Στον XVII αιώνα Η Ολλανδία έχει γίνει μια παραδειγματική καπιταλιστική χώρα. Οδήγησε ένα εκτεταμένο αποικιακό εμπόριο, είχε ένα ισχυρό στόλο, η ναυπηγική βιομηχανία ήταν μία από τις κορυφαίες βιομηχανίες. Ακόμα και οι αγγλικοί πλοιοκτήτες έγιναν συχνά εντολές στα ολλανδικά ναυπηγεία. Οι εργατικοί αγρότες, οι ολλανδοί στους σχετικά μικρούς χώρους της Γης κατάφεραν να δημιουργήσουν ένα τέτοιο γαλακτοκομικό αγρόκτημα, το οποίο ήταν διάσημο στην πανευρωπαϊκή αγορά. Στο τέλος του XVII - πρώιμη XVIII αιώνα. Με την εισαγωγή του Διεθνούς Εμπορίου Αγγλίας και της Γαλλίας, η Ολλανδία χάνει την οικονομική και πολιτική σημασία της, αλλά σε όλο τον XVII αιώνα είναι η ηγετική οικονομική δύναμη της Ευρώπης.

Ταυτόχρονα, η Ολλανδία κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου είναι το σημαντικότερο κέντρο του ευρωπαϊκού πολιτισμού. Ο αγώνας για την εθνική ανεξαρτησία, η νίκη της πίσσες καθόρισε τον χαρακτήρα της ολλανδικής κουλτούρας του XVII αιώνα. Ο προτεστισμός (η πιο σοβαρή μορφή), ο οποίος είχε μια εντελώς επιρροή της Καθολικής Εκκλησίας, οδήγησε στο γεγονός ότι ο κληρικός της Ολλανδίας δεν είχε τέτοια επιρροή στην τέχνη όπως στη Φλάνδρα και ιδιαίτερα στην Ισπανία ή την Ιταλία. Το Πανεπιστήμιο Leiden ήταν το κέντρο της ελεύθερης εξόδου. Η πνευματική ατμόσφαιρα ευνόησε την ανάπτυξη της φιλοσοφίας, των φυσικών επιστημών, των μαθηματικών. Η απουσία ενός πλούσιου πατρικίου και ο καθολικός κλήρος είχε τεράστιες συνέπειες για την ανάπτυξη της ολλανδικής τέχνης. Οι ολλανδοί καλλιτέχνες είχαν έναν άλλο πελάτη: οι Burgers, ο ολλανδός δικαστής, ο οποίος διακοσμήσει όχι παλάτια και βίλες, και μετριοπαθές ή δημόσια κτίρια, - επομένως, οι πίνακες στις Κάτω Χώρες αυτού του πόρου δεν έχουν τέτοια μεγέθη ως καμβά του Rubens ή της Ιορδανίας και επιλύονται κυρίως μηχανές και όχι μνημειώδη διακοσμητικά καθήκοντα. Στην Ολλανδία, η εκκλησία δεν παίξε το ρόλο του πελάτη έργων τέχνης: οι ναοί δεν διακοσμήθηκαν με εικόνες βωμού, επειδή ο Calvinism απέρριψε μια υπαινιγμό πολυτελείας. Οι προτεσταντικές εκκλησίες ήταν απλές στην αρχιτεκτονική και δεν διακοσμήθηκαν μέσα.

Το κύριο επίτευγμα της ολλανδικής τέχνης της ζωγραφικής XVIII V.-σε καβαλέτες. Ο άνθρωπος και η φύση ήταν αντικείμενα παρατήρησης και εικόνες των ολλανδικών καλλιτεχνών. Η επιμέλεια, η επιμέλεια, η αγάπη για την τάξη και την καθαριότητα αντανακλάται στους πίνακες που απεικονίζουν την ολλανδική ζωή. Η οικιακή ζωγραφική γίνεται ένα από τα κορυφαία είδη, οι δημιουργοί των οποίων στην ιστορία πήραν το όνομα "μικρής ολλανδικής", ή για την αποστολή των οικόπεδων, ή λόγω του μικρού μεγέθους των έργων ζωγραφικής και ίσως για το άλλο. Ο Ολλανδός ήθελε να δει ολόκληρο τον πολύμορφο κόσμο στους πίνακες. Από εδώ ένα ευρύ φάσμα ζωγραφικής αυτού του αιώνα, "στενή εξειδίκευση" για ορισμένους τύπους θέματος: πορτραίτο και τοπίο, νεκρή φύση και ζωικό είδος. Υπήρχε ακόμη και εξειδίκευση μέσα στο είδος: το βράδυ και τα νυχτερινά τοπία (art van der ράβδος), "νυχτερινές πυρκαγιές", τοπίο χειμώνα (Avere-Kamp), πλοία στην επιδρομή (Ya. Portsellis), απλό τοπίο (F. Konink). Ακόμα Lifes - "Πρωινό" (Π. Clas και V. Hedda) ή εικόνα λουλουδιών και φρούτων (Β. Van der Aste, Ya. Van Haisum), εσωτερικούς χώρους της εκκλησίας (Α. De Lorm) κλπ. Ζωγραφική στο Ευαγγέλιο και Βιβλική Τα οικόπεδα αντιπροσωπεύονται επίσης, αλλά όχι σε έναν τέτοιο όγκο, όπως και σε άλλες χώρες, καθώς και στην αντίκες μυθολογία. Στην Ολλανδία, δεν είχαν ποτέ συνδέσεις με την Ιταλία και η κλασική τέχνη δεν έπαιξε τέτοιο ρόλο όπως στη Φλάνδρα. Κύριε ρεαλιστικές τάσεις, η προσθήκη ενός συγκεκριμένου κύκλου θέσεων, η διαφοροποίηση των ειδών ως μία μόνο διαδικασία ολοκληρώνεται από το 20ο του XVII αιώνα. Αλλά σε ποιο είδος είδους, οι ολλανδοί δάσκαλοι θα είχαν εργαστεί, παντού βρίσκουν ποιητική ομορφιά στην καθημερινότητα, ξέρουν πώς να εμπνεύσουν και να αυξήσουν τον κόσμο των υλικών πραγμάτων.

Η ιστορία της ολλανδικής ζωγραφικής XVII αιώνα. Καταδεικνύει τέλεια την εξέλιξη της δημιουργικότητας ενός από τα μεγαλύτερα πορτρέτα των Hals της Ολλανδίας Γαλλίας (περίπου 1580-1666). Στις 10-30, οι HAL εργάζονται πολύ στο είδος του ομίλου πορτρέτου. Αυτή είναι κυρίως η εικόνα των εταιρειών τουφέκι - αξιωματικών επιχειρήσεων για την άμυνα και την πανεπιστημιούπολη. Οι Burgers θέλησαν να διαιωνίστηκαν στον καμβά, έκαναν κάποια αμοιβή για το δικαίωμα να απεικονιστούν και ο καλλιτέχνης ήταν υποχρεωμένος να θυμηθεί την ίδια προσοχή σε κάθε μοντέλο. Αλλά όχι η ομοιότητα πορτρέτου μας συλλαμβάνει σε αυτά τα έργα των hals. Προφέρονται τα ιδανικά της νέας Δημοκρατίας, τα συναισθήματα της ελευθερίας, της ισότητας, της εταιρικής σχέσης. Με τους καμβά αυτών των ετών, φαίνεστε χαρούμενοι, ενεργητικοί, επιχειρηματίες, σίγουροι για την εξουσία τους και στο μέλλον ("συντεχνία τουφέκι της Αγίας Αδριανά", 1627 και 1633. "Τουφέκι του Αγίου Γεωργίου, 1627). Ο Hale τους απεικονίζει συνήθως σε μια φιλική Porushka, σε μια εύθραυστη γιορτή. Μεγάλες διαστάσεις της σύνθεσης τεντωμένες οριζόντια, μια ευρεία αυτοπεποίθηση γράμμα, έντονα, κορεσμένα χρώματα (κίτρινο, κόκκινο, μπλε, κλπ.) Δημιουργήστε τον μνημειακό χαρακτήρα της εικόνας. Ο καλλιτέχνης ενεργεί ως ιστορικός ολόκληρης της εποχής.

Τα ατομικά πορτρέτα των chals ερευνητές ονομάζονται μερικές φορές είδος λόγω της ειδικής ιδιαιτερότητας της εικόνας, μια ορισμένη είσοδος χαρακτηριστικών. Στην πόζα του HayTheisen Swinging στην καρέκλα υπάρχει κάτι ασταθές, η έκφραση του προσώπου σαν να πρέπει να αλλάξει. Το πορτρέτο μιας μεθυσμένης ηλικιωμένης γυναίκας, το "Harlem Witch", η σέλα του Kharchevni Malli Babbe (η αρχή της δεκαετίας του '30), με την κουκουβάγια στον ώμο και την κούπα μπύρας στο χέρι, φορώντας τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής του είδους . Σκίτσο των hals, το τολμηρό γράμμα του, όταν το κηλίδες γλυπτά και η μορφή, και ο όγκος και μεταδίδει χρώμα. Το επίχρισμα είναι το λίπος, το λίπους, το παλιό, πυκνά καλύμματα καμβά, το οποίο σας επιτρέπει να εντοπίσετε τον τόνο του εδάφους, υπογραμμίζοντας ένα μέρος και ανενεργό την άλλη, εσωτερική δυναμική, την ικανότητα να καθορίσει ολόκληρη την υπαινιγμό - αυτό είναι τα τυπικά χαρακτηριστικά του χειρογράφου των hals .

F. HALS. Τουφέκι συντεχνία του Αγίου Γεώργιος. Θραύσμα. Harlem, Μουσείο Hals

F hals. Πορτρέτο της Valem van Haythhesena. Βρυξέλλες, Μουσείο Καλών Τεχνών

Terbor. Συναυλία. Βερολίνο, Μουσείο

Σε πορτρέτα των χάλων του καθυστερημένου χρονικού περιεχομένου (50-60), ξέγνοιαστες διαγραφές, η ενέργεια, η πίεση στους χαρακτήρες των απεικονιζόμενων ατόμων εξαφανίζονται. Στο πορτρέτο των ανδρών του Ερμιτάζ, με όλες τις εντυπώσεις του σχήματος, ακόμη και κάποια κόπωση και θλίψη. Αυτά τα χαρακτηριστικά είναι ακόμη πιο ενισχυμένα σε ένα λαμπρό πορτρέτο ζωγραφικής των ανδρών σε ένα καπέλο με ευρεία κεφαλή από το μουσείο στο Kassel (60s). Ο Hale σε αυτά τα χρόνια παύει να είναι δημοφιλής, επειδή ποτέ δεν αναβοσβήνει και αποδειχθεί ότι είναι στραγγαλισμένο, έχασε το δημοκρατικό πνεύμα των προτιμητών πλούσιων πελατών. Αλλά ακριβώς ήταν στην καθυστερημένη περίοδο της δημιουργικότητας, η Hale φτάνει στην κορυφή της δεξιοτήτων και δημιουργεί τα βαθύτερα έργα. Ο χρωματισμός του πίνακματος του γίνεται σχεδόν μονόχρωμη. Αυτό είναι συνήθως σκοτεινό, μαύρο ρούχα, με ένα λευκό κολάρο και μανσέτες, και ένα σκούρο φόντο ελιάς. Η λοφονική γραφική παλέτα είναι κατασκευασμένη, ωστόσο, στις καλύτερες διαβαθμίσεις.

Δύο χρόνια πριν από το θάνατο, το 1664, η Khala επιστρέφει και πάλι στο πορτρέτο της ομάδας. Γράφει δύο πορτρέτα - Regents και πρόσφατο καταφύγιο για τους ηλικιωμένους, σε ένα από τα οποία ο ίδιος βρήκε ένα καταφύγιο στο τέλος της ζωής. Στο Πορτρέτο του Regent, δεν υπάρχει πνεύμα της εταιρικής σχέσης των προηγούμενων συνθέσεων, τα μοντέλα χωρίζονται, ανίσχυροι, έχουν θολωτή θέα, η καταστροφή είναι γραμμένη στα πρόσωπά τους. Στο ζοφερό χρώμα (μαύρη, γκρίζα και λευκή) ειδική ένταση κάνει ένα ροζ-κόκκινο σημείο του υφάσματος στο γόνατο ενός από τους Regents. Έτσι, με την ένατη δωδεκάδα χρόνια, ο ασθενής, ένας μοναχικός και κακός καλλιτέχνης δημιουργεί το πιο δραματικό και πιο εξελιγμένο έργο της για την ικανότητα.

V. HEDD. Πρωινό με μαύρη πίτα. Δρέσδη, Γκαλερί

Η τέχνη των hals είχε μεγάλη σημασία για το χρόνο του, είχε αντίκτυπο στην ανάπτυξη όχι μόνο του πορτρέτου, αλλά και ένα νοικοκυριό, τοπίο, νεκρή φύση.

Το είδος του τοπίου της Ολλανδίας XVII αιώνα είναι ιδιαίτερα ενδιαφέρουσα. Αυτό δεν είναι καθόλου η φύση, μια συγκεκριμένη συνολική εικόνα του σύμπαντος, και του εθνικού, είναι το ολλανδικό τοπίο που μαθαίνουμε στη σύγχρονη Ολλανδία: διάσημους ανεμόμυλους, εγκαταλελειμμένους αμμόλοφους, κανάλια με συρόμενα σκάφη το καλοκαίρι και με σκέιτερ - στο χειμώνας. Ο αέρας είναι κορεσμένος με υγρασία. Ο γκρίζος ουρανός καταλαμβάνει μια εξαιρετική θέση σε συνθέσεις. Αυτό είναι ακριβώς όπως απεικονίζεται ο Holland Jan Wang Goyen (1596-1656) και Salomon Van Reydal (1600 / 1603-1670).

Η ανθισμένη ζωγραφική τοπίου στο ολλανδικό σχολείο αναφέρεται στα μέσα του XVII αιώνα. Ο μεγαλύτερος πλοίαρχος του ρεαλιστικού τοπίου ήταν ο Jacob Van Reydal (1628 / 29-1682), ένας καλλιτέχνης ανεξάντλητη φαντασία. Τα έργα του είναι συνήθως γεμάτα με βαθύ δράμα, είτε απεικονίζουν δάση ("δάσος βάλτο"), τοπία με καταρράκτες ("καταρράκτη") ή ένα ρομαντικό τοπίο με νεκροταφείο ("εβραϊκό νεκροταφείο"). Η φύση στην πτήση εμφανίζεται στη δυναμική, στην αιώνια ενημέρωση. Ακόμα και τα απλούστερα κίνητρα της φύσης αποκτώνται από τον μνημειακό χαρακτήρα του καλλιτέχνη. Η πτήση είναι περίεργη για να συνδυάσει προσεκτική έκδοση με μεγάλη ακεραιότητα ζωής, με τη συνθετική εικόνα.

P. de hakh. Αυλή. Λονδίνο, Εθνική Πινακοθήκη

Μόνο το τοπίο της θάλασσας (μαρίνα) ασχολήθηκε με το Yang Portsellis (περίπου 1584-1632). Δίπλα στο ρεαλιστικό, καθαρά ολλανδικό τοπίο υπήρχε αυτή τη στιγμή και άλλη κατεύθυνση: ιταλικά τοπία της φύσης, ζωντανές από μυθολογικούς χαρακτήρες, αριθμούς ανθρώπων και ζώων.

Σε στενή σύνδεση με το ολλανδικό τοπίο υπάρχει ένα είδος είδους. Το περίφημο κίνητρο του Albert Cape - Αγελάδες για εργαλεία νερού ("ηλιοβασίλεμα στον ποταμό", "Αγελάδες στην όχθη του κολπίσκου"). Paul Potter, εκτός από τα γενικά σχέδια, αγαπά να απεικονίσει ένα ή περισσότερα ζώα κοντά στο φόντο του τοπίου ("σκύλος στην αλυσίδα").

Η λαμπρή ανάπτυξη φτάνει στη νεκρή φύση. Η ολλανδική νεκρή φύση είναι σε αντίθεση με το φλαμανδικό μέτριο σε μέγεθος και μοτίβα ενός οικείου χαρακτήρα. Peter Clas (περίπου 1597-1661), Bill Hed (1594-1680 / 82) πιο συχνά απεικονίζουν το λεγόμενο πρωινό: πιάτα με ζαμπόν ή μια πίτα σε ένα σχετικά μέτριο σερβιρισμένο τραπέζι. Στην επιδέξια διάταξη, τα αντικείμενα εμφανίζονται έτσι ώστε η εσωτερική ζωή των πραγμάτων να αισθάνεται (δεν είναι περίεργο ο ολλανδός που ονομάζεται νεκρή φύση της stilliven - "ήσυχη ζωή", και όχι "φύση morte" - "νεκρή φύση". Αληθινή, όπως ο Vernozameno Το IV Linnik, η "σιωπηρή ζωή" είναι μια μεταγενέστερη ποιητική μετάφραση. Στη γλώσσα του XVII αιώνα, αυτό σήμαινε ένα "σταθερό μοντέλο", το οποίο ανταποκρίνεται περισσότερο στην πρακτική surma και την επιχειρηματική προσέγγιση των Ολλανδών της εποχής). Η γεύση συγκρατείται και εξελιγμένη (hed. "Πρωινό με Omar", 1648; CLAS. "Νεκρή φύση με κερί", 1627).

Vermer delftsky. Κορίτσι κεφάλι. Θραύσμα. Χάγη, Μάουριτσχα

Με μια αλλαγή στη ζωή μιας ολλανδικής κοινωνίας κατά το δεύτερο εξάμηνο του XVII αιώνα, με τη σταδιακή αύξηση της επιθυμίας της αστικής τάξης στην αριστοκρατική και την απώλεια του πρώην Δημοκρατιατισμού, η φύση των ακόμα αλλαγών των ζωών. Το κεφάλι "πρωινού" αντικαθίσταται από πολυτελή "επιδόρπια" του Kalfa. Μάρμαρα τραπέζια, τραπεζομάντιλα με μοκέτα, ασημένια κύπελλα, σκάφη από μαργαριτάρια, κρυστάλλινα γυαλιά έρχονται να αντικαταστήσουν τα απλά σκεύη. Ο KAFF φτάνει στην εντυπωσιακή δεξιοτεχνία στη μετάδοση της υφής των ροδάκινων, των σταφυλιών, των κρυστάλλων επιφανειών. Ο ενιαίος τόνος της ακίνητης ζωής Η προηγούμενη περίοδος αντικαθίσταται από μια πλούσια διαβάθμιση των πιο εξαίσια πολύχρωμες αποχρώσεις.

Η ολλανδική νεκρή φύση είναι ένα από τα καλλιτεχνικά εργαλεία του σημαντικότερου θέματος της ολλανδικής τέχνης - τα θέματα της ιδιωτικής ζωής ενός συνηθισμένου προσώπου. Αυτό το θέμα έλαβε πλήρως την υλοποίησή του στην εικόνα του είδους. Στις 20-30 έως του XVII αιώνα. Το Ολλανδικό δημιούργησε ένα ειδικό είδος μικρής εικόνας μικρού φαγητού. 40-60 - Η άνθηση της ζωγραφικής δοξάζοντας τα ήρεμες μπιφτέκια της Ολλανδίας, μετρημένη καθημερινή ύπαρξη. Αλλά ακόμη και στον κύκλο της Γαλλίας Khals, όπου σχηματίστηκε ο Adrian Brown, φλαμανδικός ζωγράφος, σχηματίστηκε ένα σαφές ενδιαφέρον για τα θέματα από την αγροτική ζωή. Ο Adrian van Odete (1610-1685) απεικονίζει στην αρχή την πλευρά της σκιάς της ζωής της αγροτιάς ("αγώνας"). Από τη δεκαετία του '40, στο έργο του, οι σατιρικές νότες αντικαθίστανται όλο και περισσότερο από χιουμοριστικό ("σε ρουστίκ κολοκυθάκια", 1660). Μερικές φορές αυτές οι μικρές ζωγραφιές είναι βαμμένες με ένα μεγάλο λυρικό συναίσθημα. Από το δικαίωμα, ο "ζωγράφος στο εργαστήριο" (1663) θεωρείται αριστούργημα ζωγραφικής (1663), στην οποία ο καλλιτέχνης δοξάζει τη δημιουργική εργασία χωρίς να καταφύγει σε δήλωση ή στον κτύπημα.

Αλλά το κύριο θέμα του "μικρές ολλανδικές" εξακολουθεί να μην είναι χωρικός, αλλά η ζωή Burgershi. Αυτό είναι συνήθως εικόνες χωρίς συναρπαστικό fabul. Στις φωτογραφίες αυτού του είδους, σαν να μην συμβεί τίποτα. Γυναίκα διαβάζει μια επιστολή, Cavalier και κυρία Musice. Ή που μόλις συναντήθηκαν και μεταξύ τους, γεννήθηκε το πρώτο συναίσθημα, αλλά έχει προγραμματιστεί μόνο, ο θεατής χορηγείται το δικαίωμα να οικοδομήσει εικασίες.

Ο πιο διασκεδαστικός αφηγητής στις ζωγραφιές αυτού του είδους ήταν ο Jan Stan (1626-1679) ("fucks", "παίζοντας trick-tric"). Επιβραδύνθηκε το ρυθμό της ζωής, η σειρά της ημέρας ρουτίνας, κάποια μονοτονία ύπαρξης τέλεια αναφέρει τον Gabriel Metshu (1629-1667, "πρωινό", "ασθενή και ο γιατρός"),

Ακόμη περισσότερη χειροτεχνία έφτασε σε αυτό το Gerard Terbor (1617-1681). Ξεκίνησε με τα πιο δημοκρατικά οικόπεδα ("μύλο"), αλλά με μια αλλαγή στα γούστα της ολλανδικής ανάρτησης, μετακόμισε σε μοντέλα πιο αριστοκρατικά και είχε μεγάλη επιτυχία εδώ.

Η ειδική ποίηση των "μικρών ολλανδικών" αποκτά το εσωτερικό. Η ζωή των Ολλανδικών προχώρησε κυρίως στο Σώμα. Ο Peter de Stoche (1629-1689) έγινε πραγματικός τραγουδιστής (1629-1689). Τα δωμάτιά του με ένα ημι-ανοιχτό παράθυρο, με εγκαταλελειμμένα παπούτσια λάκας ή αριστερά σπασμένα, που συχνά απεικονίζονται χωρίς ανθρώπινη φιγούρα, αλλά το άτομο εδώ είναι αόρατο παρόν, μεταξύ του εσωτερικού και των ανθρώπων υπάρχει πάντα μια σύνδεση. Όταν απεικονίζει τους ανθρώπους, τότε σκόπιμα δίνει έμφαση σε κάποιο κατεψυγμένο ρυθμό, απεικονίζει τη ζωή σαν να είναι τα ταραγμένα, τόσο ακίνητα, όπως τα ίδια τα πράγματα ("ερωμένη και ο υπηρέτης", "αυλή").

Rembrandt. Ανατομία της Δρ. Τούλα. Χάγη, Μάουριτσχα

Το νέο στάδιο της ζωγραφικής του είδους αρχίζει στη δεκαετία του '50 και συνδέεται με το λεγόμενο σχολείο του Ντελφτ, με το όνομα των καλλιτεχνών όπως ο Karel Fabricius, ο Emmanuel de Witte και ο Yang Vermer, γνωστός στην ιστορία της τέχνης ως Vermer Delft (1632 -1675). Το Vermer ήταν ένας από τους καλλιτέχνες που προκάλεσαν πολλές από τις χρωματικές αναζητήσεις του XIX αιώνα, πλακόστρωα με πολλούς τρόπους το δρόμο για τους ιμπρεσιονιστές, αν και η εικόνα της VESER φαίνεται να μην είναι πρωτότυπο. Αυτές είναι οι ίδιες εικόνες της κατεψυγμένης ζωής του Burgher: διαβάζοντας ένα γράμμα, συνεπεία Cavalier και κυρία, υπηρέτες που ασχολούνται με Unaccompliant Farm, Άμστερνταμ ή ΝτελΦτ. Η πρώιμη εικόνα του Vermer "Sumy" (1656) είναι ασυνήθιστα (για "μικρές ολλανδικές") είναι μεγάλο σε μέγεθος, μνημειώδες σε σχήμα, που ακούγεται σε χρώμα μεγάλων τοπικών λεκέδων: κόκκινο ρούχα Cavalier, κίτρινο φόρεμα και λευκή φίλη.

Αργότερα, το Vermer θα αρνηθεί τα μεγάλα μεγέθη και θα γράψει τις ίδιες μικρές καμβάδες που ελήφθησαν στην ζωγραφική του είδους εκείνης της εποχής. Αλλά αυτά είναι απλή από την εικόνα της εικόνας: "Κορίτσι, διαβάζοντας ένα γράμμα", "Cavalier και κυρία στο Speake", "αξιωματικός και γέλιο κορίτσι", κλπ., Είναι γεμάτες ψυχική ανικανότητα, σιωπή και ειρήνη. Τα κύρια πλεονεκτήματα του καλλιτέχνη - στη μετάδοση φωτός και αέρα. Συνδυάζει μια ευρεία βούρτσα με ένα μικρό κηλίδες, συντονίζει το φως και το χρώμα. Διαλύοντας τα αντικείμενα σε ένα περιβάλλον φωτός, η δυνατότητα δημιουργίας αυτής της ψευδαίσθησης πρώτα απ 'όλα καθορίζεται η αναγνώριση και η φήμη του VESER είναι στο SUXIX. Αργότερα, η έκδοση του Leer έχει γίνει πιο συντομότερη, λεία, χτισμένη σε απαλά συνδυασμούς μπλε, κίτρινο, μπλε, σε συνδυασμό με εκπληκτικό μαργαριτάρι, ακόμη και μαργαριτάρι-γκρι (το κεφάλι "κορίτσι").

Το Vermer έκανε κάτι που κανείς δεν έκανε κανείς στον XVII αιώνα: έγραψε τοπία από τη φύση ("τέντωμα", "τύπος delft"). Μπορούν να ονομαστούν τα πρώτα δείγματα της ζωγραφικής ολομέλειας. Ώριμος, κλασικός στην απλότητα της, η τέχνη της VESER είχε μεγάλη σημασία για τις μελλοντικές εποχές.

Η κορυφή του ολλανδικού ρεαλισμού, το αποτέλεσμα των γραφικών επιτευγμάτων της ολλανδικής κουλτούρας του XVII αιώνα είναι το έργο του Rembrandt. Αλλά η σημασία του Rembrandt, όπως κάθε έξυπνος καλλιτέχνης, ξεπερνάει μόνο την ολλανδική τέχνη και το ολλανδικό σχολείο.

Ο Wang Rhine Rembrandt (1606-1669) γεννήθηκε στο Leiden, στην οικογένεια ενός μάλλον πλούσιου ιδιοκτήτη του μύλου, και μετά το Λατινικό Σχολείο σπούδασε στο Πανεπιστήμιο Leiden, αλλά τον άφησε για ζωγραφική πρώτα από έναν πολύ γνωστό τοπικό κύριο , και στη συνέχεια στον καλλιτέχνη του Άμστερνταμ Peter Lastman.

Η περίοδος κατάρτισης ήταν σύντομη και σύντομα η Rembrandt αφήνει για τη γενέτειρά του στη δική του ζωγραφική στο δικό του εργαστήριο. Ως εκ τούτου, το 1625-1632 ονομάζεται συνήθως την περίοδο Leiden της δημιουργικότητάς του. Αυτή είναι η εποχή του σχηματισμού του καλλιτέχνη, το μεγαλύτερο χόμπι του Caravaggio του, ο πλοίαρχος του πλοιάρχου κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ήταν ακόμα ξηρός και η ερμηνεία των οικοπέδων είναι συχνά μελοδραματική. Αυτή είναι η περίοδος που γυρίζει πρώτα στη χαρά.

Το 1632, το Rembrandt αφήνει για το Άμστερνταμ, το κέντρο της καλλιτεχνικής κουλτούρας της Ολλανδίας, ο οποίος, φυσικά, προσέλκυσε έναν νεαρό καλλιτέχνη. Η δεκαετία του '30 - ο χρόνος της υψηλότερης δόξας, η πορεία προς την οποία ανακαλύφθηκε για τη ζωγραφική μιας μεγάλης προσαρμοσμένης εικόνας 1632 g.-ομάδας πορτρέτου, γνωστή ως "ανατομία της Δρ. Τούλα" ή "μάθημα ανατομίας". Στο Rembrandt καμβά, οι άνθρωποι συνδυάζονται μεταξύ τους, όλοι αντιπροσωπεύονται σε φυσικές θέσεις, η προσοχή τους έχει τραβηχτεί στο κύριο πρόσωπο δράσης - ο οποίος καταδεικνύει τη μυϊκή δομή από το "στρογγυλεμένο" πτώμα. Ως αληθινός Ολλανδός, η Rembrandt δεν φοβάται ρεαλιστικές λεπτομέρειες, όπως ένας μεγάλος καλλιτέχνης, ξέρει πώς να αποφύγει το φυσιολογικό. Το 1634, ο Rembrandt παντρεύεται ένα κορίτσι από μια πλούσια οικογένεια - Saskiy van Eileborh - και από αυτόν τον πόρο φτάνει στους πατρικούς κύκλους. Η πιο ευτυχισμένη περίοδος της ζωής του αρχίζει. Γίνεται διάσημος και μοντέρνος καλλιτέχνης. Το σπίτι του προσελκύει τους καλύτερους εκπροσώπους της αριστοκρατίας του Πνεύματος και των πλούσιων πελατών, έχει ένα μεγάλο εργαστήριο, όπου οι πολυάριθμοι μαθητές του εργάζονται με επιτυχία. Η σημαντική κληρονομιά της Σασκοβίας και η δική του δουλειά δίνουν την υλική ελευθερία.

Ολόκληρη αυτή η περίοδος είναι ρομαντική. Ο ζωγράφος, όπως ήταν, ειδικά, προσπαθεί στο έργο του για να ξεφύγει από το Dim Burgher καθημερινή ζωή και γράφει τον εαυτό του και τη Σασκοβία σε πολυτελή ρούχα, σε φανταστικά ρούχα και κεφάλια, δημιουργώντας θεαματικές συνθέσεις, που εκφράζουν σε πολύπλοκες στροφές, θέτει, κινήσεις, διάφορες κινήσεις Κράτη στα οποία η κοινή - χαρά επικρατεί τη Γένεση. Αυτή η διάθεση εκφράζεται στο ίδιο αυτοπροσωπογραφία της συναρμολόγησης του Λούβρου του 1634 και στο πορτρέτο της Sasquia από το μουσείο στο Kassel (το ίδιο έτος), καθώς και στην εικόνα του Ερμιτάζ της Sasquia στην εικόνα της χλωρίδας. Αλλά, ίσως, ο πιο λαμπρός του κόσμου της Rembrandt αυτών των ετών αναφέρει το διάσημο "αυτοπροσωπογραφία με τη Sasquia στα γόνατά του" (περίπου 1636). Ειλικρινά χαρά της ζωής, το ψέμα διαπερνάται από όλο τον καμβά. Αυτά τα συναισθήματα μεταφέρονται στην αθώα έκφραση του λαμπερού προσώπου του καλλιτέχνη ο ίδιος ο οποίος έχει επιτύχει σαν όλα τα γήινα αγαθά. Όλα τα περιθώρια, από τα πλούσια ρούχα σε ένα επίσημο κρυστάλλινο γυαλί στο χέρι. Ο ρυθμός των πλαστικών μάζας, ο πλούτος των χρωματικών αποχρώσεων, μια ασπρόμαυρη μοντελοποίηση, η οποία θα γίνει το κύριο από τα εκφραστικά φάρμακα στην Rembrandt ζωγραφική. Γοητευτικό, υπέροχο κόσμο ... η μπαρόκ γλώσσα είναι πιο κοντά στην έκφραση μιας ανυψωμένης διάθεσης. Και η Rembrandt κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου επηρεάζεται σε μεγάλο βαθμό από το ιταλικό μπαρόκ.

Σε δύσκολα πρόσωπα, οι χαρακτήρες της εικόνας του 1635 "Θυσία του Αβραάμ" εμφανίζονται μπροστά μας. Από το σώμα του Ισαάκ, το προσκρόσωμα στο προσκήνιο και εκφράζοντας την πλήρη ανικανότητα του θύματος, η θέα του θεατή προσελκύει στο βάθος - στο σχήμα του γέροντα Αβραάμ και του αγγελιοφόρου από τα σύννεφα του Θεού - άγγελος. Η σύνθεση είναι εξαιρετικά δυναμική, που χτίστηκε από όλους τους μπαρόκ κανόνες. Αλλά στην εικόνα υπάρχει κάτι που διακρίνει σε αυτό από την Rembrandt φύση της δημιουργικότητας: η διείσδυση της ψυχικής κατάστασης του Αβραάμ, ο οποίος δεν είχε χρόνο να αισθανθεί τη χαρά να απαλλαγεί από το τρομερό θύμα, ούτε ευχαριστίες και μόνο κόπωση και μπερδεμένη. Οι πλουσιότερες δυνατότητες του ψυχολόγου Rembrandt δηλώνουν τον εαυτό τους σε αυτή την εικόνα προφανώς.

Το ίδιο 19 χρόνια, η Rembrandt αρχικά αρχίζει να ασχολείται με γραφικά, πρώτα απ 'όλα. Η κληρονομιά του διαγράμματος Rembrandt, ο οποίος άφησε τόσο τα έργα χάραξης όσο και μοναδικά σχέδια, όχι λιγότερο σημαντικά από το γραφικό. Τα χαρακτικά του Rembrandt είναι ως επί το πλείστον βιβλικά και ευαγγελικά οικόπεδα, αλλά στο σχήμα, ως πραγματικά ολλανδός καλλιτέχνης, αναφέρεται συχνά στο είδος. Είναι αλήθεια ότι το ταλέντο του Rembrandt είναι ότι οποιαδήποτε εργασία του είδους αρχίζει να ακούγεται κάτω από το χέρι του ως φιλοσοφική γενίκευση.

Με τη στροφή της πρώιμης περιόδου της δημιουργικότητας του καλλιτέχνη και τη δημιουργική του ωριμότητα, ένα από τα πιο διάσημα γραφικά έργα του, γνωστή ως το "νυχτερινό ρολόι" (1642), είναι ένα ομαδικό πορτρέτο ενός καπετάνιου εταιρείας τουφέκι.

Αλλά ένα πορτρέτο της ομάδας είναι μόνο ένα επίσημο όνομα του έργου που προκύπτει από την επιθυμία του πελάτη. Η Rembrandt αναχώρησε από τη συνήθη σύνθεση του ομίλου πορτρέτο ενός Πιρουσκί, κατά την οποία η "αναπαράσταση" του καθενός απεικονίζεται. Έκαψαν το πλαίσιο του είδους, που αντιπροσωπεύει την ιστορική εικόνα μάλλον: κατά μήκος του συναγερμού, η πλατεία Coca απαγορεύσεων προεξέχει. Μερικοί είναι ήρεμοι, σίγουροι, άλλοι είναι ενθουσιασμένοι εν αναμονή της επερχόμενης, αλλά όλη η έκφραση της συνολικής ενέργειας, η πατριωτική άνοδος, η γιορτή του πολιτικού πνεύματος.

Η εικόνα των ανθρώπων που βγαίνει από κάτω από κάποιες καμάρες σε έντονο ηλιακό φως, γεμάτο ηχώ της ηρωικής εποχής της ολλανδικής επανάστασης, ο χρόνος των θριάμβων της Ρεπουμπλικανικής Ολλανδίας. Ομάδα πορτρέτο κάτω από το βούρτσα Rembrandt τριβή στην ηρωική εικόνα της εποχής και της κοινωνίας.

Αλλά αυτή η διάθεση ήταν αλλοδαπός στο Burger Holland των μέσων του αιώνα, δεν ανταποκρίθηκε στις προτιμήσεις των πελατών και οι γραφικές τεχνικές ήταν αντίθετες προς τη γενικά αποδεκτή. Η θεαματική, αναμφισβήτητα κάπως θεατρική, εξαιρετικά ελεύθερη σύνθεση, όπως ήδη αναφέρθηκε, δεν προτίθεται να υποβάλει σε κάθε έναν από τους πελάτες. Πολλοί άνθρωποι είναι απλώς άσχημα "διαβάζουν" σε αυτόν τον αιχμηρό φωτισμό, σε αυτές τις αντιθέσεις από χοντρές σκιές και το λαμπρό φως του ήλιου, το οποίο βγαίνει από την απόσπαση (στο XIX αιώνα. Η εικόνα έχει ήδη σκοτεινιάσει ότι θεωρήθηκε εικόνα της σκηνής νύχτας , εξ ου και το λάθος του όνομα. Σκιά, ο καπετάνιος του καπετάνιου που ο καπετάνιος που ορίζει από το σχήμα στα φωτεινά ρούχα του υπολοχαγού, αποδεικνύει ότι δεν είναι μια νύχτα και η μέρα).

Ακατάλληλο και γελοίο φαινόταν στον θεατή, την εμφάνιση των ξένων σε αυτή τη σκηνή, ειδικά ένα μικρό κορίτσι σε ένα χρυσό-κίτρινο φόρεμα, πυροβολώντας στο πλήθος των μαχητικών ανδρών. Όλα εδώ προκάλεσαν την αμηχανία και την ενόχληση του κοινού και μπορεί να ειπωθεί ότι η σύγκρουση του καλλιτέχνη και της κοινωνίας αρχίζει με αυτή την εικόνα και βαθαίνει. Με το θάνατο του Saskiy, το ίδιο έτος, το 1642 υπάρχει ένα φυσικό χάσμα του Rembrandt με τον αλλοδαπό του σε αυτόν από Patrician κύκλους.

Οι 40-50 είναι ο χρόνος δημιουργικής ωριμότητας. Όχι μόνο η εξωτερική ζωή του Rembrandt άλλαξε, άλλαξε πρώτα απ 'όλα ο ίδιος ο ίδιος. Αυτός είναι ο χρόνος του σχηματισμού του δημιουργικού του συστήματος, από το οποίο πολλοί θα πάνε στο παρελθόν και στην οποία θα αποκτηθούν άλλες, ανεκτίμητες ιδιότητες. Συχνά αναφέρεται στα ίδια έργα για να τα επαναλάβετε με έναν νέο τρόπο. Έτσι, για παράδειγμα, με το Danay, το οποίο έγραψε πίσω το 1636 και στη συνέχεια εκφράστηκε με αυτόν τον τρόπο το κύριο πράγμα: η αισθησιακή αρχή, ο παγανιστής, σε κάποιο βαθμό το "Tizianovskoye" ήταν μόνο μέρος του συνόλου στην έκφραση σε σύνθετες πνευματικές εμπειρίες, μια ενιαία πνευματική ώθηση. Μια έκφραση ζωτικής αλήθειας, φωτεινή ατομικότητα της φυσικής αποθήκης, ήρθε να αλλάξει το κλασικό, όμορφο, αλλά και αφηρημένο στην ομορφιά του. Αυτό το άσχημο σώμα μεταφέρθηκε εξαιρετικά ρεαλιστικό. Αλλά η Rembrandt δεν ταιριάζει στην εξωτερική αλήθεια. Στρέφοντας την εικόνα στις 40s, ο καλλιτέχνης ενίσχυσε τη συναισθηματική κατάσταση. Επαναλάβει το κεντρικό τμήμα με την ηρωίδα και την καμαριέρα. Δεδομένης της νέας χειρονομίας του ανυψωμένου χεριού, ενημέρωσε την μεγαλύτερη συγκίνησή της, έκφραση χαράς, ελπίδα, κλήση. Ο τρόπος γραφής έχει αλλάξει. Στα ανέγγιχτα μέρη, η ζωγραφική των ψυχρών τόνων, η φόρμα επεξεργάζεται προσεκτικά. Στην επανεγγραφή, ζεστό, χρυσό καφέ κυριαρχούν, η επιστολή είναι τολμηρή, δωρεάν. Το φως παίζει τεράστιο ρόλο: το φως του φωτός είναι σαν να κερδίζεις μια φιγούρα του Danai, όλα λάμπει με αγάπη και ευτυχία, αυτό το φως γίνεται αντιληπτό ως μια έκφραση ανθρώπινης αίσθησης.

Στο 40-50s, η δεξιότητα Rembrandt αναπτύσσεται σταθερά. Επιλέγει την ερμηνεία τα περισσότερα λυρικά, ποιητικά κόμματα του ανθρώπου, τότε ο άνθρωπος, ο οποίος είναι εξαιρετικά, με επιτυχία: η μητρική αγάπη, η συμπόνια. Το ιερό του γράψιμο του δίνει το μεγαλύτερο υλικό, και από τη σκηνή της ζωής της Αγίας Οικογένειας, τα οικόπεδα από την Tovia. Δεν υπάρχουν εξωτερικές επιδράσεις στα έργα αυτής της περιόδου. Η Rembrandt απεικονίζει την απλή ζωή, τους απλούς ανθρώπους, όπως στην "Αγία Οικογένεια" καμβά: Μόνο οι άγγελοι κατεβαίνουν στο λυκόφως της κακής στέγασης, θυμίζουν ότι αυτό δεν είναι μια συνηθισμένη οικογένεια. Χειρονομία της μητέρας, αναδιπλώνει το θόλο για να κοιτάξει το ύπνο παιδί, να επικεντρωθεί στο σχήμα του Ιωσήφ - όλα είναι βαθιά στοχαστικά. Η απλότητα της ζωής και η εμφάνιση των ανθρώπων δεν γείστε το θέμα. Το Rembrandt μπορεί να δει την καθημερινή ζωή της ζωής δεν είναι μικρή και συνηθισμένη, αλλά βαθιά και αυξανόμενη. Ειρηνική σιωπή της εργασιακής ζωής, η αγιότητα της μητρότητας κάνει από αυτή την καμβάση. Ένας τεράστιος ρόλος στις ζωγραφιές του Rembrandt παίζεται από το φως της καλλιτεχνικής της δομής. Η γεύση κυριαρχείται από μια tonal σχέση, στην οποία η Rembrandt αγαπά να εισάγει ισχυρά σημεία καθαρού χρώματος. Στην "Αγία Οικογένεια", η κόκκινη κουβέρτα στο λίκνο χρησιμεύει ως χρωστικός συνδυασμός.

Μια μεγάλη θέση στα έργα του Rembrandt παίρνει το τοπίο, τόσο γραφικό όσο και γραφικό (χάραξη και σχέδιο). Στην εικόνα των πραγματικών γωνιών της χώρας, ξέρει πώς να ανέβει πάνω από το συνηθισμένο ("τοπίο με ένα μύλο").

Τα τελευταία 16 χρόνια, τα πιο τραγικά χρόνια της ζωής Rembrandt. Είναι καταστράφηκε, δεν έχει εντολές, δεν έχει το δικό του σπίτι, έχασε όλους τους στενούς, τους αγαπημένους ανθρώπους και ακόμη και τους μαθητές τον προδώσουν. Αλλά αυτά τα χρόνια είναι γεμάτα καταπληκτικά στη δύναμη της δημιουργικής δραστηριότητας, ως αποτέλεσμα της δημιουργίας γραφικών εικόνων, εξαιρετικά χαρακτηριστικά των χαρακτήρων και της πνευματικότητας, τα έργα είναι βαθιά φιλοσοφικά και υψηλά ηθικά. Σε αυτές τις εικόνες του Rembrandt, όλα καθαρίζονται από το παροδικό, τυχαίο. Οι λεπτομέρειες ελαχιστοποιούνται, προσεκτικά σκεπτόμενος και σημαντικές χειρονομίες, θέτει, κεφαλές πλαγιές. Οι αριθμοί διευρύνθηκαν, κοντά στο εμπρόσθιο επίπεδο του καμβά. Ακόμα και τα μικρά έργα του Rembrandt αυτά τα χρόνια δημιουργούν την εντύπωση του εξαιρετικού μεγαλείου και της αληθινής μνημειικότητας. Τα κύρια εκφραστικά μέσα δεν είναι γραμμές και μάζες, αλλά το φως και το χρώμα. Η σύνθεση είναι σε μεγάλο βαθμό χτισμένη στον ήχο χρώματος ισορροπίας. Στη γεύση, οι αποχρώσεις του κόκκινου και του καφέ κυριαρχούνται από το εσωτερικό.

Το χρώμα αποκτά την ηχητική και ένταση. Θα ήταν καλύτερο να πούμε για το Ύστερο Rembrandt ότι το χρώμα του "ελαφρύ κύμα του", επειδή στον καμβά του, το φως και το χρώμα είναι ένα, τα χρώματα του φαίνεται να εκπέμπονται. Αυτή η πολύπλοκη αλληλεπίδραση του χρώματος και του φωτός δεν αποτελεί από μόνο του, δημιουργεί ένα συγκεκριμένο συναισθηματικό περιβάλλον και το ψυχολογικό χαρακτηριστικό της εικόνας.

Τα πορτραίτα των καθυστερημένων Rembrandt είναι πολύ διαφορετικά από τα πορτρέτα των 30 και ακόμη και 40s. Αυτές οι εξαιρετικά απλές (μέση ή γενικές) εικόνες των ανθρώπων κοντά στον καλλιτέχνη στο εσωτερικό τους, είναι πάντα μια εικονιστική έκφραση μιας πολύπλευρης ανθρώπινης προσωπικότητας, που επηρεάζει την ικανότητα του Δασκάλου να μεταφέρει μη ακανόνιστα ψυχικά κινήματα.

Το Rembrandt ήξερε πώς να δημιουργήσει μια πορτρέτο-βιογραφία. Επισημαίνοντας μόνο το πρόσωπο και τα χέρια, εξέφρασε μια ολόκληρη ιστορία της ζωής ("Πορτρέτο ενός γέρου με κόκκινο χρώμα", περίπου το 1654). Αλλά οι υψηλότερες λεπτές αποχρώσεις των χαρακτηριστικών του Rembrandt έφτασαν σε αυτόματες μονοπωλείες που ήρθαν σε εμάς περίπου εκατό και από την άπειρη ποικιλία ψυχολογικών πτυχών, μια ποικιλία χαρακτηριστικών Rembrandt, είναι απολύτως εντοπιστεί. Μετά τα εορταστικά πορτρέτα της δεκαετίας του 1930, μια άλλη ερμηνεία της εικόνας εμφανίζεται μπροστά μας. Γεμάτη υψηλή αξιοπρέπεια και εξαιρετική απλότητα ενός ατόμου στην ακμή των δυνάμεων στο πορτρέτο από τη συναρμολόγηση της Βιέννης του 1652. Αυτά τα χαρακτηριστικά θα κυριαρχούν με το χρόνο, καθώς και την έκφραση της δύναμης του πνεύματος και της δημιουργικής ισχύος (πορτρέτο του 1660).

Ο τελικός στην ιστορία του πορτρέτου της ομάδας ήταν η εικόνα των rembrandt πρεσβύτερων του Sukchikovskiki Shop - οι λεγόμενες "Sindics" (1662), όπου ο Rembranded Rembrandt δημιουργήθηκε ζωντανός και ταυτόχρονα διαφορετικοί ανθρώπινοι τύποι, αλλά το σημαντικότεροι, διαχειρίζονται Να μεταφέρει την αίσθηση της πνευματικής ένωσης, την αμοιβαία κατανόηση και τις σχέσεις των ανθρώπων που ενωθούν ένα πράγμα και τα καθήκοντα που δεν κατάφεραν ακόμη και την Halsa.

Κατά τη διάρκεια των ετών ωριμότητας (κυρίως στη δεκαετία του '50), η Rembrandt δημιούργησε τα καλύτερα χαρακτικά του. Ως χάραξη, δεν γνωρίζει ίσα στην παγκόσμια τέχνη. Εξαιρετικά περιπλέκει και εμπλουτίζει την τεχνική της χάραξης. Για τη χάραξη, προσθέτει τον εξοπλισμό "στεγνή βελόνα", με διαφορετικούς τρόπους ζωγραφικής σε εκτύπωση κατά τη διάρκεια της εκτύπωσης, μερικές φορές κάνει αλλαγές στο διοικητικό συμβούλιο μετά τη λήψη των πρώτων διείσδυσης, γι 'αυτό πολλές χαραγμένες είναι γνωστές σε διάφορες καταστάσεις. Αλλά σε όλα αυτά, οι εικόνες έχουν μια βαθιά φιλοσοφική έννοια. Διαδίδουν τα μυστικά της ύπαρξης, για την τραγωδία της ανθρώπινης ζωής. Και ένα ακόμη χαρακτηριστικό των χαρακτικών του Rembrandt αυτή την περίοδο: εξέφρασαν τη συμπάθεια με πόνο, μειονεκτική θέση, άφθαρτη αίσθηση του καλλιτέχνη στον εαυτό του στη δικαιοσύνη και το καλό.

Στο χρονοδιάγραμμα του Rembrandt, η δημοκρατία της κοσμοθεωρίας του ήταν πλήρως εκδηλωμένη ("τυφλή tovit", "αφαίρεση από το σταυρό", "θέση στο φέρετρο", "λατρεία των βοσκών", "τρεις σταυρός", 1653 και 1660).

Ασχολείται με πολλά σχέδια. Το Rembrandt έμεινε πίσω από το 2000 Σχέδια. Αυτοί είναι οι Epudes από τη φύση, σκίτσα για πίνακες και προετοιμασία για τα χαρακτικά. Τεχνικά λαμπερά, άψογα σχέδια του Rembrandt δείχνουν τη συνηθισμένη εξέλιξή του: από την προπόνηση λεπτομερώς και σύνθετη πολυπλοκότητα σε εκπληκτική λακοκονισμό και κλασική απλή μαγευτική απλότητα.

Ο επίλογος της δημιουργικότητας του Rembrandt μπορεί να θεωρηθεί η διάσημη εικόνα του "Prodigal Son" (περίπου 1668-1669), στην οποία το ηθικό ύψος και οι δεξιότητες του ηθικού καλλιτέχνη εκδηλώθηκαν με τη μεγαλύτερη πληρότητα. Το οικόπεδο της βιβλικής παραμέτρης για τον γιο ευλογίας, μετά από πολλούς περιπλάνηση που επέστρεψαν στο σπίτι του πατέρα, προσελκύουν το Rembrandt πριν, όπως λένε ένα από τα πρώιμα χαρακτικά του και αρκετά σχέδια. Σε αυτή την ομάδα, σε μια φιγούρα ενός σπασμένου νεαρού άνδρα που πέφτει στα λαμπερά κεφάλια του και έχασε τα χέρια του στο ξυρισμένο κεφάλι του - την απόλυτη ένταση των συναισθημάτων, πνευματικό σοκ, την ευτυχία της επιστροφής και την απόκτηση, απέραντης γονικής αγάπης, αλλά και Πικράσια της απογοήτευσης, των απωλειών, των ταπείνων, της ντροπής και της μετάνοιας. Αυτή η απάνθρωπη καθιστά τη σκηνή κατανοητή σε διαφορετικούς ανθρώπους όλων των εποχών και λέει την αθανασία της. Η ενότητα των χρωματιστών εδώ είναι ιδιαίτερα εντυπωσιακή. Από πορτοκαλί-κόκκινους τόνους του φόντου - αυτό είναι όλα ένα ενιαίο γραφικό ρεύμα, που θεωρείται ως έκφραση ενός ενιαίου συναισθήματος.

Το Rembrandt είχε τεράστια επίδραση στην τέχνη. Δεν ήταν στην Ολλανδία οι πόροι του του ζωγράφου που δεν θα είχαν βιώσει τον αντίκτυπο του μεγάλου καλλιτέχνη. Είχε πολλούς φοιτητές. Έμαθαν το σύστημα φωτισμού Rembrandtsky, αλλά η κατανόηση του ανθρώπινου προσώπου, φυσικά δεν μπορούσε να αφομοιώσει. Ως εκ τούτου, μερικοί από αυτούς δεν προχώρησαν περισσότερο στην εξωτερική απομίμηση του δασκάλου και τον άλλαξαν περισσότερο, πηγαίνοντας στη θέση του ακαδημαϊκού και μιμώντας τη μοντέρνα στη φλέννη και στη συνέχεια τα γαλλικά.

Το τελευταίο τέταρτο του XVII αιώνα. Η μείωση του ολλανδικού γραφικού σχολείου αρχίζει, η απώλεια της εθνικής ταυτότητάς της και από την αρχή του αιώνα XVIII, το τέλος της μεγάλης εποχής του ολλανδικού ρεαλισμού έρχεται.

Ολλανδία. 17ος αιώνας. Η χώρα αντιμετωπίζει μια πρωτοφανή άνθηση. Τη λεγόμενη "χρυσή εποχή". Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν ανεξαρτησία από την Ισπανία.

Τώρα, η Singlestan Netherlands πήγε στο δρόμο τους. Και καθολικές φλάνδρες (το σημερινό Βέλγιο) κάτω από την πτέρυγα της Ισπανίας - δική του.

Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, η θρησκευτική ζωγραφική σχεδόν κανείς δεν χρειάζεται. Η προτεσταντική εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτέλεια της διακόσμησης. Αλλά αυτή η περίσταση "έπαιξε στο χέρι" της ζωγραφικής κοσμικής.

Η αγάπη για αυτό το είδος τέχνης ξύπνησε κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας. Ο Ολλανδός ήθελε να δει τη δική του ζωή στις εικόνες. Και οι καλλιτέχνες περπάτησαν πρόθυμα να τους συναντήσουν.

Ποτέ δεν απεικονίστηκαν ποτέ τη γύρω πραγματικότητα. Οι απλοί άνθρωποι, τα συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό του πολίτη.

Ο ρεαλισμός άκμασε. Μέχρι τον 20ό αιώνα, θα είναι ένας αξιόλογος ανταγωνιστής στον ακαδημαϊκό με τις νύμφες και τις ελληνικές θεές του.

Αυτοί οι καλλιτέχνες καλούν τα "μικρά" ολλανδικά. Γιατί; Οι εικόνες ήταν μικρές σε μέγεθος, επειδή δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλες οι φωτογραφίες του Jan Vermeer σε ύψος όχι περισσότερο από μισό μετρητή.

Αλλά μου αρέσει μια άλλη έκδοση περισσότερο. Στις Κάτω Χώρες τον 17ο αιώνα ζούσαν και δούλευαν τον Μεγάλο Δάσκαλο, τον "Big" Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι σε σύγκριση με αυτόν ήταν "μικρές".

Μιλάμε, φυσικά, για το Rembrandte. Από αυτόν και ξεκινήστε.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Αυτο-πορτραίτο ηλικίας 63 ετών. 1669 Εθνική Γκαλερί Λονδίνο

Το Rembrandt ήταν σε θέση να βιώσει την ευρύτερη γκάμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Ως εκ τούτου, στις πρώτες του έργα τόσο διασκεδαστικές όσο και οι Μπραβάδες. Και τόσα πολλά σύνθετα συναισθήματα - στη συνέχεια.

Εδώ είναι νέος και απογοητευμένος στην εικόνα "ο τυφλός γιος στην ταβέρνα". Στα γόνατα - η αγαπημένη σύζυγος Σασκοβία. Είναι ένας δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες ρίχνουν τον ποταμό.

Rembrandt. Ο άκαμπτος γιος στην ταβέρνα. 1635 Γκαλερί των παλαιών δασκάλων, Δρέσδη

Αλλά όλα αυτά θα εξαφανιστούν μετά από περίπου 10 χρόνια. Η Sasquia θα πεθάνει από καταναλώσει. Η δημοτικότητα θα διαλυθεί ως καπνός. Το μεγάλο σπίτι με μια μοναδική συλλογή θα ληφθεί για χρέη.

Αλλά το ίδιο Rembrandt θα εμφανιστεί, το οποίο θα παραμείνει στον αιώνα. Μεγάλα συναισθήματα ήρωων. Τις πιο στενές σκέψεις τους.

2. Γαλλία HALS (1583-1666)

Γαλλία Hals. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη

Η Γαλλία Hals είναι ένα από τα μεγαλύτερα πορτρέτα όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα το εξετάσω επίσης στο "μεγάλο" ολλανδικό.

Στην Ολλανδία, εκείνη τη στιγμή ήταν συνηθισμένο να παραγγείλετε πορτρέτα ομάδας. Τόσα πολλά παρόμοια έργα εμφανίστηκαν με την εικόνα των ανθρώπων που εργάζονται μαζί: τα βέλη της ίδιας συντεχνίας, οι γιατροί μιας πόλης, διαχειρίζοντας το νοσηλευτικό σπίτι.

Σε αυτό το είδος, οι hals διατέθηκαν το μεγαλύτερο μέρος όλων. Μετά από όλα, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα ήταν σαν ένα κατάστρωμα καρτών. Οι άνθρωποι κάθεται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλά να παρακολουθήσουν. Οι hals είχαν διαφορετικό τρόπο.

Κοιτάξτε την ομάδα του πορτρέτο του "Arrow Guild of St. Γεώργιος.

Γαλλία Hals. Βέλη guild hild Γεώργιος. 1627 Μουσείο της Γαλλίας Hals, Garel, Ολλανδία

Εδώ δεν θα βρείτε μια ενιαία επανάληψη στη θέση ή την έκφραση του προσώπου. Ταυτόχρονα, δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται να είναι περιττός. Λόγω της εκπληκτικά σωστής τοποθέτησης των αριθμών.

Ναι, και σε ένα μόνο πορτραίτο HAL ξεπέρασε πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοντέλα του είναι φυσικά. Οι άνθρωποι από την ανώτατη κοινωνία στους πίνακές του στερούνται από μεγέθυνση, και το μοντέλο από το κάτω μέρος δεν φαίνεται ταπεινωμένο.

Και οι ήρωές του είναι πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν, χειρονομώ. Όπως, για παράδειγμα, είναι ένας "τσιγγάνος" με μια χαλαρή εμφάνιση.

Γαλλία Hals. Αθίγγανος. 1625-1630

HALS, όπως το Rembrandt, τελείωσε τη ζωή στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήρθε ενάντια στις προτιμήσεις των πελατών. Που ήθελε την εμφάνισή τους να διακοσμούν. Οι HAL δεν πήγαν στο Frank Flattery, και έτσι υπέγραψαν μια πρόταση - "λήθη".

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Royal Gallery Mauritshais, Χάγη, Ολλανδία

Ο Terboro ήταν ένας μάγος ενός οικιακού είδους. Πλούσιοι και όχι πολύ burghers μιλούν σιγά-σιγά, οι κυρίες διαβάζουν γράμματα και ο πρωτοπόρος παρακολουθεί το φινίρισμα. Δύο ή τρεις στενά τοποθετημένες μορφές.

Ήταν αυτός ο κύριος που δούλεψε τους κανόνες του οικιακού είδους. Που στη συνέχεια δανείστηκε από το Yang Vermeer, Peter de Heh και πολλά άλλα "μικρά" ολλανδικά.

Gerard Terboro. Γυαλί λεμονάδας. 1660. Κρατικό Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Το "Το ποτήρι λεμονάδας" είναι ένα από τα διάσημα έργα του Terborch. Μπορεί να δει ένα ακόμα πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτα ρεαλιστική εικόνα του υφάσματος φόρεμα.

Υπάρχει Terboro και ασυνήθιστη δουλειά. Αυτό που μιλάει για την επιθυμία του να ξεπεράσει τις απαιτήσεις των πελατών.

Ο "μύλος" του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων κατοίκων της Ολλανδίας. Είμαστε συνηθισμένοι να βλέπουμε ζεστές αυλές και καθαρά δωμάτια στις εικόνες των "μικρών" ολλανδικών. Αλλά ο Terboro τόλμησε να δείξει άσχημη Ολλανδία.

Gerard Terboro. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κυβερνητικά μουσεία Βερολίνο

Καθώς καταλαβαίνετε, τα έργα αυτά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και στο Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Εργαστήριο καλλιτέχνη. 1666-1667 Μουσείο Ιστορίας Τέχνης, Βιέννη

Τι κοίταξε ο Yang Vermeer, δεν είναι αξιόπιστη. Είναι προφανές μόνο ότι απεικονίστηκε στον ζωγραφικό "Workshop του καλλιτέχνη". Αληθινή από την πλάτη.

Ως εκ τούτου, είναι εκπληκτικό το γεγονός ότι ένα νέο γεγονός από τη ζωή του Δάσκαλη έγινε πρόσφατα γνωστή. Συνδέεται με το αριστούργημά του "Delft street".

Jan Vermeer. Delft δρόμο. 1657 Κυβερνητικό Μουσείο στο Άμστερνταμ

Αποδείχθηκε ότι η παιδική ηλικία του Vermeer πέρασε σε αυτόν τον δρόμο. Το απεικονιζόμενο σπίτι ανήκε στη θεία του. Αυτός έθεσε τα πέντε παιδιά του σε αυτό. Ίσως κάθεται στο κατώφλι με ράψιμο και δύο από τα παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ζούσε στο σπίτι απέναντι.

Αλλά πιο συχνά απεικόνισε την εσωτερική κατάσταση αυτών των σπιτιών και των κατοίκων τους. Φαίνεται ότι τα οικόπεδα των έργων ζωγραφικής είναι πολύ απλά. Εδώ είναι μια νευρική κυρία, μια ασφαλής κοιλιακή τοποθεσία, ελέγχει το έργο των ζυγών μου.

Jan Vermeer. Γυναίκα με βάρη. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσινγκτον

Τι βγήκε ο Vermeer μεταξύ χιλιάδων άλλων "μικρών" ολλανδικών;

Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος. Στην εικόνα "Γυναίκα με βάρη" ελαφρά περιβάλλει απαλά το πρόσωπο του ηρωίνης, του υφάσματος και τοίχων. Δίνοντας μια αφόρητη πνευματικότητα που απεικονίζεται.

Και οι συνθέσεις των ζωγραφικής της Vermeer ανακτάται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε άλλες λεπτομέρειες. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η ζωγραφική "καταρρέει" και η μαγεία θα πάει μακριά.

Όλα αυτά δόθηκαν στο Vermeleu δεν είναι εύκολο. Μια τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούμενη επίπονη εργασία. Συνολικές 2-3 εικόνες ετησίως. Ως αποτέλεσμα, η ανικανότητα να τροφοδοτεί την οικογένεια. Η Vermeer εργάστηκε ως έμπορος τέχνης, που πωλεί το έργο άλλων καλλιτεχνών.

5. Peter de Heh (1629-1684)

Peter de heh. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Reyxmuseum, Άμστερνταμ

Η Hoha συχνά συγκρίνεται με το Vermeer. Εργάστηκαν ταυτόχρονα, ακόμη και υπήρχε μια περίοδος που σε μια πόλη. Και σε ένα είδος - εγχώριες. Στην Hoha, βλέπουμε επίσης ένα ή δύο φιγούρες στις άνετες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.

Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν το χώρο των έργων ζωγραφικής του και διασκεδαστικό. Και οι αριθμοί είναι εγγεγραμμένοι σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στην εικόνα του "ο υπηρέτης με ένα κορίτσι στην αυλή".

Peter de heh. Η υπηρέτρια με το κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου

Έως τον 20ό αιώνα, η Hech αποτιμήθηκε πολύ υψηλή. Αλλά τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του του Vermeer είναι λίγοι που παρατήρησαν.

Αλλά στον 20ό αιώνα όλα έχουν αλλάξει. Slava Hoha Faming. Ωστόσο, τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική είναι δύσκολο να μην αναγνωριστούν. Λίγοι, οι οποίοι θα μπορούσαν να συνδυάσουν ανταγωνιστικά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.

Peter de heh. Οι παίκτες στο χάρτη στην αίθουσα του ήλιου. 1658 Συναρμολόγηση Βασιλικής Τέχνης, Λονδίνο

Παρακαλείστε να σημειώσετε ότι σε ένα μέτριο σπίτι στους "παίκτες στους χάρτες" μπορεί να κρεμάσει μια εικόνα σε ένα συρρατικό πλαίσιο.

Αυτό συνομιλεί και πάλι για το πώς η συνηθισμένη ολλανδική ζωγραφική ήταν δημοφιλής. Οι πίνακες ήταν διακοσμημένοι με κάθε σπίτι: τόσο το σπίτι του πλούσιου μπιφτέκι και ένας μέτριος πολίτης, και ακόμη και ένας αγρότης.

6. Walls Yang (1626-1679)

Τοίχοι γιανγκ. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. 1670s. Μουσείο Tissen-Bornemis, Μαδρίτη

Οι τοίχοι γιανγκ, ίσως, το πιο χαρούμενο "μικρό" Ολλανδικό. Αλλά αγαπώντας τα ηθικά. Συχνά απεικονίζει ταβέρνες ή φτωχά σπίτια στα οποία υπήρχε ένας αντιπρόεδρος.

Οι κύριοι χαρακτήρες του - οι βόλτες και οι κυρίες της εύκολης συμπεριφοράς. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποίησε με τον ίδιο τρόπο από την φαύλη ζωή.

Τοίχοι γιανγκ. Kavardak. 1663 Μουσείο Τέχνης Ιστορία, Βιέννη

Υπάρχει ένας τοίχος και πιο ήσυχη δουλειά. Όπως, για παράδειγμα, η "πρωινή τουαλέτα". Αλλά εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήξει τον θεατή πάρα πολύ frank αντικείμενα. Εδώ και ίχνη από την κόλπο, και όχι ένα κενό νυχτερινό δοχείο. Ναι, και κάπως καθόλου με τον τρόπο που ο σκύλος βρίσκεται ακριβώς πάνω στο μαξιλάρι.

Τοίχοι γιανγκ. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Reyxmuseum, Άμστερνταμ

Αλλά παρά τον πυριτία, οι χρωστικές λύσεις του τοίχου είναι πολύ επαγγελματίες. Σε αυτό, ήταν ανώτερος από πολλούς "μικρούς ολλανδούς". Κοιτάξτε πόσο το κόκκινο απόθεμα συνδυάζεται τέλεια με ένα μπλε σακάκι και ένα φωτεινό μπεζ χαλί.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1682)

Πορτρέτο ενός Raisdale. Λιθογραφία από το βιβλίο του 19ου αιώνα.

Κατακτήθηκε η νίκη στην καταπολέμηση της Ισπανίας για την ανεξαρτησία τους, η αστική ολλανδία έχει γίνει το πιο οικονομικά αναπτυγμένο κράτος στη Δυτική Ευρώπη. Η κύρια ολλανδική πόλη του Άμστερνταμ αποφάσισε ως ένα από τα μεγαλύτερα εμπορικά κέντρα στην Ευρώπη.

Μαζί με την οικονομία, η ολλανδική ζωγραφική αναπτύσσεται. Σε αντίθεση με άλλες χώρες της Δυτικής Ευρώπης στην Ολλανδία, οι μπαρόκ πίνακες των παλατιών και τα κάστρα ήταν δημοφιλή - η αδυναμία της ευγένειας χρησίμευσε ως εμπόδιο στην ανάπτυξη της διακοσμητικής τέχνης. Η εκκλησία της Καληνιστικής της Ολλανδίας επίσης δεν προσπάθησε να διακοσμήσει τους ναούς τους με τη ζωγραφική.

Παρ 'όλα αυτά, η ζωγραφική στις Κάτω Χώρες άκμασε: οι καλλιτέχνες έλαβαν πολλές παραγγελίες από τα άτομα. Στη στέγαση του, μια μικρή εικόνα θα μπορούσε να έχει ακόμη και τους ολλανδούς αγρότες - τόσο φθηνά κοστίζουν αυτές τις δημιουργίες καλλιτεχνών.

Στον XVII αιώνα Στη μικρή Ολλανδία εργάστηκε πάνω από δύο χιλιάδες καλλιτέχνες. Έβαλαν την παραγωγή ζωγραφιών στο ρεύμα, έκανε καμβά με ολόκληρα κόμματα και πέρασε τους πωλητές τους. Σχεδόν κάθε μάγος εκτελείται από δύο έως πέντε τραγούδια.

Συχνά η παραγωγή ζωγραφιών ήταν μπροστά από τη ζήτηση, έτσι ώστε να τροφοδοτήσουν, οι καλλιτέχνες έπρεπε να συμμετάσχουν ταυτόχρονα σε άλλες εργασίες. Τέτοιοι διάσημοι δάσκαλοι όπως το Ya. Τοίχοι, M. GobBehama, Ya. Van Goyen και πολλά άλλα, ήταν ταυτόχρονα υπάλληλοι, κηπουροί, εμπορευματοκιβώτια των εστιατορίων.

Συνήθως ζωγράφοι που ειδικεύονται σε ένα συγκεκριμένο θέμα. Για παράδειγμα, ο Η. Aberkp έγραψε το χειμωνιάτικο είδος, Ε. Van der Poul απεικονίζεται νυχτερινές πυρκαγιές, Tereborh και Metasy - Σκηνές Οικιακής Οικίας, Π. Clas και V. K. Hedd - Ακόμα ζωντανά πρωινό.

Πολύ συχνά, οι καλλιτέχνες εργάστηκαν συλλογικά στην ίδια εικόνα: Κάποιος ζωγράφισε τον ουρανό, το άλλο είναι το γρασίδι και τα δέντρα, οι τρίτες - ανθρώπινες μορφές. Τα πιο επιτυχημένα έργα που ήταν επιτυχημένα μεταξύ του κοινού έχουν αντιγράψει και χρησίμευσε ως πρότυπο για να δημιουργήσουν αμέτρητες επιλογές.

Αν και η τέχνη των ταλαντούχων ζωγράφων και ήταν δευτερεύουσα σε εμπορικούς σκοπούς, οι πλοίαρχοι συνήθως κατάφεραν να αποφύγουν το FALSE. Οι περισσότερες από αυτές τις καμβάδες διακρίνονται από τον ρεαλισμό, την ακεραιότητα και τη σαφήνεια της σύνθεσης, τη φρεσκάδα της αρωματικής και εξαιρετικής τεχνικής απόδοσης.

Η μεγάλη διανομή στην ολλανδική ζωγραφική έλαβε ένα είδος πορτρέτου. Διάφοροι οργανισμοί (κοινωνία τουφέκι, ομάδες εκπροσώπων των εταιρειών και εμπορικών καταστημάτων) που συνέβαλαν στην εμφάνιση ενός ομίλου δημόσιου πορτρέτου έπαιζαν σημαντικό ρόλο στη ζωή της χώρας.

Ο μακροπρόθεσμος αγώνας με τους ισπανούς αποικιστές επιδεινώθηκαν την αίσθηση της εθνικής αυτοσυνείδησης, έτσι στη ζωγραφική, εκτός από τον ρεαλισμό, μια εικόνα των χαρακτηριστικών εθνικών χαρακτηριστικών ήταν ιδιαίτερα ευπρόσδεκτη. Οι καλλιτέχνες έγραψαν τη θάλασσα και τα πλοία, τα βοοειδή, τα λουλούδια. Εκτός από το πορτρέτο, τέτοια είδη που αναπτύχθηκαν ως τοπίο, νεκρή φύση. Υπήρχε μια θρησκευτική ζωγραφική, αλλά δεν είχε ένα στοιχείο μυστικισμού. Βιβλικά οικόπεδα που παρουσιάζονται
Ο καλλιτέχνης μοιάζει περισσότερο με εγχώριες σκηνές.

Γαλλία Hals.

Η Γαλλία HAL γεννήθηκε περίπου το 1581 στην Αμβέρσα στην οικογένεια τσαγιού. Στην νεανική ηλικία, έφτασε στο Harlem, όπου ζούσε σχεδόν χαμηλά στο θάνατο (το 1616 επισκέφθηκε την Αμβέρσα και στα μέσα του 1630 - Άμστερνταμ). Σχετικά με τη ζωή των ουσών ξέρει λίγο. Το 1610 εισήλθε στη συντεχνία του Αγίου Λιούκι και το 1616 - στο Επιμελητήριο των Ritizers (ερασιτέχνες ηθοποιοί).

Πολύ γρήγορα, οι HAL έγιναν ένας από τους πιο διάσημους πορτρέτους του Χάρλεμ. Στους αιώνες XV-XVI. Στη ζωγραφική της Ολλανδίας υπήρξε μια παράδοση για να γράψουν πορτρέτα μόνο εκπροσώπων των κυβερνώντων κύκλων, διάσημων ανθρώπων και καλλιτεχνών. Η τέχνη των hals είναι βαθιά δημοκρατική: στα πορτρέτα του μπορούμε να δούμε τον αριστοκράτη, έναν πλούσιο πολίτη, το τεχνητό και ακόμη και ένα άτομο από το χαμηλότερο. Ο καλλιτέχνης δεν προσπαθεί να εξιδανικεύσει όσους απεικονίζονται, το κύριο πράγμα γι 'αυτόν είναι η φυσικότητα και η μοναδικότητά τους. Το Venomazb του κατέχει ως σχετικά, όπως οι εκπρόσωποι των χαμηλότερων στρωμάτων της κοινωνίας, οι οποίοι στις ζωγραφιές του Χάλλια απεικονίζονται από χαρούμενους ανθρώπους που δεν στερούνται αυτοεκτίμησης.

Ένα μεγάλο μέρος στο έργο του ζωγράφου είναι ένα πορτρέτο της ομάδας. Τα καλύτερα έργα αυτού του είδους ήταν πορτρέτα των υπαλλήλων της εταιρείας τουφέκι St. George (1627) και της εταιρείας τουφέκι St. Adriana (1633). Κάθε χαρακτήρας στους πίνακους έχει τη φωτεινή του ατομικότητα και ταυτόχρονα, αυτά τα έργα χαρακτηρίζονται από ακεραιότητα.

Οι HALs έγραψαν επίσης προσαρμοσμένα πορτρέτα, στα οποία οι πλούσιοι Burghers και οι οικογένειές τους δημοσιεύονται σε casual Poses ("Πορτρέτο του Isaac Massa", 1626; "Πορτρέτο του Hatheysen", 1637). Οι εικόνες των HAL είναι ζωντανές και δυναμικές, φαίνεται ότι οι άνθρωποι σε πορτρέτα μιλούν με έναν αόρατο συνομιλητή ή στροφή προς τον θεατή.

Οι εκπρόσωποι του περιβάλλοντος του λαού στα πορτρέτα των hals διακρίνονται. Στις εικόνες αγοριών δρόμου, ψαράδων, μουσικών, επισκεπτών της Kabakov αισθάνθηκαν συμπάθεια και σεβασμό για τον συγγραφέα. Υπέροχο από τον "τσιγγάνο" του. Εκπληκτικά ζωντανό φαίνεται να είναι μια χαμογελαστή νεαρή γυναίκα, η πονηρή άποψη της οποίας απευθύνεται στους αόρατους θεατές του συνομιλητή. Οι HALs δεν εξιδεύουν το μοντέλο του, αλλά η εικόνα ενός χαρούμενου, απίστευτου τσιγγάνου απολαύσει με το δική του γοητεία.

Πολύ συχνά πορτρέτα των chals περιλαμβάνουν τα στοιχεία της σκηνής του είδους. Αυτές είναι οι εικόνες των παιδιών που τραγουδούν ή παίζουν σε μουσικά όργανα ("τραγούδια αγόρια", 1624-1625). Στο ίδιο πνεύμα, το διάσημο "Mallet Babbe" εκπληρώθηκε (η αρχή της δεκαετίας του 1630), η οποία υποβλήθηκε στο Kharchevni διάσημο στο Harlem, το οποίο οι επισκέπτες για τα μάτια τους ονομάστηκαν η σκληρή μάγισσα. Ο καλλιτέχνης σχεδόν grotesque απεικονίζει μια γυναίκα με μια τεράστια κούπα μπύρας και κουκουβάγιες στον ώμο του.

Στη δεκαετία του 1640. Υπάρχουν σημάδια κάταγμα στη χώρα. Μόνο λίγες δεκαετίες πέρασαν μετά τη νίκη της επανάστασης και η μπουρζουαζία έχει ήδη παύσει να είναι μια προοδευτική τάξη βασισμένη στις δημοκρατικές παραδόσεις. Η αλήθεια του ζωγραφικού των hals δεν προσελκύει πλέον πλούσιους πελάτες που θέλουν να δει τους εαυτούς τους σε πορτρέτα καλύτερα από ό, τι πραγματικά είναι. Αλλά οι HAL δεν αρνούσαν τον ρεαλισμό και η δημοτικότητά του έπεσε απότομα. Σε ζωγραφική αυτής της περιόδου, εμφανίζονται σημειώσεις θλίψης και απογοήτευσης ("Πορτρέτο ενός ανθρώπου σε ένα ευρύχωρο καπέλο"). Είναι αυστηρότερο και ήρεμα γίνεται η παλέτα του.

Στην ηλικία των 84 ετών, οι HAL δημιουργούν δύο αριστουργήματα: ομαδικά πορτρέτα των Rewagers (Trustees) και το θηλαστικό καταφύγιο (1664). Αυτά τα πρόσφατα έργα των ολλανδικών δασκάλων διακρίνονται από τη συναισθηματικότητα και τη φωτεινή ατομικότητα των εικόνων. Από τις εικόνες των ενοικίων - οι ηλικιωμένοι και η ηλικιωμένη γυναίκα - προσβάλλει τη θλίψη και το θάνατο. Αυτό το συναίσθημα δίνει έμφαση και το χρώμα, ξεπερασμένο σε μαύρο, γκρι και λευκούς τόνους.

HALs πέθαναν το 1666 σε βαθιά φτώχεια. Η αληθινή του, η τέχνη της ζωής του είχε μεγάλη επιρροή σε πολλούς ολλανδούς καλλιτέχνες.

Rembrandt.

Στο 1640-1660. Ζωγραφική Ολλανδία ανησυχούν άνθηση. Ο σημαντικότερος καλλιτέχνης αυτού του χρόνου ήταν η Rembrandt.

Ο Rembrandt βλάπτει τον Van Rhine γεννήθηκε το 1606 στο Leiden. Ο πατέρας του ήταν ένας δύσκολος μύλος. Οι γονείς ονειρεύτηκαν καλής εκπαίδευσης για τον Υιό και το εντόπισαν στη Λατινική Σχολή, μετά το τέλος του οποίου το Rembrandt εισήλθε στο Πανεπιστήμιο Leiden. Αλλά ο νεαρός άνδρας προσέλκυσε την τέχνη. Άφησε το πανεπιστήμιο και άρχισε να μαθαίνει από τον ζωγράφο Yakov Svannenburg. Τρία χρόνια αργότερα, ένας νεαρός καλλιτέχνης πήγε στο Άμστερνταμ, όπου άρχισε να παίρνει μαθήματα από τον Peter Lastman.

Το 1624, η Rembrandt επέστρεψε στο Leiden. Εδώ, μαζί με τον ζωγράφο, ο Jan Laven πήρε ένα εργαστήριο. Ο καλλιτέχνης εργάζεται πολύ από τη φύση, γράφει όχι μόνο στο εργαστήριο, αλλά και στο δρόμο και στο παζάρι της πόλης.

Στο τέλος της 1620. Η Rembrandt κέρδισε δημοτικότητα μεταξύ των κατοίκων Leiden. Είχε πολλές παραγγελίες και τον πρώτο φοιτητή - Gerard Dow, ο οποίος αργότερα έγινε ένας αρκετά διάσημος ζωγράφος.

Οι πρώτοι πίνακες Rembrandt χαρακτηρίζονται από την πληρότητα της σύνθεσης, το Bona Fide της εκτέλεσης. Ταυτόχρονα, χαρακτηρίζεται από κάποια δυσκαμψία ("ο βασανισμός του Αγίου Σεμπαστιά", 1625).

Το 1631, η Rembrandt εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ. Δόξα γι 'αυτόν πολύ γρήγορα εξαπλώνεται γύρω από την πόλη και οι παραγγελίες έπεσαν στον ζωγράφο. Η προσωπική ζωή του Rembrandt ήταν επιτυχής: το 1634 παντρεύτηκε τη Sasquia Wang Eilenburg, ένα κορίτσι από τη διάσημη αστική οικογένεια. Ο γάμος έφερε τον καλλιτέχνη μια σημαντική κατάσταση που τον έδωσε δημιουργική ανεξαρτησία και επέτρεψε να αναλάβει τη συλλογή έργων τέχνης και αντίκες.

Η Rembrandt απολαμβάνει την ευτυχία στην κοινωνία της αγαπημένης του συζύγου, την οποία απελευθέρωσε πολλές φορές σε πορτρέτα. Συχνά η Σασκοβία χρησίμευσε ως μοντέλο και για έργα ζωγραφικής με τα πιο διαφορετικά θέματα ("χλωρίδα", 1634, "αυτοπροσωπογραφία με τη Sasquia στα γόνατά του", περίπου 1639).

Η δημιουργικότητα του Rembrandt διακρίνεται από την ποικιλία κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, γράφει ιστορικές, μυθολογικές και θρησκευτικές συνθέσεις, πορτραίτα, οικιακές σκηνές, τοπία, ακόμα ζωγραφίζει, ζωγραφιές με ζωγραφικές εικόνες. Αλλά το κύριο αντικείμενο της προσοχής του είναι ένα άτομο. Όχι μόνο σε πορτρέτα, αλλά και σε άλλα έργα, ο καλλιτέχνης επιδιώκει να μεταφέρει τη φύση και τον εσωτερικό κόσμο των ηρώων του.

Το υπέροχο κύριο του πορτρέτου, μόνο στη δεκαετία του 1630. Το Rembrandt πραγματοποίησε περισσότερα από εξήντα εγγεγραμμένα πορτρέτα. Το κύριο πράγμα για τον ζωγράφο δεν είναι μια εξωτερική ομοιότητα με το μοντέλο και το βάθος του εσωτερικού κόσμου, τη δύναμη των πνευματικών κινήσεων και εμπειριών. Με την απόλαυση, το πορτρέτο της ομάδας της "ανατομίας του γιατρού Tulp" (1632) συναντήθηκε από τους σύγχρονους. Ο καλλιτέχνης συνέβαλε στην παραδοσιακή σύνθεση του κλασικού ομίλου πορτρέτο της αλλαγής, τοποθετώντας το σχήμα που δεν είναι στη σειρά, όπως ήταν συνηθισμένο, αλλά ελεύθερα. Μια τέτοια κατασκευή έδωσε την εικόνα της ζωντάνια και της φυσικότητας.

Στο τέλος της 1630. Το Rembrandt έγινε ο πιο διάσημος πλοίαρχος στην Ολλανδία. Σε αυτή την περίοδο, το αριστούργημά του ανήκει - το διάσημο «Dana» (1636), η ικανότητα εκτέλεσης του οποίου υπερβαίνει τα πάντα που δημιουργήθηκαν από τους σύγχρονους
καλλιτέχνης. Απολαμβάνει την τελειότητα της σύνθεσής του και τον πλούτο του χρωμάτων που ορίζεται σε χρυσές αποχρώσεις. Φαίνεται ότι σε αυτό το έργο δεν υπάρχει τίποτα περιττό, κάθε στοιχείο θεωρείται προσεκτικά από τον συγγραφέα. Με τη βοήθεια ενός ελεύθερου και ζωντανού κηλιδωτού, ο πλοίαρχος μεταδίδει την ελαφρότητα των κρεβατιών, τις πτυχές των βαριών κουρτίνες και τα κουρτίνες. Το εύκαμπτο πλαστικό μιας νεαρής γυναίκας που βρίσκεται στο κρεβάτι, απαλά χρυσές αποχρώσεις του σώματος, που φωτίζεται από το μαλακό φως. Αν και δεν σκατά η τέλεια ομορφιά, η εικόνα της θαυμάζει τον θεατή με ζωντανή γοητεία και φρεσκάδα.

Στη δεκαετία του 1630. Ο καλλιτέχνης εργάζεται πολύ και στη χάραξη. Είναι ελκυστικό από μοτίβα οικιακής χρήσης ("ο πωλητής δηλητηρίου αρουραίων", 1632). Τα στοιχεία της έννοιας είναι εγγενή και έργα με βιβλικά θέματα ("η επιστροφή του Prodigal Son", 1636). Ένα από τα καλύτερα χαρακτικά αυτής της περιόδου είναι "θάνατος της Μαρίας" (1639), συναισθηματική και αισθητική αίσθηση βαθιάς θλίψης. Η πολυπλοκότητα της σύνθεσης και η μνημειώδης αξία των εικόνων είναι διαφορετική και ένα θαυμάσιο προϊόν "Χριστός, θεραπευτικοί ασθενείς" (Τ. N. "σε εκατό φιορίνια" - αυτό το όνομα μιλά για το κόστος της εργασίας).

Στη δεκαετία του 1640. Το Rembrandt γίνεται ο πιο διάσημος και πολύ αμειβόμενος ζωγράφος Άμστερνταμ. Είναι παραγγέλματα πορτρέτα, συνθέσεις για το παλάτι του ολλανδικού Στατέρου στη Χάγη. Πολλοί καλλιτέχνες αρχάριους επιδιώκουν να σπουδάσουν στο εργαστήριό του. Η δόξα για την τέχνη του Rembrandt ξεπερνά τα όρια της Ολλανδίας. Αρκετοί πίνακες του διάσημου πλοιάρχου αποθηκεύονται στο παλάτι του αγγλικού βασιλιά Charles I.

Το Rembrandt ταλέντο εκδηλώθηκε με την ρεαλιστική και εκφραστική τους ζωή ("φορτηγό ταύρων") και τα τοπία ("τοπίο με ένα μύλο", εντάξει. 1650). Ο λεπτός στιγματισμός είναι εγγενής σε μη εξουσιοδοτούμενα ολλανδικά τοπία, επηρεάζοντας τον θεατή με την σχεδόν απτή πραγματικότητα του.

Ο θάνατος της αγαπημένης της συζύγου το 1642 αφαιρεί το Rembrandt από τους ευγενούς συγγενείς του. Ο καλλιτέχνης σταμάτησε να επικοινωνεί και με τον οικείο του από την Αριστοκρατική Εταιρεία. Οι αλλαγές στη ζωή των Δασκάλων αντανακλάται στη ζωγραφική του, η οποία γίνεται βαθύτερη και εστιασμένη. Εάν τα πρώτα έργα του Rembrandt διακρίνονται από την ηρεμία και την ομαλή εγκατάσταση, τώρα οι σημειώσεις του άγχους και της αμφιβολίας που ζητήθηκαν στις ζωγραφιές του. Η παλέτα αλλάζει στην οποία κυριαρχούν οι κόκκινες και χρυσές αποχρώσεις.

Η ζωντανή εκφραστικότητα διακρίνεται από τον καμβά "David και Jonafan" (1642, Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη), που εκτελούνται σε χρυσαφένους και χρυσούς μπλε τόνους.

Όλα αυτά τα νέα χαρακτηριστικά στη ζωγραφική Prambrandt δεν γνώρισαν την κατανόηση των σύγχρονων. Η δυσαρέσκεια προκάλεσε μια μεγάλη μνημειώδη σύνθεση "νυχτερινό ρολόι" (1642). Αυτός ο τίτλος της εικόνας που έλαβε στο XIX αιώνα. Στην πραγματικότητα, η δράση λαμβάνει χώρα τη νύχτα, και κατά τη διάρκεια της ημέρας, με το φως του ήλιου, το οποίο επιβεβαιώνει τη φύση των σκιών.

Με την πάροδο του χρόνου, τα χρώματα σκοτεινούνταν και μόνο η αποκατάσταση που πραγματοποιήθηκε το 1946-1947, έδειξε ότι το χρωματικό γκάμα αυτού του έργου ήταν κάποτε πιο ελαφρύτερο.

Η εικόνα δείχνει τα βέλη του καπετάνιου της εταιρείας που απαγορεύει την Coca. Ο πελάτης αναμένει να δει το παραδοσιακό πορτρέτο της παρέλασης (σκηνή της γιορτής ή της εκπροσώπησης από τον διοικητή του θεατή των υφισταμένων του). Το Rembrandt δημιουργήθηκε επίσης
Poico-ιστορικό καμβά που απεικονίζουν την απόδοση των σκοπευτών στις παραγγελίες του καπετάνιου. Οι χαρακτήρες είναι ενθουσιασμένοι και δυναμικοί. Ο διοικητής δίνει εντολές, ένας bannamers σηκώνει το banner, ο ντράμερ χτυπάει στο τύμπανο, τα βέλη χρεώνουν όπλα. Δεν είναι σαφές ότι το κοριτσάκι με έναν κόκορα στη ζώνη βιασύνη.

Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, η Hendercine Stalffels εμφανίζεται στη ζωή του Rembrandt, πρώτα την υπηρέτρια, και στη συνέχεια η σύζυγος, ο οποίος έγινε η πιστή φίλη και ο βοηθός. Ο καλλιτέχνης εξακολουθεί να εργάζεται πολύ. Δημιουργεί τη διάσημη "ιερή οικογένειά του" (1645), στην οποία το θρησκευτικό θέμα ερμηνεύεται ως είδος. Μαζί με τις βιβλικές συνθέσεις, ο ζωγράφος εκτελεί ρεαλιστικά τοπία με τις εικόνες του χωριού ("Winter View", 1646). Τα πορτρέτα αυτής της περιόδου διακρίνονται από την επιθυμία να δείξουν τα ατομικά χαρακτηριστικά των μοντέλων.

Στη δεκαετία του 1650. Ο αριθμός των παραγγελιών μειώνεται σημαντικά. Η Rembrandt αντιμετωπίζει μεγάλες υλικές δυσκολίες. Αντιμετωπίζει πλήρη ερείπια, επειδή το χρέος εξακολουθεί να μην καταβάλλεται, που συνδέεται με την αγορά του σπιτιού ενώ η πρώτη σύζυγος της Σασκοβίας. Το 1656 ο καλλιτέχνης κηρύχθηκε αφερέγγυος και η συλλογή έργων τέχνης και όλων των περιουσιακών στοιχείων εξαντλήθηκε με δημοπρασία. Η οικογένεια Rembrandt έπρεπε να μετακομίσει στην φτωχή εβραϊκή συνοικία του Άμστερνταμ.

Παρά τις αντιξοότητες, το ταλέντο του μεγάλου ζωγράφου δεν στεγνώνει. Αλλά τώρα το κριτήριο της ικανότητάς του είναι εντελώς διαφορετικό. Σε μεταγενέστερα έργα του Rembrandt, τα πολύχρωμα εγκεφαλικά επεισόδια εμφανίζονται απότομα στην επιφάνεια του καμβά. Τώρα τα χρώματα στους πίνακές του δεν είναι μόνο για τη μεταφορά της εμφάνισης των ηρώων και της εικόνας του εσωτερικού - είναι ένα χρώμα που παίρνει το σημασιολογικό φόρτο εργασίας της εργασίας. Έτσι, το αίσθημα του τεταμένου δράματος στην εικόνα "Assore, Aman και Esphyr" (1660) δημιουργείται με μια πολύπλοκη τόνπα \u200b\u200bγάμμα και ειδικά φωτεινά εφέ.

Μειωμένες παραγγελίες που ζουν σε βαθιά φτώχεια, η Rembrandt δεν παύει ποτέ να γράφει. Δημιουργεί εκφραστικά και πνευματικά πορτρέτα, μοντέλα για τα οποία οι συγγενείς και οι φίλοι σερβίρουν ("Πορτρέτο της σύζυγης του αδελφού καλλιτέχνη", 1654; "Πορτρέτο ενός γέρου στο κόκκινο", 1652-1654; "Πορτρέτο του γιου του Τίτου για την ανάγνωση ", 1657;" Πορτρέτο του Hendrikier Stalffels Windows ", περίπου. 1659).

Ο γιος του Τίτου, ο οποίος τελικά έλαβε την κατάσταση της αποθανόντης μητέρας του, προσπαθεί να προστατεύσει τον πατέρα του από τις υλικές εκκεστείες και να τον δημιουργήσει τις συνθήκες για ήσυχη εργασία. Αλλά οι κακοτυχίες συνεχίζουν να ακολουθούν τον καλλιτέχνη: το 1663 πεθαίνει με το Hendrik, και μετά από λίγα χρόνια ακολούθησε τον Τίτο.

Είναι σε αυτόν τον τραγικό χρόνο ότι ένας παλιός μοναχικός καλλιτέχνης δημιουργεί τα αριστουργήματα του, που χαρακτηρίζεται από μνημειακή και πνευματικότητα (David και Uriah, 1665-1666, "η επιστροφή του Prodigal Son", περίπου 1668-1669).

Το Rembrandt πέθανε το 1669, όλοι ξεχασμένοι. Μόνο στο XVIII αιώνα. Η τέχνη του ήταν τελικά κατανοητή και εκτιμήθηκε.

Το 1640-1660s. Ο οδηγός στην ολλανδική ζωγραφική ήταν ένα είδος νοικοκυριού. Εικόνες που απεικονίζουν τις πιο κοινές στιγμές της πραγματικότητας, εκπληκτικά ποιητικό και λυρικό. Το κύριο αντικείμενο της προσοχής των ζωγράφων είναι ένας άνθρωπος και ο κόσμος γύρω του. Οι περισσότερες συνθέσεις του είδους διακρίνονται με την ήρεμη αφήγηση και την έλλειψη δράματος. Λένε για τη φροντίδα του σπιτιού της οικοδέσποινα του σπιτιού (αγοράζοντας διατάξεις, φροντίδα για παιδιά, μαθήματα χειροτεχνίας), για την ψυχαγωγία του ολλανδικού μπιφτέκι (παιχνίδι καρτών, υποδοχής των επισκεπτών, συναυλιών). Οι καλλιτέχνες απεικονίζουν όλα όσα συμβαίνουν στο σπίτι του πλούσιου πολίτη, παρακάμπτοντας τη δημόσια πλευρά της ανθρώπινης ζωής.

Ο Genribist χρησιμοποίησε πολύ δημοτικότητα: Dow, των οποίων οι πίνακες πώλησαν σε πολύ υψηλή τιμή, Α. Wang Odete, γράφοντας τις σκηνές της αγροτικής ζωής ("αγροτική συναυλία"), Ya. Τοίχους, τα αγαπημένα θέματα των οποίων ήταν σκηνές διασκέδασης και αργίες ("Merry Society"), G. Terbor, της οποίας η χαριτωμένη ζωγραφική αντιπροσώπευε τη ζωή μιας πλούσιας οικογένειας Burgher ("Γυαλί Λεμονάδα"), Metsu με την αφήγηση συχνοτήτων του ("άρρωστο παιδί"), P. de Hookh, δημιούργησε το concepting- Λυρικές καμβάδες ("ερωμένη και καμαριέρα").

Για να επεκταθεί το πλαίσιο του είδους των νοικοκυριών που επιδιώκεται στον Κ. Fabrichius, ο οποίος ζούσε μια σύντομη ζωή (πέθανε στο Delft στην έκρηξη της αποθήκης σε σκόνη). Ένα από τα καλύτερα έργα του είναι η "Ανάσταση του Λαζάρου" (περίπου 1643), διακρίνεται από το δράμα και σχεδόν μνημειακό πεδίο. Τα πορτραίτα και τα αυτοπροσωπογραφία του, βάζοντας τον καλλιτέχνη σε μια σειρά με τον F. Khals και Rembrandt.

Η τύχη του Ε. De Fabrichius, ένας ταλαντούχος πλοίαρχος της σκηνής των νοικοκυριών και συνεργάζεται με την εικόνα των εσωτερικών της εκκλησίας ("αγορά στο Πόρτο", "Εσωτερικό με μια γυναίκα στο Clavsin"). Ο καλλιτέχνης δεν προσπάθησε να επιδοθεί στα γούστα του αστικού κοινού, οπότε τα έργα του που δεν είχαν επιτυχία στους συγχρόνους πώλησαν για τις πένες. Συχνά ο Fabrihius αναγκάστηκε να τους δώσει για χρέη στους ιδιοκτήτες σπιτιού. Το χειμώνα το βράδυ, το 1692, ένας δεκαεπτάχρονος καλλιτέχνης που εκλέχτηκε από τον ιδιοκτήτη του σπιτιού κρεμάστηκε τον εαυτό του στο κιγκλίδωμα της γέφυρας. Μια τέτοια μοίρα ήταν χαρακτηριστική από πολλούς ολλανδούς ζωγράφους που δεν θέλουν να εγκαταλείψουν ρεαλιστικές παραδόσεις υπέρ του κοινού.

Jan Vermer Delftsky

Ένας λαμπρός εκπρόσωπος του Genre Ολλανδός ζωγραφικής είναι το Yang Vermer, που ονομάζεται στον τόπο γέννησης και δραστηριότητας του Delftsky. Ο ζωγράφος γεννήθηκε το 1623 στην οικογένεια ενός εμπορικού έργου και μετάξι. Λίγο γνωστό για τη ζωή του VESER. Ίσως ο δάσκαλός του ήταν ο Κ. Fabrichius. Το 1653, ο καλλιτέχνης έγινε μέλος της συντεχνίας του Αγίου Λιούκι και παντρεύτηκε την κόρη ενός πλούσιου πολίτη Κατερίνα Κοζάλου. Στο Delft, απολάμβανε σεβασμό και δόξα, έζησε σε ένα μεγάλο σπίτι που βρίσκεται σε μια πλατεία της αγοράς.

Ο Vermer εργάστηκε στους πίνακές του πολύ αργά και σχολαστικά, γράφοντας προσεκτικά κάθε λεπτομέρεια. Η ζωγραφική δεν μπορούσε να παράσχει την οικογένεια του καλλιτέχνη σε μια έξυπνη ύπαρξη, αν και ο καμβάς του και απολάμβανε μεγάλη επιτυχία. Πιθανώς, ως εκ τούτου το Vermer και άρχισαν να ανταλλάσσουν με τους πίνακες, συνεχίζοντας την περίπτωση του πατέρα του.

Ήδη στα πρώτα έργα του VESER, ενός συνδυασμού ρεαλισμού και κάποιο μερίδιο του εξιδανίματος των εικόνων ("Diana με νύμφες", "Christ and Mary" - και οι δύο πριν από το 1656) εμφανίζονται. Το ακόλουθο έργο είναι ένα μεγάλο καύσιμο ύφασμα "Sumani" (1656), γραμμένο στο οικόπεδο που χρησιμοποιείται από πολλούς ζωγράφους, διακρίνεται από την πρωτοτυπία της εκτέλεσης. Η συνήθης οικιακή σκηνή από τον καλλιτέχνη αποκτά σχεδόν μνημειώδη σημασία. Η εικόνα ξεχωρίζει μεταξύ άλλων έργων με παρόμοια θέματα με την τολμηρή γεύση του, ξεπερασμένη σε καθαρά κίτρινα, κόκκινα, μαύρα και λευκά χρώματα και φωτεινές εκφραστικές εικόνες.

Στο μέλλον, το Vermer άσκησε έφεση στο παραδοσιακό για τις συνθέσεις του θαλάμου ζωγραφικής ολλανδών. Όπως και άλλοι ολλανδοί δάσκαλοι, απεικονίζει γεγονότα που λαμβάνουν χώρα σε πλούσια σπίτια Burgome. Η αγαπημένη εικόνα του καλλιτέχνη είναι ένα κορίτσι που διαβάζει μια επιστολή ανάγνωση ή τοποθέτηση περιδέραιο. Ο καμβάς του αντιπροσωπεύει τις εγχώριες σκηνές της υπογονιμότητας: Η υπηρέτρια δίνει την ερωμένη του, ο ιππικός φέρνει μια κυρία ένα ποτήρι κρασί. Αλλά αυτές οι εικόνες, απλές στη σύνθεση, χτυπήθηκαν από ολόκληρη, αρμονία και λυρισμό, οι εικόνες τους προσελκύουν τη φυσικότητα και τη χαλαρή ποίηση.

Κατά το δεύτερο μισό της 1650. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε τα πιο υπέροχα έργα. Ένα ζεστό συναίσθημα σημείωσε βαθιά λυρικό "κορίτσι ύπνου", "ποτήρι κρασί", "κορίτσι με μια επιστολή". Πολλοί ολλανδοί ζωγράφοι αυτής της εποχής στις ζωγραφιές τους απεικονίστηκαν από το έργο των υπαλλήλων, αλλά μόνο το Vermer, η εικόνα μιας γυναίκας από τους ανθρώπους έχει τα χαρακτηριστικά της γνήσιας ομορφιάς και του μεγαλείου ("Maulus με κανάτα γάλακτος").

Το Vermer είναι ένας πραγματικός βιρτουόζο με τη μεταφορά της ουσίας του κόσμου των πραγμάτων με τη βοήθεια λεπτών κεφαλαίων. Ακόμα οι ζωές γεμίζουν με μεγάλη ικανότητα στους πίνακές του. Εκπληκτικά όμορφη και φυσικά μοιάζει με ένα πιάτο με μήλα και δαμάσκηνα, στέκεται σε ένα τραπέζι τραπεζομάντιλο τραπέζι στον καμβά "κορίτσι με μια επιστολή".

Στη ζωγραφική "Maulus με κανάτα γάλα" θαυμάζει το ψωμί και το γάλα της φρεσκάδας, ένα παχύ πίδακα μιας κανάτα.

Το φως παίζει μεγάλο ρόλο στα έργα των ομπτικών. Γεμίζει το χώρο του καμβά, δημιουργώντας την εντύπωση εξαιρετικής ευαισθησίας. Τα μοντέλα σχηματίζουν και διεισδύουν σε χρώμα, αναγκάζοντάς τους να λάμψουν από το εσωτερικό. Λόγω τόσο σε ένα τέτοιο φως και ο αέρας δημιουργείται μια ειδική συναισθηματική τάση των περισσότερων έργων στίχων.

Υπέροχη κυριαρχία του ζωγράφου που εκδηλώθηκε σε ζωγραφική τοπίου. Μια μικρή γωνιά της πόλης που περιβάλλεται σε μια υγρή ατμόσφαιρα μιας συννεφιασμένης ημέρας αναπαράγεται σαφής και απλή στη σύνθεση "Ollake" (περίπου 1658). Καθαρό και φρέσκο \u200b\u200bεμφανίζεται η πόλη στην εικόνα "Προβολή του Delft" (μεταξύ 1658 και 1660). Μέσα από απαλά ασημένια σύννεφα κάνουν τον τρόπο τους τις ακτίνες του ήλιου, δημιουργώντας πολλά φωτεινά σημεία στην επιφάνεια του νερού. Μια ηχητική γεύση με τις λεπτές χρωματικές του μεταβάσεις δίνει την εικόνα της εικόνας και την αρμονία.

Στη δεκαετία του 1660 Η ζωγραφική του VESER γίνεται πιο εκλεπτυσμένη και κομψή. Η παλέτα αλλάζει επίσης στην οποία κυριαρχούν οι κρύες πολύχρωμες αποχρώσεις ("κορίτσι με μαργαριτάρι"). Οι κύριοι ήρωες των ιστών γίνονται περιτριγυρισμένοι από τις πλούσιες κυρίες και τις καβαλέτες ("LOVE LETTERN", περίπου το 1670).

Jan Vermer Delftsky. Η κοπέλα με μια κανάτα γάλακτος. Μεταξύ 1657 και 1660.
Jan Vermer Delftsky. Εργαστήριο ζωγράφου. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1665

Κατά την τελευταία περίοδο της ζωής του VESER, γίνεται επιφανειακή και κάπως έντονα ("αλληγορία της πίστης"), και η παλέτα χάνει κορεσμό και ηλιοδοξία. Αλλά κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, τα μεμονωμένα έργα του καλλιτέχνη εντυπωσιάζουν την πρώην εκφραστική δύναμη. Αυτό είναι το "εργαστήριο ζωγράφου" του (1665), στο οποίο ο Vermer απεικονίζει τον εαυτό του στην εργασία και οι πίνακες του αστρονόμου και του γεωγράφους, οι οποίοι κατέλαβαν επιστήμονες.

Η τύχη του VESER, όπως και πολλοί άλλοι ολλανδοί δάσκαλοι, είναι τραγικός. Στο τέλος της ζωής, ο οδυνηρός καλλιτέχνης που έχασε τους περισσότερους από τους προηγούμενους πελάτες αναγκάστηκε να μεταφέρει τη μεγάλη οικογένειά του από το παλιό σπίτι σε ένα φθηνότερο σπίτι. Τα τελευταία πέντε χρόνια δεν έχει γράψει μια ενιαία εικόνα. Ένας ζωγράφος πέθανε το 1675. η τέχνη του ξεχάστηκε για μεγάλο χρονικό διάστημα, και μόνο στη μέση του αιώνα του XIX. Το Vermer εκτιμήθηκε και τέθηκε σε μια σειρά με τέτοιους ολλανδούς δασκάλους ως Rembrandt και F. Hals.

Ο δέκατος έβδομος αιώνας ήταν στην Ευρώπη "η χρυσή εποχή της ζωγραφικής". Στην Ιταλία, την Ολλανδία, τη Φλάνδρα, την Ισπανία και στη Γαλλία υπάρχουν σημαντικές σχολές τέχνης. Μεταξύ αυτών, η τέχνη της Ολλανδίας καταλαμβάνει μια ειδική θέση. Επτά βόρειες ολλανδικές επαρχίες, ένωση γύρω από τις μεγαλύτερες από αυτές, Ολλανδία, κέρδισε τους Ισπανούς. Οι ιστορικές μοίρες αυτών των εδαφών καθορίστηκαν μετά την ολοκλήρωση της Ουτρέχτης UNIA το 1579, το οποίο έδωσε στη νομοθετική αρχή στα γενικά κράτη, δηλώθηκε βία, παρείχε ειδικές πολιτικές και οικονομικές συνθήκες στις πλούσιες επαρχίες της Ολλανδίας και της Ζηλανδίας. Αυτά καθορίστηκαν τα θεμέλια της μελλοντικής Δημοκρατίας, η οποία έλαβε κρατικό καθεστώς το 1609 μετά την ολοκλήρωση της εκεχειρίας με την Ισπανία.

Οι συνδεδεμένες επαρχίες έγιναν οι πρώτοι στον κόσμο από το αστικό κράτος, η εξουσία του προσωπικού ήταν ονομαστική φύση, οι εκπρόσωποι του πορτοκαλιού ήταν κυρίως ο διοικητής. Η αυλή τους στη Χάγη δεν διακρίθηκε από μια ειδική POMP και δεν είχαν αξιοσημείωτο αντίκτυπο στην ανάπτυξη του πολιτισμού στη χώρα. Ο κανόνας στην Ολλανδία Burgertism είναι μια επιχειρηματική, υπολογισμός, πρακτική. Επενδύει εμπορική διαπραγμάτευση κεφαλαίου και ναυπηγική βιομηχανία, καταπλήξει το μονοπάτι προς τις απομακρυσμένες χώρες της Ασίας και της Αμερικής και ίδρυσε την αποικία εκεί. "Αυτή η χούφτα ανθρώπων", έγραψε το κεφάλι του Βασιλικού Συμβουλίου της Γαλλίας, τον Καρδινάλιο Richelieu, ο οποίος κατέχει τη γη, η οποία αποτελείται από νερά και αγγελίες, προμηθεύει τους ευρωπαίους λαούς τα περισσότερα από τα εμπορεύματα που χρειάζονται. "

Ο Calvinism έγινε η κυρίαρχη θρησκεία στη χώρα, την πιο ριζοσπαστική κατεύθυνση στην κίνηση της μεταρρύθμισης των XVI-XVII αιώνες. Η εκκλησία της Calvinist ήταν "δημοκρατικός" χαρακτήρας. Τα κύρια χαρακτηριστικά του ήταν το δόγμα της απόλυτης προορισμού, η συγγνώμη της επιχειρηματικότητας και της επαγγελματικής επιτυχίας, η απαίτηση του κοσμικού ασκητισμού - τον υπολογισμό των αστικών τάξεων. Η σχετική βερμνοπεριότητα κατά την αρχική περίοδο της Δημοκρατίας της Δημοκρατίας δημιούργησε μια ευνοϊκή ατμόσφαιρα για επιστημονική και φιλοσοφική δημιουργικότητα. Η χώρα έγινε διάσημη για τους φυσιοποιητικούς του, έβαλε διάσημους δικηγόρους και ιστορικούς. Ο διάσημος φιλόσοφος Rene Descartes μεταναστώθηκε από τη Γαλλία, αναπτύχθηκαν υλιστικές απόψεις του Spinoza. Η πιο μέριμνα ήταν η συμβολή της Ολλανδίας στην ευρωπαϊκή λογοτεχνία, δεν υπήρχαν μεγάλοι αρχιτέκτονες και γλύπτες εδώ. Η κύρια πρόοδος έπεσε από τους ζωγράφους μιας μικρής βόρειας χώρας. Δημιούργησε μια φωτεινή εθνική γραφική σχολή, η οποία είναι τα θέματα της, ένας γραφικός τρόπος, οι ιδεολογικές φιλοδοξίες ήταν ένα ειδικό κεφάλαιο στην τέχνη του XVII αιώνα, άφησε ένα ανεξίτηλο σημάδι στον παγκόσμιο καλλιτεχνικό πολιτισμό.

Η ολλανδική εκκλησία απέβεψε την υπέροχη λατρεία από τους ναούς του που δεν είχαν ιερές εικόνες, οι καθολικές εκκλησίες ήταν λίγες. Τα έργα τέχνης προορίζονταν κυρίως για δημόσια κοσμικά κτίρια και ιδιωτικές στέγες, τα θέματα τους, αν και αντανακλούσαν την προτεσταντική ηθική, είχε κοσμικό χαρακτήρα. Οι εικόνες σε βιβλικά και αντίκες οικόπεδα θεωρήθηκαν ως ιστορικά. Η αληθινή αποστολή των ολλανδικών καλλιτεχνών έγινε μια γυάλινη ζωγραφική. Οι καλλιτέχνες ήταν πολύ. Σπάνια έγραψαν να παραγγείλουν, οι περισσότεροι πίνακες πωλήθηκαν στις αγορές. "Έκθεση στο Ρότερνταμ", δήλωσε ο αγγλικός ταξιδιώτης του XVII αιώνα, - ήταν υπερφορτωμένο με έργα ζωγραφικής (ειδικά τοπία και σκηνές είδους) ... όλα τα σπίτια είναι κολλημένα με πίνακες ζωγραφικής και τα ολλανδικά τους πώλησαν με έναν μεγάλο λωρίδιο. "

Μέχρι 20 χρόνια του XVII αιώνα, ο σχηματισμός των Genres της ολλανδικής ζωγραφικής ολοκληρώθηκε κυρίως. Η εξειδίκευση των καλλιτεχνών από το είδος είναι χαρακτηριστικό της Ολλανδίας. Στην αρχή του XVII αιώνα, το είδος του πορτρέτου ήταν πιο δημοφιλές στην Ολλανδία, το εθνικό θέμα ακούστηκε ευρέως στο ολλανδικό τοπίο, στη δεκαετία του 1630 υπήρχε επίσης ένα αγροτικό είδος. Ένα από τα πιο χαρακτηριστικά είδη ολλανδικής ζωγραφικής ήταν ακόμα ζωή. Μέχρι τη μέση του XVII αιώνα, μια δεσπόζουσα θέση στην ολλανδική ζωγραφική πήρε ένα είδος νοικοκυριού.

Η προσθήκη της ολλανδικής τέχνης έλαβε χώρα σε διάφορα κέντρα, τα οποία, ανταγωνίζονται μεταξύ τους, σε διαφορετικές χρονικές στιγμές έσπασαν προς τα εμπρός, υποχώρησαν, αρχικά ήταν ο Χάρλεμ, από τα τριάντα, αφού κινούσε εκεί το Rembrandt, άρχισε να αποκτά την ηγετική του θέση του Άμστερνταμ , στη συνέχεια ακολούθησε το πανεπιστήμιο Leiden και ένα ήρεμο αριστοκρατικό deft. Το αρχοντικό ήταν η Χάγη, όπου ήταν η αυλή του tatganger.

Εμφάνιση πλήρους κειμένου

Η χρυσή ηλικία της ολλανδικής ζωγραφικής είναι μία από τις πιο εξαιρετικές εποχές στην ιστορία όλων των παγκόσμιων ζωγραφικής. Ο χρυσός αιώνας της ολλανδικής ζωγραφικής θεωρείται Xvii αιώνα. Ήταν αυτή τη στιγμή οι πιο ταλαντούχοι καλλιτέχνες και ζωγράφοι δούλευαν τα αθάνατα έργα τους. Οι πίνακές τους εξακολουθούν να θεωρούνται αξεπέραστα αριστουργήματα που αποθηκεύονται στα περίφημα μουσεία του κόσμου και θεωρούνται ανεκτίμητη κληρονομιά.

Στην αρχή 17ος αιώνας Στις Κάτω Χώρες, αρκετά πρωτόγονη τέχνη άνθισε, η οποία τεκμηριώθηκε από τις γευμένες γεύσεις και τις προτιμήσεις πλούσιων και ισχυρών ανθρώπων. Ως αποτέλεσμα πολιτικών, γεωπολιτικών και θρησκευτικών αλλαγών, η ολλανδική τέχνη άλλαξε απότομα. Εάν, πριν από αυτό, οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να απολαύσουν τα ολλανδικά πλέξιμα, που απεικονίζουν τη ζωή και τη ζωή τους, στερεία οποιασδήποτε υψηλής και ποιητικής γλώσσας, και επίσης εργάστηκαν για την εκκλησία, η οποία διέταξε τους καλλιτέχνες ενός αρκετά πρωτόγονου είδους με μακρόχρονα οικόπεδα, Η αρχή του XVII αιώνα έγινε μια πραγματική ανακάλυψη. Στην Ολλανδία, η κυριαρχία των προτεσταντών βασίστηκε, ο οποίος πρακτικά σταμάτησε να παραγγείλει έργα ζωγραφικής από καλλιτέχνες σε θρησκευτικά θέματα. Η Ολλανδία έγινε ανεξάρτητη από την Ισπανία και την αυτοπεποίθηση σε γενικό φυτό. Οι καλλιτέχνες από τη συνήθη νωρίτερα μετακόμισαν στην εικόνα των σκηνών των νοικοκυριών, πορτραίτων, τοπίων, ακίνητων ζωγραφικής και ούτω καθεξής. Εδώ, σε ένα νέο πεδίο, οι καλλιτέχνες του χρυσού αιώνα φαινόταν να είναι μια νέα αναπνοή και άρχισε να εμφανίζεται η πραγματική μεγαλοφυία της τέχνης.

Οι ολλανδοί καλλιτέχνες του 17ου αιώνα εισήγαγαν τον ρεαλισμό στη ζωγραφική. Αναισθητοποίηση σχετικά με το στοιχείο, σύμφωνα με τον ρεαλισμό, σε βάθος και ασυνήθιστες ζωγραφιές άρχισε να απολαμβάνει μια κολοσσιαία επιτυχία. Η ζήτηση ζωγραφικής έχει αυξηθεί δραματικά. Ως αποτέλεσμα, όλο και περισσότεροι νέοι καλλιτέχνες άρχισαν να εμφανίζονται, γεγονός που εκπληκτικά ανέπτυξε γρήγορα τα θεμέλια της ζωγραφικής, ανέπτυξε νέες τεχνικές, στυλ και είδη. Μερικοί από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες του χρυσού αιώνα ήταν:, ο Jan Vermeer, Cornelis Cornef, Mattias Stom, Peter Bruegel Senior, Esayas Van de Velda, Γαλλία Hals, Andrian Bruver, Cornelis de Man, Antonis Wang Dyk και πολλούς άλλους.

Εικόνες από ολλανδικά ζωγράφους

Cornelis de Man - εργοστάσιο για την επεξεργασία του λίπους φάλαινας

Cornelis Κόστος - Διασκέδαση στο πάρκο

Lyudolf Bucheizen - Dock Ost-Ινδία καμπάνια στο Άμστερνταμ

Peter Breygel Senior - Alchemist Catastrophe