίσθηση της ομίχλης.

Ύστερη Αναγέννηση

Κατά την περίοδο της ύστερης Αναγέννησης, που εμπίπτει στις αρχές του 16ου αιώνα, η πόλη της Ρώμης καταλήφθηκε και λεηλατήθηκε από τα γερμανικά στρατεύματα. Αυτό το γεγονός σηματοδότησε την αρχή μιας εποχής εξαφάνισης. Το ρωμαϊκό πολιτιστικό κέντρο έπαψε να είναι ο προστάτης άγιος των πιο διάσημων μορφών και αναγκάστηκαν να διασκορπιστούν σε άλλες πόλεις της Ευρώπης. Ως αποτέλεσμα των αυξανόμενων ασυνεπειών μεταξύ της χριστιανικής πίστης και του ουμανισμού στα τέλη του 15ου αιώνα, ο μανιερισμός έγινε το κυρίαρχο στυλ που χαρακτηρίζει τη ζωγραφική. Η εποχή της Αναγέννησης φτάνει σταδιακά στο τέλος της, αφού η βάση αυτού του στυλ θεωρείται ένας όμορφος τρόπος, που επισκιάζει την ιδέα της αρμονίας του κόσμου, της αλήθειας και της παντοδυναμίας της λογικής. Η δημιουργικότητα γίνεται πολύπλοκη και αποκτά τα χαρακτηριστικά της αντιπαράθεσης διαφόρων κατευθύνσεων. Τα λαμπρά έργα ανήκουν σε διάσημους καλλιτέχνες όπως οι Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).

Η Ιταλία έγινε πολιτιστικό κέντρο της ζωγραφικής και προίκισε τον κόσμο με λαμπρούς καλλιτέχνες αυτής της περιόδου, των οποίων οι πίνακες προκαλούν ακόμα συναισθηματική απόλαυση.

Εκτός από την Ιταλία, η ανάπτυξη της τέχνης και της ζωγραφικής πήρε σημαντική θέση και σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Αυτό το κίνημα ονομάστηκε.Αξίζει ιδιαίτερα να σημειωθεί ο πίνακας της Γαλλίας της Αναγέννησης, που φύτρωσε στο δικό της έδαφος. Το τέλος του Εκατονταετούς Πολέμου προκάλεσε την ανάπτυξη της παγκόσμιας αυτογνωσίας και την ανάπτυξη του ανθρωπισμού. Υπάρχει ρεαλισμός, σύνδεση με την επιστημονική γνώση, έλξη προς τις εικόνες της αρχαιότητας. Όλα αυτά τα χαρακτηριστικά το φέρνουν πιο κοντά στα ιταλικά, αλλά η παρουσία μιας τραγικής νότας στους καμβάδες είναι μια σημαντική διαφορά. Διάσημοι ζωγράφοι της Αναγέννησης στη Γαλλία - Angerrand Sharonton, Nicola Froman, Jean Fouquet, Jean Clouet the Elder.

Η Αναγέννηση, ή Αναγέννηση, είναι ένα ιστορικό ορόσημο στον ευρωπαϊκό πολιτισμό. Αυτό είναι ένα μοιραίο στάδιο στην ανάπτυξη του παγκόσμιου πολιτισμού, το οποίο αντικατέστησε την πυκνότητα και τον σκοταδισμό του Μεσαίωνα και προηγήθηκε της εμφάνισης των πολιτιστικών αξιών της Νέας Εποχής. Ο ανθρωποκεντρισμός είναι εγγενής στην κληρονομιά της Αναγέννησης - με άλλα λόγια, ένας προσανατολισμός προς τον Άνθρωπο, τη ζωή και το έργο του. Αποστασιοποιώντας τα εκκλησιαστικά δόγματα και πλοκές, η τέχνη αποκτά κοσμικό χαρακτήρα και το όνομα της εποχής παραπέμπει στην αναβίωση παλαιών μοτίβων στην τέχνη.

Η Αναγέννηση, που ξεκίνησε από την Ιταλία, συνήθως χωρίζεται σε τρία στάδια: πρώιμο ("quattrocento"), υψηλό και μεταγενέστερο. Εξετάστε τα χαρακτηριστικά του έργου των μεγάλων δασκάλων που εργάστηκαν σε αυτούς τους αρχαίους, αλλά σημαντικούς χρόνους.

Πρώτα απ 'όλα, πρέπει να σημειωθεί ότι οι δημιουργοί της Αναγέννησης δεν ασχολούνταν μόνο με την «καθαρή» καλές τέχνες, αλλά έδειχναν τους εαυτούς τους ως ταλαντούχους ερευνητές και ανακαλυπτές. Για παράδειγμα, ένα σύνολο κανόνων για την κατασκευή γραμμικής προοπτικής περιγράφηκε από έναν αρχιτέκτονα από τη Φλωρεντία ονόματι Filippo Brunelleschi. Οι νόμοι που διατύπωσε ο ίδιος κατέστησαν δυνατή την ακριβή απεικόνιση ενός τρισδιάστατου κόσμου σε καμβά. Μαζί με την ενσάρκωση των προοδευτικών ιδεών στη ζωγραφική, άλλαξε και το ίδιο το ιδεολογικό της περιεχόμενο - οι ήρωες των πινάκων έγιναν πιο «γήινοι», με έντονες προσωπικές ιδιότητες και χαρακτήρες. Αυτό ίσχυε ακόμη και για έργα με θέματα που σχετίζονται με τη θρησκεία.

Εξαιρετικά ονόματα της περιόδου Quattrocento (δεύτερο μισό του 15ου αιώνα) - Botticelli, Masaccio, Mazolino, Gozzoli και άλλοι - έχουν δικαιωματικά εξασφαλίσει μια τιμητική θέση στο θησαυροφυλάκιο του παγκόσμιου πολιτισμού.

Κατά την Υψηλή Αναγέννηση (πρώτο μισό του 16ου αιώνα), αποκαλύπτεται πλήρως το σύνολο του ιδεολογικού και δημιουργικού δυναμικού των καλλιτεχνών. Χαρακτηριστικό γνώρισμα αυτής της εποχής είναι η αναφορά της τέχνης στην εποχή της αρχαιότητας. Οι καλλιτέχνες, ωστόσο, δεν αντιγράφουν καθόλου τυφλά αρχαία θέματα, αλλά τα χρησιμοποιούν για να δημιουργήσουν και να αναπτύξουν τα δικά τους μοναδικά στυλ. Χάρη σε αυτό, οι εικαστικές τέχνες αποκτούν συνέπεια και αυστηρότητα, υποχωρώντας σε μια κάποια επιπολαιότητα της προηγούμενης περιόδου. Η αρχιτεκτονική, η γλυπτική και η ζωγραφική αυτής της εποχής αλληλοσυμπληρώνονταν αρμονικά. Κτίρια, τοιχογραφίες, πίνακες που δημιουργήθηκαν στην περίοδο της Υψηλής Αναγέννησης είναι πραγματικά αριστουργήματα. Τα ονόματα των αναγνωρισμένων ιδιοφυιών λάμπουν: Λεονάρντο ντα Βίντσι, Ραφαέλ Σάντι, Μικελάντζελο Μπουοναρότι.

Η προσωπικότητα του Λεονάρντο ντα Βίντσι αξίζει ιδιαίτερης προσοχής. Λένε για αυτόν ότι αυτός είναι ένας άνθρωπος πολύ μπροστά από την εποχή του. Καλλιτέχνης, αρχιτέκτονας, μηχανικός, εφευρέτης - αυτή δεν είναι μια πλήρης λίστα με τις υποστάσεις αυτής της πολύπλευρης προσωπικότητας.

Ο σύγχρονος άνθρωπος στο δρόμο Λεονάρντο ντα Βίντσι είναι γνωστός κυρίως ως ζωγράφος. Το πιο γνωστό του έργο είναι η «Μόνα Λίζα». Στο παράδειγμά της, ο θεατής μπορεί να εκτιμήσει την καινοτομία της τεχνικής του συγγραφέα: χάρη στο μοναδικό θάρρος και τη χαλαρή σκέψη, ο Λεονάρντο ανέπτυξε θεμελιωδώς νέους τρόπους για να «αναβιώσει» την εικόνα.

Χρησιμοποιώντας το φαινόμενο της σκέδασης φωτός, πέτυχε μείωση της αντίθεσης των δευτερευουσών λεπτομερειών, γεγονός που ανέβασε τον ρεαλισμό της εικόνας σε νέο επίπεδο. Ο πλοίαρχος έδωσε μεγάλη προσοχή στην ανατομική ακρίβεια της ενσάρκωσης του σώματος στη ζωγραφική και τα γραφικά - οι αναλογίες της "ιδανικής" φιγούρας είναι σταθερές στον "Άνθρωπο του Βιτρούβιου".

Το δεύτερο μισό του 16ου και το πρώτο μισό του 17ου αιώνα συνήθως ονομάζεται Ύστερη Αναγέννηση. Αυτή η περίοδος χαρακτηρίστηκε από πολύ διαφορετικές πολιτιστικές και δημιουργικές τάσεις, επομένως είναι δύσκολο να την κρίνουμε ξεκάθαρα. Οι θρησκευτικές τάσεις της νότιας Ευρώπης, που ενσωματώθηκαν στην Αντιμεταρρύθμιση, οδήγησαν σε μια αφαίρεση από την εξύμνηση της ανθρώπινης ομορφιάς και των αρχαίων ιδανικών. Η αντίφαση τέτοιων συναισθημάτων με την καθιερωμένη ιδεολογία της Αναγέννησης οδήγησε στην εμφάνιση του φλωρεντινικού μανιερισμού. Η ζωγραφική σε αυτό το στυλ χαρακτηρίζεται από μια επινοημένη χρωματική παλέτα και σπασμένες γραμμές. Οι Βενετοί δάσκαλοι εκείνης της εποχής - Τιτσιάνο και Παλλάδιο - διαμόρφωσαν τις δικές τους κατευθύνσεις ανάπτυξης, που είχαν ελάχιστα σημεία επαφής με τις εκδηλώσεις της κρίσης στην τέχνη.

Εκτός από την Ιταλική Αναγέννηση, προσοχή πρέπει να δοθεί στη Βόρεια Αναγέννηση. Οι καλλιτέχνες που ζούσαν βόρεια των Άλπεων επηρεάστηκαν λιγότερο από την αρχαία τέχνη. Στο έργο τους εντοπίζεται η επιρροή του γοτθικού, που επιβίωσε μέχρι την έναρξη της εποχής του μπαρόκ. Οι μεγάλες μορφές της Βόρειας Αναγέννησης είναι ο Άλμπρεχτ Ντύρερ, ο Λούκας Κράναχ ο Πρεσβύτερος, ο Πίτερ Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος.

Η πολιτιστική κληρονομιά των μεγάλων καλλιτεχνών της Αναγέννησης είναι ανεκτίμητη. Το όνομα καθενός από αυτά διατηρείται με αγωνία και επιμέλεια στη μνήμη της ανθρωπότητας, αφού αυτός που το φόρεσε ήταν ένα μοναδικό διαμάντι με πολλές όψεις.

Η εποχή της Αναγέννησης προκάλεσε βαθιές αλλαγές σε όλους τους τομείς του πολιτισμού - φιλοσοφία, επιστήμη και τέχνη. Ένα από αυτά είναι. που γίνεται όλο και πιο ανεξάρτητο από τη θρησκεία, παύει να είναι «υπηρέτης της θεολογίας», αν και απέχει ακόμη πολύ από την πλήρη ανεξαρτησία. Όπως και σε άλλους τομείς του πολιτισμού, οι διδασκαλίες των αρχαίων στοχαστών, κυρίως του Πλάτωνα και του Αριστοτέλη, αναβιώνουν στη φιλοσοφία. Ο Marsilio Ficino ίδρυσε την Πλατωνική Ακαδημία στη Φλωρεντία, μετέφρασε τα έργα του μεγάλου Έλληνα στα λατινικά. Οι ιδέες του Αριστοτέλη επέστρεψαν στην Ευρώπη ακόμη νωρίτερα, πριν από την Αναγέννηση. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, σύμφωνα με τον Λούθηρο, είναι αυτός, όχι ο Χριστός, που «κυβερνάει στα ευρωπαϊκά πανεπιστήμια».

Μαζί με τις αρχαίες διδασκαλίες, φυσική φιλοσοφία, ή φιλοσοφία της φύσης. Κηρύσσεται από φιλοσόφους όπως οι B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Τα έργα τους αναπτύσσουν την ιδέα ότι η φιλοσοφία δεν πρέπει να μελετά έναν υπερφυσικό Θεό, αλλά την ίδια τη φύση, ότι η φύση υπακούει στους δικούς της, εσωτερικούς νόμους, ότι η βάση της γνώσης είναι η εμπειρία και η παρατήρηση και όχι η θεία αποκάλυψη ότι ο άνθρωπος είναι μέρος της φύσης.

Η διάδοση των φυσικών φιλοσοφικών απόψεων διευκολύνθηκε από επιστημονικόςανακαλύψεις. Το κυριότερο ήταν ηλιοκεντρική θεωρία N. Copernicus, ο οποίος έκανε μια πραγματική επανάσταση στην ιδέα του κόσμου.

Ας σημειωθεί, ωστόσο, ότι οι επιστημονικές και φιλοσοφικές απόψεις της εποχής εκείνης εξακολουθούν να επηρεάζονται από τη θρησκεία και τη θεολογία. Αυτό το είδος άποψης παίρνει συχνά τη μορφή πανθεϊσμός, στο οποίο δεν αρνείται η ύπαρξη του Θεού, αλλά διαλύεται στη φύση, ταυτίζεται με αυτήν. Σε αυτό πρέπει επίσης να προστεθεί η επιρροή των λεγόμενων απόκρυφων επιστημών - αστρολογία, αλχημεία, μυστικισμός, μαγεία κ.λπ. Όλα αυτά συμβαίνουν ακόμη και με έναν τέτοιο φιλόσοφο όπως ο D. Bruno.

Οι πιο σημαντικές αλλαγές που επέφερε η Αναγέννηση καλλιτεχνικός πολιτισμός, τέχνη.Είναι σε αυτόν τον τομέα που η ρήξη με τον Μεσαίωνα αποδείχθηκε η βαθύτερη και πιο ριζοσπαστική.

Στο Μεσαίωνα, η τέχνη ήταν σε μεγάλο βαθμό εφαρμοσμένης φύσης, ήταν υφασμένη στην ίδια τη ζωή και υποτίθεται ότι τη διακοσμούσε. Στην Αναγέννηση, η τέχνη για πρώτη φορά αποκτά εγγενή αξία, γίνεται ένας ανεξάρτητος χώρος ομορφιάς. Ταυτόχρονα, για πρώτη φορά διαμορφώνεται ένα καθαρά καλλιτεχνικό, αισθητικό συναίσθημα στον θεατή που αντιλαμβάνεται, για πρώτη φορά ξυπνά η αγάπη για την τέχνη για χάρη της και όχι για τον σκοπό που υπηρετεί.

Ποτέ άλλοτε η τέχνη δεν είχε τόσο μεγάλη εκτίμηση και σεβασμό. Ακόμη και στην αρχαία Ελλάδα, το έργο ενός καλλιτέχνη ήταν αισθητά κατώτερο από τη δραστηριότητα ενός πολιτικού και ενός πολίτη ως προς την κοινωνική του σημασία. Μια ακόμη πιο μέτρια θέση κατέλαβε ο καλλιτέχνης στην αρχαία Ρώμη.

Τώρα θέση και ρόλος του καλλιτέχνηαυξάνονται αμέτρητα στην κοινωνία. Για πρώτη φορά, θεωρείται ως ένας ανεξάρτητος και σεβαστός επαγγελματίας, επιστήμονας και στοχαστής, μια μοναδική προσωπικότητα. Στην Αναγέννηση, η τέχνη γίνεται αντιληπτή ως ένα από τα πιο ισχυρά μέσα γνώσης και με αυτή την ιδιότητα ταυτίζεται με την επιστήμη. Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι βλέπει την επιστήμη και την τέχνη ως δύο εντελώς ίσους τρόπους μελέτης της φύσης. Γράφει: «Η ζωγραφική είναι επιστήμη και νόμιμη κόρη της φύσης».

Η τέχνη εκτιμάται ακόμη περισσότερο ως δημιουργικότητα. Ως προς τις δημιουργικές του ικανότητες, ο καλλιτέχνης της Αναγέννησης εξισώνεται με τον Θεό τον δημιουργό. Ως εκ τούτου, είναι σαφές γιατί ο Ραφαήλ έλαβε την προσθήκη του «Θεϊκού» στο όνομά του. Για τους ίδιους λόγους η Κωμωδία του Δάντη ονομαζόταν και Θεϊκή.

Στην ίδια την τέχνη συντελούνται βαθιές αλλαγές.Κάνει μια αποφασιστική στροφή από ένα μεσαιωνικό σύμβολο και σημάδι σε μια ρεαλιστική εικόνα και αξιόπιστη απεικόνιση. Τα μέσα καλλιτεχνικής έκφρασης γίνονται νέα. Τώρα βασίζονται στη γραμμική και εναέρια προοπτική, στην τρισδιάστατη ένταση του όγκου και στο δόγμα των αναλογιών. Η τέχνη προσπαθεί να είναι πιστή στην πραγματικότητα σε όλα, να επιτύχει αντικειμενικότητα, αξιοπιστία και ζωντάνια.

Η Αναγέννηση ήταν κυρίως ιταλική. Επομένως, δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι στην Ιταλία η τέχνη κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου έφτασε στην υψηλότερη άνοδο και άνθηση. Εδώ υπάρχουν δεκάδες ονόματα τιτάνων, ιδιοφυιών, σπουδαίων και απλά ταλαντούχων καλλιτεχνών. Άλλες χώρες έχουν επίσης σπουδαία ονόματα, αλλά η Ιταλία είναι πέρα ​​από τον ανταγωνισμό.

Στην Ιταλική Αναγέννηση, συνήθως διακρίνονται διάφορα στάδια:

• Πρωτο-Αναγέννηση: δεύτερο μισό 13ου αιώνα - XIV αιώνας.
• Πρώιμη Αναγέννηση: σχεδόν ολόκληρος ο 15ος αιώνας.
• Υψηλή Αναγέννηση: τέλη 15ου αιώνα - το πρώτο τρίτο του 16ου αιώνα.
• Ύστερη Αναγέννηση: τα δύο τελευταία τρίτα του 16ου αιώνα.

Οι κύριες μορφές της Πρωτο-Αναγέννησης είναι ο ποιητής Dante Alighieri (1265-1321) και ο ζωγράφος Giotto (1266 / 67-1337).

Η μοίρα έφερε στον Δάντη πολλές δοκιμασίες. Για τη συμμετοχή του στον πολιτικό αγώνα, διώχθηκε, περιπλανήθηκε, πέθανε σε ξένη χώρα, στη Ραβέννα. Η προσφορά του στον πολιτισμό ξεπερνά την ποίηση. Έγραψε όχι μόνο στίχους αγάπης, αλλά και φιλοσοφικές και πολιτικές πραγματείες. Ο Δάντης είναι ο δημιουργός της ιταλικής λογοτεχνικής γλώσσας. Μερικές φορές αποκαλείται ο τελευταίος ποιητής του Μεσαίωνα και ο πρώτος ποιητής της σύγχρονης εποχής. Αυτές οι δύο αρχές -παλιά και νέα- είναι πραγματικά στενά συνυφασμένες στο έργο του.

Τα πρώτα έργα του Dante - "New Life" και "Feast" - είναι λυρικά ποιήματα ερωτικού περιεχομένου, αφιερωμένα στην αγαπημένη του Beatrice, την οποία γνώρισε μια φορά στη Φλωρεντία και πέθανε επτά χρόνια μετά τη συνάντησή τους. Ο ποιητής κράτησε τον έρωτά του για το υπόλοιπο της ζωής του. Στο είδος του, οι στίχοι του Δάντη βρίσκονται στο κυρίαρχο ρεύμα της μεσαιωνικής αυλικής ποίησης, όπου αντικείμενο επαίνου είναι η εικόνα της «Ωραίας Κυρίας». Ωστόσο, τα συναισθήματα που εκφράζει ο ποιητής ανήκουν ήδη στην Αναγέννηση. Προκαλούνται από πραγματικές συναντήσεις και γεγονότα, γεμάτα με ειλικρινή ζεστασιά, που χαρακτηρίζονται από μια μοναδική προσωπικότητα.

Το αποκορύφωμα της δημιουργικότητας του Δάντη ήταν «Η Θεία Κωμωδία», που κατέλαβε μια ιδιαίτερη θέση στην ιστορία του παγκόσμιου πολιτισμού. Με την κατασκευή του, αυτό το ποίημα βρίσκεται επίσης στο κυρίαρχο ρεύμα των μεσαιωνικών παραδόσεων. Μιλάει για τις περιπέτειες ενός ανθρώπου που έπεσε στη μετά θάνατον ζωή. Το ποίημα έχει τρία μέρη - Κόλαση, Καθαρτήριο και Παράδεισος, καθένα από τα οποία έχει 33 τραγούδια γραμμένα σε τρίστιχες στροφές.

Ο επαναλαμβανόμενος αριθμός «τρία» απηχεί άμεσα το χριστιανικό δόγμα της Τριάδας. Στην πορεία της ιστορίας, ο Δάντης ακολουθεί αυστηρά πολλές από τις απαιτήσεις του Χριστιανισμού. Συγκεκριμένα, δεν παραδέχεται τον σύντροφό του μέσω των εννέα κύκλων της κόλασης και του καθαρτηρίου - τον Ρωμαίο ποιητή Βιργίλιο - στον παράδεισο, γιατί ένας ειδωλολάτρης στερείται τέτοιου δικαιώματος. Εδώ τον ποιητή συνοδεύει η εκλιπούσα αγαπημένη του Βεατρίκη.

Ωστόσο, στις σκέψεις και τις κρίσεις του, στη στάση του απέναντι στους εικονιζόμενους χαρακτήρες και τις αμαρτίες τους. Ο Δάντης συχνά και πολύ σημαντικά αποκλίνει από τη χριστιανική διδασκαλία. Ετσι. αντί για τη χριστιανική μομφή της αισθησιακής αγάπης ως αμαρτίας, μιλά για τον «νόμο της αγάπης», σύμφωνα με τον οποίο η αισθησιακή αγάπη περιλαμβάνεται στη φύση της ίδιας της ζωής. Ο Δάντης είναι συμπονεμένος στην αγάπη της Φραντσέσκας και του Πάολο. αν και ο έρωτάς τους συνδέεται με την προδοσία του συζύγου της από τη Φραντσέσκα. Το πνεύμα της Αναγέννησης κερδίζει τον Δάντη και σε άλλες περιπτώσεις.

Μεταξύ των εξαιρετικών Ιταλών ποιητών συγκαταλέγονται επίσης Φραντσέσκο Πετράρκα.Στην παγκόσμια κουλτούρα, είναι γνωστός κυρίως για τη δική του σονέτα.Παράλληλα, υπήρξε στοχαστής, φιλόσοφος και ιστορικός μεγάλης κλίμακας. Δικαίως θεωρείται ο ιδρυτής ολόκληρης της αναγεννησιακής κουλτούρας.

Το έργο του Πετράρχη είναι επίσης εν μέρει στο πλαίσιο των μεσαιωνικών αυλικών στίχων. Όπως και ο Δάντης, είχε μια αγαπημένη που ονομαζόταν Λάουρα, στην οποία αφιέρωσε το «Βιβλίο των τραγουδιών» του. Ταυτόχρονα, ο Πετράρχης διακόπτει πιο αποφασιστικά τους δεσμούς με τον μεσαιωνικό πολιτισμό. Στα έργα του, τα εκφραζόμενα συναισθήματα -έρωπη, πόνος, απόγνωση, λαχτάρα- εμφανίζονται πολύ πιο έντονα και γυμνά. Η αρχή της προσωπικότητας ακούγεται πιο δυνατή σε αυτούς.

Ένας άλλος εξαιρετικός εκπρόσωπος της λογοτεχνίας ήταν Τζιοβάνι Μποκάτσιο(1313-1375). συγγραφέας του παγκοσμίου φήμης " Δεκαμερόν».Η αρχή της οικοδόμησης της συλλογής διηγημάτων του και η πλοκή του Boccaccio δανείζεται από τον Μεσαίωνα. Όλα τα άλλα είναι εμποτισμένα με το πνεύμα της Αναγέννησης.

Τα βασικά πρόσωπα των διηγημάτων είναι απλοί και απλοί άνθρωποι. Είναι γραμμένα σε εκπληκτικά φωτεινή, ζωντανή, καθομιλουμένη γλώσσα. Δεν υπάρχουν βαρετές διαλέξεις σε αυτά, αντίθετα, πολλές μικρές ιστορίες κυριολεκτικά αστράφτουν από αγάπη για τη ζωή και τη διασκέδαση. Οι πλοκές ορισμένων από αυτές είναι ερωτικού και ερωτικού χαρακτήρα. Εκτός από το The Decameron, ο Boccaccio έγραψε επίσης τη νουβέλα Fiametta, η οποία θεωρείται το πρώτο ψυχολογικό μυθιστόρημα στη δυτική λογοτεχνία.

Τζιότο ντι Μποντόνεείναι ο πιο εξέχων εκπρόσωπος της Ιταλικής Πρωτο-Αναγέννησης στις εικαστικές τέχνες. Το κύριο είδος του ήταν η τοιχογραφία. Όλα είναι γραμμένα με βιβλικά και μυθολογικά θέματα, απεικονίζουν σκηνές από τη ζωή της Αγίας Οικογένειας, ευαγγελιστών, αγίων. Ωστόσο, στην ερμηνεία αυτών των θεμάτων υπερισχύει ξεκάθαρα η αναγεννησιακή αρχή. Στο έργο του, ο Τζιότο εγκαταλείπει τη μεσαιωνική σύμβαση και στρέφεται στον ρεαλισμό και την πιστευτότητα. Είναι γι' αυτόν που αναγνωρίζεται η αξία της αναβίωσης της ζωγραφικής ως καλλιτεχνικής αξίας από μόνη της.

Στα έργα του αποτυπώνεται αρκετά ρεαλιστικά το φυσικό τοπίο, πάνω στο οποίο διακρίνονται καθαρά δέντρα, βράχοι, ναοί. Όλοι οι εμπλεκόμενοι χαρακτήρες, συμπεριλαμβανομένων των ίδιων των αγίων, εμφανίζονται ως ζωντανοί άνθρωποι, προικισμένοι με σωματική σάρκα, ανθρώπινα συναισθήματα και πάθη. Τα ρούχα τους σκιαγραφούν τα φυσικά σχήματα του σώματός τους. Τα έργα του Giotto χαρακτηρίζονται από λαμπερό χρώμα και γραφικότητα, λεπτή πλαστικότητα.

Το κύριο δημιούργημα του Giotto είναι ο πίνακας της Capella del Arena στην Πάντοβα, που αφηγείται τα γεγονότα στη ζωή της Αγίας Οικογένειας. Την ισχυρότερη εντύπωση προκαλεί ο κύκλος του τοίχου, που περιλαμβάνει τις σκηνές «Πτήση στην Αίγυπτο», «Φιλί του Ιούδα», «Θρήνος του Χριστού».

Όλοι οι χαρακτήρες που απεικονίζονται στους πίνακες φαίνονται φυσικοί και αυθεντικοί. Η θέση του σώματός τους, οι χειρονομίες, η συναισθηματική τους κατάσταση, τα βλέμματα, τα πρόσωπα - όλα αυτά φαίνονται με σπάνια ψυχολογική πειστικότητα. Ταυτόχρονα, η συμπεριφορά του καθενός ανταποκρίνεται αυστηρά στον ρόλο που του έχει ανατεθεί. Κάθε σκηνή έχει μια μοναδική ατμόσφαιρα.

Έτσι, στη σκηνή «Πτήση για την Αίγυπτο» επικρατεί ένας συγκρατημένος και γενικά ήρεμος συναισθηματικός τόνος. Το «Kiss of Judas» είναι γεμάτο με θυελλώδη δυναμισμό, αιχμηρές και αποφασιστικές ενέργειες των χαρακτήρων που κυριολεκτικά μάλωναν μεταξύ τους. Και μόνο δύο κύριοι συμμετέχοντες - ο Ιούδας και ο Χριστός - πάγωσαν ακίνητοι και οδηγούν τη μονομαχία με τα μάτια τους.

Η σκηνή «Θρήνος του Χριστού» χαρακτηρίζεται από ένα ιδιαίτερο δράμα. Είναι γεμάτη τραγική απόγνωση, αφόρητο πόνο και βάσανα, απαρηγόρητη θλίψη και θλίψη.

Η Πρώιμη Αναγέννηση τελικά εγκρίθηκε νέες αισθητικές και καλλιτεχνικές αρχές της τέχνης.Ταυτόχρονα, οι βιβλικές ιστορίες εξακολουθούν να είναι πολύ δημοφιλείς. Ωστόσο, η ερμηνεία τους γίνεται εντελώς διαφορετική, έχει ήδη απομείνει ελάχιστα από τον Μεσαίωνα σε αυτό.

Πατρίδα Πρώιμη Αναγέννησηέγινε Φλωρεντία και ο αρχιτέκτονας θεωρείται οι «πατέρες της Αναγέννησης» Philippe Brunelleschi(1377-1446), γλύπτης Ντονατέλο(1386-1466). ζωγράφος Μασάτσιο (1401 -1428).

Ο Brunelleschi συνέβαλε τεράστια στην ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής. Έθεσε τα θεμέλια της αναγεννησιακής αρχιτεκτονικής, ανακάλυψε νέες μορφές που υπήρχαν για αιώνες. Έκανε πολλά για να αναπτύξει τους νόμους της προοπτικής.

Το πιο σημαντικό έργο του Brunelleschi ήταν η ανέγερση ενός θόλου πάνω από την ήδη τελειωμένη κατασκευή του καθεδρικού ναού της Santa Maria del Fiore στη Φλωρεντία. Αντιμετώπισε ένα εξαιρετικά δύσκολο έργο, αφού ο απαιτούμενος τρούλος έπρεπε να είναι τεράστιος - περίπου 50 μέτρα σε διάμετρο. Με τη βοήθεια ενός πρωτότυπου σχεδίου, βγαίνει έξοχα από μια δύσκολη κατάσταση. Χάρη στη λύση που βρέθηκε, όχι μόνο ο ίδιος ο τρούλος αποδείχθηκε εκπληκτικά ελαφρύς και, όπως λες, αιωρείται πάνω από την πόλη, αλλά ολόκληρο το κτίριο του καθεδρικού ναού απέκτησε αρμονία και μεγαλοπρέπεια.

Το διάσημο παρεκκλήσι Pazzi, που χτίστηκε στην αυλή της εκκλησίας Santa Croce στη Φλωρεντία, δεν ήταν λιγότερο υπέροχο έργο του Brunelleschi. Είναι ένα μικρό, ορθογώνιο κτίσμα που καλύπτεται στο κέντρο από τρούλο. Στο εσωτερικό του έχει λευκό μάρμαρο. Όπως και άλλα κτίρια του Brunelleschi, το παρεκκλήσι διακρίνεται από απλότητα και σαφήνεια, χάρη και χάρη.

Το έργο του Brunelleschi είναι αξιοσημείωτο για το γεγονός ότι υπερβαίνει τα θρησκευτικά κτίρια και δημιουργεί υπέροχα κτίρια κοσμικής αρχιτεκτονικής. Εξαιρετικό παράδειγμα τέτοιας αρχιτεκτονικής είναι το ορφανοτροφείο, χτισμένο στο σχήμα του γράμματος «Π», με σκεπαστή στοά-λότζια.

Ο Φλωρεντινός γλύπτης Donatello είναι ένας από τους πιο εξέχοντες δημιουργούς της Πρώιμης Αναγέννησης. Εργάστηκε σε μια μεγάλη ποικιλία ειδών, δείχνοντας παντού γνήσια καινοτομία. Στο έργο του, ο Donatello χρησιμοποιεί την αρχαία κληρονομιά, στηριζόμενος σε μια βαθιά μελέτη της φύσης, ενημερώνοντας με τόλμη τα μέσα καλλιτεχνικής έκφρασης.

Συμμετέχει στην ανάπτυξη της θεωρίας της γραμμικής προοπτικής, αναβιώνει το γλυπτό πορτρέτο και την απεικόνιση του γυμνού, χυτεύει το πρώτο χάλκινο μνημείο. Οι εικόνες που δημιούργησε είναι η ενσάρκωση του ανθρωπιστικού ιδεώδους μιας αρμονικά αναπτυγμένης προσωπικότητας. Με το έργο του, ο Donatello είχε μεγάλη επιρροή στη μετέπειτα εξέλιξη της ευρωπαϊκής γλυπτικής.

Η επιθυμία του Ντονατέλο να εξιδανικεύσει το πρόσωπο που απεικονίζεται εκδηλώθηκε ξεκάθαρα στο άγαλμα του νεαρού Δαβίδ.Στο έργο αυτό ο Ντέιβιντ εμφανίζεται νέος, όμορφος, γεμάτος ψυχική και σωματική δύναμη νεαρών ανδρών. Η ομορφιά του γυμνού κορμιού του τονίζεται από έναν χαριτωμένα κυρτό κορμό. Ένα νεαρό πρόσωπο εκφράζει στοχασμό και θλίψη. Αυτό το άγαλμα ακολουθήθηκε από μια σειρά από γυμνές φιγούρες στη γλυπτική της Αναγέννησης.

Η ηρωική αρχή είναι δυνατή και διακριτή άγαλμα του αγ. Γεώργιος,που έγινε ένα από τα ύψη της δημιουργικότητας του Donatello. Εδώ κατάφερε να ενσωματώσει πλήρως την ιδέα μιας ισχυρής προσωπικότητας. Μπροστά μας είναι ένας ψηλός, λεπτός, θαρραλέος, ήρεμος και γεμάτος αυτοπεποίθηση πολεμιστής. Σε αυτό το έργο, ο πλοίαρχος αναπτύσσει δημιουργικά τις καλύτερες παραδόσεις της αντίκας γλυπτικής.

Το κλασικό έργο του Donatello είναι το χάλκινο άγαλμα του διοικητή Gattamelatta - το πρώτο ιππικό μνημείο στην τέχνη της Αναγέννησης. Εδώ ο μεγάλος γλύπτης φτάνει στο απόλυτο επίπεδο καλλιτεχνικής και φιλοσοφικής γενίκευσης, που φέρνει το έργο αυτό πιο κοντά στην αρχαιότητα.

Ταυτόχρονα, ο Donatello δημιούργησε ένα πορτρέτο μιας συγκεκριμένης και μοναδικής προσωπικότητας. Ο διοικητής εμφανίζεται ως ένας πραγματικός αναγεννησιακός ήρωας, ένας θαρραλέος, ήρεμος, με αυτοπεποίθηση άτομο. Το άγαλμα διακρίνεται από λακωνικές μορφές, καθαρό και ακριβές πλαστικό, φυσική στάση του αναβάτη και του αλόγου. Χάρη σε αυτό, το μνημείο έχει γίνει ένα πραγματικό αριστούργημα μνημειακής γλυπτικής.

Στην τελευταία περίοδο της δημιουργικότητας, ο Donatello δημιουργεί ένα χάλκινο συγκρότημα "Judith and Holofernes". Αυτό το έργο είναι γεμάτο με δυναμική και δράμα: η Τζούντιθ απεικονίζεται τη στιγμή που υψώνει το σπαθί της πάνω από τον ήδη τραυματισμένο Ολοφέρνη. για να το τελειώσω.

Μασάτσιοθεωρείται μια από τις κύριες μορφές της Πρώιμης Αναγέννησης. Συνεχίζει και αναπτύσσει τις τάσεις που προέρχονται από την Giotto. Ο Masaccio έζησε μόλις 27 ετών και κατάφερε να κάνει λίγα. Ωστόσο, οι τοιχογραφίες που δημιούργησε έγιναν μια πραγματική σχολή ζωγραφικής για τους επόμενους Ιταλούς καλλιτέχνες. Σύμφωνα με τον Vasari, σύγχρονο της Υψηλής Αναγέννησης και έγκυρο κριτικό, «κανένας δάσκαλος δεν έχει έρθει τόσο κοντά στους σύγχρονους δασκάλους όσο ο Masaccio».

Η κύρια δημιουργία του Masaccio είναι οι τοιχογραφίες στο παρεκκλήσι Brancacci της εκκλησίας της Santa Maria del Carmine στη Φλωρεντία, που αφηγούνται επεισόδια από τους θρύλους του Αγίου Πέτρου, καθώς και απεικονίζουν δύο βιβλικές ιστορίες - "The Fall" και "Expulsion from Παράδεισος".

Αν και οι τοιχογραφίες λένε για τα θαύματα που έκανε ο Αγ. Πέτρο, δεν υπάρχει τίποτα υπερφυσικό και μυστικιστικό σε αυτά. Ο εικονιζόμενος Χριστός, ο Πέτρος, οι απόστολοι και άλλοι συμμετέχοντες στα γεγονότα εμφανίζονται ως εντελώς επίγειοι άνθρωποι. Είναι προικισμένα με ατομικά χαρακτηριστικά και συμπεριφέρονται με έναν εντελώς φυσικό και ανθρώπινο τρόπο. Συγκεκριμένα, στη σκηνή της Βάπτισης, ένας γυμνός νεαρός άνδρας που τρέμει από το κρύο παρουσιάζεται εκπληκτικά αξιόπιστα. Ο Masaccio χτίζει τη σύνθεσή του χρησιμοποιώντας τα μέσα όχι μόνο γραμμικής, αλλά και εναέριας προοπτικής.

Από όλο τον κύκλο αξίζει ιδιαίτερη έμφαση τοιχογραφία «Αποβολή από τον Παράδεισο».Είναι ένα πραγματικό αριστούργημα της ζωγραφικής. Η τοιχογραφία είναι εξαιρετικά λακωνική, δεν υπάρχει τίποτα περιττό σε αυτήν. Με φόντο ένα αόριστο τοπίο, διακρίνονται καθαρά οι μορφές του Αδάμ και της Εύας, που έφυγαν από τις πύλες του Παραδείσου, πάνω από τις οποίες αιωρείται ένας άγγελος με ένα σπαθί. Όλη η προσοχή είναι στραμμένη στη μαμά και την Εύα.

Ο Masaccio ήταν ο πρώτος στην ιστορία της ζωγραφικής που μπόρεσε να γράψει ένα γυμνό σώμα τόσο πειστικά και αξιόπιστα, να αποδώσει τις φυσικές του αναλογίες, να του δώσει σταθερότητα και κίνηση. Η εσωτερική κατάσταση των ηρώων είναι εξίσου πειστική και έντονα εκφρασμένη. Περπατώντας διάπλατα, ο Αδάμ χαμήλωσε το κεφάλι του ντροπιασμένος και κάλυψε το πρόσωπό του με τα χέρια του. Κλαίγοντας, η Εύα πέταξε το κεφάλι της πίσω με απόγνωση με το στόμα ανοιχτό. Αυτή η τοιχογραφία ανοίγει μια νέα εποχή στην τέχνη.

Το Made by Masaccio το συνέχισαν καλλιτέχνες όπως π.χ Αντρέα Μαντένια(1431 -1506) και Σάντρο Μποτιτσέλι(1455-1510). Ο πρώτος έγινε διάσημος κυρίως για τους πίνακές του, μεταξύ των οποίων ιδιαίτερη θέση καταλαμβάνουν οι τοιχογραφίες που λένε για τα τελευταία επεισόδια της ζωής του Αγ. Jacob - η πομπή προς την εκτέλεση και η ίδια η εκτέλεση. Ο Μποτιτσέλι προτιμούσε τη ζωγραφική με καβαλέτο. Οι πιο διάσημοι πίνακές του είναι η Άνοιξη και η Γέννηση της Αφροδίτης.

Από τα τέλη του 15ου αιώνα, όταν η ιταλική τέχνη φτάνει στην υψηλότερη άνοδο της, ξεκινά Υψηλή Αναγέννηση.Για την Ιταλία αυτή η περίοδος ήταν εξαιρετικά δύσκολη. Κατακερματισμένη και ως εκ τούτου ανυπεράσπιστη, κυριολεκτικά καταστράφηκε, λεηλατήθηκε και στραγγίστηκε από αίμα από τις εισβολές από τη Γαλλία, την Ισπανία, τη Γερμανία και την Τουρκία. Ωστόσο, η τέχνη αυτή την περίοδο, παραδόξως, γνωρίζει μια πρωτοφανή άνθηση. Ήταν αυτή τη στιγμή που κάνουν τέτοιοι τιτάνες όπως ο Λεονάρντο ντα Βίντσι. Ραφαήλ. Μιχαήλ Άγγελος, Τιτσιάνο.

Στην αρχιτεκτονική, η αρχή της Υψηλής Αναγέννησης συνδέεται με τη δημιουργικότητα Ντονάτο Μπραμάντε(1444-1514). Ήταν αυτός που δημιούργησε το στυλ που καθόρισε την ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής αυτής της περιόδου.

Ένα από τα πρώτα έργα του ήταν η εκκλησία του μοναστηριού Santa Maria della Grazie στο Μιλάνο, στην τραπεζαρία της οποίας ο Λεονάρντο ντα Βίντσι θα ζωγραφίσει τη διάσημη τοιχογραφία του «Ο Μυστικός Δείπνος». Η δόξα του ξεκινά με ένα μικρό παρεκκλήσι που ονομάζεται Τεμπέτο(1502), χτίστηκε στη Ρώμη και έγινε ένα είδος «μανιφέστου» της Υψηλής Αναγέννησης. Το παρεκκλήσι έχει σχήμα ροτόντας, διακρίνεται για την απλότητα των αρχιτεκτονικών μέσων, την αρμονία των μερών και τη σπάνια εκφραστικότητα. Αυτό είναι ένα πραγματικό μικρό αριστούργημα.

Το αποκορύφωμα της δημιουργικότητας του Μπραμάντε είναι η ανοικοδόμηση του Βατικανού και η μετατροπή των κτιρίων του σε ένα ενιαίο σύνολο. Του ανήκει επίσης η ανάπτυξη του έργου για τον Καθεδρικό Ναό του Αγ. Peter, στο οποίο ο Μιχαήλ Άγγελος θα κάνει αλλαγές και θα αρχίσει να εφαρμόζει.

Δείτε επίσης:, Michelangelo Buonarroti

Στην τέχνη της Ιταλικής Αναγέννησης, ιδιαίτερη θέση κατέχουν Βενετία.Το σχολείο που αναπτύχθηκε εδώ διέφερε σημαντικά από τα σχολεία της Φλωρεντίας, της Ρώμης, του Μιλάνου ή της Μπολόνια. Οι τελευταίοι έλκονταν προς σταθερές παραδόσεις και συνέχεια· δεν έτειναν προς τη ριζική ανανέωση. Σε αυτές τις σχολές βασίστηκε ο κλασικισμός του 17ου αιώνα. και του νεοκλασικισμού των επόμενων αιώνων.

Η βενετική σχολή λειτούργησε ως το είδος τους αντίβαρο και αντίποδα. Εδώ βασίλευε το πνεύμα της καινοτομίας και της ριζικής, επαναστατικής ανανέωσης. Από τους εκπροσώπους άλλων ιταλικών σχολείων, ο Λεονάρντο ήταν ο πιο κοντινός στη Βενετία. Ίσως ήταν εδώ που το πάθος του για αναζήτηση και πειραματισμό μπορούσε να βρει την κατάλληλη κατανόηση και αναγνώριση. Στην περίφημη διαμάχη μεταξύ «παλιών και νέων» καλλιτεχνών, οι τελευταίοι βασίστηκαν στο παράδειγμα της Βενετίας. Εδώ ξεκίνησαν οι τάσεις που οδήγησαν στο μπαρόκ και στο ρομαντισμό. Και παρόλο που οι ρομαντικοί τιμούσαν τον Ραφαήλ, ο Τιτσιάν και ο Βερονέζ ήταν οι πραγματικοί τους θεοί. Στη Βενετία, ο Ελ Γκρέκο έλαβε τη δημιουργική του φόρτιση, που του επέτρεψε να ταρακουνήσει την ισπανική ζωγραφική. Οι Βελάσκες πέρασαν από τη Βενετία. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τους Φλαμανδούς ζωγράφους Rubens και Van Dyck.

Ως πόλη λιμάνι, η Βενετία βρέθηκε στο σταυροδρόμι οικονομικών και εμπορικών δρόμων. Επηρεάστηκε από τη Βόρεια Γερμανία, το Βυζάντιο και την Ανατολή. Η Βενετία έχει γίνει τόπος προσκυνήματος για πολλούς καλλιτέχνες. Ο A. Durer ήταν εδώ δύο φορές - στα τέλη του 15ου αιώνα. και στις αρχές του XVI αιώνα. Το επισκέφτηκε ο Γκαίτε (1790). Εδώ ο Βάγκνερ άκουσε το τραγούδι των γονδολιέρων (1857), υπό την έμπνευση των οποίων έγραψε τη δεύτερη πράξη του Τριστάνου και της Ιζόλδης. Ο Νίτσε άκουγε επίσης το τραγούδι των γονδολιέρων, αποκαλώντας το τραγούδι της ψυχής.

Η εγγύτητα της θάλασσας προκάλεσε ρευστά και κινητά σχήματα, αντί για σαφείς γεωμετρικές δομές. Η Βενετία δεν έλκει τόσο τη λογική με τους αυστηρούς κανόνες της, όσο τα συναισθήματα, από τα οποία γεννήθηκε η καταπληκτική ποίηση της βενετικής τέχνης. Το επίκεντρο αυτής της ποίησης ήταν η φύση - η ορατή και αισθητή υλικότητά της, η γυναίκα - η συναρπαστική ομορφιά της σάρκας της, η μουσική - γεννημένη από το παιχνίδι των χρωμάτων και του φωτός και από τους μαγευτικούς ήχους μιας πνευματικής φύσης.

Οι καλλιτέχνες της βενετσιάνικης σχολής δεν προτιμούσαν τη φόρμα και το σχέδιο, αλλά το χρώμα, το παιχνίδι του φωτός και της σκιάς. Απεικονίζοντας τη φύση, προσπάθησαν να μεταδώσουν τις παρορμήσεις και την κίνησή της, τη μεταβλητότητα και τη ρευστότητά της. Έβλεπαν την ομορφιά του γυναικείου σώματος όχι τόσο στην αρμονία των μορφών και των αναλογιών όσο στην πιο ζωντανή και αισθανόμενη σάρκα.

Η ρεαλιστική αληθοφάνεια και η αξιοπιστία δεν τους αρκούσαν. Προσπάθησαν να αποκαλύψουν τα πλούτη που ενυπάρχουν στην ίδια τη ζωγραφική. Είναι η Βενετία που αξίζει τα εύσημα για την ανακάλυψη μιας καθαρής εικαστικής αρχής ή της γραφικότητας στην πιο αγνή της μορφή. Οι Βενετοί καλλιτέχνες ήταν οι πρώτοι που έδειξαν τη δυνατότητα διαχωρισμού του γραφικού από τα αντικείμενα και τις μορφές, τη δυνατότητα επίλυσης των προβλημάτων της ζωγραφικής με τη βοήθεια ενός χρώματος, καθαρά εικονιστικών μέσων, τη δυνατότητα να θεωρηθεί το γραφικό ως αυτοσκοπός. Όλη η επόμενη ζωγραφική, βασισμένη στην έκφραση και την εκφραστικότητα, θα ακολουθήσει αυτό το μονοπάτι. Σύμφωνα με ορισμένους ειδικούς, μπορεί κανείς να πάει από τον Τιτσιάν στον Ρούμπενς και τον Ρέμπραντ, μετά στον Ντελακρουά και από αυτόν στον Γκωγκέν, τον Βαν Γκογκ, τον Σεζάν κ.λπ.

Ιδρυτής της βενετσιάνικης σχολής είναι Τζορτζιόνε(1476-1510). Στη δουλειά του, ενήργησε ως πραγματικός καινοτόμος. Η κοσμική αρχή τελικά κερδίζει μαζί του, και αντί για βιβλικά θέματα, προτιμά να γράφει για μυθολογικά και λογοτεχνικά θέματα. Στο έργο του επιβεβαιώνεται η ζωγραφική του καβαλέτου, που δεν θυμίζει πλέον εικόνα ή εικόνα βωμού.

Ο Giorgione ανοίγει μια νέα εποχή στη ζωγραφική, όντας ο πρώτος που ζωγράφισε από τη φύση. Απεικονίζοντας τη φύση, για πρώτη φορά, μετατοπίζει την έμφαση στην κινητικότητα, τη μεταβλητότητα και τη ρευστότητα. Ένα εξαιρετικό παράδειγμα αυτού είναι ο πίνακας του «Η καταιγίδα». Ήταν ο Τζορτζιόνε που άρχισε να αναζητά το μυστικό της ζωγραφικής στο φως και τις μεταπτώσεις του, στο παιχνίδι του φωτός και της σκιάς, ενεργώντας ως ο προκάτοχος του Καραβάτζιο και του καραβαγκισμού.

Ο Giorgione δημιούργησε έργα διαφορετικών ειδών και θεμάτων - "Rural Concert" και "Judith". Το πιο διάσημο έργο του ήταν Η Κοιμούμενη Αφροδίτη". Αυτή η εικόνα στερείται πλοκής. Εξυμνεί την ομορφιά και τη γοητεία του γυμνού γυναικείου σώματος, αντιπροσωπεύοντας τη «γύμνια για χάρη της γυμνότητας».

Επικεφαλής του ενετικού σχολείου είναι κοκκινοχρυσός(περ. 1489-1576). Το έργο του - μαζί με το έργο του Λεονάρντο, του Ραφαήλ και του Μιχαήλ Άγγελου - είναι η κορυφή της αναγεννησιακής τέχνης. Μεγάλο μέρος της μακρόχρονης ζωής του αποδίδεται στην Ύστερη Αναγέννηση.

Στο έργο του Τιτσιάνο, η τέχνη της Αναγέννησης φτάνει στην υψηλότερη άνοδο και άνθησή της. Τα έργα του συνδυάζουν τη δημιουργική αναζήτηση και την καινοτομία του Λεονάρντο, την ομορφιά και την τελειότητα του Ραφαήλ, το πνευματικό βάθος, το δράμα και την τραγωδία του Μιχαήλ Άγγελου. Έχουν μια εξαιρετική ευαισθησία, χάρη στην οποία έχουν ισχυρή επίδραση στον θεατή. Τα έργα του Τιτσιάν είναι εκπληκτικά μουσικά και μελωδικά.

Όπως σημειώνει ο Ρούμπενς, μαζί με τον Τιτσιάνο, η ζωγραφική απέκτησε τη δική της γεύση και σύμφωνα με τον Ντελακρουά και τον Βαν Γκογκ - τη μουσική. Οι καμβάδες του είναι ζωγραφισμένοι με μια ανοιχτή πινελιά, η οποία είναι ανάλαφρη, ελεύθερη και διαφανής ταυτόχρονα. Στα έργα του είναι που το χρώμα, λες, διαλύει και απορροφά τη μορφή, και η ζωγραφική αρχή αποκτά για πρώτη φορά αυτονομία, εμφανίζεται στην καθαρή της μορφή. Ο ρεαλισμός στις δημιουργίες του μετατρέπεται σε μαγευτικό και λεπτό λυρισμό.

Στα έργα της πρώτης περιόδου ο Τιτσιάνο δοξάζει την ανέμελη χαρά της ζωής, την απόλαυση των επίγειων αγαθών. Δοξάζει την αισθησιακή αρχή, την ανθρώπινη σάρκα που ξεσπά από υγεία, την αιώνια ομορφιά του σώματος, τη φυσική τελειότητα του ανθρώπου. Σε αυτό είναι αφιερωμένοι οι καμβάδες του όπως η «Γήινη και ουράνια αγάπη», «Η γιορτή της Αφροδίτης», «Βάκχος και Αριάδνη», «Δανάη», «Αφροδίτη και Άδωνις».

Η αισθησιακή αρχή κυριαρχεί στην εικόνα. «Μετανοούσα Μαγδαληνή”, Αν και είναι αφιερωμένο σε μια δραματική κατάσταση. Αλλά και εδώ ο μετανοημένος αμαρτωλός έχει αισθησιακή σάρκα, σαγηνευτικό σώμα που ακτινοβολεί ανάλαφρα, γεμάτα και αισθησιακά χείλη, κατακόκκινα μάγουλα και χρυσαφένια μαλλιά. Ο πίνακας «Αγόρι με τα σκυλιά» είναι γεμάτος με ψυχικό λυρισμό.

Στα έργα της δεύτερης περιόδου, η αισθητηριακή αρχή διατηρείται, αλλά συμπληρώνεται από αυξανόμενο ψυχολογισμό και δράμα. Γενικά, ο Τιτσιάνο κάνει μια σταδιακή μετάβαση από το φυσικό και αισθησιακό στο πνευματικό και το δραματικό. Οι αλλαγές που συντελούνται στο έργο του Τιτσιάνο είναι ξεκάθαρα ορατές στην ενσάρκωση των θεμάτων και των πλοκών στις οποίες ο μεγάλος καλλιτέχνης στράφηκε δύο φορές. Χαρακτηριστικό παράδειγμα από αυτή την άποψη είναι ο πίνακας «Saint Sebastian». Στην πρώτη εκδοχή, η μοίρα ενός μοναχικού, εγκαταλειμμένου πάσχοντος δεν φαίνεται πολύ θλιβερή. Αντίθετα, ο εικονιζόμενος άγιος είναι προικισμένος με ζωντάνια και σωματική ομορφιά. Σε μεταγενέστερη έκδοση του πίνακα, που βρίσκεται στο Ερμιτάζ, η ίδια εικόνα παίρνει τραγικά χαρακτηριστικά.

Ένα ακόμη πιο εντυπωσιακό παράδειγμα είναι η εκδοχή του πίνακα «The Crowning of Thorns», αφιερωμένος σε ένα επεισόδιο από τη ζωή του Χριστού. Στο πρώτο από αυτά, που φυλάσσεται στο Λούβρο. Ο Χριστός εμφανίζεται ως ένας σωματικά όμορφος και δυνατός αθλητής, ικανός να απωθήσει τους βιαστές του. Στην έκδοση του Μονάχου, που δημιουργήθηκε είκοσι χρόνια αργότερα, το ίδιο επεισόδιο μεταφέρεται πολύ βαθύτερα, πιο περίπλοκα και πιο ουσιαστικά. Ο Χριστός εικονίζεται με λευκό μανδύα, τα μάτια του κλειστά, υπομένει ήρεμα τον ξυλοδαρμό και την ταπείνωση. Τώρα το κυριότερο δεν είναι το στέμμα και ο ξυλοδαρμός, όχι ένα φυσικό φαινόμενο, αλλά ψυχολογικό και πνευματικό. Η εικόνα είναι γεμάτη με βαθιά τραγωδία, εκφράζει τον θρίαμβο του πνεύματος, την πνευματική αρχοντιά έναντι της σωματικής δύναμης.

Στα μεταγενέστερα έργα του Τιτσιάνο, η τραγική ηχογράφηση γίνεται όλο και πιο έντονη. Αυτό μαρτυρεί ο πίνακας «Θρήνος του Χριστού».

Οι πρώτοι πρόδρομοι της τέχνης της Αναγέννησης εμφανίστηκαν στην Ιταλία τον 14ο αιώνα. Οι καλλιτέχνες αυτής της εποχής, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) και (κυρίως) Τζιότο (1267-1337), όταν δημιουργούσαν καμβάδες με παραδοσιακά θρησκευτικά θέματα, άρχισαν να χρησιμοποιούν νέες καλλιτεχνικές τεχνικές: χτίζοντας μια ογκομετρική σύνθεση, χρησιμοποιώντας ένα τοπίο στο φόντο, που τους επέτρεψε να κάνουν τις εικόνες πιο ρεαλιστικές και κινούμενες. Αυτό ξεχώριζε έντονα το έργο τους από την προηγούμενη εικονογραφική παράδοση, γεμάτη συμβάσεις στην εικόνα.
Ο όρος χρησιμοποιείται για να δηλώσει τη δημιουργικότητά τους Proto-Renaissance (1300 - "Trecento") .

Τζιότο ντι Μποντόνε (περίπου 1267-1337) - Ιταλός καλλιτέχνης και αρχιτέκτονας της Πρωτοαναγεννησιακής εποχής. Μία από τις βασικές προσωπικότητες στην ιστορία της δυτικής τέχνης. Έχοντας ξεπεράσει τη βυζαντινή αγιογραφική παράδοση, έγινε ο πραγματικός ιδρυτής της ιταλικής σχολής ζωγραφικής, ανέπτυξε μια εντελώς νέα προσέγγιση στην απεικόνιση του χώρου. Τα έργα του Τζιότο εμπνεύστηκαν από τους Λεονάρντο ντα Βίντσι, Ραφαήλ, Μιχαήλ Άγγελο.


Πρώιμη Αναγέννηση (1400 - "Quattrocento").

Στις αρχές του 15ου αι Φίλιπο Μπρουνελέσκι (1377-1446), Φλωρεντινός λόγιος και αρχιτέκτονας.
Ο Brunelleschi ήθελε να κάνει πιο ξεκάθαρη την αντίληψη των όρων και των θεάτρων που ανασκεύασε και προσπάθησε να δημιουργήσει γεωμετρικά προοπτικές εικόνες από τα σχέδιά του για μια συγκεκριμένη οπτική γωνία. Σε αυτή την αναζήτηση ανακαλύφθηκε άμεση προοπτική.

Αυτό επέτρεψε στους καλλιτέχνες να αποκτήσουν τέλειες εικόνες τρισδιάστατου χώρου στον επίπεδο καμβά του πίνακα.

_________

Ένα άλλο σημαντικό βήμα προς την Αναγέννηση ήταν η εμφάνιση της μη θρησκευτικής, κοσμικής τέχνης. Το πορτρέτο και το τοπίο έχουν καθιερωθεί ως ανεξάρτητα είδη. Ακόμη και τα θρησκευτικά θέματα απέκτησαν μια διαφορετική ερμηνεία - οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης άρχισαν να βλέπουν τους χαρακτήρες τους ως ήρωες με έντονα ατομικά χαρακτηριστικά και ανθρώπινο κίνητρο για πράξεις.

Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες αυτής της περιόδου είναι Μασάτσιο (1401-1428), Μαζολίνο (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Πιέρο Ντέλα Φραντσέσκο (1420-1492), Αντρέα Μαντένια (1431-1506), Τζιοβάνι Μπελίνι (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Σάντρο Μποτιτσέλι (1447-1515).

Μασάτσιο (1401-1428) - ο διάσημος Ιταλός ζωγράφος, ο μεγαλύτερος δάσκαλος της σχολής της Φλωρεντίας, μεταρρυθμιστής της ζωγραφικής της εποχής Quattrocento.

Τοιχογραφία. Θαύμα με statir.

Ζωγραφική. Σταύρωση.

Πιέρο Ντέλα Φραντσέσκο (1420-1492). Τα έργα του πλοιάρχου διακρίνονται από τη μεγαλειώδη επισημότητα, την αρχοντιά και την αρμονία των εικόνων, τη γενίκευση των μορφών, τη συνθετική ισορροπία, την αναλογικότητα, την ακρίβεια των προοπτικών κατασκευών και μια απαλή κλίμακα γεμάτη φως.

Τοιχογραφία. Η ιστορία της βασίλισσας της Σάμπα. Εκκλησία του San Francesco στο Arezzo

Σάντρο Μποτιτσέλι(1445-1510) - ο μεγάλος Ιταλός ζωγράφος, εκπρόσωπος της φλωρεντινής σχολής ζωγραφικής.

Ανοιξη.

Γέννηση της Αφροδίτης.

Υψηλή Αναγέννηση ("Cinquecento").
Η υψηλότερη άνθηση της τέχνης της Αναγέννησης ήταν για το πρώτο τέταρτο του 16ου αιώνα.
Δουλειά Σανσοβίνο (1486-1570), Λεονάρντο Ντα Βίντσι (1452-1519), Ραφαέλ Σάντι (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Τζορτζιόνε (1476-1510), κοκκινοχρυσός (1477-1576), Αντόνιο Κορρέτζιο (1489-1534) αποτελούν το χρυσό ταμείο της ευρωπαϊκής τέχνης.

Ο Λεονάρντο ντι σερ Πιέρο ντα Βίντσι (Φλωρεντία) (1452-1519) - Ιταλός καλλιτέχνης (ζωγράφος, γλύπτης, αρχιτέκτονας) και επιστήμονας (ανατόμος, φυσιοδίφης), εφευρέτης, συγγραφέας.

Αυτοπροσωπογραφία

Κυρία με ερμίνα. 1490. Μουσείο Czartoryski, Κρακοβία

Μόνα Λίζα (1503-1505 / 1506)

Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι πέτυχε υψηλή δεξιότητα στη μεταφορά εκφράσεων του προσώπου και του σώματος ενός ατόμου, μεθόδους μεταφοράς χώρου, κατασκευή σύνθεσης. Ταυτόχρονα, τα έργα του δημιουργούν μια αρμονική εικόνα ενός ανθρώπου που συναντά τα ουμανιστικά ιδανικά.

Madonna Litta. 1490-1491. Ερημητήριο.

Madonna Benoit (Μαντόνα με ένα λουλούδι). 1478-1480

Η Μαντόνα του Γαρύφαλλου. 1478

Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Λεονάρντο ντα Βίντσι έκανε χιλιάδες σημειώσεις και σχέδια για την ανατομία, αλλά δεν δημοσίευσε το έργο του. Κάνοντας αυτοψίες σε σώματα ανθρώπων και ζώων, μετέφερε με ακρίβεια τη δομή του σκελετού και των εσωτερικών οργάνων, συμπεριλαμβανομένων μικρών λεπτομερειών. Σύμφωνα με τον καθηγητή κλινικής ανατομίας Πίτερ Άμπραμς, το επιστημονικό έργο του Ντα Βίντσι ήταν μπροστά από την εποχή του κατά 300 χρόνια και με πολλούς τρόπους ξεπέρασε το περίφημο «Grey's Anatomy».

Κατάλογος εφευρέσεων, τόσο πραγματικών όσο και που του αποδίδονται:

Αλεξίπτωτο, ναδασικό κάστρο, σεποδήλατο, τankh, lελαφριές φορητές γέφυρες για το στρατό, σελκέρατο, ναatapult, pστροφές, dμάλλινο τηλεσκόπιο.

Αργότερα, αυτές οι καινοτομίες αναπτύχθηκαν Ραφαέλ Σάντι (1483-1520) - σπουδαίος ζωγράφος, γραφίστας και αρχιτέκτονας, εκπρόσωπος της σχολής της Ούμπρια.

Αυτοπροσωπογραφία. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - Ιταλός γλύπτης, καλλιτέχνης, αρχιτέκτονας, ποιητής, στοχαστής.

Οι πίνακες και τα γλυπτά του Michelangelo Buonarroti είναι γεμάτα ηρωικό πάθος και, ταυτόχρονα, μια τραγική αίσθηση της κρίσης του ανθρωπισμού. Οι πίνακές του δοξάζουν τη δύναμη και τη δύναμη ενός ανθρώπου, την ομορφιά του σώματός του, ενώ τονίζουν τη μοναξιά του στον κόσμο.

Η ιδιοφυΐα του Μιχαήλ Άγγελου άφησε αποτύπωμα όχι μόνο στην τέχνη της Αναγέννησης, αλλά και σε όλο τον περαιτέρω παγκόσμιο πολιτισμό. Οι δραστηριότητές της συνδέονται κυρίως με δύο ιταλικές πόλεις - τη Φλωρεντία και τη Ρώμη.

Ωστόσο, ο καλλιτέχνης μπόρεσε να πραγματοποιήσει τις πιο φιλόδοξες ιδέες του ακριβώς στη ζωγραφική, όπου έδρασε ως πραγματικός καινοτόμος του χρώματος και της μορφής.
Με εντολή του Πάπα Ιούλιου Β', ζωγράφισε την οροφή της Καπέλα Σιξτίνα (1508-1512), αντιπροσωπεύοντας τη βιβλική ιστορία από τη δημιουργία του κόσμου μέχρι τον κατακλυσμό και περιλαμβάνοντας περισσότερες από 300 φιγούρες. Το 1534-1541 στην ίδια Καπέλα Σιξτίνα για τον Πάπα Παύλο Γ' ερμήνευσε τη μεγαλειώδη, γεμάτη δραματικές νωπογραφίες «Η Τελευταία Κρίση».
Καπέλα Σιξτίνα 3D.

Τα έργα του Giorgione και του Titian διακρίνονται για το ενδιαφέρον τους για το τοπίο, την ποιητοποίηση της πλοκής. Και οι δύο καλλιτέχνες πέτυχαν μεγάλη δεξιοτεχνία στην τέχνη της προσωπογραφίας, με τη βοήθεια της οποίας μετέφεραν τον χαρακτήρα και τον πλούσιο εσωτερικό κόσμο των χαρακτήρων τους.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Τζορτζιόνε) (1476 / 147-1510) - Ιταλός καλλιτέχνης, εκπρόσωπος της βενετικής σχολής ζωγραφικής.

Η Κοιμούμενη Αφροδίτη. 1510

Ιουδίθ. 1504 γρ

Τιτσιάν Βετσέλιο (1488 / 1490-1576) - Ιταλός ζωγράφος, ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της βενετικής σχολής της Υψηλής και Ύστερης Αναγέννησης.

Ο Τιτσιάν ζωγράφιζε εικόνες με βιβλικά και μυθολογικά θέματα, έγινε διάσημος ως προσωπογράφος. Έλαβε εντολές από βασιλείς και πάπες, καρδινάλιους, δούκες και πρίγκιπες. Ο Τιτσιάν δεν ήταν καν τριάντα ετών όταν αναγνωρίστηκε ως ο καλύτερος ζωγράφος της Βενετίας.

Αυτοπροσωπογραφία. 1567 γρ

Αφροδίτη της Urbinskaya. 1538

Πορτρέτο του Tommaso Mosti. 1520

Ύστερη Αναγέννηση.
Μετά την λεηλασία της Ρώμης από τις αυτοκρατορικές δυνάμεις το 1527, η ιταλική Αναγέννηση εισήλθε σε περίοδο κρίσης. Ήδη στο έργο του αείμνηστου Ραφαήλ, σκιαγραφήθηκε μια νέα καλλιτεχνική γραμμή, η οποία έλαβε το όνομα νάζι.
Αυτή η εποχή χαρακτηρίζεται από φουσκωμένες και σπασμένες γραμμές, επιμήκυνση ή ακόμα και παραμόρφωση μορφών, συχνά γυμνές, ένταση και αφύσικες πόζες, ασυνήθιστα ή παράξενα εφέ που σχετίζονται με το μέγεθος, το φωτισμό ή την προοπτική, τη χρήση καυστικής χρωματικής κλίμακας, υπερφορτωμένη σύνθεση κ.λπ. νάζι Parmigianino , Ποντόρμο , Bronzino- έζησε και εργάστηκε στην αυλή των δούκων του οίκου των Μεδίκων στη Φλωρεντία. Αργότερα, η μανιεριστική μόδα εξαπλώθηκε σε όλη την Ιταλία και όχι μόνο.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "κάτοικος της Πάρμας") (1503-1540,) Ιταλός καλλιτέχνης και χαράκτης, εκπρόσωπος του μανιερισμού.

Αυτοπροσωπογραφία. 1540

Πορτρέτο μιας γυναίκας. 1530.

Ποντόρμο (1494-1557) - Ιταλός ζωγράφος, εκπρόσωπος της φλωρεντινής σχολής, ένας από τους ιδρυτές του μανιερισμού.


Η τέχνη ήρθε να αντικαταστήσει τον μανιερισμό τη δεκαετία του 1590 μπαρόκ (μεταβατικά στοιχεία - Τιντορέτο και Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ).

Jacopo Robusti, πιο γνωστός ως Τιντορέτο (1518 ή 1519-1594) - ζωγράφος της ενετικής σχολής της ύστερης Αναγέννησης.

Το τελευταίο δείπνο. 1592-1594. Εκκλησία του San Giorgio Maggiore, Βενετία.

Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ("Ελληνικά" Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ) (1541-1614) - Ισπανός καλλιτέχνης. Από καταγωγή - Έλληνας, με καταγωγή από το νησί της Κρήτης.
Ο Ελ Γκρέκο δεν είχε σύγχρονους οπαδούς και η ιδιοφυΐα του ανακαλύφθηκε ξανά σχεδόν 300 χρόνια μετά τον θάνατό του.
Ο Ελ Γκρέκο σπούδασε στο στούντιο του Τιτσιάν, αλλά, ωστόσο, η τεχνική της ζωγραφικής του διαφέρει σημαντικά από αυτή του δασκάλου του. Τα έργα του Ελ Γκρέκο χαρακτηρίζονται από ταχύτητα και εκφραστικότητα στην εκτέλεση, που τα φέρνουν πιο κοντά στη σύγχρονη ζωγραφική.

Ο Χριστός στο σταυρό. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1577. Ιδιωτική συλλογή.

Τριάδα. 1579 Πράδο.

Σε δύσκολους καιρούς για την Ιταλία, ξεκινά μια σύντομη «χρυσή εποχή» της ιταλικής Αναγέννησης - η λεγόμενη Υψηλή Αναγέννηση, το υψηλότερο σημείο άνθησης της ιταλικής τέχνης. Έτσι, η Υψηλή Αναγέννηση συνέπεσε με μια περίοδο σκληρού αγώνα των ιταλικών πόλεων για ανεξαρτησία. Η τέχνη αυτής της εποχής ήταν διαποτισμένη από ανθρωπισμό, πίστη στις δημιουργικές δυνάμεις του ανθρώπου, στο απεριόριστο των δυνατοτήτων του, στην ορθολογική δομή του κόσμου, στον θρίαμβο της προόδου. Στην τέχνη, τα προβλήματα του πολιτικού καθήκοντος, οι υψηλές ηθικές ιδιότητες, οι ηρωικές πράξεις, η εικόνα ενός όμορφου, αρμονικά ανεπτυγμένου, δυνατού πνεύματος και σώματος, ενός ανθρώπινου ήρωα, που κατάφερε να ανέβει πάνω από το επίπεδο της καθημερινότητας, έχουν φτάσει στο εμπρός. Η αναζήτηση ενός τέτοιου ιδανικού οδήγησε την τέχνη στη σύνθεση, στη γενίκευση, στην αποκάλυψη των γενικών νόμων των φαινομένων, στην ταύτιση της λογικής τους σχέσης. Η τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης εγκαταλείπει ιδιαιτερότητες, ασήμαντες λεπτομέρειες στο όνομα μιας γενικευμένης εικόνας, στο όνομα της προσπάθειας για μια αρμονική σύνθεση των όμορφων πλευρών της ζωής. Αυτή είναι μια από τις κύριες διαφορές μεταξύ της Υψηλής Αναγέννησης και της πρώιμης.

Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι (1452-1519) ήταν ο πρώτος καλλιτέχνης που εξέφρασε αυτή τη διάκριση. Ο πρώτος δάσκαλος του Leonardo ήταν ο Andrea Verrocchio. Η φιγούρα ενός αγγέλου στον πίνακα του δασκάλου "Βάπτιση" δείχνει ήδη ξεκάθαρα τη διαφορά στην αντίληψη του κόσμου από τον καλλιτέχνη της προηγούμενης εποχής και της νέας εποχής: καμία μετωπική επιπεδότητα του Verrocchio, η καλύτερη μοντελοποίηση του όγκου με chiaroscuro και μια εξαιρετική πνευματικότητα της εικόνας. ... Την ώρα που έφευγαν από το εργαστήριο του Verrocchio, οι ερευνητές αποδίδουν τη «Μαντόνα με ένα λουλούδι» («Madonna Benoit», όπως την αποκαλούσαν νωρίτερα, με το όνομα των ιδιοκτητών). Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Λεονάρντο, αναμφίβολα, ήταν υπό την επιρροή του Μποτιτσέλι για κάποιο χρονικό διάστημα. Από τη δεκαετία του '80 του XV αιώνα. έχουν διασωθεί δύο ημιτελείς συνθέσεις του Leonardo: The Adoration of the Magi και St. Ιερώνυμος». Πιθανώς στα μέσα της δεκαετίας του '80, η Madonna Litta δημιουργήθηκε με την παλιά τεχνική της τέμπερας, στην εικόνα της οποίας εκφράστηκε ο τύπος της γυναικείας ομορφιάς του Leonardo: βαριά μισόκλειστα βλέφαρα και ένα ελάχιστα αντιληπτό χαμόγελο δίνουν στο πρόσωπο της Madonna μια ιδιαίτερη πνευματικότητα.

Συνδυάζοντας επιστημονικές και δημιουργικές αρχές, διαθέτοντας λογική και καλλιτεχνική σκέψη, ο Λεονάρντο όλη του τη ζωή ασχολήθηκε με την επιστημονική έρευνα μαζί με τις καλές τέχνες. αποσπασμένος, φαινόταν αργός και άφησε πίσω του μερικά έργα τέχνης. Στην αυλή του Μιλάνου, ο Λεονάρντο εργάστηκε ως καλλιτέχνης, επιστήμονας, τεχνικός, εφευρέτης, μαθηματικός και ανατόμος. Το πρώτο σπουδαίο κομμάτι που ερμήνευσε στο Μιλάνο ήταν το "Madonna of the Rocks" (ή "Madonna of the Grotto"). Πρόκειται για τον πρώτο μνημειακό βωμό της Υψηλής Αναγέννησης, ενδιαφέρον και γιατί εξέφραζε πλήρως τις ιδιαιτερότητες του στυλ ζωγραφικής του Λεονάρντο.

Το μεγαλύτερο έργο του Λεονάρντο στο Μιλάνο, το υψηλότερο επίτευγμα της τέχνης του, ήταν η ζωγραφική του τοίχου της τραπεζαρίας του μοναστηριού της Santa Maria della Grazie με θέμα τον Μυστικό Δείπνο (1495-1498). Ο Χριστός συναντιέται για τελευταία φορά στο δείπνο με τους μαθητές του για να τους αναγγείλει την προδοσία ενός από αυτούς. Για τον Λεονάρντο, η τέχνη και η επιστήμη ήταν αχώριστες. Ασχολούμενος με την τέχνη, έκανε επιστημονική έρευνα, πειράματα, παρατηρήσεις, πέρασε από την προοπτική στον τομέα της οπτικής και της φυσικής, μέσα από τα προβλήματα των αναλογιών - στην ανατομία και στα μαθηματικά κ.λπ. Ο Μυστικός Δείπνος ολοκληρώνει ένα ολόκληρο στάδιο στο έργο του καλλιτέχνη επιστημονική έρευνα. Είναι επίσης ένα νέο στάδιο στην τέχνη.

Ο Λεονάρντο έφυγε από τις σπουδές στην ανατομία, τη γεωμετρία, την οχύρωση, την αποκατάσταση γης, τη γλωσσολογία, τη στιχουργική, τη μουσική για να εργαστεί στο "Horse" - το ιππικό μνημείο του Francesco Sforza, για χάρη του οποίου ήρθε πρώτα από όλα στο Μιλάνο και το οποίο στο στις αρχές της δεκαετίας του '90 εκτελούνταν σε πλήρες μέγεθος σε πηλό. Το μνημείο δεν προοριζόταν να ενσαρκωθεί σε μπρούτζο: το 1499 οι Γάλλοι εισέβαλαν στο Μιλάνο και οι βαλλίστρες της Γασκώνας πυροβόλησαν το ιππικό μνημείο. Από το 1499 ξεκινούν τα χρόνια της περιπλάνησης του Λεονάρντο: η Μάντοβα, η Βενετία και, τέλος, η πατρίδα του καλλιτέχνη - η Φλωρεντία, όπου ζωγραφίζει το χαρτόνι «St. Η Άννα με τη Μαρία στα γόνατά της», σύμφωνα με την οποία δημιουργεί μια ελαιογραφία στο Μιλάνο (όπου επέστρεψε το 1506)

Στη Φλωρεντία, ο Λεονάρντο ξεκίνησε ένα άλλο έργο ζωγραφικής: ένα πορτρέτο της συζύγου του εμπόρου del Giocondo Mona Lisa, το οποίο έχει γίνει ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στον κόσμο.

Το πορτρέτο της Μόνα Λίζα Τζοκόντα είναι ένα αποφασιστικό βήμα προς την ανάπτυξη της τέχνης της Αναγέννησης

Για πρώτη φορά, το είδος πορτρέτου έχει φτάσει στο ίδιο επίπεδο με συνθέσεις σε θρησκευτικά και μυθολογικά θέματα. Με όλες τις αδιαμφισβήτητες φυσιογνωμικές ομοιότητες, τα πορτρέτα του Quattrocento διέφεραν, αν όχι εξωτερικά, τότε εσωτερικά. Το μεγαλείο της Μόνα Λίζα γνωστοποιείται ήδη από τη σύγκριση της εμφατικά ογκώδους φιγούρας της, σφιχτά πιεσμένη στην άκρη του καμβά, με ένα τοπίο, σαν από μακριά, με βράχια και ρυάκια, λιώσιμο, νεύμα, άπιαστο και άρα φανταστικό για όλους. την πραγματικότητα του κινήτρου.

Ο Λεονάρντο το 1515 με πρόταση του Γάλλου βασιλιά Φραγκίσκου Α' έφυγε για πάντα στη Γαλλία.

Ο Λεονάρντο ήταν ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης της εποχής του, μια ιδιοφυΐα που άνοιξε νέους ορίζοντες στην τέχνη. Άφησε πίσω του μερικά έργα, αλλά καθένα από αυτά ήταν ένα στάδιο στην ιστορία του πολιτισμού. Ο Λεονάρντο είναι επίσης γνωστός ως πολύπλευρος επιστήμονας. Οι επιστημονικές του ανακαλύψεις, για παράδειγμα, η έρευνά του στον τομέα των ιπτάμενων οχημάτων, παρουσιάζουν ενδιαφέρον στην εποχή μας της αστροναυτικής. Χιλιάδες σελίδες χειρογράφων του Λεονάρντο, που καλύπτουν κυριολεκτικά όλους τους τομείς της γνώσης, μαρτυρούν την καθολικότητα της ιδιοφυΐας του.

Οι ιδέες της μνημειακής τέχνης της Αναγέννησης, στην οποία συγχωνεύτηκαν οι παραδόσεις της αρχαιότητας και το πνεύμα του Χριστιανισμού, βρήκαν την πιο ζωντανή τους έκφραση στο έργο του Ραφαήλ (1483-1520). Στην τέχνη του, δύο βασικά καθήκοντα βρήκαν μια ώριμη λύση: η πλαστική τελειότητα του ανθρώπινου σώματος, που εκφράζει την εσωτερική αρμονία μιας ολοκληρωμένα αναπτυγμένης προσωπικότητας, στην οποία ο Ραφαήλ ακολούθησε την αρχαιότητα, και μια σύνθετη πολυμορφική σύνθεση που μεταφέρει όλη την ποικιλομορφία του κόσμος. Ο Ραφαήλ εμπλούτισε αυτές τις δυνατότητες, πετυχαίνοντας εκπληκτική ελευθερία στην απεικόνιση του χώρου και στην κίνηση της ανθρώπινης φιγούρας σε αυτόν, άψογη αρμονία μεταξύ περιβάλλοντος και ανθρώπου.

Κανένας από τους δασκάλους της Αναγέννησης δεν πήρε τόσο βαθιά και φυσικά την παγανιστική ουσία της αρχαιότητας όσο ο Ραφαήλ. Δεν είναι αδικαιολόγητο ότι θεωρείται ένας καλλιτέχνης που συνέδεσε πλήρως τις αρχαίες παραδόσεις με τη δυτικοευρωπαϊκή τέχνη της νέας εποχής.

Ο Ραφαήλ Σάντι γεννήθηκε το 1483 στην πόλη Ουρμπίνο, ένα από τα κέντρα καλλιτεχνικής κουλτούρας της Ιταλίας, στην αυλή του Δούκα του Ουρμπίνο, στην οικογένεια ενός ζωγράφου και ποιητή της αυλής, ο οποίος ήταν ο πρώτος δάσκαλος του μελλοντικού δασκάλου.

Η πρώιμη περίοδος του έργου του Ραφαήλ χαρακτηρίζεται τέλεια από έναν μικρό πίνακα σε μορφή tondo "Madonna Conestabile", με την απλότητα και τον λακωνισμό των αυστηρά επιλεγμένων λεπτομερειών (για όλη τη δειλία της σύνθεσης) και το ιδιαίτερο, εγγενές σε όλα Τα έργα του Ραφαήλ, λεπτός λυρισμός και μια αίσθηση γαλήνης. Το 1500, ο Ραφαήλ έφυγε από το Ουρμπίνο για την Περούτζια για να σπουδάσει στο στούντιο του διάσημου καλλιτέχνη της Ούμπρια Περουτζίνο, υπό την επιρροή του οποίου γράφτηκε ο αρραβώνας της Μαρίας (1504). Η αίσθηση του ρυθμού, η αναλογικότητα των πλαστικών μαζών, τα χωρικά διαστήματα, η αναλογία των μορφών και του φόντου, ο συντονισμός των βασικών τόνων (στο "The Betrothal" είναι χρυσό, κόκκινο και πράσινο σε συνδυασμό με το απαλό μπλε φόντο του ουρανό) και δημιουργούν την αρμονία που ήδη εκδηλώνεται στα πρώιμα έργα του Ραφαήλ και τον διακρίνει από τους καλλιτέχνες της προηγούμενης εποχής.

Σε όλη του τη ζωή, ο Ραφαήλ αναζητούσε αυτή την εικόνα στη Μαντόνα, τα πολυάριθμα έργα του που ερμηνεύουν την εικόνα της Παναγίας του έχουν κερδίσει παγκόσμια φήμη. Το πλεονέκτημα του καλλιτέχνη, πρώτα απ 'όλα, είναι ότι μπόρεσε να ενσωματώσει όλες τις λεπτές αποχρώσεις των συναισθημάτων στην ιδέα της μητρότητας, να συνδυάσει τον λυρισμό και τη βαθιά συναισθηματικότητα με το μνημειώδες μεγαλείο. Αυτό φαίνεται σε όλες τις Μαντόνες του, ξεκινώντας από τη δειλή νεανική "Madonna Conestabil": στο "Madonna in the Green", "Madonna with a Goldfinch", "Madonna in the Chair" και ιδιαίτερα στην κορυφή του πνεύματος και της δεξιοτεχνίας του Raphael. - στη «Σιξτίνα Μαντόνα».

Η Σιξτίνα Μαντόνα είναι ένα από τα τελειότερα έργα του Ραφαήλ ως προς τη γλώσσα: η φιγούρα της Μαρίας με το μωρό, που φαίνεται αυστηρά στο φόντο του ουρανού, ενώνεται με έναν κοινό ρυθμό κίνησης με τις φιγούρες του Αγ. Οι βάρβαροι και ο Πάπας Σίξτος Β', του οποίου οι χειρονομίες απευθύνονται στη Μαντόνα, καθώς και τα βλέμματα δύο αγγέλων (περισσότερο σαν putti, που είναι τόσο χαρακτηριστικό της Αναγέννησης), βρίσκονται στο κάτω μέρος της σύνθεσης. Οι φιγούρες ενώνονται επίσης με ένα κοινό χρυσό χρώμα, σαν να προσωποποιούν τη Θεία λάμψη. Αλλά το κύριο πράγμα είναι ο τύπος του προσώπου της Madonna, που ενσαρκώνει τη σύνθεση του αρχαίου ιδεώδους της ομορφιάς με την πνευματικότητα του χριστιανικού ιδεώδους, που είναι τόσο χαρακτηριστικό της κοσμοθεωρίας της Υψηλής Αναγέννησης.

Η Σιξτίνα Μαντόνα είναι μεταγενέστερο έργο του Ραφαήλ.

Στις αρχές του XVI αιώνα. Η Ρώμη γίνεται το κύριο πολιτιστικό κέντρο της Ιταλίας. Η τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης φτάνει στην υψηλότερη άνθησή της σε αυτήν την πόλη, όπου, με τη θέληση των παπάδων Ιούλιου Β' και Λέοντα Χ, εργάζονται ταυτόχρονα καλλιτέχνες όπως ο Μπραμάντε, ο Μιχαήλ Άγγελος και ο Ραφαήλ.

Ο Ραφαήλ ζωγραφίζει τις δύο πρώτες στροφές. Στο Stanza della Senyatura (αίθουσα υπογραφών, σφραγίδες), ζωγράφισε τέσσερις τοιχογραφίες-αλληγορίες των κύριων σφαιρών της ανθρώπινης πνευματικής δραστηριότητας: φιλοσοφία, ποίηση, θεολογία και νομολογία («Η Σχολή των Αθηνών», «Παρνασσός», «Διαμάχη» , "Μέτρο, Σοφία και Δύναμη "Στο δεύτερο δωμάτιο, που ονομάζεται "Στάνζα του Ελιόδωρου", ο Ραφαήλ ζωγράφισε τοιχογραφίες σε ιστορικά και θρυλικά θέματα, δοξάζοντας τους πάπες: "Η εκδίωξη του Ελιόδωρου"

Ήταν σύνηθες για τη μεσαιωνική και πρώιμη αναγεννησιακή τέχνη να απεικονίζει τις τέχνες και τις επιστήμες με τη μορφή μεμονωμένων αλληγορικών μορφών. Ο Ραφαήλ έλυσε αυτά τα θέματα με τη μορφή πολυμορφικών συνθέσεων, που μερικές φορές αντιπροσώπευαν πραγματικά ομαδικά πορτρέτα, ενδιαφέροντα τόσο για την εξατομίκευση όσο και για την τυπικότητά τους.

Οι μαθητές βοήθησαν επίσης τον Ραφαήλ να ζωγραφίσει τις λότζες του Βατικανού που γειτνιζαν με τα δωμάτια του Πάπα, ζωγραφισμένες σύμφωνα με τα σκίτσα του και υπό την επίβλεψή του με μοτίβα παλαιών διακοσμητικών που αντλήθηκαν κυρίως από τις πρόσφατα ανοιγμένες αντίκες σπηλιές (εξ ου και το όνομα «γκροτέσκ»).

Ο Ραφαήλ έχει ερμηνεύσει έργα διαφόρων ειδών. Το χάρισμά του ως διακοσμητής, καθώς και ως σκηνοθέτης, αφηγητής φάνηκε πλήρως σε μια σειρά από οκτώ χαρτόνια για ταπετσαρίες για την Καπέλα Σιξτίνα σε σκηνές από τη ζωή των αποστόλων Πέτρου και Παύλου ("The Miraculous Catch of Fish", για παράδειγμα). Αυτοί οι πίνακες κατά τους XVI-XVIII αιώνες. χρησίμευσε ως ένα είδος προτύπου για τους κλασικιστές.

Ο Ραφαήλ ήταν επίσης ο μεγαλύτερος προσωπογράφος της εποχής του. («Πάπας Ιούλιος Β'», «Λέον Χ», φίλος του καλλιτέχνη συγγραφέα Καστιλιόνε, όμορφη «Ντόνα Βελάτα» κ.λπ.). Και στα πορτρέτα του κυριαρχεί κατά κανόνα η εσωτερική ισορροπία και αρμονία.

Στο τέλος της ζωής του, ο Ραφαήλ ήταν πάρα πολύ φορτωμένος με μια ποικιλία έργων και παραγγελιών. Είναι ακόμη δύσκολο να φανταστεί κανείς ότι όλα αυτά θα μπορούσαν να γίνουν από ένα άτομο. Υπήρξε κεντρικό πρόσωπο στην καλλιτεχνική ζωή της Ρώμης, μετά τον θάνατο του Μπραμάντε (1514) έγινε ο αρχιτέκτονας του καθεδρικού ναού του Αγ. Peter, ήταν υπεύθυνος για τις αρχαιολογικές ανασκαφές στη Ρώμη και τα περίχωρά της και την προστασία των αρχαίων μνημείων.

Ο Ραφαήλ πέθανε το 1520. Ο πρόωρος θάνατός του ήταν απροσδόκητος για τους συγχρόνους του. Οι στάχτες του είναι θαμμένες στο Πάνθεον.

Ο τρίτος μεγαλύτερος δάσκαλος της Υψηλής Αναγέννησης, ο Μιχαήλ Άγγελος, έζησε πολύ ο Λεονάρντο και ο Ραφαήλ. Το πρώτο μισό της καριέρας του έπεσε στην ακμή της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης και το δεύτερο - κατά τη διάρκεια της Αντιμεταρρύθμισης και την αρχή του σχηματισμού της τέχνης του μπαρόκ. Από τον λαμπρό γαλαξία των καλλιτεχνών της Υψηλής Αναγέννησης, ο Μιχαήλ Άγγελος ξεπέρασε τους πάντες στον πλούτο των εικόνων, το πάθος των πολιτών, την ευαισθησία στις μεταβαλλόμενες διαθέσεις του κοινού. Εξ ου και η δημιουργική ενσάρκωση της κατάρρευσης των αναγεννησιακών ιδεών.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Το 1488, στη Φλωρεντία, άρχισε να μελετά προσεκτικά το αρχαίο πλαστικό. Το ανάγλυφο του «Η μάχη των Κενταύρων» ως προς την εσωτερική αρμονία είναι ήδη έργο της Υψηλής Αναγέννησης. Το 1496 ο νεαρός καλλιτέχνης φεύγει για τη Ρώμη, όπου δημιουργεί τα πρώτα του έργα που του έφεραν φήμη: «Βάκχος» και «Πιέτα». Κυριολεκτικά αποτυπώθηκε από τις εικόνες της αρχαιότητας. "Pieta" - ανοίγει μια σειρά από έργα του πλοιάρχου σχετικά με αυτό το θέμα και τον προωθεί στον αριθμό των πρώτων γλυπτών στην Ιταλία.

Επιστρέφοντας στη Φλωρεντία το 1501, ο Μιχαήλ Άγγελος, για λογαριασμό της Signoria, ανέλαβε να σμιλέψει τη φιγούρα του Δαβίδ από ένα μαρμάρινο τετράγωνο που χάλασε μπροστά του ένας άτυχος γλύπτης. Το 1504 ο Μιχαήλ Άγγελος τελείωσε το διάσημο άγαλμα, που οι Φλωρεντινοί ονομάζουν «Ο Γίγαντας» και το έστησαν μπροστά στο Palazzo Vecchia, το δημαρχείο. Τα εγκαίνια του μνημείου μετατράπηκαν σε λαϊκή γιορτή. Η εικόνα του David έχει εμπνεύσει πολλούς καλλιτέχνες του Quattrocento. Αλλά ο Μιχαήλ Άγγελος δεν τον απεικονίζει ως αγόρι, όπως στο Donatello και στο Verrocchio, αλλά ως νεαρούς άνδρες σε πλήρη άνθηση, και όχι μετά από μάχη, με το κεφάλι ενός γίγαντα στα πόδια του, αλλά πριν από τη μάχη, τη στιγμή της υψηλότερης ένταση των δυνάμεων. Στην όμορφη εικόνα του Ντέιβιντ, στο αυστηρό πρόσωπό του, ο γλύπτης μετέφερε την τιτάνια δύναμη του πάθους, την ανυποχώρητη θέληση, το αστικό θάρρος, την απεριόριστη δύναμη ενός ελεύθερου ανθρώπου.

Το 1504 ο Μιχαήλ Άγγελος (όπως ήδη αναφέρθηκε σε σχέση με τον Λεονάρντο) αρχίζει να εργάζεται για τη ζωγραφική του "Δωμάτιου των Πεντακοσίων" στο Palazzo Signoria

Το 1505, ο Πάπας Ιούλιος Β' κάλεσε τον Μιχαήλ Άγγελο στη Ρώμη για να χτίσει έναν τάφο για τον εαυτό του, αλλά στη συνέχεια αρνήθηκε την παραγγελία και διέταξε μια λιγότερο μεγαλειώδη ζωγραφική της οροφής της Καπέλα Σιξτίνα στο Παλάτι του Βατικανού.

Ο Μιχαήλ Άγγελος εργάστηκε μόνος του στη ζωγραφική της οροφής της Καπέλα Σιξτίνα, από το 1508 έως το 1512, ζωγραφίζοντας μια έκταση περίπου 600 τετραγωνικών μέτρων. m (48x13 m) σε ύψος 18 m.

Ο Μιχαήλ Άγγελος αφιέρωσε το κεντρικό τμήμα της οροφής σε σκηνές ιερής ιστορίας, ξεκινώντας από τη δημιουργία του κόσμου. Οι συνθέσεις αυτές πλαισιώνονται από γείσο, γραμμένες, δημιουργώντας όμως την ψευδαίσθηση της αρχιτεκτονικής, και χωρίζονται, επίσης, με γραφικές ράβδους. Τα γραφικά ορθογώνια τονίζουν και εμπλουτίζουν την πραγματική αρχιτεκτονική του πλακόστρωτου. Κάτω από το γραφικό γείσο, ο Μιχαήλ Άγγελος ζωγράφισε τους προφήτες και τις σίβυλες (κάθε φιγούρα είναι περίπου τρία μέτρα), στις αψίδες (καμάρες πάνω από τα παράθυρα) απεικόνισε επεισόδια από τη Βίβλο και τους προγόνους του Χριστού ως απλοί άνθρωποι απασχολημένοι με τις καθημερινές υποθέσεις.

Στις εννέα κεντρικές συνθέσεις εκτυλίσσονται τα γεγονότα των πρώτων ημερών της δημιουργίας, η ιστορία του Αδάμ και της Εύας, ο κατακλυσμός και όλες αυτές οι σκηνές, στην πραγματικότητα, είναι ένας ύμνος στον άνθρωπο που είναι εγγενής σε αυτόν. Λίγο μετά το τέλος της εργασίας στη Σιξτίνα, ο Ιούλιος Β' πέθανε και οι κληρονόμοι του επέστρεψαν στην ιδέα μιας ταφόπλακας. Το 1513-1516. Ο Μιχαήλ Άγγελος ερμηνεύει τη μορφή του Μωυσή και των σκλάβων (αιχμάλωτων) για αυτήν την ταφόπλακα. Η εικόνα του Μωυσή είναι από τις πιο δυνατές στο έργο ενός ώριμου δασκάλου. Έβαλε μέσα του το όνειρο ενός σοφού, θαρραλέου ηγέτη, γεμάτου τιτάνιες δυνάμεις, έκφραση, θέληση-ιδιότητες που ήταν τόσο απαραίτητες τότε για την ένωση της πατρίδας του. Οι μορφές των σκλάβων δεν περιλαμβάνονταν στην τελική εκδοχή του τάφου.

Από το 1520 έως το 1534 ο Μιχαήλ Άγγελος εργάστηκε σε ένα από τα πιο σημαντικά και πιο τραγικά γλυπτά - στον τάφο των Μεδίκων (Φλωρεντινή Εκκλησία του San Lorenzo), που εκφράζει όλες τις εμπειρίες που έπεσαν στην τύχη του ίδιου του πλοιάρχου και της γενέτειράς του, και ολόκληρη τη χώρα στο σύνολό της. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1920, η Ιταλία έχει κυριολεκτικά διαλυθεί τόσο από εξωτερικούς όσο και από εσωτερικούς εχθρούς. Το 1527, μισθωτοί στρατιώτες νίκησαν τη Ρώμη, οι Προτεστάντες λεηλάτησαν τα καθολικά ιερά της αιώνιας πόλης. Η αστική τάξη της Φλωρεντίας ανατρέπει τους Μεδίκους, οι οποίοι κυβέρνησαν ξανά από το 1510

Σε μια διάθεση έντονης απαισιοδοξίας, σε κατάσταση αυξανόμενης βαθιάς θρησκευτικότητας, ο Μιχαήλ Άγγελος εργάζεται στον τάφο των Μεδίκων. Ο ίδιος κατασκευάζει μια επέκταση στη φλωρεντινή εκκλησία του San Lorenzo, ένα μικρό αλλά πολύ ψηλό δωμάτιο καλυμμένο με τρούλο και διακοσμεί δύο τοίχους του σκευοφυλάκου (το εσωτερικό του) με γλυπτικές επιτύμβιες στήλες. Ο ένας τοίχος είναι στολισμένος με τη φιγούρα του Lorenzo, ο απέναντι είναι ο Giuliano, και κάτω στα πόδια τους υπάρχουν σαρκοφάγοι διακοσμημένες με αλληγορικές γλυπτικές εικόνες - σύμβολα του χρόνου που κυλά γρήγορα: "Morning" και "Evening" - στην ταφόπλακα του Lorenzo, "Νύχτα και" Μέρα "- στην ταφόπλακα του Τζουλιάνο ...

Και οι δύο εικόνες - ο Lorenzo και ο Giuliano - δεν έχουν καμία ομοιότητα πορτρέτου, κάτι που διαφέρει από τις παραδοσιακές λύσεις του 15ου αιώνα.

Ο Παύλος Γ' αμέσως μετά την εκλογή του άρχισε να απαιτεί επίμονα από τον Μιχαήλ Άγγελο να εκπληρώσει αυτό το σχέδιο και το 1534, διακόπτοντας τις εργασίες στον τάφο, που ολοκλήρωσε μόλις το 1545, ο Μιχαήλ Άγγελος έφυγε για τη Ρώμη, όπου ξεκίνησε τη δεύτερη δουλειά του στην Καπέλα Σιξτίνα - στη ζωγραφική "The Last Judgment" (1535-1541) - μια μεγαλειώδης δημιουργία που εξέφραζε την τραγωδία του ανθρώπινου γένους. Τα χαρακτηριστικά του νέου καλλιτεχνικού συστήματος εκδηλώθηκαν σε αυτό το έργο του Μιχαήλ Άγγελου ακόμη πιο έντονα. Η δημιουργός κρίση, ο τιμωρός Χριστός τοποθετείται στο κέντρο της σύνθεσης και γύρω του με κυκλική κίνηση απεικονίζονται αμαρτωλοί να πέφτουν στην κόλαση, δίκαιοι άνδρες να ανεβαίνουν στον ουρανό, νεκροί να σηκώνονται από τους τάφους τους για την κρίση του Θεού. Όλα είναι γεμάτα φρίκη, απόγνωση, θυμό, σύγχυση.

Ζωγράφος, γλύπτης, ποιητής, ο Μιχαήλ Άγγελος ήταν επίσης λαμπρός αρχιτέκτονας. Εκτέλεσε τη σκάλα της φλωρεντινής βιβλιοθήκης της Laurenziana, στόλισε την πλατεία του Καπιτωλίου στη Ρώμη, έστησε την Πύλη του Πίου (Porta Pia), από το 1546 εργάζεται στον Καθεδρικό Ναό του Αγ. Peter, που ξεκίνησε από τον Bramante. Ο Μιχαήλ Άγγελος είναι ιδιοκτήτης του σχεδίου και του σχεδίου του τρούλου, το οποίο ολοκληρώθηκε μετά τον θάνατο του πλοιάρχου και εξακολουθεί να είναι ένας από τους κύριους κυρίαρχους στο πανόραμα της πόλης.

Ο Μιχαήλ Άγγελος πέθανε στη Ρώμη σε ηλικία 89 ετών. Το σώμα του μεταφέρθηκε στη Φλωρεντία τη νύχτα και θάφτηκε στην παλαιότερη εκκλησία της γενέτειράς του Σάντα Κρότσε. Η ιστορική σημασία της τέχνης του Μιχαήλ Άγγελου, η επίδρασή της στους σύγχρονους και τις επόμενες εποχές δύσκολα μπορούν να υπερεκτιμηθούν. Κάποιοι ξένοι ερευνητές τον ερμηνεύουν ως τον πρώτο καλλιτέχνη και αρχιτέκτονα του μπαρόκ. Κυρίως όμως είναι ενδιαφέρον ως φορέας των μεγάλων ρεαλιστικών παραδόσεων της Αναγέννησης.

Ο George Barbarelli da Castelfranco, με το παρατσούκλι Giorgione (1477-1510), είναι άμεσος ακόλουθος του δασκάλου του και τυπικός καλλιτέχνης της Υψηλής Αναγέννησης. Ήταν ο πρώτος επί ενετικού εδάφους που στράφηκε σε λογοτεχνικά θέματα, σε μυθολογικά θέματα. Το τοπίο, η φύση και το όμορφο γυμνό ανθρώπινο σώμα έγιναν για αυτόν αντικείμενο τέχνης και αντικείμενο λατρείας.

Ήδη στο πρώτο γνωστό έργο "Madonna of Castelfranco" (περίπου 1505) ο Giorgione εμφανίζεται ως πλήρως ανεπτυγμένος καλλιτέχνης. η εικόνα της Παναγίας είναι γεμάτη ποίηση, συλλογισμένη ονειροπόληση, διαποτισμένη από αυτή τη διάθεση θλίψης, που είναι χαρακτηριστική για όλες τις γυναικείες εικόνες της Τζορτζιόνε. Τα τελευταία πέντε χρόνια της ζωής του, ο καλλιτέχνης δημιούργησε τα καλύτερα έργα του που ερμηνεύτηκαν στην τεχνική του λαδιού, το κυριότερο στη βενετική σχολή εκείνη την εποχή. ... Στον πίνακα του 1506 "The Thunderstorm" του Giorgione απεικονίζει τον άνθρωπο ως μέρος της φύσης. Μια γυναίκα που θηλάζει ένα παιδί, ένας νεαρός άνδρας με ένα ραβδί (που μπορεί να εκληφθεί λανθασμένα με έναν πολεμιστή με άλμπουρα) δεν τους ενώνει καμία δράση, αλλά τους ενώνει σε αυτό το μαγευτικό τοπίο μια κοινή διάθεση, μια κοινή ψυχική κατάσταση. Η εικόνα της «Κοιμωμένης Αφροδίτης» (περίπου 1508-1510) είναι διαποτισμένη από πνευματικότητα και ποίηση. Το σώμα της είναι γραμμένο ανάλαφρα, ελεύθερα, με χάρη, δεν είναι τυχαίο που οι ερευνητές μιλούν για τη «μουσικότητα» των ρυθμών του Giorgione. δεν στερείται αισθησιακής γοητείας. «Αγροτική συναυλία» (1508-1510)

Ο Τιτσιάν Βετσέλιο (1477; -1576) είναι ο μεγαλύτερος ζωγράφος της Ενετικής Αναγέννησης. Δημιούργησε έργα τόσο για μυθολογικά όσο και για χριστιανικά θέματα, δούλεψε στο είδος του πορτρέτου, το χρωματικό του ταλέντο είναι εξαιρετικό, η συνθετική του εφευρετικότητα ανεξάντλητη και η ευτυχισμένη μακροζωία του επέτρεψε να αφήσει πίσω του μια πλούσια δημιουργική κληρονομιά που είχε τεράστιο αντίκτυπο στους απογόνους.

Ήδη το 1516 έγινε ο πρώτος ζωγράφος της δημοκρατίας, από τη δεκαετία του '20 - ο πιο διάσημος καλλιτέχνης της Βενετίας

Γύρω στο 1520, ο δούκας της Φεράρα του ανέθεσε μια σειρά από πίνακες στους οποίους ο Τιτσιάνο εμφανίζεται ως τραγουδιστής της αρχαιότητας, ο οποίος ήταν σε θέση να αισθανθεί και, κυρίως, να ενσαρκώσει το πνεύμα του παγανισμού (Βακχανάλια, Γιορτή της Αφροδίτης, Βάκχος και Αριάδνη). .

Πλούσιοι Βενετοί πατρίκιοι ανέθεσαν στον Τιτσιάνο εικόνες του βωμού και αυτός δημιουργεί τεράστιες εικόνες: «Η Ανάληψη της Μαρίας», «Μαντόνα του Πέζαρο»

"Εισαγωγή της Μαρίας στον Ναό" (περίπου 1538), "Αφροδίτη" (περίπου 1538)

(ομαδικό πορτρέτο του Πάπα Παύλου Γ' με τους ανιψιούς του Ottavio και Alexander Farnese, 1545-1546)

Γράφει ακόμη πολλά για αρχαία θέματα («Αφροδίτη και Άδωνις», «Ο Ποιμένας και η Νύμφη», «Διάνα και Ακταίος», «Δίας και Αντιόπη»), αλλά στρέφεται όλο και περισσότερο σε χριστιανικά θέματα, σε σκηνές μαρτυρίου, στις οποίες Η ειδωλολατρική ευθυμία, η αντίκα αρμονία αντικαθίσταται από μια τραγική στάση ("Το μαστίγωμα του Χριστού", "Η μετανοούσα Μαρία η Μαγδαληνή", "Άγιος Σεβαστιανός", "Θρήνος"),

Αλλά στο τέλος του αιώνα, και εδώ, τα χαρακτηριστικά μιας επικείμενης νέας εποχής στην τέχνη, μιας νέας καλλιτεχνικής κατεύθυνσης, είναι ήδη εμφανή. Αυτό φαίνεται στο παράδειγμα της δουλειάς δύο από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες του δεύτερου μισού αυτού του αιώνα - του Paolo Veronese και του Jacopo Tintoretto.

Ο Πάολο Κάλιαρι, με το παρατσούκλι Βερονέζε (κατάγεται από τη Βερόνα, 1528-1588), έμελλε να γίνει ο τελευταίος τραγουδιστής της εορταστικής, χαρούμενης Βενετίας του 16ου αιώνα.

: «Γιορτή στο σπίτι του Λευί» «Γάμος στην Κανά της Γαλιλαίας» για την τραπεζαρία του μοναστηριού του San George Maggiore

Jacopo Robusti, γνωστός στην τέχνη ως Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto" - βαφέας: ο πατέρας του καλλιτέχνη ήταν βαφέας μεταξιού). Το θαύμα του Αγίου Μάρκου (1548)

(«Η σωτηρία της Αρσινόης», 1555), «Εισαγωγή στον Ναό» (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro στο Piombino, Villa Rotonda στη Vicenza, που ολοκληρώθηκε μετά τον θάνατό του από τους μαθητές του, πολλά κτίρια στη Vicenza). Αποτέλεσμα της μελέτης του για την αρχαιότητα ήταν το βιβλίο «Ρωμαϊκές Αρχαιότητες» (1554), «Τέσσερα βιβλία για την αρχιτεκτονική» (1570-1581), αλλά η αρχαιότητα ήταν για αυτόν «ζωντανός οργανισμός», σύμφωνα με τη δίκαιη παρατήρηση του ερευνητή.

Η Ολλανδική Αναγέννηση στη ζωγραφική ξεκινά με το Βωμό της Γάνδης των αδελφών Hubert (πέθανε το 1426) και Jan (περίπου 1390-1441) van Eyck, που ολοκληρώθηκε από τον Jan van Eyck το 1432. Ο Van Eyck βελτίωσε την τεχνική του λαδιού: το λάδι κατέστησε δυνατή την μεταφέρουν τη λαμπρότητα, το βάθος, τον πλούτο του αντικειμενικού κόσμου που προσελκύει την προσοχή των Ολλανδών καλλιτεχνών, την πολύχρωμη ηχητικότητα του.

Από τις πολλές Madonnas του Jan van Eyck, η πιο διάσημη είναι η Madonna του Καγκελάριου Rollin (περίπου 1435)

("The Man with the Carnation", "The Man in the Turban", 1433, πορτρέτο της συζύγου του καλλιτέχνη Marguerite van Eyck, 1439

Πολλά για την επίλυση τέτοιων προβλημάτων οφείλει η ολλανδική τέχνη στον Rogier van der Weyden (1400; -1464) «Κάθοδος από τον Σταυρό» - ένα τυπικό έργο του Weyden.

Στο δεύτερο μισό του 15ου αι. αφηγείται το έργο του κυρίου του εξαιρετικού ταλέντου Hugo van der Goes (περίπου 1435-1482) «Death of Mary»).

Hieronymus Bosch (1450-1516), ο δημιουργός των σκοτεινών μυστικιστικών οραμάτων, στα οποία στρέφεται στον μεσαιωνικό αλληγορισμό, «Ο κήπος της απόλαυσης»

Το αποκορύφωμα της Ολλανδικής Αναγέννησης ήταν αναμφίβολα το έργο του Πίτερ Μπρίγκελ του Πρεσβύτερου, με το παρατσούκλι ο Αγρότης (1525 / 30-1569) ("Kitchen of the Skinny", "Kitchen of the Fat"). τίτλος - "Hunters in the Snow" , 1565), «Μάχη της Αποκριάς και της Σαρακοστής» (1559).

Άλμπρεχτ Ντύρερ (1471-1528).

"Fest of the Rosary" (άλλο όνομα - "Madonna of the Rosary", 1506), "The Horseman, Death and the Devil", 1513. «Ο Αγ. Ιερώνυμος "και" Μελαγχολία ",

Hans Holbein the Younger (1497-1543), "The Triumph of Death" ("Dance of Death") πορτρέτο της Jane Seymour, 1536

Άλμπρεχτ Άλντορφερ (1480-1538)

Αναγέννηση Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (περίπου 1420-1481), Πορτρέτο του Καρόλου Ζ΄

Ο Ζαν Κλουέ (περίπου 1485 / 88-1541), γιος του Φρανσουά Κλουέ (περίπου 1516-1572), είναι ο σημαντικότερος ζωγράφος της Γαλλίας του 16ου αιώνα. πορτρέτο της Ελισάβετ της Αυστρίας, περίπου το 1571, (πορτρέτο του Ερρίκου Β', της Μαρίας Στιούαρτ, κ.λπ.)