Εικόνες από ιμπρεσιονιστές. Λειτουργεί στην εικόνα Mana X-Ray εικόνα
Εικόνα του Jacques Louis David "Oath Horatiyev" είναι μια περιστροφή στην ιστορία της ευρωπαϊκής ζωγραφικής. Στυλιστικά, εξακολουθεί να ανήκει στον κλασικισμό. Αυτό είναι ένα στυλ που επικεντρώνεται στην αρχαιότητα, και με την πρώτη ματιά, αυτός ο προσανατολισμός από τον Δαβίδ διατηρείται. Το "Goraciyev Oath" είναι γραμμένο στο οικόπεδο για το πώς οι ρωμαϊκοί πατριώτες τρεις αδελφοί οράκλειο επιλέχθηκαν για να πολεμήσουν με εκπροσώπους της εχθρικής πόλης του Alba μακριά από τους αδελφούς καπνίσματος. Αυτή η ιστορία έχει Livia Tita και Diodorus Sicilian, Pierre Cornell Tragedy έγραψε στην οικόπεδο της.
"Αλλά υπάρχει ακριβώς η Κροατία Horatian που απουσιάζει σε αυτά τα κλασικά κείμενα.<...> Ήταν ο Δαβίδ που μετατρέπει έναν όρκο στο κεντρικό επεισόδιο της τραγωδίας. Ο γέρος κατέχει τρία σπαθιά. Βρίσκεται στο κέντρο, αντιπροσωπεύει τον άξονα της εικόνας. Στα αριστερά του - Τρεις γιοι που συγχωνεύονται σε ένα σχήμα, δεξιά - τρεις γυναίκες. Αυτή η εικόνα είναι φοβερό απλό. Πριν ο David, ο κλασικισμός για όλο τον προσανατολισμό του στο Rafael και στην Ελλάδα δεν μπορούσε να βρει μια τόσο σκληρή, απλή αρσενική γλώσσα για να εκφράσει τις πολιτικές αξίες. Ο Δαβίδ φαινόταν να ακούει τι είπε ο Didro, ο οποίος δεν είχε χρόνο να δει αυτό το ύφασμα: "Είναι απαραίτητο να γράψω όπως είπαν στη Σπάρτη".
Ilya dorontchenkov
Την εποχή του Δαβίδ, η αρχαιότητα αρχικά έγινε απτή λόγω της αρχαιολογικής ανακάλυψης της Πομπηίας. Πριν από αυτόν, η αρχαιότητα ήταν το άθροισμα των κειμένων των αρχαίων συγγραφέων - ο Όμηρος, η Βεργίλα και άλλοι - και αρκετές δωδεκάδες ή εκατοντάδες μη-ιδανικά διατηρημένα γλυπτά. Τώρα έχει γίνει απτό, μέχρι έπιπλα και χάντρες.
"Αλλά τίποτα από αυτό δεν είναι στην εικόνα του Δαβίδ. Σε αυτό, η αρχαιότητα είναι εντυπωσιακά μειωμένη όχι τόσο για το EntoUx (κράνη, λάθος σπαθιά, κορυφές, στήλες), πόσο στο πνεύμα της πρωτόγονης έντονης απλότητας ».
Ilya dorontchenkov
Ο Δαβίδ συμπιέζει καλά το αριστούργημά του. Έγραψε και το έβαλε στη Ρώμη, συγκεντρώντας μια ενθουσιώδη κριτική εκεί και στη συνέχεια έστειλε μια επιστολή στη γαλλική προστάτη. Σε αυτό, ο καλλιτέχνης ανέφερε ότι σε κάποιο σημείο σταμάτησε να γράφει μια φωτογραφία για τον βασιλιά και άρχισε να το γράφει για τον εαυτό του και, ειδικότερα, αποφάσισε να μην καταστρέψει το Square, όπως απαιτείται για το σαλόνι του Παρισιού και ορθογώνιο. Ως καλλιτέχνης, μετρήθηκε, φήμες και επιστολή είχε δημόσιο ενθουσιασμό, η εικόνα κράτησε μια κερδοφόρα θέση στο σαλόνι που έχει ήδη ανοίξει.
"Και εδώ, με καθυστέρηση, η εικόνα ποτίζεται στη θέση του και ξεχωρίζει ως το μόνο. Εάν ήταν τετράγωνο, θα είχε κρεμάσει σε έναν αριθμό άλλων. Και αλλάζοντας το μέγεθος, ο David το γύρισε σε ένα μοναδικό. Ήταν μια πολύ αυταρχική καλλιτεχνική χειρονομία. Από τη μία πλευρά, δήλωσε ο ίδιος ως το κύριο πράγμα στη δημιουργία του καμβά. Από την άλλη πλευρά, έχει προσελκύσει γενική προσοχή σε αυτή την εικόνα. "
Ilya dorontchenkov
Οι πίνακες έχουν ένα άλλο σημαντικό νόημα που κάνει το αριστούργημά της για όλες τις ώρες:
"Αυτός ο καμβάς δεν έγινε στην προσωπικότητα - μετατρέπεται σε ένα άτομο που στέκεται στις τάξεις. Αυτή είναι μια ομάδα. Και αυτή είναι μια ομάδα σε ένα πρόσωπο που κάνει πρώτα, και στη συνέχεια αντικατοπτρίζει. Ο Δαβίδ έδειξε δύο μη κύκλους, απολύτως τραγικά χωρισμένος κόσμος - ο κόσμος των υφιστάμενων ανδρών και ο κόσμος των γυναικών. Και αυτή η σύγκριση είναι πολύ ενεργητική και όμορφη - δείχνει ότι η τρόμος, η οποία πραγματικά αντιπροσωπεύει την ιστορία του Horati και για αυτή την εικόνα. Και δεδομένου ότι αυτή η φρίκη είναι καθολική, τότε ο "όρκος του Horati" δεν θα μας αφήσει οπουδήποτε. "
Ilya dorontchenkov
Αφηρημένη
Το 1816, η Σενεγάλη είχε κατάρρευση της γαλλικής φρεγάτας "Medusa". 140 επιβάτες αριστερά BRIG σε μια σχεδία, αλλά μόνο 15 αποθηκεύτηκαν. Για να επιβιώσουν σε μια 12ήμερη Walnia στα κύματα, έπρεπε να καταφύγουν στον κανιβαλισμό. Στη γαλλική κοινωνία, ξέσπασε ένα σκάνδαλο. Ο ένοχος της καταστροφής αναγνώρισε τον ανίκανο καπετάνιο, βασιλιστή με καταδικαστικές αποφάσεις.
"Για τη Φιλελεύθερη Γαλλική Εταιρεία της Καταστροφής της Φρεγάτας" Μέδουσας ", ο θάνατος ενός πλοίου, ο οποίος για έναν χριστιανικό συμβολίζει την κοινότητα (πρώτα από την εκκλησία, και τώρα το έθνος), έγινε ένα σύμβολο, ένα πολύ κακό σημάδι ενός αρχικού καθεστώτος αποκατάστασης. "
Ilya dorontchenkov
Το 1818, ο νεαρός καλλιτέχνης Θεόδωρος Ζέρικο, ο οποίος ψάχνει για ένα αξιόλογο θέμα, διαβάσει το βιβλίο των επιζώντων και άρχισε να εργάζεται στην εικόνα του. Το 1819, η εικόνα εκτέθηκε στο σαλόνι του Παρισιού και έγινε ένα χτύπημα, ένα σύμβολο του ρομαντισμού στη ζωγραφική. Ο Zheriko εγκατέλειψε γρήγορα την πρόθεση να απεικονίσει το πιο σαγηνευτικό - τη σκηνή του κανιβαλισμού. Δεν έδειξε το μαχαιρώντας, απελπισία ή τη στιγμή της σωληνίας.
"Σταδιακά επέλεξε τη μόνη σωστή στιγμή. Αυτή είναι η στιγμή των μέγιστων ελπίδων και της μέγιστης αβεβαιότητας. Αυτή είναι η στιγμή που οι άνθρωποι που επιβίωσαν στη σχεδία εμφανίζονται για πρώτη φορά στο Horizon Brig "Argus", το οποίο πέρασε για πρώτη φορά από τη σάρκα (δεν το γνώριζε).
Και μόνο τότε, πηγαίνοντας στην πάγκο, σκόνταψαν επάνω του. Στο σκίτσο, όπου έχει ήδη βρεθεί η ιδέα, το "Argus" είναι αισθητό και στην εικόνα μετατρέπεται σε ένα μικρό σημείο στον ορίζοντα, εξαφανίζεται, που προσελκύει τα μάτια του, αλλά δεν έχει σημασία το πώς το κάνει. "Ilya dorontchenkov
Το Zheriko αρνείται τον φυσιολογικό: αντί των εξαντλημένων σωμάτων στην εικόνα του, όμορφους θαρραλέους αθλητές. Αλλά αυτό δεν είναι εξιδανικοποίηση, είναι οικουμενικοποίηση: η εικόνα δεν αφορά τους συγκεκριμένους επιβάτες της "μέδουσας", πρόκειται για όλους.
"Jerico Scatters στην πρώτη γραμμή των νεκρών. Δεν ήταν εφευρέθηκε: η γαλλική νεολαία σπάστηκε από νεκρά και τραυματισμένα σώματα. Ενθουσιασμένος, κτύπησε γύρω από τα νεύρα, κατέστρεψε τις συμβάσεις: ο κλασσικός δεν μπορεί να δείξει άσχημο και τρομερό και θα το κάνουμε. Αλλά αυτά τα πτώματα έχουν μια ακόμη αξία. Δείτε τι συμβαίνει στη μέση της εικόνας: Υπάρχει μια καταιγίδα, υπάρχει μια χοάνη, στην οποία η εμφάνιση σχεδιάζεται. Και από τα σώματα, τον θεατή, στέκεται ακριβώς μπροστά από την εικόνα, περπατά σε αυτή τη σχεδία. Είμαστε όλοι εκεί. "
Ilya dorontchenkov
Η εικόνα του Zheriko λειτουργεί με έναν νέο τρόπο: Δεν απευθύνεται στο στρατό του κοινού, αλλά σε κάθε άτομο, όλοι προσκαλούνται στη σχεδία. Και ο ωκεανός δεν είναι μόνο ο ωκεανός των χαμένων ελπίδων του 1816. Αυτός είναι ένας ανθρώπινος στόχος.
Αφηρημένη
Μέχρι το 1814, η Γαλλία ακούστηκε από τον Ναπολέοντα και η άφιξη του Bourbon θεωρήθηκε με ανακούφιση. Ωστόσο, πολλές πολιτικές ελευθερίες ακυρώθηκαν, ξεκίνησε η αποκατάσταση, και μέχρι το τέλος της δεκαετίας του 1820, η νεότερη γενιά έλαβε γνώση της οντολογικής υιοθεσίας της εξουσίας.
"Ο Eugene Delacroix ανήκε στο στρώμα της γαλλικής ελίτ, το οποίο αυξήθηκε κάτω από το Ναπολέοντα και ωθήθηκε από το Bourbon. Παρ 'όλα αυτά, έλαβε: Έλαβε ένα χρυσό μετάλλιο για την πρώτη εικόνα του στην καμπίνα, το "Ladya Dante", το 1822. Και το 1824 μίλησε με την εικόνα της «Massanie στη Χίο», που απεικονίζει εθνοκάθαρση, όταν ο εθνοτικός πληθυσμός της Χίου κατά τον Ελληνικό Πόλεμο για την ανεξαρτησία απελάθηκε και καταστράφηκε και καταστράφηκε. Αυτό είναι το πρώτο χελιδόνι πολιτικού φιλελευθερισμού στη ζωγραφική, η οποία αφορούσε ακόμα τις χώρες. "
Ilya dorontchenkov
Τον Ιούλιο του 1830, η Karl X εξέδωσε αρκετούς νόμους που περιορίζουν σοβαρά τις πολιτικές ελευθερίες και έστειλαν στρατεύματα στην εκτύπωση της εφημερίδας της αντιπολίτευσης. Αλλά οι Παισοίοι απάντησαν με γυρίσματα, η πόλη ήταν καλυμμένη με οδοφράγματα και για τις "τρεις ένδοξες μέρες" του καθεστώτος του Rubon έπεσε.
Στη διάσημη εικόνα του Delacroix, αφιερωμένο στα επαναστατικά γεγονότα του 1830, παρουσιάζονται διάφορα κοινωνικά στρώματα: Schiegol στον κύλινδρο, ένα αγόρι, εργαζόμενος σε ένα πουκάμισο. Αλλά το κύριο, φυσικά, είναι μια νεαρή όμορφη γυναίκα με γυμνά στήθη και ώμο.
"Το Delacroix αποδεικνύεται εδώ τι σχεδόν ποτέ δεν συμβαίνει ποτέ σε καλλιτέχνες του 19ου αιώνα, όλο και πιο ρεαλιστική σκέψη. Επιτυγχάνει μια εικόνα - πολύ αξιολύπητη, πολύ ρομαντική, πολύ σκασίματα - για να συνδέσει την πραγματικότητα, σωματικά απτά και βίαιη, (κοιτάξτε τα πτώματα αγαπημένα από τους Romantics στο προσκήνιο) και τα σύμβολα. Επειδή αυτή η πλήρης γυναίκα είναι, φυσικά, η ίδια η ελευθερία. Πολιτική ανάπτυξη Ξεκινώντας από το XVIII αιώνα στους καλλιτέχνες την ανάγκη απεικόνισης τι δεν μπορεί να δει. Πώς μπορείτε να δείτε την ελευθερία; Οι χριστιανικές αξίες έρχονται σε ένα άτομο μέσα από έναν πολύ άνθρωπο - μέσα από τη ζωή του Χριστού και του βάθους του. Και τέτοιες πολιτικές αφαίρεσης, ως ελευθερία, ισότητα, αδελφότητα, δεν έχουν την εμφάνιση. Και το delacroix, ίσως το πρώτο και ανεξάρτητα από το πώς ο μόνος που, γενικά, έχει κάνει με επιτυχία με αυτό το καθήκον: τώρα ξέρουμε πώς η ελευθερία μοιάζει ».
Ilya dorontchenkov
Ένα από τα πολιτικά σύμβολα στην εικόνα είναι ένα τεμαχισμένο καπάκι στο κεφάλι της κοπέλας, ένα μόνιμο εραλδικό σύμβολο της δημοκρατίας. Ένα άλλο μοτίβο ομιλίας είναι γυμνό.
"Το Nudget έχει συνδεθεί από καιρό με τη φυσικότητα και τη φύση, και στον XVIII αιώνα αυτή η ένωση αναγκάστηκε. Η ιστορία της Γαλλικής Επανάστασης γνωρίζει ακόμη και τη μοναδική απόδοση, όταν η γυμνή ηθοποιός του γαλλικού θεάτρου απεικόνισε το NUD στον καθεδρικό ναό του Παριζιάνικου Θεάτρου. Και η φύση είναι η ελευθερία, αυτό είναι φυσικό. Και αυτό είναι που, αποδεικνύεται, αυτή η απτή, αισθησιακή, ελκυστική γυναίκα δηλώνει. Σημαίνει φυσική ελευθερία. "
Ilya dorontchenkov
Αν και αυτή η φωτογραφία δοξασμένη Delacroa, σύντομα αφαιρείται από τα μάτια του για μεγάλο χρονικό διάστημα, και είναι σαφές γιατί. Ο θεατής που στέκεται μπροστά του αποδεικνύεται στη θέση εκείνων που επιτίθενται στην ελευθερία που επιτίθεται η επανάσταση. Στο εξαιρετικό κίνημα, το οποίο ο Somnet σας, κοιτάξτε πολύ άβολα.
Αφηρημένη
Στις 2 Μαΐου 1808, η εξέγερση του αντι-ναπολέων ξέσπασε στη Μαδρίτη, η πόλη ήταν στα χέρια των διαδηλωτών, αλλά το βράδυ του 3ου αριθμού κοντά στην ισπανική πρωτεύουσα, οι τεράστιοι πυροβολισμοί των αντάρτων στριμώχθηκαν . Αυτά τα γεγονότα οδήγησαν σύντομα στον ατμοσφαιρικό πόλεμο που διήρκεσε έξι χρόνια. Όταν τελείωσε, ο ζωγράφος Francisco Goya θα παραγγείλει δύο εικόνες για να διαιωνίσει την εξέγερση. Το πρώτο είναι "εξέγερση στις 2 Μαΐου, 1808 στη Μαδρίτη."
"Ο Goya απεικονίζει πραγματικά τη στιγμή της έναρξης της επίθεσης - που χτύπησε πρώτα από την Navay, ο οποίος ξεκίνησε τον πόλεμο. Αυτή η πρόταση της στιγμής είναι εξαιρετικά σημαντική. Φαίνεται να φέρεται στην κάμερα, από το πανόραμα που μετακινείται σε ένα εξαιρετικά στενό σχέδιο, το οποίο επίσης δεν ήταν σε τέτοιο βαθμό μπροστά του. Υπάρχει ένα άλλο συναρπαστικό πράγμα: το αίσθημα του χάους και το μαχαίρι εδώ είναι εξαιρετικά σημαντικό. Δεν υπάρχει άνθρωπος που μετανιώσετε. Υπάρχουν θύματα και υπάρχουν δολοφόνοι. Και αυτοί οι δολοφόνοι με όργωμα αίματος, ισπανοί πατριώτες, γενικά, ασχολούνται με το κρέας. "
Ilya dorontchenkov
Στη δεύτερη εικόνα, οι χαρακτήρες ποικίλλουν σε μέρη: όσοι κόβονται στην πρώτη εικόνα, στη δεύτερη βολή όσοι τους κόβουν. Και η ηθική αμφισημία του αγώνα δρόμου αντικαθίσταται από την ηθική σαφήνεια: Goya στην πλευρά εκείνων που επαναχρησιμοποιούνται και πεθάνουν.
"Οι εχθροί είναι πλέον διαζευγμένοι. Ακριβώς εκείνους που θα ζήσουν. Αυτή είναι μια σειρά ανθρώπων σε στολές με όπλα, είναι απολύτως το ίδιο, ακόμα πιο πανομοιότυπο από τους αδελφούς του οράκου από τον Δαβίδ. Δεν βλέπουν τους ανθρώπους και οι κυρίνες τους τους καθιστούν παρόμοιους με τα αυτοκίνητα, στα ρομπότ. Αυτά δεν είναι ανθρώπινα στοιχεία. Είναι μαύρα σιλουέτα ξεχωρίζουν σε ένα νυχτερινό σκοτάδι στο φόντο του φωτισμού φωτός φωτός.
Άφησε εκείνους που πεθαίνουν. Κινούνται, κοινωνία, χειρονομώ και για κάποιο λόγο φαίνεται ότι είναι πάνω από τους εκτελεστές τους. Αν και ο κύριος, κεντρικός χαρακτήρας - ο άνθρωπος της Μαδρίτης σε πορτοκαλί παντελόνι και ένα λευκό πουκάμισο - στέκεται στα γόνατα. Είναι ακόμα υψηλότερος, είναι λίγο στο λόφο. "
Ilya dorontchenkov
Η πεθαμένη εγκοπή στέκεται στη στάση του Χριστού και για την κατανάλωση της Joyya απεικονίζει στιγματικά στις παλάμες του. Επιπλέον, ο καλλιτέχνης κάνει όλη την ώρα μια σκληρή εμπειρία - κοιτάξτε την τελευταία στιγμή πριν από την εκτέλεση. Τέλος, η Goya αλλάζει την κατανόηση του ιστορικού γεγονότος. Πριν από αυτόν, η εκδήλωση απεικονίζεται με την τελετουργική, ρητορική πλευρά του, η εκδήλωση Goya είναι μια στιγμή, πάθος, μη δαχτυλιδωμένη κραυγή.
Στην πρώτη φωτογραφία, το Diptych δείχνει ότι οι Ισπανοί κόβουν τους Γάλλους: αναβάτες που πέφτουν κάτω από τα πόδια ενός αλόγου, ντυμένοι με μουσουλμανικά κοστούμια.
Το γεγονός είναι ότι στα στρατεύματα του Ναπολέοντα ήταν μια απόσπαση του Mamelukov, Αιγυπτιακές Cavalrymen.
"Φαίνεται παράξενο ότι ο καλλιτέχνης μετατρέπεται σε ένα σύμβολο της γαλλικής κατοχής των μουσουλμάνων μαχητών. Αλλά αυτό επιτρέπει τη Goya να μετατρέψει το σύγχρονο γεγονός στην ιστορία της ιστορίας της Ισπανίας. Για οποιοδήποτε έθνος που μεγάλωσε την αυτοσυνείδησή τους κατά τη διάρκεια της Ναπολέοντος πολέμων, ήταν εξαιρετικά σημαντικό να συνειδητοποιήσουμε ότι αυτός ο πόλεμος είναι μέρος του αιώνιου πολέμου για τις αξίες τους. Και ένας τέτοιος μυθολογικός πόλεμος για τον ισπανικό λαό ήταν μια ανασυγκρότηση, η αποκατάσταση της Πυρηναϊκής Χερσονήσου στα μουσουλμανικά βασιλικά. Έτσι, η Goya, η διατήρηση της πίστης του ντοκιμαντέρ, της νεωτερικότητας, θέτει αυτή την εκδήλωση σε επαφή με τον εθνικό μύθο, αναγκάζοντας τον αγώνα του 1808 ως τον αιώνιο αγώνα των Ισπανών για τον εθνικό και χριστιανό ".
Ilya dorontchenkov
Ο καλλιτέχνης κατόρθωσε να δημιουργήσει την εικονογραφική φόρμουλα της εκτέλεσης. Κάθε φορά που οι συνάδελφοί του - είτε Mane, Dix ή Picasso, προσφυγή στο θέμα των εκτεταμένων, ακολούθησαν τη Goya.
Αφηρημένη
Η γραφική επανάσταση του XIX αιώνα είναι ακόμα πιο απτή από την εικόνα της εκδήλωσης, σημειώθηκε στο τοπίο.
"Το τοπίο αλλάζει εντελώς την οπτική. Ένα άτομο αλλάζει την κλίμακα του, ένα άτομο βιώνει τον εαυτό του με διαφορετικό τρόπο στον κόσμο. Το τοπίο είναι μια ρεαλιστική εικόνα του τι είναι γύρω μας, με ένα συναίσθημα κορεσμένου αέρα υγρασίας και καθημερινών αντικειμένων στα οποία αποστέλλουμε. Ή μπορεί να είναι μια προβολή των εμπειριών μας, και στη συνέχεια στις υπερχείλιση του ηλιοβασιλέματος ή σε μια χαρούμενη ηλιόλουστη μέρα που βλέπουμε την κατάσταση της ψυχής μας. Υπάρχουν όμως εντυπωσιακά τοπία που ανήκουν τόσο στο άλλο modus. Και είναι πολύ δύσκολο να καταλάβουμε, στην πραγματικότητα, η οποία κυριαρχεί. "
Ilya dorontchenkov
Αυτή η δυαδικότητα εκδηλώνεται έντονα από τον γερμανό καλλιτέχνη Caspar David Friedrich: τα τοπία του και μας λέει για τη φύση της Βαλτικής και ταυτόχρονα είναι μια φιλοσοφική δήλωση. Στο τοπίο του Friedrich υπάρχει μια καθαρή αίσθηση μελαγχολίας. Ο άνθρωπος σπάνια τους διείσδησε περαιτέρω και συνήθως γυρίζει πίσω στον θεατή.
Στην τελευταία του ταινία "Οι ηλικίες της ζωής" στο προσκήνιο δείχνουν μια οικογένεια: παιδιά, γονείς, γέρος. Και στη συνέχεια, πίσω από το χωροταξικό χάσμα - ένας ηλιοβασίλεμα, η θάλασσα και τα ιστιοφόρα.
"Αν κοιτάξουμε πώς χτίστηκε αυτό το πανί, θα δούμε την εντυπωσιακή κλήση μεταξύ του ρυθμού των ανθρώπινων φιγών στο προσκήνιο και το ρυθμό των ιστιοπλοϊκών σημείων στη θάλασσα. Εδώ είναι υψηλές μορφές, εδώ είναι χαμηλά σχήματα, αυτά είναι μεγάλα ιστιοφόρα, εδώ τα σκάφη κάτω από τα πανιά. Η φύση και τα ιστιοφόρα είναι αυτά που ονομάζεται μουσική των σφαίρων, είναι αιώνια και ανεξάρτητη από τον άνθρωπο. Ο προσκήνιο ο άνθρωπος είναι η τελική του ύπαρξη. Η θάλασσα στο Friedrich είναι πολύ συχνά μια μεταφορά του Inthius, του θανάτου. Αλλά ο θάνατος γι 'αυτόν, ένας άνθρωπος πιστό, είναι η υπόσχεση της αιώνιας ζωής, την οποία δεν γνωρίζουμε. Αυτοί οι άνθρωποι στο προσκήνιο είναι μικροί, διεφθαρμένοι, όχι πολύ ελκυστικοί γραπτός - ο ρυθμός τους επαναλαμβάνεται ο ρυθμός του ιστιοφόρου, καθώς ένας πιανίστας επαναλαμβάνει τη μουσική των σφαίρων. Αυτή είναι η ανθρώπινη μουσική μας, αλλά είναι όλα ομοιοκαταληξία με την ίδια τη μουσική που η φύση γεμίζει για τον Friedrich. Ως εκ τούτου, μου φαίνεται ότι σε αυτόν τον καμβά, ο Friedrich υπόσχεται - όχι ο παράδεισος μετά το χρόνο, αλλά ότι η τελική μας ύπαρξη είναι ακόμα σε αρμονία με το σύμπαν. "
Ilya dorontchenkov
Αφηρημένη
Μετά τη Μεγάλη Γαλλική Επανάσταση, οι άνθρωποι συνειδητοποίησαν ότι είχαν ένα παρελθόν. Ο XIX αιώνας από τις προσπάθειες του ρομαντικού-Αισθητικού και των Ιστορικών-θετικιστή δημιούργησε μια σύγχρονη ιδέα της ιστορίας.
"Ο XIX αιώνας δημιούργησε την ιστορική ζωγραφική, την οποία την γνωρίζουμε. Δεν αποσπούν τον ελληνικό και ρωμαϊκό ήρωες που ενεργούν σε ένα ιδανικό περιβάλλον με επικεφαλής τα ιδανικά μοτίβα. Η ιστορία του 19ου αιώνα γίνεται θεατρικό-μελοδραματικό, πλησιάζει ένα άτομο και είμαστε πλέον σε θέση να συναισθάνουμε όχι μεγάλες πράξεις, αλλά δυστυχία και τραγωδίες. Κάθε ευρωπαϊκό έθνος έχει δημιουργήσει μια ιστορία στο XIX αιώνα, και, με το σχεδιασμό της ιστορίας, γενικά, δημιούργησε το πορτρέτο και τα σχέδιά του για το μέλλον. Με αυτή την έννοια, η ευρωπαϊκή ιστορική ζωγραφική του 19ου αιώνα είναι τρομερά ενδιαφέρον να μελετήσει, αν και κατά τη γνώμη μου δεν έφυγε, σχεδόν δεν άφησε πραγματικά σπουδαία έργα. Και ανάμεσα αυτά τα σπουδαία έργα, βλέπω μια εξαίρεση ότι εμείς, οι Ρώσοι, μπορούμε σωστά να είμαστε υπερήφανοι. Είναι "πρωινή εκτέλεση Streletsky" Vasily Surikov ".
Ilya dorontchenkov
Ιστορική ζωγραφική του 19ου αιώνα, εστιασμένη στην εξωτερική αληθινή, συνήθως λέει για έναν ήρωα, το οποίο κατευθύνει την ιστορία ή την ανεχόμενη ήττα. Εικόνα του Surikova εδώ είναι μια φωτεινή εξαίρεση. Ο ήρωάς της είναι ένα πλήθος σε κινητά ρούχα, που καταλαμβάνει σχεδόν τέσσερις πέμπτες ζωγραφιές. Εξαιτίας αυτού, φαίνεται ότι η εικόνα είναι εκπληκτικά ανοργάνωτη. Πίσω από το ζωντανό χτύπημα πλήθος, μερικά από τα οποία σύντομα θα πεθάνουν, είναι ένα motley, ο οποίος ανησυχεί τον ευτυχισμένο ναό του Βασιλείου. Για κατεψυγμένο Peter, Shangoy στρατιώτης, Hango κρέμεται - Sherng Κρεμλίνο δόντια τοίχων. Η εικόνα συνδέει τη μονομαχία των απόψεων του Πέτρου και την κοκκινομάλλα τοξότης.
"Μπορούμε πάρα πολύ τη σύγκρουση της κοινωνίας και των κρατών, των ανθρώπων και των αυτοκρατοριών. Αλλά μου φαίνεται ότι σε αυτό το πράγμα εξακολουθούν να υπάρχουν κάποιες αξίες που το κάνουν μοναδικό. Ο Βλαντιμίρ Σασώφ, ο υποστηρικτής της δημιουργικότητας των κεφαλών και ο αμυντικός του ρωσικού ρεαλισμού, που έγραψε πολλή υπέρβαση γι 'αυτούς, ο Σουρίκοφ είπε πολύ καλά. Κάλεσε φωτογραφίες αυτού του είδους "χορωδιαία". Πράγματι, δεν υπάρχει κανένας ήρωας σε αυτούς - δεν υπάρχει ενιαίος κινητήρας. Ο κινητήρας γίνεται ο λαός. Αλλά σε αυτή την εικόνα ο ρόλος του λαού είναι πολύ καλά αξιοσημείωτος. Ο Joseph Brodsky στη διάλεξη του Νόμπελ δήλωσε τέλεια ότι η πραγματική τραγωδία δεν είναι όταν ο ήρωας πεθαίνει, αλλά όταν η χορωδία πεθαίνουν. "
Ilya dorontchenkov
Τα γεγονότα συμβαίνουν στους πίνακες του Surikov σαν επιπλέον της θέλησης των χαρακτήρων τους - και σε αυτή την έννοια της ιστορίας του καλλιτέχνη, προφανώς, είναι κοντά στο Tolstovskaya.
"Κοινωνία, άνθρωποι, ένα έθνος σε αυτή την εικόνα φαίνεται χωρισμένο. Οι στρατιώτες του Πέτρου σε στολή, τα οποία φαίνονται μαύρα και ο Τοξότης σε λευκό αντιτίθενται στο καλό και το κακό. Τι συνδέει αυτά τα δύο άνισα μέρη της σύνθεσης; Αυτός είναι ο Τοξότης σε ένα λευκό πουκάμισο που πηγαίνει στην εκτέλεση και οι στρατιώτες στη στολή, που τον υποστηρίζει ο ώμος. Αν καταργήσουμε διανοητικά όλα αυτά που τα περιβάλλουν, ποτέ δεν θα μπορέσουμε να υποθέσουμε ότι αυτό το άτομο οδηγεί στην εκτέλεση. Αυτοί είναι δύο φίλοι που επιστρέφουν στο σπίτι και κάποιος υποστηρίζει μια άλλη φιλική και ζεστασιά. Όταν χύνοντας το Greeneva στην "Captain Daught" πραγματοποιήθηκε από τον Pugachevtsy, είπαν: «Δεν ένιωσα», σαν να ήθελαν πραγματικά να φτιάξουν. Αυτή είναι η αίσθηση ότι οι άνθρωποι που χωρίζονται από τη βούληση της ιστορίας την ίδια στιγμή Bratsk και ένα, είναι η εντυπωσιακή ποιότητα του καμβά του Surikov, το οποίο επίσης δεν ξέρω οπουδήποτε αλλού. "
Ilya dorontchenkov
Αφηρημένη
Στη ζωγραφική, το μέγεθος έχει σημασία, αλλά όχι κάθε οικόπεδο μπορεί να απεικονιστεί σε μια μεγάλη καμβά. Διαφορετικές γραφικές παραδόσεις απεικονίστηκαν από την Sellian, αλλά πιο συχνά - όχι στις τεράστιες ζωγραφιές, δηλαδή η "κηδεία στο Ornan" Gustava Kourba. Ornan - μια εξέχουσα επαρχιακή πόλη, όπου προέρχεται ο ίδιος ο καλλιτέχνης.
"Ο Kourbe μετακόμισε στο Παρίσι, αλλά δεν έγινε μέρος της καλλιτεχνικής εγκατάστασης. Δεν έλαβε ακαδημαϊκή εκπαίδευση, αλλά είχε ένα ισχυρό χέρι, μια πολύ αλυσίδα εμφάνιση και μια τεράστια φιλοδοξία. Πάντα ένιωσε την επαρχιακή, και ήταν καλύτερο γι 'αυτόν στο σπίτι, στο Ornan. Αλλά έζησε σχεδόν όλη τη ζωή του στο Παρίσι, αγωνίζοντας με την τέχνη που είχε ήδη πεθάνει, αγωνίζεται με την τέχνη, η οποία εξιδεύει και μιλάει για το γενικό, για το παρελθόν, για την όμορφη, μη παρατηρήσει. Μια τέτοια τέχνη, η οποία μάλλον επαινεί, η οποία σύντομα καθυστερεί, κατά κανόνα, βρίσκει πολύ μεγάλη ζήτηση. Ο Kursbe ήταν πράγματι ένας επαναστατικός στη ζωγραφική, αν και τώρα αυτή η επαναστατική δεν είναι πολύ σαφής για εμάς, επειδή γράφει τη ζωή, γράφει πεζογραφία. Το κύριο πράγμα είναι ότι ήταν επαναστατικό - αυτό σταμάτησε να ιδρύει τη φύση του και άρχισε να το γράφει ακριβώς όπως βλέπει, ή έτσι, όπως πιστεύει ότι βλέπει. "
Ilya dorontchenkov
Σε μια γιγαντιαία εικόνα, περίπου πενήντα άτομα απεικονίζονται με πλήρη ανάπτυξη. Όλα αυτά είναι πραγματικά πρόσωπα και οι ειδικοί εντοπίστηκαν σχεδόν όλα τα μέλη της κηδείας. Ο Kursbe επέστησε τους συμπατριώτες του, και ήταν στην ευχάριστη θέση να φτάσουν στην εικόνα ακριβώς τι είναι.
"Αλλά όταν αυτή η φωτογραφία παρουσίασε το 1851 στο Παρίσι, δημιούργησε ένα σκάνδαλο. Περπάτησε εναντίον όλων που το Παριζιάνικο κοινό ήταν συνηθισμένο σε αυτή τη στιγμή. Καλλιτέχνες, προσβάλλει την έλλειψη σαφούς σύνθεσης και χονδροειδούς, πυκνή ποιμαντική ζωγραφική, η οποία μεταφέρει την σημαντικότητα των πραγμάτων, αλλά δεν θέλει να είναι όμορφη. Ένα συνηθισμένο πρόσωπο που φοβόταν το γεγονός ότι δεν μπορούσε πραγματικά να καταλάβει ποιος ήταν. Μια εντυπωσιακή ήταν η κατάρρευση των επικοινωνιών μεταξύ της επαρχιακής Γαλλίας και των Παρισίων. Οι Παρισίους αντιλαμβάνονται την εικόνα αυτού του αξιοσέβαστου πλούσιου πλήθους ως η εικόνα των φτωχών. Ένας από τους κριτικούς είπε: "Ναι, είναι μια ντροπή, αλλά είναι μια ντροπή της επαρχίας και το Παρίσι έχει τη ντροπή του". Κάτω από τη ντροπή κατάλαβε πραγματικά την απόλυτη ειλικρίνεια. "
Ilya dorontchenkov
Ο Kurba αρνήθηκε να εξιδανικεύσει, γεγονός που το έκανε μια πραγματική πρωτοπορία του XIX αιώνα. Εστιάζεται στον γαλλικό ανεμιστήρα, και σε ένα ολλανδικό πορτρέτο της ομάδας, και στην αντίκα σοβαρότητα. Το Kurba διδάσκει να αντιληφθεί η νεωτερικότητα στην μοναδικότητά της, στην πορεία της και στην ομορφιά της.
"Γαλλικά σαλόνια γνώριζαν τις εικόνες της σοβαρής αγροτικής εργασίας, των φτωχών αγροτών. Αλλά η λειτουργία της εικόνας ήταν γενικά αποδεκτή. Οι αγρότες έπρεπε να μετανιώσουν, οι αγρότες έπρεπε να συμπάσχουν. Ήταν μια άποψη κάπως από πάνω. Ένα πρόσωπο που συμπάσκει, εξ ορισμού, βρίσκεται σε θέση προτεραιότητας. Και η Kurba στερούσε τον θεατή του τη δυνατότητα μιας τέτοιας ομφαλιάς ενσυναίσθησης. Οι χαρακτήρες του είναι μεγαλοπρεπείς, μνημειώδεις, αγνοούν τους θεατές τους, και δεν σας επιτρέπουν να καθορίσετε μαζί τους μια τέτοια επαφή που τις καθιστά μέρος του συνηθισμένου κόσμου, είναι πολύ ισχυρά στερεότυπα σπάσιμο. "
Ilya dorontchenkov
Αφηρημένη
Ο XIX αιώνας δεν αγάπησε τον εαυτό του, προτιμώντας να αναζητήσει ομορφιά σε κάτι άλλο, είτε ήταν αρχαιότητα, μεσαίοι ή ανατολικά. Η πρώτη ομορφιά της νεωτερικότητας έμαθε να δούμε τον Charles Bajler και να την ενσωματώσει σε καλλιτέχνες ζωγραφικής που το Bodler δεν προορίζονταν να δουν: για παράδειγμα, ο Edgar Degas και ο Edward Man.
"Η Mane είναι προ-προσάγων. Mana Την ίδια στιγμή ένας λαμπρός ζωγράφος του οποίου η γοητεία του οποίου τα χρώματα, τα χρώματα, πολύ παράδοξα συνδεδεμένα, προκαλεί τον θεατή να μην ρωτήσει τις προφανείς ερωτήσεις. Αν κοιτάξετε τους πίνακές του, συχνά αναγκάζονται να αναγνωρίσουμε ότι δεν καταλαβαίνουμε τι οδήγησαν αυτούς τους ανθρώπους ότι κάνουν ο ένας τον άλλον, γιατί αυτά τα στοιχεία συνδέονται στο τραπέζι. Η ευκολότερη απάντηση: Mana κυρίως ζωγράφος, Mana κυρίως μάτι. Είναι ενδιαφέρον γι 'αυτόν να συνδέει τα χρώματα και τις υφές και η λογική σύζευξη αντικειμένων και ανθρώπων είναι η δέκατη επιχείρηση. Τέτοιες εικόνες συχνά τοποθετούν έναν θεατή που ψάχνει για ένα περιεχόμενο που ψάχνει για ιστορίες σε ένα αδιέξοδο. Οι ιστορίες Mana δεν λένε. Θα μπορούσε να παραμείνει τόσο εντυπωσιακά ακριβής και εκλεπτυσμένη οπτική συσκευή, αν δεν είχε δημιουργήσει το τελευταίο αριστουργηματικό του ήδη σε αυτά τα χρόνια όταν ανήκαν μια θανατηφόρα ασθένεια ».
Ilya dorontchenkov
Η ζωγραφική "Bar in Foli-Berger" εκτέθηκε το 1882, πρώτα η γελοιοποίηση των κριτικών πρώτα και στη συνέχεια γρήγορα αναγνωρίστηκε ως αριστούργημα. Το θέμα της είναι μια cafe-συναυλία, ένα φωτεινό φαινόμενο της παριζιάνιας ζωής του δεύτερου μισού του αιώνα. Φαίνεται ότι η Mana έλαβε έντονα και αξιόπιστα τη ζωή του Foli-Berger.
"Αλλά όταν αρχίσουμε να κοιτάζουμε προσεκτικά το γεγονός ότι έχετε κάνει τη Mane στην εικόνα σας, θα καταλάβουμε ότι υπάρχει ένας τεράστιος αριθμός ασυνέπειων που είναι υποσυνείδητα ενοχλητικά και, γενικά, δεν λαμβάνουν άδεια. Το κορίτσι που βλέπουμε τον πωλητή, πρέπει να κάνει τους επισκέπτες να σταματήσουν, να πυροβολούν μαζί της και να πίνουν ακόμα πίνοντας. Εν τω μεταξύ, δεν φλερτάρει μαζί μας, αλλά κοιτάζει μέσα μας. Στο τραπέζι, υπάρχουν τέσσερα μπουκάλια σαμπάνιας στη θερμότητα - αλλά γιατί όχι σε πάγο; Στην αντανάκλαση του καθρέφτη, αυτά τα μπουκάλια δεν βρίσκονται στην άκρη του τραπεζιού, σε ποια στάση στο προσκήνιο. Το γυαλί με τριαντάφυλλα δεν παρατηρείται κάτω από τη γωνία, κάτω από αυτό που όλα τα άλλα αντικείμενα που στέκονται στο τραπέζι είδαν. Και το κορίτσι στον καθρέφτη δεν φαίνεται ακριβώς έτσι ώστε το κορίτσι που μας κοιτάζει: Είναι πιο αργή, έχει πιο στρογγυλεμένα σχήματα, έσκυψε προς τον επισκέπτη. Σε γενικές γραμμές, συμπεριφέρεται όπως θα έπρεπε να οδηγήσει στην οποία κοιτάμε. "
Ilya dorontchenkov
Η φεμινιστική κριτική έδωσε προσοχή στο γεγονός ότι το κορίτσι με τα περιγράμματα του μοιάζει με ένα μπουκάλι σαμπάνιας σαμπάνιας στον πάγκο. Αυτή είναι μια αργή παρατήρηση, αλλά σχεδόν ολοκληρωμένη: οι μελαγχολικές ζωγραφιές, η ψυχολογική απομόνωση της ηρωίνης αντιτίθεται με ευθύγραμμη ερμηνεία.
"Αυτά τα οπτικά οικόπεδα και οι ψυχολογικοί αινιπέδες της εικόνας φαίνεται να έχουν μια αδιαμφισβήτητη απάντηση, μας κάνουν να την προσεγγίσουμε και να ζητήσουμε αυτές τις ερωτήσεις κάθε φορά, υποσυνείδητα εμποτίζουν την αίσθηση της όμορφης, λυπημένης, τραγικής, καθημερινής σύγχρονης ζωής, το οποίο ονειρευόταν και για για πάντα αριστερά στο αμερικανικό Mana. "
Ilya dorontchenkov
Από την εντύπωση / FR./ - εντύπωση (1874-1886)
Η κατεύθυνση στην τέχνη προέρχεται από τη Γαλλία. Αυτό το όνομα, το στυλ που είχε τον πιο σοβαρό αντίκτυπο στην ανάπτυξη της παγκόσμιας τέχνης, χάρη στη σαρκαστική ετικέτα εφευρέθηκε από τον Louis Louroy, ο οποίος ήρθε με μια σαρκαστική ετικέτα. Ψευτικοποίηση του περικομμένου τίτλου της εικόνας της εντύπωσης Claude Monet ". Sunrise" (εντύπωση. Το Soleil Levant) αργότερα μετατράπηκε σε θετικό ορισμό: αντικατοπτρίζει σαφώς την υποκειμενικότητα του οράματος, το ενδιαφέρον σε μια συγκεκριμένη στιγμή της συνεχούς μεταβολής και της μοναδικής πραγματικότητας. Οι καλλιτέχνες, από την πρόκληση, αποδέχτηκαν αυτή την επιθετική, στη συνέχεια, είχε πάρει ρίζα, έχασε το αρχικό αρνητικό του νόημα και έγινε ενεργό. Οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να μεταφέρουν με ακρίβεια τις εντυπώσεις τους για τον κόσμο όσο το δυνατόν ακριβέστερα. Για το σκοπό αυτό, αρνήθηκαν να συμμορφωθούν με τους υπάρχοντες κανόνες ζωγραφικής και δημιούργησαν τη δική τους μέθοδο. Η ουσία της κατέληξε στη μεταφορά με τη βοήθεια ξεχωριστών επιχρισμάτων καθαρών χρωμάτων, μια εξωτερική εντύπωση του φωτός, της σκιάς, στην επιφάνεια των αντικειμένων. Μια τέτοια μέθοδος που δημιουργήθηκε στην εικόνα η εντύπωση της διάλυσης της μορφής στον περιβάλλοντα χώρο-εναέριου χώρου. Ο Claude Monet έγραψε για το έργο του: "Η αξία μου είναι ότι έγραψα απευθείας από τη φύση, προσπαθώντας να μεταφέρω τις εντυπώσεις μου για τα πιο μη μόνιμα και πτητικά φαινόμενα." Το νέο μάθημα διακρίθηκε από την ακαδημαϊκή ζωγραφική τόσο σε τεχνικούς όσο και ιδεολογικούς όρους. Πρώτα απ 'όλα, οι ιμπρεσιονιστές εγκατέλειψαν το περίγραμμα, αντικαθιστώντας το με μικρά ξεχωριστά και αντίθετα εγκεφαλικά επεισόδια, τα οποία επέβαλαν σύμφωνα με τις θεωρίες του χρώματος του Chevreil, Helmholtz και Ore. Η ηλιοθεραπεία χωρίζεται στα εξαρτήματα: μοβ, μπλε, μπλε, πράσινο, κίτρινο, πορτοκαλί, κόκκινο, αλλά δεδομένου ότι το μπλε είναι ένα είδος μπλε, τότε ο αριθμός τους μειώνεται σε έξι. Δύο χρώματα που βρίσκονται κοντά ενισχύουν ο ένας τον άλλον και, αντίθετα, όταν αναμιγνύονται, χάνουν την ένταση. Επιπλέον, όλα τα χρώματα χωρίζονται σε πρωτογενή, ή βασικά και διπλά και παράγωγα, με κάθε δίδυμο χρώμα είναι επιπλέον στην πρώτη: μπλε - πορτοκαλί κόκκινο - πράσινο κίτρινο - μοβ, έτσι κατέστη δυνατό να μην αναμειγνύεται το χρώμα στην παλέτα και έτσι Αποκτήστε το επιθυμητό χρώμα με τη σωστή επιβολή τους σε καμβά. Αυτό αργότερα έγινε ο λόγος για την ανώμαλη.
Καλλιτέχνες: Paul Cézanne, Edgar Dega (Edward Henri Paul Gauguin), Edward Mane (Édouard Manet), Claude Monet (Oscar-Claude Monet), Berthe Morizo \u200b\u200b(Berthe Morisot), Camille Pissaro ( Jacob abraham camille pissarro), Pierre Auguste Renoir (Renoir Pierre-Auguste), Alfred Sisley.
ΕΚΘΕΣΕΙΣ: Όλα ήταν οκτώ, η πρώτη έλαβε χώρα το 1874 στο Παρίσι, στο στούντιο του φωτογράφου Nadar, Boulevard Kapuchin, 35. Μεταγενέστερες εκθέσεις, μέχρι το 1886, σε διάφορα σαλόνια του Παρισιού.
Κείμενα: J.A. Καστανάη "Έκθεση για τη λεωφόρο Kapuchin. Impressionists", 1874; E.dyuranti "νέα ζωγραφική", 1876; Tyur "Καλλιτέχνες-Impressionists", 1878.
Περιγραφή ορισμένων έργων:
Pierre Augene Renoir "μπάλα στο Moulin de la Gaette", 1876. καμβάς, πετρέλαιο. Παρίσι, Μουσείο Δ. Ors. Η διάσημη ίδρυση της Μονμάρτρης "Moulin de la Gaette" θεωρήθηκε μακριά από τη στέγαση του Renoara. Πήγε εκεί για να εργαστεί και οι φίλοι που απεικονίζονται σε αυτή την εικόνα, συχνά τον βοήθησαν να φορούν καμβά. Η σύνθεση αποτελείται από μια ποικιλία αριθμών, δημιουργεί ένα πλήρες αίσθημα του πλήθους, που συλλαμβάνεται από τη χαρά του χορού. Η εντύπωση της κίνησης, η οποία είναι γεμάτη εικόνα, συμβαίνει λόγω ενός δυναμικού στυλ ζωγραφικής και φωτός, ελεύθερα πτώση της αντανάκλασης σε πρόσωπα, κοστούμια, καπέλα και καρέκλες. Όπως μέσω του φίλτρου, περνά μέσα από το φύλλωμα των δέντρων, αλλάζει το χρωματικό γκάμα στο καλειδοσκόπιο των αντανακλαστικών. Φαίνεται ότι η κίνηση των αριθμών συνεχίζει και ενισχύει τις σκιές, όλα μαζί συνδέονται σε λεπτές δονήσεις που μεταδίδουν την αίσθηση της μουσικής και του χορού.
Pierre Auguste Renoir "μπάλα στο Moulin de la Gaette", 1876
Eduard Mana "Bar στο Foli Berger", 1881-1882. Καμβά, λάδι. Λονδίνο, Πινακοθήκη του Ινστιτούτου Κούρτου. Είναι δύσκολο να προσδιορίσετε το συγκεκριμένο είδος της τελευταίας μεγάλης εικόνας Mana - "Bar στη Foli-Berger" που εκτίθεται στην καμπίνα το 1882. Η εικόνα είναι ιδιόμορφη για την εικόνα της ζωής, και το πορτρέτο, και τη ζωή, η οποία αποκτά εντελώς εξαιρετική εδώ, αν και δεν είναι υψίστης σημασίας εδώ. Όλα αυτά είναι ενωμένα σε μια σκηνή της σύγχρονης ζωής, με το εξαιρετικά κίνητρο της πεζογραφίας (που μπορεί να είναι το Επιμελητήριο των πωλήσεων για ένα μπαρ του μπαρ;), αποδείχθηκε από τον καλλιτέχνη στην εικόνα της υψηλής καλλιτεχνικής τελειότητας. Ο καθρέφτης πίσω από το μπαρ στέκεται, πίσω από το οποίο υπάρχει μια ανεξάρτητη ηρωίδα του καμβά, αντανακλά μια πολυσύχναστη αίθουσα, φωτεινό πολυέλαιο, τα πόδια κάτω από την οροφή του Acrobatki, ένα μαρμάρινο συμβούλιο με μπουκάλια και το ίδιο το κορίτσι, στην οποία ο ίδιος ο κ. Στο ο κύλινδρος είναι κατάλληλος. Για πρώτη φορά, ο καθρέφτης αποτελεί το φόντο ολόκληρης της εικόνας. Ο χώρος του μπαρ, αντανακλάται στον καθρέφτη πίσω από το πίσω μέρος του πωλητή, επεκτείνεται στο άπειρο, μετατρέπεται σε ένα αφρώδες γιρλάντα φώτων και έγχρωμης λάμψης. Και ο θεατής που αντιμετωπίζει η εικόνα εμπλέκεται σε αυτό το δεύτερο περιβάλλον, χάνοντας σταδιακά την αίσθηση του προσώπου μεταξύ του πραγματικού και αντανακλασμένου κόσμου. Μια ευθεία εμφάνιση του μοντέλου παραβιάζει την παραπλανητική επέκταση (απορρόφηση L') - η παραδοσιακή υποδοχή της καταγραφής του κύριου χαρακτήρα της εικόνας που συγκεντρώνεται από τις υποθέσεις τους και σαν όχι ένα θεατή ανακοινώσεως. Εδώ, αντίθετα, η Mana χρησιμοποιεί άμεση κοινή κοινή χρήση και "εκρήγνυται" το κλείσιμο της εικόνας. Ο θεατής συμμετέχει σε έντονο διάλογο και αναγκάζεται να εξηγήσει τι αντανακλάται στον καθρέφτη: τη σχέση μεταξύ του κεριού και του μυστηριώδους χαρακτήρα στον κύλινδρο.
Βραβείο της μακροπρόθεσμης δεύτερης ανταμοιβής για το πορτρέτο του κυνηγού στο Lviv. Παρουσιάζετε. Μετά από αυτό, η Mane γίνεται έξω από το διαγωνισμό και μπορεί να παρουσιάσει τους πίνακές της, χωρίς κάποια άδεια της κριτικής επιτροπής της καμπίνας.
Η Manna αποφασίζεται να κάνει κάτι εντελώς ασυνήθιστο για το σαλόνι τέχνης, στις αρχές του 1882, όπου οι πίνακές του θα εμφανιστούν με ένα ειδικό σήμα "V. ΠΡΟΣ ΤΗΝ".
Πιστεύετε στην αστρολογία και τις προβλέψεις των αστεριών; Εκατομμύρια άνθρωποι εμπιστεύονται τις προβλέψεις που αποτελούν διάφορους αστρολόγους. Ο Γκουρού μεταξύ αυτών των προγνωστικών είναι η Pavel Globa. Κανείς δεν ξέρει περισσότερα για τα αστέρια των αστεριών από τη σφαίρα.
Σε αυτόν, τελικά, η πολυαναμενόμενη δόξα έρχεται, αλλά η ασθένειά του εξελίσσεται το κεχρί δηλατητά και το ξέρει για αυτό και ως εκ τούτου, είναι το Gnawing. Η Mana προσπαθεί να αντισταθεί σε σοβαρή ασθένεια. Δεν είναι πραγματικά σε θέση να αυξήσει την ασθένεια;
Η Mana αποφασίζει να συλλέξει όλη τη δύναμη και τη θέλησή του, εξακολουθεί να προσπαθεί να το θάψει νωρίς. Μπορεί να δει στο καφενείο "Νέα Αθήνα", στο Cafe Bad, στο Tortoni, στο Foli-Berger και τον φίλο του. Προσπαθεί όλη την ώρα να αστείο και να σιδερώσει, διασκέδαση για το "τεράστιο" και αστεία του για το πόδι του. Η Mane αποφασίζει να εκτελέσει τη νέα της ιδέα: Σχεδιάστε τη σκηνή από την καθημερινή παριζιάνικη ζωή και απεικονίζει την άποψη του διάσημου μπαρ Foli Berger, στην οποία το γοητευτικό κορίτσι είναι ηλιοθεραπεία, μπροστά από πολλά μπουκάλια. Το κορίτσι γνωρίζει πολλούς τακτικούς επισκέπτες του μπαρ.
Εικόνα "Μπαρ στο Fouls Berger"Αυτό είναι ένα προϊόν εξαιρετικού θάρρους και γραφικής αιθουσίας: ένα ξανθό κορίτσι στέκεται πίσω από ένα μπαρ, πίσω από έναν μεγάλο καθρέφτη, το οποίο αντανακλά τη μεγάλη αίθουσα του ιδρύματος με το κοινό που κάθεται σε αυτό. Έχει ένα στολίδι σε ένα μαύρο βελούδο στο λαιμό της, το βλέμμα της είναι κρύο, βρίσκεται ακόμα, φαίνεται αδιάφορη σε άλλους.
Αυτό το σύνθετο οικόπεδο του καμβά κινείται με μεγάλη δυσκολία. Ο καλλιτέχνης τον χτυπάει και επαναλαμβάνει επανειλημμένα. Στις αρχές Μαΐου 1882, η Mane δίνει την εικόνα και γίνεται χαρούμενος που το σκέπτεται στην καμπίνα. Πάνω από τους πίνακές του, κανείς δεν γελάει περισσότερο, όλοι οι πίνακές του σκέφτονται με μεγάλη σοβαρότητα, αρχίζουν να υποστηρίζουν τα πραγματικά έργα τέχνης.
Το τελευταίο έργο του "Bar στο Foli-Berger" που δημιουργήθηκε σαν να γλίστρησε με μια ζωή που ήταν τόσοτιμη, η οποία ήταν τόσο θαυμασμένη και σκέφτηκε πολλά. Το έργο έχει απορροφήσει όλο το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης ψάχνει τόσο πολύ και βρεθεί σε οποιαδήποτε δυσδιάκριτη ζωή. Οι καλύτερες εικόνες έσπασαν μαζί για να ενσωματωθούν σε αυτό το νεαρό κορίτσι, το οποίο βρίσκεται σε ένα θορυβώδες παριζιάνικο Kabash. Σε αυτό το ίδρυμα, οι άνθρωποι ψάχνουν για χαρά επαφή με τον εαυτό τους παρόμοια, εδώ το φαινομενικό διασκεδαστικό και το γέλιο βασιλεύει εδώ, ένας νέος και ευαίσθητος πλοίαρχος ανοίγει την εικόνα μιας νεαρής ζωής, η οποία βυθίζεται στη θλίψη και τη μοναξιά.
Είναι δύσκολο να πιστέψουμε ότι αυτό το έργο γράφτηκε από έναν καλλιτέχνη που πεθαίνει στον οποίο κάθε χέρι μετακόμισε πόνο και πόνο. Αλλά ακόμα και πριν από το θάνατο, ο Edward Mana παραμένει ένας πραγματικός μαχητής. Έπρεπε να περάσει από ένα δύσκολο πορεία ζωής, προτού ανακαλύψει την αληθινή ομορφιά που αναζητούσε όλη του τη ζωή και το βρήκε σε απλούς ανθρώπους, βρίσκοντας στην ψυχή τους ο εσωτερικός πλούτος στον οποίο έδωσε την καρδιά του.
Eduard Mana - Bar στο Foli-Berger, 1882
Un Bar Aux Folers Bergère
Καμβά, λάδι.
Αρχικό Μέγεθος: 96 × 130 cm
Ινστιτούτο Τέχνης Κούρτο, Λονδίνο
Περιγραφή: "Μπαρ σε Foli-Berger" (Fr. Un Bar Aux Folies Bergère) - Ζωγραφική Edward Man.
Foli-Berger - Ποικιλία και καμπαρέ στο Παρίσι. Βρίσκεται στην οδό Rishe 32. Στο τέλος του 19ου αιώνα, αυτό το ίδρυμα ήταν πολύ δημοφιλές. Ο Mana συχνά επισκέφθηκε το Foli-Berger και τελικά έγραψε αυτή την εικόνα - το τελευταίο, το οποίο παρουσίασε στο σαλόνι του Παρισιού μπροστά από το θάνατό του το 1883. Η Mana έκανε τα σκίτσα στην εικόνα ακριβώς στο μπαρ, το οποίο ήταν στον πρώτο όροφο, ποικιλία στα δεξιά της σκηνής. Στη συνέχεια ρώτησε ο Bartisrhu Suson (Fr. Suzon) και ο φίλος του, ο στρατιωτικός καλλιτέχνης Henri Dupre (Fr. Henri Dupray), θέτουν στο εργαστήριο. Αρχικά, η βάση της σύνθεσης θα πρέπει να είναι ένας βάσης και πελάτης που είναι παθιασμένος με τη συζήτηση. Αυτό αποδεικνύεται μόνο τα διατηρημένα σκίτσα, αλλά και τις εικόνες ακτίνων Χ της εικόνας. Αργότερα, η Mana αποφάσισε να κάνει μια σκηνή πιο ουσιαστική. Στο βάθος φαίνεται ένας καθρέφτης, ο οποίος αντανακλά έναν τεράστιο αριθμό ανθρώπων που γεμίζουν το δωμάτιο. Απέναντι από αυτό το πλήθος, πίσω από το ράφι απορροφάται από τις σκέψεις της Bartamenta. Η Mana κατόρθωσε να μεταφέρει την αίσθηση της απίστευτης μοναξιάς στη μέση μιας κατανάλωσης, πρόθυμης, ομιλίας και καπνίσματος πλήθους, παρατηρώντας ένα ακροβάτες σε ένα τραπεζοειδές, το οποίο μπορεί να δει στην επάνω αριστερή γωνία της εικόνας.
Αν κοιτάξετε τα μπουκάλια στο μαρμάρινο μπαρ, μπορεί να σημειωθεί ότι η αντανάκλαση στον καθρέφτη δεν ταιριάζει με το πρωτότυπο. Η αντανάκλαση των μπάρμαν είναι επίσης εξωπραγματική. Φαίνεται ευθεία στον θεατή, ενώ στον καθρέφτη αντιμετωπίζει πρόσωπο με έναν άνδρα. Όλες αυτές οι ασυνέπειες κάνουν τον θεατή να σκεφτεί, τον πραγματικό ή φανταστικό κόσμο που απεικονίζεται Mana. Ο καθρέφτης, ο οποίος αντανακλά τα στοιχεία που απεικονίζονται στην εικόνα, συγγενείς "μπαρ στον Foli-Berger" με "Meninos" Velasquez και "Πορτρέτο του Αρφανφίνου Fau" Wang Eyka.
Περιγραφή της ζωγραφικής του Edward Mana "Bar στο Foli - Berger"
Αυτό το έργο τέχνης έχει κερδίσει μεγάλη φήμη. Μεταδίδει την καθημερινή ζωή που ρέει στο γαλλικό μητροπολιτικό χρόνο του XIX αιώνα. Ο καλλιτέχνης και ο ίδιος ήταν εδώ πολύ συχνά, που τον έκανε να πάρει το πινέλο.
Τι εξηγεί η Mana Treatres για να αδράνεια Pastime σε αυτό το καμπαρέ; Το πράγμα είναι ότι ο δημιουργός δεν μου άρεσε η ηρεμία, η σιωπή. Του άρεσε να διασκεδάσει, να επικοινωνούν, να διεξάγουν ειλικρινείς συνομιλίες, να συναντηθούν με τους ανθρώπους. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο ήταν τόσο χειροκίνητο ένας αχαλίνωτος τρόπος ζωής της μπύρας του Παρισιού.
Φαίνεται ότι ο καλλιτέχνης άρχισε να γράφει την εικόνα του απευθείας στο ίδρυμα. Αρχικά, καθόταν κοντά στη σκηνή, στη δεξιά πλευρά και έδειξε το σκίτσο. Στη συνέχεια, ζήτησε από τον Barmenta να στέκεται μπροστά του στη συνήθη θέσει - πίσω από το μπαρ, αλλά ήδη στον δημιουργικό συνεργείο.
Μετά το θάνατο του καλλιτέχνη, ανακαλύφθηκαν τα πρώτα έργα από αυτό το καμπαρέ. Αποδεικνύεται ότι η αρχική ιδέα της εικόνας ήταν κάπως διαφορετική. Θα έπρεπε να έχει απεικονιστεί από τους Bartenders και έναν νεαρό άνδρα - τον φίλο. Στάθηκαν μεταξύ τους και μίλησαν.
Ως αποτέλεσμα, αποδείχθηκε ένα άλλο: Barmetric στέκεται μπροστά από ένα πλήθος πελατών που είναι ορατά στον καθρέφτη που κρέμονται πίσω από αυτό. Είναι προσεκτική, διάσπαρτη, δεν ακούει τους ανθρώπους και τα όνειρα της δικής τους. Ωστόσο, την βλέπουμε αμέσως στα δεξιά, σαν να μιλάει το κορίτσι με έναν άνθρωπο που ήρθε στο μπαρ. Είναι ή άλλο μπάρμαν; Αυτή η ερώτηση παρέμεινε ανεξήγητη.
Ίσως το γεγονός ότι στον καθρέφτη είναι το γεγονός ότι στο κεφάλι των υπαλλήλων του καμπαρέα. Δηλαδή, η εμφάνιση των σκέψεών της, οι μνήμες μόλις τελευταία. Ο θεατής καταλαβαίνει: Το κορίτσι είναι μόνο, και υπάρχει ακόμα μια ζωή γύρω από αυτό. Acrobatka, μεθυσμένα πρόσωπα, χαρούμενοι πελάτες δεν ευχαριστούν το κορίτσι, είναι όλοι βυθισμένοι στις θλιβερές τους δυσκολίες. Αλλά δεν μπορεί να φύγει από εδώ, επειδή είναι δουλειά της. Το Defarmonia είναι.
Eduard Mana - Bar στο Foli-Berge 1882
Μπαρ σε φάουλ
1882g 96x130cm καμβά / λάδι
Το Ινστιτούτο Τέχνης, Λονδίνο, Ηνωμένο Βασίλειο
Από το βιβλίο του Reald John. "Ιστορία του ιμπρεσιονισμού"Στο σαλόνι του 1882, η Mane, βγαίνει τώρα από τον ανταγωνισμό, βάλτε μια μεγάλη εικόνα του μπαρ "Barger Bar", μια εντυπωσιακή σύνθεση που γράφτηκε με εξαιρετική δεξιοτεχνία. Κάποτε έδειξε και πάλι τη δύναμη της βούρτσας του, τη λεπτότητα των παρατηρήσεων και το θάρρος να μην ακολουθήσει το πρότυπο. Όπως και μια DEGI, συνέχισε να δείχνει ένα σταθερό ενδιαφέρον για τα θέματα της νεωτερικότητας (ήταν ακόμη και να γράψει έναν οδηγό σε μια ατμομηχανή), αλλά τους πλησίασε όχι ως ψυχρό παρατηρητή, αλλά με τον ζεστό ενθουσιασμό του ερευνητή των νέων φαινομένων της ζωής. Με την ευκαιρία, η Dega δεν ήθελε την τελευταία του εικόνα και την κάλεσε "βαρετό και εξελιγμένο". "Μπαρ στο Foli-Berger" κοστίζει τη Mana μεγάλη προσπάθεια, αφού άρχισε σοβαρά πάσχει από την Ατάξια. Ήταν απογοητευμένος όταν το ακροατήριο αρνήθηκε και πάλι να καταλάβει την εικόνα του, αντιλαμβάνοντας μόνο το οικόπεδο και όχι την ικανότητα εκτέλεσης.
Σε μια επιστολή προς τον Alberta Wolf, δεν μπορούσε να αντισταθεί διστακτικό να ακούσει, τελικά, δεν θα είχα τίποτα να διαβάσω τίποτα, ενώ ακόμα ζωντανός, το μαγευτικό άρθρο που γράφετε μετά το θάνατό μου. "
Μετά το κλείσιμο του σαλόνι, ο Mane τελικά δηλώθηκε επίσημα από την Cavalier της Επίτιμης Λεγεώνας. Ανεξάρτητα από το πόσο η χαρά του ήταν, κάποια πικρία αναμίχθηκε. Όταν ο κριτικός τον συγχαρώ γι 'αυτόν, και τον έδωσε επίσης τις καλύτερες ευχές του Count Ruverkerka, η Mana απάντησε απότομα: "Όταν γράφετε έναν αριθμό Ruverkerka, μπορείτε να του πείτε ότι εκτιμώ την προσοχή του, αλλά ότι ο ίδιος είχε την ευκαιρία να μου δώσει αυτό το βραβείο. Θα μπορούσε να με κάνει ευτυχισμένο, και τώρα είναι πολύ αργά για να αντισταθμίσει τα είκοσι χρόνια αποτυχίας ... "