Δημοσιεύσεις του τμήματος των μουσείων

Αρχαία Ρωμαϊκή τραγωδία, ο οποίος έχει γίνει Triumph Carl Bryullov

Στις 23 Δεκεμβρίου, το 1799, ο Karl Brullov γεννήθηκε. Ο γιος του γλύπτη της γαλλικής προέλευσης του πεδίου σφαίρας, ο Καρλ ήταν ένα από τα επτά παιδιά της οικογένειας. Οι αδελφοί του Παύλος, ο Ιβάν και ο Fedor έγιναν επίσης ζωγράφοι, και ο αδελφός Αλέξανδρος - αρχιτέκτονας. Ωστόσο, το πιο διάσημο ήταν ο Καρλ, ο οποίος έγραψε το ύφασμα "Τελευταία Ημέρα Πομπηία" το 1833 - το κύριο έργο της ζωής του. Το "culture.rf" θυμήθηκε πώς δημιουργήθηκε από τον καμβά.

Karl Bromlov. Αυτοπροσωπογραφία. 1836.

Ιστορία της δημιουργίας

Η εικόνα γράφτηκε στην Ιταλία, όπου το 1822 ο καλλιτέχνης πήγε σε ένα συνταξιούχο ταξίδι από την αυτοκρατορική Ακαδημία Τέχνων για τέσσερα χρόνια. Αλλά έζησε εκεί για 13 χρόνια.

Το οικόπεδο λέει για την αρχαία ρωμαϊκή τραγωδία - ο θάνατος της αρχαίας πόλης της Πομπηίας, που βρίσκεται στους πρόποδες της Βεζούβιας: 24 Αυγούστου 79 Ν. μι. Η έκρηξη του ηφαιστείου έλαβε τη ζωή δύο χιλιάδων κατοίκων.

Το 1748, ο στρατιωτικός μηχανικός Rockke de Alcubierre ξεκίνησε αρχαιολογικές ανασκαφές στον τόπο της τραγωδίας. Το άνοιγμα της Πομπηίας έγινε μια αίσθηση και αντανακλάται στο έργο διαφορετικών ανθρώπων. Έτσι, το 1825 εμφανίστηκε η όπερα Giovanni Pacini και το 1834 - ο ιστορικός Ρωμαίος του Αγγλικού Edward Bullver-Litton, αφιερωμένος στον θάνατο της Πομπηίας.

Ο Μπρλουόφ επισκέφθηκε για πρώτη φορά τον τόπο ανασκαφών το 1827. Πηγαίνοντας στα ερείπια, έναν 28χρονο καλλιτέχνη και δεν υποψιάζονταν ότι αυτό το ταξίδι θα ήταν μοιραία γι 'αυτόν: "Δεν μπορείτε να περάσετε αυτά τα ερείπια, χωρίς να αισθάνεστε στον εαυτό σας κάποιο εντελώς νέο συναίσθημα, αναγκάζοντας τα πάντα για να ξεχάσετε, εκτός από το τρομερό περιστατικό με την πόλη Sim", "Ο καλλιτέχνης έγραψε.

Τα συναισθήματα που ο Karl Brullov έμπειρος στις ανασκαφές δεν τον άφησε. Έτσι γεννήθηκε η ιδέα του καμβά στο ιστορικό θέμα. Εργασία στο οικόπεδο, ο ζωγράφος σπούδασε αρχαιολογικές και λογοτεχνικές πηγές. "Πήρα αυτό το τοπίο από τη φύση, να μην υποχωρήσω καθόλου και να μην προσθέσω, να στέκεστε στην πύλη της πόλης πίσω για να δούμε το μέρος της Βεζούβιας ως τον κύριο λόγο.". Οι Ιταλοί έγιναν μοντέλα για χαρακτήρες - απόγονοι των αρχαίων κατοίκων της Πομπηίας.

Στη διασταύρωση του κλασικισμού και του ρομαντισμού

Σε αυτό το έργο, ο Bryullov δεν είναι παραδοσιακός κλασσικός, αλλά ένας καλλιτέχνης της ρομαντικής κατεύθυνσης. Έτσι, το ιστορικό του οικόπεδο είναι αφιερωμένο όχι σε έναν ήρωα, αλλά τις τραγωδίες όλων των ανθρώπων. Και ως οικόπεδο, επέλεξε όχι μια εξιδανικευμένη εικόνα ή μια ιδέα, αλλά ένα πραγματικό ιστορικό γεγονός.

Είναι αλήθεια ότι η σύνθεση της ζωγραφικής BrouLlov βασίζεται στις παραδόσεις του κλασικισμού - ως κύκλος μεμονωμένων επεισοδίων που περικλείονται σε ένα τρίγωνο.

Στο αριστερό μέρος της ζωγραφικής στο δεύτερο σχέδιο, πολλοί άνθρωποι απεικονίζονται στα βήματα ενός μεγάλου κτιρίου του τάφου του σκάφους. Μια γυναίκα κοιτάζει ευθεία στον θεατή, στην οποία η τρόμος διαβάζεται στα μάτια. Και πίσω από αυτό - ένας καλλιτέχνης με συρτάρι χρωμάτων στο κεφάλι: αυτό είναι ένα αυτοπροσωπογραφία του Bullov, ο οποίος ανησυχεί η τραγωδία μαζί με τους χαρακτήρες του.

Πιο κοντά στον θεατή - ένα παντρεμένο ζευγάρι με τα παιδιά, που προσπαθεί να ξεφύγει από τη Λάβα, και στο προσκήνιο η γυναίκα πιέζει τις κόρες του ... δίπλα της - ο χριστιανικός ιερέας που έχει ήδη επιφυλάξει τη μοίρα του και λόγω ηρεμίας. Στα βάθη της εικόνας, βλέπουμε τον παγανιστικό ρωμαϊκό ιερέα που προσπαθεί να ξεφύγει, να φέρει τελετουργικές αξίες. Εδώ, ο Bryullov συμβουλεύει το φθινόπωρο του αρχαίου παγανιστικού κόσμου των Ρωμαίων και η επίθεση της χριστιανικής εποχής.

Στη δεξιά πλευρά της ζωγραφικής στο δεύτερο σχέδιο, ο αναβάτης απεικονίζεται σε ένα άλογο, το οποίο στάθηκε στο ραπ. Και πιο κοντά στον θεατή - ο γαμπρός αγκαλιάστηκε από τη φρίκη, η οποία προσπαθεί να κρατήσει τη νύφη του στα χέρια της (σε αυτό ένα στεφάνι από τριαντάφυλλα), που έχασε τη συνείδηση. Στο προσκήνιο - δύο γιοι φέρουν τον πατέρα του γέρου τους στην αγκαλιά της. Και δίπλα τους - ο νεαρός άνδρας, παρακαλώντας τη μητέρα του να ανέβει και να τρέξει περαιτέρω από αυτό το καταναλωτικό στοιχείο. Με την ευκαιρία, αυτός ο νεαρός δεν είναι κανείς άλλος, όπως ο Πλούσιος νεαρός, πραγματικά έσωσε και άφησε τις αναμνήσεις του για την τραγωδία. Εδώ είναι ένα απόσπασμα από την επιστολή του Tacitis: "Κοιτάζω πίσω. Πυκνή μαύρη ομίχλη, που ρέει γύρω από το έδαφος, μας ξεπερνάει. Υπήρχε μια νύχτα, σε αντίθεση με το φεγγάρι ή το σύννεφο: συμβαίνει τόσο σκοτεινό μόνο στην αίθουσα ατμομηχανής κατά τη διάρκεια των σβησμένων φώτων. Οι κραυγές των γυναικών ακούστηκαν, ένα τσίμπημα των παιδιών και μια κραυγή ανδρών, μερικοί κούνησε τους γονείς τους, άλλα παιδιά ή συζύγους και προσπάθησαν να τους γνωρίσουν σε ψήφους. Κάποιοι θρηνούσαν το θάνατό τους, άλλο θάνατο των αγαπημένων, μερικοί από φόβο πριν από το θάνατο προσεύχονται για το θάνατο. Πολλοί έχουν πάει τα χέρια στους θεούς. Οι περισσότεροι εξήγησαν ότι το πουθενά και κανένας θεός και για τον κόσμο είναι η τελευταία αιώνια νύχτα ".

Δεν υπάρχει κύριος χαρακτήρας στην εικόνα, αλλά υπάρχουν κεντρικά: ένα παιδί δημητριακών κοντά στο ανοιχτό σώμα της αποθανισμένης μητέρας του σε ένα κίτρινο χιτώνα - ένα σύμβολο της πτώσης του παλιού κόσμου και τη γέννηση ενός νέου, αυτής της αντιπολίτευσης Η ζωή και ο θάνατος είναι στις καλύτερες παραδόσεις του ρομαντισμού.

Σε αυτή την εικόνα, ο Bryullov έδειξε τον εαυτό του και ως πρωτοπόρος, χρησιμοποιώντας δύο πηγές φωτός - ζεστό κόκκινο φως στο παρασκήνιο, μεταδίδοντας την αίσθηση της επικείμενης λάβας και ένα κρύο πρασινωπό-μπλε στο προσκήνιο, προσθέτοντας το οικόπεδο του πρόσθετου θεατρικού συγγραφέα.

Μια φωτεινή και κορεσμένη γεύση αυτής της ζωγραφικής παραβιάζει επίσης τις κλασικές παραδόσεις και σας επιτρέπει να μιλήσετε για τον καλλιτέχνη ως ρομαντισμό.

Triumphal March Pattern

Ο Karl Bryullov εργάστηκε στον ιστό για έξι χρόνια - από το 1827 έως το 1833.

Για πρώτη φορά, η εικόνα εκπροσωπήθηκε από το κοινό το 1833 στην έκθεση στο Μιλάνο - και αμέσως παρήγαγε τη Φούρο. Ο καλλιτέχνης τιμήθηκε ως ρωμαϊκές θριαμβευτικές, μια επανάληψη κριτικών στον τύπο που έγραψε για την εικόνα. Ο Bryullov γιορτάστηκε στο δρόμο με χειροκροτήματα και κατά τη διάρκεια των κινήσεών του στα σύνορα των ιταλικών κυριαρχίας δεν απαιτούσε διαβατήρια: πιστεύεται ότι κάθε Ιταλός τον γνωρίζει ήδη στο πρόσωπό του.

Το 1834 παρουσιάστηκε η "Τελευταία Ημέρα Πομπηία" στο σαλόνι του Παρισιού. Η γαλλική κριτική δεν ήταν ένα παράδειγμα ιταλικής αξίας. Αλλά οι επαγγελματίες εκτιμούσαν την εργασία με αξιοπρέπεια, παραδίδοντας το χρυσό μετάλλιο της Γαλλικής Ακαδημίας Τεχνών από τον Bullylov.

Ο καμβάς έκανε μια αίσθηση στην Ευρώπη και τον προσβλέπει στη Ρωσία. Την ίδια χρονιά στάλθηκε στην Αγία Πετρούπολη. Βλέποντας την εικόνα, η Nikolai εξέφρασε μια επιθυμία να συναντήσω προσωπικά τον συγγραφέα, αλλά ο καλλιτέχνης πήγε με το γράφημα Vladimir Davyov σε ένα ταξίδι στην Ελλάδα και επέστρεψε στην πατρίδα του μόνο το Δεκέμβριο του 1835.

Στις 11 Ιουνίου 1836, στην κυκλική αίθουσα της Ρωσικής Ακαδημίας Τεχνών, όπου εκτέθηκε η ζωγραφική "Τελευταία Ημέρα Πομπηία", τίμησε τους επισκέπτες, τα μέλη της Ακαδημίας, οι καλλιτέχνες και οι οπαδοί της ζωγραφικής συγκεντρώθηκαν. Ο συγγραφέας του καμβά, "Veliky Karla", έφερε στην αίθουσα στα χέρια τους κάτω από τις ενθουσιώδεις κραυγές των επισκεπτών. "Πλήθος επισκεπτών, μπορείτε να πείτε, έσπασε στις αίθουσες της Ακαδημίας για να δείτε το" Πομπηίο ", "Οι σύγχρονες γράφοντες και ο μάρτυρας αυτής της επιτυχίας ίσος με τον οποίο δεν γνώριζε κανένας ρωσικός καλλιτέχνης.

Ο πελάτης και ο ιδιοκτήτης της ζωγραφικής Anatoly Demidov το παρουσίασαν στον αυτοκράτορα και η Nikolai την έβαλα στο Ερμιτάζ, όπου βρισκόταν για 60 χρόνια. Και το 1897 μεταφράστηκε στο ρωσικό μουσείο.

Η εικόνα συμφώνησε κυριολεκτικά σε όλη τη ρωσική κοινωνία και τα καλύτερα μυαλά εκείνης της εποχής.

Τέχνη ειρηνικά τρόπαια
Συνεισφέρετε στο μοντέλο Deceo.
Και ήταν η "τελευταία μέρα Πομπηία",
Για ρωσική βούρτσα πρώτη μέρα! -

Δημοσιεύτηκε για την εικόνα Poet Yevgeny Bratansky.

Ο Αλέξανδρος Πούσκιν επίσης αφιερώνει ποιήματα σε αυτήν:

Ο Vesuvius Zev άνοιξε - καπνός κρεμασμένο το σύλλογο, τη φλόγα
Αναπτύχθηκε ευρέως ως πανό μάχης.
Η Γη ανησυχεί - με μια σοβαρά στήλες
Τα είδωλα πέφτουν! Οι άνθρωποι διώκονται από το φόβο
Κάτω από πέτρινη βροχή, κάτω από φλεγμονή βιασύνη,
Πλήθη, παλιά και νεαρά, εξαντλούνται βαθμοί.

Αναφέρετε "Τελευταία Ημέρα Πομπηία" και Mikhail Lermontov στο μυθιστόρημα "Princess Ligovskaya": "Αν αγαπάτε την τέχνη, τότε μπορώ να πω μια πολύ ευχάριστη νέα: την εικόνα του BulloV" Τελευταία Ημέρα Πομπηία "στην Αγία Πετρούπολη. Ήξερα όλη την Ιταλία γι 'αυτήν, οι Γάλλοι θρυμούσαν "- Ο Lermontov γνώριζε σαφώς τις αναθεωρήσεις του Παρισιού.

Ο Ρώσος ιστορικός και ταξιδιώτης Αλέξανδρος Turgenev δήλωσε ότι αυτή η εικόνα ήταν η δόξα της Ρωσίας και της Ιταλίας.

Και η Nikolay Gogol αφιερώθηκε ένα μεγάλο άρθρο γράφοντας: "Μια βούρτσα το κατέχει από μόνη της την ποίηση που αισθάνεστε απλά και μπορείτε πάντα να γνωρίζετε: τα συναισθήματά μας πάντα γνωρίζουν και βλέπουν ακόμη διακριτικά σημάδια, αλλά ποτέ δεν θα πουν τα λόγια τους. Ο χρωματισμός του τόσο μακριά, ο οποίος δεν ήταν ποτέ σχεδόν ποτέ πριν, τα χρώματα του καίγονται και ποτούσαν. Θα ήταν αφόρητες, αν ο καλλιτέχνης είχε πτυχίο κάτω από τον Bryullov, αλλά κλίνει σε αυτή την αρμονία και αναπνέει στην εσωτερική μουσική, η οποία πραγματοποιήθηκε από ζωντανά αντικείμενα της φύσης ".

Στις 3 Δεκεμβρίου 1961, σημειώθηκε ένα γεγονός ορόσημο στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Νέας Υόρκης - η εικόνα του Matisse "Boat", η οποία 46 ημέρες αντιστάθηκε στη στρογγυλή εξωτερική μορφή, γύρισε σωστά. Αξίζει να πούμε ότι αυτό δεν είναι μια αστεία περίπτωση που σχετίζεται με τις εικόνες των μεγάλων καλλιτεχνών.

Ο Pablo Picasso συνέταξε ένα από τα περίφημα πορτρέτα του σε λιγότερο από 5 λεπτά

Κάπως ένας από τους γνωστούς Pablo Picasso, λαμβάνοντας υπόψη τα νέα έργα του είπε ειλικρινά στον καλλιτέχνη: "Λυπούμαστε, αλλά δεν μπορώ να το καταλάβω αυτό. Τέτοια πράγματα απλά δεν υπάρχουν. " Τι Picasso Parried: "Εσείς και οι Κινέζοι δεν καταλαβαίνουν. Αλλά εξακολουθεί να υπάρχει. " Ωστόσο, ο Picasso δεν κατάλαβε πολλά. Κάπως, προσέφερε το Ehrenburg στον ρωσικό συγγραφέα, τον καλό του φίλο, γράψε το πορτρέτο του. Συμφωνήθηκε ευτυχώς, αλλά δεν είχε χρόνο να μείνει σε μια καρέκλα να θέσει, όπως είπε ο καλλιτέχνης όλα είναι έτοιμα.

Το Ehrenburg εξέφρασε έκπληξη στην ταχύτητα εκτέλεσης της εργασίας, επειδή δεν ήταν για 5 λεπτά, για τους οποίους απάντησε ο Πικάσο: «Σας ξέρω 40 χρόνια. Και όλα αυτά τα 40 χρόνια έμαθα να γράφω πορτρέτα σε 5 λεπτά. "

Η Ilya Repin βοήθησε να πουλήσει μια φωτογραφία που δεν έγραψε

Μια κυρία που απέκτησε στην αγορά μόνο για 10 ρούβλια μια εντελώς ταλέντο εικόνα, στην οποία η υπογραφή "I. Rupin υπερηφανεύεται με υπερηφάνεια. Όταν η κόκκινη ζωγραφική έδειξε αυτό το έργο στο Ilya Efimovich, γέλασε και προσθέτει "δεν επαναλαμβάνει" και βάζει τον αυτόγραφο του. Μετά από λίγο, μια επιχειρηματική κυρία πώλησε την εικόνα ενός άγνωστου καλλιτέχνη με αυτόγραφο του μεγάλου κύριου για 100 ρούβλια.

Αρκούδα στη διάσημη ζωγραφική Shishkin Drew άλλου καλλιτέχνη

Στο περιβάλλον των καλλιτεχνών, υπάρχει ένας άγνωστος νόμος - μια επαγγελματική αμοιβαία εκτέλεση. Μετά από όλα, ο καθένας από αυτούς δεν έχει μόνο αγαπημένα οικόπεδα και πλεονεκτήματα, αλλά και αδυναμίες, οπότε γιατί να μην βοηθάτε ο ένας τον άλλον. Επομένως, είναι γνωστό ότι για τη ζωγραφική "Πούσκιν στην ακτή" της φιγούρας AIVazovsky της μεγάλης ποιητής ζωγραφισμένης repin, και για τη ζωγραφική της Levitan "Ημέρα του φθινοπώρου. Sokolniki "Dama σε μαύρο χρώμα Nikolai Chekhov. Ο παίκτης του τοπίου Shishkin, ο οποίος μπορούσε να αντλήσει κάθε λεπίδα και μια μάσηση στις ζωγραφιές του, όταν δημιουργεί μια ζωγραφική "πρωί στο πεύκο bor", οι αρκούδες δεν αποκτήθηκαν. Ως εκ τούτου, οι αρκούδες για το περίφημο Shishkin Canvase ζωγραφισμένο Savitsky.

Ένα κομμάτι ινιδολίτη, πάνω από το οποίο απλά χύθηκε σε χρώμα, έγιναν ένα από τα πιο ακριβά πίνακα

Η πιο ακριβή εικόνα στον κόσμο το 2006 ήταν ένας καμβάς του Jackson Poloka "Αριθμός 5, 1948". Σε μία από τις δημοπρασίες, η εικόνα πήγε για 140 εκατομμύρια δολάρια. Μπορεί να φαίνεται αστείο, αλλά πάνω από τη δημιουργία αυτής της ζωγραφικής, ο καλλιτέχνης ειδικά "δεν ενοχλεί": απλά χύθηκε το χρώμα σε ένα κομμάτι φιορίτης που ορίζεται στο πάτωμα.

Ο Rubens κρυπτογραφήθηκε τη ζωγραφική του στα αστέρια

Οι ιστορικοί και οι επιστήμονες τέχνης για μεγάλο χρονικό διάστημα δεν μπορούσαν να καθορίσουν την ημερομηνία δημιουργίας ενός από τα πιο διάσημα φασόλια του Rubens - τις εικόνες της "γιορτής των θεών στον Όλυμπο". Το μυστήριο επιτρέπεται μόνο αφού οι αστρονόμοι κοίταξαν την εικόνα. Αποδείχθηκε ότι οι χαρακτήρες στην εικόνα ήταν με ακρίβεια την ίδια σειρά, καθώς οι πλανήτες βρίσκονταν στον ουρανό το 1602.

Logo "chupa chups" ζωγραφισμένα στον κόσμο διάσημο surrealist

Το 1961, ο Enrik Bernata, ο ιδιοκτήτης της εταιρείας "Chupa Chups", στράφηκε στον καλλιτέχνη El Salvador Dali με ένα αίτημα να βρει μια εικόνα για ένα περιτύλιγμα καραμελών. Dailed το αίτημα που εκτελέστηκε. Σήμερα είναι μια εικόνα, αν και σε μια κάπως τροποποιημένη μορφή, αναγνωρίσιμη στα γλειφιτζούρια αυτής της εταιρείας.

Πρέπει να σημειωθεί ότι το 1967 στην Ιταλία με την ευλογία του Pope Roman, μια μοναδική έκδοση της Βίβλου απελευθερώθηκε με τις εικονογραφήσεις του Σαλβαδόρ.

Το πιο ακριβό πρότυπο αλεύρι φέρνει ατυχία

Η εικόνα του λάσπης "Creek" πωλήθηκε σε δημοπρασία για 120 εκατομμύρια δολάρια και είναι σήμερα η πιο ακριβή εικόνα αυτού του καλλιτέχνη. Λέγεται ότι το Munch, του οποίου η διαδρομή ζωής - η πίστωση τραγωδία, βάλτε τόσο πολύ καύση σε αυτήν που η εικόνα έχει απορροφήσει την αρνητική ενέργεια και παίρνει τους παραβάτες.

Ένα από τα προσωπικά του Μουσείου Mulk κατά κάποιον τρόπο πέφτει κατά λάθος την εικόνα, μετά την οποία άρχισε να υποφέρεται από τρομερά πονοκεφάλους, οι οποίοι οδήγησαν αυτό το άτομο να αυτοκτονήσει. Ένας άλλος υπάλληλος του Μουσείου που δεν κατάφερε να κρατήσει την εικόνα, κυριολεκτικά μέσα από λίγες μπήκε σε ένα τρομερό αυτοκινητιστικό ατύχημα. Και ο επισκέπτης του μουσείου, ο οποίος επέτρεψε στον εαυτό του να αγγίξει την εικόνα, μετά από κάποιο χρονικό διάστημα καίγεται σε μια πυρκαγιά ζωντανή. Ωστόσο, δεν αποκλείεται ότι είναι μόνο συμπτώσεις.

Η "μαύρη πλατεία" Malevich έχει έναν "μεγαλύτερο αδελφό"

Το "Black Square", το οποίο είναι ίσως η πιο διάσημη εικόνα του Καζιμίρ Malevich, είναι ένα πανί των 79,5 * 79,5 εκατοστά, στις οποίες η μαύρη πλατεία εμφανίζεται σε λευκό φόντο. Ο Malevich έγραψε την εικόνα του το 1915. Και το 1893, 20 ετών στο Malevich, Alfons Alla, γαλλικός χιούμορ συγγραφέας, έσυρε τη "μαύρη πλατεία" του. Είναι αλήθεια, η εικόνα του Alla "Μάχη των Μαύρων σε ένα βαθύ σπήλαιο σκοτεινό τη νύχτα" κλήθηκε.

Το βράδυ. Λεονάρντο Ντα Βίντσι.

Κάπως στο δρόμο, ο καλλιτέχνης είδε έναν μεθυσμένο, ο οποίος ανεπιτυχείς προσπάθησε να βγει από το cesspool. Ο Da Vinci τον πήρε σε ένα από τα τελετουργικά ιδρύματα, κάθισε και άρχισε να σχεδιάζει. Ποια ήταν η έκπληξη του καλλιτέχνη, πότε, το κάπνισμα, ο Drunkard παραδέχθηκε ότι πριν από αρκετά χρόνια είχε ήδη πάρει τον. Αποδείχθηκε ότι αυτό είναι το πιο απλό.

Καμβά, λάδι. 144 κατά 162 cm

Για πρώτη φορά είδα μια εικόνα ... Πιο συγκεκριμένα, πρέπει να πω, φυσικά, έτσι: έμαθα για την ύπαρξη αυτής της ζωγραφικής από τον κ. Bean με τη συμμετοχή του Rowen Atkinson. Μιλάμε για την παραγωγή ταινιών πλήρους μήκους του 1997 και όχι για την τηλεοπτική σειρά των 14 επεισοδίων (από το 1990 έως το 1995). Έτσι, σύμφωνα με το οικόπεδο της ταινίας, η εικόνα του James Whistler αγοράστηκε από το Γαλλικό Μουσείο της Γαλλίας με έναν πλούσιο και δωρεά στην γκαλερί τέχνης του Λος Άντζελες. Ο κηδεμόνας της Βασιλικής Βρετανικής Γκαλερί κ. Bean είναι ακατάλληλος, αλλά απεγνωσμένα απελπισμένα το κεφάλι της μητέρας του καλλιτέχνη. Πάνω από τις περιστάσεις αυτής της φρίκης ακόμα γέλασαν και εξακολουθούν να γελούν εκατοντάδες εκατομμύρια ανθρώπων σε όλο τον κόσμο. Και ήμουν σε γενικές γραμμές, δεν ήμουν μικρότερος από τους πιο ατυχές κ. Bina.

Rena Magritte "Κάστρο στα Πυρηναία"

Η εικόνα δεν ονομάζεται το κάστρο του αέρα! Και γιατί πρέπει να είναι τόσο καλούμενος, επειδή οι κλειδαριές αέρα είναι κάτι εφήμερο, αδύνατο προς πώληση, από την περιοχή των μη πραγματοποιηθέντων ονείρων και μάταιων ελπίδων. Και μπροστά μας την ενσάρκωση της μεγάλης βαρύτητας, της μάζας, του πέτρινου κάστρου-αστεροειδούς. Κρεμάστε το πάνω από τη θάλασσα και αφαιρέστε, επομένως, μόνο μια μάζα θα μπορούσε να σουρεγίσει μόνο. Μετά από όλα, ο σουρεαλισμός, έχει τελειώσει, κάτω από, πάνω, πάνω στο πλάι ... οπουδήποτε, αλλά όχι η ίδια η πραγματικότητα! Λοιπόν, ακόμη και αν ο ίδιος ο Magritte είπε ότι ο σουρεαλισμός είναι πραγματικότητα, απελευθερωμένος από το banal νόημα. Παίξτε λέξεις και μπορώ και μπορώ να πω πολλά πράγματα ... αλλά δεν ξέρω πώς να σχεδιάσω. Και η Rena Magritte αποφάσισε να κλείσει τη γη σε οτιδήποτε και επέστρεψε Le Château des Pyrénées - Κάστρο στα Πυρηναία. Είναι πολύ πιθανό ένας άλλος καλλιτέχνης James Cameron, αλλά σε 50 χρόνια, θα συμπληρώσει την έννοια του στην ύπαρξη κατοικιών πέτρας χωρίς βαρύτητα

Vasily Ivanovich Surikov "Boyajna Morozova". Καμβά, λάδι. 304 στο 587,5 (1887)

"Buar Morozova" - Ένα από τα διάσημα ιστορικά κανάλια της Σουρκόβα. Για πολλές παραμέτρους, μου θυμίζει μια εικόνα "", γραμμένη σε 6 χρόνια πριν "Boyari Morozova", αν και η ιδέα να σχεδιάσει έναν φίλο ήρθε στο Surikov το 1881, το έτος της σύνταξης της "πρωινής εκτέλεσης". Δεν θα μιλήσω για την τεχνική της εκτέλεσης, θα μιλήσω για το οικόπεδο. Και εκεί και εδώ είναι μια δίκη των κοσμημάτων. Το 1881, ο Surikov περιγράφει την καταστροφή της τάξης του Streetsky και το 1887 - στη σφαγή πάνω από την παλιά χεριού. Και υπάρχουν μάρτυρες του Δικαστηρίου - άνθρωποι, πόλη, κτίρια. Στην "Εκτέλεση του πρωινού Streletzka", ο καθεδρικός ναός του βασιλικού ευλογημένους κρέμεται πάνω από τους τοξότες, στο "Boyaryn Morozova" τα θαύματα του μοναστηριού παίρνουν ένα σημάδι Biassanite από τον διαχωριστή. Και εκεί και υπάρχουν δύο αλήθειες: η αλήθεια του Streltsov και η μεταρρυθμιστική Pravda Peter i. Ο αληθινός πατριάρχης Nikon, ο μεταρρυθμιστής της εκκλησίας και η αλήθεια του Raskolnikov. Αυτά, αυτές οι διαφορετικές ρωσικές αλήθειες, φράζουν ο ένας τον άλλον τότε δεν στη ζωή, αλλά μέχρι το θάνατο. Στη συνέχεια, τότε που σήμερα γνωρίζαμε μόνο μία αλήθεια - ο Πέτρος ήμασταν ο μεγάλος ρωσικός βασιλιάς, ο αυτοκράτορας μεταρρυθμιστής και οι παλιές πιστοί, οι οποίοι σήμερα είναι μόνο περίπου ένα εκατομμύριο άνθρωποι, όχι περισσότερο από το εξωτικό της Ορθοδοξίας.

Καμβά, λάδι. 199,5 κατά 254 cm

Άλλος τίτλος εικόνας - " Ο Ιβάν ο τρομερός σκοτώνει το γιο του" Αν κοιτάξετε την εικόνα της ilea repin "άοπλοι" μάτι, μπορείτε να δείτε μια μεγάλη τραγωδία. Στην αγκαλιά της, ο πατέρας πεθαίνει, από τη θανατηφόρα πληγή, τον αγαπημένο γιο του. Τα μάτια του βασιλιά είναι γεμάτα θλίψη και απελπισία, φόβο και πόνο για έναν εγγενή άνθρωπο. Ο πατέρας σαν να άρπαξε το κεφάλι του Tsarevich από τα χτυπήματα, προσπαθεί να σώσει τον γιο του από ένα άγνωστο κακό που αφορούσε τη ζωή του. Και εδώ είναι η δολοφονία; Τι λέει το όνομα της εικόνας "Ivan Grozny σκοτώσει το γιο του"; Είναι τόσο σκοτωμένο;! Πραγματικά ο βασιλιάς με θυμό χτύπησε το γιο του, και έτσι πέθανε επί τόπου;

Καμβά, λάδι, 1533, 207 κατά 209 cm

Για άλλη μια φορά είμαι πεπεισμένος ότι ο χρόνος του καλλιτέχνη, των ανθρώπων, των περιβαλλοντικών, πολιτικών και θρησκευτικών κινήσεών του στην κοινωνία - όλα αυτά επηρεάζουν άμεσα το έργο του, αντανακλώνται στα έργα. Η σκέψη φαίνεται προφανής, αλλά πολλοί καλλιτέχνες ισχυρίζονται, λένε, δεν κάνουν στο εξωτερικό, το κύριο πράγμα γι 'αυτούς είναι να δημιουργήσουν. Αυτό γράφεται λεπτομερέστερα και το θέμα προκάλεσε σημαντική συζήτηση.

Ετσι, Hans Golbien Jr. (1497 - 1543), Γερμανός καλλιτέχνης και του Εικόνα "πρεσβευτής".

Το 1529, ο αγγλικός βασιλιάς Heinrich VIII γύρισε στο Πάπα με ένα αίτημα να τερματίσει τον γάμο του, ώστε να μπορούσε να παντρευτεί ένα άλλο, η Άννα Boleyn. Ο μπαμπάς αρνήθηκε, τότε ο βασιλιάς έσπασε τη σχέση με το Βατικανό και το 1534 ο ίδιος έγινε ο επικεφαλής της αγγλικής εκκλησίας. Έτσι, η εκκλησία ξεκίνησε στην Αγγλία, ή με άλλο τρόπο - η αναμόρφωση.

Λάδι, θερμοκρασία, παστέλ, χαρτόνι, 91 x 73,5 cm

Εικόνα "Creek" Η πιο διάσημη εικόνα του νορβηγικού καλλιτέχνη Edward manka (1863 - 1944), μία από τις πιο εκφραστικές εξουσίες του εξπρεσιονισμού. Μια τέτοια εικόνα των σύγχρονων εκδότες της μαζικής λογοτεχνίας θα μπορούσε να βάλει με βεβαιότητα μια επιλογή με τον τίτλο των "δέκα πιο τρομακτικών έργων ζωγραφικής στην ιστορία".

Το έργο γίνεται από τον καλλιτέχνη, τουλάχιστον σε πέντε εκδόσεις (δύο επιλογές - ελαιογραφία, δύο επιλογές - παστέλ, μία επιλογή - λιθογραφία) και αποτελεί σγουρό παράδειγμα της κατανόησης της ζωγραφικής με έναν ευρύ κύκλο θεατών. Η ζωγραφική μιας πολύπλοκης συναισθηματικής μπάλας, η ζωγραφική δεν είναι εξωτερικές μορφές και χρώματα, και η εσωτερική βουτιά, που μεταδίδεται με βούρτσα και χρώματα, αισθάνονται σαφώς και αναιλιγμένα από τους ανθρώπους. Τι θέλατε να πείτε Edward munk.; Κατά τη γνώμη μου, απλά ότι ήθελα, είπα! Και ο καθένας άκουσε: Πολλές αναφορές στη μαζική κουλτούρα, ενθουσιασμό μεταξύ των συλλεκτών, απευθύνεται στον "κραυγή" άλλων καλλιτεχνών, η μαζική ερμηνεία των ιστορικών τέχνης, οι ψυχίατρο, οι κοινωνιολόγοι, απλά μεγάλα χρήματα σε δημοπρασίες, και, όπως ορθώς γιορτάζεται, τα χρήματα καταβάλλονται όχι τόσο για το όνομα του ζωγράφου, πόσο είναι για το ίδιο το έργο. Και όλα αυτά είναι η μία πλευρά της θήκης ...

Εγχειρίδιο χρωμάτων, 23,9 × 18,8 cm

Η εικόνα αυξάνεται

"Περπατήστε, αλλιώς θα πέσετε στην ταινία και τη λήξη ... Θυμηθείτε ότι πρέπει να εκπληρώσετε την αποστολή ότι ο Providence σας διόρισε. Όταν έρθει η ώρα, θα ανοίξει τα μάτια σας και θα κατευθύνει στην επιθυμητή διαδρομή. Να είστε πάντα έτοιμοι για αυτό ... ακούστε προσεκτικά, και θα ακούσετε πότε η κλήση θα ακούγεται!

Αρχαίοι αστρολόγοι για τον Κρόνο

Η φτερωτή γυναίκα κάθεται στη σκέψη, περιβάλλει αντικείμενα: μέτρηση, εργαλεία ξυλουργικής. Σε κοντινή απόσταση είναι μια μπάλα (ίσως είναι ξύλινο, θερμαινόμενο πρόσφατα). Η αφθονία των εξαρτημάτων δεν αποσπά την προσοχή από το φτερωτό σχήμα. Ξεχωρίζει σε γενικές γραμμές, σαν να είναι έξω (ή παραπάνω;) τον περιβάλλοντα κόσμο. Εκδηλώσεις, η ζωή πραγματοποιείται χωρίς τη συμμετοχή της. Η κλεψύδρα στον τοίχο ενισχύει αυτό το συναίσθημα. Και όλα αυτά καλούνται μελαγχολίαΑυτό που είναι σαφές από την επιγραφή που φέρει το ρόπαλο (αυτό ονομάζεται ιστορικούς τέχνης, αν και αναγνωρίζω ένα μικρό ρόπαλο σε αυτό το ουρά πλάσμα).

Πόσα χαρακτήρες, αλληγορίες, που θεωρείται στη μικρότερη σύνθεση! Για τους ανθρώπους που ζουν εκείνες τις μέρες (1514), οι ισχυρισμοί αυτοί ήταν περισσότερο ή λιγότερο κατανοητές. Τι είναι αυτή η χάραξη για εμάς; Εάν δεν εισερχόμαστε ερμηνεία, έχοντας μόνο μια εικόνα ναι πριν από τα μάτια σας;

Τονισμένο χαρτί, λάδι, 1510 g. 28 × 22,5 cm

Η εικόνα αυξάνεται

Πολλές εκατοντάδες γενιές ανθρώπων ζούσαν στην εποχή, την οποία έχουμε τις πιο αόριστες ιδέες. Ποιος ξέρει, ποια είναι η διαφορά μεταξύ της ζωής της πόλης της έναρξης του XIV από τη διαμονή του στο τέλος του αιώνα; Επιπλέον, είναι δύσκολο να διακρίνουμε τη ζωή και τα ηθικά της έναρξης και του τέλους ενός μήκους χίλια χρόνια! Ολόκληροι αιώνες είναι θολωμένοι για μας ταυτόχρονα, ζοφερή και άγρια. Μεσαίωνας.

Ένα τέτοιο όνομα δόθηκε στην ιστορική περίοδο της Αναγέννησης, δηλώνει την περίοδο από την πτώση της αρχαίας Ρώμης πριν από το χρόνο τους, το οποίο ονομάζονταν φυσικά νέα. Επίσης, φυσικά, ολόκληρη η κουλτούρα της πρώιμης αναβίας ερμηνεύει τη ζωή και την κληρονομιά του πλησιέστερου παρελθόντος.

Καμβά, λάδι, 1825-1827 g. 76 κατά 68 cm

Η εικόνα αυξάνεται.

Στο δεύτερο εξάμηνο του 19ου αιώνα, προέκυψε ένα νέο ρεύμα - ιμπρεσιονισμός. Το κύριο πράγμα ήταν σε αυτό: τη μεταφορά ενός στιγμιαίου συναίσθημα, τη στιγμή, χωρίς εμβάθυνση στη φιλοσοφία και τη συλλογιστική. Οι εικόνες των ιμπρεσιονιστών είναι συνήθως χαρούμενοι (ή ωραίο νοσταλγικά λυπηρό). Είναι εύκολο και φυσικό.

Το 1808, ο Ναπολέων εισήλθε στην Ισπανία, οι μακροχρόνιες αιματηρές μάχες ξεκίνησαν στις πόλεις. Οι Ισπανοί άνθρωποι αντιστάθηκαν βίαια στον εισβολέα. "Ο αριθμός σφαλμάτων είναι μια πεζοπορία στην Ισπανία", έγραψε το Ναπολέοντα στο νησί της Αγίας Ελένης (αυτό που θα είναι το δεύτερο λάθος, νομίζω ότι είναι σαφές). Τις συνέπειες του πολέμου αργότερα, μετά την απέλαση των γαλλικών πολέμων, περιγράφουν Francisco Goyia

Η εικόνα αυξάνεται. Μπορεί να φανεί ότι η εικόνα ραγισμένα και κατάποση. Αρχικά, είναι ένας ομαλός μαύρος καμβάς.

Σκεφτείτε τη ζωγραφική Casimir Malevich "Black Suprematic Square" Είναι δυνατή μόνο στο πλαίσιο του Malevich που δημιουργήθηκε στη ζωγραφική με τίτλο Υπερεστισμός. Ο μόνος τρόπος. Διαφορετικά, η συζήτηση σχετικά με αυτό το έργο δεν θα υπερβεί το Banal "βασιλιάς ενός γυμνού" ή "ένα παιδί από ένα νηπιαγωγείο δεν μπορεί να αντλήσει χειρότερα". Δεν πρόκειται να συζητήσω επίσης τη νομισματική αξία της εικόνας με τον παγκόσμιο πληθυσμό των εμπειρογνωμόνων της ιστορικής τέχνης (δυτικός φυσικά) ενάντια στη λογική του εργατικού πληθυσμού του πλανήτη.

Σε σχεδόν κάθε σημαντικό έργο τέχνης, υπάρχει ένα μυστήριο, "διπλό κατώτατο σημείο" ή μια μυστική ιστορία που θέλετε να αποκαλύψετε.

Μουσική στους γλουτούς

Jerome Bosch, "Κήπος από ευχαριστίες της Γης", 1500-1510.

Θραύσμα τμήματος του τρίπτυχου

Οι διαμάχες για τις έννοιες και τις κρυμμένες έννοιες του πιο διάσημου έργου του ολλανδικού καλλιτέχνη δεν υποχωρούν από τη στιγμή της εμφάνισής του. Στο σωστό φύλλο απορριμμάτων που ονομάζεται "μουσική κόλαση", οι αμαρτωλοί απεικονίζονται, οι οποίοι βασανίζονται στον υπόκοσμο με τη βοήθεια μουσικών οργάνων. Ένας από αυτούς έχει σημειώσεις στους γλουτούς. Ένας φοιτητής του χριστιανικού πανεπιστημίου Ο Οκλαχόμα Αμέλια Hamrick, ο οποίος σπούδασε την εικόνα, μετατόπισε τη σημείωση του XVI αιώνα με τον σύγχρονο τρόπο και κατέγραψε "ένα τραγούδι από τον κώλο από την κόλαση, η οποία ήταν 500 ετών."

Nude Mona Lisa

Η διάσημη "JOCONDA" υπάρχει σε δύο εκδόσεις: Η γυμνή έκδοση ονομάζεται "Monta Bath", έγραψε μια ελάχιστα γνωστή καλλιτεχνική Σαλάια, ο οποίος ήταν φοιτητής και προσομοιωτής του μεγάλου Leonardo da Vinci. Πολλοί επικριτές τέχνης είναι σίγουροι ότι ήταν αυτός που ήταν ένα μοντέλο για έργα ζωγραφικής από τον Leonardo "John Baptist" και "Bakhus". Υπάρχουν επίσης εκδόσεις ότι η Salaya ντυμένη με ένα γυναικείο φόρεμα χρησίμευσε ως η ίδια η Mona Lisa.

Παλιός ψαράς

Το 1902, ο ουγγρικός καλλιτέχνης Tivadar Kostya Chongwari έγραψε μια φωτογραφία του παλιού ψαρά. Φαίνεται ότι δεν υπάρχει τίποτα ασυνήθιστο στην εικόνα, αλλά ο Tivar έδωσε το υποκείμενο σε αυτό, κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη και της μη ανακοινωθέν.

Λίγοι άνθρωποι έγιναν για να εφαρμόσουν τον καθρέφτη στη μέση της εικόνας. Κάθε άτομο μπορεί να είναι σαν τον Θεό (ο δεξιός ώμος του δεξιού χεριού του γέρου) και ο διάβολος (ο αριστερός ώμος του γέρου αντιγράφεται).

Και ήταν το κιτ;

Hendrik van Antonissen "σκηνή στην ακτή".

Φαίνεται το συνηθισμένο τοπίο. Σκάφη, άνθρωποι στην ακτή και έρημη θάλασσα. Και μόνο μια μελέτη ακτίνων Χ έδειξε ότι οι άνθρωποι που συγκεντρώθηκαν στην ακτή δεν είναι ακριβώς έτσι - στο πρωτότυπο θεωρούσαν το σφάγιο της Κίνας, ρίχνονται στην ξηρά.

Ωστόσο, ο καλλιτέχνης αποφάσισε ότι κανείς δεν θα ήθελε να κοιτάξει τη νεκρή φάλαινα και να ξαναγράψει την εικόνα.

Δύο "πρωινό στο γρασίδι"

Eduard Mana, "Πρωινό στο γρασίδι", 1863.

Claude Monet, "Πρωινό στο γρασίδι", 1865.

Οι καλλιτέχνες Eduard Mana και Claude Monet συγχέονται μερικές φορές - τελικά, ήταν και οι δύο γαλλικοί άνθρωποι, έζησαν ταυτόχρονα και εργάστηκαν στο στυλ του ιμπρεσιονισμού. Ακόμα και το όνομα ενός από τους πιο διάσημους πίνακες του Mana "πρωινό στο γρασίδι" Monet δανείστηκε και έγραψε το "πρωινό του στο γρασίδι".

Διπλασιάζει το "Τελευταίο βράδυ"

Leonardo da Vinci, "Τελευταίο δείπνο", 1495-1498.

Όταν ο Leonardo da Vinci έγραψε ένα "μυστικό βράδυ", έδωσε ένα ιδιαίτερο νόημα σε δύο αριθμούς: ο Χριστός και ο Ιούδας. Ψάχνει για προσομοιωτές γι 'αυτούς για πολύ καιρό. Τέλος, κατάφερε να βρει ένα μοντέλο για την εικόνα του Χριστού μεταξύ των νέων τραγουδιστών. Για να πάρετε έναν προσομοιωτή για τον Ιούδα Leonardo δεν ήταν σε θέση για τρία χρόνια. Αλλά μια μέρα συναντήθηκε στο δρόμο σε έναν μεθυσμένο, ο οποίος βρισκόταν σε ένα λύσιμο. Ήταν ένας νεαρός άνδρας που ήταν μια μη πέψη. Ο Λεονάρντο τον κάλεσε στο εστιατόριο, όπου άρχισε αμέσως να γράψει από τον Τζούντι. Όταν ο πότης ήρθε στον εαυτό του, είπε στον καλλιτέχνη ότι μια μέρα τον έριξε ήδη. Ήταν πριν από μερικά χρόνια, όταν τραγούδησε στην εκκλησία χορωδία, ο Leonardo έγραψε από τον Χριστό.

"Νυχτερινό ρολόι" ή "ημέρα";

Rembrandt, "νυχτερινό ρολόι", 1642.

Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες της Rembrandt "ομιλία από την εταιρεία τουφέκι Captain France Bannang Coca και υπολοχαγός Villem van ryuteitbürga" περίπου διακόσια χρόνια έχει ελέγξει σε διαφορετικές αίθουσες και ανακαλύφθηκε από τους ιστορικούς της τέχνης μόνο στο XIX αιώνα. Δεδομένου ότι φαινόταν ότι τα στοιχεία που εκτελούν σε σκούρο φόντο, ονομάστηκε "νυχτερινό ρολόι" και κάτω από αυτόν τον τίτλο εισήλθε στο θησαυροφυλάκιο της παγκόσμιας τέχνης.

Και μόνο κατά τη διάρκεια της αποκατάστασης που δαπανάται το 1947, ανακαλύφθηκε ότι στην αίθουσα η εικόνα κατάφερε να καλυφθεί με ένα στρώμα αιθάλης, στρέβλωση της γεύσης της. Μετά την εκκαθάριση της αρχικής ζωγραφικής, αποδείχθηκε ότι η σκηνή που αντιπροσωπεύει η Rembrandt συμβαίνει στην πραγματικότητα κατά τη διάρκεια της ημέρας. Η θέση της σκιάς από το αριστερό χέρι του καπετάνιου Coca δείχνει ότι ο χρόνος δράσης δεν υπερβαίνει τις 14 ώρες.

Ανεστραμμένο σκάφος

Henri Matisse, "Σκάφος", 1937.

Στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Νέας Υόρκης το 1961 παρουσιάστηκε μια φωτογραφία του Henri Matisse "Boat". Μόνο μετά από 47 ημέρες κάποιος επέστησε την προσοχή στο γεγονός ότι η εικόνα κρέμεται ανάποδα. Στον καμβά απεικονίστηκαν 10 μοβ γραμμές και δύο μπλε πανιά σε λευκό φόντο. Δύο πανιά, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε ακριβώς έτσι, το δεύτερο πανί είναι μια αντανάκλαση του πρώτου νερού.
Για να μην κάνετε λάθος στο πώς θα πρέπει να κρεμάσει η εικόνα, πρέπει να δώσετε προσοχή στις λεπτομέρειες. Ένα μεγαλύτερο πανί πρέπει να είναι η κορυφή της εικόνας και η κορυφή του σχεδίου ιστιοφόρου θα πρέπει να κατευθύνεται προς τη δεξιά άνω γωνία.

Εξαπάτηση σε αυτοπροσωπογραφία

Vincent Van Gogh, "Αυτοπροσωπογραφία με ένα σωλήνα", 1889.

Το γεγονός ότι ο Van Gogh φέρεται να κόβει το αυτί του, πηγαίνει θρύλους. Τώρα το πιο αξιόπιστο είναι η εκδοχή που το αυτί Van Gogh κατεστραμμένο σε μια μικρή συγκρότηση με τη συμμετοχή άλλων καλλιτεχνών - GOGE.

Το αυτοπροσωπογραφία είναι ενδιαφέρον εκείνο που αντικατοπτρίζει την πραγματικότητα στη στρεβλωμένη μορφή: ο καλλιτέχνης απεικονίζεται με ένα δεξιό αυτί που συνδέεται, επειδή χρησιμοποίησε έναν καθρέφτη κατά τη λειτουργία. Στην πραγματικότητα, το αριστερό αυτί υπέφερε.

Αλλοδαποί mishki

Ivan Shishkin, "Πρωί σε ένα πευκοδάσος", 1889.

Η διάσημη ζωγραφική ανήκει όχι μόνο στο βούρτσα του Shishkin. Πολλοί καλλιτέχνες που ήταν φιλικοί μεταξύ τους συχνά κατέληξαν στη "Βοήθεια ενός φίλου", και ο Ιβάν Ιβάνοβιτς, είχε μια ολόκληρη ζωή με τοπία, φοβόταν ότι η επαφή των αρκούδων δεν θα λειτουργούσε μαζί του όπως ήταν απαραίτητο. Ως εκ τούτου, ο Shishkin απευθύνει έκκληση στον γνωστό ζωικό καλλιτέχνη Konstantin Savitsky.

Ο Σαβίτσκυ ζωγράφισε σχεδόν τις καλύτερες αρκούδες στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής, και ο tretyakov διέταξε το επώνυμό της από τον καμβά, επειδή τα πάντα στην εικόνα "από το σχέδιο και τελειώνουν με την εκπλήρωση, όλα μιλούν για τον τρόπο ζωγραφικής, για το δημιουργικό μέθοδος shishkin. "

Αθώος Ιστορία "Γοτθικός"

Grant Wood, "Αμερικανός Γοτθικός", 1930.

Το έργο της επιχορήγησης του ξύλου θεωρείται μία από τις πιο περίεργες και καταθλιπτικές στην ιστορία της αμερικανικής ζωγραφικής. Η ζωγραφική με ζοφερή πατέρα και κόρη γεμίζει με λεπτομέρειες που υποδεικνύουν τη σοβαρότητα, την πρόβλεψη και την οπισθοδρομοποίηση των που απεικονίζονται οι άνθρωποι.
Στην πραγματικότητα, ο καλλιτέχνης δεν σκέφτηκε να απεικονίσει τρόμο: κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού στην Αϊόβα και παρατήρησε ένα μικρό σπίτι στο γοτθικό στυλ και αποφάσισε να απεικονίσει αυτούς τους ανθρώπους που, κατά τη γνώμη του, θα έρθουν ιδανικά ως κάτοικοι. Με τη μορφή χαρακτήρων, οι οποίοι είναι τόσο προσβληθείσες από τους κατοίκους της Αϊόβα, η αδελφή της επιχορήγησης και ο οδοντίατρος του είναι αθανατοποιημένοι.

Εκδίκηση του Σαλβαδόρ Νταλί

Η εικόνα "Εικόνα από το παράθυρο" γράφτηκε το 1925, όταν ο Ντάλι ήταν 21 ετών. Τότε ο καλλιτέχνης δεν έχει εισέλθει ακόμη στο Γκαλά και το μουσείο του ήταν αδελφή Ana Maria. Η σχέση του αδελφού και των αδελφών επιδεινώθηκε όταν έγραψε σε μια από τις εικόνες "μερικές φορές φτύνω στο πορτρέτο της μητέρας μου, και μου δίνει ευχαρίστηση." Η Ana Maria δεν μπορούσε να συγχωρήσει ένα τέτοιο σοκ.

Στο βιβλίο του του 1949, ο Σαλβαδόρ έδωσε στα μάτια της αδελφής της "γράφει για τον αδελφό του χωρίς έπαινο. Το βιβλίο οδήγησε τη Σαλβαδόρ σε λύσσα. Άλλοι δέκα μετά από αυτό, ήταν θυμωμένος με κάθε άλλη περίπτωση. Και έτσι, το 1954 μια εικόνα "η νεαρή παρθένος, που απολαμβάνει την Sodomsky αμαρτία με τη βοήθεια των κέρατων της δικής του αγνότητας." Πόση μιας γυναίκας, τα μπούκλες του, ένα τοπίο έξω από το παράθυρο και οι ζωγραφιές του χρωμάτων αντανακλάται σαφώς με το "σχήμα παραθύρου". Υπάρχει μια εκδοχή που μου δόθηκε μια εκπληκτική αδελφή για το βιβλίο της.

Διπλό Dana

Το Rembrandt βλάπτει τον Wang Rhine, "Dana", 1636 - 1647.

Πολλά μυστικά ενός από τις πιο διάσημες ζωγραφιές του Rembrandt αποκαλύφθηκαν μόνο στη δεκαετία του '60 του εικοστού αιώνα, όταν ο καμβάς φωτίζει τις ακτίνες Χ. Για παράδειγμα, η λήψη έδειξε ότι στην πρώιμη έκδοση, το πρόσωπο της πριγκίπισσας, το οποίο εισήλθε σε μια σχέση αγάπης με τον Δία, ήταν παρόμοιο με το πρόσωπο του Saskiy - ο σύζυγος του ζωγράφου, ο οποίος πέθανε το 1642. Στην τελική έκδοση της εικόνας, άρχισε να μοιάζει με το πρόσωπο των φυτών του Direks - Lovers Rembrandt, με τους οποίους ο καλλιτέχνης έζησε μετά το θάνατο της συζύγου του.

Κίτρινο υπνοδωμάτιο van gogh

Vincent Van Gogh, "Υπνοδωμάτιο στο Arles", 1888 - 1889.

Τον Μάιο του 1888, ο Van Gogh απέκτησε ένα μικρό εργαστήριο στην Arle, στα νότια της Γαλλίας, όπου δραπέτευσε από την κατανόηση των καλλιτεχνών και των κριτικών του Παρισιού. Σε ένα από τα τέσσερα δωμάτια, ο Vincent τοποθετεί το υπνοδωμάτιο. Τον Οκτώβριο, όλα είναι έτοιμα, και αποφασίζει να σχεδιάσει ένα "υπνοδωμάτιο van gogh στο arles". Για τον καλλιτέχνη, ήταν πολύ σημαντικό να γεύση, την άνεση των δωματίων: όλα έπρεπε να έχουν γίνει στις σκέψεις για διακοπές. Ταυτόχρονα, η εικόνα αντέχει σε ανήσυχους κίτρινους τόνους.

Οι ερευνητές της δημιουργικότητας του Van Gogh εξηγούν αυτό από το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης πήρε ένα κορμό - ένα φάρμακο για την επιληψία, η οποία προκαλεί σοβαρές αλλαγές στον ασθενή στην αντίληψη χρωμάτων: όλες οι γύρω πραγματικότητες είναι ζωγραφισμένες σε πράσινους-κίτρινους τόνους.

Χωρίς δόντια

Leonardo da Vinci, "Πορτρέτο της κυρίας Liza del Jocondo", 1503 - 1519.

Η γενικά αποδεκτή γνώμη είναι ότι η Mona Lisa είναι η τελειότητα και ένα χαμόγελο είναι όμορφο με τη μυστηριώδες του. Ωστόσο, ο ιστορικός της αμερικανικής τέχνης (και οδοντίατρος μερικής απασχόλησης) Ο Joseph Borkovsky πιστεύει ότι, κρίνοντας από την έκφραση του προσώπου, η ηρωίδα έχασε πολλά δόντια. Μελετώντας τις διευρυμένες φωτογραφίες του αριστουργήματος, το Borkovski ανακάλυψε επίσης τα σημάδια γύρω από το στόμα της. "Χαμογελάει έτσι λόγω του τι συνέβη σε αυτήν", ο εμπειρογνώμονας πιστεύει. - Η έκφραση του προσώπου της είναι συνήθως για ανθρώπους που έχουν χάσει τα μπροστινά δόντια τους. "

Σημαντικό στο Facingontrol

Pavel Fedotov, "Major's Major", 1848.

Το κοινό, ο οποίος πρώτα είδε την εικόνα του "ρολόι", γέλασε από την ψυχή: ο καλλιτέχνης του Fedotov γεμίζει με ειρωνικές λεπτομέρειες, κατανοητές θεατές εκείνης της εποχής. Για παράδειγμα, ο μεγάλος δεν είναι σαφώς εξοικειωμένος με τους κανόνες της ευγενής εθιμοτυπίας: Εμφανίστηκε χωρίς απολεσθέντα μπουκέτα για τη νύφη και τη μητέρα της. Και η ίδια η νύφη, οι έμποροι γονείς της εκκενώθηκαν στο φόρεμα της βραδινής μπάλας, αν και στην ημέρα της αυλής (όλοι οι λαμπτήρες στο δωμάτιο σβήνουν). Το κορίτσι σαφώς προσπάθησε πρώτα ένα αποχρωματισμένο φόρεμα, μπερδεμένο και προσπαθεί να ξεφύγει στη βλεφαρίδα του.

Γιατί η ελευθερία είναι γυμνή

Ferdinan Victor Eugene Delakrua, "Ελευθερία στα οδοφράγματα", 1830.

Σύμφωνα με τον ιστορικό της τέχνης Etienne Juli, το Delacroix έγραψε το πρόσωπο μιας γυναίκας με τους διάσημους Παρισινούς επαναστάτες - η χάτα του Anna-Charlotte, η οποία πήγε στα οδοφράγματα μετά το θάνατο του αδελφού του από τα χέρια των βασιλικών στρατιωτών και σκότωσε τους Ninter Guardsmen. Ο καλλιτέχνης το απεικονίζει με γυμνά στήθη. Σύμφωνα με τον ίδιο, αυτό είναι ένα σύμβολο ατρόμητης και αφοσίωσης, καθώς και οι εορτασμοί της δημοκρατίας: το στήθος Nagaya δείχνει ότι η ελευθερία, ως ένα απλό καπέλο, δεν είναι κορσέ.

Ακάθαρτος τετράγωνο

Kazimir Malevich, "Black Suprematic Square", 1915.

Στην πραγματικότητα, η "μαύρη πλατεία" δεν είναι καθόλου μαύρη και όχι σε όλη την πλατεία: καμία από τις πλευρές του τετράκλιου δεν είναι παράλληλη με οποιαδήποτε άλλη πλευρά, και όχι μία από τις πλευρές του τετραγωνικού πλαισίου, το οποίο η εικόνα πλαισιώνεται . Και το σκοτεινό χρώμα είναι το αποτέλεσμα της ανάμειξης διαφόρων χρωμάτων, μεταξύ των οποίων δεν ήταν μαύρο. Πιστεύεται ότι δεν ήταν η αμέλεια του συγγραφέα, αλλά μια θεμελιώδη θέση, η επιθυμία να δημιουργηθεί μια δυναμική, κινούμενη μορφή.

Οι ειδικοί της γκαλερί Tretyakov βρήκαν την επιγραφή του συγγραφέα στη διάσημη εικόνα του Malevich. Η επιγραφή δηλώνει: "Μάχη των μαύρων σε ένα σκοτεινό σπήλαιο". Αυτή η φράση στέλνει στο όνομα της εικόνας αστεία του γαλλικού δημοσιογράφου, του συγγραφέα και του καλλιτέχνη Alfons Alla "Μάχη των μαύρων στο σκοτεινό σπήλαιο βαθιάς το βράδυ", το οποίο ήταν απολύτως μαύρο ορθογώνιο.

Μελόδραμα της Αυστριακής Μονής Λίζα

Gustav Klimt, "Πορτρέτο του Adelie Bloch-Bauer", 1907.

Σε ένα από τα πιο σημαντικά κλίματα, συλληφθεί η σύζυγος της αυστριακής ζάχαρης Magnate Fetinad Bloch Bauer. Όλη η Βιέννη συζήτησε το θυελλώδες Ρωμαϊκό Αδελλ και τον διάσημο καλλιτέχνη. Ένας ευάλωτος σύζυγος ήθελε να εκδικηθεί στους εραστές, αλλά επέλεξε έναν πολύ ασυνήθιστο τρόπο: αποφάσισε να παραγγείλει ένα πορτρέτο του πορτρέτου της Αδέλι και τον κάνει να κάνει εκατοντάδες σκίτσα μέχρι να αρχίσει ο καλλιτέχνης να γυρίζει μακριά από αυτήν.

Ο Bloch Bauer ήθελε να διαρκέσει για αρκετά χρόνια και ένας προσομοιωτής θα μπορούσε να δει πώς τα συναισθήματα της κλισής θα μπορούσαν να αναστατώσουν. Έκανε έναν καλλιτέχνη μια γενναιόδωρη πρόταση, από την οποία δεν μπορούσε να αρνηθεί και όλα αναπτύχθηκαν στο σενάριο ενός εξαπατημένου συζύγου: η εργασία ολοκληρώθηκε για 4 χρόνια, οι λάτρεις έχουν ψύξει καιρό ο ένας στον άλλο. Ο Adel Bloch Bauer δεν έμαθε ποτέ ότι ο σύζυγός της γνώριζε τη σχέση της με την Clima.

Εικόνα που επέστρεψε το GOGE στη ζωή

Paul Gajen, "Από πού προέρχονταν; Ποιοι είμαστε; Πού πηγαίνουμε;", 1897-1898.

Ο πιο διάσημος καμβάς του Hogen έχει ένα χαρακτηριστικό: "ανάγνωση" χωρίς να μείνει δεξιά, αλλά στα δεξιά προς τα αριστερά, όπως τα kabbalistic κείμενα που ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται. Είναι κατά τη τάξη ότι η αλληγορία της πνευματικής και φυσικής ζωής ενός ατόμου ξεδιπλώνεται: από την προέλευση της ψυχής (ύπνο στο κάτω μέρος της δεξιάς γωνίας) στην αναπόφευκτη ώρα της ώρας θανάτου (πουλί με μια σαύρα σε νύχια στο νυχτερί κάτω αριστερή γωνία).

Η εικόνα γράφτηκε από το Gogen στην Ταϊτή, όπου ο καλλιτέχνης έτρεξε αρκετές φορές από τον πολιτισμό. Αλλά αυτή τη φορά, η ζωή στο νησί δεν διευκρίνισε: Η συνολική φτώχεια τον οδήγησε στην κατάθλιψη. Έχοντας τελειώσει τον καμβά, το οποίο θα έπρεπε να γίνει η πνευματική του διαθήκη, ο Gauguen πήρε ένα κουτί με το αρσενικό και πήγε στα βουνά για να πεθάνει. Ωστόσο, δεν υπολογίστηκε τη δόση και η αυτοκτονία απέτυχε. Το επόμενο πρωί, η ταλάντευση, δεν γνώριζε την καλύβα και έπεσε κοιμισμένος, και όταν ξύπνησε, ένιωσε τη ξεχασμένη δίψα για τη ζωή. Και το 1898, οι υποθέσεις του ανέβηκε, και στο έργο άρχισε η φωτεινή περίοδος τους.

112 Παροιμίες σε μια εικόνα

Peter Bruegel - Senior, "Ολλανδία Παροιμίες", 1559

Peter Bruegel - Ανώτερος απεικόνισε τη γη, κατοικήθηκε από κυριολεκτικές εικόνες των ολλανδικών παροιμιών αυτών των ημερών. Σε μια γραπτή εικόνα, υπάρχουν περίπου 112 αναγνωρισμένα ιδιώματα. Μερικά από αυτά χρησιμοποιούνται μέχρι σήμερα, όπως: "Πετάξτε ενάντια στο τρέχον", "Καταπολέμηση του κεφαλιού σας για τον τοίχο", "Ένοδοι στα δόντια" και "τα μεγάλα ψάρια τρώνε ένα μικρό".

Άλλες παροιμίες αντικατοπτρίζουν τις ανθρώπινες ανοησίες.

Υποκειμενικότητα της τέχνης

Paul Gogen, "Village Breton κάτω από το χιόνι", 1894

Η ζωγραφική του Gogen "Breton Village στο χιόνι" πωλήθηκε μετά το θάνατο του συγγραφέα σε μόλις επτά φράγκα και, επιπλέον, που ονομάζεται Niagara Falls. Ένας άνδρας ο οποίος πέρασε δημοπρασία τυχαία έκλεισε μια εικόνα των ποδιών του, βλέποντας έναν καταρράκτη σε αυτό.

Κρυμμένη ζωγραφική

Pablo Picasso, Blue Room, 1901

Το 2008, η υπέρυθρη ακτινοβολία έδειξε ότι ένα "μπλε δωμάτιο" ήταν κρυμμένο μια άλλη εικόνα - ένα πορτρέτο ενός άνδρα ντυμένη με ένα κοστούμι με μια πεταλούδα και έβαλε το κεφάλι στο χέρι του. "Μόλις εμφανιστεί ο Πικάσο μια νέα ιδέα, ελήφθη για το βούρτσα και το ενσωμάτωσε. Αλλά δεν είχε την ευκαιρία να αγοράσει έναν νέο καμβά κάθε φορά που επισκέφθηκε μια μούσα ", εξηγεί τον πιθανό λόγο για αυτή την κριτική τέχνης της Patricia Favero.

Απρόσιτη μαροκοκκιά

Zinaida Serebryakova, "Nagaya", 1928

Μόλις η Zinaida Serebryakova έλαβε μια δελεαστική προσφορά - να πάει στο δημιουργικό ταξίδι για να απεικονίσει τις γυμνές μορφές του East Dev. Αλλά αποδείχθηκε ότι σε αυτά τα μέρη για να βρουν τους προσομοιωτές απλά αδύνατο. Ένας μεταφραστής της Zinaida ήρθε στη διάσωση - οδήγησε τις αδελφές της και μια νύφη σε αυτήν. Κανείς πριν από αυτό και μετά από αυτό δεν κατάφερε να καταγράψει τις κλειστές ανατολίτικες γυναίκες γυμνές.

Αυθόρμητη ψευδαίσθηση

Valentin Serov, "Πορτρέτο του Νικολάου Β σε μια πίεση", 1900

Για μεγάλο χρονικό διάστημα, ο Serov δεν μπορούσε να γράψει ένα πορτρέτο του βασιλιά. Όταν ο καλλιτέχνης παραδόθηκε καθόλου, ζήτησε συγγνώμη για τον Νικολάι. Ο Νικολάι ήταν λίγο αναστατωμένος, κάθισε στο τραπέζι, τεντώνοντας τα χέρια του μπροστά του ... και στη συνέχεια τον καλλιτέχνη ζωγραφισμένο - εδώ είναι μια εικόνα! Ένας απλός στρατός σε κονδύλους ενός αξιωματικού με καθαρά και θλιβερά μάτια. Αυτό το πορτρέτο θεωρείται η καλύτερη εικόνα του τελευταίου αυτοκράτορα.

Και πάλι διπλό

© FEDOR Reshetnikov

Η διάσημη ζωγραφική "και πάλι δύο" είναι μόνο το δεύτερο μέρος της καλλιτεχνικής τριλογίας.

Το πρώτο μέρος είναι "έφτασε στις διακοπές". Προφανώς εξασφαλισμένη οικογένεια, χειμερινές διακοπές, χαρούμενος φοιτητής φοιτητής.

Το δεύτερο μέρος είναι "και πάλι deuce". Η φτωχή οικογένεια από τα περίχωρα εργασίας, η μέση του σχολικού έτους, ο Puraden Oballa, άρπαξε και πάλι τα δύο. Στην επάνω αριστερή γωνία, η εικόνα "έφτασε στις διακοπές" ήταν ορατό.

Το τρίτο μέρος είναι "επανεξέταση". Εξοχική κατοικία, καλοκαίρι, όλα τα πόδια, μια κακόβουλη ανισότητα, έχοντας αποτυχημένη ετήσια εξέταση, αναγκάζεται να καθίσει σε τέσσερις τοίχους και εργαλείο. Στην επάνω αριστερή γωνία, μια εικόνα "δύο πάλι" είναι ορατή.

Πώς γεννιούνται τα αριστουργήματα

Joseph Turner, "Βροχή, Ζευγάρια και ταχύτητα", 1844

Το 1842, η κ. Simon ταξίδεψε με το τρένο στην Αγγλία. Ξαφνικά ξεκίνησε ένα ισχυρό ντους. Ο ηλικιωμένος κύριος, ο οποίος καθόταν απέναντι της, σηκώθηκε, άνοιξε το παράθυρο, κολλήσει το κεφάλι του και κοίταξε δέκα λεπτά. Δεν είναι δυνατή η κράτηση της περιέργειας σας, η γυναίκα άνοιξε επίσης το παράθυρο και άρχισε να κοιτάζει μπροστά. Ένα χρόνο αργότερα, βρήκε μια φωτογραφία της "βροχής, των ζευγαριών και της ταχύτητας" στην έκθεση στη Βασιλική Ακαδημία Τεχνών και μπόρεσε να αναγνωρίσει το ίδιο επεισόδιο σε αυτό.

Μάθημα ανατομίας από το Michelangelo

Michelangelo, "Δημιουργία Αδάμ", 1511

Ένα ζευγάρι αμερικανικών εμπειρογνωμόνων στον τομέα της νευροανατομίας πιστεύουν ότι ο Michelangelo άφησε πραγματικά μερικές ανατομικές εικονογραφήσεις σε ένα από τα πιο διάσημα έργα του. Πιστεύουν ότι στο δεξιό μέρος της εικόνας απεικονίζει έναν τεράστιο εγκέφαλο. Είναι εκπληκτικό, αλλά μπορείτε να βρείτε ακόμη και σύνθετα εξαρτήματα, όπως ένα παρεγκεφαλικό, οπτικό νεύρα και αδένες υπόφυσης. Και η κασέτα πράσινη κορδέλα συμπίπτει τέλεια με τη θέση της σπονδυλικής αρτηρίας.

"Τελευταίο δείπνο" van gogh

Vincent Van Gogh, "Night Cafe Terrace", 1888

Ο Explorer Jared Baxter πιστεύει ότι στο καμβά Van Gogh "Night Terrace Cafe" κρυπτογραφείται από την αφοσίωση του "μυστικού βράδυ" Leonardo da Vinci. Στο κέντρο της εικόνας υπάρχει ένας σερβιτόρος με μακριά μαλλιά και σε ένα λευκό χιτώνα, υπενθυμίζοντας τα ρούχα του Χριστού και υπάρχουν ακριβώς 12 επισκέπτες στο καφενείο γύρω από αυτό. Επίσης, ο Baxter εφιστά την προσοχή στο σταυρό, που βρίσκεται ακριβώς πίσω από το πίσω μέρος του σερβιτόρου σε λευκό.

Η μνήμη του Dali

Σαλβαδόρ Νταλί, "Στομαχία μνήμης", 1931

Δεν είναι μυστικό ότι οι σκέψεις που παρακολουθούν τον Νταλί κατά τη δημιουργία των αριστουργημάτων του ήταν πάντα με τη μορφή πολύ ρεαλιστικών εικόνων που ο καλλιτέχνης στη συνέχεια μεταφέρθηκε στον καμβά. Έτσι, σύμφωνα με τον ίδιο τον συγγραφέα, η εικόνα "Constancy of Memory" γράφτηκε ως αποτέλεσμα των ενώσεων που προκύπτουν με τη μορφή ενός λιωμένου τυριού.

Τι κραυγές μαζεύουν

Edward Munk, Creek, 1893.

Ο Munk έλεγε για την εμφάνιση της ιδέας ενός από τα πιο μυστηριώδη έργα ζωγραφικής στην παγκόσμια ζωγραφική: "Περπατήθηκα κατά μήκος του μονοπατιού με δύο φίλους - ο ήλιος κάθισε - ο ουρανός απροσδόκητα έγινε αιματηρός, αίσθηση, Εξαντλημένο και κλίνει για το φράχτη - κοίταξα το αίμα και τη φλόγα Γλώσσες πάνω από ένα μπλε-μαύρο φιόρδ και την πόλη - οι φίλοι μου πήγαν περισσότερο, και βρισκόμουν, τρέμοντας από τον ενθουσιασμό, αισθάνεται μια ατελείωτη κραυγή, διάτρηση. " Αλλά τι είδους ηλιοβασίλεμα θα μπορούσε να τρομάξει τον καλλιτέχνη;

Υπάρχει μια εκδοχή ότι η ιδέα της "Scream" γεννήθηκε στο μύλο το 1883, όταν συνέβησαν αρκετές ισχυρότερες εκρήξεις του ηφαιστείου Krakataau - τόσο ισχυρό που άλλαξαν τη θερμοκρασία της ατμόσφαιρας της γης σε ένα βαθμό. Άφθονη ποσότητα σκόνης και τέφρας που εξαπλώνεται σε όλη την υδρόγειο, έρχεται ακόμη και στη Νορβηγία. Αρκετά βραδιές στη σειρά, τα ηλιοβασιλέματα κοίταξαν σαν, η Αποκάλυψη θα ήταν - ένας από αυτούς ήταν η πηγή της έμπνευσης του καλλιτέχνη.

Συγγραφέας στους ανθρώπους

Αλέξανδρος Ιβάνοφ, "Το φαινόμενο του Χριστού", 1837-1857.

Δεκάδες προσομοιωτές έθεσαν τον Alexander Ivanov για την κύρια εικόνα του. Ένας από αυτούς είναι γνωστός για όχι λιγότερο από τον καλλιτέχνη. Στο βάθος, ανάμεσα στους διασκορπούς και τους ρωμαϊκούς ιππείς, οι οποίοι δεν έχουν ακούσει ακόμα το κήρυγμα των John The Forenners, μπορείτε να δείτε τον χαρακτήρα στο Chiton Korchin. Ο Ιβάναφ έγραψε από τον Νικολάου Γκόγκολ. Ο συγγραφέας κοινοποιήθηκε σφιχτά με τον καλλιτέχνη στην Ιταλία, ιδίως για τα θρησκευτικά θέματα και του έδωσε συμβουλές στη διαδικασία σύνταξης της εικόνας. Ο Γκόγκόλ πίστευε ότι ο Ιβάνοφ "είχε πέθανε από καιρό για ολόκληρο τον κόσμο, εκτός από το έργο του."

Αρθρίτιδα michelangelo

Rafael Santi, Αθήνα Σχολείο, 1511.

Δημιουργία της διάσημης τοιχογραφίας "Αθήνα Σχολής", ο Rafael διαιωνίζει τους φίλους και τους γνωστούς του στις εικόνες των αρχαίων ελληνικών φιλοσόφων. Ένας από αυτούς ήταν ο Michelangelo Buonotti "στο ρόλο του" Herclite. Αρκετοί αιώνες τοιχογραφίες κράτησαν τα μυστικά της προσωπικής ζωής του Michelangelo και οι σύγχρονοι ερευνητές έκαναν την υπόθεση ότι το παράξενο θυμωμένο γόνατο του καλλιτέχνη μαρτυρεί την παρουσία των ασθενειών των αρθρώσεων.

Είναι πιθανό να εξετάσει τα χαρακτηριστικά του τρόπου ζωής και τις συνθήκες εργασίας των καλλιτεχνών της Αναγέννησης και του χρόνιου εργάσιμου εργοστασίου Michelangelo.

Mirror Couple Arnolphini

Yang Van Eyk, "Πορτρέτο του Αρσανφίνου Fau", 1434

Στον καθρέφτη πίσω από τους συζύγους του Arnolphin, μπορείτε να δείτε την αντανάκλαση των δύο ακόμα ανθρώπων στο δωμάτιο. Πιθανότατα, αυτοί είναι μάρτυρες που υπάρχουν στη σύναψη της σύμβασης. Ένας από αυτούς είναι ο Van Eyke, όπως αποδεικνύεται από τη λατινική επιγραφή, που τοποθετούνται, αντίθετα με την παράδοση, πάνω από τον καθρέφτη στο κέντρο της σύνθεσης: "Jan Van Eyk ήταν εδώ." Έτσι συνήθως στερεωμένες συμβάσεις.

Ως ελάττωμα μετατράπηκε σε ένα ταλέντο

Η Rembrandt βλάπτει τον Wang Rhine, "αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών", 1669.

Ο ερευνητής Margaret Livingston σπούδασε όλα τα αυτο-πορτραίτα Rembrandt και διαπίστωσε ότι ο καλλιτέχνης υπέφερε ως ένα squint: στις εικόνες, τα μάτια του βλέπουν διαφορετικές κατευθύνσεις, το οποίο δεν παρατηρείται στα πορτρέτα των βούρτσας άλλων ανθρώπων. Η ασθένεια οδήγησε στο γεγονός ότι ο καλλιτέχνης θα μπορούσε να αντιληφθεί καλύτερα την πραγματικότητα σε δύο διαστάσεις από τους ανθρώπους με φυσιολογικό όραμα. Αυτό το φαινόμενο ονομάζεται "στερεοφωνικό" - η αδυναμία να δει τον κόσμο σε 3D. Αλλά επειδή ο ζωγράφος πρέπει να συνεργαστεί με μια δισδιάστατη εικόνα, ήταν αυτή η ανεπάρκεια του Rembrandt που θα μπορούσε να είναι μια από τις εξηγήσεις του φαινομένου του ταλέντου.

Σίγουρα η Αφροδίτη

Sandro Botticelli, "Γέννηση της Αφροδίτης", 1482-1486.

Πριν από την εμφάνιση της "γέννησης της Αφροδίτης", η εικόνα ενός γυμνού γυναικείου σώματος στη ζωγραφική συμβόλη μόνο την ιδέα της αρχικής αμαρτίας. Sandro Botticelli Ο πρώτος από τους ευρωπαίους ζωγράφους δεν βρήκε τίποτα αμαρτωλό σε αυτό. Επιπλέον, οι ιστορικοί τέχνης είναι βέβαιοι ότι η παγανιστική θεά της αγάπης συμβολίζει τη χριστιανική εικόνα στην τοιχογραφία: το φαινόμενο της είναι μια αλληγορία της αναβάτης της ψυχής, ο οποίος έχει περάσει το τεμάχιο βάπτισης.

Butterist ή Butcher;

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Butterist", 1596.

Για μεγάλο χρονικό διάστημα, η εικόνα εκτέθηκε στο Ερμιτάζ που ονομάζεται "Butcher's". Μόνο στις αρχές του εικοστού αιώνα, οι ιστορικοί της τέχνης συμφώνησαν ότι η καμβά εξακολουθεί να δείχνει τον νεαρό άνδρα (πιθανώς caravaggio έθεσε τον γνωστό καλλιτέχνη του Mario Minni): στις σημειώσεις μπροστά από τον μουσικό, την ηχογράφηση του κόμματος μπάσων Madrigala Jacob Arcaader " Ξέρεις ότι σε αγαπώ ". Μια γυναίκα θα μπορούσε να κάνει μια τέτοια επιλογή - είναι απλά δύσκολο για το λαιμό. Επιπλέον, ένα λαούτο, όπως ένα βιολί στην άκρη της εικόνας, θεωρήθηκε ένα αρσενικό εργαλείο στην εποχή του Caravaggio.

Σήμερα σε κάθε μουσείο μπορείτε να ακούσετε υπέροχες οδηγούς, οι οποίες θα μιλήσουν λεπτομερώς για τη συνάντηση και τους καλλιτέχνες, σε αυτό που παρουσιάστηκε. Ταυτόχρονα, πολλοί γονείς γνωρίζουν ότι τα περισσότερα παιδιά είναι δύσκολο να περάσουν ακόμη και μια ώρα στο μουσείο, και ιστορίες για την ιστορία της ζωγραφικής είναι αρκετά γρήγορα κουρασμένοι από αυτούς. Έτσι, τα παιδιά στο μουσείο δεν βαρεθούν, προσφέρουμε ένα "Crib" για τους γονείς - δέκα διασκεδαστικές ιστορίες σχετικά με τις ζωγραφιές από τη γκαλερί Tretyakov, η οποία θα είναι ενδιαφέρον για τα παιδιά και τους ενήλικες.

1. Ivan Kramskaya. "Γοργόνες", 1871

Το Ivan Kramskaya είναι κυρίως γνωστό ως συγγραφέας της ζωγραφικής "άγνωστο" (συχνά ονομάζεται εσφαλμένα ο "ξένος"), καθώς και μια σειρά από όμορφα πορτρέτα: λιοντάρι Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleev. Αλλά τα παιδιά είναι καλύτερα να ξεκινήσουν τη γνωριμία με τη δουλειά του με μια μαγική ζωγραφική "γοργόνα", η οποία συνδέεται με ποια ιστορία.
Τον Αύγουστο του 1871, ο καλλιτέχνης Ivan Kramskaya βρισκόταν στην ύπαιθρο του φίλου του, τους λάτρεις της τέχνης και του διάσημου προστάτη του Pavel Stroganov. Περπατώντας τα βράδια, θαύμαζαν φεγγάρι και θαύμαζε το μαγικό φως. Κατά τη διάρκεια αυτών των βόλων, ο καλλιτέχνης αποφάσισε να γράψει ένα νυχτερινό τοπίο και να προσπαθήσει να μεταφέρει όλη τη γοητεία, όλη τη μαγεία της σεληνιακής νύχτας, "Πιάσε το φεγγάρι" - σύμφωνα με τη δική του έκφραση.
Ο Kramskaya άρχισε να εργάζεται στην εικόνα. Η ακτή του ποταμού στη σεληνιακή νύχτα, το λόφο και το σπίτι πάνω του, περιβάλλεται από λεύκες. Το τοπίο ήταν όμορφο, αλλά κάτι δεν είχε - η μαγεία στον καμβά δεν γεννήθηκε. Το βιβλίο του καλλιτέχνη Nikola Gogol έφτασε στον καλλιτέχνη "στο αγρόκτημα κοντά στη Δικάνκα", με μεγαλύτερη ακρίβεια την ιστορία που ονομάζεται "Μαΐου νύχτα, ή ένα μεθυσμένο" - Fabulous και λίγο τρελό. Και εδώ οι εικόνες εμφανίστηκαν κορίτσια που φωτίζονται με το φως του φεγγαριού.
Ο καλλιτέχνης λειτούργησε τόσο προσεκτικά στην εικόνα που άρχισε να ονειρεύεται και ήθελε συνεχώς να τελειώσει κάτι σε αυτό. Ένα χρόνο αφού αγόρασε τον ιδρυτή της Tretyakov Gallery - Pavel Tretyakov, - Kramskoy για άλλη μια φορά ήθελε να αλλάξει κάτι σε αυτό και έκανε μικρές τροποποιήσεις ακριβώς στην αίθουσα εκθέσεων.
Ο καμβάς Kramsky έγινε η πρώτη "υπέροχη" εικόνα στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής.

2. Vasily vereshchagin. "Απόθισμό του πολέμου", 1871


Έτσι συνέβη ότι οι άνθρωποι πάντοτε πολέμησαν. Οι καταστάσεις έκτακτης ανάγκης από τους γενναίους ηγέτες και οι ισχυροί ηγέτες έχουν εξοπλίσει τους στρατούς τους και τους έστειλαν στον πόλεμο. Φυσικά, ήθελαν να μάθουν για τις στρατιωτικές εκμεταλλεύσεις τους, επομένως, οι ποιητές έγιναν ποιητές και τραγούδια, και οι καλλιτέχνες δημιούργησαν όμορφες ζωγραφιές και γλυπτά. Σε αυτούς τους πίνακες, ο πόλεμος συνήθως μοιάζει με διακοπές - φωτεινά χρώματα, ατρόμητος πολεμιστές που πρόκειται να μάθουν ...
Ο καλλιτέχνης Vasily VereshchaGin γνώριζε ότι ο πόλεμος δεν έλαβε πρώτα - είχε πάρει επανειλημμένα μέρος στις μάχες - και έγραψε πολλά έργα ζωγραφικής, τα οποία έγραψε αυτό που είδε αυτό που είδε τα μάτια του: όχι μόνο τους γενναίους στρατιώτες και τους στρατιωτικούς ηγέτες τους, αλλά και το αίμα , πόνο και πόνο.
Μόλις σκεφτεί πώς να δείξει όλες τις φρίκες του πολέμου σε μια εικόνα, πώς να δώσει το κοινό να καταλάβει ότι ο πόλεμος είναι πάντα θλίψη και ο θάνατος, πώς να δώσει στους άλλους να ρίξουν μια ματιά στις αηδιαστικές λεπτομέρειες της; Συνειδητοποίησε ότι δεν ήταν αρκετό να γράψω μια φωτογραφία με ένα πεδίο μάχης, οι νεκροί πολεμιστές, ήταν προηγουμένως ο καμβάς πριν. Ο VereshchaGin ήρθε με ένα σύμβολο του πολέμου, μια εικόνα, απλά κοιτάζοντας ποιο, όλοι μπορούν να φανταστούν πόσο τρομερό είναι ο πόλεμος. Έγραψε μια καυτή έρημο, στη μέση της οποίας η πυραμίδα από τα ανθρώπινα κρανία είναι πύργοι. Γύρω - μόνο στεγνά, άψυχα δέντρα, και μόνο το ΡορΟΝιο πετάει στην γιορτή τους. Η ερειπωμένη πόλη μπορεί να δει στην απόσταση και ο θεατής μπορεί εύκολα να μαντέψει ότι δεν υπάρχει πλέον ζωή εκεί.

3. Alexey Savrasov. "Graci Flew", 1871


Η ζωγραφική "Graci πέταξε" ο καθένας ξέρει από την παιδική ηλικία και σίγουρα έγραψε όλοι στα δοκίμια της σχολής. Και σήμερα, οι δάσκαλοι σίγουρα θα πουν τα παιδιά για τα λυρικά τοπία του Σαβράσοφ και για το γεγονός ότι με το ίδιο το όνομα αυτής της εικόνας ακούει το χαρούμενο για πάντα το πρωί του έτους και τα πάντα σε αυτό εκπληρώνουν βαθιά, κοντά στην καρδιά του η έννοια. Εν τω μεταξύ, λίγοι άνθρωποι γνωρίζουν ότι οι διάσημοι "grackers ...", καθώς και όλο το υπόλοιπο Savrasov, δεν μπορούσαν να είναι καθόλου.
Ο Alexey Savrasov ήταν ο γιος ενός μικρού ψιλικού Μόσχας. Η επιθυμία του αγοριού να ασχοληθεί με τη ζωγραφική δεν προκάλεσε τον γονέα απόλαυση, αλλά παρ 'όλα αυτά, στη Σχολή Ζωγραφικής και Γλυπτικής της Μόσχας, ο Kondrat Savrasov Sona αφήνει να φύγει. Τόσο οι δάσκαλοι όσο και οι συμμαθητές αναγνώρισαν το ταλέντο ενός νεαρού καλλιτέχνη και του αναφέρθηκαν σε ένα μεγάλο μέλλον. Αλλά ήταν έτσι ώστε, χωρίς να κερδίζετε και χρόνια, Alexey, προφανώς, λόγω της νόσου της μητέρας, αναγκάστηκε να σταματήσει να σπουδάζει. Ο δάσκαλός του Karl Rabus στράφηκε στο Maulast Maulast-Politzmer Maulator Ivan Luzhin, ο οποίος βοήθησε τον ταλαντούχο νεαρό άνδρα να λάβει εκπαίδευση τέχνης.
Αν ο Luzhin δεν συμμετείχε στην τύχη του νεαρού καλλιτέχνη, ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στην ιστορία της εγχώριας ζωγραφικής δεν θα είχε ποτέ προκύψει.

4. Vasily Polenov. "Moskovsky Dvorik", 1878


Μερικές φορές, για να γράψω μια υπέροχη εικόνα, ο καλλιτέχνης ταξιδεύει πολύ, για πολύ καιρό και επιλεκτικό το πιο όμορφο είδος, στο τέλος, βρίσκει ένα αγαπημένο μέρος και μια φορά την πάροδο του χρόνου έρχεται εκεί με ένα σκίτσο. Και συμβαίνει έτσι ώστε να δημιουργηθεί μια υπέροχη δουλειά, αρκεί να προσεγγίσει το δικό σας παράθυρο, κοιτάξτε μια εντελώς συνηθισμένη αυλή της Μόσχας - και ένα θαύμα συμβαίνει, εμφανίζεται ένα καταπληκτικό τοπίο, γεμάτο με φως και αέρα.
Ήταν ένα τέτοιο θαύμα που συνέβη στον καλλιτέχνη Vasily Polenovyov, ο οποίος κοίταξε έξω από το παράθυρο του διαμερίσματός του στις αρχές του καλοκαιριού του 1878 και έγραψε αρκετά γρήγορα. Το σύννεφο εύκολα ολισθαίνει στον ουρανό, ο ήλιος ανυψώνεται πάνω, θέρμανση του εδάφους με τη ζεστασιά του, φωτίζοντας τις εκκλησίες με λάμψη, μειώνοντας τις χοντρές σκιές ... θα φαινόταν - μια απλή εικόνα, στην οποία ο ίδιος ο καλλιτέχνης αρχικά δεν το έκανε Σοβαρά: έγραψε και σχεδόν ξέχασε γι 'αυτήν. Αλλά εδώ κλήθηκε να συμμετάσχει στην έκθεση. Δεν είχε τίποτα σημαντικό και ο Polenov αποφάσισε να παρουσιάσει τη Μόσχα Dvorik.
Παραδόξως, ήταν αυτή η «ασήμαντη εικόνα» που έφερε τον Vasily Polenov φήμη και δόξα - έπεσε στην αγάπη με το κοινό, και τους κριτικούς: έχει ζεστά και φωτεινά χρώματα, και οι ήρωες της μπορούν να θεωρηθούν απείρως, να εφεύρουν την ιστορία για κάθε ένα από αυτά τους.

5. Ivan Shishkin. "Πρωί σε ένα πευκοδάσος", 1889

"Πρωί στο πευκοδάσος" Το Ivan Shishkin είναι ίσως η πιο διάσημη εικόνα από τη συλλογή της γκαλερί Tretyakov. Στη χώρα μας, ξέρει τα πάντα, χάρη στις αναπαραγωγές στα σχολικά εγχειρίδια και ίσως χάρη στις καραμέλες σοκολάτας "Bear Kosolapiy".
Αλλά δεν γνωρίζουν όλοι ότι ο ίδιος ο Shishkin έγραψε μόνο το πρωινό δάσος σε μια ομίχλη ομίχλη και η σχέση δεν έχει σχέση. Αυτή η εικόνα είναι ο καρπός της κοινής δημιουργικότητας του Shishkin και του φίλου του, ο καλλιτέχνης Κωνσταντίνος Σαβίτσκυ.
Ο Ιβάν Shishkin ήταν ένας αξεπέραστος Δάσκαλος για να απεικονίσει όλα τα είδη βοτανικών λεπτών λεπτών - ο κριτικός Αλέξανδρος Μπενουά τον έριξε τον εαυτό του σε φωτογραφική ακρίβεια, που ονομάζεται πίνακες με άψυχο και κρύο. Αλλά με τη ζωολογία, ο καλλιτέχνης δεν ήταν φιλικός. Λένε ότι γι 'αυτό ο Shishkin απευθύνει έκκληση στον Σαβίτσκυ με ένα αίτημα για να τον βοηθήσει με αρκούδες. Ο Savitsky Buddy δεν αρνείται, αλλά δεν πήρε σοβαρά υπόψη το έργο του - και δεν έβαλε την υπογραφή.
Αργότερα, ο Pavel Tretyakov απέκτησε αυτό το πανί από το Shishkin και ο καλλιτέχνης πρότεινε να Savitsky να αφήσει μια υπογραφή στην εικόνα - τελικά, δούλευαν μαζί της μαζί. Ο Σαβίτσκυ έκανε, αλλά ο tretyakov δεν του άρεσε. Δηλώνοντας ότι αγόρασε την εικόνα από το Shishkin, αλλά για τον Savitsky και δεν γνωρίζει τίποτα, απαίτησε έναν διαλύτη και τα χέρια του διαγράψουν την "επιπλέον" υπογραφή. Έτσι συνέβη σήμερα ότι σήμερα στη γκαλερί Tretyakov δείχνει τη συγγραφέα μόνο ενός καλλιτέχνη.

6. Victor Vasnetsov. "Bogatyri", 1898


Ο πιο "Fabulous" καλλιτέχνης στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής είναι ο Viktor Vasnetsov - Είναι οι βούρτσες του ανήκουν σε τέτοια γνωστά έργα ως "Alenushka", "Vityaz στο σταυροδρόμι", "Bogatyr Skok" και πολλοί άλλοι. Αλλά η πιο διάσημη εικόνα του είναι η "Bogattyry", η οποία δείχνει τους κύριους χαρακτήρες της ρωσικής επικής.
Ο ίδιος ο καλλιτέχνης περιέγραψε την εικόνα όπως αυτή: "Bogatyi Dobrynya, Ilya και Alyosha Popovich για το Bogatlishway - ειδοποίηση στον τομέα, αν δεν υπάρχει τόπος, μην προσβάλλετε κανέναν;".
Στη μέση στο κοράκι άλογο Ilya Muromets, κοιτάζει σε απόσταση από κάτω από την παλάμη της παλάμης, στο ένα χέρι στον ήρωα του δόρυ, σε ένα άλλο μπουκέτο. Στα αριστερά στο λευκό άλογο του Dobrynya Nikitich, βγάζει το σπαθί από το περίβλημα. Στα δεξιά στο άλογο της red-masting Alyosha Popovich, κρατά κρεμμύδια στα χέρια του με τα βέλη. Με τους ήρωες αυτής της ζωγραφικής - με μεγαλύτερη ακρίβεια με τα πρωτότυπα τους - μια περίεργη ιστορία είναι συνδεδεμένη.
Ο Victor Vasnetsov μακρά σκέψη για μεγάλο χρονικό διάστημα, καθώς η Ilya Murometh πρέπει να μοιάζει και για μεγάλο χρονικό διάστημα δεν μπορούσε να βρει ένα "σωστό" πρόσωπο - ένα τολμηρό, ειλικρινούς, εκφράζοντας τόσο τη δύναμη όσο και την καλοσύνη. Αλλά μια μέρα, συναντήθηκε με έναν αγροτικό Ivan Petrov, ο οποίος ήρθε στη Μόσχα για κέρδη. Ο καλλιτέχνης ήταν έκπληκτος - είδε το πραγματικό Ily Muromets στην οδό Μόσχα. Ο αγρότης συμφώνησε να θέσει Vasnetsov και ... παρέμεινε στους αιώνες.
Το Dobrynyna Nikitich Nikitich, αλλά για κάποιο λόγο ένα άτομο μεσήλικας απεικονίζεται στην εικόνα Vasnetsov. Γιατί ο καλλιτέχνης λύσει τόσο πολύ να κάνει με τις λαϊκές ιστορίες; Η εξασθένηση είναι απλή: Στην εικόνα του Dobryni Vasnetsov απεικονίζεται ο ίδιος, αρκεί να συγκρίνετε την εικόνα με πορτρέτα και φωτογραφίες του καλλιτέχνη.

7. Valentin Serov. "Κορίτσι με ροδάκινα. Πορτρέτο του V. S. Mammoth ", 1887

"Κορίτσι με ροδάκινα" είναι ένα από τα πιο διάσημα πορτρέτα στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής, που γράφτηκε από τον καλλιτέχνη Valentin Serov.
Το κορίτσι στο πορτραίτο - Verochka, η κόρη των Matsennas της Σάββα Μαμόντοφ, στο σπίτι της οποίας επισκέφθηκε ο καλλιτέχνης. Είναι ενδιαφέρον ότι τα ροδάκινα που βρίσκονται στο τραπέζι δεν έφεραν από ζεστά άκρα, και αυξήθηκαν κοντά στη Μόσχα, ακριβώς στο κτηματομεσίτη, το οποίο στο XIX αιώνα ήταν αρκετά ασυνήθιστο στο XIX αιώνα. Ο Mamontov εργάστηκε ένας Κηπουρός-Οδηγός - στα επιδέξιό του χέρια, τα οπωροφόρα δέντρα ανθίζουν ακόμη και τον Φεβρουάριο και η συγκομιδή συλλέχθηκε στις αρχές του καλοκαιριού.
Χάρη στο πορτρέτο της Serovsky, η Vera Mamontov εισήλθε στην ιστορία, αλλά ο ίδιος ο καλλιτέχνης υπενθύμισε, τι είδους δουλειά αξίζει τον κόπο να πείσει να δημιουργήσει ένα 12χρονο κορίτσι, το οποίο διακρίθηκε από τη σπανιότητα ενός ανήσυχου χαρακτήρα. Ο Serov εργάστηκε στην εικόνα για σχεδόν ένα μήνα, και κάθε μέρα της πίστης για λίγες ώρες κάθισε smirchly στην τραπεζαρία.
Οι διαδικασίες δεν ήταν μάταια: Όταν ο καλλιτέχνης εισήγαγε ένα πορτρέτο στην έκθεση, μου άρεσε πραγματικά τη ζωγραφική. Και σήμερα, περισσότερο από εκατό χρόνια αργότερα, το "κορίτσι με τα ροδάκινα" θαυμάζει τους επισκέπτες στη γκαλερί Tretyakov.

8. Ilya repin. "Ο Ιβάν ο τρομερός και γιος του Ιβάν του στις 16 Νοεμβρίου 1581", 1883-1885.


Κοιτάζοντας μια ή μια άλλη εικόνα, συχνά ζήτησε από την ερώτηση που χρησίμευε ως πηγή έμπνευσης για τον καλλιτέχνη, αυτό που τον ώθησε να γράψει ακριβώς τέτοιου είδους δουλειά; Στην περίπτωση της εικόνας της Ilya Repin "Ivan ο τρομερός και γιος του Ιβάν του στις 16 Νοεμβρίου 1581" για να μαντέψει τις αληθινές αιτίες καθόλου δύσκολη.
Η εικόνα δείχνει το θρυλικό επεισόδιο από τη ζωή του Ιβάν το φοβερό, όταν στην κατάσχεση του θυμού χτύπησε το γιο του στον γιο του Τσαρέβιχ Ιβάν. Ωστόσο, πολλοί ιστορικοί πιστεύουν ότι στην πραγματικότητα η δολοφονία δεν ήταν και ο Tsarevich πέθανε από ασθένεια, αλλά όχι σε όλο τον πατέρα του. Φαίνεται ότι μπορεί να κάνει τον καλλιτέχνη να στραφεί σε ένα τέτοιο ιστορικό επεισόδιο;
Καθώς ο ίδιος ο καλλιτέχνης υπενθύμισε, η σκέψη της γραφής της εικόνας "Ιβάν Γκρόζς και ο γιος του Ιβάν" εμφανίστηκαν από τον ... μια συναυλία, στην οποία άκουσε τη μουσική του συνθέτη ρωμαϊκού Κορσάκοφ. Ήταν η συμφωνική σουίτα "Antar". Οι ήχοι της μουσικής κατέλαβαν τον καλλιτέχνη και ήθελε να ενσωματώσει στη ζωγραφική τη διάθεση, η οποία δημιουργήθηκε υπό την επιρροή του από αυτό το έργο.
Αλλά όχι μόνο η μουσική έχει γίνει πηγή έμπνευσης. Ταξιδεύοντας στην Ευρώπη το 1883, η Repin επισκέφθηκε τον αγώνα ταύρων. Η εμφάνιση αυτού του αιματηρού γυαλιού εντυπωσιάστηκε από τον καλλιτέχνη που έγραψε ότι «εισχωρήσει ... αυτό το αιματηρό, στο σπίτι άφιξης, τώρα άρχισε πίσω από την αιματηρή σκηνή" Ivan Grozny και Son ". Και η εικόνα του αίματος είχε μεγάλη επιτυχία. "

9. Mikhail Vrubel. "Demon Sitting", 1890


Όπως μερικές φορές πολύ σημαίνει το όνομα της εικόνας. Αυτό που βλέπει τον θεατή με την πρώτη ματιά στον καμβά του Mikhail Vrubel "Demon Sitting"; Ένας μυϊκός νεαρός άνδρας κάθεται σε ένα βράχο και κοιτάζοντας το ηλιοβασίλεμα με τη θλίψη. Αλλά μόλις προφέραμε τη λέξη "δαίμονας", εμφανίζεται η εικόνα ενός μαγικού ασυνήθιστου πλάσματος. Εν τω μεταξύ, ο δαίμονας Mikhail Vrubel δεν είναι ένα κακό πνεύμα. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης έχει δηλώσει επανειλημμένα ότι ο δαίμονας - το πνεύμα "δεν είναι τόσο κακό ως δεινά και θλιβερή, αλλά με όλο το πνεύμα το πνεύμα είναι αυταρχικό, ... το υπέροχο."
Αυτή η εικόνα είναι ενδιαφέρουσα για τη γραφική τεχνική της. Ο καλλιτέχνης βάζει χρώμα στον καμβά που δεν είναι εξοικειωμένο με μια βούρτσα, αλλά μια λεπτή χαλύβδινη πλάκα - μια μαστίγιο. Μια τέτοια τεχνική σας επιτρέπει να συνδέσετε τις μεθόδους του ζωγράφου και του γλύπτη, κυριολεκτικά "να κερδίσετε" την εικόνα με τη βοήθεια χρωμάτων. Αυτό επιτυγχάνεται το "μωσαϊκό" - φαίνεται ότι ο ουρανός, οι βράχοι και το ίδιο το σώμα του ήρωα δεν είναι γραμμένες στο χρώμα, αλλά δημοσιεύονται από προσεκτικά γυαλισμένα, ίσως ακόμη και πολύτιμοι λίθοι.

10. Αλέξανδρος Ιβάνοφ. "Το φαινόμενο του Χριστού στον λαό (το φαινόμενο του Μεσσίας)", 1837-1857.


Εικόνα του Alexander Ivanova "Το φαινόμενο του Χριστού στο λαό" - η εκδήλωση είναι μοναδική στην ιστορία της εγχώριας ζωγραφικής. Είναι δύσκολο να μιλήσουμε γι 'αυτήν με παιδιά, ειδικά 6-7 ετών, αλλά για να δείτε αυτόν τον μνημειώδη καμβά, πάνω από το οποίο ο καλλιτέχνης εργάστηκε για περισσότερα από 20 χρόνια και που έχει γίνει το θέμα της ζωής του, πρέπει αναγκαστικά.
Το οικόπεδο των έργων βασίζεται στο τρίτο κεφάλαιο του Ευαγγελίου από τον Ματθαίο: ο Ιωάννης ο πρόδρομος, ο θανάτου εβραϊκού λαού στην ακτή της Ιορδανίας, στο όνομα του αναμενόμενου Σωτήρα, κοιτάζει ξαφνικά την επόμενη, στο όνομα του οποίου Βάζει τους ανθρώπους. Από τα σύνθετα χαρακτηριστικά της εικόνας, για τα σύμβολά της και για την καλλιτεχνική γλώσσα, τα παιδιά θα μάθουν αργότερα. Κατά τη διάρκεια της πρώτης γνωριμίας, αξίζει να μιλάμε για το πώς μια εικόνα έχει γίνει το έργο της ζωής του καλλιτέχνη.
Μετά την αποφοίτηση στην Ακαδημία Ακαδημίας Αγίας Πετρούπολης, ο Αλέξανδρος Ιβάνοφ έστειλε "στην πρακτική άσκηση" στην Ιταλία. Το "φαινόμενο του λαού του Χριστού" θα έπρεπε να έχει γίνει μια εργασία αναφοράς. Αλλά ο καλλιτέχνης είναι πολύ σοβαρός για το έργο του: μελετά προσεκτικά την Αγία Γραφή, την Ιστορία, οι μήνες αναζητούν το επιθυμητό τοπίο, ο άπειρος χρόνος ψάχνει για μια εικόνα για κάθε ήρωα της εικόνας. Τα χρήματα που έληξαν μαζί του στη δουλειά, ο Ιβάνοφ οδηγεί μια ύπαρξη ζητιάνο. Η επίπονη εργασία στην εικόνα οδήγησε στο γεγονός ότι ο καλλιτέχνης χαλάσει την όρασή του και αναγκάστηκε να αντιμετωπιστεί για μεγάλο χρονικό διάστημα.
Όταν ο Ivanov ολοκλήρωσε το έργο του, το ιταλικό ακροατήριο με την απόλαυση πήρε την εικόνα, ήταν μία από τις πρώτες περιπτώσεις της ευρωπαϊκής αναγνώρισης του ρωσικού καλλιτέχνη. Στη Ρωσία, δεν εκτιμήθηκε αμέσως - μόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη, η πραγματική δόξα ήρθε σε αυτόν.
Εργασία στην εικόνα, ο Ivanov δημιούργησε περισσότερα από 600 σκίτσα. Στην αίθουσα όπου εκτίθεται, μπορείτε να δείτε μερικά από αυτά. Είναι ενδιαφέρον για αυτά τα παραδείγματα να εντοπιστούν πώς ο καλλιτέχνης εργάστηκε στη σύνθεση, το τοπίο, πάνω από τις εικόνες των ηρώων της εικόνας.

Επιλογή αρχείων