Ποιες ανακαλύψεις έγιναν από ιμπρεσιονιστές. Σχολή Εγκυκλοπαίδεια
Ιμπρεσιονισμός(Impressentnisme, από την εντύπωση - την εντύπωση) - κατεύθυνση της τέχνης του τελευταίου τρίτου του XIX - η αρχή του 20ου αιώνα, προέρχεται από τη Γαλλία και στη συνέχεια εξαπλώθηκε σε όλο τον κόσμο, των οποίων οι εκπρόσωποι προσπάθησαν να συλλάβουν φυσικά το πραγματικό Κόσμος στην κινητικότητα και τη μεταβλητότητά του, μεταφέρετε τις εντυπώσεις τους.
1. Εξαίρεση από τις παραδόσεις ρεαλισμού (μη μυθολογικοί, βιβλικοί και ιστορικοί πίνακες, μόνο σύγχρονη ζωή).
2. Παρατήρηση και μελέτη της γύρω της πραγματικότητας. Όχι ό, τι βλέπει, αλλά όπως βλέπει από τη θέση της αντιληπμένης "οπτικής ουσίας των πραγμάτων"
3. Η καθημερινή ζωή της σύγχρονης πόλης. Ψυχολογία του πολίτη. Δυναμική της ζωής. Θερμοκρασία, ρυθμός ζωής.
4. "Επίδραση μιας τεντωμένης στιγμής"
5. Αναζητήστε νέες μορφές. Μικρά μεγέθη εργασίας (Enudes, περικοπή). Δεν είναι τυπικό, αλλά τυχαίο.
6. Σειρά ζωγραφικής (Monet "stack")
7. Νεωτελή του γραφικού συστήματος. Ανοίξτε το καθαρό χρώμα. Ανακούφιση, πλουσιότερη συλλογή αντανακλαστικών, τάπα.
8. Τα είδη ανάμειξης.
Eduard Mana - νεωτεριστής. Από κωφούς σφιχτά τόνους έως ελαφριά ζωγραφική. Κατακερματισμένες συνθέσεις.
"Ολυμπία"- Βασιστείτε στον Titian, Georgeon, Goya. Δημοσιεύτηκε από την Victoria Muhran. Το Vennel απεικονίζει σύγχρονα κόκορα. Στα πόδια μιας μαύρης γάτας. Η μαύρη γυναίκα παρουσιάζει ένα μπουκέτο. Σκούρο φόντο, ζεστό γυναικείο σώματος τόνο ως μαργαριτάρι σε μπλε φύλλα. Παραβιάζει τον όγκο. Δεν υπάρχει ασπρόμαυρη μοντελοποίηση.
"Πρωινό στο γρασίδι" - λογισμικό και δύο καλλιτέχνες + τοπίο + νεκρή φύση. Τα μαύρα συμβόλαια σχηματίζουν μια αντίθεση με ένα γυμνό σώμα.
"Φλαουτίστας" - την εντύπωση της μουσικής.
"Bar Foli Berger" -Κορίτσι - Bartamenta. Προηγούμενη ορμή. Μοναξιά μιας πόλης καπνίσματος. Τη φελλότητα της ευτυχίας. Βάλτε το σε ολόκληρο τον καμβά (απρόσιτο στις σκέψεις του, αλλά προσβάσιμα στους πελάτες των μπαρ). Η πλήρης αίθουσα των επισκεπτών είναι η εικόνα του κόσμου.
Claude monet -Αρνήθηκε την παραδοσιακή ακολουθία (δείγματα, lescing κ.λπ.) - Alya-Prima
"Εντύπωση. Αύξουσα ήλιο "-fiiria κίτρινο, πορτοκαλί, πράσινο. Σκάφος - οπτική προφορά. Φυστικό, ημιτελές τοπίο, κανένα περιγράμμα. Μεταβλητότητα του περιβάλλοντος φωτός. Οι ακτίνες του φωτός αλλάζουν το όραμα.
"Πρωινό στο γρασίδι" -Δασική άκρη, εντύπωση πικνίκ , Σκούρο πράσινο γάμμα με καφέ και μαύρη εισαγωγή. Το φύλλωμα είναι υγρό. Τα γυναικεία ρούχα και το τραπεζομάντιλο φωτίζονται, γεμάτες με αέρα, φως μέσα από το φύλλωμα.
"Boulevard Capuchin στο Παρίσι" -Θραυστήρα. Κόβει δύο άτομα που κοιτάζουν τη λεωφόρο από το μπαλκόνι. Πλήθος ανθρώπων - η ζωή της πόλης. Το μισό υπό το φως του ήλιου και του μισού στη σκιά του κτιρίου. Δεν υπάρχει οπτικό κέντρο, άμεση εντύπωση.
"Βράχοι στο Bel-Ile"- κυριαρχεί η κινητή μάζα του νερού (παχιά εγκεφαλικά επεισόδια). Οι αποχρώσεις του ουράνιου τόξου εφαρμόστηκαν έντονα. Οι βράχοι αντανακλώνται στο νερό και το νερό στα βράχια. Το αίσθημα των λειψάνων του στοιχείου, βρασμό πράσινου νερού. Σύνθεση με υψηλό ορίζοντα.
"Σταθμός Saint-Lazar" -Το εσωτερικό του σταθμού εμφανίζεται, αλλά περισσότερο ενδιαφέροντα η ατμομηχανή και ο ατμός, ο οποίος είναι παντού (πάθος για ομίχλη, μαρμελάδες λιλά).
Pierre Auguste Renoir - Ο καλλιτέχνης της χαράς, είναι γνωστός κατά κύριο λόγο ως κύριος ενός κοσμικού πορτρέτου, που δεν στερείται από το συναισθηματικό.
"Κούνια" - Διαπεραθέν με ζεστά χρώματα, η νεολαία εμφανίζεται, το κορίτσι εντυπωσιάζεται.
"Μπάλα στο Moulin de la Gallett" -Σκηνή του είδους. Ημέρα. Νέοι, φοιτητές, πωλητής IDR. Στα τραπέζια κάτω από τα δέντρα της ακακίας, η πλατφόρμα για χορούς. Φωτεινά υπερχείλιση (ηλιακά λαγουδάκια στις πλάτες).
"Πορτραίτο Zhanna Samari" -Γυναικεία λουλούδια. Καλαίσθητο, θηλυκό, χαριτωμένο, αγγίζοντας, άμεση ηθοποιός. Βαθιά μάτια, ελαφρύ ηλιόλουστο χαμόγελο.
"Πορτρέτο της κυρία Sharpiate με τα παιδιά" - Κομψή κοσμική γυναίκα σε μαύρο με φόρεμα τρένο και δύο κορίτσια σε μπλε χρώμα. Μετεκτό τραπέζι, σκύλος, παρκέ - όλα μιλούν για τον πλούτο της οικογένειας.
Edgar degas - Δεν έγραψε στην αιχμαλωσία, τη λατρεία των γραμμών και το σχέδιο. Συνθέσεις διαγώνια (από χαμηλότερη έως την κορυφή)). S-σχήμα, σπειροειδή σχήματα + παράθυρο από το οποίο φωτισμός + φωτισμός από το Sofit. Λάδι, στη συνέχεια κρεβάτι.
"Balteritsa", "χορευτές" - εισβάλλοντας μπαλαρίνες. Τα εγκεφαλικά επεισόδια συνδέουν το σχέδιο και τη ζωγραφική. Μόνιμη κατάρτιση ρυθμού.
"Μπλε χορευτές" - Καμία προσωπικότητα - ένα ενιαίο στεφάνι της Τηλ. Σε μια γωνία, το φως από το RAMD, και σε μια άλλη σκιά του Kulis. Η στιγμή είναι ακόμα ηθοποιούς και συνηθισμένοι άνθρωποι. Εκφραστικές σιλουέτες, φορέματα αραβοσίτου. Θραύσμα - χαρακτήρες δεν κοιτάζουν τον θεατή.
"Ύπνος" -Άνδρας και γυναίκα κάθονται σε ένα καφενείο. Ash Gamma. Ένας άνδρας με ένα σωλήνα κοιτάζει προς μια κατεύθυνση, και μια μεθυσμένη γυναίκα με μια αποσπασμένη εμφάνιση - μια νόστιμη μοναξιά.
Camille Pissarro -Είναι λάτρης των τοπίων, συμπεριλαμβανομένων των ανθρώπων σε αυτά, τα βαγόνια. Το κίνητρο του δρόμου με έλευση. Αγαπούσε την άνοιξη και το φθινόπωρο.
"Είσοδος στο χωριό Voisen"- Μη εδάφη, μαλακό τοπίο, δέντρα κατά μήκος του δρόμου - καταπολέμηση της καταπολέμησης, τα κλαδιά τους αναμιγνύονται, διαλύονται στον ουρανό. Αργά, πηγαίνει ήσυχα άλογο. Τα σπίτια δεν είναι μόνο αρχιτεκτονικά αντικείμενα, αλλά οι κατοικίες για τους ανθρώπους (θερμές πρίζες).
"Opera Pass στο Παρίσι" (Σειρά) - Ημέρα σύννεφων θείου. Οι στέγες είναι ελαφρώς σφραγισμένες με χιόνι, υγρή γέφυρα, τα κτίρια πνίγονται στο πέπλο χιονιού, οι περαστικοί με ομπρέλες μετατρέπονται στη σκιά. Υγρό περιβλήματος ζωγραφικής αέρα. Lilac μπλε, αποχρώσεις ελιάς. Μικρά κηλίδες.
Alfred Sisley - προσπάθησε να παρατηρήσει την ομορφιά της φύσης, την επική ηρεμία, εγγενή σε ένα αγροτικό τοπίο.
"Frost στο Luvurezenne" -Το πρωί, τα φρέσκα γυαλιά λούζονται στο φως (συγχώνευση). Δεν υπάρχουν σκιές (τις καλύτερες αποχρώσεις), τα κίτρινα-πορτοκαλί χρώματα. Ήρεμη γωνία, όχι μια βιαστική πόλη. Αίσθηση καθαριότητας, ευθραυστότητα, αγάπη για αυτό το μέρος
Στη Ρωσία, ιμπρεσιονισμός. αναπτύσσεται σε μεταγενέστερο χρόνο και επιταχυνόμενα ποσοστά από ό, τι στη Γαλλία
V. Serov -Αδιάφορη για το ακαδημαϊκό σχέδιο θέλει να δείξει την ομορφιά της φύσης στο χρώμα.
"Κορίτσι με ροδάκινα"- Πορτρέτο ενός μαμούθ τρυπάνι. Όλα είναι φυσικά και άνετα, κάθε λεπτομέρεια συνδέεται ένα από το άλλο. Η γοητεία του παρθένου προσώπου, η ποίηση της εικόνας της ζωής, το ελαφρύ κορεσμένο πολύχρωμο ζωγραφική. Η ομορφιά και η φρεσκάδα του etude, δύο τάσεις συνδυάστηκαν βιολογικά, δύο δυνάμεις σχημάτισαν μια ενιαία μορφή εικονογραφικής όρασης. Όλα φαίνονται τόσο απλά και φυσικά, αλλά πόσο σε αυτή την απλότητα του βάθους και της ακεραιότητας !! Με την οριακή εκφραστικότητα του V. Serov, το φως μεταφέρθηκε, που ρέει με μια ασημένια ροή από το παράθυρο και το δωμάτιο πλήρωσης. Το κορίτσι κάθεται στο τραπέζι και δεν είναι απασχολημένος τίποτα, σαν να κάθισε πραγματικά σε μια στιγμή, πήρε μηχανικά ένα ροδάκινο και τον κρατάει, σε κοιτάζοντας απλά και ειλικρινά. Αλλά αυτό είναι μόνο ένα λεπτό, και μέσα του διστάζει το πάθος για την κίνηση οδήγησης.
"Παιδιά" - Εμφανίζει τον πνευματικό κόσμο των παιδιών (γιοι). Το μεγαλύτερο κοιτάζει το ηλιοβασίλεμα και ο νεότερος που αντιμετωπίζει ο θεατής. Διαφορετική ζωτικότητα.
"Mika Morozov" - κάθεται στην καρέκλα, αλλά κυλά στον θεατή. Το συναίσθημα των παιδιών μεταδίδεται.
"Χορστεστερί" - Σκίτσο. Γράφει βούρτσα ζουμερά χτυπήματα, τα ευρεία εγκεφαλικά επεισόδια στο φύλλωμα, τα κηλίδες είναι κατακόρυφα, στη συνέχεια οριζόντια και διαφορετικά στην υφή ⇒ δυναμισμό, τον αέρα και το φως. Ο συνδυασμός της φύσης και των κοριτσιών, της φρεσκισίας, της αμεσότητας.
"Παρίσι. Kapuchin Boulevard "-motley καλειδοσκόπιο χρώματα. Τεχνητός φωτισμός - Ψυχαγωγία, διακοσμητικότητα Θεατρική.
Ι.E. Grabar -Λόβα, συναισθηματική αρχή.
« Φεβρουάριος Azure " - Είδα μια σημύδα από το επίπεδο του εδάφους και ήταν συγκλονισμένος. Τα χτυπήματα του ουράνιου τόξου είναι ενωμένες από τον ουρανό με τον ουρανό. Η Birch είναι μνημειώδης (σε όλους τους καμβά).
"Martov χιόνι" - Το κορίτσι φέρει έναν κάδο στο rocker, σκιά από το δέντρο στο χιονισμένο χιόνι.
Ο ιμπρεσιονισμός άνοιξε νέα τέχνη - είναι σημαντικό ως καλλιτέχνης, νέες μορφές και μεθόδους σίτισης. Έχουν μια στιγμή, έχουμε ένα τελετουργικό χρόνο. Έχουμε λιγότερη δυναμική, πιο ρομαντισμό.
Mana Πρωινό στο γρασίδι Ολυμπία
Mana "Bar Foli Berger Χαίτη Φλαουτίστας"
Μνημείο "Εντύπωση. Αύξουσα ήλιο Mone "Πρωινό στο γρασίδι" - "Boulevard Kapuchin στο Παρίσι"
Monet "βράχια στο Bel-Ile»MONET "Σταθμός Saint-Lazar
Monet "Kapuchin Boulevard στο ΠαρίσιΝεώτερος"Κούνια"
Νεώτερος "Μπάλα στο Moulin de la Gallett" Renoir "Πορτρέτο της Zhanna Samari"
Renoir "Πορτρέτο της κυρία Sharpiate με τα παιδιά"
Degas "Μπλε χορευτές" Degas "Αναπληρωμή"
Pissarro -"Opera Pass στο Παρίσι" (Σειρά) Pissarro "Είσοδος στο χωριό Voisen»
Σημένιος "Frost στο Luvuresenne" Serov "κορίτσι με ροδάκινα"
Serov "Παιδιά" του Serov "Mika Morozov"
Korovin "Chorestka" Korovin "Παρίσι. Kapuchin Boulevard "
Grabar "Φεβρουάριος Azure" Grabar "Martov Snow"
Ιμπρεσιονισμός- την κατεύθυνση της τέχνης του τελευταίου τρίτου του XIX - την αρχή του 20ου αιώνα, προέρχεται από τη Γαλλία και στη συνέχεια εξαπλώθηκε σε ολόκληρο τον κόσμο, των οποίων οι εκπρόσωποι του οποίου επεδίωξαν το πιο φυσικό και περιττό να συλλάβουν τον πραγματικό κόσμο στην κινητικότητα και τη μεταβλητότητά του, να μεταφέρουν τις εντυπώσεις τους. Συνήθως, υπό τον όρο "ιμπρεσιονισμός" σημαίνει μια κατεύθυνση στη ζωγραφική, αν και οι ιδέες του βρήκαν επίσης την ενσωμάτωσή τους στη λογοτεχνία και τη μουσική.
Ζωγραφική.
Ο ιμπρεσιονισμός προέρχεται από τη Γαλλία κατά το δεύτερο εξάμηνο του 19ου αιώνα. Οι νέοι καλλιτέχνες ήθελαν να ξεπεράσουν την κλασική ζωγραφική. Αυτό δεν ήταν τόσο εύκολο: καμία κριτική, ούτε το κοινό θέλησε να τραβήξει φωτογραφίες, τόσο διαφορετικά από τη συνήθη ακαδημαϊκή ζωγραφική στο "αντίκες" στυλ.
Οι εικόνες των καλλιτεχνών της νέας κατεύθυνσης και δεν μετράνε για τους πίνακες, ήταν τόσο παρόμοιες με τα γρήγορα σκίτσα.
Αλλά αυτή ήταν η ουσία του νέου προορισμού - να πιάσει τη στιγμή, να δείξει τη ζωή σαν να είναι. Τα οικόπεδα των ιμπρεσιονιστών δεν καταλήγουν, τα παίρνουν από την καθημερινή ζωή: αυτό είναι όλο που μπορεί να δει κάποιον, μόνο να βγαίνει.
Οι καλλιτέχνες άρχισαν να χρησιμοποιούν μια εντελώς νέα τεχνική σχεδίασης. Τα χρώματα στο καβαλέτο δεν αναμειγνύονται και ήταν επικαλυπτόμενα στον καμβά με ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια. Επομένως, για να κάνετε μια ολιστική ιδέα της εικόνας, θα πρέπει να λαμβάνονται υπόψη από μικρή απόσταση, και όχι κοντά. Με τέτοια αντίληψη, τα σαφή ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια κινούνται ομαλά μεταξύ τους και υπάρχει μια ιδέα της εικόνας.
Σε αντίθεση με τους δασκάλους του παρελθόντος, οι ιμπρεσιονιστές δεν λειτουργούσαν στα εργαστήρια, τερματίζοντας και τροποποιούν τα σκίτσα τους εκεί. Είναι μεταξύ των οποίων η δημοφιλής τεχνολογία ταινιών γίνεται μια δημοφιλής τεχνική - δηλαδή, ανοιχτά έργα. Οι καλλιτέχνες που ισοδυναμούσαν στα προάστια (οι βρύσες του Fontainblo ήταν ιδιαίτερα δημοφιλείς), όπου σκιαγραφεί το πικνίκ ή απεικόνισε τις σκηνές της ζωής του Παρισιού: ο Monet και η Renoir συχνά απεικονίζονται σκηνές στα αναχώματα του Σηκουάνα, μια σειρά από πίνακες Renoire από το Moulin de la La La La Το La La La La La La Galet είναι επίσης γνωστό.
Αλλά μακριά από πάντα οι ιμπρεσιονιστές ενδιαφέρονται για τους ανθρώπους ή τη φύση. Ήταν πολύ πιο ενδιαφέρον να μεταδώσει, για παράδειγμα, η κίνηση του αέρα ή η πτώση των ακτίνων του ήλιου. Για παράδειγμα, στην εικόνα του σιδηροδρομικού σταθμού Saint-Lazar, το κύριο θέμα της εικόνας δεν είναι καν ο σταθμός ή το τρένο, και καπνίζουν ότι οι λέσχες αυξάνονται από το σωλήνα καπνίσματος.
Το νέο μάθημα διέφερε από την ακαδημαϊκή ζωγραφική, τόσο σε τεχνικούς όσο και σε ιδεολογικές όρους. Πρώτα απ 'όλα, οι ιμπρεσιονιστές αρνήθηκαν το περίγραμμα, αντικαθιστώντας το με μικρά ξεχωριστά και αντίθετα εγκεφαλικά επεισόδια. Η ηλιοθεραπεία χωρίζεται στα εξαρτήματα: μοβ, μπλε, μπλε, πράσινο, κίτρινο, πορτοκαλί, κόκκινο, αλλά δεδομένου ότι το μπλε είναι ένα είδος μπλε, τότε ο αριθμός τους μειώνεται σε έξι. Δύο χρώματα που βρίσκονται κοντά ενισχύουν ο ένας τον άλλον και, αντίθετα, όταν αναμιγνύονται, χάνουν την ένταση. Επιπλέον, όλα τα χρώματα χωρίζονται σε πρωτογενή ή βασικά και διπλά και παράγωγα, με κάθε διπλή βαφή είναι επιπλέον στην πρώτη:
Μπλε - πορτοκαλί
κόκκινο πράσινο
Κίτρινο - μοβ
Σε γενικές γραμμές, στο ύφος του ιμπρεσιονισμού, πολλοί δάσκαλοι εργάστηκαν, αλλά η βάση του κινήματος ήταν ο Eduar Mana, Claude Monet, Auguste Renoir, Degas. Ωστόσο, η Manne πάντα κάλεσε έναν «ανεξάρτητο καλλιτέχνη» και ποτέ δεν συμμετείχε σε εκθέσεις, και η Degi, αν και δεν έγραψε ποτέ το έργο του στο Πλνένουλη.
Καλλιτέχνες. (Πολλοί, αλλά εν συντομία γνωρίζουν τη δημιουργικότητά τους)
Πόσο οργανικά συγχωνεύονται στην τέχνη των ιμπρεσιονιστών της παράδοσης και της καινοτομίας, υποδεικνύει, πάνω απ 'όλα, το έργο ενός εξαιρετικού ζωγράφου του XIX αιώνα Eduar άνθρωπος. Εν τω μεταξύ, σε αυτά τα έργα, όπως στο μέλλον, το έργο τους, ο καλλιτέχνης βασίζεται στην εμπειρία της κλασικής τέχνης. Σε μια προσπάθεια να κατανοήσουμε αισθητικά τη σύγχρονη ζωή, η Mana χρησιμοποιεί μαγευτικά συστήματα σύνθεσης των ζωγράφων της Αναγέννησης, ξεκινώντας από τον Georgeon και Titian και μέχρι το Velasquez και τη Γιάνα. Οι πίνακές του, μια σειρά από πορτρέτα και άλλα έργα της δεκαετίας του 1860 γράφονται με παραδοσιακό γραφικό τρόπο, αν και η επιθυμία να ανοίξει χρώμα και φυσικός φωτισμός έχει ήδη αισθανθεί εδώ. Αργότερα, η παλέτα Mana γίνεται αισθητά ελαφρύτερα. Ένας από τους πρώτους, άρχισε να γράφει σε ένα καθαρό λευκό έδαφος, στη συνέχεια "φόρτωση" του ζουμερά λαμπερά έλικα των φωτεινών ηλιακών χρωμάτων, στη συνέχεια, καλύπτοντας τα καλύτερα ημίτονα των ευγενών ροζ και γκρίζες αποχρώσεις. Έλαβε ένα δώρο για να μεταφέρει τον άπειρο πλούτο των χρωμάτων και του ζωντανού τείχους του αντικειμενικού κόσμου, ο οποίος ήταν ιδιαίτερα σαφώς εκδηλωμένος στη νεκρή φύση - «κανένας από τους σύγχρονους της Mana δεν μπορούσε να γράψει ακόμα τη ζωή καλύτερη από ό, τι η« καινοτομία »ήταν αυτή Κατάφερε να εξετάσει έναν νέο τρόπο, αμερόληπτα να εξετάσει την περιβαλλοντική πραγματικότητα και να επεκτείνει τον κύκλο των φαινομένων στις οποίες απευθύνονται οι εικαστικές τέχνες. Δεν φοβόταν να κάνει το αντικείμενο της πραγματικής τέχνης και να ενσωματώσει στις τέλειες εικονογραφικές μορφές τέτοιων πτυχών της ζωής και των ανθρώπινων σχέσεων, από τους οποίους οι καλλιτέχνες στρέφονται ή δεν τους προσέχουν.
Στο κέντρο της τέχνης Edgar degas Πάντα στάθηκε ένας άνθρωπος, ενώ το τοπίο, σχεδόν το κορυφαίο είδος των ιμπρεσιονιστών, δεν έπαιξε στο έργο του σημαντικού ρόλου. Μεγάλος θαυμαστής του Engra, έδωσε μια εξαιρετική αξία του σχεδίου. Στην Ιταλία, θαύμαζε η Μαντένι, από τους γάλλους καλλιτέχνες ενδιαφέρονται για την Pussen και αντιγράφηκαν οι πίνακές του. Ο Degas περνάει υπό την επίδραση της Mana στην εικόνα των σκηνών της σύγχρονης ζωής. Τα κύρια θέματα του είναι ο κόσμος του μπαλέτου και των ιπποδρομιών, μόνο σε σπάνιες περιπτώσεις, ξεπερνά τα όριά τους, στρέφοντας τη ζωή της Βοημίας του Παρισιού, που απεικονίζουν τους τρόπους, τις λεκέδες και τις πλύσεις. Η καινοτομία της παραμόρφωσης στη μετάδοση της κίνησης είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με την εξουσιοδότηση της. Είναι ακόμη ισχυρότερη από αυτή της Μάννα, δεν είναι απαραίτητη, η πιθανότητα, η βαρύτητα ενός ξεχωριστού επεισοδίου από το ρεύμα της ζωής. Φτάνει αυτή την απροσδόκητη ασυμμετρία και την ασυνήθιστη άποψη (συχνά από πάνω ή δίπλα, υπό γωνία), την "απεριστροφή" του χώρου, σαν να διασκορπίζεται στον καθρέφτη, εκφραστική cadry και τολμηρή περικοπή πλαισίων. Αυτό το αίσθημα της φυσικότητας και της πλήρους ελευθερίας κατακτήθηκε από σκληρή εργασία, ακριβή υπολογισμό και προσθήκη σύνθετης κατασκευής.
Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς μια μεγάλη αντιμέθη της τέχνης της DEGI από τη ζωγραφική Auguste Renoara Ένας από τους πιο ηλιόλουστες και επιβεβαιωμένους καλλιτέχνες της Γαλλίας, το οποίο ο Α.ν. Lunacharsky κάλεσε τον ζωγράφο της ευτυχίας. Τα υψηλότερα εκτεταμένα επιτεύγματα συνδέονται με την εικόνα των γυναικών και των παιδιών. Ο αγαπημένος του τύπος - γυναίκες με υπέροχες μορφές, πρήξιμο χείλη, κόμπους μύτη και γοητευτικά μάτια χωρίς περιττές. Τους γράφει ντυμένος και γυμνός, στο δρόμο στη βροχή, σε μια κούνια στον κήπο, κατά τη διάρκεια κολύμβησης ή πρωινό με μαυρισμένα πλοία. Τα μοντέλα του - κορίτσια από τους ανθρώπους και τους φτωχούς συνήθεις, υγιείς και φρέσκες, χωρίς να γνωρίζουν το κορσέ και όχι ντροπαλός από το γυμνό τους
Λεπτομέρειες Κατηγορία: Μια ποικιλία από στυλ και οδηγίες στην τέχνη και τα χαρακτηριστικά τους που δημοσιεύονται 04.01.2015 14:11 Προβολές: 11081Ο ιμπρεσιονισμός είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη που προέκυψε κατά το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Ο κύριος στόχος του ήταν η μεταφορά φευγαλέων, μεταβλητών εντυπώσεων.
Η εμφάνιση του ιμπρεσιονισμού συνδέεται με την επιστήμη: με τις τελευταίες ανακαλύψεις οπτικών και θερμού χρώματος.
Αυτή η κατεύθυνση άγγιξε σχεδόν όλα τα είδη τέχνης, αλλά ήταν πιο έντονα εκδηλωμένη στη ζωγραφική, όπου η μεταφορά χρώματος και φωτός ήταν η βάση της δημιουργικότητας των καλλιτεχνών-ιμπρεσιονιστών.
Την αξία του όρου
Ιμπρεσιονισμός (FR. ImpressionNisme) από την εντύπωση - εντύπωση). Αυτό το στυλ ζωγραφικής εμφανίστηκε στη Γαλλία στο τέλος της δεκαετίας του 1860. Εκπροσωπήθηκε από τον Claude Monet, Renoir Auguste, Camille Pissarro, Berta Morizo, Alfred Sisley, Jean Frederick Basiall. Αλλά ο ίδιος ο όρος εμφανίστηκε το 1874, όταν η εικόνα έδειξε την εικόνα της εντύπωσης Monet ". Αύξουσα ήλιο "(1872). Στον τίτλο της ταινίας, η Monte σήμαινε ότι αναφέρει μόνο την εντύπωση του για το τοπίο.
Κ. MONET "εντύπωση. Sunrise "(1872). Μουσείο Marmotan Monet, Παρίσι
Αργότερα, ο όρος "ιμπρεσιονισμός" στη ζωγραφική άρχισε να γίνεται κατανοητό ευρύτερο: προσεκτική μελέτη της φύσης όσον αφορά το χρώμα και τον φωτισμό. Ο σκοπός των ιμπρεσιονιστών ήταν μια εικόνα της στιγμιαίας, σαν "τυχαίες" καταστάσεις και κινήσεις. Για να γίνει αυτό, χρησιμοποιήθηκαν διάφορες τεχνικές: σύνθετες γωνίες, ασυμμετρία, θραύσμα συνθέσεων. Η ζωγραφική των καλλιτεχνών-ιμπρεσιονιστές γίνεται σαν μια παγωμένη στιγμή του συνεχώς μεταβαλλόμενου κόσμου.
Καλλιτεχνική μέθοδος ιμπρεσιονιστών
Τα πιο δημοφιλή είδη ιμπρεσιονιστών είναι τοπία και σκηνές από την αστική ζωή. Έγραψαν πάντα "στο Plenager", δηλ. Απευθείας από τη φύση, στη φύση, χωρίς σκίτσα και προκαταρκτικά σκίτσα. Οι ιμπρεσιονιστές παρατήρησαν και γνώριζαν πώς να μεταδίδουν χρώματα και αποχρώσεις σε καμβά, συνήθως αόρατο με ένα απλό μάτι και ένα απρόσεκτο θέαμα. Για παράδειγμα, η μετάδοση του μπλε στις σκιές ή το ροζ βρίσκεται κατά το ηλιοβασίλεμα. Αποσυνθέτουν σύνθετους τόνους στο καθαρό φάσμα χρώματος τους. Από αυτό, η ζωγραφική τους ελήφθη φωτεινό και τρέμωμα. Οι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές χρωμάτων τοποθετήθηκαν σε ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια, με έναν ελεύθερο και ακόμη και αμελητικό τρόπο, οπότε οι πίνακές τους είναι καλύτεροι για να κοιτάξουν σε απόσταση - είναι με μια τέτοια ματιά ότι δημιουργείται η επίδραση της ζωντανής εμφάνισης των χρωμάτων.
Οι ιμπρεσιονιστές εγκατέλειψαν το περίγραμμα, αντικαθιστώντας το με μικρά ξεχωριστά και αντίθετα εγκεφαλικά επεισόδια.
Κ. Pisserro, Α. Sisley και K. Monet Προτιμώμενα τοπία και σκηνές πόλης. Ο Renoir αγάπησε να απεικονίσει τους ανθρώπους στην αγκαλιά της φύσης ή στο εσωτερικό. Ο γάλλος ιμπρεσιονισμός δεν έθεσε φιλοσοφικά και κοινωνικά προβλήματα. Δεν ισχύουν για βιβλικά, λογοτεχνικά, μυθολογικά, ιστορικά οικόπεδα που ήταν εγγενή στον επίσημο ακαδημαϊκό. Αντίθετα, μια εικόνα της καθημερινής ζωής και της νεωτερικότητας εμφανίστηκε στα γραφικά έλικα. Εικόνα των ανθρώπων σε κίνηση κατά τη διάρκεια της ανάπαυσης ή της ψυχαγωγίας. Οι κύριες ιστορίες τους φλερτάρουν, χορεύουν, άνθρωποι σε καφετέρια και θέατρο, βόλτες, παραλίες και κήπους.
Οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να πιάσουν μια μπερδεμένη εντύπωση, τις μικρότερες αλλαγές σε κάθε θέμα ανάλογα με τον φωτισμό και την ώρα της ημέρας. Από την άποψη αυτή, τα υψηλότερα επιτεύγματα μπορούν να θεωρηθούν οι κύκλοι της "στοίβας" στοίβα του καθεδρικού ναού της Ruenan και το Κοινοβούλιο του Λονδίνου.
Κ. MONET "καθεδρικός ναός στο Ruang στον ήλιο" (1894). Μουσείο Orsay, Παρίσι, Γαλλία
Ο καθεδρικός ναός Ruan είναι ένας κύκλος 30 φωτογραφιών του Claude Monet, οι οποίοι είναι οι τύποι καθεδρικού ναού, ανάλογα με την εποχή της ημέρας, του έτους και του φωτισμού. Αυτός ο κύκλος γράφτηκε από τον καλλιτέχνη στη δεκαετία του 1890. Ο καθεδρικός να τον επέτρεψε να δείξει τη σχέση μεταξύ σταθερής, σταθερής, κατασκευής δομής και αλλαγής, εύκολα να παίζει φως, αλλάζοντας την αντίληψή μας. Μόντε συμπυκνώνεται σε ξεχωριστά θραύσματα του γοτθικού καθεδρικού ναού και επιλέγει την πύλη, τον πύργο του Αγίου Μαρτίνου και τον Πύργο του Άλμπαν. Ενδιαφέρεται μόνο στο παιχνίδι του φωτός στην πέτρα.
Κ. Monet "Ruran Cathedral, Western Portal, Misty Weather" (1892). Μουσείο OSA, Παρίσι
Κ. MONET "καθεδρικός ναός Ruan, πύλη και πύργος, πρωινή επίδραση. Λευκή αρμονία "(1892-1893). Μουσείο OSA, Παρίσι
Κ. Monet "Ruran Cathedral, πύλη και πύργος στον ήλιο, αρμονία του μπλε και του χρυσού" (1892-1893). Μουσείο OSA, Παρίσι
Μετά τη Γαλλία, οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες εμφανίστηκαν στην Αγγλία και στις ΗΠΑ (ο James Whistler), στη Γερμανία (Max Lieberman, Corintov, στην Ισπανία (Joaquin Sriva), στη Ρωσία (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).
Για το έργο ορισμένων καλλιτεχνών-ιμπρεσιονιστές
Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet, φωτογραφία 1899
Γάλλος ζωγράφος, ένας από τους ιδρυτές του ιμπρεσιονισμού. Γεννήθηκε στο Παρίσι. Το σχέδιο ήταν λάτρης της παιδικής ηλικίας, στα 15 χρονών έδειξε τον εαυτό του έναν ταλαντούχο γελοιογράφο. Εισήχθη στην ζωγραφική τοπίου, ο Eugene Budyon είναι ένας γαλλικός καλλιτέχνης, ο προκάτοχος του ιμπρεσιονισμού. Αργότερα, ο Monet εισήλθε στο πανεπιστήμιο στη Σχολή Τεχνών, αλλά απογοητευμένος και άφησε τον, εγγράφοντας στο στούντιο της ζωγραφικής του Charles Gleira. Στο στούντιο, συναντήθηκε με τους καλλιτέχνες του Auguste Renoir, Alfred Sisley και Frederic Basil. Ήταν πρακτικά ομότιμοι, τηρήθηκαν σε παρόμοιες απόψεις για την τέχνη και σύντομα έκαναν τη ραχοκοκαλιά μιας ομάδας ιμπρεσιονιστών.
Ο Monet Fame έφερε ένα πορτρέτο της Camilla Donzia, γραμμένο το 1866 ("Camilla ή ένα πορτρέτο μιας κυρίας σε ένα πράσινο φόρεμα"). Η Camilla το 1870 ήταν η σύζυγος του καλλιτέχνη.
Κ. Mona "Camilla" ("Κυρία στο Πράσινο") (1866). Kunsthalla, Βρέμη.
Κ. Mone "Walk: Camilla Monet με γιο Jean (γυναίκα με ομπρέλα)" (1875). Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσινγκτον
Το 1912, οι γιατροί έβαλαν τη διάγνωση του Κ. Monet των διπλά καταρράκτη, έπρεπε να μεταφέρει δύο επιχειρήσεις. Έχοντας χάσει τον φακό του στο αριστερό μάτι, ο Monet απέκτησε και πάλι το θέαμα, αλλά άρχισε να βλέπει το υπεριώδες χρώμα ως μπλε ή μοβ χρώμα, γι 'αυτό και οι πίνακές του έχουν κερδίσει νέα χρώματα. Για παράδειγμα, αντλώντας τα διάσημα "νούφαρα", ο Monet είδε το Lily Bluish στην υπεριώδη περιοχή, για άλλους ανθρώπους που ήταν απλά λευκοί.
Κ. Monte "Νερού"
Ο καλλιτέχνης πέθανε στις 5 Δεκεμβρίου 1926 στο Giverni και θάφτηκε στο τοπικό νεκροταφείο της εκκλησίας.
Camille Pissarro (1830-1903)
Κ. Pissarro "Αυτοπροσωπογραφία" (1873)
Γάλλος ζωγράφος, ένας από τους πρώτους και πιο συνεπούς εκπροσώπους του ιμπρεσιονισμού.
Γεννήθηκε στο νησί του Αγίου Θωμά (Δυτική Ινδία), στην αστική οικογένεια του Jeri Sefard και των ντόπιων της Δομινικανής Δημοκρατίας. Έως 12 χρόνια ζούσαν στις Δυτικές Ινδίες, σε ηλικία 25 ετών, μαζί με όλη την οικογένεια μετακόμισε στο Παρίσι. Εδώ σπούδασα στη Σχολή Καλών Τεχνών και στην Ακαδημία Suis. Οι δάσκαλοί του ήταν Camille Coro, Gustave Kourbe και Charles Francois Konach. Ξεκίνησε με αγροτικά τοπία και είδη του Παρισιού. Το Pissarro είχε ισχυρή επιρροή στους Impressionists, έχοντας ανεξάρτητα πολλές αρχές με βάση το στυλ ζωγραφικής τους. Ήταν φίλοι με τους καλλιτέχνες της Degas, Cezanne και Gajn. Ο Pizarro ήταν ο μόνος συμμετέχων σε όλες τις 8 εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών.
Πέθανε το 1903 στο Παρίσι. Ήταν θαμμένος στο νεκροταφείο ανά Lashez.
Ήδη σε πρώιμες εργασίες, ο καλλιτέχνης προσέφερε ιδιαίτερη προσοχή στην εικόνα των φωτεινών αντικειμένων στον αέρα. Το φως και ο αέρας έχουν γίνει το κορυφαίο θέμα στο έργο του Pisserro.
Κ. Pisserro "Boulevard Montmartre. Το απόγευμα, ηλιόλουστο "(1897)
Το 1890, το Pizarro εισήχθη από την τεχνική του αιχμηρίου (ξεχωριστή επικάλυψη των επιχρισμάτων). Αλλά μετά από λίγο επέστρεψε στο συνηθισμένο τρόπο του.
Τα τελευταία χρόνια της ζωής, το Camille Pissarpo χαλασμένο όραμα. Αλλά συνέχισε να εργάζεται και δημιούργησε μια σειρά από είδη του Παρισιού γεμάτο καλλιτεχνικά συναισθήματα.
Κ. Pissarro "Street στο Ruang"
Η ασυνήθιστη προοπτική μερικών από τις καμβά του εξηγείται από το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης τους έγραψε από τα δωμάτια του ξενοδοχείου. Αυτή η σειρά έχει γίνει ένα από τα υψηλότερα επιτεύγματα του ιμπρεσιονισμού στη μετάδοση φωτός και ατμοσφαιρικών επιδράσεων.
Το Pissarro έγραψε επίσης ακουαρέλα και δημιούργησε μια σειρά από χαρακτικά και λιθογραφίες.
Εδώ είναι μερικές από τις ενδιαφέρουσες δηλώσεις του σχετικά με την τέχνη του ιμπρεσιονισμού: "Impressionsists στο σωστό μονοπάτι, η τέχνη τους είναι υγιής, βασίζεται σε αισθήσεις και είναι ειλικρινής."
"Ευτυχισμένος που μπορεί να δει ομορφιά σε συνηθισμένα πράγματα, όπου άλλοι δεν βλέπουν τίποτα!"
Κ. Pissarro "First Frost" (1873)
Ρωσικός ιμπρεσιονισμός
Ο Ρώσος ιμπρεσιονισμός έχει αναπτυχθεί από το τέλος του 19ου αιώνα XX του XIX. Επηρέασε τον αντίκτυπο της δημιουργικότητας των γαλλικών ιμπρεσιονιστών. Αλλά ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός έχει προφέρει εθνικές ιδιαιτερότητες και δεν συμπίπτει σε μεγάλο βαθμό με τις σαρωτικές ιδέες για τον κλασικό γαλλικό ιμπρεσιονισμό. Στη ζωγραφική των ρωσικών ιμπρεσιονιστών κυριαρχούσαν ουσία, σημαντικότητα. Έχει μια μεγάλη έννοια φόρτωσης και λιγότερη δυναμικότητα. Ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός είναι πιο κοντά από τους Γάλλους, στον ρεαλισμό. Οι γάλλοι ιμπρεσιονιστές επικεντρώθηκαν στην εντύπωση για το τι είδαν και οι Ρώσοι πρόσθεσαν και έδειξαν την εσωτερική κατάσταση του καλλιτέχνη. Το έργο έπρεπε να ολοκληρωθεί σε μία συνεδρία.
Μερικές από την ατέλεια του ρωσικού ιμπρεσιονισμού δημιουργεί μια "συγκίνηση ζωής", η οποία ήταν χαρακτηριστική από αυτά.
Ο Impressionism αναφέρεται στο έργο των ρωσικών καλλιτεχνών: Α. Αρκπικόφ, Ι. Γκάρβαρ, Κ. Κοροβινα., Φ. Μαλυαβίνα, Ν. Μπιχέρνα, Α. Murashko, V. Serov, Α. Rylova, και άλλοι.
V. Serov "Κορίτσι με ροδάκινα" (1887)
Αυτή η εικόνα θεωρείται το σημείο αναφοράς του ρωσικού ιμπρεσιονισμού στο πορτρέτο.
Valentin Serov "κορίτσι με ροδάκινα" (1887). Καμβά, λάδι. 91 × \u200b\u200b85 cm. Κρατική γκαλερί tretyakov
Η εικόνα γράφτηκε στο Estate Savva Ivanovich Mamontov στο Abramtsevo, το οποίο απέκτησε από την κόρη του συγγραφέα Σεργκέι Aksakov το 1870. Το πορτρέτο δείχνει μια 12χρονη βέρα Mamontov. Το κορίτσι σχεδιάζεται κάθεται στο τραπέζι. Σε αυτό, μια ροζ μπλούζα με ένα σκούρο μπλε τόξο. Στο μαχαίρι του τραπεζιού, τα ροδάκινα και τα φύλλα.
"Το μόνο που έχω επιτύχει είναι η φρεσκάδα, η ειδική φρεσκάδα που αισθάνεστε πάντα σε είδος και δεν βλέπετε στους πίνακες. Έγραψα για περισσότερο από ένα μήνα και τη Σμύρνη της, φτωχός, να θάνατος, ήθελα πραγματικά να διατηρήσω τη φρεσκάδα της ζωγραφικής με πλήρη πληρότητα, η οποία είναι σαν τους παλιούς δασκάλους "(V. Serov).
Ιμπρεσιονισμός σε άλλους τύπους τέχνης
Στη λογοτεχνία
Στη λογοτεχνία, ο ιμπρεσιονισμός ως ξεχωριστή κατεύθυνση δεν λειτούργησε, αλλά τα χαρακτηριστικά του αντανακλούσαν Νατουραλισμός και Συμβολισμός .
Edmond και Jules Gangra. Η φωτογραφία
Αρχές Νατουραλισμός Θεωρείται στα μυθιστορήματα των αδελφών Gangur και του George Eliot. Αλλά ο πρώτος όρος "φυσιολογικός" χρησιμοποιείται για να ορίσει τη δική του δημιουργικότητα emil Zol. Συγγραφείς Gi de Maupassan, Alfons Dodé, Gyuismans και Paul Alexis. Μετά την απελευθέρωση της συλλογής "Medansky Vallings" (1880) με τις ειλικρινείς ιστορίες σχετικά με τις καταστροφές του Franco-Prussian War (συμπεριλαμβανομένου του Mopassanov Tale "Pysk") το όνομα του "Medan Group" ανατέθηκε.
Emil zol
Η φυσιολογική αρχή στη λογοτεχνία συχνά επικρίθηκε λόγω έλλειψης καλλιτεχνικής ικανότητας. Για παράδειγμα, ο Ι. Σ. Turgenev έγραψε περίπου ένα από τα μυθιστορήματα του Zola που "υπάρχουν πολλά σκάψιμο στα νυχτερινά δοχεία". Αναφέρεται κριτικά στον φυσιολογισμό και τον Gustave Flaubert.
Η Ζόλα διατηρεί τις φιλικές σχέσεις με πολλούς καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές.
Συμβολιστές Χρησιμοποιημένα σύμβολα, φθηνές, συμβουλές, μυστήριο, μυστήριο. Η κύρια διάθεση, που συλλαμβάνεται από συμβολιστές, ήταν απαισιοδοξία, εγκαταλείποντας από την απελπισία. Όλα τα "φυσικά" ήταν μόνο "ορατότητα", η οποία δεν έχει ανεξάρτητο καλλιτεχνικό νόημα.
Έτσι, ο ιμπρεσιονισμός στη βιβλιογραφία εκφράστηκε από την ιδιωτική εντύπωση του συγγραφέα, την εγκατάλειψη μιας αντικειμενικής εικόνας πραγματικότητας, της εικόνας κάθε στιγμής. Στην πραγματικότητα, αυτό οδήγησε στην απουσία οικόπεδο και ιστορία, την αντικατάσταση της σκέψης με την αντίληψη και τον λόγο - ένστικτο.
Kurba "Πορτρέτο του P. Vellen" (περίπου 1866)
Ένα ζωντανό παράδειγμα ποιητικού ιμπρεσιονισμού είναι μια συλλογή πεδίων του ρομαντισμού χωρίς λέξεις "(1874). Στη Ρωσία, η επίδραση του ιμπρεσιονισμού ήταν το Konstantin Balmont και το InnoCent Annensky.
V. Serov "Πορτρέτο του Κ. Balmont" (1905)
Αθώος Annensky. Η φωτογραφία
Αυτές οι διαθέσεις άγγιξε στο δράμα. Υπάρχει μια παθητική αντίληψη του κόσμου, την ανάλυση των διαθέσεων, των ψυχικών κρατών. Σε διαλόγους, συμπυκνωθούν οι κατακερματισμένες εντυπώσεις. Αυτά τα σημάδια είναι χαρακτηριστικά της δημιουργικότητας του Arthur Schnitzer.
Στη μουσική
Ο ιμπρεσιονισμός μουσικής έχει αναπτυχθεί στη Γαλλία μέχρι το τελευταίο τέταρτο του 19ου αιώνα. - Πρόωρη XX αιώνα. Λεπτότερος, εξέφρασε τον εαυτό του στο έργο του Eric Sati, Claude Debussy και του Maurice Ravel.
Eric sati.
Ο ιμπρεσιονισμός μουσικής είναι κοντά στον ιμπρεσιονισμό στη γαλλική ζωγραφική. Δεν έχουν μόνο κοινές ρίζες, αλλά και αιτιώδεις σχέσεις. Οι συνθέτες-ιμπρεσιονιστές αναζητούσαν και βρέθηκαν όχι μόνο αναλογίες, αλλά και εκφραστικά μέσα στο έργο του Claude Monet, τα πεδία της Cezanna, Puwe de Galian και Henri de Toulouse-Lotroid. Φυσικά, τα προϊόντα ζωγραφικής και οι μουσικές τέχνες μπορούν να συσχετιστούν μεταξύ τους μόνο με τη βοήθεια ειδικών, λεπτών συνεταιριστικών παραλληλίων που υπάρχουν μόνο στη συνείδηση. Εάν κοιτάξετε την αόριστη εικόνα του Παρισιού "στη φθινοπωρινή βροχή" και τους ίδιους ήχους, "σιωπηλός θόρυβος των πτώσεων σταγονιδίων", εδώ μπορείτε να μιλήσετε μόνο για την ιδιοκτησία της καλλιτεχνικής εικόνας, αλλά όχι μια πραγματική εικόνα.
Claude Debussy
Το Debussy γράφει "σύννεφα", "attampa" (το πιο εικονιστικό από τα οποία, το σκίτσο ακουαρέλας - "κήποι στη βροχή"), "εικόνες", "otkliski στο νερό", που προκαλούν άμεσες ενώσεις με τη διάσημη μόνιμη Clod "εντύπωση : Sunrise " Σύμφωνα με το Mallarm, οι συνθέτες-ιμπρεσιονιστές έμαθαν να "ακούσουν το φως", περνούν την κίνηση του νερού, τη δόνηση του φύλλωμα, το στήθος του ανέμου και την διάθλαση του ηλιακού φωτός στον βραδινό αέρα.
Maurice Ravel
Οι άμεσες συνδέσεις της ζωγραφικής και της μουσικής υπάρχουν στο M. Ravel στο ηχητικό του "παιχνίδι νερού", ο κύκλος των "αντανακλάσεων", η συλλογή πιάνου των "νυχτερινών ακτών".
Οι ιμπρεσιονιστές δημιούργησαν έργα εξελιγμένης τέχνης και ταυτόχρονα σαφή σε εκφραστικά μέσα, συναισθηματικά διακριτικά, συγκρούσεις και αυστηρό στυλ.
Σε γλυπτική
O. Roden "Kiss"
Ο ιμπρεσιονισμός στο γλυπτό εκφράστηκε σε ένα ελεύθερο πλαστικό από μαλακές μορφές, το οποίο δημιουργεί ένα πολύπλοκο παιχνίδι φωτός στην επιφάνεια του υλικού και μια αίσθηση ανεπάρκειας. Στις θέσεις των γλυπτικών χαρακτήρων κατέλαβαν τη στιγμή της κίνησης, της ανάπτυξης.
O. Roden. Φωτογραφία 1891
Σε αυτόν τον τομέα περιλαμβάνουν τα γλυπτά έργα του Ο. Roden (Γαλλία), Medroad Rosso (Ιταλία), σ.τ. Τρυρμπετσι (Ρωσία).
V. Serov "Πορτρέτο του Paolo Trubetsky"
Paul (Paolo) Trubetsk (1866-1938) - Γλύπτης και καλλιτέχνης, εργάστηκε στην Ιταλία, ΗΠΑ, Αγγλία, Ρωσία και Γαλλία. Γεννήθηκε στην Ιταλία. Ο εξωσυτικός γιος του ρωσικού μεταναστητικού, ο πρίγκιπας Πέτρος Πέβιβιτς Τροπέτσκι.
Δεδομένου ότι η παιδική ηλικία, ασχολείται ανεξάρτητα σε γλυπτική και ζωγραφική. Καμία εκπαίδευση δεν είχε. Κατά την αρχική περίοδο του έργου του, μοιάζει με προτομές, έργα μικρών πλαστικών, συμμετείχαν σε διαγωνισμούς για τη δημιουργία μεγάλων γλυπτών.
Π. Trubetskoy "Μνημείο Αλεξάνδρου ΙΙΙ", Αγία Πετρούπολη
Η πρώτη έκθεση των έργων του Paolo Trubetskoy πραγματοποιήθηκε στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1886 το 1899 το 1899. Ο γλύπτης ήρθε στη Ρωσία. Συμμετέχει στον διαγωνισμό για τη δημιουργία μνημείου του Αλεξάνδρου ΙΙΙ και απροσδόκητα για όλους λαμβάνει το πρώτο βραβείο. Αυτό το μνημείο προκάλεσε και συνεχίζει να προκαλεί αντιφατικές αξιολογήσεις. Ένα πιο στατικό και βαρύ μνημείο είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς. Και μόνο μια θετική αξιολόγηση της αυτοκρατορικής οικογένειας επιτρέπεται να πάρει το μνημείο του αντίστοιχου τόπου - στη γλυπτική εικόνα βρήκαν ομοιότητα με το πρωτότυπο.
Οι κριτικοί πίστευαν ότι η Τροπούπετσκο εργάστηκε στο πνεύμα του "ξεπερασμένου ιμπρεσιονισμού".
Η εικόνα του λαμπρού ρωσικού συγγραφέα αποδείχθηκε ότι είναι πιο "ιμπρεσιονιστική": Εδώ είναι σαφώς υπάρχει ένα κίνημα - στις πτυχώσεις του πουκάμισου, φτερωτά γενειάδα, γυρίζοντας το κεφάλι, υπάρχει ακόμη και μια αίσθηση ότι ο γλύπτης κατείχε να πιάσει Η ένταση της σκέψης του L. Tolstoy.
Π. Trubetskoy "Bust Lion Tolstoy" (Bronze). Κρατική γκαλερί Tretyakov
"Ο νέος κόσμος γεννήθηκε όταν οι ιμπρεσιονιστές το έγραψαν"
Henri Canyiler
XIX αιώνα. Γαλλία. Στη ζωγραφική συνέβη πρωτοφανής. Μια ομάδα νέων καλλιτεχνών αποφάσισε να κλονίσει μια 500χρονη παράδοση. Αντί για ένα σαφές σχέδιο, χρησιμοποίησαν ένα ευρύ "απρόσεκτο" επίχρισμα.
Και από τις συνήθεις εικόνες και εγκαταλείφθηκε, απεικονίζοντας όλα στη σειρά. Και τις κυρίες της συμπεριφοράς του πνεύμονα και τους άρχοντες της αμφίβολης φήμης.
Το κοινό δεν ήταν έτοιμο για τη ζωγραφική των ιμπρεσιονιστών. Ήταν γελοιοποιημένοι, έμπειροι. Και το πιο σημαντικό, δεν αγόρασαν τίποτα.
Αλλά η αντίσταση ήταν σπασμένη. Και μερικοί ιμπρεσιονιστές έζησαν στο θρίαμβο τους. Είναι αλήθεια ότι ήταν ήδη σε 40. Όπως ο Claude Monet ή Auguste Renuar. Άλλοι περίμεναν αναγνώριση μόνο στο τέλος της ζωής ως Camille Pissarro. Κάποιος μπροστά του δεν ζούσε ως Alfred Sisley.
Ποιο είναι το επαναστατικό που διαπράττεται καθένα από αυτά; Γιατί δεν τα δέχτηκε το κοινό για τόσο πολύ καιρό; Εδώ είναι οι 7 πιο διάσημοι γαλλικοί ιμπρεσιονιστές που γνωρίζουν ολόκληρο τον κόσμο.
1. Eduard Mana (1832-1883)
Eduard Mana. Αυτοπροσωπογραφία με παλέτα. 1878 ιδιωτική συλλογήΗ Mana ήταν παλαιότερη από τους περισσότερους ιμπρεσιονιστές. Ήταν ο κύριος εμπνευσμένος τους.
Ο ίδιος ο Mana για το ρόλο του ηγέτη των επαναστατών δεν ισχυριζόταν. Ήταν ένας κοσμικός άνθρωπος. Ονειρευόταν επίσημα βραβεία.
Αλλά περιμένει την αναγνώριση για πολύ καιρό. Το κοινό θέλησε να δει τις ελληνικές θεές ή να ζει ακόμα στο χειρότερο άκρο, να κοίταξε όμορφα στην τραπεζαρία. Η Mane ήθελε να γράψει τη σύγχρονη ζωή. Για παράδειγμα, οι κουρτίνες.
Ως αποτέλεσμα, εμφανίστηκε "πρωινό στο γρασίδι". Δύο dandies ξεκουράζονται στην κοινωνία κυρίες της φωτεινής συμπεριφοράς. Ένα από αυτά όπως τίποτα δεν κάθεται δίπλα στους ντυμένοι άνδρες.
Eduard Mana. Πρωινό στο γρασίδι. 1863, Παρίσι Συγκρίνετε το "πρωινό στο γρασίδι" με το έργο του Tom Couture "Ρωμαίους κατά τη διάρκεια μιας παρακμής." Η ζωγραφική Couture παρήγαγε μια φούρνος. Ο καλλιτέχνης έγινε αμέσως διάσημος.
"Το πρωινό στο γρασίδι" κατηγορήθηκε για χυδαιότητα. Η έγκυος δεν συστήθηκε απολύτως σοβαρά να το παρακολουθήσει.
Tom Kutur. Ρωμαίους της εποχής της παρακμής. 1847 Μουσείο D'Ors, Παρίσι. Artchive.ru. Στην εικόνα της Couture, βλέπουμε όλα τα χαρακτηριστικά του ακαδημαϊκού (παραδοσιακή ζωγραφική των αιώνων XVI-XIX). Στήλες και αγάλματα. Άνθρωποι Apollo Εμφάνιση. Παραδοσιακά χρώματα. Η πορεία θέτει και χειρονομίες. Το οικόπεδο από την μακρινή ζωή ενός εντελώς διαφορετικού λαού.
"Πρωινό στο γρασίδι" Η Mana είναι μια άλλη μορφή. Πριν από αυτόν, κανείς δεν απεικονίζει τις κουρτίνες όπως αυτό. Δίπλα σε σεβαστούς πολίτες. Αν και πολλοί άνδρες της εποχής έχουν περάσει τον ελεύθερο χρόνο τους. Ήταν η πραγματική ζωή των πραγματικών ανθρώπων.
Μόλις απεψυχήθηκα μια σεβαστή κυρία. Ασχημος. Δεν μπορούσε να κολακεύει με ένα πινέλο. Η κυρία ήταν απογοητευμένη. Πήγα από αυτόν σε δάκρυα.
Eduard Mana. Αγγελίνα. 1860 Μουσείο D'Ors, Παρίσι. Wikimedia.commons.org. Ως εκ τούτου, συνέχισε να πειραματιστεί. Για παράδειγμα, με χρώμα. Δεν προσπάθησε να απεικονίσει τη λεγόμενη φυσική γεύση. Εάν το γκρίζο-καστανό νερό του φαίνεται φωτεινό μπλε, απεικόνισε επίσης το φωτεινό της μπλε.
Αυτό, φυσικά, ενοχλούσε το κοινό. "Μετά από όλα, ακόμη και η Μεσόγειος Θάλασσα δεν μπορεί να καυχηθεί από ένα τόσο μπλε όπως ο άνθρωπος του νερού." - Yazvili αυτοί.
Eduard Mana. Arzhante. 1874 Μουσείο Καλών Τεχνών, Περιήγηση, Βέλγιο. Wikipedia.org. Αλλά το γεγονός παραμένει ένα γεγονός. Η Mana στο κτήμα άλλαξε το σκοπό της ζωγραφικής. Η εικόνα έγινε μια ενσωμάτωση της ατομικότητας του καλλιτέχνη, ο οποίος γράφει όπως ευχαριστεί. Ξεχνώντας τα πρότυπα και τις παραδόσεις.
Ο Namationut δεν τον συγχωρεί για μεγάλο χρονικό διάστημα. Οι αναγνώσεις περίμεναν μόνο στο τέλος της ζωής. Αλλά δεν ήταν ήδη απαραίτητο. Οδυνηθεί οδυνηρά από την ανίατη ασθένεια.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Αυτοπροσωπογραφία στη λήψη. 1886 ιδιωτική συλλογή Το Claude Monet μπορεί να ονομάζεται Impressionist για εγχειρίδιο. Δεδομένου ότι ήταν πιστός σε αυτόν τον τομέα όλη τη μακρά ζωή του.
Έγραψε όχι αντικείμενα και ανθρώπους, αλλά ένας έγχρωμος σχεδιασμός της λάμψης και των κηλίδων. Ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια. Αέρα κούνημα.
Claude Monet. Paddling πισίνα. 1869 Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη. Metmuseum.org. Ο Monet έγραψε όχι μόνο τη φύση. Διαχειριζόταν και τα τοπία της πόλης. Ένα από τα πιο διάσημα -.
Σε αυτή την εικόνα υπάρχουν πολλά από τη φωτογραφία. Για παράδειγμα, η κίνηση μεταδίδεται χρησιμοποιώντας θολή εικόνα.
Σημείωση: Τα δέντρα και οι φιγούρες μεγάλης εμβέλειας είναι σαν να βρίσκονται στον καπνό.
Claude Monet. Kapuchin Boulevard στο Παρίσι. 1873 (Πινακοθήκη της Ευρώπης και Αμερικής 19-20 VZ.), Μόσχα Πριν από εμάς είναι μια στάση της ταχείας ζωής του Παρισιού. Καμία ευελιξία. Κανείς δεν θέτει. Οι άνθρωποι απεικονίζονται ως ένα σύνολο των επιχρισμάτων. Μια τέτοια ανοσία και η επίδραση του "πλαισίου στάσης" είναι το κύριο χαρακτηριστικό του ιμπρεσιονισμού.
Μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του '80, οι καλλιτέχνες ήταν απογοητευμένοι από τον ιμπρεσιονισμό. Η αισθητική είναι, φυσικά, καλά. Αλλά η ασυνέπεια πολλών καταπιεσμένων.
Μόνο ο Monet συνέχισε να επιμείνει, ο υπερτροφισμός ιμπρεσιονισμός. Μετατράπηκε σε μια σειρά έργων ζωγραφικής.
Το ίδιο τοπίο που απεικονίζει δεκάδες φορές. Σε διαφορετικούς χρόνους της ημέρας. Σε διαφορετικούς χρόνους του έτους. Για να δείξετε πόση θερμοκρασία και το φως μπορεί να αλλάξει την ίδια εμφάνιση πέρα \u200b\u200bαπό την αναγνώριση.
Έτσι υπήρχαν αμέτρητες στοίβες σανού.
Εικόνες του Claude Monet στο Μουσείο Καλών Τεχνών στη Βοστώνη. Αριστερά: Hay Stacks κατά το ηλιοβασίλεμα στο Zhiverny, 1891 στα δεξιά: Μια στοίβα σανού (επίδραση χιονιού), 1891
Παρακαλείστε να σημειώσετε ότι οι σκιές σε αυτές τις εικόνες είναι χρωματισμένες. Και όχι γκρι ή μαύρο, όπως ήταν συνηθισμένο σε ιμπρεσιονιστές. Αυτή είναι μια άλλη εφεύρεση τους.
Ο Monet κατόρθωσε να απολαύσει την επιτυχία και την ευημερία των υλικών. Μετά από 40, ξέχασε ήδη για τη φτώχεια. Έχεις ένα σπίτι και ένα όμορφο κήπο. Και για μεγάλο χρονικό διάστημα πέρασε για πολλά χρόνια.
Σχετικά με την πιο πινακίδα του Master Διαβάστε στο άρθρο
3. Αύγουστο Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Αυτοπροσωπογραφία. 1875 Ινστιτούτο Τέχνης Sterling και Francin Clark, Μασαχουσέτη, ΗΠΑ. Pinterest.ru. Ο ιμπρεσιονισμός είναι η πιο θετική ζωγραφική. Και το πιο θετικό μεταξύ των ιμπρεσιονιστών ήταν η Renoir.
Στους πίνακους του, δεν θα βρείτε δράματα. Ακόμα και το μαύρο χρώμα που δεν χρησιμοποίησε. Μόνο η χαρά της ύπαρξης. Ακόμα και το πιο κοινό Renoire φαίνεται όμορφη.
Σε αντίθεση με το Monet, η Renoir έγραψε τους ανθρώπους πιο συχνά. Τα τοπία γι 'αυτόν ήταν λιγότερο σημαντικές. Οι εικόνες ξεκουράζονται και απολαμβάνουν τη ζωή των φίλων και των γνωστών του.
Pierre-Auguste Renoir. Πρωινό κωπηλάτες. 1880-1881 Συλλογή Phillips, Ουάσιγκτον, ΗΠΑ. Wikimedia.commons.org. Δεν μπορείτε να βρείτε Renoara και βαθιά. Ήταν πολύ χαρούμενος που ένωσε τους ιμπρεσιονιστές που ήταν μολυσμένοι από οικόπεδα.
Όπως είπε ο ίδιος, τελικά έχει την ευκαιρία να γράψει λουλούδια και να τους καλέσει απλά "λουλούδια". Και μην εφεύρουν τις ιστορίες γι 'αυτούς.
Pierre-Auguste Renoir. Γυναίκα με ομπρέλα στον κήπο. 1875 Μουσείο Tissen-Burnis, Μαδρίτη. Arteuam.com. Το καλύτερο Renoir αισθάνθηκε στην κοινωνία των γυναικών. Ζήτησε από την καμαριέρα του να τραγουδήσει και να αστείο. Το πιο ηλίθιο και το τραγούδι ήταν πιο αφελές, τόσο το καλύτερο γι 'αυτόν. Και η κουβέρτα των ανδρών ήταν κουρασμένη. Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι η Renoir είναι διάσημη για τα γυμνά πανιά.
Το μοντέλο στην εικόνα "γυμνή στο φως του ήλιου" σαν να εκδηλώνεται σε ένα πολύχρωμο αφηρημένο φόντο. Επειδή δεν υπάρχει τίποτα μικρό για την Renuara. Το μάτι του μοντέλου ή του τμήματος πίσω φόντου είναι ισοδύναμο.
Pierre-Auguste Renoir. Γυμνό στο φως του ήλιου. 1876 \u200b\u200bΜουσείο D'Orsov, Παρίσι. wikimedia.commons.org. Η Renoir έζησε μια μακρά ζωή. Και ποτέ δεν σβήνουν τη βούρτσα και την παλέτα. Ακόμα και όταν τα χέρια του τροφοδοτούνται εντελώς ρευματισμοί, έδεσε ένα πινέλο στο χέρι του με ένα σχοινί. Και ζωγραφισμένα.
Όπως το Monte, περίμενε την αναγνώριση μετά από 40 χρόνια. Και είδε τις ζωγραφιές του στο Λούβρο, δίπλα στα έργα των διάσημων πλοιάρχων.
Περίπου ένα από τα πιο γοητευτικά πορτρέτα της Renuara που διαβάζονται στο άρθρο
4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas. Αυτοπροσωπογραφία. 1863 Μουσείο Galust Gulbenkyan, Λισαβόνα, Πορτογαλία. Cultured.com. Η DEGI δεν ήταν κλασικός ιμπρεσιονιστής. Δεν ήθελε να εργαστεί στο αιχμάλωτο (σε εξωτερικούς χώρους). Δεν θα βρει μια σκόπιμη παλέτα.
Αντίθετα, αγαπούσε μια σαφή γραμμή. Έχει ένα μαύρο χρώμα. Και εργάστηκε αποκλειστικά στο στούντιο.
Αλλά εξακολουθεί να είναι πάντα σε μια σειρά με άλλους μεγάλους ιμπρεσιονιστές. Επειδή ήταν μια ιμπρεσιονιστική χειρονομία.
Απροσδόκητες προοπτικές. Ασυμμετρία στη θέση των αντικειμένων. Ραγισμένα χαρακτήρες έκπληξης. Εδώ είναι τα κύρια χαρακτηριστικά των έργων ζωγραφικής του.
Σταμάτησε τις στιγμές της ζωής χωρίς να δίνει τους χαρακτήρες να έρθουν στις αισθήσεις του. Κοιτάξτε τουλάχιστον στην "Opera Orchestra" του.
Edgar Degas. Όπερα Ορχήστρα. 1870 Μουσείο D'Ors, Παρίσι. Commons.wikimedia.org. Στο προσκήνιο, το πίσω μέρος της καρέκλας. Μουσικός για μας πίσω. Και στο πίσω φόντο, η μπαλαρίνα στη σκηνή δεν ταιριάζει στο "πλαίσιο". Τα κεφάλια τους είναι ανελέητα "περιτομή" την άκρη των έργων ζωγραφικής.
Έτσι, οι χορευτές τους αγαπούσαν ποτέ δεν απεικονίζονται πάντα σε όμορφες πόζες. Μερικές φορές κάνουν ένα τέντωμα.
Αλλά αυτός ο αυτοσχεδιασμός είναι μειωμένος. Φυσικά, η Dega σκεπτόσε προσεκτικά τη σύνθεση. Αυτό είναι μόνο το αποτέλεσμα ενός πλαισίου στάσης και όχι ένα πραγματικό πλαίσιο ποδιών.
Edgar Degas. Δύο χορευτές μπαλέτου. 1879 Μουσείο Σημπούρνο, Βερμούτ, ΗΠΑ Ο Edgar Degas αγάπησε να γράψει τις γυναίκες. Αλλά η ασθένεια ή τα χαρακτηριστικά του σώματος δεν τον επέτρεπε να έχει φυσική επαφή μαζί τους. Δεν παντρεύτηκε ποτέ. Κανείς δεν τον είδε ποτέ με την κυρία.
Η έλλειψη πραγματικών οικόπεδων στην προσωπική του ζωή πρόσθεσε μια λεπτή και έντονη ερωτικότητα στις εικόνες του.
Edgar Degas. Αστέρι μπαλέτου. 1876-1878 Μουσείο D'Ors, Παρίσι. wikimedia.coms.org. Παρακαλείστε να σημειώσετε ότι μόνο η ίδια η μπαλαρίνα σχεδιάζεται στην εικόνα "Ballet Star". Οι συνάδελφοί της πίσω από τις σκηνές μόλις διακρίνονται. Είναι μερικά πόδια.
Αυτό δεν σημαίνει ότι η DEGA δεν ολοκλήρωσε την εικόνα. Αυτή είναι η λήψη. Αφήστε να εστιάσετε μόνο το πιο σημαντικό πράγμα. Το υπόλοιπο να εξαφανιστεί, δυσανάγνωστο.
Για άλλους πίνακες του κύριου διαβάσει στο άρθρο
5. Berta Morizo \u200b\u200b(1841-1895)
Eduard Mana. Πορτρέτο της Berth Morizo. 1873 Μουσείο Maroton Monet, Παρίσι. Ο Bert Morizo \u200b\u200bσπάνια έβαλε στην πρώτη σειρά μεγάλων ιμπρεσιονιστών. Είμαι βέβαιος ότι είναι ανεπιθύμητη. Απλά έχετε όλα τα κύρια χαρακτηριστικά και τις τεχνικές του ιμπρεσιονισμού. Και αν σας αρέσει αυτό το στυλ, αγαπάτε το έργο της με όλη την ψυχή.
Ο Morizo \u200b\u200bεργάστηκε γρήγορα και ώθησε, μετατοπίζοντας την εντύπωση του στον καμβά. Στοιχεία όπως πρόκειται να διαλυθούν στο διάστημα.
Bert morizo. Καλοκαίρι. 1880 Μουσείο Famon, Montpellier, Γαλλία. Όπως μια DEGI, συχνά δεν διδάσκει κάποιες λεπτομέρειες. Και ακόμη και τμήματα του μοντέλου σώματος. Δεν μπορούμε να διακρίνουμε μεταξύ των κοριτσιών στην εικόνα "καλοκαίρι".
Η διαδρομή για την αυτο-έκφραση στο Morizo \u200b\u200bήταν δύσκολη. Όχι μόνο είχε ασχοληθεί με μια "απρόσεκτη" ζωγραφική. Ήταν ακόμα μια γυναίκα. Εκείνη την εποχή, η κυρία έπρεπε να ονειρεύεται το γάμο. Μετά από αυτό, οποιοδήποτε χόμπι ξεχάστηκε.
Ως εκ τούτου, η Berta έχει μακρά αρμόδια γάμο. Μέχρι να βρω έναν άνθρωπο που πήρα με σεβασμό το μάθημά της. Ο Eugene Mana ήταν ο εγγενής αδελφός του του καλλιτέχνη Eduard Man. Υπέρει ότι φορούσε ένα καβαλέτο και το χρώμα.
Bert morizo. Ο Eugene Mane με την κόρη της στο Buhval. 1881 Μουσείο Maroton Monet, Παρίσι. Αλλά η περίπτωση ήταν στο XIX αιώνα. Όχι, τα παντελόνια του Morizo \u200b\u200bδεν φορούσαν. Αλλά δεν μπορούσε να προσφέρει πλήρη ελευθερία κίνησης.
Δεν μπορούσε να πάει στο πάρκο για να δουλέψει μόνος του, ασυνήθιστο από κάποιον από τους αγαπημένους. Δεν μπορούσε να καθίσει μόνος στο καφενείο. Ως εκ τούτου, οι πίνακές του είναι άνθρωποι από τον οικογενειακό κύκλο. Σύζυγος, κόρη, συγγενείς, νταντά.
Bert morizo. Γυναίκα με ένα παιδί στον κήπο στην αποθήκη. 1881 Εθνικό Μουσείο της Ουαλίας, Κάρντιφ. Η αναγνώριση του Morizo \u200b\u200bδεν περίμενε. Πέθανε σε 54 χρόνια από τη φλεγμονή των πνευμόνων, σχεδόν κανείς δεν λειτουργεί στη ζωή. Στη μαρτυρία της θανάτου στη στήλη στη στήλη "τάξεις ράβδων" στάθηκαν ένα χαντάκι. Ήταν αδιανόητο σε μια γυναίκα που ονομάζεται καλλιτέχνης. Ακόμα κι αν ήταν πραγματικά.
Σχετικά με τους πίνακες του Master Διαβάστε στο άρθρο
6. Camille Pissarro (1830 - 1903)
Camille pissarro. Αυτοπροσωπογραφία. 1873 Μουσείο D'Ors, Παρίσι. Wikipedia.org. Camille Pissarro. Μη σύγκρουση, εύλογη. Πολλοί άνθρωποι που αντιλαμβάνονται ως δάσκαλοι. Ακόμα και οι πιο ιδιοσυγκρασιακοί συνάδελφοι για το Pissarro δεν μιλούσαν άσχημα.
Ήταν ένας πιστός οπαδός του ιμπρεσιονισμού. Χρειάζεται έντονα, έχοντας μια γυναίκα και πέντε παιδιά, εξακολουθεί να εργάζεται σκληρά στο αγαπημένο του στυλ. Και ποτέ δεν μετατράπηκε στη ζωγραφική σαλόνι για να γίνει πιο δημοφιλής. Δεν είναι γνωστό πού πήρε τη δύναμη να πιστέψει στον εαυτό του.
Για να μην πεθάνουν καθόλου με την πείνα, το Pisserro ζωγράφισε έναν ανεμιστήρα, το οποίο θα ήταν ευτυχισμένο. Και αυτή η αναγνώριση ήρθε μετά από 60 χρόνια! Τότε τελικά ήταν σε θέση να ξεχάσει την ανάγκη.
Camille Pissarro. Επιμέλεια στο Luvezienne. 1869 Μουσείο D'Ors, Παρίσι Αέρα σε πίνακες pissarro πάχους και πυκνό. Ασυνήθιστο κράμα χρώματος και όγκου.
Ο καλλιτέχνης δεν φοβόταν να γράψει τα πιο μεταβλητά φαινόμενα της φύσης, τα οποία εμφανίζονται για μια στιγμή και εξαφανίζονται. Πρώτο χιόνι, παγωμένος ήλιος, μεγάλες σκιές.
Camille Pissarro. Παγωνιά. 1873 Μουσείο D'Orsov, Παρίσι Τα πιο διάσημα έργα του είναι τα είδη του Παρισιού. Με μεγάλες λεωφόρους, ένα πλήθος Bay Motley. Τη νύχτα, το απόγευμα, σε διαφορετικό καιρό. Κάτι που αντλείται με τη σειρά εικόνων του Claude Monet.
Διαπεριφερειακή Ακαδημία Διαχείρισης Προσωπικού
Ινστιτούτο Severodonetsky
Τμήμα Γενικής Εκπαίδευσης και Ανθρωπιστικών Αναπτύξεων
Εργασία δοκιμών για τις πολιτιστικές μελέτες
Ιμπρεσιονισμός ως κατεύθυνση στην τέχνη
Εκτελείται:
Φοιτητής
Ін23-9-06 bub (4. OD)
Sheshhenko Sergey
Τετραγωνισμένος:
σε. δίκη., Έγγραφο.
Smolina O.O.
Severodonetsk 2007.
Εισαγωγή
4. Δημοσίευση
συμπέρασμα
Βιβλιογραφία
Αιτήσεις
Εισαγωγή
Ένα σημαντικό φαινόμενο του ευρωπαϊκού πολιτισμού του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Υπήρχε ένας ιμπρεσιονισμός καλλιτεχνικού στυλ, ο οποίος διανεμήθηκε όχι μόνο στη ζωγραφική, αλλά στη μουσική και την καλλιτεχνική λογοτεχνία. Παρ 'όλα αυτά, προέρχεται από τη ζωγραφική. Ιμπρεσιονισμός (Franz. Impressionism, από την εντύπωση - εντύπωση), κατεύθυνση στην τέχνη του τελευταίου τρίτου 19ου - αρχές 20ου αιώνα. Δάσος στη γαλλική ζωγραφική στα τέλη της δεκαετίας του 1860 - στις αρχές της δεκαετίας του 1870. (Το όνομα προέκυψε μετά την έκθεση 1874, στην οποία η εικόνα εκτέθηκε στην εντύπωση του Κ. Monet ". Αύξουσα ήλιος").
Σημάδια του ιμπρεσιονιστικού στυλ - Η απουσία σαφώς καθορισμένης μορφής και η επιθυμία να μεταφερθούν το θέμα σε αποσπασματικό, καθορίζοντας αμέσως κάθε εντύπωση των εγκεφαλικών επεισοδίων, ωστόσο, κατά τη διάρκεια της ανασκόπησης ολόκληρης της κρυφής ενότητας και της επικοινωνίας. Ως ειδικό στυλ, ο ιμπρεσιονισμός με την αρχή της αξίας της "πρώτης εντύπωσης" κατέστησε δυνατή τη διεξαγωγή μιας αφήγησης μέσω τέτοιας, σαν να συλλαμβάνεται από τυχαία στοιχεία, τα οποία προφανώς παραβίασαν την αυστηρή συνέπεια του αφηγηματικού σχεδίου και της αρχής της επιλογής μιας ουσιαστικής, αλλά η "πλευρική αλήθεια" τους ανέφερε την ιστορία μιας εξαιρετικής φωτεινότητας και φρεσκάδας.
Σε προσωρινές τέχνες, η ενέργεια ξεδιπλώνεται εγκαίρως. Ζωγραφική καθώς μπορεί να είναι σε θέση να καταγράψει μόνο ένα χρονικό σημείο. Σε αντίθεση με τις ταινίες, έχει πάντα ένα "πλαίσιο". Πώς κινείται σε αυτό; Μία από αυτές τις προσπάθειες σύλληψης του πραγματικού κόσμου στην κινητικότητα και τη μεταβλητότητά της ήταν μια προσπάθεια στους δημιουργούς της κατεύθυνσης της ζωγραφικής, που ονομάζεται ιμπρεσιονισμός (από τον Franz. Impression). Αυτή η κατεύθυνση συνδυάζει διάφορους καλλιτέχνες, το καθένα από τα οποία μπορεί να περιγραφεί ως εξής. Ο ιμπρεσιονιστής είναι ένας καλλιτέχνης που μεταφέρει την άμεση εντύπωση της φύσης, βλέπει την ομορφιά της μεταβλητότητας και της Impermanence σε αυτό, αναδημιουργεί την οπτική αίσθηση του φωτεινού ηλιακού φωτός, των παιχνιδιών των χρωματιστών σκιών, χρησιμοποιώντας μια παλέτα καθαρού ανεπιτυχείς χρώματα, τα οποία εκδιώχθηκαν μαύρα και γκρί. Ρέει το ηλιακό φως, η εξάτμιση αυξάνεται από την υγρή γη. Νερό, τήξη χιόνι, όργωμα γη, ομίχλη χόρτο στα λιβάδια δεν έχουν σαφή, κατεψυγμένα περιγράμματα. Το κίνημα που εισήχθη στο παρελθόν στο τοπίο ως εικόνα των κινούμενων στοιχείων, ως συνέπεια των φυσικών δυνάμεων - άνεμος, κυνηγώντας το σύννεφο, τα άθλια δέντρα, αντικαθίσταται τώρα από τα υπόλοιπα. Αλλά αυτή η ειρήνη της άψυχης ύλης είναι μία από τις μορφές κίνησης της, το οποίο μεταδίδεται στην ίδια την υφή της ζωγραφικής - δυναμικές εγκεφαλικές επενδύσεις διαφορετικών χρωμάτων, μη άκαμπτων γραμμών σχεδίασης.
1. Η προέλευση του ιμπρεσιονισμού και των ιδρυτών του
Ο σχηματισμός του ιμπρεσιονισμού ξεκίνησε με τη ζωγραφική από την Ε. Mane (1832-1893) "Πρωινό στο γρασίδι" (1863). Το νέο ύφος της ζωγραφικής δεν έγινε αμέσως δεκτό από το κοινό, κατηγόρησε τους καλλιτέχνες στο γεγονός ότι δεν ξέρουν πώς να σχεδιάζουν, να ωθήσουν τα χρώματα, αποξέθηκαν με παλέτες. Έτσι, το κοινό εμφανίστηκε στο κοινό και οι συνεργάτες-καλλιτέχνες ροζ Ruan Monet Cathedrals είναι οι καλύτερες από τις γραφικές σειρές του καλλιτέχνη ("πρωί", "με τις πρώτες ακτίνες του ήλιου", "το μεσημέρι"). Ο καλλιτέχνης δεν προσπάθησε να φανταστεί τον καθεδρικό ναό στον καμβά σε διαφορετικές περιόδους της ημέρας - ανταγωνίστηκε με τους κυρίους γοτθικού να απορροφήσει τον θεατή με τη σκέψη των μαγεμένων ελαφρών εφέ ανθοφορίας. Η πρόσοψη του καθεδρικού ναού του Ruan, όπως και οι περισσότεροι από τους γοτθικούς καθεδρικούς δρόμους, κρύβουν το μυστικιστικό θέαμα που έρχεται από το φως του ήλιου του φωτεινού χρώματος που χρωματίζεται στο εσωτερικό. Ο φωτισμός μέσα στον καθεδρικό ναό αλλάζει ανάλογα με την πλευρά που ο ήλιος λάμπει, συννεφιασμένος ή σαφής καιρός. Η λέξη "ιμπρεσιονισμός" είναι υποχρεωμένος σε έναν από τους μόνους του MONET. Αυτός ο καμβάς ήταν πραγματικά μια ακραία έκφραση της καινοτομίας που εμφανίστηκε μια γραφική μέθοδο και ονομάστηκε "ηλιοβασίλεμα στο Havra". Ο μεταγλωττιστής του καταλόγου προτύπων για μία από τις εκθέσεις πρότεινε τον καλλιτέχνη να το καλέσει με κάποιο τρόπο, και το Monet, τη διασταύρωση "στο Havra", έβαλε την "εντύπωση". Και λίγα χρόνια αργότερα, μετά την εμφάνιση του έργου του, έγραψαν ότι το Monte "αποκαλύπτει τη ζωή που κανείς δεν κατάφερε να πιάσει μπροστά του, την οποία κανείς δεν μαντέψει. Στις φωτογραφίες του Monet άρχισαν να παρατηρούν το ανησυχητικό πνεύμα της γέννησης μιας νέας εποχής. Έτσι, στο έργο του εμφανίστηκε "ερεθευτική" ως ένα νέο φαινόμενο της ζωγραφικής. Και έδειξε την προσοχή στο πρόβλημα του χρόνου. Η ζωγραφική του καλλιτέχνη, όπως σημειώνεται, άρπαξε ένα "πλαίσιο" από τη ζωή, με όλη την ατέλεια και την ημιτελότητα. Και αυτό έδωσε ώθηση στην ανάπτυξη της σειράς που αντικαθιστά με συνέπεια κάθε άλλο πλαίσιο. Εκτός από τους "καθεδρικούς δρόμους Ruan", ο Monet δημιουργεί μια σειρά "Σταθμός Saint-Lazar", στην οποία οι πίνακες είναι αλληλένδετοι και συμπληρώνουν ο ένας τον άλλον. Ωστόσο, ήταν αδύνατο να συνδέσετε το "footage" της ζωής σε μια μόνο ταινία εντυπώσεων στη ζωγραφική. Αυτό ήταν το καθήκον του κινηματογράφου. Οι ιστορικοί του κινηματογράφου πιστεύουν ότι η αιτία της εμφάνισής του και η ευρεία διάδοση δεν ήταν μόνο τεχνικές ανακαλύψεις, αλλά και η επείγουσα καλλιτεχνική ανάγκη για μια κινούμενη εικόνα και οι εικόνες των ιμπρεσιονιστών, ιδίως του Monet, έγιναν σύμπτωμα αυτής της ανάγκης. Είναι γνωστό ότι ένα από τα οικόπεδα της πρώτης συνόδου κινηματογράφου στην ιστορία, που διοργανώνονται από τους αδελφούς Lumiere το 1895, ήταν η "άφιξη του τρένου". Οι ατμομηχανές, ο σιδηροδρομικός σταθμός, οι ράγες και η πλοκή της σειράς των επτά ζωγραφικής "Σταθμός Saint-Lazar" Monet, που εκτίθεται το 1877
Ο Pierre Auguste Renoir (1841-1919) μαζί με τον Κ. Monte και το A. Sisalem δημιούργησε τον πυρήνα του ιμπρεσιονισμού. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Renoir εργάζεται στην ανάπτυξη ενός ζωντανού, πολύχρωμου καλλιτεχνικού στυλ με ένα εγκεφαλικό επεισόδιο δημητριακών (γνωστό ως στυλ Renoire Renuor). Δημιουργεί πολλά αισθησιακά γυμνά ("Swimsters"). Στη δεκαετία του '80, όλο και περισσότερο στην κλασική σαφήνεια των εικόνων στο έργο του. Το μεγαλύτερο μέρος του Renoir αγάπησε να γράψει εικόνες των παιδιών και των νέων και τις γαλήνιες σκηνές της παριζιάνιας ζωής ("λουλούδια", "νεαρός άνδρας σε μια βόλτα με τα σκυλιά στο δάσος Fontainebleau", "βάζο με λουλούδια", "κολύμπι σε Σηκουάνα", "Λίζα Με μια ομπρέλα "," κυρία στο σκάφος "," αναβάτες στο δάσος Boulogne "," μπάλα στο Le Moulin de la Galette "," Πορτρέτο της Zhanna Samari "και πολλών άλλων). Για το έργο του χαρακτηρίζεται από ελαφρά και διαφανή ζωγραφική τοπία, πορτραίτα, ψαλμωδία αισθητική ομορφιά και τη χαρά της ύπαρξης. Αλλά η Renuclear ανήκει στην ακόλουθη σκέψη: "Για σαράντα χρόνια, πήγα στην ανακάλυψη ότι η βασίλισσα όλων των χρωμάτων είναι μαύρη βαφή." Το όνομα του Renoire είναι συνώνυμο με την ομορφιά και τη νεολαία, που πόρων της ανθρώπινης ζωής, όταν η πνευματική φρεσκάδα και η άνθηση των φυσικών δυνάμεων είναι σε πλήρη αρμονία.
2. ιμπρεσιονισμός στα έργα του Κ. Pisserro, Κ. Monet, Ε. Degas, A. Tuluz-Lotroid
Camille Pisserro (1830-1903) είναι ένας εκπρόσωπος του ιμπρεσιονισμού, ο συγγραφέας του φωτός, καθαρό σε έγχρωμα τοπία ("όργωμα εδάφους"). Για τους πίνακές της, ένα μαλακό διακριτικό γάμμα είναι χαρακτηριστικό. Στην καθυστερημένη περίοδο της δημιουργικότητας, στράφηκε στην εικόνα της πόλης - Ρουέν, Παρίσι (Μονμάρτρη, όπερα, ταξίδι στο Παρίσι). Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του '80. Δοκίμασε την επιρροή του νεο-τουμερισμού. Εργάστηκε και ως πρόγραμμα.
Ο Claude Monet (1840-1926) είναι ένας κορυφαίος εκπρόσωπος του ιμπρεσιονισμού, ο συντάκτης του λεπτού στη γεύση, φωτίζεται από το φως και τον αέρα των τοπίων. Σε μια σειρά από "στοίβα", ο καθεδρικός ναός του Ruenan, προσπάθησε να συλλάβει το φευγαλέα, στιγμιαίες καταστάσεις του ελαφρού μέσου σε διαφορετικές ώρες της ημέρας. Από το όνομα του τοπίου της εντύπωσης του Monet. Ο ανερχόμενος ήλιος συνέβη και το όνομα της κατεύθυνσης είναι ιμπρεσιονισμός. Σε μεταγενέστερη περίοδο, τα χαρακτηριστικά της υπόκαμψης εμφανίστηκαν στο έργο του Κ. Monet.
Το δημιουργικό χειρόγραφο του Edgar Degara (1834-1917) είναι ιδιόμορφη για την τέλεια ακριβή παρατήρηση, το αυστηρότερο πρότυπο, αφρώδη, εξαιρετικά όμορφη γεύση. Έγινε διάσημος για ελεύθερη ασύμμετρη γωνιακή σύνθεση, γνώση των εκφράσεων του προσώπου, θέτει και χειρονομίες ανθρώπων διαφορετικών επαγγελμάτων, ακριβή ψυχολογικά χαρακτηριστικά: "μπλε χορευτές", "αστέρι", "τουαλέτα", "gladilsman", "υπόλοιπο χορευτών". Η Degas είναι ένας θαυμάσιο κύριο πορτρέτο. Υπό την επιρροή του Ε. Μάνα, μετακόμισε στο εγχώριο είδος, που απεικονίζει το πλήθος του Παρισιού, τα εστιατόρια, τα άλματα, τους χορευτές μπαλέτου, τα πλυντήρια, την αγένεια των ασθενειών της Smug. Εάν τα έργα της Mana φωτεινά και χαρούμενα, τότε οι Degas ζωγραφίζονται με θλίψη και απαισιοδοξία.
Είναι στενά συνδεδεμένο με τον ιμπρεσιονισμό και το έργο της Henri Toulouse-Lotrek (1864-1901). Εργάστηκε στο Παρίσι, όπου ζωγράφισε χορευτές και τραγουδιστές από καμπαρέ και πόρνες με τον ειδικό του τρόπο, διακρίνονται από φωτεινά χρώματα, θάρρος της σύνθεσης και λαμπερή τεχνική. Οι λιθογραφικές αφίσες του απολάμβαναν μεγάλη επιτυχία.
3. Impressionism σε γλυπτική και μουσική
Ο σύγχρονος και συνεργάτης των ιμπρεσιονιστών ήταν ο μεγάλος γάλλος γλύπτης Auguste Roden (1840-1917). Η δραματική, παθιασμένη, ηρωικά αυξημένη τέχνη δοξάζει την ομορφιά και την ευγενείς του ανθρώπου, διαπερνάται με μια συναισθηματική ώθηση (ομάδα "φιλί", "στοχαστής", κλπ.) Χαρακτηρίζεται από το θάρρος της ρεαλιστικής αναζήτησης, τη ζωτικότητα των εικόνων , μια ενεργητική γραφική μοντελοποίηση. Το γλυπτό έχει μια υγρή μορφή, γίνεται σαν ένας ημιτελής χαρακτήρας, ο οποίος σχετίζεται με την εργασία του με τον ιμπρεσιονισμό και ταυτόχρονα επιτρέπει την εντύπωση της οδυνηρής γέννησης των μορφών από αυθόρμητη άμορφη ύλη. Αυτές οι ιδιότητες σε συνδυασμό με τις δραματικές ιδέες, την επιθυμία για φιλοσοφικές αντανακλάσεις ("Εποχή του Χαλκού", "Kale Kale"). Ο καλλιτέχνης Claude Monet τον κάλεσε το μεγάλο από το μεγάλο. Ο Roden ανήκει στις λέξεις: "Γλυπτική είναι η τέχνη των εσοχών και των εξογκώσεων".