Η Ολλανδία XVII έδωσε την ειρήνη πρωτοφανή στην παγκόσμια ιστορία του αστερισμού των μεγάλων καλλιτεχνών. Αυτό δεν ήταν πριν. Αυτό δεν οφείλεται. Αδιανόητο έξυπνο Rembrandt. Είναι ο πρώτος σε διάφορους ολλανδούς καλλιτέχνες, μεταξύ άλλων, λόγω της υπερ-τεχνολογίας της, της υπερ-ζωγραφικής. Για να το κάνετε αυτό, αξίζει να εξετάσουμε το Λονδίνο "Bathing Woman" ή το Ερμιτάζ "Flora" (και αυτό δεν αγγίζετε το θέμα του πιο σημαντικού ανθρωπισμού, ο καλύτερος ψυχολογισμός, εκπληκτική εφευρέτη, βαθύτερη αυτο-αντανάκλαση , εμπειρίες όπως ένα άλλο). Από την άποψή μου, και πράγματι αντικειμενικά, ο Rembrandt είναι ένας καλλιτέχνης νούμερο ένα στην ιστορία της ανθρωπότητας. Vermeer με την αιχμαλωσία του, το καθαρό χρώμα, μυστικιστικό σιωπηλό. F. Hals με την δαντέλα του, να σβήνουν. Terbor με τα υγρά, τις υφές των υφασμάτων και το λυκόφως. Metasu με κάποιο είδος αιώνια δεν συνδέεται, αλλά παντού σπάσιμο και ηλίθιο απόλυτη ζωγραφική. Gobbema με το δικό του ξεχωριστό ρυθμό, κάποιο πολύ ιδιαίτερο άτομο υπογράφηκε στη φύση. I. Reydal με τη δική του αφελική μνημειωτική, κάποια ιδιαίτερη δυνατότητα να αναγνωρίσει στη θέση του τόπου για τη μάχη, μια πολύ περίεργη τάση να διακοσμητικές. Potter με τη φωτογραφική εμπιστοσύνη της και για πάντα ακατάλληλες φυσιολογικές λεπτομέρειες. Hech (προς τα πάνω αριστοκρατικό) με τα είδωλα και τα φανταχτερά πειράματα της σπιτικής κρατικής γεωμετρίας. Μπορώ να απαριθμήσω πολλούς περισσότερους καλλιτέχνες, όχι λιγότερο σημαντικά και αριστοκρατικά, Bercher, Penchaker, Miris, Calph, Beyen, Heba, Ast, Witte, Doe, Fabrichius, Mas, Hogstraten, Golder, Flink, Wauveman, Goyen, Walls, Helst και Goyen και τα λοιπά. Κλπ. .. Αλλά ακόμα και σε αυτή τη "μικρή" σειρά υπάρχει ένας πολύ μικρός αριθμός καλλιτεχνών. Τους καλούμε "ήσυχο" για τον εαυτό μου. Όλοι τους βίωσαν την επίδραση του Peter de Hoha. Ζωγράφισαν σιωπή. Ήταν πολύ αριστοκρατικοί. Δεν είναι όλα αυτά στο Ερμιτάζ. Αλλά τα ερημητικά έργα της εργασίας τους μπορούν να αποδοθούν στον αριθμό των πιο σημαντικών. Ακουσέ τους.
Jacob Vronel
Ερημητήριο

Από άλλα μουσεία












Isaiah Bursa
Ερημητήριο

Ολλανδία. 17ος αιώνας. Η χώρα αντιμετωπίζει μια πρωτοφανή άνθηση. Τη λεγόμενη "χρυσή εποχή". Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν ανεξαρτησία από την Ισπανία.

Τώρα, η Singlestan Netherlands πήγε στο δρόμο τους. Και καθολικές φλάνδρες (το σημερινό Βέλγιο) κάτω από την πτέρυγα της Ισπανίας - δική του.

Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, η θρησκευτική ζωγραφική σχεδόν κανείς δεν χρειάζεται. Η προτεσταντική εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτέλεια της διακόσμησης. Αλλά αυτή η περίσταση "έπαιξε στο χέρι" της ζωγραφικής κοσμικής.

Η αγάπη για αυτό το είδος τέχνης ξύπνησε κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας. Ο Ολλανδός ήθελε να δει τη δική του ζωή στις εικόνες. Και οι καλλιτέχνες περπάτησαν πρόθυμα να τους συναντήσουν.

Ποτέ δεν απεικονίστηκαν ποτέ τη γύρω πραγματικότητα. Οι απλοί άνθρωποι, τα συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό του πολίτη.

Ο ρεαλισμός άκμασε. Μέχρι τον 20ό αιώνα, θα είναι ένας αξιόλογος ανταγωνιστής στον ακαδημαϊκό με τις νύμφες και τις ελληνικές θεές του.

Αυτοί οι καλλιτέχνες καλούν τα "μικρά" ολλανδικά. Γιατί; Οι εικόνες ήταν μικρές σε μέγεθος, επειδή δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλες οι φωτογραφίες του Jan Vermeer σε ύψος όχι περισσότερο από μισό μετρητή.

Αλλά μου αρέσει μια άλλη έκδοση περισσότερο. Στις Κάτω Χώρες τον 17ο αιώνα ζούσαν και δούλευαν τον Μεγάλο Δάσκαλο, τον "Big" Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι σε σύγκριση με αυτόν ήταν "μικρές".

Μιλάμε, φυσικά, για το Rembrandte. Από αυτόν και ξεκινήστε.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Αυτο-πορτραίτο ηλικίας 63 ετών. 1669 Εθνική Γκαλερί Λονδίνο

Το Rembrandt ήταν σε θέση να βιώσει την ευρύτερη γκάμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Ως εκ τούτου, στις πρώτες του έργα τόσο διασκεδαστικές όσο και οι Μπραβάδες. Και τόσα πολλά σύνθετα συναισθήματα - στη συνέχεια.

Εδώ είναι νέος και απογοητευμένος στην εικόνα "ο τυφλός γιος στην ταβέρνα". Στα γόνατα - η αγαπημένη σύζυγος Σασκοβία. Είναι ένας δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες ρίχνουν τον ποταμό.

Rembrandt. Ο άκαμπτος γιος στην ταβέρνα. 1635 Γκαλερί των παλαιών δασκάλων, Δρέσδη

Αλλά όλα αυτά θα εξαφανιστούν μετά από περίπου 10 χρόνια. Η Sasquia θα πεθάνει από καταναλώσει. Η δημοτικότητα θα διαλυθεί ως καπνός. Το μεγάλο σπίτι με μια μοναδική συλλογή θα ληφθεί για χρέη.

Αλλά το ίδιο Rembrandt θα εμφανιστεί, το οποίο θα παραμείνει στον αιώνα. Μεγάλα συναισθήματα ήρωων. Τις πιο στενές σκέψεις τους.

2. Γαλλία HALS (1583-1666)

Γαλλία Hals. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη

Η Γαλλία Hals είναι ένα από τα μεγαλύτερα πορτρέτα όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα το εξετάσω επίσης στο "μεγάλο" ολλανδικό.

Στην Ολλανδία, εκείνη τη στιγμή ήταν συνηθισμένο να παραγγείλετε πορτρέτα ομάδας. Τόσα πολλά παρόμοια έργα εμφανίστηκαν με την εικόνα των ανθρώπων που εργάζονται μαζί: τα βέλη της ίδιας συντεχνίας, οι γιατροί μιας πόλης, διαχειρίζοντας το νοσηλευτικό σπίτι.

Σε αυτό το είδος, οι hals διατέθηκαν το μεγαλύτερο μέρος όλων. Μετά από όλα, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα ήταν σαν ένα κατάστρωμα καρτών. Οι άνθρωποι κάθεται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλά να παρακολουθήσουν. Οι hals είχαν διαφορετικό τρόπο.

Κοιτάξτε την ομάδα του πορτρέτο του "Arrow Guild of St. Γεώργιος.

Γαλλία Hals. Βέλη guild hild Γεώργιος. 1627 Μουσείο της Γαλλίας Hals, Garel, Ολλανδία

Εδώ δεν θα βρείτε μια ενιαία επανάληψη στη θέση ή την έκφραση του προσώπου. Ταυτόχρονα, δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται να είναι περιττός. Λόγω της εκπληκτικά σωστής τοποθέτησης των αριθμών.

Ναι, και σε ένα μόνο πορτραίτο HAL ξεπέρασε πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοντέλα του είναι φυσικά. Οι άνθρωποι από την ανώτατη κοινωνία στους πίνακές του στερούνται από μεγέθυνση, και το μοντέλο από το κάτω μέρος δεν φαίνεται ταπεινωμένο.

Και οι ήρωές του είναι πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν, χειρονομώ. Όπως, για παράδειγμα, είναι ένας "τσιγγάνος" με μια χαλαρή εμφάνιση.

Γαλλία Hals. Αθίγγανος. 1625-1630

HALS, όπως το Rembrandt, τελείωσε τη ζωή στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήρθε ενάντια στις προτιμήσεις των πελατών. Που ήθελε την εμφάνισή τους να διακοσμούν. Οι HAL δεν πήγαν στο Frank Flattery, και έτσι υπέγραψαν μια πρόταση - "λήθη".

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Royal Gallery Mauritshais, Χάγη, Ολλανδία

Ο Terboro ήταν ένας μάγος ενός οικιακού είδους. Πλούσιοι και όχι πολύ burghers μιλούν σιγά-σιγά, οι κυρίες διαβάζουν γράμματα και ο πρωτοπόρος παρακολουθεί το φινίρισμα. Δύο ή τρεις στενά τοποθετημένες μορφές.

Ήταν αυτός ο κύριος που δούλεψε τους κανόνες του οικιακού είδους. Που στη συνέχεια δανείστηκε από το Yang Vermeer, Peter de Heh και πολλά άλλα "μικρά" ολλανδικά.

Gerard Terboro. Γυαλί λεμονάδας. 1660. Κρατικό Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Το "Το ποτήρι λεμονάδας" είναι ένα από τα διάσημα έργα του Terborch. Μπορεί να δει ένα ακόμα πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτα ρεαλιστική εικόνα του υφάσματος φόρεμα.

Υπάρχει Terboro και ασυνήθιστη δουλειά. Αυτό που μιλάει για την επιθυμία του να ξεπεράσει τις απαιτήσεις των πελατών.

Ο "μύλος" του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων κατοίκων της Ολλανδίας. Είμαστε συνηθισμένοι να βλέπουμε ζεστές αυλές και καθαρά δωμάτια στις εικόνες των "μικρών" ολλανδικών. Αλλά ο Terboro τόλμησε να δείξει άσχημη Ολλανδία.

Gerard Terboro. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κυβερνητικά μουσεία Βερολίνο

Καθώς καταλαβαίνετε, τα έργα αυτά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και στο Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Εργαστήριο καλλιτέχνη. 1666-1667 Μουσείο Ιστορίας Τέχνης, Βιέννη

Τι κοίταξε ο Yang Vermeer, δεν είναι αξιόπιστη. Είναι προφανές μόνο ότι απεικονίστηκε στον ζωγραφικό "Workshop του καλλιτέχνη". Αληθινή από την πλάτη.

Ως εκ τούτου, είναι εκπληκτικό το γεγονός ότι ένα νέο γεγονός από τη ζωή του Δάσκαλη έγινε πρόσφατα γνωστή. Συνδέεται με το αριστούργημά του "Delft street".

Jan Vermeer. Delft δρόμο. 1657 Κυβερνητικό Μουσείο στο Άμστερνταμ

Αποδείχθηκε ότι η παιδική ηλικία του Vermeer πέρασε σε αυτόν τον δρόμο. Το απεικονιζόμενο σπίτι ανήκε στη θεία του. Αυτός έθεσε τα πέντε παιδιά του σε αυτόν. Ίσως κάθεται στο κατώφλι με ράψιμο και δύο από τα παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ζούσε στο σπίτι απέναντι.

Αλλά πιο συχνά απεικόνισε την εσωτερική κατάσταση αυτών των σπιτιών και των κατοίκων τους. Φαίνεται ότι τα οικόπεδα των έργων ζωγραφικής είναι πολύ απλά. Εδώ είναι μια νευρική κυρία, μια ασφαλής κοιλιακή τοποθεσία, ελέγχει το έργο των ζυγών μου.

Jan Vermeer. Γυναίκα με βάρη. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσινγκτον

Τι βγήκε ο Vermeer μεταξύ χιλιάδων άλλων "μικρών" ολλανδικών;

Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος. Στην εικόνα "Γυναίκα με βάρη" ελαφρά περιβάλλει απαλά το πρόσωπο του ηρωίνης, του υφάσματος και τοίχων. Δίνοντας μια αφόρητη πνευματικότητα που απεικονίζεται.

Και οι συνθέσεις των ζωγραφικής της Vermeer ανακτάται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε άλλες λεπτομέρειες. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η ζωγραφική "καταρρέει" και η μαγεία θα πάει μακριά.

Όλα αυτά δόθηκαν στο Vermeleu δεν είναι εύκολο. Μια τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούμενη επίπονη εργασία. Συνολικές 2-3 εικόνες ετησίως. Ως αποτέλεσμα, η ανικανότητα να τροφοδοτεί την οικογένεια. Η Vermeer εργάστηκε ως έμπορος τέχνης, που πωλεί το έργο άλλων καλλιτεχνών.

5. Peter de Heh (1629-1884)

Peter de heh. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Reyxmuseum, Άμστερνταμ

Η Hoha συχνά συγκρίνεται με το Vermeer. Εργάστηκαν ταυτόχρονα, ακόμη και υπήρχε μια περίοδος που σε μια πόλη. Και σε ένα είδος - εγχώριες. Στην Hoha, βλέπουμε επίσης ένα ή δύο φιγούρες στις άνετες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.

Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν το χώρο των έργων ζωγραφικής του και διασκεδαστικό. Και οι αριθμοί είναι εγγεγραμμένοι σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στην εικόνα του "ο υπηρέτης με ένα κορίτσι στην αυλή".

Peter de heh. Η υπηρέτρια με το κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου

Έως τον 20ό αιώνα, η Hech αποτιμήθηκε πολύ υψηλή. Αλλά τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του του Vermeer είναι λίγοι που παρατήρησαν.

Αλλά στον 20ό αιώνα όλα έχουν αλλάξει. Slava Hoha Faming. Ωστόσο, τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική είναι δύσκολο να μην αναγνωριστούν. Λίγοι, οι οποίοι θα μπορούσαν να συνδυάσουν ανταγωνιστικά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.

Peter de heh. Οι παίκτες στο χάρτη στην αίθουσα του ήλιου. 1658 Συναρμολόγηση Βασιλικής Τέχνης, Λονδίνο

Παρακαλείστε να σημειώσετε ότι σε ένα μέτριο σπίτι στους "παίκτες στους χάρτες" μπορεί να κρεμάσει μια εικόνα σε ένα συρρατικό πλαίσιο.

Αυτό συνομιλεί και πάλι για το πώς η συνηθισμένη ολλανδική ζωγραφική ήταν δημοφιλής. Οι πίνακες ήταν διακοσμημένοι με κάθε σπίτι: τόσο το σπίτι του πλούσιου μπιφτέκι και ένας μέτριος πολίτης, και ακόμη και ένας αγρότης.

6. Walls Yang (1626-1679)

Τοίχοι γιανγκ. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. 1670s. Μουσείο Tissen-Bornemis, Μαδρίτη

Οι τοίχοι γιανγκ, ίσως, το πιο χαρούμενο "μικρό" Ολλανδικό. Αλλά αγαπώντας τα ηθικά. Συχνά απεικονίζει ταβέρνες ή φτωχά σπίτια στα οποία υπήρχε ένας αντιπρόεδρος.

Οι κύριοι χαρακτήρες του - οι βόλτες και οι κυρίες της εύκολης συμπεριφοράς. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποίησε με τον ίδιο τρόπο από την φαύλη ζωή.

Τοίχοι γιανγκ. Kavardak. 1663 Μουσείο Τέχνης Ιστορία, Βιέννη

Υπάρχει ένας τοίχος και πιο ήσυχη δουλειά. Όπως, για παράδειγμα, η "πρωινή τουαλέτα". Αλλά εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήξει τον θεατή πάρα πολύ frank αντικείμενα. Εδώ και ίχνη από την κόλπο, και όχι ένα κενό νυχτερινό δοχείο. Ναι, και κάπως καθόλου με τον τρόπο που ο σκύλος βρίσκεται ακριβώς πάνω στο μαξιλάρι.

Τοίχοι γιανγκ. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Reyxmuseum, Άμστερνταμ

Αλλά παρά τον πυριτία, οι χρωστικές λύσεις του τοίχου είναι πολύ επαγγελματίες. Σε αυτό, ήταν ανώτερος από πολλούς "μικρούς ολλανδούς". Κοιτάξτε πόσο το κόκκινο απόθεμα συνδυάζεται τέλεια με ένα μπλε σακάκι και ένα φωτεινό μπεζ χαλί.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1882)

Πορτρέτο ενός Raisdale. Λιθογραφία από το βιβλίο του 19ου αιώνα.

Τέχνη

95144

Κάποιος υπολογίστηκε ότι θα ήταν απαραίτητο να περάσετε οκτώ χρόνια για να περάσετε όλο το ερημίτη, πληρώντας ένα λεπτό για την επιθεώρηση κάθε έκθεσης. Έτσι, αναχωρώντας για νέες αισθητικές εντυπώσεις σε ένα από τα κύρια μουσεία της χώρας, είναι απαραίτητο να αποθηκεύσετε επαρκή χρόνο και κατάλληλη διάθεση.

Το κύριο μουσείο του Ερμιτάζ είναι ένας συνδυασμός πέντε κτιρίων που χτίστηκαν σε διαφορετικούς χρόνους με διάφορους αρχιτέκτονες για διαφορετικούς σκοπούς και συνδέονται κατά συνέπεια μεταξύ τους, αλλά ο οπτικά διακρίνεται στο χρώμα των προσόψεων (ιδιαίτερα καλά μπορεί να παρατηρηθεί από τα βέλη του Το νησί Vasilyevsky): Χειμερινό παλάτι - Δημιουργία Bartalameto Rastrelli, η Erespabeth του Erizabeth δημιούργησε, τότε υπάρχει ένα μικρό Ερμιτάζ. Θέατρο.

Υποχρεωτική προβολή των αριστουργημάτων επισημαίνονται στο σχέδιο του μουσείου από τους αρμάτων και τις εικόνες - κατ 'αρχήν, αυτή είναι η παραδοσιακή διαδρομή των περισσότερων οδηγών και τουριστών.

Παρακάτω πρέπει να δείτε η βέλτιστη λίστα του Ερμιτάζ.

Μια κλασική εκδρομή στο Κύριο Μουσείο του Ερμιτάζ ξεκινά με την Ιορδανική σκάλα ή, όπως καλείται - η πρεσβεία (ήταν σε αυτό μια ευγενή επισκέπτη επίσκεψη στους αυτοκράτορες και τους αγγελιοφόρους των ξένων δυνάμεων). Μετά από λευκό με τη χρυσή μαρμάρινη σκάλα, ο δρόμος χωρίζει: προς τα εμπρός και σε απόσταση, ένα imfilade των μπροστινών χώρων, την αριστερή αίθουσα Marshal Hall. Οι μετωπικές αίθουσες που εκτείνεται κατά μήκος της Νέβα, κοιτάξτε κάπως έρημη και σήμερα χρησιμοποιούνται για να τοποθετήσετε προσωρινές εκθέσεις. Στα αριστερά ξεκινάει το δεύτερο ανιχνευτή των μπροστινών αίθουσων, που στηρίζεται σε ένα δωμάτιο θρόνου, το οποίο σε αντίθεση με την μπροστινή σκάλα φαίνεται αρκετά μέτρια.

Διαβάστε εντελώς Στροφή

Μέρος του πρώτου ορόφου όπου μπορείτε να πάρετε, κατεβαίνοντας από τη σκάλα Οκτωβρίου (κατευθείαν από τους ιμπρεσιονιστές), είναι αφιερωμένη στην τέχνη των αρχαίων κατοίκων της Ασίας - Σκύθια. Στο δωμάτιο 26 παρουσιάζει αρκετά καλά διατηρημένα πράγματα από οργανικό υλικό, που βρέθηκαν κατά τη διάρκεια των ανασκαφών της Βασιλικής Νεκρόπολης στο Altai, το λεγόμενο πέμπτο Pazyryk Kurgan. Ο πολιτισμός Pasyryk αναφέρεται στους αιώνες VI - III. προ ΧΡΙΣΤΟΥ μι. - εποχή της πρώιμης ηλικίας σιδήρου. Όλα τα πράγματα που βρέθηκαν έχουν διατηρηθεί σε άριστη κατάσταση, χάρη σε ειδικές κλιματολογικές συνθήκες - ένας φακός πάγου εμφανίστηκε γύρω από το Kurgan, με αποτέλεσμα ένα είδος "φυσικού ψυγείου", στο οποίο τα πράγματα μπορούν να σωθούν για πολύ μεγάλο χρονικό διάστημα. Οι αρχαιολόγοι ανακάλυψαν το θάλαμο ταφής, το οποίο ήταν ένα ξύλινο σπίτι κούτσουρο με ύψος τεσσάρων μέτρων, μέσα στα οποία τοποθετήθηκαν τα μούμιλα σώματα των ανδρών και των γυναικών, καθώς και η ταφή αλόγων, τα οποία ήταν έξω από το αρχείο καταγραφής. Που βρέθηκαν κατά τη διάρκεια των ανασκαφών τα πράγματα δείχνουν την υψηλή κοινωνική κατάσταση των θαμμένων. Στην αρχαιότητα, ο Kurgan λήστεψε, αλλά η ταφή του αλόγου παρέμεινε άθικτη. Το βαγόνι βρέθηκε σε αποσυναρμολογημένη μορφή, φέρεται ότι καίει τέσσερα άλογα. Η ειδική υπερηφάνεια της συλλογής είναι ένα απολύτως διατηρημένο αισθητικό χαλί, που απεικονίζει ένα φανταστικό λουλούδι, έναν αναβάτη και ανώτερο από τη γυναίκα του, προφανώς μια θεότητα. Οι αρχαιολόγοι δεν έλαβαν ενιαία γνώμη ως προς πότε και για την οποία έγινε αυτό το χαλί, οι λεπτομερείς μελέτες έχουν δείξει ότι στη συνέχεια υιοθετήθηκε, μπορεί να αποτελέσει ειδικά την ταφή. Άλλα ενδιαφέροντα εκθέματα που βρίσκονται στην προβολή απέναντι είναι η SWAG αισθάνθηκε τα στοιχεία γεμιστά με γούνα ταράνδων. Οι κύκνοι έχουν μαύρα φτερά, πιθανότατα ελήφθησαν από τους γύπες (κηδεία). Έτσι, οι αρχαίοι προωθήσουν την ιδιοκτησία του βαρούλκου της υπέρβασης, το μετατρέποντάς τον στον κάτοικο και των τριών επιπέδων του σύμπαντος: παραδεισένιο, γήινο και νερό. Συνολικά, βρέθηκαν τέσσερις αισθητές μορφές πτηνών, γεγονός που καθιστά δυνατή την υποβολή της πρότασης ότι οι κύκνοι είχαν σχέση με το βαγόνι στο οποίο έπρεπε να ληφθούν στον κόσμο της ψυχής των νεκρών (κατά τη διάρκεια των ανασκαφών, οι κύκνοι ήταν που βρέθηκαν μεταξύ του βαγονιού και του χαλιού). Επίσης, στο Kurgan βρήκε "εισαγόμενα ευρήματα", για παράδειγμα, άλογο Chapraki, διακοσμημένο με ιρανικό μάλλινο ύφασμα και ύφασμα από την Κίνα, γεγονός που καθιστά δυνατή τη συζήτηση για τις επαφές του Σκυθιανού πληθυσμού του βουνού Altai με πολιτισμούς της Κεντρικής Ασίας και της αρχαίας ανατολής ήδη στους αιώνες VI - III. προ ΧΡΙΣΤΟΥ μι.

Διαβάστε εντελώς Στροφή

Κύριο μουσείο συγκρότημα, χειμερινό παλάτι, πάτωμα II, αίθουσες 151, 153

Εάν έχετε μεγαλώσει λίγο από την ποικιλία ζωγραφιών και γλυπτών, μπορείτε να αποσπάσετε λίγο, να αλλάξετε στη μικρή αίθουσα της γαλλικής τέχνης των αιώνων XV-XVII., Όπου εκπροσωπείται η κεραμική της Saint-Powder και Bernard Palssi. Υπάρχουν μόνο περίπου 70 προϊόντα της Saint-Powder σε όλο τον κόσμο και στο Ερμιτάζ μπορείτε να δείτε ολόκληρα τέσσερα αντίγραφα. Η τεχνική Saint-Pisther (που ονομάζεται έτσι στον επιδιωκόμενο χώρο προέλευσης) μπορεί να περιγραφεί σχηματικά με αυτόν τον τρόπο: το συνηθισμένο πηλό τοποθετήθηκε σε μορφές, και στη συνέχεια το στολίδι συμπιέστηκε με μεταλλικές μήτρες στα έντυπα (πόσες στολίδια), Στη συνέχεια, οι εσοχές πλήρωσαν τον πηλό του χρώματος αντίθεσης, το προϊόν καλύφθηκε με διαφανές κερασάκι και έσκαψε στον κλίβανο. Μετά την πυροδότηση, προστέθηκε μια διακοσμητική ζωγραφική. Όπως μπορείτε να δείτε, ως αποτέλεσμα μιας τέτοιας περίπλοκης και έντασης εργασίας, ελήφθη ένα εξαιρετικά κομψό και εύθραυστο πράγμα. Ένας άλλος τύπος κεραμικών αντιπροσωπεύεται στην βιτρίνα - η κεραμική του κύκλου του Bernard Palisser είναι το πιο διάσημο Masters-κεραμίνο XVI αιώνα. Πολύχρωμο, ασυνήθιστο, λεγόμενο "αγροτικό πηλό" - τα πιάτα που απεικονίζουν τους κατοίκους των στοιχείων νερού ρίχνονται αμέσως στα μάτια. Η τεχνική της εκτέλεσης αυτών των πιάτων είναι ακόμα ένα μυστήριο, αλλά οι ιστορικοί τέχνης πιστεύουν ότι κατασκευάζονται με τη βοήθεια των χυτών από την εντύπωση. Σαν το σκιάχτρο των θαλάσσιων παπουτσιών εξαπατήθηκε με λίπος, και στην κορυφή έβαλαν ένα κομμάτι πηλού και καίγονται. Από τον καμένο πηλό, έβγαλαν το σκιάχτρο και έλαβαν εκτυπώσεις. Πιστεύεται ότι τα ερπετά, ενώ επιβλήθηκαν στον πηλό τους, ακινητοποιήθηκαν μόνο από αιθέρα, αλλά δεν είναι νεκροί. Από την προκύπτουσα εντύπωση, εκτοξεύτηκαν, τα οποία συνδέθηκαν με πιάτα, όλα ήταν ζωγραφισμένα με χρωματιστό λούστρο, στη συνέχεια καλύφθηκαν με διαφανή και καίγονται. Τα σκεύη του Bernard Palisi ήταν τόσο δημοφιλή που είχε έναν παράλογο αριθμό οπαδών και μιμητών.

Διαβάστε εντελώς Στροφή

Κύριο μουσείο συγκρότημα, χειμερινό παλάτι, πάτωμα II, αίθουσες 272-292

Εάν περάσετε από το Imfilade των μπροστινών δωματίων κατά μήκος της Neva, θα φτάσετε στο πίσω μισό σε δωμάτια με εσωτερικούς εσωτερικούς χώρους - εδώ και αυστηρά κλασικά εσωτερικούς χώρους, και τα σαλόνια διακοσμημένα στο στυλ του ιστορικού, και τα περίπλοκα έπιπλα, και Έπιπλα Ar Deco και Γοτθική Ξύλινη Βιβλιοθήκη Κουκέτων του Νικολάου Β με αντίκες φυλλίες, με ευκολία βυθίζοντας σας στην ατμόσφαιρα του Μεσαίωνα.

Διαβάστε εντελώς Στροφή

Κύριο μουσείο συγκρότημα, χειμερινό παλάτι, πάτωμα II, αίθουσες 187-176

Στον τρίτο όροφο, στο Τμήμα χωρών της Ανατολής, λίγοι άνθρωποι παίρνουν. Εάν προχωρήσετε λίγο περισσότερο από τον κόσμο του Matissea-Picasso-Dereny, ξεπερνώντας τον πειρασμό να κατεβείτε από τις ξύλινες σκάλες, τότε θα ληφθούν στη διαίρεση των χωρών της Ανατολής. Σε πολλές αίθουσες της έκθεσης "Άπω Ανατολής και Κεντρικής Ασίας", μερικώς χαμένες, μερικώς ανακτώμενες τοιχογραφίες τοιχογραφιών, των οποίων η ηλικία δεν είναι εκατό ετών. Αντιπροσωπεύουν μια απίστευτα εξελιγμένη τέχνη έργων ζωγραφικής του σπηλαίου και εδάφους βουδιστικών ναών από την Karashar, Turfan και Kucharsky Oases που βρίσκονται στη διαδρομή του μεγάλου μονοπατιού Shelkovaya. Οι τοιχογραφίες χρησιμεύουν ως μοναδική μαρτυρία της ενότητας του Βουδιστικού Κόσμου στην Ινδία, την Κεντρική Ασία και την Κίνα της Δομογγολικής περιόδου. Πριν από μερικά χρόνια, μέρος των τοιχογραφιών από τη συλλογή μεταφέρθηκε στο Κέντρο Αποκατάστασης και Κατάστημα "Old Village", όπου εκτίθενται τώρα.

Διαβάστε εντελώς Στροφή

Κύριο μουσείο συγκρότημα, χειμερινό παλάτι, όροφο ΙΙΙ, Αίθουσα 359-367, Έκθεση "Πολιτισμός και Τέχνη της Κεντρικής Ασίας"

Το έργο των ιμπρεσιονιστών (Monet, Renoir, Degas, Sisley, Pizarro) παρουσιάζονται στον τρίτο όροφο του χειμερινού παλατιού. Μια από τις πραγματικές συλλογές μαργαριταριών - το πανί της Claude Monet "Lady στον κήπο της Αγίας Διεύθυνσης" (Claude Monet, Femme Au Jardin, 1867). Με μαζί με το κορίτσι, ίσως να καθορίσετε το έτος της σύνταξης της εικόνας - ήταν τότε ότι τέτοια φορέματα ήταν στη μόδα. Και αυτό το προϊόν διακοσμήθηκε το εξώφυλλο του εμπορικού καταλόγου των έργων του Monte από όλο τον κόσμο, ο οποίος έλαβε χώρα πριν από αρκετά χρόνια στο Παρίσι στο Grand Pale. Η συλλογή είναι επίσης γεμάτη με τα έργα των postimipipresions του Cesan, Gaugugen, Van Gogh και άλλων γαλλικών καλλιτεχνών των αρχών του 20ού αιώνα: Matisse, Derey, Picasso, Mark, Valtontone. Πώς αποδείχθηκε αυτός ο πλούτος στη συλλογή του μουσείου; Όλες οι εικόνες ήταν στο παρελθόν στις συναντήσεις των ρωσικών εμπόρων Morozov και Schukin, ο οποίος αγόρασε το έργο των γαλλικών ζωγράφων στο Παρίσι, εξοικονομώντας έτσι από πεινασμένο θάνατο. Μετά την επανάσταση, η ζωγραφική εθνικοποιεί το Σοβιετικό κράτος και τα τοποθετεί στο Μουσείο της Νέας Δυτικής Τέχνης της Μόσχας. Εκείνη την περίοδο, η Alfred Barr έμεινε στη Μόσχα - ο ιδρυτής του Μουσείου Σύγχρονης Τέχνης της Νέας Υόρκης, για τις οποίες οι συλλογές Schukinskaya και Morozovskaya χρησίμευαν ως πρωτότυπο του μελλοντικού του πνευματικού χαρακτήρα. Μετά τον πόλεμο, το μουσείο διαλύεται λόγω των αντι-ανθρώπων και του φορμαλιστικού περιεχομένου και η συλλογή χωρίζεται μεταξύ των δύο μεγαλύτερων μουσείων της Ρωσίας - Pushkinsky στη Μόσχα και το Ερμιτάζ στην Αγία Πετρούπολη. Ειδικές ευχαριστίες, ο τότε διευθυντής του Ερμιτάζ - Ιωσήφ Ορμπέλι, ο οποίος δεν φοβόταν να αναλάβει την ευθύνη και να πάρει τα πιο ριζικά έργα του Kandinsky, Matisse και Picasso. Το δεύτερο μέρος της συλλογής MOROZOVA-SHCHUKIN σήμερα μπορεί να θαυμαστεί στην Πινακοθήκη Τέχνης της Ευρώπης και της Αμερικής των αιώνων XIX-XX. Μουσείο Μόσχας Πούσκιν, το οποίο στη μαγκαιά.

Διαβάστε εντελώς Στροφή

Κύριο Μουσείο, Χειμερινό Παλάτι, Όροφος ΙΙΙ, Αίθουσες 316-350

Και οι δύο δρόμοι πηγαίνουν στη Ρώμη και όλοι οι τρόποι στο Ερμιτάζ περνούν από μια περίπλοκη αίθουσα με διάσημα ρολόγια, εξοικειωμένοι με όλους στην προφύλαξη οθόνης του τηλεοπτικού καναλιού "Πολιτισμός". Η θαυμάσια ομορφιά του Peacock έγινε μοντέρνα εκείνες τις μέρες από τον αγγλικό Master James Koksok, που απέκτησε από τον Πρίγκιπα Γρηγόρη Potemkin-Taurica ως δώρο Catherine Great, μεταφέρθηκε στην Αγία Πετρούπολη σε μια αποσυναρμολογημένη μορφή και ήδη εισπράχθηκε η κηλίδα Ivan Kulibin. Για να καταλάβετε πού βρίσκεται το ρολόι, πρέπει να διεισδύσετε στο φράχτη και να κοιτάξετε κάτω από τα πόδια της Pavline - υπάρχει ένα μικρό μανιτάρι στο κέντρο, και βρίσκεται στο καπέλο του ότι το ρολόι βρίσκεται το ρολόι. Ο μηχανισμός βρίσκεται σε κατάσταση λειτουργίας, μία φορά την εβδομάδα (την Τετάρτη), ο ρολόι εισέρχεται στο γυάλινο κύτταρο και το παγώνι στρέφεται και αποκαλύπτει την ουρά του, τα Quackets του κόκορα και η κουκουβάγια στο κύτταρο περιστρέφεται γύρω από τον άξονά του. Η αίθουσα Pavilion βρίσκεται σε ένα μικρό Ερμιτάζ και έχει θέα στον Κρεμαστό Κήπο της Αικατερίνης, - όταν υπήρχε ένας πραγματικός κήπος με θάμνους, δέντρα και ακόμη και ζώα, μερικώς κλειστή με γυάλινη οροφή. Ο ίδιος ο μικρός ερημίτης χτίστηκε κατόπιν αιτήματος Catherine II για μεσημεριανά γεύματα και βράδια σε έναν οικείο κύκλο φίλων - "Ερμιτικές", όπου ακόμη και οι υπάλληλοι δεν επιτρέπονται. Ο σχεδιασμός της αίθουσας Pavilion ανήκει στην εποχή αργότερα, απογευματινή περίοδο και γίνεται σε ένα εκλεκτικό στυλ: μάρμαρο, κρύσταλλο, χρυσό, μωσαϊκό. Στην αίθουσα μπορείτε να βρείτε πολλά πιο εξαιρετικά ενδιαφέροντα εκθέματα - τοποθετείται επίσης γύρω από την αίθουσα εδώ και εκεί, ένθετο σμάλτο και ημιπολύτιμες πέτρες (πεθερά, ρόδι, όνυχα, Lapis) κομψά τραπέζια, και Bakhchisaray δάκρυα βρύσες που βρίσκονται συμμετρικά αντίθετα και στους δύο τοίχους. Σύμφωνα με τον θρύλο, ο Κριμαίας Khan GaryRay, πρίνομαι το θάνατο του αγαπημένου του ραφής Dilyra, διέταξε τους πλοιάρχους να χτίσουν σιντριβάνια στη μνήμη της θλίψης του - μια σταγόνα μιας σταγόνας, από ένα κέλυφος, πέφτει σε ένα άλλο, όπως τα δάκρυα, το νερό.

Διαβάστε εντελώς Στροφή

Κύριο μουσείο συγκρότημα, μικρό Ερμιτάζ, ΙΙ Δάος, Αίθουσα 204

Το συνηθισμένο μονοπάτι από το δωμάτιο θρόνου βρίσκεται με το ρολόι με το Pavlin, το οποίο αμέσως στη γκαλερί με την εφαρμοσμένη τέχνη του Μεσαίωνα προς τα αριστερά. Αλλά αν στρίψετε δεξιά και πάρτε λίγο περίπατο, μπορείτε να δείτε μια πολύ ενδιαφέρουσα συλλογή της ολλανδικής ζωγραφικής των XVI-XVII αιώνες. Έτσι, για παράδειγμα, εδώ αντιπροσωπεύεται από την εικόνα βωμού του Jean Belgamba, αφιερωμένη στον Ευαγγελισμό. Η εκκλησία μία φορά στην κατοχή της εκκλησίας, το τρίπτυχο είναι πολύτιμο από το γεγονός ότι έχει έρθει μέχρι σήμερα. Στο κέντρο του Triptych, δίπλα στο Archangel Gavriil, έφερε τη Mary Good News, απεικονιζόμενο Donator (εικόνα του πελάτη), η οποία είναι για την ολλανδική ζωγραφική του XVI αιώνα. Ήταν ένα πολύ έντονο βήμα. Το κεντρικό τμήμα είναι χτισμένο σαν στο μέλλον: το προσκήνιο καταλαμβάνεται από τη σκηνή του Ευαγγελισμού και στο βάθος της Παναγίας έχει ήδη ασχοληθεί με τις καθημερινές του - ράβδους πάνες εν αναμονή της γέννησης του μωρού. Αξίζει επίσης να δώσουμε προσοχή στα δύο ομαδικά πορτρέτα της εταιρείας (Guild) του Amsterdam Arrow Arms Dirk Jacobs, η οποία από μόνη της είναι μια μεγάλη σπανιότητα για οποιαδήποτε συλλογή λέξεων ζωγραφικής, που βρίσκεται έξω από τις Κάτω Χώρες. Τα πορτραίτα της ομάδας είναι ένα ειδικό γραφικό είδος που είναι χαρακτηριστικό αυτής της χώρας. Τέτοιες εικόνες γράφτηκαν με τη σειρά των ενώσεων (για παράδειγμα, βέλη, γιατροί, διαχειριστές φιλανθρωπικών ιδρυμάτων) και, κατά κανόνα, παρέμειναν στη χώρα και δεν εξήχθησαν στα όριά της. Όχι πολύ καιρό πριν, το Ερμιτάζ διεξήγαγε μια έκθεση ομαδικών πορτρέτων που προέκυψαν από το Μουσείο του Άμστερνταμ, συμπεριλαμβανομένων δύο έργων ζωγραφικής από τη συλλογή ερημίτη, παρουσιάστηκαν επίσης εκεί.

Διαβάστε εντελώς Στροφή

Κύριο μουσείο συγκρότημα, μικρό Ερμιτάζ, ΙΙ Δάος, Αίθουσα 262

Σήμερα στον κόσμο υπάρχουν 14 διατηρημένα έργα από το πινέλο του διάσημου ζωγράφου της Αναγέννησης Leonardo da Vinci. Στο Ερμιτάζ υπάρχουν δύο εικόνες της αδιαμφισβήτητης συγγραφέας του - "Madonna Benua" και "Madonna Litt". Και αυτός είναι ένας τεράστιος πλούτος! Εξαιρετικός καλλιτέχνης, ανθρωπιστής, εφευρέτης, αρχιτέκτονας, επιστήμονας, συγγραφέας, σε μια λέξη, Genius - Leonardo da Vinci είναι ο ακρογωνιαίος λίθος ολόκληρης της τέχνης της ευρωπαϊκής αναγέννησης. Ήταν αυτός που έβαλε την παράδοση της ελαιογραφίας (όλο και περισσότερη θερμοκρασία - χρησιμοποιήθηκε ένα μείγμα φυσικών χρωμάτων και κρόκου αυγού), έδωσε επίσης μια τριγωνική σύνθεση της εικόνας στην οποία η Madonna χτίστηκε με ένα μωρό και το ιερό και το ιερό και το ιερό και το ιερό άγγελοι που τους περιβάλλουν. Επίσης, φροντίστε να δώσετε προσοχή στις έξι πόρτες αυτού του δωματίου, να ανιχνεύονται από επιχρυσωμένα μεταλλικά μέρη και μια θήκη χελώνα.

Διαβάστε εντελώς Στροφή

Κύριο μουσείο συγκρότημα, μεγάλο (παλιό) Ερμιτάζ, ΙΙ, Αίθουσα 214

Η μπροστινή σκάλα του νέου Ερμιτάζ αυξάνεται από την ιστορική είσοδο του μουσείου με ένα εκατομμυριούχο δρόμο και η βεράντα της δήλωσε δέκα Ατλάντα από το γκρι γρανίτη Serdobol. Οι Atlants κατασκευάστηκαν υπό την ηγεσία της ρωσικής γλυπτικής του Terrabnev, από εδώ και το δεύτερο όνομα των σκαλοπατιών. Μόλις από αυτή τη βεράντα, ξεκίνησε η διαδρομή των πρώτων επισκεπτών του μουσείου (μέχρι τη μέση των είκοσων του περασμένου αιώνα). Με την παράδοση - για καλή τύχη και να επιστρέψετε - πρέπει να χάσετε τη φτέρνα από οποιαδήποτε από τις Ατλάντα.

Διαβάστε εντελώς Στροφή

Κύριο μουσείο, νέο Ερμιτάζ

Το παρελθόν αυτού του δωματίου δεν θα είναι σε θέση να περάσει, ο "Prodigal Son" είναι ένας από τους τελευταίους και πιο διάσημους πίνακες της Rembrandt - που σημειώνονται σε όλα τα σχέδια και τους οδηγούς, και μπροστά του, καθώς και τα πλήθη πάντοτε συλλέγονται μπροστά του. Η εικόνα αμφισβητείται και είναι δυνατόν να το θεωρηθεί μόνο με ένα ανυψωμένο κεφάλι, ή λίγο μακριά - από τον τόπο της Σοβιετικής σκάλας (που ονομάζεται έτσι όχι προς τιμήν της χώρας των Σοβιετικών, αλλά προς τιμήν του Κρατικού Συμβουλίου , που συνοδεύτηκε κοντά, στην αίθουσα στον πρώτο όροφο). Το Ερμιτάζ έχει τη δεύτερη μεγαλύτερη συλλογή έργων ζωγραφικής από το Rembrandt και μόνο το Μουσείο Rembrandt στο Άμστερνταμ μπορεί να ανταγωνιστεί με αυτό. Εδώ και η δυστυχώς διάσημη "Dana" (φροντίστε να συγκρίνετε με τον Titian Danay - δύο μεγάλοι δάσκαλοι ερμηνεύουν μια ιστορία), - στη δεκαετία του '80, το Μουσείο Επισκεπτών πιτσιλίστηκε στον καμβά με θειικό οξύ και προκάλεσε δύο απεργίες μαχαιριών. Η εικόνα αποκαταστάθηκε προσεκτικά στα εργαστήρια του Ερμιτάζ για 12 χρόνια. Υπάρχει επίσης μια όμορφη-μυστικιστική "χλωρίδα", στην οποία, φέρεται ότι, που απεικονίζεται στο ρόλο της γονιμότητας της θεάς της συζύγου του καλλιτέχνη - της Σασκίας, καθώς και λιγότερο δημοφιλής, από εκείνη, σαν μια οικεία εικόνα να "αποχαιρετήσει τον Δαβίδ με Ionafan. " Εμφανίζει το αποχαιρετιστήριο του νέου διοικητή του Δαβίδ και τον πιστή φίλο του Jonabhan - ο γιος του ζηλιού βασιλιά Σαούλ. Οι άνδρες λένε αντίο από το Stone Azel, το οποίο σημαίνει "χωρισμό" στη μετάφραση. Το οικόπεδο λαμβάνεται από την Παλαιά Διαθήκη και η Rembrandt η παράδοση της εικονογραφικής εικόνας των σκηνών από την Παλαιά Διαθήκη δεν υπήρχε. Μια εικόνα γεμάτη θλίψη με λεπτή λυχνία γράφτηκε μετά το θάνατο της αγαπημένης συζύγου Rembrandt και αντανακλά το αποχαιρετισμό του από το Saskiy.

Η ολλανδική ζωγραφική στη συλλογή του παλατιού Pavlovsky αντιπροσωπεύει ένα από τα κύρια συστατικά του και καταλαμβάνει ένα σημαντικό μέρος τόσο στη σύνθεση όσο και στην ποιότητα των εικονογραφικών έργων. Η συναρμολόγηση έχει περισσότερα από 80 έργα.

Το χαρακτηριστικό της συλλογής είναι ότι το τοπίο παρουσιάζεται καλύτερα από άλλα είδη και το λεγόμενο "ιταλικό" τοπίο. Αυτή η κατεύθυνση προέκυψε και κέρδισε την ανάπτυξή της λόγω των ολλανδικών καλλιτεχνών που επισκέφθηκαν την Ιταλία. Οι πίνακες της φωτεινής, ζουμερής φύσης της νότιας χώρας χρησίμευαν ως ώθηση για να δημιουργήσουν έργα, εντελώς διαφορετικά από το "εθνικό" τοπίο. Ένα δείγμα του αρχικού σταδίου ανάπτυξης του "ιταλικού" τοπίου, που ονομάζεται "arcade", είναι η ζωγραφική Β. Brenberg "Tiviy και Angel". Bartolomeus Brenberg (1599 / 1600-1657) και οι πλοίαρχοι γύρω από αυτό, ο οποίος εργάστηκε στην Ιταλία το 1620, δημιούργησε φωτογραφίες του ιταλικού τοπίου υπό όρους, φροντίστε να κατοικείτε από τους μυθολογικούς ή βιβλικούς χαρακτήρες του. Το υψηλότερο είδος Heyday του ιταλικού τοπίου φτάνει στη μέση του XVII αιώνα στο έργο του Jan Bota (1610-1652). Ο Pavlovsk διαθέτει δύο εργασίες συνδρομής αυτού του πλοιάρχου - το ζωγραφικό "ιταλικό τοπίο" και "θέα στο Ponte Lukano κοντά στη Ρώμη". Ο καλλιτέχνης όχι μόνο αναπαράγει με τη μεγαλύτερη ακρίβεια των συγκεκριμένων γωνιών του ιταλικού τοπίου, αλλά επιδιώκει επίσης να περάσει την κατάσταση μιας συγκεκριμένης εποχής της ημέρας με τον χαρακτηριστικό ηλιακό φωτισμό του. Junior Σύγχρονη Ya. Bota ήταν ο Adrian van Emonte (OK.1627-1662), ο οποίος ανήκει στο "νότιο τοπίο", το οποίο χαρακτηρίζεται από την επίδραση του ηλιακού φωτός: η χρυσή ακτινοβολία του Sun Sun δημιουργεί μια γοητευτική εικόνα ενός ήσυχου ιταλικού απόγευμα.

Στην ολλανδική τέχνη, από τη μέση του XVII αιώνα, περιλαμβάνονται οι εικόνες των προαστιακών ussers και πάρκων. Ένα τέτοιο "τοπίο πάρκο" Frederica de Musheron (1633-1686), όπου βρίσκονται στο φόντο ενός πέτρινου τοίχου με διακοσμητικά αγγεία, κυρίες και καβαλιέρες. Ο γιος του Musheron ειδικεύεται στο είδος του τοπίου Park - Izaak Musheron, ένα ελαφρώς κατώτερο πατέρα σε γραφική δεξιότητα. Η συλλογή του μουσείου έχει τρία από το τοπίο του πάρκου.

Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα της ολλανδικής τέχνης είναι μια στενή εξειδίκευση των πλοιάρχων σε ένα συγκεκριμένο είδος. Μεταξύ των παικτών τοπίου, οι "ιταλιστές" ήταν καλλιτέχνες που προτιμούσαν να γράψουν νότια λιμάνια, όπως το Thomas Wake (περίπου 1616-1677). Το "ιταλικό λιμάνι" του στη συνάντηση του Μουσείου χτυπά τη φωτεινότητα των χρωμάτων, ευκολία της εικόνας ένα γεμάτο πλήθος στην προκυμαία. Ένας άλλος κύριος Karel Duzharden (περίπου 1622-1678) προτιμώμενος με την εικόνα των βοσκών και των βοσκών με ένα ζωικό κεφάλαιο για νερό-νερό - "νερό". Σε μια μεταγενέστερη περίοδο ανάπτυξης του ιταλικού τοπίου, με τη σειρά των αιώνων XVII - XVIII, οι δάσκαλοι εμφανίζονται για το ζωγραφισμένο τοπίο. Αυτά είναι άπειρα "νότιο λιμάνι" με την εφευρεμένη αρχιτεκτονική των μαντίνων, με καταπράσινα ιστιοφόρα και ένα ντροπαλό ή "ιταλικό τοπίο" με υποχρεωτικά θραύσματα παλαιών αρχαιοτήτων. "Τοπίο με σιντριβάνι" και "θαλάσσιο λιμάνι" Yana griffing του ανώτερου (1645-1718) ανήκει σε αυτό το είδος έργων. Είναι τέλεια εκτελούνται και διακρίνονται από εκφραστικά διακοσμητικά αποτελέσματα.

Στο δεύτερο μισό του XVII αιώνα, οι ολλανδοί δάσκαλοι επιτυγχάνουν μεγάλη επιτυχία στην ανάπτυξη του είδους του τοπίου της πόλης. Ένας από τους εξαιρετικούς δασκάλους που εργάστηκε σε αυτόν ήταν ο Gerrit Adrieneske Berkheide (1638-1698). Η "ιππική έκθεση" στη συνάντηση του μουσείου υπογράφηκε και χρονολογείται 1682 χρόνια, δηλ. αναφέρεται στην ώριμη περίοδο του έργου του. Ο δρόμος που αναπαράγεται στην εικόνα είναι τόσο χαρακτηριστική για την Ολλανδία, η οποία δύσκολα μπορεί να μιλήσει για έναν συγκεκριμένο τόπο δράσης. Για τους περισσότερους Ολλανδούς Δάσκαλους που εργάστηκαν στο είδος του τοπίου της πόλης, η ιδιαιτερότητα της εικόνας είναι χαρακτηριστική. Ο συγγραφέας της "πλατεία της αγοράς" Lyudolf de Jong (1616-1679) απεικόνισε ένα συνηθισμένο κτίριο της πόλης, αλλά έβαλε το άγαλμα του Erasmus Ρότερνταμ, εγκατεστημένο στην μεγάλη πλατεία της αγοράς στο Ρότερνταμ το 1622. Από τα λίγα δείγματα της ολλανδικής νεκρή φύση στη συλλογή του μουσείου, θα πρέπει να υπάρχουν δύο ζωγραφιές ζευγάρι Otto Marsus Wang Scrica (1620-1678) - "φίδι, που επιθυμεί μια σαύρα" και "φίδι, που επιθυμεί suslik". Είναι ένα είδος νεκράς ζωής, που έλαβε χώρα, ίσως, μόνο στη γερμανική τέχνη είναι μια εικόνα εντόμων και ερπετών στο φυσικό τους περιβάλλον. Σε σχέση με τέτοια έργα, η έννοια δεν είναι δίκαιη να "νεκρή φύση" (φύση morte), αλλά μια "ήσυχη ζωή" (Stil Liven). Οι σύγχρονοι ο Wang Scrick δείχνουν ότι ο καλλιτέχνης κάτω από το Άμστερνταμ είχε το νηπιαγωγείο του με διάφορους κόκκους, όπου παρακολούθησε τη ζωή των ζώων.

Σημαντικά ασθενέστερη, σε σύγκριση με το τοπίο ζωγραφικής, που παρουσιάστηκε στο είδος του Pavlovsk Dutch και τη λεγόμενη ιστορική ζωγραφική. Το πρώτο μπορεί να πάρει μια εικόνα του "καπνιστή", η οποία αποδίδεται στη βίλα του Cornelis Deisther (περίπου 1599-1635). Η ενδιάμεση θέση μεταξύ του πορτρέτου και της ζωγραφικής του είδους καταλαμβάνει τη ζωγραφική "αγόρι με ένα πουλί", που εκτελέστηκε στη δεκαετία του 1630 με έναν από τους προεξέχοντες φοιτητές του Rembrandt από τον Backer Adrienis του Jacob (1608-1651). Τα πλούσια μαλλιά του μωρού είναι διακοσμημένα με μαργαριτάρι, αυτιά - σκουλαρίκι. Ένα "καθαρό" πορτρέτο περιλαμβάνει ένα έργο που αποδίδεται στο Cornelav Van Vorhtor (1576-1624). Η γενική εικόνα ενός νεαρού άνδρα σε μέτρια σκούρα ρούχα με ένα πλούσιο κουρτίνα κολάρο είναι χαρακτηριστικό της πρώιμης φάσης της ανάπτυξης ενός πορτρέτου στο Ολλανδία. Χάρη στις επιγραφές στην επάνω δεξιά γωνία, οι πίνακες είναι γνωστοί ότι το πορτρέτο εκτελείται το 1622. Η κύρια απαίτηση που παρουσιάστηκε αυτή τη στιγμή στον καλλιτέχνη - οριακή ακρίβεια. Ως εκ τούτου, η κύρια προσοχή δόθηκε στα ατομικά χαρακτηριστικά του προσώπου που εκπροσωπήθηκε με ειλικρίνεια χωρίς εξωραϊσμό. Ένα περίεργο έργο του ολλανδικού ιστορικού είδους είναι η ζωγραφική "Saint Francis Xaveri μεταξύ των ασθενών" Yana de Brian (1627-1697). Η εικόνα δείχνει το πραγματικό ιστορικό πρόσωπο - Francis Xaveri, ο οποίος ζούσε στο πρώτο μισό του XVI αιώνα και, ο οποίος ήταν ο πλησιέστερος συνεργάτης Ignatia Liiol, ο ιδρυτής της παραγγελίας Jesuit. Για τις ιεραποστολικές δραστηριότητες στην Ινδία και στην Άπω Ανατολή, ζυμώθηκε το 1622. Σύμφωνα με το μύθο, ο άγιος κατέλαβε το δώρο της επούλωσης.

3. Συλλογή ολλανδικής ζωγραφικής στο Ερμιτάζ

Ολλανδικά ζωγραφικά είδη οικιακής χρήσης

Το κράτος Ερμιτάζ έχει μία από τις μεγαλύτερες συλλογές της ολλανδικής ζωγραφικής στον κόσμο. Τα πρώτα της εκθέματα εμφανίστηκαν στις τράπεζες του Νέβα το 1716, πολύ πριν το ιδρύθηκε το μουσείο. Φέτος, ο Osip Solovyov απέκτησε εκατό είκοσι μία εικόνα για τον Peter I, και μετά από αυτό, ο Γιούρι Κολόνωβόφ αγόρασε στις Βρυξέλλες και στην Αμβέρσα για άλλες εκατό δεκαεπτά καμβά. Μερικά δεκαεννέα έργα που αποστέλλονται από τον βασιλιά από τους ρωσικούς εμπόρους που αποστέλλονται σε αυτή τη συνάντηση κάπως αργότερα. Ολλανδικές ζωγραφιές, μαζί με το φλαμανδικό, εδώ επικράτησαν: Σύμφωνα με τον βιογράφο του Peter I, Yakov Schlyan, οι αγαπημένοι του καλλιτέχνες του βασιλιά ήταν ο Rubens, Wang Dyk, Rembrandt, Walls, Wauvera, Bruegel, Van der Verf και Van Ostay, και το αγαπημένο Οικόπεδα - σκηνές από τη ζωή "Ολλανδοί άνδρες και γυναίκες. Σε αυτή τη δέσμευση σε όλους τους Ολλανδούς δεν πρέπει να δούμε την εκδήλωση μόνο της προσωπικής γεύσης του "Skipper Peter", καθώς ο Πέτρος κάλεσε κατά τη διάρκεια της παραμονής του στην Ολλανδία. Οι ολλανδοί Burgers της Δημοκρατίας, ο οποίος έχει βρει μια ζωντανή έκφραση στην εθνική ζωγραφική, ήταν ιδιαίτερα κοντά στο χαρακτήρα των δημοκρατικών μετασχηματισμών στη Ρωσία του χρόνου στον τομέα του πολιτισμού και της ζωής. Αλλά, φυσικά, όχι μόνο το καλλιτεχνικό ενδιαφέρον περιείχε στον ρωσικό ελεγκτή της ζωγραφικής των ολλανδικών ζωγράφων. Τα έργα αυτών των δασκάλων, ως ένα αγαπημένο θαλάσσιο βασιλιά Adam Silo, ικανοποιημένοι κατά κύριο λόγο το γνωστικό ενδιαφέρον του νέου ρωσικού έθνους με θέα στις θαλάσσιες εκτάσεις. Η συλλογή των Ολλανδών Petrovska έχει ήδη συμπεριλάβει τέτοια αριστουργήματα ως "David και Jonafan" Rembrandt - το πρώτο προϊόν του λαμπρού ζωγράφου, ο οποίος έπεσε στη Ρωσία.

Στο δεύτερο μισό του XVIII αιώνα, πολλά σημαντικά έργα ολλανδικής ζωγραφικής μεταφέρθηκαν στην Αγία Πετρούπολη. Στο πλαίσιο της συλλογής της πόλης του Brunel, που απέκτησε στη Δρέσδη (το 1769), η Ερμιτάζ έλαβε τέσσερα πορτραίτα του Rembrandt, τέσσερα τοπία J. Rydaldala, πίνακες από Terborh, F. Mirisa, Α. Van Odete, Α. Wauverman και άλλοι . Συνέλευση της CROSE στο Παρίσι, ο οποίος έφτασε το 1772, έφερε το μουσείο τέτοια αριστουργήματα του Rembrandt ως "dana" και "ιερή οικογένεια".

Ακόμη περισσότερο εμπλουτίστηκε η συλλογή ερημίσεων των Ολλανδών της Συλλογής Bodoyne (Παρίσι), η Ουαλοπόλα (Αγγλία) και η πρώτη σύζυγος του Ναπολέοντα, η Empress Josephine, απέκτησε για το Ερμιτάζ στο τέλος του XVIII - αρχές του 19ου αιώνα. Το Ερμιτάζ ήταν σε θέση να συμπεριλάβει στην έκθεση του "Θυσία του Αβραάμ", "Αφαίρεση από το Σταυρό" και μια δωδεκάδα άλλων καμβάδων Rembrandt, το έργο της μοντέρνας στο XVIII αιώνα Dow, τις τρεις καλύτερες φωτογραφίες του P. Potter (μεταξύ του Master's Master's Master - "Farm"), "Ένα ποτήρι λεμονάδα" Terboroch, "πρωινό" Metsy, δύο εκπληκτικά για την λεπτότητα της απόδοσης της Floral Still Life του J. Van Haisum και πολλά άλλα όχι λιγότερο σημαντικά έργα.

Ένα διασκεδαστικό οικόπεδο, ένα μικρό μέγεθος και σχετικά χαμηλές τιμές έκανε τις ολλανδικές ζωγραφιές που διατίθενται σε ένα μεγάλο κύκλο ρωσικών συλλεκτών. Ήταν αποκτηθέν όχι μόνο μέλη της βασιλείας και της υψηλότερης Πετρούπολης να γνωρίζουν, αλλά και εκπρόσωποι πιο δημοκρατικών κύκλων του πληθυσμού. Αυτές οι συναντήσεις θα αποτελέσουν στη συνέχεια την κύρια πηγή αναπλήρωσης της συλλογής ερημιτών. Έτσι, το 1915, η τεράστια συλλογή των "μικρών ολλανδικών" του διάσημου ρωσικού επιστήμονα και ταξιδιώτη Π. P. Semenova-Tian-Shansky, ο οποίος συγκέντρωσε επτά εκατοντάδες και δεκαεννέα εικόνες τριακόσιων συγγραφέων, έγινε δεκτή στο Μουσείο το 1910. Με εκατό ενενήντα νέα ονόματα εμφανίστηκαν με αυτή τη συνάντηση στον κατάλογο του Μουσείου. Έτσι, αν νωρίτερα, η ολλανδική συλλογή του Ερμιτάζ τονίστηκε σε διάφορα άλλα μουσεία του κόσμου από τον αριθμό των αριστουργημάτων, τώρα κατέλαβε ένα από τα πρώτα μέρη και με τον αριθμό των ονομάτων που παρουσιάστηκαν σε αυτό, συμπεριλαμβανομένων των πιο σπανιών.

Γοτθικό βιτρό

Για το σκοπό, τη φύση της εκτέλεσης, η φύση των εικόνων διακρίνει τους ακόλουθους τύπους ζωγραφικής: - μνημειώδης διακοσμητική ζωγραφική (τοιχογραφία, μωσαϊκό, βιτρό παράθυρο, campfito, plafoons, πάνελ) ...

Ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική, τη μουσική και τη λογοτεχνία

Την άνοιξη του 1874, μια ομάδα νεαρών καλλιτεχνών ζωγράφου, συμπεριλαμβανομένου του Monet, της Ρενοναράς, του Πισαρκρό, της Σλιής, της Degas, της Cesana και του Bert Morizo, παραμελήθηκαν το επίσημο σαλόνι και ταξινόμησε τη δική του έκθεση ...

Ιστορία της ανάπτυξης της νεκρή φύση

Χρώμα αρμονία Υπάρχουν τρία κύρια χρώματα - κόκκινο, κίτρινο, μπλε. Για να έχετε σχετικά χρώματα, τα βασικά χρώματα αναμιγνύονται, δηλ. συμπληρώνουν ένα χρώμα σε άλλους. Συμπλήρωμα είναι, σημαίνει να ενισχυθεί ο ένας τον άλλον ...

Πολιτισμός και τέχνη της αρχαίας Βαβυλώνας

Είναι αδύνατο να γίνει μια πλήρης ιδέα της Βαβυλώνας, χωρίς να περιγράφει την πολιτιστική της ζωή. Αλλά, δυστυχώς, μόνο μερικές αποδείξεις της ακμή τέχνης σε αυτή την πόλη μας εμφανίστηκαν.

Χαλαρώστε το σμάλτο των αιώνων XII-XIV

Το Limoges ζωγραφισμένο σμάλτο είναι μία από τις φωτεινότερες σελίδες της ιστορίας της γαλλικής εφαρμοσμένης τέχνης της Αναγέννησης. Στο Ερμιτάζ υπάρχουν περισσότερα από 150 δείγματα Limoges ζωγραφισμένα σμάλτα ...

Νεκρή φύση "σκιές"

Νεκρή ζωγραφική ζωγραφική λαδιού Ζωγραφική Η λέξη "ζωγραφική" σχηματίζεται από τις λέξεις "μόνο" και "γράψτε". "Για να ζωγραφίσει, εξηγεί την απόσταση," για να το απεικονίσει δεξιά και μέσω της βούρτσας ή των λέξεων, στυλό ". Η ιστορία της ελαιογραφίας έχει αρκετούς αιώνες για αρκετούς αιώνες ...

Νεκρή φύση "σκιές"

Λεβική μέθοδος επιστολής με χρώματα πετρελαίου. Η φλαμανδική μέθοδος επιστολής με τα χρώματα λαδιού ήταν κυρίως στα εξής: σε λευκό ...

Νεκρή φύση ως είδος ζωγραφικής

Το χρώμα είναι η βάση της ζωγραφικής, χωρίς ζωγραφική χρώματος δεν υπάρχει. Το χρώμα είναι η ζωή της ζωγραφικής. Η πιο σημαντική λειτουργία του χρώματος στη ζωγραφική είναι να φέρει στο όριο ως αισθησιακή ακρίβεια της εικόνας ...

Τοπίο στην οπτική τέχνη

Η πιο σημαντική και η πιο αρχαία εμφάνιση του τοπίου είναι μια εικόνα της παρθής φύσης, της υπαίθρου. Αυτή είναι η αρχική κατανόηση της γαλλικής λέξης "paysage" και το γερμανικό "Landschaft" (εικόνα του χωριού, η εικόνα της γης) ...

Rococo σε διαφορετικούς τύπους τέχνης

Στην ίδια κατεύθυνση με την αρχιτεκτονική, η γαλλική ζωγραφική εξελίχθηκε: η παράδοση της παρέλασης αυστηρής ακαδημαϊκού στιλ σταδιακά έχει χάσει τη σημασία. Νέες ροές διεισδύουν στην Ακαδημία. Από το τέλος του XVII ...

Εξερευνήστε το στυλ της διακοσμητικής σύνθεσης. προσδιορίστε τα κύρια στάδια της εργασίας · Αναπτύξτε συστάσεις για τη χρήση διακοσμητικής ζωγραφικής στη δημιουργία ενός πίνακα. Καινοτομία και πρακτική σημασία της εργασίας ...

Δημιουργία διακοσμητικού πίνακα για γραφικές παραστάσεις

Η επιθυμία για τη δημιουργική ανάπτυξη της προσωπικότητας εντοπίζεται για πρώτη φορά στην ευρωπαϊκή πνευματική παράδοση της εποχής των ερυτινιστών. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η δημιουργικότητα και η επαγγελματική σκάφη θεωρήθηκαν ταυτόσημα στις δραστηριότητες φύσης τους ...

Χρώμα στη ζωγραφική

Υπάρχουν διαφορετικοί τύποι χρωμάτων κατασκευής της εικόνας, υποστηρίζοντας ότι λύσει το πρόβλημα της ομοιότητας των φυσικών φαινομένων και ζωγραφικής ζωγραφικής ...

Αισθησιακούς δεσμούς στο εγχώριο είδος της ολλανδικής ζωγραφικής του XVII αιώνα

Μπορούμε να πούμε με ασφάλεια ότι σε οποιαδήποτε χώρα πριν από τη ζωγραφική δεν βίωσε μια τέτοια γρήγορη και εντατική ανύψωση, δεν είχε τόσο εξαιρετική διανομή, μια τέτοια εντυπωσιακή δημοτικότητα ...