ΚΡΑΤΙΚΟ ΩΔΕΙΟ ΜΟΣΧΑΣ τους. ΠΙ. ΤΣΑΪΚΟΦΣΚΙ

ΤΜΗΜΑ ΟΡΓΑΝΩΝ

Ως χειρόγραφο

BAYAKHUNOVA Leyla Bakirovna

Η ΕΙΚΟΝΑ ΤΗΣ ΙΣΠΑΝΙΑΣ ΣΤΟΝ ΜΟΥΣΙΚΟ ΠΟΛΙΤΙΣΜΟ ΤΗΣ ΡΩΣΙΑΣ ΚΑΙ ΤΗΣ ΓΑΛΛΙΑΣ XIX - ΠΡΩΤΟ ΤΡΙΤΟ ΤΟΥ ΧΧ ΑΙΩΝΑ.

Ειδικότητα 17.00.02 - Μουσική τέχνη

ΜΟΣΧΑ, 1998

Το έργο εκτελέστηκε στο Τμήμα Οργάνων του Κρατικού Ωδείου της Μόσχας που ονομάστηκε από τον P.I. Τσαϊκόφσκι.

Ακαδημαϊκός Επόπτης - Επίσημοι αντίπαλοι -

Κορυφαίος οργανισμός -

Διδάκτωρ Τεχνών, Καθηγήτρια I.A. Barsova

Διδάκτωρ Τεχνών, Καθηγήτρια Τσάρεβα Ε.Μ.

Διδάκτωρ ιστορίας της τέχνης Shakhnazarova N.G.

Κρατικό Ωδείο του Νίζνι Νόβγκοροντ με το όνομα του Μ. Γκλίνκα.

Η άμυνα θα γίνει "....." ......... 1998 στις ........ ώρες μετά

συνεδρίαση του εξειδικευμένου συμβουλίου Δ. 092. 08.01 για την απονομή) ακαδημαϊκών πτυχίων στο Κρατικό Ωδείο Τσαϊκόφσκι της Μόσχας (103871, Μόσχα, οδός B. Nikitskaya, 13).

Η διατριβή βρίσκεται στη βιβλιοθήκη του Κρατικού Ωδείου της Μόσχας. ΠΙ. Τσαϊκόφσκι.

Επιστημονικός γραμματέας του ειδικευμένου συμβουλίου

Μόσχα Yu.V.

γενική περιγραφή της εργασίας

Συνάφεια του θέματος.

Το πρόβλημα των διαπολιτισμικών αλληλεπιδράσεων, ένα από τα σημαντικότερα στις ανθρωπιστικές επιστήμες, επιλύεται στη διατριβή με το παράδειγμα ενός ισπανικού θέματος που εφαρμόστηκε στη μουσική τέχνη της Ρωσίας και της Γαλλίας τον 19ο - πρώτο τρίτο του 20ού αιώνα. Η διαθέσιμη επιστημονική βιβλιογραφία ασχολείται κυρίως με τις στιγμές που συνδέονται με το μουσικό ύφος αυτού ή του άλλου συνθέτη, που στράφηκε στο ξένο υλικό. Ωστόσο, η πτυχή που επιλέξαμε μας επιτρέπει να δούμε τον ρόλο του ισπανικού θέματος από μια διαφορετική - πολιτισμική οπτική, που ενισχύει ολοένα και περισσότερο τη θέση του στη σύγχρονη μουσικολογία.

Στόχοι και στόχοι της μελέτης - κατανόηση της φύσης της αντανάκλασης του ισπανικού θέματος στη σχέση της αισθητικής και καλλιτεχνικής άποψης και της συγκεκριμένης υλοποίησης μέσω της τεχνικής του συνθέτη. αναλύει επιλεγμένα δείγματα από την άποψη της σχέσης μεταξύ του ισπανικού στοιχείου και του επιμέρους στυλ σύνθεσης. Προσπαθήστε να διεισδύσετε στο δημιουργικό εργαστήριο του συνθέτη, που στράφηκε στο ξένο υλικό. Επικεντρωθείτε λοιπόν στη «συνάντηση» συνθέτη και λαογραφικής συνείδησης σε ένα μουσικό κομμάτι.

Μεθοδολογική εργασία. Στη διπλωματική εργασία εφαρμόζεται μέθοδος συγκριτικής έρευνας. Η ατομικότητα των καλλιτεχνικών λύσεων σε κάθε μία από τις αναλυόμενες συνθέσεις, αφενός, και η γενικότητα του θέματος, αφετέρου, επιτρέπουν τη σύγκριση ολόκληρου του αριθμού των πτυχών μας. Ο συγγραφέας δεν επιδιώκει απλώς μια μηχανική σύγκριση κάποιων φαινομένων με άλλα, αλλά για να εντοπίσει πιθανές τομές, ανοιχτές επιρροές που αποκαλύπτονται τόσο στην άμεση προσέγγιση Ρωσίας και Γαλλίας με τον πολιτισμό της Ισπανίας όσο και στον ρωσικό και γαλλικό πολιτισμό μεταξύ τους. Η συγκριτική μέθοδος χρησιμοποιείται στη διατριβή σε δύο πτυχές:

α) Η ισπανική λαϊκή μουσική και η αντανάκλασή της στην επαγγελματική σύνθεση

β) διάφορες διαθλάσεις του ισπανικού θέματος στη Ρωσία και τη Γαλλία (είτε πρόκειται για αισθητική αντίληψη, είτε για τις ιδιαιτερότητες της μουσικής γλώσσας, είτε για τις γραμμές της συνέχειας).

Επιστημονική καινοτομία. Μια ολιστική θεώρηση του προβλήματος που δηλώθηκε μάς επιτρέπει να προχωρήσουμε πέρα ​​από τη δήλωση γεγονότων ή ερωτήσεων που σχετίζονται με ένα μεμονωμένο έργο, να εντοπίσουμε τα χαρακτηριστικά που είναι εγγενή σε αυτό ως σύνολο και, τέλος - να πραγματοποιήσουμε σε ολόκληρη τη μελέτη μια σειρά εγκάρσιων ιδέες που προτείνει η μελέτη καλλιτεχνικών δειγμάτων. Η προσοχή στην ισπανική μουσική στις διάφορες πτυχές της απαιτούσε μια βαθύτερη κατανόηση της ισπανικής λαογραφίας. Η συγκριτική μέθοδος που χρησιμοποιούμε μας επιτρέπει να ανακαλύψουμε τον μηχανισμό της διείσδυσης της ισπανικής λαογραφίας στο ατομικό ύφος του συνθέτη.

Επιδοκιμασία. Η πρακτική αξία της εργασίας. Η διατριβή συζητήθηκε σε μια συνάντηση του τμήματος οργάνων του Ωδείου της Μόσχας και προτάθηκε για υπεράσπιση (19.12.1997). Αυτή η διατριβή μπορεί να είναι χρήσιμη για μαθήματα ιστορίας της ρωσικής και ξένης μουσικής, λαογραφίας, πολιτιστικών σπουδών, μουσικής μη ευρωπαϊκών χωρών, ιστορίας ορχηστρικών στυλ, καθώς και για περαιτέρω επιστημονική έρευνα.

Δομή και εύρος εργασίας. Η διατριβή αποτελείται από μια εισαγωγή, τέσσερα κεφάλαια και ένα συμπέρασμα, σημειώσεις, βιβλιογραφία και μουσικά παραδείγματα. Το πρώτο κεφάλαιο είναι αφιερωμένο στην εικόνα της Ισπανίας στον ευρωπαϊκό πολιτισμό. Το δεύτερο έχει τίτλο «Μερικά χαρακτηριστικά της ισπανικής λαογραφίας. Η αντίληψή του στη ρωσική και δυτικοευρωπαϊκή μουσική κουλτούρα ». Το τρίτο και το τέταρτο είναι αφιερωμένα στο ισπανικό θέμα στη ρωσική και γαλλική μουσική και αποτελούνται από πολλές ενότητες που εξετάζουν αυτό το ζήτημα χρησιμοποιώντας το παράδειγμα μεμονωμένων συνθέσεων.

Η Εισαγωγή ορίζει τα καθήκοντα, τα καθήκοντα και το υλικό της διατριβής. Το ερευνητικό θέμα αγγίζει τα προβλήματα των συγκριτικών λογοτεχνικών σπουδών. Μεταξύ των κύριων περιοχών του, ο Ρουμάνος κριτικός λογοτεχνίας A. Dima ξεχωρίζει μια κατηγορία θεμάτων που σχετίζονται με γεωγραφικούς τόπους που συναντώνται συχνότερα στην παγκόσμια λογοτεχνία: Ρώμη, Βενετία, Ιταλία, Πυρηναία κ.λπ. Η εικόνα της «νεκρής πόλης» της Βενετίας εμφανίζεται, για παράδειγμα, στην τραγωδία T. Otuela «Σωζόμενη Βενετία ή η αποκαλυφθείσα συνωμοσία», μετάφραση και αναθεώρηση του G. von Hoffmannsthal («Σωζόμενη Βενετία»), στο διήγημα του T. Mann «Death in Venice», A. Barres στο έργο "Amori et dolori sacrum", στο οποίο είπε για τον I.V. Goethe, Chateaubriand, J.G. Byron, A. de Musset, J. Sand, R. Wagner. «Απέχουμε πολύ από το να πιστεύουμε ότι η ταυτότητα του τόπου παρέχει τη βάση για τη διεκδίκηση της ταυτότητας του θέματος. (...) Το μόνο κοινό είναι το κίνητρο της επίδρασης του πνευματικού κλίματος της ιταλικής πόλης στην αντίστοιχους ήρωες ή συγγραφείς».

Η εικόνα της Ισπανίας στον ευρωπαϊκό πολιτισμό αντιπροσωπεύει μια πολύ γνωστή αναλογία με αυτήν την κατηγορία θεμάτων. Ωστόσο, υπάρχουν κάποιες ιδιαιτερότητες εδώ. Για τους Ευρωπαίους, ιδιαίτερα για τους μουσικούς, ήταν μάλλον δύσκολο να ορίσουν τι είναι ισπανικό. Η λαϊκή τέχνη της Ισπανίας, με τις πολλές μουσικές της διαλέκτους, περιέχει μια τόσο ισχυρή μοναδικότητα της μουσικής γλώσσας που η ευρωπαϊκή τέχνη, γεννημένη σε άλλες παραδόσεις, συχνά αδυνατεί να διεισδύσει σε αυτήν μέχρι το τέλος ή να την επαναλάβει με όλη της την αυθεντικότητα. Ο λόγος για αυτό είναι το βάθος του θέματος, το οποίο δεν δέχεται ένα άτομο με ευρωπαϊκή συνείδηση ​​και ανατροφή, που συχνά αντικαθίσταται από κλισέ ιδιαίτερων χαρακτηριστικών.

Η ουσία του ζητήματος βρίσκεται στην ύπαρξη και συνάντηση σε καθένα από αυτά τα έργα «δύο συνειδήσεων». Εκφρασμένη σε σχέση με τη λογοτεχνία, αυτή η ιδέα του M. Bakhtin, κατά τη γνώμη μας, μπορεί να εφαρμοστεί ευρύτερα στη δημιουργικότητα γενικά, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής. Εάν η λαϊκή συνείδηση ​​δεν κολάκευε τον εαυτό της ταυτόχρονα με την ελπίδα να κατανοήσει τον επαγγελματία, τότε ο δεύτερος (επαγγελματίας, συνθέτης), αντίθετα, επιδιώκει ενεργά να κυριαρχήσει το λαϊκό στα είδη και τις μορφές που διαθέτει, ανακαλύπτοντας πολλά λύσεις, ατομικές

nal «διαρρήξεις» («το ανεξάντλητο της δεύτερης συνείδησης, δηλαδή η συνείδηση ​​αυτού που καταλαβαίνει και ανταποκρίνεται· περιέχει το δυνητικό άπειρο απαντήσεων, γλωσσών, κωδίκων. Άπειρο έναντι του άπειρου» - κατά τον Bakhtin). Το αποτέλεσμα είναι μια αντικειμενικά υπάρχουσα άλυτη αντίφαση, της οποίας οι τρόποι εξόδου είναι διαφορετικοί σε κάθε περίπτωση. Αναδύεται μια ορισμένη «τρίτη» οντότητα - η εικόνα της Ισπανίας στην ακουστική εμπειρία ενός Ευρωπαίου.

Το πρώτο κεφάλαιο εξετάζει την εικόνα της Ισπανίας - μια ιδιαίτερη εθνογραφική και πολιτιστική περιοχή της Ευρώπης που υπερβαίνει την ευρωπαϊκή πολιτιστική, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής παράδοσης. Η ελκυστικότητα αυτής της χώρας, που βρίσκεται στο άκρο νοτιοδυτικό τμήμα της ευρωπαϊκής ηπείρου, οφείλεται σε διάφορους λόγους. Συνδεδεμένη με πολλά νήματα με την Ευρώπη (θρησκεία, γλώσσα, κυβέρνηση, εκπαίδευση), η Ισπανία έχει ταυτόχρονα απορροφήσει ορισμένα από τα χαρακτηριστικά των ανατολικών πολιτισμών - αραβικών, εβραίων, τσιγγάνων: «Όλες οι ευρωπαϊκές χώρες διαφέρουν η μία από την άλλη λιγότερο από αυτήν που βρίσκεται αυτή η χώρα στην άκρη της ηπείρου μας και ήδη συνορεύει με την Αφρική», έγραψε ο Ι. Στραβίνσκι. Η Ισπανία ήταν ένα μυστήριο μέσα στην Ευρώπη, μια χώρα πολιτισμένου εξωτισμού - ευρωπαϊκή στην τοποθεσία, αλλά εντελώς διαφορετική στην ουσία και το πνεύμα.

Η αντίληψη της Ισπανίας στον πολιτισμό της Ευρώπης είχε τα δικά της χαρακτηριστικά. Η κουλτούρα της νότιας Ισπανίας, της Ανδαλουσίας, με την εξωτική της εμφάνιση, ένα είδος πολιτισμού που έχει απορροφήσει τις επιρροές των διαφορετικών πολιτιστικών παραδόσεων, αποδείχθηκε ότι είναι η πιο ελκυστική για τους Ευρωπαίους καλλιτέχνες. Αυτό ακριβώς εμφανίζεται ο πολιτισμός της Ισπανίας στις περισσότερες περιπτώσεις στα έργα των Γάλλων συγγραφέων - Mérimée και Gault-tier, Dumas και Musset, Hugo και Chateaubriand.

Η εικόνα της Ισπανίας, που διαμορφώθηκε από τη γαλλική λογοτεχνία, επηρέασε την αντίληψή της στη Ρωσία. Ο διχοτόμος, εκ πρώτης όψεως, διαίρεση στην αφομοίωση της ισπανικής κουλτούρας: Ρωσία -> Ισπανία ή Γαλλία -> Ισπανία - συχνά αποδεικνύονταν τρίγωνο, χάρη στη διαρκώς υπάρχουσα σύνδεση Ρωσία -> Γαλλία. Με την πάροδο του χρόνου, η γαλλική κουλτούρα έχει αποδειχθεί πολλές φορές, για παράδειγμα, μεσολαβητής στην αντίληψη και την αφομοίωση της ισπανικής εικόνας, καθορίζοντας, ειδικότερα, τα χαρακτηριστικά της Ισπανίας του Πούσκιν.

Η γνήσια Ισπανία ανοίγει στα μάτια του Ρώσου λαού λίγο αργότερα από ό,τι στη Γαλλία - τη δεκαετία του 1840 του περασμένου αιώνα. Το ταξίδι του Γκλίνκα, που πραγματοποιήθηκε σε ένα χρόνο με το ταξίδι εκεί του Ρώσου συγγραφέα V.P. Ο Μπότκιν ή ο χορογράφος M. Pstip φαίνεται φυσικός στο πλαίσιο του γενικού ενθουσιασμού για τη χώρα αυτή στη ρωσική διανόηση. Εξίσου χαρακτηριστική είναι η διαδρομή προς την Ισπανία μέσω του Παρισιού, η οποία έχει γίνει όχι απλώς μια βολική διαδρομή, αλλά ένα μέρος όπου επινοήθηκαν πολλά ισπανικά ταξίδια και από όπου πραγματοποιήθηκαν.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, το ισπανικό θέμα μπήκε στη γαλλική ζωγραφική (γκραβούρα του G. Dore, πίνακες του E. Manet) και έγινε μόνιμο στη μουσική.

Με τον καιρό, ο ευρωπαϊκός πολιτισμός ανέπτυξε σταθερά θέματα και εικόνες, εμπνευσμένες από τον πολιτισμό αυτής της χώρας. Μια ισχυρή ηχώ στη ρωσική κουλτούρα έλαβε, για παράδειγμα, την εικόνα της Κάρμεν, η οποία εμφανίστηκε στους πίνακες των Μ. Βρούμπελ, Κ. Κόροβιν, ποιητικούς κύκλους των Κ. Μπαλμόν και Α. Μπλοκ. Ανάμεσα στις εικόνες που έχουν γίνει μόνιμες στη μουσική - το Ispashi μέσα από το πρίσμα των διακοπών, το καρναβάλι και οι μυστηριώδεις δροσερές νύχτες.

Ο χρόνος που περάσαμε στην Ισπανία έχει γίνει για πολλούς ταξιδιώτες μια από τις πιο ευτυχισμένες στιγμές στη ζωή, μια εποχή λήθης από τις αντιξοότητες, βύθιση στην πληρότητα της ζωής και αιώνιες διακοπές. Όλα αυτά δημιούργησαν την πιο σταθερή εικόνα της Ισπανίας στη μουσική - την εικόνα μιας γιορτής και ενός καρναβαλιού1. Οι Ρώσοι και στη συνέχεια οι Δυτικοευρωπαίοι συνθέτες προσελκύθηκαν ιδιαίτερα από αυτή την πτυχή της ισπανικής ζωής, αδιαχώριστη από τη μουσική, το τραγούδι και τον χορό. Η κουλτούρα της γιορτής έχει ιδιαίτερη θέση στην Ισπανία. Πολλά από τα φεστιβάλ χρονολογούνται από θρησκευτικά φεστιβάλ από τον Μεσαίωνα, την Αναγέννηση και την εποχή του Μπαρόκ. Η βάση των εορτών είναι η αναχώρηση της εκκλησιαστικής λειτουργίας. Σχεδόν όλες οι διακοπές στην Ισπανία ήταν έντονα χαρούμενες, συνοδευόμενες από πομπές, το παιχνίδι λαϊκών ορχήστρων και συνόλων.

Η αρχή που έθεσαν οι Ισπανικές Υπερτούρες του Γκλίνκα συνεχίστηκε από τον Ρίμσκι-Κόρσακοφ (ισπανικό Capriccio), στους πολύχρωμους και ιδιοσυγκρασιακούς χορούς του Τσαϊκόφσκι και του Γκλαζούνοφ, και το ορχηστρικό έργο Μαδρίτης του Στραβίνσκι. Η ίδια γραμμή μπορεί να εντοπιστεί στο "Carmen" Visa, "Spain" Chabrier, ορισμένα μέρη του "Iberia" του Debussy και "Spanish Rhapsody" του Ravel.

Μια άλλη δημοφιλής εικόνα στη μουσική σχετίζεται στενά με το θέμα των διακοπών - μια νότια καλοκαιρινή νύχτα.

Το δεύτερο κεφάλαιο «Μερικά χαρακτηριστικά της ισπανικής λαογραφίας. Η αντίληψή του στη ρωσική και δυτικοευρωπαϊκή μουσική κουλτούρα ».

Οι Ευρωπαίοι μουσικοί αντιλήφθηκαν τη λαογραφία διαφορετικών επαρχιών της Ισπανίας: Καστίλη, Χώρα των Βάσκων, Αραγονία, Αστούριας. Η ανάπτυξη καθενός από αυτά ήταν άνιση και μερικές φορές είχε έναν μόνο χαρακτήρα, σε αντίθεση με τη λαογραφία της Ανδαλουσίας, η οποία αποτέλεσε τη βάση του «ισπανικού» μουσικού στυλ.

Στις δηλώσεις μουσικών (από τον Γκλίνκα μέχρι τον Ντεμπυσσύ και τον Στραβίνσκι) για την ισπανική μουσική, απαντάται συχνά ο ορισμός του «αραβικού» ή του «μαυριτανικού». Προφανώς, δεν πρέπει να νοούνται τόσο ως αραβική (ανδαλουσιανή παράδοση), αλλά απλώς νότια ισπανική μουσική, πολλά δείγματα της οποίας έχουν ανατολίτικο άρωμα που ακούγεται εύκολα. Ωστόσο, ένα από τα επεισόδια των "Ισπανικών Υπερτούρων" μας επιτρέπει να κάνουμε μια υπόθεση σχετικά με την αναδημιουργία από τον Γκλίνκα της γεύσης της μουσικής δημιουργίας του ανδαλουσιανού συνόλου. Με την ίδια μουσική ήρθε σε επαφή ο A. Glazunov, που ταξίδεψε στην Ισπανία και τη Βόρεια Αφρική.

Ένα άλλο επίπεδο φολκλόρ που ακούγεται από Ευρωπαίους μουσικούς είναι το στιλ cante jondo (βαθύ τραγούδι). Στο μεταφορικό περιεχόμενο του kange khovdo κυριαρχούν βαθιά τραγικές, εκφραστικές εικόνες. Το Kange hondo είναι μια σόλο τέχνη που είναι αδιαχώριστη από τον φωνητικό τρόπο απόδοσης. Αυτό το χαρακτηριστικό σημειώθηκε στις δηλώσεις των Glinka, Chabrier, Debussy.

Ένα άλλο λαογραφικό στρώμα της Ανδαλουσίας, το φλαμένκο, αποδείχθηκε πιο προσιτό και αναπτύχθηκε στους Ευρωπαίους μουσικούς Ισπανούς. Το στυλ φλαμένκο είναι αδιαχώριστο από τον χορό που βασίζεται στην πλαστική κίνηση των χεριών, στην ευέλικτη περιστροφή του σώματος και στην κατοχή σύνθετων τεχνικών στα πόδια. Στο φλαμένκο δεν υπάρχει συνηθισμένος διαχωρισμός σε ερμηνευτές και ακροατές, γιατί όλοι όσοι είναι παρόντες με τον ένα ή τον άλλο τρόπο συμμετέχουν στην παράσταση.

Το ισπανικό μουσικό φολκλόρ και η ευφάνταστη σφαίρα του, στο σύνολό του, αποδείχθηκαν αρκετά απρόσιτα για το ευρωπαϊκό μουσικό αυτί. Παραλλαγή αστάθειας και άπιαστος πλούτος

Οι ρυθμικές μεταμορφώσεις, οι μικροκουρδισμοί και οι συγκεκριμένες αρμονίες της ανδαλουσιανής μουσικής έρχονταν συχνά σε σύγκρουση με τις επικρατούσες νόρμες της δημιουργικότητας του επαγγελματία συνθέτη. Αυτό οδήγησε στην είσοδο στην ευρωπαϊκή τέχνη μόνο ορισμένων στοιχείων της ισπανικής μουσικής, τα οποία με την πάροδο του χρόνου καθηλώθηκαν στο μυαλό του Ευρωπαίου ακροατή ως ακουστικοί σύνδεσμοι που συνδέονται με αυτήν τη χώρα. Μεταξύ αυτών - η χρήση του ρυθμού-φόρμουλες μεμονωμένων χορών, η μίμηση της υφής της κιθάρας, η έκκληση στη λειτουργία "mi". Η ιδιαιτερότητα αυτού του τρόπου είναι ότι, συμπίπτοντας κυρίως με τον Φρυγικό, έχει την υποχρεωτική μείζονα τριάδα στον ρυθμό και «ταλαντευόμενο» δεύτερο και τρίτο βήμα στη μελωδία - άλλοτε φυσικό, άλλοτε αυξημένο.

Ταυτόχρονα, στην Ισπανία υπάρχουν αρκετά άλλα λαϊκά μοντέλα, των οποίων τα μουσικά χαρακτηριστικά δεν έρχονται σε τόσο έντονη σύγκρουση με την ευρωπαϊκή μουσική σκέψη όπως τα παραδείγματα cante jondo και flamenco. Χαρακτηρίζονται από διατονική μελωδία και καθαρό ρυθμό, συμμετρική δομή και αρμονικό χαρακτήρα της μελωδίας. Τέτοια είναι, για παράδειγμα, η hota, που βασίζεται σε τόσες-κυρίαρχες αρμονίες.

Το τρίτο κεφάλαιο, «Η Ισπανία στη μουσική των Ρώσων συνθετών», ανοίγει με μια ενότητα για τις «Ισπανικές Υπερτούρες» του Γκλίνκα. Η προσοχή στις παριζιάνικες εντυπώσεις του Glinka σε αυτό εξηγείται από τον σημαντικό ρόλο τους στον καθορισμό της εμφάνισης των μελλοντικών ισπανικών Overtures. Η επαφή με τη μουσική του Berlioz, η μεγάλη εντύπωση που άφησε στην Glinka, σε συνδυασμό με μια προσεκτική μελέτη των παρτιτούρων, όχι μόνο διεύρυνε την κατανόηση του Glinka για τα επιτεύγματα της σύγχρονης ευρωπαϊκής δημιουργικότητας, αλλά έγινε και κίνητρο για τους δικούς του πειραματισμούς στον τομέα της χρωματικής ενορχήστρωσης . Η λεπτή λεπτομέρεια της υφής που χαρακτηρίζει τις οβερτούρες, η αναζήτηση για πρωτότυπες μίξεις διαφορετικών ηχοχρωμάτων, το ενδιαφέρον για το "surround", τα χωρικά ηχητικά και χρωματικά εφέ που σχετίζονται με τις κόγχες, καθώς και μια σειρά από άλλα χαρακτηριστικά των overtures, με όλη την ατομικότητά τους, επιτρέπουν να δούμε σε αυτά τη δημιουργική υλοποίηση των επιτευγμάτων του Γάλλου δασκάλου.

Στην ωδή-συμφωνία «The Desert» του Félicien David, η Glinka μπορούσε να ακούσει ένα από τα πρώτα παραδείγματα του γαλλικού οριενταλισμού. Πρώην-

Η χρήση θεμάτων που ηχογραφήθηκαν κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού στην Αραβική Ανατολή, μια προσπάθεια να μεταδοθεί ένας συγκεκριμένος τόνος σε μουσική ζωγραφικής φύσης, ανταποκρίθηκε επίσης στα ενδιαφέροντα του Glinka εκείνη την εποχή. Παρατηρώντας το παριζιάνικο κοινό κατά τη διάρκεια των συναυλιών, ο συνθέτης έρχεται στην ιδέα να συνδυάσει τον επαγγελματισμό με την εμφάνιση και την προσβασιμότητα, δημιουργώντας ζωντανές «γραφικές φαντασιώσεις» σε λαϊκό υλικό.

Η πρώτη οβερτούρα, γραμμένη στην Ισπανία υπό την άμεση εντύπωση της δημοτικής μουσικής, είναι αφιερωμένη στην Αραγωνέζα Jota. Ανακαλύπτοντας σταδιακά τη λαογραφία άλλων περιοχών της Ισπανίας, ακούγοντας την ποικιλομορφία των μουσικών της διαλέκτων, η Glinka έρχεται σταδιακά στην ιδέα να αναδημιουργήσει το "μουσικό πορτρέτο" της συνδυάζοντας τη μουσική διαφορετικών επαρχιών της Ισπανίας (στην περίπτωση αυτή, Aragon, Castile, Andalusia) σε μία σύνθεση.

Χωρίς να ακολουθεί αυστηρά τη δομή του χορού, ο συνθέτης διατηρεί στην «Αραγονέζικη Jota» την εναλλαγή φωνητικών και ορχηστρικών αρχών χαρακτηριστικών αυτού του είδους. Είναι πιθανό η Glinka να χρησιμοποιεί όχι ένα θέμα, αλλά πολλά, δίνοντας ένα γενικευμένο πορτρέτο αυτού του είδους. Το εφέ ηχοχρώματος που επιτεύχθηκε στην πρώτη παράσταση της Αραγωνικής Jota επιτρέπει σε κάποιον να ακούσει σε αυτό ένα πιθανό φολκλόρ πρωτότυπο - το παίξιμο ενός συνόλου μπαντουριών και κιθάρων.

Σύμφωνα με τον συνθέτη, το κύριο αντικείμενο της μελέτης του στην Ισπανία ήταν «η μουσική των επαρχιών υπό την κυριαρχία των Μαυριτανών». Πιθανώς, ο Glinka κατάφερε να ακούσει με κάποιο τρόπο δείγματα της αραβικής ανδαλουσιανής μουσικής παράδοσης, έχοντας αποτυπώσει αυτό στο "Μαυριτανικό επεισόδιο (" RiSho togipo ") της δεύτερης" Ισπανικής Οβερτούρας ". Είναι πιθανό η ετεροφωνία του Γκλίνκα να προέρχεται από τη μονωδία της σκέψης στην αραβική μουσική και τις παρατηρήσεις της μουσικής δημιουργίας συνόλου, τη συγκεκριμένη γεύση της οποίας αναπαράγει σε αυτό το επεισόδιο.

Ξεχωριστό χαρακτηριστικό της φόρμας της ουβερτούρας «Ανάμνηση μιας καλοκαιρινής νύχτας στη Μαδρίτη» είναι ο συνδυασμός της εξωτερικής ανεξαρτησίας από τις κλασικές αρχιτεκτονικές αρχές με την αρχική τους διασκευή. Οι νέες απαιτήσεις για τη φόρμα που προέκυψαν ως αποτέλεσμα των παριζιάνικων εντυπώσεων, η προσοχή στην ηχητική εντύπωση και ο ασυνήθιστος σχεδιασμός της σύνθεσης οδηγούν σε ιδιότητες όπως η απρόβλεπτη εναλλαγή των μελωδιών, η εμφάνιση ενός θέματος,

από τη μέση, επανάληψη καθρέφτη κ.λπ. Η ουσία αυτής της οβερτούρας

Με συντομία, συνοπτικότητα, λεπτή γραφή και στοχασμό κάθε στιγμής και λεπτομέρειας.

Αναφερόμενος στο θέμα της ενορχήστρωσης στις Ισπανικές Υπερτούρες, ο συγγραφέας εστιάζει πρωτίστως στις στιγμές που αποκαλύπτουν τα καινοτόμα χαρακτηριστικά αυτών των έργων. Οι παρτιτούρες των «Ισπανικών Υπερβάσεων» μαρτυρούν τη μαεστρία των τεχνικών τόσο της κλασικής όσο και της σύγχρονης ορχηστρικής γραφής. Ωστόσο, ένα από τα αξιοσημείωτα προσόντα των «Ισπανικών Υπερτούρων» είναι η επιθυμία να ξεπεραστούν οι παραδοσιακές τεχνικές της ευρωπαϊκής ενορχήστρωσης. Τα χαρακτηριστικά υφής σε αυτά συνδέονται στενά με την αισθητική στάση του συγγραφέα στη λαογραφία.

Οι κύριοι τύποι υφής στην ενορχήστρωση αυτών των συνθέσεων

Μονοφωνικά, οκτάβα και πολυοκτάβα ushgeons, δύο μέρη, που αντιπροσωπεύονται από ένα θέμα με αρμονικές φωνές, πεντάλ ή αντίστιξη. Απομάκρυνση από τις παραδοσιακές τεχνικές της ευρωπαϊκής ορχηστρικής γραφής και σε μια προσπάθεια προσέγγισης των τεχνικών της ερμηνείας στα λαϊκά όργανα. Έτσι στο hote από τη δεύτερη "Ισπανική Οβερτούρα" ακούγεται το εφέ του να γλιστράς τον αντίχειρά σου στον λαιμό της κιθάρας (τεχνική bariolage). Στην επανάληψη, το παλλόμενο πεντάλ βιολιού βασίζεται στην εναλλαγή των ήχων στις ανοιχτές και συγκρατημένες χορδές, μιμούμενο το δάχτυλο στην κιθάρα, με πιο φωτεινό ήχο όταν μετακινείτε το δάχτυλο προς τα κάτω και λιγότερο κορεσμένο όταν ανεβαίνετε.

Δυστυχώς, δεν έχουν διασωθεί αυτόγραφα, προσχέδια ή σκίτσα των Ισπανικών Overtures. Υπάρχει μόνο ένας αριθμός χειρόγραφων αντιγράφων αγνώστων προσώπων. Τρία από αυτά φυλάσσονται στο ταμείο Glyn-ha! στη Ρωσική Εθνική Βιβλιοθήκη της Αγίας Πετρούπολης. Αυτή είναι η παρτιτούρα του «Jota Aragonese» (φ.190, αρ. 6) και δύο αντίτυπα του «Memories of Castile» 1. Το ένα από αυτά είναι αφιέρωση του Glinka στον A. Lvov (φ. 190, αρ. 27), το άλλο είναι χειρόγραφο αγνώστου ταυτότητας με σημειώσεις του συγγραφέα V. Stasov και V. Engelhardt (f. 190, αρ. . 26). Και τα δύο χειρόγραφα χρονολογούνται από το 1852. συν-

1 Έχοντας κάποτε ονομάσει σε μια επιστολή του προς τον V. Engelhardt το έργο του "Remembrance of a Summer Note in Madrid", ο Glinka σε όλα τα γνωστά χειρόγραφα αναφέρει το δικό του όνομα, το οποίο συμπίπτει με την πρώτη έκδοση ("Remembrance of Castile").

φυλάσσεται επίσης ένα χειρόγραφο αντίγραφο (παρτιτούρα και ορχηστρικές φωνές) της πρώτης έκδοσης αυτής της οβερτούρας, που βρέθηκε κάποτε από τον V., Shebalin στα αρχεία του Glinka State Museum of Musical Culture (f. 49, No. 4, ) και δημοσιεύτηκε από τον ίδιο στον δεύτερο τόμο των ολοκληρωμένων έργων του συνθέτη ...

Ο συγγραφέας αυτού του έργου διαθέτει επίσης φωτοαντίγραφα των Ισπανικών Υπερτούρων από το μουσικό τμήμα της Εθνικής Βιβλιοθήκης του Παρισιού (М8.2029, Mb.2030). Μιλάμε για χειρόγραφα αντίγραφα που δώρισε η Γκλίνκα στον Ισπανό φίλο της Doiu Pedro το 1855 στην Αγία Πετρούπολη πριν ο τελευταίος φύγει για το Παρίσι. Χρονολογούνται από το 1855, τα χειρόγραφα είναι πολύτιμα για να αποκαλύψουν τις υπέρτατες δημιουργικές προθέσεις του συγγραφέα.

Το αρχικό κείμενο με όλες του τις λεπτομέρειες δεν ακούγεται και δεν δημοσιεύτηκε. Εξαίρεση αποτελεί η δημοσίευση υπερθεμάτων με σχόλια του V. Shebalin στο Complete Collected Works (v. 2, Moscow, 1956). Οι σύγχρονοι μουσικοί έχουν μια ιδέα για αυτούς κυρίως από τις εκδόσεις: M. Balakirev και N. Rimsky-Korsakov (έκδοση Yurgenson, Μόσχα, 1879). N. Rimsky-Korsakov και A. Glazunov (έκδοση Belyaev, Leipzig, 1901· M. Balakirev and S. Lyapunov (έκδοση Yur-genson, Μόσχα, 1904).

Όλοι οι συντάκτες αντιμετώπισαν το αρχικό κείμενο με μεγάλη προσοχή και οι αλλαγές τους, εκ πρώτης όψεως, μπορεί να φαίνονται ασήμαντες, αγγίζοντας κυρίως πινελιές, τέμπο, δυναμική. Ένα από τα ανοιχτά ερωτήματα της δεύτερης ουβερτούρας είναι το πρόβλημα της χρήσης καστανιέτες σε αυτήν. Έχοντας γράψει το όνομα του οργάνου στην πρώτη σελίδα της παρτιτούρας στο ακορντεόν στο "Memories of a Summer Night in Madrid", ο Glinka δεν το χρησιμοποίησε ποτέ στην πραγματικότητα. Παρόλα αυτά, όλοι οι συντάκτες συμπεριλαμβάνουν καστανιέτες στη παρτιτούρα, θεωρώντας τους υποχρεωτική «ιδιότητα» των ισπανικών. Ωστόσο, η απομάκρυνση από το ανοιχτό είδος, η εκλέπτυνση της έννοιας σε αυτή την ουβερτούρα καθιστά φυσικό για τον Γκλίνκα να εγκαταλείψει αυτό το όργανο, τη λειτουργία του οποίου επιτελεί το τρίγωνο με την ανάλαφρη, «ασημένια» ηχητικότητα.

Μια έκκληση στα χειρόγραφα αποκαλύπτει μια διαφορά στη φύση της άρθρωσης μεταξύ διαφορετικών ορχηστρικών μερών σε ομοφωνία

και ετεροφωνικά επεισόδια 1. Κάθε μία από τις ομόφωνες φωνές στο «Μαυριτανικό επεισόδιο» της δεύτερης «Ισπανικής Οβερτούρας», χάρη σε διαφορετικά, μη συμπίπτοντα πρωταθλήματα, έχει τη δική της άρθρωση. Η πιθανή πηγή αυτής της άρθρωσης είναι η ίδια η ισπανική μουσική. Αυτό δίνει στο unison μια τραχύτητα, κάποια τραχύτητα, που προκύπτει άθελά της στη διαδικασία της λαϊκής μουσικής. Το unison της δεύτερης segidilla έχει επίσης διαφορετικές πινελιές. Σε όλες τις εκδόσεις, οι πινελιές Glinka εξομαλύνονται και φέρονται σε ομοιομορφία.

Και οι δύο «Ισπανικές Υπερτούρες» συνδύασαν μια προσεκτική μελέτη της ισπανικής μουσικής, μια αίσθηση φύσης, χώρου, χρώματος, εκλεπτυσμένες δεξιότητες σύνθεσης και τη μοναδικότητα του οράματος του συγγραφέα για το ισπανικό θέμα.

Το Ισπανικό Capriccio του Rimsky-Korsakov (η δεύτερη ενότητα του κεφαλαίου) βασίζεται στις μελωδίες που δανείστηκε από τη συλλογή Ecos de España του Ισπανού συνθέτη Jose Insenga. Ένα σπάνιο αντίγραφο της συλλογής με σημειώσεις του Rimsky-Korsakov βρίσκεται στο Ινστιτούτο Ιστορίας της Τέχνης στην Αγία Πετρούπολη (f. 28, G-273) 2.

Σε αντίθεση με τον Γκλίνκα, ο Ρίμσκι-Κόρσακοφ δεν έδωσε σημασία στις τοπικές διαφορές στην ισπανική λαογραφία. Είναι πιθανό ότι η Ισπανία του φαινόταν κάτι ενιαίο. Επιλέγοντας μια σειρά αντιθετικών θεμάτων μετά τον Γκλίνκα, δεν επιδίωξε να αναδημιουργήσει τη λαογραφία διαφορετικών επαρχιών της Ισπανίας, καθοδηγούμενος από άλλες σκέψεις: μελωδική φωτεινότητα, εικόνες, δυνατότητες ορχηστρικής ανάπτυξης κ.λπ. Επομένως, μάλλον συνδυάζει εύκολα στο Capriccio τρεις μελωδίες από την ενότητα των αστουριανών τραγουδιών (Alborada, Dansa prima και Fandango asturiano) και μια ανδαλουσιανή (Canto gitano).

Συνοψίζοντας τις αρχές του έργου του συνθέτη με λαϊκά θέματα, μπορούν να εξαχθούν τα ακόλουθα συμπεράσματα: Διατηρήθηκε ο Rimsky-Korsakov

1 Η απουσία γνήσιων αυτόγραφων έργων αναγκάζει κάποιον να μιλήσει για τις καινοτομίες του Γκλίνκα με μεγάλη προσοχή, λαμβάνοντας υπόψη στιγμές όπως, για παράδειγμα, η ανακρίβεια του σεναρίου.

2 Το εύρημα της συλλογής και η πρώτη περιγραφή της ανήκει στην E. Gordeeva (συγκεντρ. «Folklore sources» Antara «and» Spanish capriccio», CM., 1958 No. 6).

Έχει τέτοια χαρακτηριστικά όπως το μη τετραγωνισμό ορισμένων θεμάτων (Alborada), ή μεγάλες στάσεις στον τελευταίο ήχο (canto gitano), χρησιμοποιεί ενεργά τις τεχνικές επεξεργασίας του Insengi. Παράλληλα ενισχύει το εθνικό στοιχείο με τις δικές του μεθόδους. Έτσι το τονικό σχέδιο του "Capricio" καθορίζεται από τη δομή και τις εκφραστικές δυνατότητες του τρόπου "mi" (από τον ήχο "la"), που αποτελεί τη βάση της τέταρτης κίνησης και προβάλλει την πτώση των δυνατοτήτων σε ολόκληρο το κομμάτι ( η επιστροφή του «Alborada» (Zch.) Στο κλειδί του B-dur, για παράδειγμα, σχηματίζει σε σχέση με το κύριο κλειδί του Capriccio A-dur έναν από τους συνδυασμούς I-Ilb χαρακτηριστικό αυτού του τρόπου λειτουργίας).

Τα δύο πρώτα ταξίδια του I. Stravinsky στην Ισπανία (1916, 1921) (η τρίτη ενότητα του κεφαλαίου) συνδέονται με τη δημιουργική συνεργασία του συνθέτη με το θίασο του Sergei Diaghilev. Αργότερα, ο συνθέτης επισκέφτηκε πολλές φορές την Ισπανία..

Για τον Στραβίνσκι, η έκκλησή του στα ισπανικά θέματα έγινε συνέχεια της καθιερωμένης παράδοσης: «Πιθανώς, για να συμβαδίσει με τους προκατόχους του, οι οποίοι, επιστρέφοντας από την Ισπανία, εδραίωσαν τις εντυπώσεις τους σε έργα αφιερωμένα στην ισπανική μουσική, αυτό ισχύει κυρίως για Ο Glinka, με το ασύγκριτο "Aragon Hoti" και "A Night in Madrid "- Χάρηκα στον εαυτό μου και απέδωσα φόρο τιμής σε αυτήν την παράδοση. Το αποτέλεσμα ήταν "Española" από το 1915" Five Easy Pieces for Piano "σε τέσσερα χέρια (δημοσιεύτηκε στο 1917), αργότερα ενορχηστρώθηκε και συμπεριλήφθηκε στην First Suite (1917 - 1925), Etude "Madrid" (1917), που δημιουργήθηκε ειδικά για το πιάνο και κυκλοφόρησε ως διαφημιστικό από την εταιρεία Eolian στο Λονδίνο. Το 1929 ο Stravinsky το ενορχήστρωσε ως ένα από οι Τέσσερις Ετούδες για μια συμφωνική ορχήστρα.

Το έργο «Madrid», σύμφωνα με τον συγγραφέα, εμπνεύστηκε από «αστείους και ασυνήθιστους συνδυασμούς μελωδιών που παίζονταν σε μηχανικά πιάνα και τζουκ μποξ και ηχούσαν στους δρόμους της Μαδρίτης, τις μικρές νυχτερινές της ταβέρνες». Η αρχική ιδέα καθόρισε το γενικό πνεύμα του έργου, στο οποίο ο συγγραφέας απέχει πολύ από μια ρομαντικά ενθουσιώδη στάση απέναντι στο παρατηρούμενο. Η εικόνα της Ισπανίας είναι μάλλον αντικειμενική, αστικοποιημένη. Ταυτόχρονα, ορισμένες στιγμές μας επιτρέπουν να ανακαλέσουμε τους προκατόχους, των οποίων την παράδοση συνέχισε.

Το πρώτο θέμα αναπαράγει, που άκουσε ο Στραβίνσκι στην Ισπανία, «την πλούσια χάρη μιας αραβικής μελωδίας, που τραγουδιέται από έναν τραγουδιστή με χαμηλή φωνή στο στήθος και ατελείωτη αναπνοή». Αυτό το παράδειγμα, ωστόσο, αξίζει ιδιαίτερης προσοχής, γιατί μας επιτρέπει να κάνουμε μια υπόθεση για την επιρροή σε ορισμένα επεισόδια της σύνθεσης των «Ισπανικών Overtures» του M. Glinka. Είναι πιθανό ότι σε αυτά τα έργα του Γκλίνκα, για τα οποία ο Στραβίνσκι μιλάει με θαυμασμό, θα μπορούσαν να εκτιμήσουν την τόλμη και την καινοτομία της υφής και, ειδικότερα, την ετεροφωνική παρουσίαση του θεματισμού. Στην προκειμένη περίπτωση, μιλάμε για σύμπτωση των αντικειμένων ενδιαφέροντος του συνθέτη -το αραβικό ή, όπως λέει μερικές φορές ο Glinka, - το "μαυριτανικό" στρώμα στην ισπανική μουσική. Δημιουργώντας μια αντίθεση μεταξύ των φωνών, ο Στραβίνσκι, όπως και η Γκλίνκα, την ενισχύει χρησιμοποιώντας διαφορετικές πινελιές.

Στην ανδαλουσιανή μουσική, ο Στραβίνσκι άκουσε ένα φαινόμενο που πλησιάζει στην ουσία του έναν ακανόνιστο ρυθμό προφοράς. Επεισόδια που χρησιμοποιούν αυτό το χαρακτηριστικό είναι παρόντα στη Μαδρίτη του Στραβίνσκι και στο έργο του Española.

Η χρήση "των πιο οικείων, συνήθως διαγραμμένων τονισμών τραγουδιών" στο "Madrid" θυμίζει τις μαζικές σκηνές του "Petrushka", όπου χρησιμοποιείται η ίδια αρχή. Η έλξη προς τον παραλλαγμένο φωτισμό αυτής της στροφής μπορεί να εξηγηθεί, πιθανώς, και από τη σύμπτωση μιας από τις βασικές αρχές της ισπανικής δημοτικής μουσικής και της παραλλαγής ως τη θεμελιώδη συνθετική μέθοδο του Στραβίνσκι. Ο Στραβίνσκι αναπαράγει το παίξιμο μιας μπάντας πνευστών στο έργο του, δίνοντας στον ήχο του έναν γκροτέσκο χαρακτήρα. Η εμφάνιση νέων εικόνων με αντίθεση συμβαίνει χωρίς καμία προετοιμασία, μια ιδιότροπη αλλαγή υφής.

Το τέταρτο κεφάλαιο είναι «Η Ισπανία στη μουσική των Γάλλων συνθετών». Ανοίγει με μια ενότητα αφιερωμένη στην ορχηστρική ραψωδία «Ισπανία» του E. Chabriet.

Μεταξύ των συνθέσεων για το ισπανικό θέμα, η "Ισπανία" διακρίνεται, πρώτα απ 'όλα, από τον "τόνο" του ίδιου του έργου - εμφατικά ελαφρύ, ελαφρώς εκκεντρικό, στα όρια της διασκεδαστικής μουσικής. Το Chab-rie ενισχύει σκόπιμα αυτό το στοιχείο της λαϊκής κουλτούρας, το οποίο συνδέεται με τον αυθορμητισμό, την ολόσωμη, μερικές φορές εσκεμμένη αγένεια των εικόνων.

Μια τέτοια ασυνήθιστη διάθλαση της ισπανικής εικόνας από τον Chabrier επιτρέπει σε κάποιον να βρει μια εξήγηση στο καλλιτεχνικό περιβάλλον που περιέβαλλε τον συνθέτη. Όπως ο Ε. Μανέ, ο Σαμπριέ δεν αναζητά το ρομαντικό στην Ισπανία, δεν το ποιητικό. Η σαφής οριοθέτηση του Manet, η ακρίβεια του σχεδίου, προκαλεί συσχετισμούς με τη μεγέθυνση της μελωδικής γραμμής, την ανακούφισή της στον Chabrier. Το πνεύμα του "caféchantan", η ψυχαγωγική φύση της μουσικής του "Spain" καθιστά δυνατή την ανάμνηση του ρόλου του καφέ, του τόπου συνάντησης της παριζιάνικης μποέμης και μιας ανεξάντλητης πηγής παρατηρήσεων ανθρώπινων προσώπων και χαρακτήρων, μέσα από το πρίσμα. των οποίων ο κόσμος εμφανίστηκε στους πίνακες του Μανέ και του Σεζάν, του Ντεγκά και του Τουλούζ-Λωτρέκ.

Η δεύτερη ενότητα του κεφαλαίου είναι αφιερωμένη στην Iberia και σε άλλα έργα του Debussy. Ο Ντεμπυσσύ είδε στην ισπανική λαογραφία μια πλούσια πηγή νέων ιδεών που τον ενθουσίασαν με τη φρεσκάδα και την πρωτοτυπία τους - είτε ήταν τρόποι ασυνήθιστοι για την ευρωπαϊκή μουσική, ποικιλία ρυθμών, απροσδόκητοι συνδυασμοί ηχοχρώματος ή διαφορετική προσωρινή οργάνωση. Πολλά από αυτά τα χαρακτηριστικά δεν υπήρχαν προηγουμένως στην "ακαδημαϊκή", μουσική συνθέτη.

Το Spain για τον Debussy είναι συνώνυμο της Ανδαλουσίας. Σύμφωνα με τον Yu.A. Fortunatov, η Ισπανία τράβηξε την προσοχή του Debussy ακριβώς ως χώρα με έντονο το ανατολίτικο στοιχείο στον πολιτισμό της. Από αυτή την άποψη, το ισπανικό θέμα μπορεί να θεωρηθεί ως μία από τις πτυχές της ενσάρκωσης της εικόνας της Ανατολής στο έργο του.

Ο Debussy είναι ένας καλλιτέχνης που έχει καταφέρει να ακούσει σε διαφορετικές παγκόσμιες κουλτούρες κάτι περισσότερο από εξωτική ή εθνική γεύση. Στη λαογραφία διαφορετικών χωρών, βρίσκει στοιχεία που τον ελκύουν αναζητώντας το δικό του στυλ. Ίσως γι' αυτό η αρχή της στάσης του συνθέτη σε ολόκληρο το ετερογενές πεδίο της λαογραφίας στον Ντεμπυσσύ φανερώνει μια ομοιότητα.

Το έργο του Debussy είναι μια πρωτότυπη στροφή του ισπανικού θέματος στην ευρωπαϊκή τέχνη. Ένα νέο στάδιο στην ανάπτυξη της μουσικής τέχνης, μαζί με τις ατομικές απόψεις του καλλιτέχνη για τη λαογραφία, οδήγησαν σε μια διαφορετική ποιότητα, την ανάπτυξη βαθύτερων στρωμάτων της ισπανικής μουσικής. Ο Debussy δίνει τη δυνατότητα να μπει στο ύφασμα των συνθέσεων του ανέγγιχτα, σχεδόν μη κατακτημένα χαρακτηριστικά του cante jondo. Απελευθερώνει την ανδαλουσιανή μελωδία από τη δύναμη της γραμμής του μπαρ, αναπαράγει την εγγενή προοδευτική διακοσμητική της

ανάπτυξη. Ο συνθέτης κάνει ευρύτερη χρήση των εκφραστικών δυνατοτήτων που είναι εγγενείς σε διάφορες τροπικές δομές της δημοτικής μουσικής και επιδιώκει ακόμη και να υπερβεί το μετρημένο σύστημα, δημιουργώντας μια αίσθηση μικροτονικότητας.

Η οργανική διείσδυση των φολκλορικών χαρακτηριστικών στο ύφος του συνθέτη έγινε ο φυσικός λόγος για την εμφάνιση κάποιων «ισπανικών» χαρακτηριστικών σε έργα που γράφτηκαν «χωρίς καμία ισπανική πρόθεση). Ο M. De Falla, ο οποίος σημείωσε πρώτος αυτό το χαρακτηριστικό, επεσήμανε τη συχνή χρήση από τον Debussy ορισμένων τρόπων, ρυθμών, ακολουθιών συγχορδιών, ρυθμών και ακόμη και μελωδικών στροφών, στα οποία αποκαλύπτεται μια σαφής σχέση με την ισπανική μουσική». Αυτό μας επιτρέπει να εξετάσουμε από αυτή την άποψη έργα του συνθέτη όπως η σουίτα "Pour piano", "Secular dance" για άρπα και ορχήστρα εγχόρδων, η δεύτερη ραψωδία για σαξόφωνο και ορχήστρα, που ονομάζεται σε μία από τις εκδόσεις "Moorish" , η δεύτερη κίνηση του κουαρτέτου εγχόρδων, ρομάντζο «Μαντολίνο», κομμάτι για πιάνο «Μάσκες» και αποσπάσματα από κάποια άλλα έργα του Ντεμπυσσύ.

Στο τροπικό σύστημα του Debussy, η σημασία των «μη παραδοσιακών» τρόπων για την ευρωπαϊκή επαγγελματική μουσική αυξάνεται σημαντικά, που γίνονται «συνηθισμένοι» τρόποι, διαπλεκόμενοι με μείζονα και ελάσσονα. Αυτό είναι ένα εντυπωσιακό χαρακτηριστικό γνώρισμα του στυλ του συνθέτη, ο οποίος είδε σε αυτά τα τροπικά συστήματα έναν πλούσιο κόσμο δυνατοτήτων που δεν ανακάλυψε η επαγγελματική μουσική.

Στην «Iberia» ο Debussy δημιουργεί ποικίλες εκδοχές του ρυθμού της Σεβιγιάνας. Σημαντικό ρόλο σε αυτό παίζει η αναγνώριση των ισπανικών ρυθμών, η εκφραστικότητα και η ενέργειά τους. Ο Debussy αντανακλούσε επίσης άλλα χαρακτηριστικά του ισπανικού ρυθμού, όχι τόσο ξεκάθαρα στην επιφάνεια. Για παράδειγμα - η αβεβαιότητα μεταξύ μεγέθους δύο και τριών μερών. Η χρήση της ρυθμικής ποικιλίας της ισπανικής μουσικής οδήγησε σε ένα πολυεπίπεδο ορχηστρικό ύφασμα, την ιδιαίτερη πολυφωνικότητά του, διαφορετική από την κλασική αντίστιξη και με σαφή ηχοχρωματική επιλογή γραμμών.

Η καινοτομία της μουσικής γλώσσας του Debussy εκδηλώθηκε σε μεγάλο βαθμό σε μια διαφορετική κατανόηση της ορχηστρικής υφής. Έχοντας εγκαταλείψει τον συνηθισμένο διαχωρισμό των ορχηστρικών λειτουργιών σε μπάσο, μελωδία, παραστατικά, ο Debussy καταλήγει σε μια πολυστοιχειακή και θεματικά πλούσια υφή. Στην «Ιβηρία» αυτό εκδηλώθηκε, συγκεκριμένα, σε ένα

ο μοντέρνος συνδυασμός διαφορετικών υλικών, αντίθεση lado, ηχοχρώματος, ρυθμικά. «Αρκεί να δούμε», γράφει ο Myaskovsky, «πόσο πλούσια είναι υφασμένα οι συνθέσεις του (Debussy - LB), πόσο ελεύθερες, ανεξάρτητες και ενδιαφέρουσες οι φωνές τους, πώς, τελικά, διάφορα θεματικά στοιχεία μπλέκονται επιδέξια εκεί, συχνά μέχρι και τρία εντελώς. ασυμβίβαστα θέματα ταυτόχρονα. Δεν είναι αυτό μια δεξιότητα αντίστιξης!».

Η ευρυχωρία του ήχου είναι ένα από τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του «Iberia». Ο ρόλος των παραστάσεων του φόντου είναι ανεκτίμητος σε αυτό. Στο δεύτερο μέρος του "Iberia" ο Debussy χρησιμοποιεί την ιδέα της σταδιακής πλήρωσης του χώρου: από το κενό των ομοιόφωνων ήχων έως τις ακραίες έκτη συγχορδίες και, τέλος, στη συγχορδία.

Η τρίτη ενότητα του κεφαλαίου εξετάζει την επίδραση της ισπανικής μουσικής στο έργο του Ραβέλ. Το ισπανικό θέμα εισήλθε στο έργο του συνθέτη μέσω των δύο διαφορετικών κλάδων του - των Βάσκων και των Ανδαλουσιανών. Το πρώτο από αυτά έγινε φόρος τιμής στην καταγωγή του συνθέτη, το δεύτερο - στο πάθος του για τον ανδαλουσιανό πολιτισμό στην Ευρώπη. Εικόνες της Ισπανίας, της «δεύτερης μουσικής πατρίδας» του Ραβέλ, τον συνόδευαν σε όλη του τη σταδιοδρομία: από το «Habanera» από τα «Ακουστικά τοπία» (1895-96) μέχρι τα «Τρία τραγούδια του Δον Κιχώτη» (1931). Το 1903 γράφτηκε ένα κουαρτέτο στο οποίο βλέπουμε έναν από τους πρώτους δανεισμούς βασκικών στοιχείων. Αργότερα, αυτή η γραμμή συνεχίστηκε από το Trio a-to11 (1914) και το Concert C-clig (1929 - 1931), το οποίο απορρόφησε εν μέρει το υλικό της ημιτελούς φαντασίας για πιάνο σε βασκικά θέματα "Zagpyag-Bat" (1914). Μεταξύ των έργων που χρησιμοποιούν τη γεύση της ανδαλουσιανής μουσικής είναι το "Alborada" από τον κύκλο "Reflections" (1905) (αργότερα ενορχηστρώθηκε), που γράφτηκε στο ίδιο 1907 "Spanish Rhapsody", η όπερα "Spanish Hour" και "Vocalise in the form της habanera», το περίφημο «Μπολερό» (1928), καθώς και τα «Τρία τραγούδια του Δον Κιχώτη» (1931), στα οποία ωστόσο υπάρχουν χαρακτηριστικά του στυλ τόσο της Αραγωνικής όσο και της βασκικής μουσικής.

Σε απέναντι σημεία της Ιβηρικής Χερσονήσου, η Χώρα των Βάσκων και η Ανδαλουσία είναι μουσικά διακριτές περιοχές της Ισπανίας. Σε αντίθεση με το ανδαλουσιανό, το βασκικό στοιχείο εισήλθε στα έργα του Ραβέλ, που δεν είχαν άμεση σχέση με την Ισπανία. Το μόνο, εντελώς

βασισμένος στην ιδέα του βασκικού υλικού, παρέμεινε ημιτελής: συνειδητοποιώντας ότι "δεν ήταν σε θέση να υποτάξει τις περήφανες, επίμονες μελωδίες", ο Ραβέλ άφησε τη δουλειά στο φανταστικό πιάνο "Zagpyat Bat". Ο συνθέτης συμπεριέλαβε μέρος της μουσικής φαντασίας στο Τρίο και το κονσέρτο για πιάνο G-dur.

Μεταξύ των εκφραστικών μέσων της βασκικής μουσικής που μπήκαν στη μουσική του Ραβέλ, στην πρώτη θέση είναι ο ιδιόμορφος ρυθμός των βασκικών τραγουδιών, στα οποία απλά μεγέθη δύο και τριών χτύπων γειτνιάζουν με μικτά: 5/8, 7/8, 7/ 4. Στη δεύτερη κίνηση του κουαρτέτου εγχόρδων, ο συνθέτης εισάγει «διακοπές» του μετρητή, που προκύπτουν από την εναλλαγή beat-to-beat του διμερισμού, που ορίζεται στην υπογραφή χρόνου 6/8 και στο τρίμερο στο 3/4. χρόνος.

Το φινάλε του κουαρτέτου εγχόρδων του Ravel έχει 5/8 μέτρα, που είναι χαρακτηριστικό, ιδιαίτερα, του χαρακτηριστικού βασκικού είδους sortsico. Η πρώτη κίνηση της τριάδας a-moll έχει ασυνήθιστο μέγεθος 8/8, το οποίο μπορεί να επεκταθεί σε 3/8 + 2/8 + 3/8. Προσθέτοντας 3/8 στο παραδοσιακό 5/8, ο Ravel δημιουργεί το δικό του sortsico - δεν είναι τυχαίο που ο ίδιος ο Ravel ονόμασε αυτό το θέμα "Basque".

Σε σύγκριση με το "Andapus", τα "βασκικά" θέματα του Ravel είναι συνήθως συλλαβικά, μικρού εύρους, που συνήθως δεν ξεπερνούν την οκτάβα. Το θέμα για το δεύτερο μέρος του κουαρτέτου αποτελείται από σύντομες φράσεις δύο ράβδων και βασίζεται στους επαναλαμβανόμενους τόνους του πέμπτου. Το ίδιο διάστημα δίνει ένα συγκεκριμένο χρωματισμό στο αρχικό θέμα της συναυλίας των G-dur.

Ωστόσο, τα περισσότερα από τα γραπτά του Ραβέλ για ισπανικά θέματα ανάγονται στην ανδαλουσιανή λαογραφία. Ανάμεσά τους και η Alborada del Gracioso. Γράφτηκε το 1905 και ενορχηστρώθηκε από τον Ραβέλ το 1912. Ο αιχμηρός, γκροτέσκος χαρακτήρας αυτού του έργου, η ιδέα μιας ιδιόμορφης σκηνής στο ισπανικό πνεύμα, το καθιστούν εν μέρει παρόμοιο με τη Διακοπείσα Σερενάτα του Ντεμπυσσύ.

Ο Ραβέλ, με κάποια ελευθερία, αφομοίωσε έναν ιδιαίτερο τρόπο σχηματισμού της κάθετης συγχορδίας, που γεννήθηκε από τα αρμονικά χαρακτηριστικά της κιθάρας φλαμένκο. Ένα αξιοσημείωτο χαρακτηριστικό αυτής της μουσικής είναι η χρήση απότομα παράφωνες συγχορδίες με μεγάλη έβδομη και μειωμένη οκτάβα, που περιέχουν δύο εκδοχές ενός βαθμού, που διαθλούν ελεύθερα την ιδιαιτερότητα της ισπανικής συγχορδίας.

Η «Ισπανική ραψωδία» είναι μια από τις παραλλαγές του πίνακα μιας ισπανικής καλοκαιρινής νύχτας, όπως ήταν στη Γκλίνκα και στον Ντεμπυσσύ. Σε αυτόν τον τετραμερή κύκλο, όλα ξεκινούν με το «Προελούδιο της νύχτας», στο οποίο ξεσπά ο χορός «Μαλαγένα» «από μακριά». Το τρίτο κίνημα, «Habanera», εισάγει κάτι νέο, αλλά και συνεχίζει τη διάθεση των προηγούμενων μερών, εν μέρει προετοιμασμένο από τους ίδιους. Η βάση της δυναμικής και στα τρία μέρη είναι το rrrr. Στιγμές του φόρτε είναι μεμονωμένες εκρήξεις ή η μοναδική άνοδος στη Μαλαγένια (περίπου 11-12), που ξαφνικά τελειώνει, βυθίζοντας στην ατμόσφαιρα της ισπανοαραβικής μελωδίας.

Ας ξεχωρίσουμε εδώ το «Habanera». Η ιδιαιτερότητά του έγκειται στη λεπτότητα και την πολυπλοκότητα των χρωμάτων (και όχι στο συνηθισμένο άνοιγμα των συναισθημάτων που είναι χαρακτηριστικό αυτού του είδους), σε μια ορισμένη ακαμψία των τονισμών. Φαινομενικά μοναδικό στη γοητεία του, το "Habanera" είναι από αυτή την άποψη στο ίδιο επίπεδο με άλλα έργα: η ομοιότητα δύο χαμπανέρων ("Βράδια στη Γρενάδα" του Ντεμπυσσύ και "Χαμπανέρα" από τα "Ακουστικά Τοπία" του Ραβέλ, που περιλαμβάνονται στο "Ισπανική Ραψωδία" ), όπως γνωρίζετε, προκάλεσε μια διαφωνία για την προτεραιότητα σε εύθετο χρόνο.

Ο Ραβέλ μετέτρεψε το τυπικό μοτίβο της μελωδικής γραμμής της φολκλόρ habanera σε ένα παλλόμενο ορχηστρικό πεντάλ και άφησε τον ρυθμό που συνόδευε τον χορό με τη μορφή απόκοσμων, πολυεπίπεδων χορδών με βουβές (αρμονικές) και δύο άρπες. Ως αποτέλεσμα, δύο βασικά χαρακτηριστικά της habanera αποδεικνύονται σχεδόν άπιαστα στο σκορ του Ravel.

Το όραμα ενός ελεύθερου συγγραφέα για τη λαογραφία, η επανεξέτασή του μέσα από το πρίσμα μιας ατομικής έννοιας ενυπάρχει επίσης στο «Bolero», στο οποίο κυριαρχεί η εποικοδομητική λογική, οργανώνοντας όλη την αρχή του ορχηστρικού κρεσέντο. Ταυτόχρονα, τα σημάδια ενός γνήσιου μπολερό αποδεικνύονται πολύ υπό όρους.

Στην ολοκλήρωση της διατριβής, τονίζεται για άλλη μια φορά ο ρόλος της συγκριτικής μεθόδου, η οποία επιτρέπει, ειδικότερα, να οπτικοποιήσει τη σχέση των πολιτισμών και των διαφορετικών μορφών αλληλεπίδρασής τους: άμεσες επαφές, επιρροές, δανεισμοί, τον εντοπισμό ομοιοτήτων και ειδικών διαδικασίες ανάπτυξης των εθνικών μουσικών παραδόσεων.

Η εμφάνιση και η ανάπτυξη της μουσικής Spanishiana μας επιτρέπει να δούμε τον διαρκώς υπάρχοντα μεσολαβητικό ρόλο ενός τρα-

λεξικό για έναν άλλο, που πραγματοποιήθηκε, όπως σημειώθηκε, όχι μόνο στην άμεση προσέγγιση των πολιτισμών της Ρωσίας και της Γαλλίας με τον πολιτισμό της Ισπανίας, αλλά και των Ρώσων και Γαλλικών μεταξύ τους.

Σημαντικό ρόλο στην εξέλιξη της ισπανικής μουσικής έπαιξε η γνωριμία των συνθετών με ήδη γνωστά δείγματα, γεγονός που γέννησε την επιθυμία για αναζήτηση νέων τρόπων. Η παραμονή του Γκλίνκα στο Παρίσι κάποτε τον εμπλούτισε με εντυπώσεις και νέες δημιουργικές ιδέες. Αργότερα, οι συναυλίες των Παγκόσμιων Εκθέσεων επέτρεψαν στον Ντεμπυσσύ και στον νεαρό Ραβέλ να ακούσουν μια σειρά από έργα που εκτελούνται απευθείας από τους ίδιους τους συγγραφείς (ο Ρίμσκι-Κόρσακοφ διευθύνει τις Ισπανικές Υπερτούρες του Γκλίνκα κ.λπ.). Η επιρροή της ρωσικής μουσικής στο έργο των Γάλλων μουσικών είναι σίγουρα πολύ ευρύτερη από τις πραγματικές ισπανικές συνθέσεις. Ταυτόχρονα, ήδη στο παράδειγμα του ισπανικού θέματος, μπορεί κανείς να δει πόσο γόνιμη ήταν η επικοινωνία μεταξύ Ρώσων και Γάλλων μουσικών σε διαφορετικές χρονικές στιγμές. Υπενθυμίζοντας τη σημασία του έργου του Rimsky-Korsakov για τον Debussy και τον Ravel, ειδικά το ορχηστρικό του στυλ, μπορούμε να υποθέσουμε ότι ένα τόσο εντυπωσιακό έργο όπως το "Spanish Capriccio" δεν πέρασε απαρατήρητο από τους Γάλλους μουσικούς.

Η κυρίαρχη έλξη στο στυλ της Νότιας Ισπανίας (Ανδαλουσίας) ήταν ένα άλλο χαρακτηριστικό κοινό σε πολλά έργα. Η δραστηριότητα της συνείδησης του συνθέτη, η αναζήτηση των πιο αποδεκτών τρόπων για να συμπεριλάβει ο συγγραφέας το ισπανικό στοιχείο στο γενικό πλαίσιο του έργου αποκαλύπτει διάφορους τρόπους: από μια προσπάθεια κυριολεκτικής αναπαραγωγής των χαρακτηριστικών του πρωτοτύπου στη γλώσσα του νύξεις, υπαινιγμούς. Διαφορετική ήταν και η φύση της γνωριμίας με την πρωτογενή πηγή.

Γενικά, με βάση τα παραδείγματα των συνθέσεων που αναλύθηκαν, διακρίνονται τρεις διαφορετικές μέθοδοι στην εργασία με την ισπανική λαογραφία. Πρόκειται για α) ενεργή μελέτη της ισπανικής μουσικής στον ζωντανό ήχο της. β) εργασία με συλλογές. γ) αναπαραγωγή ακουστικών εντυπώσεων από την ισπανική λαογραφία μέσω της ελεύθερης χρήσης των ουσιαστικών ρυθμικών και αρμονικών χαρακτηριστικών της. Το ζήτημα του βαθμού εγγύτητας με το λαογραφικό υλικό και της καλλιτεχνικής πειστικότητας του έργου διευκρινίζεται από μεμονωμένες δηλώσεις των συνθετών M. de Falla και I. Stravinsky. Και οι δύο μουσικοί θεωρούν τη στενή ηθογραφία απαράδεκτη για τη σύγχρονη

τέχνη, προτιμώντας την ελεύθερη αναπαραγωγή των βασικών στοιχείων της ισπανικής μουσικής. Ο Ravel και ο Debussy συνδυάζουν χαλαρά χαρακτηριστικά διαφορετικών ισπανικών στυλ. Μια νέα πτυχή της κατανόησης των ισπανικών εκδηλώθηκε με τη διείσδυση στοιχείων που δανείστηκαν από την ισπανική μουσική σε έργα που δεν σχετίζονται με την Ισπανία.

Η εμφάνιση ενός λεξιλογίου ρυθμού-ηχογραφήματος, συμπεριλαμβανομένου ενός αριθμού κλισέ τεχνικών στην ευρωπαϊκή "ισπανική" μουσική, επέτρεψε στον Στραβίνσκι να τις αναφέρει ως μια ορισμένη συμβατική γλώσσα. Ένα νέο στάδιο στην ανάπτυξη του ισπανικού θέματος ήταν το έργο του C. Debussy. Οι εθνικές καταβολές, το συγκεκριμένο άρωμα της ισπανικής μουσικής (παρ' όλη τη λεπτότητα της αναπαραγωγής των στοιχείων της) δεν είναι στο προσκήνιο για τον Debussy, μερικές φορές απλώς εξομαλύνονται, καλύπτονται. Επιστρέφοντας στην ιδέα του Bakhtin για τη συνύπαρξη «δύο συνειδήσεων», μπορεί κανείς να κάνει την υπόθεση ότι ο Debussy δεν αντιτίθεται καθόλου σε δύο συνειδήσεις, αλλά μάλλον τις φέρνει πιο κοντά, κάνει αυτό ή εκείνο το λαϊκό στοιχείο μέρος του δικού του στυλ. Παρατηρώντας την ασυμβίβαστη αντίφαση της ισπανικής λαογραφίας με τα δόγματα των «ακαδημαϊκών» κλασικών, ο Debussy, αντίθετα, αναζητά να βρει άλλους τρόπους που θα αναδημιουργούσαν στενά την ουσία των κύριων στοιχείων της ισπανικής μουσικής δημιουργικότητας. Το εθνικό άρωμα δεν είναι αυτοσκοπός για τον καλλιτέχνη. Πρόκειται για μια προσπάθεια δημιουργίας (συμπλήρωσης), με βάση τις ακουστικές ιδέες που αποκτήθηκαν με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, την εικόνα της χώρας που εξάπτει τη φαντασία του.

Η εξέλιξη της τεχνικής της σύνθεσης επέτρεψε σε πιο σύνθετα στοιχεία της ισπανικής μουσικής να εισέλθουν στην ευρωπαϊκή τέχνη με την πάροδο του χρόνου. Η αντίφαση μεταξύ των τρόπων των ανδαλουσιανών τραγουδιών και της συνθετικής τους εξέλιξης κάποτε ώθησε τη Γκλίνκα να αφήσει ημιτελή τα σκίτσα της σε λαϊκά θέματα. Ο Debussy χρησιμοποιεί ήδη ελεύθερα τους συγκεκριμένους τρόπους της ισπανικής μουσικής. Η εμφάνιση μιας ετεροφωνικής υφής στη Γκλίνκα είναι σποραδική. Για τον Στραβίνσκι, αυτό είναι ένα αναπόσπαστο χαρακτηριστικό του στυλ του.

Ως εκ τούτου, μπορεί να θεωρηθεί ότι η δημιουργικότητα του συνθέτη, βασιζόμενη σε ένα επαγγελματικά συνειδητό μουσικό στοιχείο και στους κανόνες της «κλασικής» τέχνης, έχει δημιουργήσει μια ριζικά νέα μουσική συνείδηση, η οποία εκφράζεται ξεκάθαρα μέσα από τις λαϊκές-εθνικές καταβολές. Το «ηθογραφικό» υποτάσσεται σε αυτό στο αξιακό (αξιολογικό) επίπεδο. Δηλαδή το λαογραφικό στοιχείο είναι

χρησιμοποιείται ως μορφή που φέρει το περιεχόμενο της συνείδησης του νέου χρόνου. Η κατανόηση του ανήκειν σε μια συγκεκριμένη εθνική κουλτούρα παρέχει πάντα τη βάση για περαιτέρω πολιτιστική σύνθεση και ανάπτυξη. Πρόκειται για εμπλουτισμό λόγω της ταύτισης του «δικού του και του άλλου», που εκφράζεται σε άλλους μουσικούς πολιτισμούς με παρόμοια ή αντίθετα μέσα.

Η σχέση μεταξύ των πολιτισμών της Ρωσίας και της Ισπανίας, που βρίσκονται στα άκρα, αντίθετα σημεία της ευρωπαϊκής ηπείρου, είναι αξιοσημείωτη για την αναγνώριση σε μια άλλη κουλτούρα του «ένα από τα δικά μας» (ειδικά από τη Ρωσία), καθώς και μια προσπάθεια εξήγησης η μυστική ομοιότητα και εγγύτητα τόσο διαφορετικών χωρών. Ως εκ τούτου, ίσως, - η επιθυμία να κατανοήσουμε την ανεξήγητη συγγένεια της Ρωσίας και της Ισπανίας, αναφερόμενη στην ιστορία, τα χαρακτηριστικά της οικονομικής ανάπτυξης, τη νοοτροπία (ειδικά - την ομοιότητα των χαρακτήρων, την αντίληψη του κόσμου) και άλλα χαρακτηριστικά. Αυτή η σκέψη περνάει συνέχεια σαν. μεταξύ των καλλιτεχνών που έχουν πάει στην Ισπανία και που έχουν έρθει σε επαφή με αυτήν την κουλτούρα έξω από αυτήν - K. Korovin, L. Tolstoy, M. Glinka, P. Dubrovsky και άλλοι. Στη μουσική, αυτή η ομοιότητα έχει αποκτήσει σχεδόν απτά περιγράμματα: «Μερικά τραγούδια της Ανδαλουσίας μου θυμίζουν μελωδίες των ρωσικών περιοχών μας και μου ξυπνούν αταβιστικές μνήμες», έγραψε ο Στραβίνσκι.

Προσπαθώντας να βρει κανείς κοινά σημεία επαφής ανάμεσα σε δύο διαφορετικούς πολιτισμούς, μπορεί πραγματικά να ακούσει τη συγγένεια μεταξύ του «άπειρου» της μελωδίας στο ρωσικό τραγούδι ή cante hondo, τον θλιβερό, κάπως υστερικό τους τόνο, τον πλούτο του ρυθμού, τη συνεχή παραλλαγή του μελωδία και επανάληψη «εμμονής» ενός ήχου, χρήση μικροδιαστημάτων. Στη ρωσική μουσική, όπως και στην ισπανική, υπάρχει μια αντίθεση ψαλμωδίας, αγωνίας και ασυγκράτητης ευθυμίας. Μια πιθανή εξήγηση για αυτό είναι η αμοιβαία έλξη των πόλων. Μια κατανόηση αυτής της εγγύτητας συμβάλλει στην προσέγγιση, στην αμοιβαία έλξη.

Η έλξη για την ισπανική κουλτούρα στη Ρωσία και τη Γαλλία έχει τα δικά της χαρακτηριστικά. Η άμεση εγγύτητα της Γαλλίας και της Ισπανίας έφερε πρόσθετα χρώματα στη διαδικασία προσέγγισης μεταξύ αυτών των χωρών. Οι εθνικοί δεσμοί υπήρχαν από καιρό μεταξύ τους. Η Ισπανία εκείνη την εποχή συμπεριλήφθηκε στον κύκλο των εξωτικών χωρών που ενδιαφέρθηκαν ενεργά για τους Γάλλους καλλιτέχνες. Αυτό εξηγεί, για παράδειγμα, την κυρίαρχη έλξη προς τον πολιτισμό του νότου του, και όχι λιγότερο από άλλους

ιδιόμορφες επαρχίες. Σε αντίθεση με τις ανατολικές χώρες, η Ισπανία ήταν μια διαφορετική, στενή εξωτική, αλλά αρκετά περίεργη για να γίνει αντιληπτή ως μέρος του ανατολικού κόσμου.

Έτσι, όχι μόνο η ομοιότητα, αλλά και η διαφορά αποδείχτηκε γόνιμη ως προς αυτό. Η έλξη και η απώθηση, με βάση την ομοιότητα ιστορικών πεπρωμένων και πολιτισμών, έχει απορροφήσει αξιακές θέσεις (αλήθεια, καλοσύνη, ομορφιά), που επιβεβαιώνονται όχι μόνο στη δική τους γλώσσα, αλλά και σε μια ξένη γλώσσα.

Κατά συνέπεια, οι Ευρωπαίοι αναζήτησαν και βρήκαν στην ισπανική λαϊκή μουσική κουλτούρα εκείνες τις ζωογόνους δυνάμεις, που υποστηρίζουν τις τάσεις που εντοπίζονται στους εθνικούς τους πολιτισμούς, τις οποίες τόσο είχαν ανάγκη. Μέσω της Ισπανίας υπήρχε μια διείσδυση σε μια διαφορετική συναισθηματική ουσία (αγάπη για ελευθερία, πνευματική χειραφέτηση, ανθρωπιά κ.λπ.), άλλα ρυθμικά, τονικά, ηχοχρώματα, που εκφράζουν τελικά την εσωτερική δομή του εθνικού χαρακτήρα.

Η ισπανική μουσική άνοιξε νέες αξίες για τους Ευρωπαίους συνθέτες, εμπλουτίζοντας τη μουσική γλώσσα με μοναδικούς ρυθμούς, οργανικά χρώματα και χαρακτηριστικά υφής.

Το ισπανικό θέμα στη μουσική είναι μόνο ένα μέρος του έργου του συνθέτη, εγγεγραμμένο στο πλαίσιο της εποχής του. Επομένως, είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς τη δημιουργία πολλών δοκιμίων με ισπανικό θέμα εκτός πειραμάτων με άλλο εθνικό υλικό. Επίσης, ο αντίκτυπος αυτών των έργων δεν περιορίζεται στο πλαίσιο του ισπανικού θέματος.

Οι πολιτιστικοί δεσμοί της Ρωσίας και της Γαλλίας με την Ισπανία, που χαρακτηρίζονται από την εμφάνιση μιας σειράς αριστουργημάτων της μουσικής τέχνης, εντάσσονται στην τροχιά της παγκόσμιας πολιτιστικής διαδικασίας, μαρτυρώντας τον θετικό ρόλο του ανοίγματος των πολιτισμών, της αλληλεπίδρασης και της ανταλλαγής τους. μεγάλο

Οι διατάξεις και τα συμπεράσματα της διατριβής αντικατοπτρίζονται στα έργα του συγγραφέα:

1. «Ισπανικές Υπερτούρες» του Γκλίνκα (για το πρόβλημα «συνθέτης και λαογραφία») // Συλλογή άρθρων νέων επιστημόνων του ωδείου. Alma-Ata 1993. (0,5 σελ.)

2. Ξεπερνώντας τα όρια του χρόνου (Ρωσο-ισπανικοί δημιουργικοί δεσμοί) και η ρωσική κουλτούρα πέρα ​​από τα σύνορα. Μ, 1996, «Informkultura», τόμ. 4. (0,8 σελ.).

3. "Sounds and Colors of Spain" // Εικόνα της Ρωσίας στην Ισπανία. Εικόνα της Ισπανίας στη Ρωσία (υπό έκδοση). Αγία Πετρούπολη (1 σελ.).

Μην νομίζετε ότι στην Ισπανία υπήρχαν μόνο συγκεκριμένες κατευθύνσεις μουσικής. Υπήρχαν επίσης γενικά στυλ που δεν συνδέονταν με συγκεκριμένες περιοχές. Σε πολλές πόλεις της χώρας παίζονταν ρομαντικές μπαλάντες από τροβαδούρες. Από τον 15ο αιώνα άρχισαν να παίζονται ηρωικοί-επικοί θρύλοι (cantares de gesta) με τη συνοδεία της vihuela. Είναι 12χορδο μαδημένο όργανο.

Η θρησκευτική μουσική έχει τις ρίζες της βαθιά στην αρχαιότητα. Η αρχαιότερη μορφή θεωρείται η χορωδιακή μονωδία, η οποία ήταν ένα ελαφρύ άσμα που τελούνταν στα μοναστήρια από τον 7ο αιώνα.

Στα μέσα της δεκαετίας του 1990, όλα τα άσματα και οι βαρετοί ψαλμοί ηχογραφήθηκαν σε δίσκο. Και κέρδισε δημοτικότητα. Ακόμη και στους λάτρεις της σύγχρονης μουσικής αρέσει αυτό το άλμπουμ.

Μπορείτε να ακούσετε ισπανική οργανική μουσική σε αυτό το βίντεο:

Η μουσική στην Αναγέννηση

Παρά το γεγονός ότι η περίοδος της Αναγέννησης συνέπεσε με τη «χρυσή εποχή» της Ισπανίας, αυτό δεν επηρέασε ιδιαίτερα τη μουσική. Μόνο λίγοι συνθέτες έχουν κερδίσει τη φήμη και το όνομά τους.

1. Antonio de Cabezon. Έγραψε τα πρώτα κομμάτια για πλήκτρα οργάνων, τα οποία παίζονται μέχρι και σήμερα. Ήταν επίσης διάσημος για τα λειτουργικά του έργα (tento).
2. Κριστόμπαλ ντε Μοράλες. Στα μέσα του 15ου αιώνα, ο συνθέτης ασχολήθηκε με τη σύνθεση αποκλειστικά εκκλησιαστικών μελωδιών. Ήταν αυτός που κέρδισε για πρώτη φορά φήμη εκτός Ισπανίας.
3. Ο Thomas Luis de Victoria έγινε ένας άλλος διάσημος και δημοφιλής Ισπανός συνθέτης. Έγραψε μοτέτες και μάζες.

Μπαρόκ μουσική στην Ισπανία

Η Ισπανία δεν μπορεί να καυχηθεί για μεγάλους συνθέτες. Φυσικά, στην περίοδο του μπαρόκ και του κλασικισμού υπήρχαν αυλικοί συνθέτες, αλλά δεν έλαβαν παγκόσμια φήμη. Τις περισσότερες φορές, οι Ισπανοί ηγεμόνες έκαναν συνδρομές σε μουσικούς από την Ιταλία. Γρήγορα γίνεται σαφές ότι οι Ισπανοί προτιμούσαν τα τραγούδια από τα τραγούδια δωματίου. Σπάνιο παράδειγμα ισπανικής επιτυχίας μπορεί να θεωρηθεί ο Καταλανός συνθέτης Antonio Soler. Έκανε μια μέτρια ζωή σε μοναστήρι, αλλά παράλληλα ασχολούνταν συνεχώς με τη σύνθεση μουσικής.

Τον 19ο αιώνα εμφανίστηκε ο Βάσκος Juan Crisostomo Arriaga, ο οποίος συχνά αποκαλείται «Ισπανός Μότσαρτ». Ήδη σε ηλικία 13 ετών έγραψε την όπερα The Happy Slaves (Los esclavos felices, 1820). Ο ταλαντούχος συνθέτης πέθανε πολύ νωρίς σε ηλικία 19 ετών από φυματίωση.

Μπορείτε να ακούσετε την όπερα The Happy Slaves σε αυτό το βίντεο:

Η άνθιση της κλασικής ισπανικής μουσικής

Η «χρυσή εποχή» της μουσικής στην Ισπανία ξεκίνησε τον 19ο και στις αρχές του 20ου αιώνα. Οι συνθέτες αυτής της περιόδου έζησαν και εργάστηκαν στην περίοδο του ύστερου ρομαντισμού, αλλά υπό την επίδραση του εθνικού φλαμένκο, επικράτησε η εθνική συνιστώσα. Οι συνθέτες συμπεριέλαβαν στα έργα τους εθνικά κίνητρα βασισμένα στις ευρωπαϊκές τάσεις.

Ισαάκ Αλμπενίζ

Για να γίνει πιανίστας, έφυγε από το σπίτι σε ηλικία 12 ετών. Έφτασε στην Αμερική και έδωσε συναυλίες ένα χρόνο αργότερα. Το 1886, σε ηλικία 25 ετών, έγραψε το Suite Espanola, αλλά το αποκορύφωμα του έργου του ήταν το Iberia. Ο συνθέτης πέθανε σε ηλικία 48 ετών.

Μπορείτε να ακούσετε τη σύνθεση "Spanish Suite" αυτή τη στιγμή:

Ενρίκε Γρανάδος

Ο συνθέτης συνέβαλε στην ανάπτυξη της εθνικής μουσικής σχολής. Στα έργα του παρέμεινε πατριώτης. Η βάση των καλύτερων έργων του: δύο κύκλοι για πιάνο "Goyescas" (Goyescas, 1911) βασίζονται σε πίνακες του καλλιτέχνη Γκόγια. Στο ίδιο υλικό, συνέθεσε μια ομώνυμη όπερα, αλλά κατά την επιστροφή του από την πρεμιέρα, ο ταλαντούχος συνθέτης πέθανε.

Μανουέλ ντε Φάλλα

Το φωτιστικό της κλασικής μουσικής. Το έργο του De Falla επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τον Debussy και τον Ravel. Ένα από τα καλύτερα έργα είναι η σουίτα «Νύχτες στους κήπους της Ισπανίας» (Noches en los jardines de Espana, 1915). Αλλά ακόμη περισσότερη προσοχή στο πρόσωπό του τράβηξαν δύο μπαλέτα «Love the Enchantress» (El amor brujo, 1915) και «Tricorne» (El sombrero de tres picos, 1917).

Μπορείτε να ακούσετε το μπαλέτο "Love the Enchantress" σε αυτό το βίντεο:

Χοακίν του Τορίνο

Στα έργα του στράφηκε και στα εθνικά έργα, αλλά ταυτόχρονα έγραφε περισσότερη μουσική δωματίου από τα υπόλοιπα. Τα καλύτερα έργα του ήταν έργα όπως το συμφωνικό ποίημα "Πομπή αφιερωμένη στο ράντισμα του αγιασμού" (La procession del Rocio, 1913), καθώς και οι "Τσιγγάνοι χοροί" (Danzas Gitanas, 1930), που γράφτηκαν για πιάνο.

Χοακίν Ροντρίγκο

Στο έργο του, χρησιμοποίησε ένα μείγμα ιμπρεσιονισμού και εθνικών παραδόσεων. Μπήκε στην ιστορία της ισπανικής μουσικής ως ταλαντούχος συνθέτης για κιθάρα και ορχήστρα. Το «Aranjuez Concert» του είναι γνωστό σε όλο τον κόσμο.

Μπορείτε να ακούσετε τη σύνθεση του Hokian Rodrigo τώρα:

Πώς εξοικονομούμε έως και 25% σε ξενοδοχεία;

Είναι πολύ απλό - χρησιμοποιούμε μια ειδική μηχανή αναζήτησης RoomGuru για 70 υπηρεσίες για κρατήσεις ξενοδοχείων και διαμερισμάτων με την καλύτερη τιμή.

Μπόνους για ενοικίαση διαμερισμάτων 2100 ρούβλια

Αντί για ξενοδοχεία, μπορείτε να κάνετε κράτηση ενός διαμερίσματος (1,5-2 φορές φθηνότερα κατά μέσο όρο) στο AirBnB.com, μια πολύ βολική παγκοσμίως και γνωστή υπηρεσία ενοικίασης διαμερισμάτων με μπόνους 2100 ρούβλια κατά την εγγραφή

Ο πολιτισμός και οι παραδόσεις της Ισπανίας διαφέρουν σημαντικά από την πολιτιστική κληρονομιά, τα έθιμα και τις πνευματικές αξίες άλλων ευρωπαϊκών χωρών. Πολλοί τουρίστες προσελκύονται από την πολύχρωμη ατμόσφαιρα, το ταμπεραμέντο, τη φιλικότητα και την καλοσύνη του ντόπιου πληθυσμού.

Ποια είναι τα χαρακτηριστικά του πολιτισμού της Ισπανίας

Λόγω της ιδιαίτερης γεωγραφικής του θέσης, ο πολιτισμός είναι προικισμένος με μοναδική πρωτοτυπία, πλούτο και ομορφιά. Η εδαφική θέση στα σύνορα μεταξύ Αφρικής και Ευρώπης, οι ακτές που βρέχονται από τη ζεστή Μεσόγειο Θάλασσα και τον μαλακό Ατλαντικό Ωκεανό - όλα αυτά αντικατοπτρίζονται στις παραδόσεις και τα έθιμα της φιλόξενης Ισπανίας.

Η μακροχρόνια διαστρωμάτωση πολιτιστικών στρωμάτων προέκυψε λόγω της επιρροής διαφόρων λαών και θρησκειών. Ο πολιτισμός της Ισπανίας είναι ένας μοναδικός συνδυασμός της λαογραφικής κληρονομιάς των αρχαίων Ρωμαίων, Ελλήνων και Αράβων. Το ισπανικό στυλ «Mudejar» είναι μια συμβίωση αρχιτεκτονικής, ζωγραφικής, μουσικής, που εκφράζεται μέσα από διεθνή πολιτιστικά χαρακτηριστικά.

Ισπανική αρχιτεκτονική

Τα ιστορικά κτίρια διακρίνονται από μια ποικιλία, που υπαγορεύονται από τις τάσεις της μόδας διαφορετικών περιόδων. Ο πολιτισμός της Ισπανίας εκπροσωπείται ευρέως σε μνημειώδη κτίρια: γοτθικούς καθεδρικούς ναούς, μεσαιωνικά κάστρα, πολυτελή παλάτια. Όσον αφορά τον αριθμό των παγκοσμίου φήμης μνημείων, η Ισπανία βρίσκεται στη δεύτερη θέση, πίσω από την Ιταλία.

Οι περίεργοι τουρίστες πρέπει οπωσδήποτε να δουν την Αψίδα του Θριάμβου και το σπίτι του Casa Lleo Morera στη Βαρκελώνη. Κατευθυνόμενοι προς τη Βαλένθια, δεν μπορείτε να χάσετε την πύλη του φρουρίου Torres de Serrano, που χτίστηκε τον 14ο αιώνα. Οι κλιμακωτές πυραμίδες του Guimar, που βρίσκονται στο νησί της Τενερίφης, εκπλήσσουν τη φαντασία με την κλίμακα τους και παραμένουν ένα πανάρχαιο μυστήριο για την ανθρωπότητα. Ο μιναρές Arab Giralda με τον Χρυσό Πύργο είναι το σύμβολο της Σεβίλλης. Ο καθεδρικός ναός του Σαντιάγο ντε Κομποστέλα φιλοξενεί τα αρχαία λείψανα του Αγίου Ιακώβου, από τον οποίο πήρε το όνομά του το ιστορικό κτήριο.

Οι ιδιαιτερότητες του ισπανικού πολιτισμού αντικατοπτρίζονται και στα σύγχρονα κτίρια. Ο Πύργος Agbar, το κτήριο σε σχήμα ψαριού του αρχιτέκτονα Frank Gehry, το «Σπίτι του Μπιν Λάντεν» - αυτός είναι ένας μικρός κατάλογος με παγκοσμίου φήμης αρχιτεκτονικά έργα που αξίζει να αντιπροσωπεύουν τη χώρα τους.

Ισπανικές καλές τέχνες

Η τέχνη της Ισπανίας έχει αφήσει ένα ευρύ σημάδι στην παγκόσμια πολιτιστική ιστορία. Την παγκόσμια φήμη της ζωγραφικής έφεραν τα έργα της Χρυσής Εποχής. Αυτά περιλαμβάνουν τα αριστουργήματα του θρησκευτικού είδους που δημιούργησε ο καλλιτέχνης El Greco. Δεν είναι λιγότερο διάσημοι δημιουργοί όπως ο Francisco Ribalta, ο Diego Velazquez, ο Bartolomeo Murillo , Ζουζέπε Ριμπέρα . Οι καλλιτεχνικές παραδόσεις συνεχίστηκαν στη συνέχεια με το λαμπρό έργο του Francisco Goya. Ο Σαλβαδόρ Νταλί, ο Χουάν Μίρο, ο Πάμπλο Πικάσο και ο Χουάν Γκρις έκαναν ανεκτίμητη συμβολή στη σύγχρονη τέχνη της ζωγραφικής.

Ισπανική λογοτεχνία

Κατά τη διάρκεια της Χρυσής Εποχής, ο πολιτισμός της Ισπανίας εμπλουτίζεται με εξαιρετικά έργα του λογοτεχνικού είδους. Ο συγγραφέας του περίφημου «Δον Κιχώτη» Μιγκέλ ντε Θερβάντες έφερε φήμη στην πατρίδα του. Όχι λιγότερο διάσημοι είναι οι λογοτεχνικοί ήρωες των Felix Lope de Vega, Pedro Calderón de la Barca και Miguel de Unamuno. Η σύγχρονη λογοτεχνική φήμη υποστηρίχθηκε από τον θεατρικό συγγραφέα και ποιητή Federico Juan Goitisolo, τον Miguel Delibes και τον Camilo José Cela, ο οποίος κέρδισε το βραβείο Νόμπελ. Η τέχνη του δράματος δοξάστηκε κυρίως χάρη στον Ramon del Valle-Inclan.

Η κουλτούρα της Ισπανίας χαρακτηρίζεται από την επιτυχία του εθνικού κινηματογράφου. Ο σκηνοθέτης είναι ο συγγραφέας του αριστουργήματος «Andalusian Dog», για σαράντα χρόνια κινηματογραφικής του δραστηριότητας έχει δημιουργήσει μια ολόκληρη γκαλερί παγκοσμίου φήμης έργων. Συγγραφείς όπως ο Pedro Almodovar και ο Carlos Saura έχουν ενισχύσει τη φήμη του πλοιάρχου.

Ισπανική μουσική

Η Ισπανία είναι μια από τις παλαιότερες μουσικές χώρες της Ευρώπης. Η εκπληκτική πρωτοτυπία των ειδών τραγουδιού, της οργανικής μουσικής, της τέχνης του χορού οφείλεται στα ιστορικά χαρακτηριστικά αυτής της γης. Στην αρχική περίοδο της ανάπτυξής της, η μουσική κουλτούρα της Ισπανίας περιλάμβανε διάφορες κατευθύνσεις χαρακτηριστικές ορισμένων επαρχιών. Με την πάροδο του χρόνου, διάφοροι πολιτισμοί μπλέκονται ολοένα και περισσότερο μεταξύ τους, διαμορφώνοντας ένα ιδιαίτερο ισπανικό στυλ, αισθητά διαφορετικό από όλους τους άλλους.

Από τις αρχές του 13ου αιώνα, η ισπανική μουσική είναι γνωστή για την τέχνη του να παίζεις κιθάρα. Σήμερα το παραδοσιακό μουσικό όργανο παρουσιάζεται σε δύο τύπους: φλαμένκο και ακουστική κιθάρα. Η σύγχρονη μουσική βασίζεται στην προέλευση της λαογραφίας, η οποία διακρίνει τα ισπανικά έργα από την πρωτοτυπία και την αναγνώρισή τους.

Τα κλασικά έργα αναπτύχθηκαν τον δέκατο έκτο αιώνα, βασισμένα σε εκκλησιαστικές μελωδίες. Στις αρχές του 20ου αιώνα, οι συνθέτες Enrique Granados, Isaac Albeniz, Manuel de Falla έφεραν πανευρωπαϊκή φήμη στην ισπανική μουσική. Το σύγχρονο κλασικό τραγούδι αντιπροσωπεύεται από τις ιδιοφυείς φωνές των Montserrat Caballe, Placido Domingo και José Carreras.

Φλαμένκο

Το ιδιοσυγκρασιακό και εμπρηστικό στυλ του φλαμένκο είναι η παραδοσιακή ισπανική μουσική, που γεννήθηκε στην Ανδαλουσία. Παρουσιάζεται σε τρεις κατευθύνσεις: τραγούδι, χορό και κιθάρα. Το ύφος βασίστηκε σε αρχαίους τσιγγάνικους τελετουργικούς χορούς, οι οποίοι κληρονομήθηκαν, διατηρώντας τις παραδόσεις τους και εμπλουτίζοντας με νέα μουσικά χρώματα.

Σήμερα οι χοροί φλαμένκο παρουσιάζονται με τη μορφή μουσικών παραστάσεων γεμάτες σημασιολογικό περιεχόμενο, με έκφραση ιδιαίτερου αισθησιασμού και πάθους. Απαραίτητα χαρακτηριστικά των χορευτικών αριθμών (μακριά φορέματα, πολύχρωμα σάλια, βεντάλιες) βοηθούν στην καλύτερη έκφραση των συναισθημάτων και τονίζουν τη λαϊκή προέλευση του στυλ. Οι χοροί φλαμένκο συνοδεύονται συχνά από τους ρυθμικούς ήχους καστανιέτας, τα παλαμάκια των χεριών (παλμάς) και το εκφραστικό παίξιμο του τυμπάνου cajon.

Η κουλτούρα του χορού Flamenco συνδυάζει πολλά διαφορετικά μουσικά μοτίβα κάτω από ένα όνομα. Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του ισπανικού στυλ είναι το υποχρεωτικό στοιχείο του αυτοσχεδιασμού, το οποίο σας επιτρέπει να δημιουργήσετε εντελώς μοναδικά έργα τέχνης χορού.

Γιορτές και διακοπές στην Ισπανία

Η αρχαία προέλευση και ο πλούτος των πολιτιστικών εκδηλώσεων καθορίζουν την εντυπωσιακή ομορφιά και πρωτοτυπία των εθνικών εορτών. Η μουσική χώρα φιλοξενεί κάθε χρόνο διάφορα φεστιβάλ, καρναβάλια και πομπές.

Το Φεβρουάριο διοργανώνεται πανελλαδικό καρναβάλι, ειδικά στο νησί της Τενερίφης. Η παραμονή του Πάσχα δεν είναι πλήρης χωρίς πολλές σταυροφορίες και θρησκευτικές πομπές, στολισμένες με πολύχρωμα και πολύχρωμα σύνεργα.

Τα πιο διάσημα φεστιβάλ γίνονται το καλοκαίρι και το φθινόπωρο: μουσική, θέατρο, χορός. Η κατηγορία των πρωτότυπων εκδηλώσεων μπορεί να αποδοθεί στην Tomatina - το φεστιβάλ της τομάτας, όπου πραγματοποιείται μια μεγαλειώδης σφαγή ντομάτας.

Ταυρομαχία

Η πολιτιστική κληρονομιά της Ισπανίας, αναμφίβολα, είναι η περίφημη ταυρομαχία – ταυρομαχία. Το φαντασμαγορικό γεγονός παρουσιάζεται με μια ζωντανή παράσταση που περιλαμβάνει πανάρχαιες παραδόσεις τέχνης που βασίζονται στο σεβασμό για τα ιερά ζώα, το πάθος και τον θανάσιμο κίνδυνο.

Στην αρχαιότητα, η ταυρομαχία ήταν υποχρεωτικό στοιχείο των εθνικών εορτών. Σήμερα είναι μια ολόκληρη τέχνη που ενσαρκώνει το ισπανικό πνεύμα και την εθνική ταυτότητα. Η ομορφιά της ταυρομαχίας μοιάζει με τον χορό μπαλέτου, όπου ο ταυρομάχος δείχνει την ικανότητα, το θάρρος και το ταλέντο του.

Εκλεκτοί άνθρωποι, που δοξάζουν την ιστορία της χώρας τους για πολλούς αιώνες, έχουν δημιουργήσει και συνεχίζουν να διατηρούν μια εθνική κληρονομιά, το όνομα της οποίας είναι ο πολιτισμός της Ισπανίας. Έχοντας εξετάσει εν συντομία τις δημιουργικές κατευθύνσεις της ανθρώπινης δραστηριότητας, δεν μπορεί παρά να εμποτιστεί με βαθύ σεβασμό για τον ισπανικό λαό, ο οποίος διατηρεί προσεκτικά και ενισχύει τις πολιτιστικές παραδόσεις της πατρίδας του.

1.2 Χαρακτηριστικά των σκηνικών ειδών στην Ισπανία στις αρχές του ΧΧ αιώνα

Στις αρχές του 20ου αιώνα, το ισπανικό δράμα και το θέατρο γνώρισαν παρακμή, αν και ο αριθμός των θεατρικών κτιρίων και των θιάσων αυξήθηκε. Οι εκτιμήσεις κερδοφορίας υπερίσχυσαν πάνω από όλα. Οι χώροι των θεάτρων και του θιάσου βρίσκονταν στα χέρια διαφόρων επιχειρηματιών· δεν υπήρχαν μόνιμα λειτουργούντα σταθερά θέατρα. Μόνο οι πιο ισχυροί θίασοι έχουν παίξει αρκετές σεζόν στη σειρά στο ίδιο θέατρο. οι περισσότεροι θίασοι μετακινούνταν από πόλη σε πόλη. Όλος ο τρόπος της θεατρικής ζωής ήταν ξεπερασμένος. Σκηνοθεσία πρακτικά δεν υπήρχε, κλισέ επικράτησαν στην υποκριτική. Στο ρεπερτόριο κυριαρχούσαν τα ισπανικά και μεταφράστηκαν κομμάτια ελαφρού περιεχομένου, συχνά χυδαίο. Το θέατρο ανέλαβε ένα μικρό οικιακό οικόπεδο. Έργα καινοτόμων θεατρικών συγγραφέων σπάνια έβγαιναν στη σκηνή. Δεν ανέβηκαν ξένα κλασικά. Τα ισπανικά έργα του «χρυσού κατάδικου» παίζονταν αρκετά σπάνια και σχεδόν (πάντα σε αλλοιώσεις, παραμορφώνοντας από πολλές απόψεις αυτά τα έργα Balashov N.I. Ισπανικό κλασικό δράμα. M., 1975..

Τον τόνο στο θέατρο έδινε το αριστοκρατικό και αστικό κοινό, που του ζητούσε μόνο ψυχαγωγία και του ενστάλαξε χυδαία γούστα (είναι βασικά τα ίδια χαρακτηριστικά που χαρακτηρίζουν την κατάσταση του θεάτρου στην Ισπανία και υπό την κυριαρχία των Φραγκοϊστών).

Παράλληλα, ξεκίνησε στην Ισπανία ένα κίνημα για την αναβίωση μιας καλλιτεχνικής και ξεχωριστής εθνικής μουσικής κουλτούρας (το λεγόμενο Renasimiento), με επικεφαλής τον συνθέτη και μουσικό δημόσιο πρόσωπο F. Pedrell. Το μουσικό του op. (η τριλογία της όπερας «Πυρηναία» κ.λπ.), τα θεωρητικά έργα και η παιδαγωγική δραστηριότητα είχαν καθοριστική επίδραση στη διαμόρφωση της σύγχρονης ισπανικής σχολής σύνθεσης. Οι ιδρυτές της νέας μουσικής είναι οι μαθητές του Pedrell I. Albéniz, E. Granados y Campigna και M. de Falla y Mateu. Το έργο του M. de Falla είναι η κορυφή της σύγχρονης ισπανικής μουσικής, ένα από τα υψηλότερα επιτεύγματα των δυτικοευρωπαϊκών μουσικών κλασικών έργων του 20ού αιώνα. Έφτασε σε υψηλό επίπεδο τον ΧΧ αιώνα. παραστατικές τέχνες: πιανίστες J. Turin, R. Vignes, βιολιστές P. Sarasate y Navasquez, J. Manen, τσελίστες P. Casals, G. Casado, κιθαρίστες F. Tarrega, M. Llobet, A. Segovia, μαέστροι E F. Arbos , H. Iturbi, τραγουδιστής M. Guy. E. Hidalgo, C. Supervia, V. de los Angeles, T. Berganza, P. Lorengar. Οι μουσικολόγοι περιλαμβάνουν τους R. Mithana-i-Gordon, F. Gascue, A. Salazar, H. Subira, E. L. Chavarri, E. M. Torner και άλλους. Sarabyanov D. V. Μοντέρν. Προέλευση. Ιστορία. Προβλήματα. - Μ .: Τέχνη, 1989. - Σελ.108

Κατά τη διάρκεια του Ισπανικού Εμφυλίου Πολέμου, τα θέατρα που βρίσκονταν σε εδάφη που ελέγχονταν από τους Ρεπουμπλικάνους καταλήφθηκαν από το κράτος. Η θεατρική ζωή σε αυτά τα θέατρα αναβίωσε αισθητά και προχώρησε σημαντικά. Επιπλέον, αυτά τα θέατρα σχημάτισαν κινητούς θιάσους που έπαιζαν στο μέτωπο.

Μετά τη νίκη του στρατηγού Φράνκο, όλες οι προοδευτικές μεταρρυθμίσεις στη θεατρική σφαίρα, που πραγματοποιήθηκαν από τη δημοκρατική κυβέρνηση, ακυρώθηκαν. Τα θέατρα στην Ισπανία πέρασαν ξανά σε ιδιωτικά χέρια και έγιναν εμπορική επιχείρηση. Κατ' αρχήν δεν ήταν τόσο άσχημα, αλλά υπήρξαν σημαντικές αλλαγές στο θεατρικό ρεπερτόριο. Μαζί με παραστάσεις με κοινωνικό θέμα, άρχισαν πάλι να ανεβάζουν κυρίως ελαφριές διασκεδαστικές παραστάσεις. Το θέατρο έχανε τις μοντερνιστικές του τάσεις, ακόμη και τις εθνικές του ιδιαιτερότητες, το κέντρο του δράματος μετατοπίστηκε από τη Μαδρίτη στη Βαρκελώνη, το ισπανικό θέατρο έγινε περισσότερο ένας «καταλανικός» Ranx O.C. "Count Alarkos" H. Grau: κουκλοθέατρο // Δελτίο VyatGUU. Τόμος 2. Φιλολογία και ιστορία της τέχνης. Νο 3 (2) 2011.Σ.146-150. ...

Μόνο στα μέσα της δεκαετίας του 1950, παρά τις ισχυρές πιέσεις από την κυβέρνηση του Φράνκο, ισπανικά κλασικά έργα ανέβηκαν ξανά σε θέατρα στην Ισπανία. Σταδιακά, έργα με οξύτατη κριτική της κοινωνίας άρχισαν να περιλαμβάνονται στα ρεπερτόρια των ισπανικών θεάτρων. Επιπλέον, οι ερασιτεχνικοί φοιτητικοί θίασοι έγιναν πολύ δημοφιλείς στην Ισπανία τις δεκαετίες του 1950 και του 1960, οι οποίοι ανέβαζαν επίσης παραστάσεις που ήταν κυρίως σε αντίθεση με το καθεστώς του Φράνκο. Αυτά τα θέατρα είχαν αναμφίβολα θετικό αντίκτυπο στο επαγγελματικό θέατρο στην Ισπανία. Επιπλέον, μεγάλωσαν έναν ολόκληρο γαλαξία ταλαντούχων ηθοποιών και σκηνοθετών Silyunas, V. Yu. "Η ζωή είναι ένα όνειρο" - ένα δράμα και ένα έργο // Προβλήματα της Ιβηροαμερικανικής Τέχνης: συλλογή άρθρων. άρθρα / [otv. εκδ. E. A. Kozlova]. - M .: Editorial URRS, 2008. Τεύχος. 2. - Σελ. 13.

«Ασημένια εποχή» του ρωσικού πολιτισμού

1.1 Ποίηση Οι αρχές του εικοστού αιώνα ήταν η περίοδος ακμής της ρωσικής ποίησης, η εποχή της εμφάνισης λαμπρών δημιουργικών ατόμων όπως οι K. Balmont, A. Blok, S. Yesenin, I. Severyanin, N. Gumilyov, A. Akhmatova, M. Voloshin, A. Bely και άλλοι ποιητές ...

Αρχιτεκτονική του Novgorod XI-XV αιώνες

Στο δεύτερο μισό του XII αιώνα, σε βάρος των βογιαρών, εμπόρων, κατοίκων της πόλης, άρχισαν να χτίζονται μικροί, μέτριοι, αλλά εντυπωσιακοί ναοί. Ήταν εκείνη την εποχή που εμφανίστηκε ένας νέος τύπος ναού - σχεδόν τετράγωνος σε κάτοψη, με κυβοειδή όγκο ...

Συνεισφορές του πολιτισμού και της τέχνης του 20ου αιώνα στον παγκόσμιο πολιτισμό

Ισλαμικός-Αραβικός πολιτισμός. Ευρωπαϊκή τέχνη του 19ου αιώνα: εξέλιξη ειδών, ειδών και στυλ

Το πρώτο μισό του 19ου αιώνα ξεδιπλώθηκε στην Ευρώπη ο πολεοδομικός σχεδιασμός πρωτοφανής ως προς το εύρος του. Οι περισσότερες από τις ευρωπαϊκές πρωτεύουσες είναι το Παρίσι, η Αγία Πετρούπολη ...

Πολιτισμός της Ρωσίας X αιώνας

Το πρώτο εθνικό γεγονός, που ξεπερνούσε στην κλίμακα του όλες τις ενδοφυλικές υποθέσεις των ντόπιων πριγκίπων, ήταν το πολυούντι. Δεν είναι περίεργο που αυτή η ρωσική λέξη μπήκε στη γλώσσα του Έλληνα Καίσαρα και στη γλώσσα των σκανδιναβικών σάγκα ...

Πολιτιστική και πνευματική ζωή της ρωσικής κοινωνίας τον 19ο αιώνα

Οι αρχές του 19ου αιώνα ήταν μια εποχή πολιτιστικής και πνευματικής ανόδου στη Ρωσία, την οποία (ειδικά στην αρχή) προώθησε η πολιτική του Αλέξανδρου Α' - η πολιτική του «φωτισμένου απολυταρχισμού». Τα κύρια ιστορικά γεγονότα της εποχής του ...

Η πολιτιστική πτυχή της ανάπτυξης της Δυτικής Ευρώπης στις αρχές του δέκατου ένατου αιώνα

Τον δέκατο ένατο αιώνα, συντελείται η συγκρότηση μιας βιομηχανικής κοινωνίας. Ξεκίνησε τον 18ο αιώνα και υπήρχε μέχρι τα μέσα του 20ου αιώνα. Ο ευρωπαϊκός πολιτισμός δεν θα μπορούσε παρά να αντιδράσει στις οικονομικές και κοινωνικές αλλαγές στην κοινωνία ...

Ο μοντερνισμός στον ισπανικό πολιτισμό

Μουσική του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα

Το τέλος του 19ου και οι αρχές του 20ου αιώνα (μέχρι το 1917) είναι μια περίοδος όχι λιγότερο πλούσια, αλλά πολύ πιο δύσκολη. Δεν το χωρίζει κανένα διάλειμμα από το προηγούμενο: το καλύτερο ...

Εθνική νοοτροπία και χαρακτήρας του λαού της Ισπανίας

Χαρακτηριστικά της ανάπτυξης της θεατρικής τέχνης στη Γερμανία και τη Ρωσία στις αρχές του εικοστού αιώνα

Πορτρέτο της Μεγάλης Δούκισσας Alexandra Pavlovna από τον Borovikovsky από την άποψη της ανάλυσης της ιστορίας της τέχνης

Ο δέκατος όγδοος αιώνας έγινε ένα από τα σημεία καμπής στην ιστορία της Ρωσίας. Ο πολιτισμός που εξυπηρετούσε τις πνευματικές ανάγκες αυτής της περιόδου άρχισε να αποκτά γρήγορα κοσμικό χαρακτήρα, κάτι που διευκολύνθηκε πολύ από την προσέγγιση της τέχνης με την επιστήμη ...

Ανάπτυξη της ζωγραφικής στη Ρωσία στα τέλη του XIX - αρχές του XX αιώνα

Με την κρίση του λαϊκιστικού κινήματος, τη δεκαετία του '90, «η αναλυτική μέθοδος του ρεαλισμού του 19ου αιώνα». Lapshina N. «Ο κόσμος της τέχνης». Δοκίμια ιστορίας και δημιουργικής πρακτικής. M., 1977.- P.86., Όπως λέγεται στην εγχώρια επιστήμη, γίνεται ξεπερασμένο ...

Ρωσικός πολιτισμός του τέλους του εικοστού αιώνα. Μεταμοντέρνα αρχιτεκτονική

Ο πολιτισμός της μετασοβιετικής Ρωσίας (από τη δεκαετία του '90 του 20ου αιώνα έως τις αρχές του 21ου αιώνα) είναι περίπλοκος και αντιφατικός. Με μερική αποδυνάμωση της επιρροής του κρατικού μηχανισμού, με πολιτικό και ιδεολογικό πολυκομματικό σύστημα ...

Η δημιουργικότητα των ιμπρεσιονιστών ως εκδήλωση της ασυνέπειας της ιστορικής εποχής

Η ιστορική και πολιτιστική κληρονομιά της Ισπανίας είναι πλούσια και ποικίλη, σχηματίστηκε από πολλές εποχές, λαούς, θρησκείες, καθώς και τη συνοριακή θέση της Ισπανίας μεταξύ Ευρώπης και Αφρικής, την απομόνωση της Μεσογείου και την απεραντοσύνη του Ατλαντικού Ωκεανού. Η κουλτούρα της Ισπανίας έχει δώσει στον κόσμο φλαμένκο και κιθάρα, νουβέλα και γκασπάτσο, καθώς και έναν τεράστιο αριθμό περίπλοκων αρχιτεκτονικών δομών. Είναι αδύνατο να μην παρατηρήσετε ότι οι Ισπανοί αγαπούν να ντύνονται καλά και να απολαμβάνουν τη ζωή. Το χρώμα αυτής της χώρας ενέπνευσε τον Πικάσο, τον Γκόγια, τον Βελάσκεθ, τον Νταλί και άλλες διάσημες προσωπικότητες. Η επιρροή διαφορετικών θρησκειών, πολιτισμών και λαών, η συνοριακή θέση μεταξύ Αφρικής και Ευρώπης, η απεραντοσύνη του Ατλαντικού Ωκεανού - όλα αυτά αντικατοπτρίζονται στις παραδόσεις και τα μνημεία της Ισπανίας.

Αρχιτεκτονική
Η αρχιτεκτονική της Ισπανίας είναι η ανάμνηση των παραδόσεων των περασμένων πολιτισμών. Υπάρχουν υδραγωγεία και αντίκες αμφιθέατρα δίπλα-δίπλα, έχουν διατηρηθεί δείγματα μαυριτανικής αρχιτεκτονικής της εποχής του Χαλιφάτου - το παλάτι Ναζαρέτ στη Γρανάδα και το Αλκαζάρ στη Σεβίλλη - έχουν διατηρηθεί. Η Ισπανία έχει τον μεγαλύτερο αριθμό καθεδρικών ναών στον κόσμο. Μεταξύ αυτών: οι γοτθικοί ναοί του Μπουργκάς, της Ταραγόνα, της Σεβίλλης, του Τολέδο, ο ρωμανικός καθεδρικός ναός στο Σαντιάγο ντε Κομποστέλα. η κατοικία των Ισπανών βασιλιάδων - El Escorial κοντά στη Μαδρίτη. καθεδρικούς ναούς της Μούρθια, της Βαλένθια, της Γρανάδας, καθώς και στην πόλη Teruel. Επίσης γνωστές δημιουργίες: Antoni Gaudi - Sagrada Familia Cathedral and Park Guell στη Βαρκελώνη. Ρικάρντα Μποφίλα (Μπαρτσελόνα), Σαντιάγο Καλατράβα (Βαλένθια, Σεβίλλη) και Ραφαέλ Μονέο (Μαδρίτη).

Ζωγραφική
Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς την παγκόσμια ωραία τέχνη χωρίς ζωγραφική στην Ισπανία. Η ακμή του ξεκίνησε με το έργο του Domenico Teotokopouli, με το παρατσούκλι El Greco, ο οποίος έγινε ο ιδρυτής και επικεφαλής της σχολής ζωγραφικής του Τολέδο. Την Ισπανία δόξασαν και αυτοί που τον ακολούθησαν, ο Χοσέ ντε Ριμπέρα, ο Φρανσίσκο Ζουρμπαράν, ο Μπ. Ε. Μουρίγιο και ο Βελάσκεθ, οι πίνακες των οποίων φυλάσσονται πλέον στα καλύτερα μουσεία του κόσμου.

Η ισπανική ζωγραφική είναι αδιανόητη ακόμη και χωρίς το έργο του Francisco Goya (1746-1828), καθώς και του πρωτοπόρου του σουρεαλισμού Salvador Dali (1904-1989), του ιδρυτή του κυβισμού Juan Gris (1887-1921), του αφηρημένου καλλιτέχνη Juan Miro ( 1893-1983) και τον λαμπρό πολυδύναμο δάσκαλο Πάμπλο Πικάσο (1881-1973).

Βιβλιογραφία
Η ισπανική λογοτεχνία έχει διανύσει πολύ δρόμο για να γίνει ένα από τα πιο ορατά συστατικά της παγκόσμιας λογοτεχνίας σήμερα. Είναι δύσκολο να υπερεκτιμηθεί η συνεισφορά της μόνο και μόνο επειδή οι δύο πιο διάσημοι κοινοί τύποι ανθρώπων - ο Δον Κιχώτης και ο Δον Ζουάν - δημιουργήθηκαν από Ισπανούς συγγραφείς.
Το πρώτο ισπανικό λογοτεχνικό έργο που έγινε ευρέως γνωστό είναι το επικό ποίημα «Song of my Side» (περίπου 1140). Οι Felix Lope de Vega, Pedro Calderon de la Barco, Tirso de Molina, Miguel de Cervantes θεωρούνται οι κλασικοί της ισπανικής λογοτεχνίας.

Ξεκινώντας από τα τέλη του XIX αιώνα, που ονομάζεται περίοδος πνευματικής ανανέωσης της Ισπανίας, εμφανίστηκαν νέοι συγγραφείς στη χώρα, τα έργα των οποίων βρίσκουν γρήγορα τους αναγνώστες τους σε όλο τον κόσμο: Miguel de Unamuno, Ramon Maria del Valle Inclan, Federico Garcia Lorca. Μεταξύ των σύγχρονων συγγραφέων αξίζει να αναφερθούν ο νομπελίστας του 1989 Camilo José Cela, καθώς και οι Juan Goitisolo, Miguel Delibes, Manuel Vasquez Montalban.

ΜΟΥΣΙΚΗ
Οι θησαυροί της μουσικής κουλτούρας της Ισπανίας περιλαμβάνουν επίσης: την κιθάρα, η οποία εμφανίστηκε τη δεκαετία του 1790 στην Ανδαλουσία, όταν προστέθηκαν έξι χορδές στο αραβικό λαούτο. και φλαμένκο - που σημαίνει «βαθιά μουσική», ο πιο διάσημος ερμηνευτής του είναι ο Πάκο ντε Λουτσία.

Πολλά φεστιβάλ διαφόρων ειδών τέχνης πραγματοποιούνται στην Ισπανία κάθε χρόνο. Για παράδειγμα, η Γρανάδα φιλοξενεί ένα μουσικό φεστιβάλ που συγκεντρώνει καλλιτέχνες φλαμένκο και άλλων ειδών χορών. στο San Javier - τζαζ? Οι λάτρεις του θεάτρου μπορούν να επισκεφθούν το φεστιβάλ στη Μέριδα. Στην Torrevieja μπορείτε να πάρετε μέρος στο φωνητικό φεστιβάλ Habaneras. στη Μαδρίτη υπάρχει ένα μουσικό φεστιβάλ, και για τους λάτρεις του κινηματογράφου, στο Σαν Σεμπαστιάν, ένα διεθνές φεστιβάλ κινηματογράφου.

Κινηματογραφία
Η ιστορία του ισπανικού κινηματογράφου έχει μακρά παράδοση: ήδη από τη δεκαετία του 1920, κυκλοφόρησε η ταινία «Andalusian Forest» του Luis Buñuel. Έκτοτε, Ισπανοί σκηνοθέτες, συμπεριλαμβανομένων των Carlos Saura (Carmen), Pedro Almodovar (A Woman on the Verge of a Nervous Breakdown, Kica, κ.λπ.), Fernando Trueva (Belle Epoque), Julio Medel ( Red Squirrel), συνέβαλαν στο εδραίωση της παγκόσμιας φήμης του ισπανικού κινηματογράφου.

Σήμερα, οι ταινίες ισπανικής παραγωγής αντιπροσωπεύουν μόνο το 10-20% της διανομής ταινιών στην Ισπανία, γεγονός που μιλά για την κρίση του εθνικού κινηματογράφου. Ο σύγχρονος ισπανικός κινηματογράφος εξαρτάται από τις επεισοδιακές επιτυχίες και τις εισπράξεις της λεγόμενης «comedia madrileña» των Fernando Colomo και Fernando Trueba, τα εκλεπτυσμένα μελοδράματα του Pedro Almodovar, το μαύρο χιούμορ του Alex de la Iglesia και το τραχύ χιούμορ (Santiago Segura ) του Santiago Segura δουλεύει επίσης ο Alejandro Amenabar σε τέτοιο βαθμό που, σύμφωνα με τον παραγωγό José Antonio Félez, το 2004, «50% του box office συγκέντρωναν 5 ταινίες και 8-10 ταινίες παρήγαγαν το 80% του συνόλου. " Το 1987 ιδρύθηκε στην Ισπανία το κινηματογραφικό βραβείο Goya, ένα είδος αντιστάθμισης στα Όσκαρ για τον ισπανικό κινηματογράφο.

Ταυρομαχία
Οι ταυρομαχίες είναι μια παραδοσιακή ισπανική διασκέδαση που χαρακτηρίζει έντονα τον πολιτισμό της Ισπανίας. Στην Εποχή του Χαλκού, η θανάτωση ενός ταύρου ήταν μια σημαντική τελετουργία και μέχρι τα τέλη του 6ου αιώνα, οι ταυρομαχίες έγιναν ψυχαγωγία για την ανώτερη τάξη - ένας ιππότης έφιππος πάλεψε με τον ταύρο.

Οι ταυρομαχίες με τα πόδια γίνονται αργότερα, τον 18ο αιώνα, στην Ανδαλουσία. Τότε εμφανίστηκε ο διάσημος ταυρομάχος. Ο Χουάν Μπελμόντε θεωρείται ένας θρυλικός ταυρομάχος, ο οποίος δημιούργησε ένα μοντέρνο στυλ και την εικόνα ενός ματαδόρ.
Στην ταυρομαχία συμμετέχουν μόνο ιβηρικοί ταύροι ειδικής εκτροφής.
Η ηθική της ταυρομαχίας απαιτεί από έναν ταυρομάχο να σέβεται τον ταύρο ως άξιο, δυνατό και γενναίο αντίπαλο. Αν ο ταύρος καταφέρει να επιβιώσει, δεν συμμετέχει ποτέ ξανά στην παράσταση.

Ο ταύρος πρέπει να σκοτωθεί μέσα σε 10 λεπτά μετά το ψυχαγωγικό μέρος της παράστασης. Είναι κρίμα για τον ταυρομάχο να μείνει ζωντανός ο ταύρος. Το ύψος της ικανότητας είναι ο θάνατος ενός ταύρου από ένα σπαθί με την πρώτη προσπάθεια.
Εάν ο ταύρος δείξει εξαιρετικό θάρρος, μπορεί να συγχωρεθεί. Ο κύριος στόχος του ματαδόρ είναι να αποκαλύψει τον χαρακτήρα και τις δυνατότητες του ταύρου ώστε να συγχωρεθεί. Οι περιπτώσεις συγχώρεσης ενός ταύρου είναι πολύ σπάνιες, γιορτάζονται ως αργία.
Όλο το κρέας ταύρου αποστέλλεται για κοινωνικούς και φιλανθρωπικούς σκοπούς αμέσως μετά την παράσταση.

Φλαμένκο
Το φλαμένκο είναι μια διάσημη ισπανική τέχνη, της οποίας η πατρίδα είναι η Ανδαλουσία. Το Flamenco είναι μια καταπληκτική συγχώνευση τραγουδιού (Cante), χορού (Baile) και κιθάρας (Guitarra), και περιλαμβάνει επίσης διάφορες μορφές από ένα μείγμα αυτών των ειδών. Η πρώτη γραπτή αναφορά του φλαμένκο χρονολογείται από το 1774. Το φλαμένκο επηρεάστηκε από δύο πολιτισμούς - τον τσιγγάνικο, από τον οποίο πήρε το χορευτικό του μέρος το φλαμένκο και τον μαυριτανικό, που έδωσε βαθύ νόημα στη μουσική φλαμένκο.

Τα στυλ Flamenco (palos) διαφέρουν ως προς το ρυθμικό μοτίβο, υπάρχουν περισσότερα από 50 από αυτά. Τα πιο δημοφιλή στυλ είναι τα Tones, Fandango, Soleo και Segiriya. Τα τραγούδια και οι χοροί συνοδεύονται συνήθως από κρουστά (χτύπημα με καστανιέτες, παλαμάκια) και κιθάρα.

Οι τσιγγάνοι της Ανδαλουσίας είναι οι φύλακες των παραδόσεων του φλαμένκο. Το 2010, το Flamenco τιμήθηκε με το καθεστώς του Μνημείου Παγκόσμιας Κληρονομιάς από την UNESCO.

Η κουλτούρα της Ισπανίας είναι πολύ πολύπλευρη και ποικίλη, σε διαφορετικές περιοχές της χώρας είναι διαφορετική.
Τέτοιες πολιτιστικές τάσεις όπως ο χορός φλαμένκο, οι ταυρομαχίες, η ισπανική κιθάρα χαρακτηρίζουν τέλεια τα εθνικά χαρακτηριστικά της Ισπανίας, την παθιασμένη και ευμετάβλητη φύση τους.