Αναγέννηση. Δοκίμιο για τη μουσική κουλτούρα της αναγέννησης Μήνυμα με θέμα τη μουσική κουλτούρα της αναγέννησης

αναγέννηση, ή αναγέννηση(φρ. αναγέννηση), - σημείο καμπής στην ιστορία του πολιτισμού των ευρωπαϊκών λαών. Στην Ιταλία, νέες τάσεις εμφανίστηκαν ήδη στο γύρισμα του 13ου-14ου αιώνα, σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες - τον 15ο-16ο αιώνα. Οι φιγούρες της Αναγέννησης αναγνώρισαν ένα άτομο - το καλό του και το δικαίωμα στην ελεύθερη ανάπτυξη της προσωπικότητας - ως την υψηλότερη αξία. Αυτή η κοσμοθεωρία ονομάστηκε «ανθρωπισμός» (από τα λατινικά humanus - «άνθρωπος», «άνθρωπος»). Οι ανθρωπιστές αναζήτησαν το ιδανικό ενός αρμονικού ανθρώπου στην αρχαιότητα και η αρχαία ελληνική και ρωμαϊκή τέχνη χρησίμευσε ως πρότυπο για την καλλιτεχνική τους δημιουργικότητα. Η επιθυμία να «αναβιώσει» ο αρχαίος πολιτισμός έδωσε το όνομα σε μια ολόκληρη εποχή - την Αναγέννηση, την περίοδο μεταξύ του Μεσαίωνα και της Νέας Εποχής (από τα μέσα του 17ου αιώνα μέχρι σήμερα).

Η κοσμοθεωρία της Αναγέννησης αντικατοπτρίζει πλήρως την τέχνη, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής. Την περίοδο αυτή, όπως και τον Μεσαίωνα, η ηγετική θέση ανήκε στη φωνητική εκκλησιαστική μουσική. Η ανάπτυξη της πολυφωνίας οδήγησε στην εμφάνιση της πολυφωνίας (από το ελληνικό "polis" - "πολύς" και "φόντο" - "ήχος", "φωνή"). Με αυτό το είδος πολυφωνίας, όλες οι φωνές στο έργο είναι ίσες. Η πολυφωνία όχι μόνο περιέπλεξε το έργο, αλλά επέτρεψε στον συγγραφέα να εκφράσει μια προσωπική κατανόηση του κειμένου, έδωσε στη μουσική μεγαλύτερη συναισθηματικότητα. Μια πολυφωνική σύνθεση δημιουργήθηκε με αυστηρούς και πολύπλοκους κανόνες, απαιτώντας βαθιά γνώση και δεξιοτεχνία από τον συνθέτη. Στα πλαίσια της πολυφωνίας αναπτύχθηκαν εκκλησιαστικά και κοσμικά είδη.

Ολλανδική πολυφωνική σχολή. Η Ολλανδία είναι μια ιστορική περιοχή στη βορειοδυτική Ευρώπη, η οποία περιλαμβάνει τα εδάφη του σύγχρονου Βελγίου, της Ολλανδίας, του Λουξεμβούργου και της Βορειοανατολικής Γαλλίας. Μέχρι τον 15ο αιώνα Η Ολλανδία έφτασε σε υψηλό οικονομικό και πολιτιστικό επίπεδο και μετατράπηκε σε μια ευημερούσα ευρωπαϊκή χώρα.

Εδώ σχηματίστηκε η ολλανδική πολυφωνική σχολή - ένα από τα μεγαλύτερα φαινόμενα της αναγεννησιακής μουσικής. Για την ανάπτυξη της τέχνης του 15ου αιώνα σημαντική ήταν η επικοινωνία μουσικών από διάφορες χώρες, η αμοιβαία επιρροή των δημιουργικών σχολών. Το ολλανδικό σχολείο απορρόφησε τις παραδόσεις της Ιταλίας, της Γαλλίας, της Αγγλίας και των Κάτω Χωρών.

Οι εξέχοντες εκπρόσωποί του: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (περίπου 1400 - 27/11/1474, Cambrai), Γαλλο-Φλαμανδός συνθέτης, ένας από τους ιδρυτές της ολλανδικής σχολής. Τα θεμέλια της πολυφωνικής παράδοσης στην ολλανδική μουσική έθεσε ο Guillaume Dufay (περίπου 1400 - 1474). Γεννήθηκε στην πόλη Cambrai της Φλάνδρας (επαρχία στα νότια της Ολλανδίας) και από μικρός τραγουδούσε στην εκκλησιαστική χορωδία. Παράλληλα, ο μελλοντικός μουσικός παρακολούθησε ιδιαίτερα μαθήματα σύνθεσης. Στα νιάτα του, ο Dufay πήγε στην Ιταλία, όπου έγραψε τις πρώτες του συνθέσεις - μπαλάντες και μοτέτες. Το 1428-1437. Υπηρέτησε ως τραγουδιστής στο παπικό παρεκκλήσι της Ρώμης. αυτά τα χρόνια ταξίδεψε στην Ιταλία και τη Γαλλία. Το 1437, ο συνθέτης πήρε ιερές εντολές. Στην αυλή του δούκα της Σαβοΐας (1437-1439), συνέθεσε μουσική για επίσημες τελετές και γιορτές. Ο Dufay έχαιρε μεγάλης εκτίμησης από ευγενείς ανθρώπους - μεταξύ των θαυμαστών του ήταν, για παράδειγμα, το ζεύγος των Μεδίκων (ηγεμόνες της ιταλικής πόλης της Φλωρεντίας). [Εργάστηκε σε Ιταλία και Γαλλία. Το 1428-37 ήταν ψάλτης παπικών παρεκκλησιών στη Ρώμη και σε άλλες ιταλικές πόλεις, το 1437-44 υπηρέτησε με τον δούκα της Σαβοΐας. Από το 1445 κανόνας και επικεφαλής των μουσικών δραστηριοτήτων του καθεδρικού ναού στο Cambrai. Δάσκαλος πνευματικών (3-, 4-φωνών μαζών, μοτέτα), καθώς και κοσμικών (3-, 4-φωνών γαλλικά chansons, ιταλικά τραγούδια, μπαλάντες, rondo) είδη που σχετίζονται με τη λαϊκή πολυφωνία και την ουμανιστική κουλτούρα της Αναγέννησης. Η τέχνη του Δ., που απορρόφησε τα επιτεύγματα της ευρωπαϊκής μουσικής τέχνης, είχε μεγάλη επιρροή στην περαιτέρω ανάπτυξη της ευρωπαϊκής πολυφωνικής μουσικής. Υπήρξε επίσης αναμορφωτής της μουσικής γραφής (στον Δ. αποδίδεται η εισαγωγή νότες με λευκά κεφάλια). Τα πλήρη έργα του D. που δημοσιεύθηκαν στη Ρώμη (6 τόμοι, 1951-66).] Ο Dufay ήταν ο πρώτος μεταξύ των συνθετών που άρχισε να συνθέτει τη Λειτουργία ως ολοκληρωμένη μουσική σύνθεση. Για τη δημιουργία εκκλησιαστικής μουσικής απαιτείται ένα εξαιρετικό ταλέντο: η ικανότητα έκφρασης αφηρημένων, άυλων εννοιών με συγκεκριμένα, υλικά μέσα. Η δυσκολία έγκειται στο γεγονός ότι μια τέτοια σύνθεση, αφενός, δεν αφήνει τον ακροατή αδιάφορο, και αφετέρου, δεν αποσπά την προσοχή από τη λατρεία, βοηθά να επικεντρωθεί βαθύτερα στην προσευχή. Πολλές από τις μάζες του Dufay είναι εμπνευσμένες, γεμάτες εσωτερική ζωή. φαίνεται να βοηθούν να σηκωθεί το πέπλο της Θείας αποκάλυψης για μια στιγμή.

Συχνά, όταν δημιουργούσε μια μάζα, ο Dufay έπαιρνε μια γνωστή μελωδία, στην οποία πρόσθετε τη δική του. Τέτοιοι δανεισμοί είναι χαρακτηριστικός της Αναγέννησης. Θεωρήθηκε πολύ σημαντικό η μάζα να βασίζεται σε μια γνώριμη μελωδία που οι πιστοί θα μπορούσαν εύκολα να αναγνωρίσουν ακόμη και σε ένα πολυφωνικό κομμάτι. Συχνά χρησιμοποιήθηκε ένα κομμάτι από το Γρηγοριανό άσμα. δεν εξαιρέθηκαν τα κοσμικά έργα.

Εκτός από την εκκλησιαστική μουσική, ο Dufay συνέθεσε μοτέτα σε κοσμικά κείμενα. Σε αυτά χρησιμοποίησε και μια πολύπλοκη πολυφωνική τεχνική.

Josquin Despres (1440-1521). Εκπρόσωπος της ολλανδικής πολυφωνικής σχολής του δεύτερου μισού του 15ου αιώνα. ήταν ο Josquin Despres (περίπου 1440-1521 ή 1524), ο οποίος είχε μεγάλη επιρροή στο έργο των συνθετών της επόμενης γενιάς. Στα νιάτα του υπηρέτησε ως εκκλησιαστικός χορός στο Cambrai. πήρε μαθήματα μουσικής από το Okegyom. Σε ηλικία είκοσι ετών, ο νεαρός μουσικός ήρθε στην Ιταλία, τραγούδησε στο Μιλάνο με τους Δούκες της Σφόρτσα (αργότερα υπηρέτησε εδώ ο μεγάλος Ιταλός καλλιτέχνης Λεονάρντο ντα Βίντσι) και στο παπικό παρεκκλήσι της Ρώμης. Στην Ιταλία, ο Despres μάλλον άρχισε να συνθέτει μουσική. Στις αρχές του XVI αιώνα. μετακόμισε στο Παρίσι. Μέχρι εκείνη την εποχή, ο Despres ήταν ήδη γνωστός και προσκλήθηκε στη θέση του μουσικού της αυλής από τον Γάλλο βασιλιά Louis XII. Από το 1503, ο Despres εγκαταστάθηκε ξανά στην Ιταλία, στην πόλη της Φεράρα, στην αυλή του Δούκα d "Este. Ο Despres συνέθεσε πολλά και η μουσική του κέρδισε γρήγορα την αναγνώριση στους ευρύτερους κύκλους: αγαπήθηκε τόσο από τους ευγενείς όσο και από τους Ο συνθέτης δημιούργησε όχι μόνο εκκλησιαστικά έργα, αλλά και κοσμικά. Ειδικότερα, στράφηκε στο είδος του ιταλικού λαϊκού τραγουδιού - frottola (it. frottola, από το frotta - "πλήθος"), το οποίο χαρακτηρίζεται από χορευτικό ρυθμό. και γρήγορο ρυθμό. Στην εκκλησιαστική μουσική, ο Despres έφερε τα χαρακτηριστικά των κοσμικών έργων: φρέσκο ​​", ο ζωντανός τονισμός παραβίαζε την αυστηρή απόσπαση και προκαλούσε ένα αίσθημα χαράς και πληρότητας της ύπαρξης. Ωστόσο, η αίσθηση της αναλογίας δεν πρόδωσε ποτέ τον συνθέτη. Πολυφωνική του Despres Η τεχνική δεν διακρίνεται από επιτήδευση.Τα έργα του είναι κομψά απλά, αλλά μέσα τους γίνεται αισθητή η ισχυρή διανόηση του συγγραφέα.Αυτό είναι το μυστικό της δημοτικότητας των δημιουργιών του.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Οι νεότεροι σύγχρονοι του Guillaume Dufay ήταν ο Johannes (Jean) Okeghem (περίπου 1425-1497) και ο Jacob Obrecht. Όπως ο Dufay, ο Okegem ήταν από τη Φλάνδρα. Όλη του τη ζωή δούλεψε σκληρά. εκτός από τη σύνθεση μουσικής, ενεργούσε ως επικεφαλής του παρεκκλησίου. Ο συνθέτης δημιούργησε δεκαπέντε μάζες, δεκατρία μοτέτες, περισσότερα από είκοσι chansons. Τα έργα του Okegyom χαρακτηρίζονται από αυστηρότητα, συγκέντρωση και μακρύ ξεδίπλωμα ομαλών μελωδικών γραμμών. Έδωσε μεγάλη προσοχή στην πολυφωνική τεχνική και προσπάθησε όλα τα μέρη της μάζας να γίνουν αντιληπτά ως σύνολο. Το δημιουργικό στυλ του συνθέτη φαίνεται επίσης στα τραγούδια του - στερούνται σχεδόν κοσμικής ελαφρότητας, ο χαρακτήρας τους θυμίζει περισσότερο μοτέτες και μερικές φορές θραύσματα μαζών. Ο Johannes Okegem ήταν σεβαστός τόσο στο εσωτερικό όσο και στο εξωτερικό (διορίστηκε σύμβουλος του βασιλιά της Γαλλίας). Ο Jakob Obrecht ήταν χορωδός στους καθεδρικούς ναούς διαφόρων πόλεων στην Ολλανδία, οδήγησε τα παρεκκλήσια. για αρκετά χρόνια υπηρέτησε στην αυλή του Duke d "Este στη Φεράρα (Ιταλία). Είναι ο συγγραφέας είκοσι πέντε μαζών, είκοσι μοτέτ, τριάντα chansons. Χρησιμοποιώντας τα επιτεύγματα των προκατόχων του, ο Obrecht έφερε πολλά νέα πράγματα στην η πολυφωνική παράδοση.Η μουσική του είναι γεμάτη αντιθέσεις, τολμηρή, ακόμα κι όταν ο συνθέτης απευθύνεται σε παραδοσιακά εκκλησιαστικά είδη.

Η ευελιξία και το βάθος της δημιουργικότητας Orlando Lasso. Η ιστορία της ολλανδικής αναγεννησιακής μουσικής ολοκληρώνεται με το έργο του Orlando Lasso (πραγματικό όνομα και επώνυμο Roland de Lasso, περίπου 1532-1594), που αποκαλείται από τους συγχρόνους του ο «Βέλγος Ορφέας» και ο «Πρίγκιπας της Μουσικής». Ο Λάσο γεννήθηκε στο Μονς (Φλάνδρα). Από την παιδική του ηλικία, τραγουδούσε στη χορωδία της εκκλησίας, χτυπώντας τους ενορίτες με υπέροχη φωνή. Ο Γκονζάγκα, δούκας της ιταλικής πόλης Μάντοβα, άκουσε κατά λάθος έναν νεαρό τραγουδιστή να τον κάλεσε στο δικό του παρεκκλήσι. Μετά τη Μάντοβα, ο Λάσο εργάστηκε για μικρό χρονικό διάστημα στη Νάπολη και στη συνέχεια μετακόμισε στη Ρώμη - όπου έλαβε τη θέση του επικεφαλής του παρεκκλησίου ενός από τους καθεδρικούς ναούς. Μέχρι την ηλικία των είκοσι πέντε ετών, ο Lasso ήταν ήδη γνωστός ως συνθέτης και οι συνθέσεις του ήταν περιζήτητες μεταξύ των μουσικών εκδοτών. Το 1555 εκδόθηκε η πρώτη συλλογή έργων που περιείχε μοτέτες, μαδριγάλους και chanson. Ο Λάσο μελέτησε ό,τι καλύτερο δημιούργησαν οι προκάτοχοί του (Ολλανδοί, Γάλλοι, Γερμανοί και Ιταλοί συνθέτες) και χρησιμοποίησε την εμπειρία τους στη δουλειά του. Όντας μια εξαιρετική προσωπικότητα, ο Λάσο προσπάθησε να ξεπεράσει την αφηρημένη φύση της εκκλησιαστικής μουσικής, να της δώσει ατομικότητα. Για το σκοπό αυτό, ο συνθέτης χρησιμοποιούσε μερικές φορές ύφος και καθημερινά μοτίβα (θέματα δημοτικών τραγουδιών, χορών), συνδυάζοντας έτσι εκκλησιαστικές και κοσμικές παραδόσεις. Ο Λάσο συνδύασε την πολυπλοκότητα της πολυφωνικής τεχνικής με τη μεγάλη συναισθηματικότητα. Είχε ιδιαίτερη επιτυχία στα μαδριγάλια, στα κείμενα των οποίων αποκαλύφθηκε η ψυχική κατάσταση των χαρακτήρων, για παράδειγμα, Δάκρυα του Αγίου Πέτρου "(1593) στους στίχους του Ιταλού ποιητή Luigi Tranzillo. Ο συνθέτης έγραφε συχνά για ένα μεγάλος αριθμός φωνών (πέντε έως επτά), επομένως τα έργα του είναι δύσκολο να εκτελεστούν.

Από το 1556, ο Ορλάντο Λάσο ζούσε στο Μόναχο (Γερμανία), όπου οδήγησε το παρεκκλήσι. Μέχρι το τέλος της ζωής του, η εξουσία του στους μουσικούς και καλλιτεχνικούς κύκλους ήταν πολύ υψηλή και η φήμη του εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη. Η ολλανδική πολυφωνική σχολή είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη της μουσικής κουλτούρας της Ευρώπης. Οι αρχές της πολυφωνίας που αναπτύχθηκαν από Ολλανδούς συνθέτες έχουν γίνει οικουμενικές και οι συνθέτες του 20ου αιώνα έχουν χρησιμοποιήσει πολλές καλλιτεχνικές τεχνικές στο έργο τους.

Γαλλία. Για τη Γαλλία, οι αιώνες XV-XVI έγιναν μια εποχή σημαντικών αλλαγών: ο Εκατονταετής Πόλεμος (1337-1453) με την Αγγλία τελείωσε, στα τέλη του XV αιώνα. ολοκληρώθηκε η ενοποίηση του κράτους. τον 16ο αιώνα η χώρα γνώρισε θρησκευτικούς πολέμους μεταξύ Καθολικών και Προτεσταντών. Σε ένα ισχυρό κράτος με απόλυτη μοναρχία αυξήθηκε ο ρόλος των αυλικών εορτών και των λαϊκών εορτών. Αυτό συνέβαλε στην ανάπτυξη της τέχνης, ιδιαίτερα της μουσικής, που συνόδευε τέτοιες δράσεις. Αυξήθηκε ο αριθμός των φωνητικών και ορχηστρικών συνόλων (παρεκκλήσια και σύζυγοι), που αποτελούνταν από σημαντικό αριθμό ερμηνευτών. Κατά τη διάρκεια στρατιωτικών εκστρατειών στην Ιταλία, οι Γάλλοι γνώρισαν τα επιτεύγματα του ιταλικού πολιτισμού. Ένιωσαν βαθιά και αποδέχθηκαν τις ιδέες της Ιταλικής Αναγέννησης - τον ανθρωπισμό, την επιθυμία για αρμονία με τον έξω κόσμο, για απόλαυση της ζωής.

Εάν στην Ιταλία η μουσική Αναγέννηση συνδέθηκε κυρίως με τη μάζα, τότε οι Γάλλοι συνθέτες, μαζί με την εκκλησιαστική μουσική, έδωσαν ιδιαίτερη προσοχή στο κοσμικό πολυφωνικό τραγούδι - chanson. Το ενδιαφέρον για αυτό στη Γαλλία προέκυψε στο πρώτο μισό του 16ου αιώνα, όταν δημοσιεύτηκε μια συλλογή μουσικών έργων του Clement Janequin (περίπου 1485-1558). Είναι αυτός ο συνθέτης που θεωρείται ένας από τους δημιουργούς του είδους.

Μείζονα χορωδιακά έργα του Clement Janequin (1475-1560). Ως παιδί, ο Janequin τραγούδησε σε μια εκκλησιαστική χορωδία στη γενέτειρά του, Châtellerault (Κεντρική Γαλλία). Στο μέλλον, όπως προτείνουν οι ιστορικοί της μουσικής, σπούδασε με τον Ολλανδό μάστερ Josquin Despres ή με έναν συνθέτη από το περιβάλλον του. Έχοντας λάβει την ιεροσύνη, η Janequin εργάστηκε ως αντιβασιλέας (αρχηγός χορωδίας) και οργανίστας. τότε προσκλήθηκε να υπηρετήσει από τον δούκα του Γκίζ. Το 1555, ο μουσικός έγινε τραγουδιστής του Βασιλικού Παρεκκλησίου και το 1556-1557. - συνθέτης της βασιλικής αυλής. Ο Clement Janequin δημιούργησε διακόσια ογδόντα chansons (δημοσιεύτηκαν μεταξύ 1530 και 1572). έγραψε εκκλησιαστική μουσική - Λειτουργίες, μοτέτες, ψαλμούς. Τα τραγούδια του είχαν συχνά ζωγραφικό χαρακτήρα. Μπροστά από το μυαλό του ακροατή βρίσκονται εικόνες της μάχης ("Battle of Marignano", "Battle of Rent", "Battle of Metz"), σκηνές κυνηγιού ("Hunting"), εικόνες της φύσης ("Birdsong", "Nightingale" », «Lark» ), καθημερινές σκηνές («Γυναικεία φλυαρία»). Εντυπωσιακά φωτεινός, ο συνθέτης κατάφερε να μεταφέρει την ατμόσφαιρα της καθημερινής ζωής στο Παρίσι στο chanson "Cries of Paris": εισήγαγε τα επιφωνήματα των πωλητών στο κείμενο ("Γάλα!" - "Πίτες!" - "Αγικινές!" - " Ψάρια!" - "Σπίτια!" - "Περιστέρια!" - "Παλιά παπούτσια!" - "Κρασί!"). Ο Janequin σχεδόν δεν χρησιμοποιούσε μεγάλα και ρέοντα θέματα για μεμονωμένες φωνές και περίπλοκες πολυφωνικές συσκευές, προτιμώντας ονομαστικές κλήσεις, επαναλήψεις και ονοματοποιίες.

Μια άλλη κατεύθυνση της γαλλικής μουσικής συνδέεται με το πανευρωπαϊκό κίνημα της Μεταρρύθμισης.

Στις εκκλησιαστικές λειτουργίες, οι Γάλλοι Προτεστάντες (Ουγενότες) εγκατέλειψαν τα λατινικά και την πολυφωνία. Η ιερή μουσική απέκτησε έναν πιο ανοιχτό, δημοκρατικό χαρακτήρα. Ένας από τους λαμπρότερους εκπροσώπους αυτής της μουσικής παράδοσης ήταν ο Claude Goudimel (μεταξύ 1514 και 1520-1572), ο συγγραφέας ψαλμών που βασίζονται σε βιβλικά κείμενα και προτεσταντικά άσματα.

Chanson. Ένα από τα κύρια μουσικά είδη της Γαλλικής Αναγέννησης είναι το chanson (φρ. chanson - «τραγούδι»). Η προέλευσή του είναι στη λαϊκή τέχνη (μελοποιήθηκαν οι έμμετροι στίχοι των επικών παραμυθιών), στην τέχνη των μεσαιωνικών τροβαδούρων και τροβαδούρων. Όσον αφορά το περιεχόμενο και τη διάθεση, το chanson θα μπορούσε να είναι πολύ διαφορετικό - υπήρχαν τραγούδια αγάπης, καθημερινά, παιχνιδιάρικα, σατιρικά κ.λπ. Οι συνθέτες έπαιρναν τα δημοτικά ποιήματα και τη σύγχρονη ποίηση ως κείμενα.

Ιταλία. Με την έναρξη της Αναγέννησης στην Ιταλία, η καθημερινή μουσική που παίζει σε διάφορα όργανα εξαπλώθηκε. δημιουργήθηκαν κύκλοι μουσικόφιλων. Στον επαγγελματικό χώρο σχηματίστηκαν δύο από τις ισχυρότερες σχολές: η Ρωμαϊκή και η Ενετική.

Μαδριγάλιο. Κατά την Αναγέννηση, ο ρόλος των κοσμικών ειδών αυξήθηκε. Τον XIV αιώνα. Το madrigal εμφανίστηκε στην ιταλική μουσική (από την ύστερη λατινική matricale - "ένα τραγούδι στη μητρική γλώσσα"). Δημιουργήθηκε με βάση τα δημοτικά (ποιμενικά) τραγούδια. Τα Madrigals ήταν τραγούδια για δύο ή τρεις φωνές, συχνά χωρίς συνοδεία οργάνων. Ήταν γραμμένα στους στίχους των σύγχρονων Ιταλών ποιητών, που έλεγαν για την αγάπη. υπήρχαν τραγούδια με καθημερινά και μυθολογικά θέματα.

Κατά τον 15ο αιώνα, οι συνθέτες σχεδόν δεν στράφηκαν σε αυτό το είδος. Το ενδιαφέρον για αυτό αναζωπυρώθηκε μόλις τον 16ο αιώνα. Χαρακτηριστικό γνώρισμα του μαδριγάλιου του 16ου αιώνα είναι η στενή σύνδεση μουσικής και ποίησης. Η μουσική ακολουθούσε ευέλικτα το κείμενο, αντανακλώντας τα γεγονότα που περιγράφονται στην ποιητική πηγή. Με την πάροδο του χρόνου αναπτύχθηκαν ιδιόμορφα μελωδικά σύμβολα, που υποδήλωναν τρυφερούς αναστεναγμούς, δάκρυα κ.λπ. Στα έργα ορισμένων συνθετών, ο συμβολισμός ήταν φιλοσοφικός, για παράδειγμα, στο μαδριγάλιο του Gesualdo di Venosa «I am diing, discount» (1611).

Η ακμή του είδους πέφτει στις αρχές του XVI-XVII αιώνα. Μερικές φορές, ταυτόχρονα με την εκτέλεση του τραγουδιού, παιζόταν η πλοκή του. Το μαδριγάλιο έγινε η βάση της κωμωδίας του μαδριγάλου (μια χορωδιακή σύνθεση βασισμένη στο κείμενο μιας κωμωδίας), η οποία προετοίμασε την εμφάνιση της όπερας.

Ρωμαϊκή πολυφωνική σχολή. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Επικεφαλής της ρωμαϊκής σχολής ήταν ο Giovanni Pierluigi da Palestrina, ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες της Αναγέννησης. Γεννήθηκε στην ιταλική πόλη Palestrina, μετά την οποία έλαβε το επώνυμό του. Από την παιδική του ηλικία, ο Palestrina τραγούδησε στη χορωδία της εκκλησίας και όταν ενηλικιώθηκε, προσκλήθηκε στη θέση του αρχηγού του συγκροτήματος (αρχηγός χορωδίας) στη Βασιλική του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη. αργότερα υπηρέτησε στην Καπέλα Σιξτίνα (το παρεκκλήσι της αυλής του Πάπα).

Η Ρώμη, το κέντρο του Καθολικισμού, προσέλκυσε πολλούς κορυφαίους μουσικούς. Σε διαφορετικές εποχές, εργάστηκαν εδώ οι Ολλανδοί πολυφωνικοί δάσκαλοι Guillaume Dufay και Josquin Despres. Η εξελιγμένη συνθετική τους τεχνική μερικές φορές παρενέβαινε στην αντίληψη του κειμένου της υπηρεσίας: χανόταν πίσω από το εξαίσιο πλέγμα των φωνών και οι λέξεις, στην πραγματικότητα, δεν ακούγονταν. Ως εκ τούτου, οι εκκλησιαστικές αρχές ήταν επιφυλακτικές για τέτοια έργα και υποστήριξαν την επιστροφή της μονοφωνίας με βάση τα Γρηγοριανά άσματα. Το ζήτημα του παραδεκτού της πολυφωνίας στην εκκλησιαστική μουσική συζητήθηκε ακόμη και στη Σύνοδο του Τρεντ της Καθολικής Εκκλησίας (1545-1563). Κοντά στον Πάπα, η Palestrina έπεισε τους ηγέτες της Εκκλησίας για τη δυνατότητα δημιουργίας έργων όπου η τεχνική του συνθέτη δεν θα παρεμπόδιζε την κατανόηση του κειμένου. Ως απόδειξη, συνέθεσε τη «Λειτουργία του Papa Marcello» (1555), η οποία συνδυάζει την περίπλοκη πολυφωνία με έναν καθαρό και εκφραστικό ήχο κάθε λέξης. Έτσι, ο μουσικός «έσωσε» την επαγγελματική πολυφωνική μουσική από τις διώξεις των εκκλησιαστικών αρχών. Το 1577, ο συνθέτης προσκλήθηκε να συζητήσει τη μεταρρύθμιση της σταδιακής - συλλογής ιερών ύμνων της Καθολικής Εκκλησίας. Στη δεκαετία του '80. Ο Palestrina πήρε ιερά τάγματα και το 1584 έγινε μέλος της Εταιρείας Μουσικών Δασκάλων - μιας ένωσης μουσικών που υπαγόταν άμεσα στον Πάπα.

Το έργο της Palestrina είναι εμποτισμένο με μια φωτεινή κοσμοθεωρία. Τα έργα που δημιούργησε εντυπωσίασαν τους συγχρόνους του και με την υψηλότερη δεξιοτεχνία και ποσότητα (πάνω από εκατό μάζες, τριακόσια μοτέτες, εκατό μαδριγάλια). Η πολυπλοκότητα της μουσικής δεν λειτούργησε ποτέ ως εμπόδιο στην αντίληψή της. Ο συνθέτης ήξερε πώς να βρίσκει τη χρυσή τομή μεταξύ της πολυπλοκότητας των συνθέσεων και της προσβασιμότητάς τους στον ακροατή. Η Palestrina είδε το κύριο δημιουργικό έργο στην ανάπτυξη ενός αναπόσπαστου μεγάλου έργου. Κάθε φωνή στα τραγούδια του αναπτύσσεται ανεξάρτητα, αλλά ταυτόχρονα σχηματίζει ένα ενιαίο σύνολο με τις υπόλοιπες και συχνά οι φωνές σχηματίζουν συνδυασμούς συγχορδιών που είναι εντυπωσιακές στην ομορφιά τους. Συχνά η μελωδία της ανώτερης φωνής φαίνεται να ανεβαίνει πάνω από τις υπόλοιπες, σκιαγραφώντας τον «τρούλο» της πολυφωνίας. όλες οι φωνές είναι ομαλές και ανεπτυγμένες.

Η τέχνη του Giovanni da Palestrina θεωρήθηκε υποδειγματική και κλασική από τους μουσικούς της επόμενης γενιάς. Πολλοί εξέχοντες συνθέτες του 18ου και 18ου αιώνα μελέτησαν τις συνθέσεις του.

Μια άλλη κατεύθυνση της αναγεννησιακής μουσικής συνδέεται με το έργο των συνθετών της βενετικής σχολής, ιδρυτής της οποίας ήταν ο Adrian Villaart (περίπου 1485-1562). Μαθητές του ήταν ο οργανίστας και συνθέτης Andrea Gabrieli (μεταξύ 1500 και 1520 - μετά το 1586), ο συνθέτης Cyprian de Pope (1515 ή 1516-1565) και άλλοι μουσικοί. Εάν τα έργα της Palestrina χαρακτηρίζονται από σαφήνεια και αυστηρή συγκράτηση, τότε ο Willart και οι ακόλουθοί του ανέπτυξαν ένα υπέροχο χορωδιακό στυλ. Για να επιτύχουν ήχο surround, παιχνίδι με ηχοχρώματα, χρησιμοποίησαν αρκετές χορωδίες στις συνθέσεις, που βρίσκονταν σε διαφορετικά σημεία του ναού. Η χρήση ονομαστικών κλήσεων μεταξύ των χορωδιών επέτρεψε να γεμίσει ο χώρος της εκκλησίας με πρωτόγνωρα εφέ. Αυτή η προσέγγιση αντανακλούσε τα ουμανιστικά ιδεώδη της εποχής στο σύνολό τους - με τη χαρά, την ελευθερία και την ίδια την βενετική καλλιτεχνική παράδοση - με την επιθυμία της για οτιδήποτε φωτεινό και ασυνήθιστο. Στο έργο των Βενετών δασκάλων, η μουσική γλώσσα έγινε επίσης πιο περίπλοκη: ήταν γεμάτη με τολμηρούς συνδυασμούς συγχορδιών, απροσδόκητες αρμονίες.

Μια εντυπωσιακή φιγούρα της Αναγέννησης ήταν ο Carlo Gesualdo di Venosa (περίπου 1560-1613), ο πρίγκιπας της πόλης Venosa, ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους του κοσμικού μαδριγάλιου. Απέκτησε φήμη ως φιλάνθρωπος, λαούτο και συνθέτης. Ο πρίγκιπας Gesualdo ήταν φίλος με τον Ιταλό ποιητή Torquato Tasso. παρέμειναν οι πιο ενδιαφέρουσες επιστολές στις οποίες και οι δύο καλλιτέχνες συζητούν θέματα λογοτεχνίας, μουσικής και καλών τεχνών. Ο Gesualdo di Venosa μελοποίησε πολλά από τα ποιήματα του Tasso - έτσι εμφανίστηκαν μια σειρά από εξαιρετικά καλλιτεχνικά μαδριγάλια. Ως εκπρόσωπος της ύστερης Αναγέννησης, ο συνθέτης ανέπτυξε έναν νέο τύπο μαδριγάλιου, όπου τα συναισθήματα ήταν στην πρώτη θέση - θυελλώδη και απρόβλεπτα. Ως εκ τούτου, τα έργα του χαρακτηρίζονται από διακυμάνσεις του όγκου, τονισμούς παρόμοιους με αναστεναγμούς και ακόμη και λυγμούς, συγχορδίες με έντονο ήχο και αντίθετες αλλαγές στο ρυθμό. Αυτές οι τεχνικές έδωσαν στη μουσική του Gesualdo έναν εκφραστικό, κάπως περίεργο χαρακτήρα· εντυπωσίασε και ταυτόχρονα προσέλκυσε τους σύγχρονους. Η κληρονομιά του Gesualdo di Venosa αποτελείται από επτά συλλογές πολυφωνικών μαδριγάλων. μεταξύ πνευματικών συνθέσεων - «Ιεροί ύμνοι». Ακόμα και σήμερα η μουσική του δεν αφήνει αδιάφορο τον ακροατή.

Ανάπτυξη ειδών και μορφών ενόργανης μουσικής. Η ενόργανη μουσική σηματοδοτείται επίσης από την εμφάνιση νέων ειδών, κυρίως του οργανικού κοντσέρτο. Βιολί, τσέμπαλο, όργανο σταδιακά μετατράπηκαν σε σόλο όργανα. Η μουσική που γράφτηκε γι 'αυτούς κατέστησε δυνατή την επίδειξη ταλέντου όχι μόνο για τον συνθέτη, αλλά και για τον ερμηνευτή. Καταρχήν εκτιμήθηκε η δεξιοτεχνία (η ικανότητα αντιμετώπισης τεχνικών δυσκολιών), η οποία σταδιακά έγινε αυτοσκοπός και καλλιτεχνική αξία για πολλούς μουσικούς. Οι συνθέτες του 17ου-18ου αιώνα συνήθως όχι μόνο συνέθεταν μουσική, αλλά και βιρτουόζοι έπαιζαν τα όργανα και ασχολούνταν με παιδαγωγικές δραστηριότητες. Η ευημερία του καλλιτέχνη εξαρτιόταν σε μεγάλο βαθμό από τον συγκεκριμένο πελάτη. Κατά κανόνα, κάθε σοβαρός μουσικός επιδίωκε να πάρει μια θέση είτε στην αυλή ενός μονάρχη ή ενός πλούσιου αριστοκράτη (πολλά μέλη της ευγενείας είχαν δικές τους ορχήστρες ή όπερες), είτε σε ναό. Επιπλέον, οι περισσότεροι συνθέτες συνδύασαν εύκολα την εκκλησιαστική μουσική με την υπηρεσία ενός κοσμικού προστάτη.

Αγγλία. Η πολιτιστική ζωή της Αγγλίας κατά την Αναγέννηση ήταν στενά συνδεδεμένη με τη Μεταρρύθμιση. Τον 16ο αιώνα ο Προτεσταντισμός εξαπλώθηκε σε όλη τη χώρα. Η Καθολική Εκκλησία έχασε την κυρίαρχη θέση της, η Αγγλικανική Εκκλησία έγινε το κράτος, το οποίο αρνήθηκε να αναγνωρίσει ορισμένα δόγματα (βασικές διατάξεις) του Καθολικισμού. τα περισσότερα μοναστήρια έπαψαν να υπάρχουν. Αυτά τα γεγονότα είχαν αντίκτυπο στην αγγλική κουλτούρα, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής. Μουσικά τμήματα άνοιξαν στα πανεπιστήμια της Οξφόρδης και του Κέμπριτζ. Στα σαλόνια των ευγενών ηχούσαν όργανα με πλήκτρα: παρθενικά (είδος τσέμπαλου), φορητό (μικρό) όργανο κ.λπ. Δημοφιλείς ήταν μικρές συνθέσεις που προορίζονταν για οικιακή αναπαραγωγή. Ο πιο εξέχων εκπρόσωπος της μουσικής κουλτούρας εκείνης της εποχής ήταν ο William Byrd (1543 ή 1544-1623) - μουσικός εκδότης, οργανίστας και συνθέτης. Ο Bird έγινε ο πρόγονος του αγγλικού μαδριγάλιου. Τα έργα του ξεχωρίζουν για την απλότητά τους (απέφευγε πολύπλοκες πολυφωνικές συσκευές), την πρωτοτυπία της φόρμας που ακολουθεί το κείμενο και την αρμονική ελευθερία. Όλα τα μουσικά μέσα καλούνται να επιβεβαιώσουν την ομορφιά και τη χαρά της ζωής, σε αντίθεση με τη μεσαιωνική αυστηρότητα και εγκράτεια. Στο είδος του madrigal, ο συνθέτης είχε πολλούς οπαδούς.

Ο Bird δημιούργησε επίσης πνευματικά έργα (λειτουργίες, ψαλμοί) και ενόργανη μουσική. Σε συνθέσεις για την παρθενική, χρησιμοποιούσε τα κίνητρα των δημοτικών τραγουδιών και χορών.

Ο συνθέτης ήθελε πολύ η μουσική που έγραψε «να φέρει ευτυχώς τουλάχιστον λίγη τρυφερότητα, χαλάρωση και ψυχαγωγία», έγραψε ο William Byrd στον πρόλογο μιας από τις μουσικές του συλλογές.

Γερμανία. Η σύνδεση της γερμανικής μουσικής κουλτούρας με το κίνημα της Μεταρρύθμισης. Τον 16ο αιώνα ξεκίνησε στη Γερμανία η Μεταρρύθμιση, η οποία άλλαξε σημαντικά τη θρησκευτική και πολιτιστική ζωή της χώρας. Οι μεταρρυθμιστές ήταν πεπεισμένοι για την ανάγκη για αλλαγές στο μουσικό περιεχόμενο της λατρείας. Αυτό οφειλόταν σε δύο λόγους. Στα μέσα του XV αιώνα. η πολυφωνική ικανότητα των συνθετών που εργάζονταν στα είδη της εκκλησιαστικής μουσικής έφτασε σε εξαιρετική πολυπλοκότητα και πολυπλοκότητα. Μερικές φορές δημιουργήθηκαν έργα που λόγω του μελωδικού πλούτου των φωνών και της μακροσκελής ψαλμωδίας δεν μπορούσαν να γίνουν αντιληπτά και να βιωθούν πνευματικά από την πλειοψηφία των ενοριτών. Επιπλέον, η λειτουργία γινόταν στα λατινικά, κατανοητά για τους Ιταλούς, αλλά ξένη για τους Γερμανούς.

Ο ιδρυτής του κινήματος της Μεταρρύθμισης, ο Μάρτιν Λούθηρος (1483-1546), πίστευε ότι χρειαζόταν μια μεταρρύθμιση της εκκλησιαστικής μουσικής. Η μουσική, πρώτον, θα πρέπει να συμβάλλει στην πιο ενεργή συμμετοχή των ενοριτών στη λατρεία (αυτό ήταν αδύνατο όταν εκτελούνταν πολυφωνικές συνθέσεις), και δεύτερον, να προκαλεί ενσυναίσθηση για τα βιβλικά γεγονότα (που παρεμποδίστηκε από τη διεξαγωγή της λειτουργίας στα λατινικά). Έτσι, επιβλήθηκαν στο εκκλησιαστικό τραγούδι οι εξής απαιτήσεις: απλότητα και καθαρότητα μελωδίας, άρτιος ρυθμός και καθαρή ψαλμωδία. Σε αυτή τη βάση, προέκυψε το προτεσταντικό άσμα - το κύριο είδος εκκλησιαστικής μουσικής της γερμανικής Αναγέννησης. Το 1522, ο Λούθηρος μετέφρασε την Καινή Διαθήκη στα γερμανικά - εφεξής κατέστη δυνατή η λατρεία στη μητρική γλώσσα.

Ο ίδιος ο Λούθηρος, καθώς και ο φίλος του, ο Γερμανός θεωρητικός της μουσικής Johann Walter (1490-1570), συμμετείχαν ενεργά στην επιλογή των μελωδιών για τα χορικά. Οι κύριες πηγές τέτοιων μελωδιών ήταν τα δημοτικά πνευματικά και κοσμικά τραγούδια - ευρέως γνωστά και εύκολα κατανοητά. Μελωδίες για μερικά από τα χορικά που συνέθεσε ο ίδιος ο Λούθηρος. Ένα από αυτά, «Ο Κύριος είναι ο βράχος μας», έγινε σύμβολο της Μεταρρύθμισης κατά τους θρησκευτικούς πολέμους του 16ου αιώνα.

Οι Meistersingers και η τέχνη τους. Μια άλλη λαμπερή σελίδα της γερμανικής μουσικής της Αναγέννησης συνδέεται με το έργο των Meistersinger (γερμανικά: Meistersinger - «κύριος τραγουδιστής») - ποιητών και τραγουδιστών από το περιβάλλον των τεχνιτών. Δεν ήταν επαγγελματίες μουσικοί, αλλά πρώτα απ' όλα τεχνίτες - οπλουργοί, ράφτες, υαλουργοί, τσαγκάρηδες, αρτοποιοί κ.λπ. Η ένωση της πόλης τέτοιων μουσικών περιλάμβανε εκπροσώπους διαφόρων τεχνών. Τον 16ο αιώνα, σύλλογοι Meistersinger υπήρχαν σε πολλές γερμανικές πόλεις.

Οι Meistersingers συνέθεσαν τα τραγούδια τους σύμφωνα με αυστηρούς κανόνες, η δημιουργική πρωτοβουλία περιοριζόταν από πολλούς περιορισμούς. Ένας αρχάριος έπρεπε πρώτα να μάθει αυτούς τους κανόνες, μετά να μάθει πώς να τραγουδά τραγούδια, μετά να συνθέτει στίχους σε μελωδίες άλλων ανθρώπων και μόνο τότε θα μπορούσε να δημιουργήσει το δικό του τραγούδι. Οι μελωδίες των διάσημων Meistersingers και Minnesingers θεωρήθηκαν ως δείγμα μελωδιών.

Ένας εξαιρετικός τραγουδιστής του 16ου αιώνα. Ο Hans Sachs (1494-1576) καταγόταν από οικογένεια ράφτη, αλλά στα νιάτα του άφησε το πατρικό του σπίτι και πήγε να ταξιδέψει στη Γερμανία. Κατά την περιπλάνησή του ο νεαρός έμαθε την τέχνη του τσαγκάρη, αλλά το κυριότερο γνώρισε τη λαϊκή τέχνη. Ο Σακς ήταν καλά μορφωμένος, γνώριζε πολύ καλά αρχαία και μεσαιωνική λογοτεχνία και διάβαζε τη Βίβλο σε γερμανική μετάφραση. Ήταν βαθιά εμποτισμένος με τις ιδέες της Μεταρρύθμισης, επομένως έγραψε όχι μόνο κοσμικά τραγούδια, αλλά και πνευματικά (περίπου έξι χιλιάδες τραγούδια συνολικά). Ο Χανς Σακς έγινε γνωστός και ως θεατρικός συγγραφέας (βλ. άρθρο «Θεατρική Τέχνη της Αναγέννησης»).

Μουσικά όργανα της Αναγέννησης. Κατά την Αναγέννηση, η σύνθεση των μουσικών οργάνων επεκτάθηκε σημαντικά, νέες ποικιλίες προστέθηκαν στα ήδη υπάρχοντα έγχορδα και πνευστά. Ανάμεσά τους, ξεχωριστή θέση κατέχουν οι βιόλες - μια οικογένεια τοξωτών εγχόρδων που εκπλήσσουν με την ομορφιά και την αρχοντιά του ήχου. Σε μορφή μοιάζουν με τα όργανα της σύγχρονης οικογένειας του βιολιού (βιολί, βιόλα, τσέλο) και θεωρούνται μάλιστα οι άμεσοι προκάτοχοί τους (συνυπήρξαν στη μουσική πρακτική μέχρι τα μέσα του 18ου αιώνα). Ωστόσο, υπάρχει μια διαφορά, και μάλιστα σημαντική. Οι βιόλα έχουν ένα σύστημα χορδών που αντηχούν. κατά κανόνα, υπάρχουν τόσα όσα και τα κύρια (έξι έως επτά). Οι κραδασμοί των χορδών που αντηχούν κάνουν τη βιόλα να ακούγεται απαλή, βελούδινη, αλλά είναι δύσκολο να χρησιμοποιηθεί το όργανο σε ορχήστρα, γιατί λόγω του μεγάλου αριθμού εγχόρδων ξεκουράζεται γρήγορα.

Για πολύ καιρό, ο ήχος της βιόλας θεωρούνταν υπόδειγμα επιτήδευσης στη μουσική. Υπάρχουν τρεις κύριοι τύποι στην οικογένεια της βιόλας. Το Viola da gamba είναι ένα μεγάλο όργανο που ο ερμηνευτής το τοποθετούσε κάθετα και το τσιμπούσε από τα πλάγια με τα πόδια του (η ιταλική λέξη gamba σημαίνει «γόνατο»). Δύο άλλες ποικιλίες - viola da braccio (από αυτό. braccio - "πήχυς") και viol d "amour (φρ. viole d" amour - "βιόλα της αγάπης") προσανατολίζονταν οριζόντια, και όταν παίζονταν πιέζονταν στον ώμο. Η βιόλα ντα γκάμπα είναι κοντά στο τσέλο ως προς το ηχητικό εύρος, η βιόλα ντα μπράτσιο είναι κοντά στο βιολί και η βιόλα ντ'αμούρ είναι κοντά στη βιόλα.

Ανάμεσα στα μαδημένα όργανα της Αναγέννησης, το λαούτο (πολωνικά lutnia, από τα αραβικά «alud» - «δέντρο») κατέχει την κύρια θέση. Ήρθε στην Ευρώπη από τη Μέση Ανατολή στα τέλη του 14ου αιώνα, και στις αρχές του 16ου αιώνα υπήρχε ένα τεράστιο ρεπερτόριο για αυτό το όργανο. Πρώτα απ' όλα τραγουδήθηκαν τραγούδια με τη συνοδεία του λαούτου. Το λαούτο έχει κοντό σώμα. το πάνω μέρος είναι επίπεδο και το κάτω μέρος μοιάζει με ημισφαίριο. Ένας λαιμός είναι στερεωμένος στον φαρδύ λαιμό, χωρισμένος με τάστα, και η κεφαλή του οργάνου είναι λυγισμένη προς τα πίσω σχεδόν σε ορθή γωνία. Εάν θέλετε, μπορείτε να δείτε την ομοιότητα με ένα μπολ σε σχήμα λαούτου. Δώδεκα χορδές ομαδοποιούνται σε ζευγάρια και ο ήχος εξάγεται τόσο με τα δάχτυλα όσο και με μια ειδική πλάκα - ένα πλέγμα.

Στους αιώνες XV-XVI, εμφανίστηκαν διάφοροι τύποι πληκτρολογίων. Οι κύριοι τύποι τέτοιων οργάνων - τσέμπαλο, clavichord, cembalo, virginal - χρησιμοποιήθηκαν ενεργά στη μουσική της Αναγέννησης, αλλά η πραγματική τους ακμή ήρθε αργότερα.

Η αισθητική της Αναγέννησης συνδέεται με τη μεγαλειώδη επανάσταση που συντελείται αυτή την εποχή σε όλους τους τομείς της δημόσιας ζωής: στην οικονομία, την ιδεολογία, τον πολιτισμό, την επιστήμη και τη φιλοσοφία. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, η άνθηση του αστικού πολιτισμού, οι μεγάλες γεωγραφικές ανακαλύψεις, που διεύρυναν πάρα πολύ τους ορίζοντες του ανθρώπου, η μετάβαση από τη βιοτεχνία στο εργοστάσιο.

Η επαναστατική ανάπτυξη των παραγωγικών δυνάμεων, η διάλυση των φεουδαρχικών ταξικών και συντεχνιακών σχέσεων που δέσμευσαν την παραγωγή, οδηγούν στην απελευθέρωση του ατόμου, δημιουργούν τις προϋποθέσεις για την ελεύθερη και καθολική ανάπτυξή του. Αναμφίβολα, όλα αυτά δεν θα μπορούσαν να μην επηρεάσουν τη φύση της κοσμοθεωρίας. Στην Αναγέννηση, υπάρχει μια διαδικασία ριζικής διάρρηξης του μεσαιωνικού συστήματος απόψεων για τον κόσμο και διαμόρφωσης μιας νέας, ουμανιστικής, ιδεολογίας. Αυτή η διαδικασία αντανακλάται και στη μουσική αισθητική. Ήδη ο XIV αιώνας ήταν γεμάτος με συμπτώματα αφύπνισης μιας νέας αισθητικής κοσμοθεωρίας. Η τέχνη και η αισθητική του Ars nova, οι πραγματείες του John de Groheo και του Marchetto της Πάδοβας κλόνισαν σταδιακά το παραδοσιακό σύστημα της μεσαιωνικής μουσικής θεωρίας. Εδώ υπονομεύτηκε η θεολογική θεώρηση της μουσικής, βασισμένη στην αναγνώριση κάποιου είδους ουράνιας μουσικής που δεν γίνεται αντιληπτή από τις αισθήσεις. Ωστόσο, η παράδοση αιώνων της μεσαιωνικής μουσικής θεωρίας δεν καταστράφηκε εντελώς. Χρειάστηκε άλλος ένας αιώνας για να απελευθερωθεί τελικά η μουσική αισθητική από τα παραδοσιακά πρότυπα που την δέσμευαν.

Η μουσική αισθητική της Αναγέννησης στην ερμηνεία του ζητήματος του σκοπού της μουσικής βασίζεται στην πραγματική πρακτική, που χαρακτηρίζεται από την εξαιρετική εξέλιξη της μουσικής στη δημόσια ζωή. Αυτή την περίοδο, στις πόλεις της Ιταλίας, της Γαλλίας, της Γερμανίας, σχηματίζονται εκατοντάδες μουσικοί κύκλοι, στους οποίους ασχολούνται με ενθουσιασμό με τη σύνθεση ή το παιχνίδι με διάφορα μουσικά όργανα. Η κατοχή μουσικής και η γνώση της γίνονται απαραίτητα στοιχεία του κοσμικού πολιτισμού και της κοσμικής εκπαίδευσης. Ο διάσημος Ιταλός συγγραφέας Baldasare Castiglione στην πραγματεία του "On the Courtier" (1518) γράφει ότι ένα άτομο δεν μπορεί να είναι αυλικός "αν δεν είναι μουσικός, δεν μπορεί να διαβάσει μουσική από τη θέα και δεν γνωρίζει τίποτα για διαφορετικά όργανα". Η εξαιρετική επικράτηση της μουσικής στην πολιτική ζωή του 16ου αιώνα μαρτυρείται από τη ζωγραφική αυτής της εποχής. Σε πολυάριθμους πίνακες που απεικονίζουν την ιδιωτική ζωή των ευγενών, συναντάμε συνεχώς εκατοντάδες ανθρώπους που ασχολούνται με τη μουσική: τραγουδούν, παίζουν, χορεύουν, αυτοσχεδιάζουν κ.λπ.

Ο πρώτος πολιτισμός της Αναγέννησης προέκυψε και αναπτύχθηκε στην Ιταλία. Οι αιώνες της Αναγέννησης χαρακτηρίζονται από την ισχυρή ανάπτυξη της λαϊκής ποίησης και μουσικής, με τις πλουσιότερες παραδόσεις τραγουδοποιίας σε είδη όπως η lauda, ​​η frottola, η vilanella να παίζουν τον κύριο ρόλο. Ένα εξίσου δημοφιλές είδος στην καθημερινή αστική μουσική δημιουργία ήταν το caccia, το οποίο συνήθως απεικόνιζε μια ζουμερή σκηνή του είδους χρησιμοποιώντας κοινούς τόνους στο κείμενο και τη μουσική - μέχρι τις κραυγές των μικροπωλητών και των πωλητών. Η Kachchiya συνοδευόταν συχνά από έναν στρογγυλό χορό. Η ιταλική μπαλάντα είναι επίσης ένα κοινό είδος στίχων τραγουδιού και χορού που σχετίζεται με σόλο χορωδιακή απόδοση (στη Γαλλία εκείνη την εποχή, το είδος virelet είχε παρόμοια χαρακτηριστικά). Οι τόνοι του λαϊκού τραγουδιού, ένα ορισμένο βάρος της μελωδικής αρχής, η ευρηματικότητα της υφής - αυτές οι ιδιότητες της κοσμικής καθημερινής μουσικής διεισδύουν και στην ιερή μουσική, μέχρι τις πολυφωνικές μάζες.

Ο μελωδικός και μελωδικός χαρακτήρας της μουσικής οφειλόταν στο γεγονός ότι στην Ιταλία οι παραδόσεις της σόλο και συνολικής μουσικής που έπαιζε σε έγχορδα όργανα αναπτύχθηκαν αρκετά γρήγορα. Γενικά, η ευρεία χρήση της ενόργανης μουσικής συνέβαλε στη διαμόρφωση ομοφωνικής αποθήκης και λειτουργικής αρμονίας.

Πριν εμφανιστεί το βιολί στους μουσικούς κύκλους της Ιταλίας (το τελευταίο τέταρτο του 16ου αιώνα) και αρχίσει να αναπτύσσεται η παραγωγή βιολιών από τους Κρεμονέζους δασκάλους Amati, Stradivari, Guarneri και άλλους, το λαούτο ήταν ιδιαίτερα δημοφιλές (το πιο διάσημο λαούτο συνθέτης ήταν ο Francesco Milano), η βιόλα, η ισπανική κιθάρα, theorbo (μεγάλο μπάσο λαούτο).

Η δεξιοτεχνία του βιολιού διαμορφώθηκε για πρώτη φορά στα έργα των B. Donati, L. Viadan, G. Giacomelli (ήταν διάσημος για την δεξιοτεχνία του στο μακρύ τόξο και την τεχνική του legato). Ένα νέο βήμα στην εξέλιξη της απόδοσης του βιολιού συνδέεται με το έργο του C. Monteverdi, ο οποίος αναπτύσσει την τεχνική του passage, χρησιμοποιεί tremolo, pizzicato, εμπλουτίζει τη δυναμική με πολικές αντιθέσεις pp και ff.

Μεγάλη αναβίωση παρατηρήθηκε στον τομέα της απόδοσης οργάνου και τσέμπαλου. Από τη δεκαετία του '40. XVI αιώνα, ο αριθμός των συλλογών οργάνων αυξάνεται απότομα, εμφανίζεται ένας ολόκληρος γαλαξίας εξαιρετικών οργανοπαίχτων - Villaerte, Andrea και Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Αυτοί οι δάσκαλοι θέτουν τα θεμέλια της ιταλικής οργανικής τέχνης και δημιουργούν είδη ορχηστρικής μουσικής - ricercar, canzone, toccata.

Η απόδοση του τσέμπαλου κάνει εκτενή χρήση καθημερινών χορών, διασκευές δημοφιλών κοσμικών τραγουδιών. Ένας εξαιρετικός συνθέτης-αυτοσχεδιαστής στο όργανο και το clavier ήταν ο Girolamo Frescobaldi, στο έργο του οποίου εμφανίστηκαν ολόκληρες συλλογές μουσικής τσέμπαλου - κύκλοι χορού.

Η ιταλική σχολή σύνθεσης εκπροσωπείται επίσης από τις δραστηριότητες των επαγγελματιών πολυφωνικών συνθετών - Adrian Villaerta και των μαθητών του Ciprian de Rore, Andrea και Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina. Η δημιουργική τους κληρονομιά είναι ποικίλη και αποτελείται κυρίως από φωνητικά πολυφωνικά έργα - πολλές δεκάδες μάζες, πνευματικά και κοσμικά μαδριγάλια, μοτέτες, που ερμήνευσε κυρίως η χορωδία a capella.

Η ισχυρή ανάπτυξη της πολυφωνίας στην Ολλανδία εξηγείται από τον πλούτο της λαϊκής πολυφωνίας και την παρουσία ειδικών σχολείων-κοιτώνων χορωδών (metris) στους καθεδρικούς ναούς των πλούσιων ολλανδικών πόλεων.

Αρκετές γενιές συνθετών ανήκαν στην ολλανδική πολυφωνική σχολή. Οι δραστηριότητές τους πραγματοποιήθηκαν όχι μόνο στην Ολλανδία, η οποία εκείνη την εποχή κάλυπτε τα εδάφη του σύγχρονου Βελγίου, του Λουξεμβούργου, νοτιοδυτικά της Ολλανδίας και της βόρειας Γαλλίας (εξ ου και η άλλη ονομασία του σχολείου - γαλλο-φλαμανδική). Μεγάλοι εκπρόσωποι της ολλανδικής σχολής εργάστηκαν γόνιμα στη Ρώμη (Dufay, Obrecht, Joskin) και σε άλλες πόλεις (Villaert, Rore - στη Βενετία, Isaac - στην Αυστρία και τη Γερμανία, Benchois - στη Ντιζόν στην αυλή της Βουργουνδίας).

Η ολλανδική σχολή συνόψισε την αιωνόβια ανάπτυξη της πολυφωνίας σε όλες τις ευρωπαϊκές χώρες. Αν και η εκκλησιαστική μουσική κατείχε σίγουρα ηγετική θέση στο έργο αυτών των δασκάλων, εντούτοις

Ωστόσο, μαζί με πνευματικά έργα, οι συνθέτες έγραψαν πολλά κοσμικά πολυφωνικά τραγούδια, που αντανακλούσαν τον πλούσιο κόσμο ιδεών και συναισθημάτων, χαρακτηριστικό της Αναγέννησης.

Το πιο μνημειώδες είδος στο έργο των Ολλανδών πολυφωνιστών ήταν η μάζα, στην οποία έλαβε χώρα η πεμπτουσία των αρχών της αυστηρής τεχνοτροπίας πολυφωνίας. Ωστόσο, η δραστηριότητα κάθε πλοιάρχου αποκαλύπτει καινοτόμα χαρακτηριστικά που σχετίζονται με την αναζήτηση διεξόδου από τους καθιερωμένους εκφραστικούς κανόνες. Η εξάρτηση στο υπάρχον τραγούδι και χορευτικό υλικό, η αμοιβαία επιρροή πνευματικών και κοσμικών ειδών οδηγεί στο σταδιακό διαχωρισμό της μελωδικής φωνής στην πολυφωνία, στη διαμόρφωση μιας συγχορδίας κάθετης και λειτουργικής σκέψης.

Το κορυφαίο επίτευγμα της ολλανδικής πολυφωνίας τον 16ο αιώνα ήταν το έργο του Ορλάντο Λάσο. Στο έργο του συγκεντρώθηκαν τα ευρύτερα ενδιαφέροντα του είδους της Αναγέννησης: απέτισε φόρο τιμής σε όλες σχεδόν τις φωνητικές μορφές της εποχής του - μαδριγκάλι, μάζα, μοτέτο, γαλλικό chanson και ακόμη και γερμανικό πολυφωνικό τραγούδι. Τα έργα του συνθέτη είναι γεμάτα από αληθινές εικόνες, έχουν μια φωτεινή μελωδία, έναν ποικίλο ρυθμό στην ανάγλυφη, ένα σταθερά αναπτυγμένο αρμονικό σχέδιο, το οποίο εξασφάλισε την εξαιρετική δημοτικότητά τους (χρησιμοποιήθηκαν επανειλημμένα από άλλους συνθέτες για διασκευές λαούτου και οργάνων).

Η ανάπτυξη των αναγεννησιακών τάσεων και η διαμόρφωση του γαλλικού εθνικού πολιτισμού είχαν ήδη σκιαγραφηθεί τον 14ο αιώνα. Οι εξέχοντες εκπρόσωποι της τέχνης της πρώιμης Αναγέννησης στη γαλλική μουσική ήταν οι Philippe de Vitry και Guillaume de Machaux, οι οποίοι άφησαν μεγάλη κληρονομιά στα είδη των μπαλάντων virelay, le, rondo.

Βαθιά ζωτικό και ρεαλιστικό ήταν το είδος του chanson, το πιο χαρακτηριστικό της γαλλικής μουσικής τέχνης, που είναι μια πολυφωνική μορφή τραγουδιού με κοσμικό κείμενο και συνήθως λαϊκή-καθημερινή μελωδία. Ήταν σε αυτό το είδος που τα νέα χαρακτηριστικά της Αναγέννησης εκδηλώθηκαν πιο ξεκάθαρα στο περιεχόμενο, την πλοκή και τα χαρακτηριστικά των εκφραστικών μέσων.

Το γαλλικό chanson του 15ου-16ου αιώνα είναι ένα είδος «εγκυκλοπαίδειας» της γαλλικής ζωής εκείνης της εποχής. Το περιεχόμενό του είναι ποικίλο και μπορεί να είναι αφηγηματικό, λυρικό, οικείο, λυπηρό, χιουμοριστικό, περιγραφικό, γενναιόδωρο. Χαρακτηριστική είναι και η ποικιλία των κλιμάκων τους - από πολλά μέτρα έως 42 σελίδες.

Η απλότητα και η αμεσότητα των εκφραστικών μέσων, η περιοδική δομή με ορισμένες καταλήξεις στο D και T, η τεχνική του τραγουδιού, την οποία στη συνέχεια παίρνει όλο το σύνολο, είναι τυπικά χαρακτηριστικά του είδους, η μουσική του οποίου μερικές φορές μοιάζει με λαϊκό χορό. , μια λυρική-επική μελωδία ή ένα ζωηρό τραγούδι της πόλης του δρόμου - ένα πρωτότυπο του μελλοντικού βαντβίλ. Για τη μουσική chanson, ο τονισμός της ρυθμικής βάσης είναι χαρακτηριστικός, μερικές φορές χαρακτηρίζεται από μια αποθήκη δίστιχων ή μια κυκλική ομοιότητα rondo, μπορούν να χρησιμοποιηθούν λαϊκά όργανα για να τη συνοδεύσουν.

Ο πιο εξέχων συνθέτης της Γαλλικής Αναγέννησης ήταν ο Clement Janequin, του οποίου το έργο αντικατόπτριζε λεπτούς στίχους αγάπης (σε τραγούδια βασισμένα στα κείμενα του ποιητή Ronsard) και έκφραση διαθέσεων θλίψης και θλίψης και σκηνές λαϊκής διασκέδασης γεμάτες ζωή και κίνηση. Στην κληρονομιά του, ιδιαίτερη προσοχή τραβούν τα μεγάλα χορωδιακά τραγούδια φαντασίας προγραμματικού χαρακτήρα, γεμάτα εφευρετικότητα και πνευματώδη ευρήματα στον τομέα της χορωδιακής γραφής. Σε αυτά, ο Zhanequin παρουσίαζε πολύχρωμα τη ζωή και τον τρόπο ζωής της εποχής του. Τα πιο γνωστά είναι τα «Battle», «Hunting», «Birdsong», «Street cries of Paris».

Εκτός από πάνω από 200 τραγούδια, η Janequin έγραψε και μοτέτα και μάζες. Αλλά στον τομέα της μουσικής για την καθολική λατρεία, χρησιμοποιεί με τόλμη λαϊκές μελωδίες, τονίζει πνευματικά κείμενα στις φανφάρες της στρατιωτικής μουσικής και εισάγει χορευτικούς ρυθμούς.

Σε μεγάλο βαθμό, αυτή η επεξεργασία του υλικού δημοτικού τραγουδιού και χορού ήταν χαρακτηριστική πολλών συνθετών της Αναγέννησης, οι οποίοι συνδύασαν στο έργο τους ένα ενδιαφέρον για πνευματικά και κοσμικά είδη, γεγονός που οδήγησε στον οριστικό διαχωρισμό της κοσμικής μουσικής στο πεδίο της καλλιτεχνικής ανεξαρτησίας. και επαγγελματισμός.

Ο ιστορικός Jules Michelet τον 19ο αιώνα ήταν ο πρώτος που χρησιμοποίησε την έννοια της «Αναγέννησης». Οι μουσικοί και οι συνθέτες που θα συζητηθούν στο άρθρο ανήκαν στην περίοδο που ξεκίνησε τον 14ο αιώνα, όταν η μεσαιωνική κυριαρχία της εκκλησίας αντικαταστάθηκε από τον κοσμικό πολιτισμό με το ενδιαφέρον του για το ανθρώπινο πρόσωπο.

Αναγεννησιακή μουσική

Οι ευρωπαϊκές χώρες σε διαφορετικές εποχές εισήλθαν σε μια νέα εποχή. Λίγο νωρίτερα, προέρχονταν από την Ιταλία, αλλά η ολλανδική σχολή κυριάρχησε στη μουσική κουλτούρα, όπου για πρώτη φορά στους καθεδρικούς ναούς δημιουργήθηκαν ειδικές μέτριες (καταφύγια) για την εκπαίδευση μελλοντικών συνθετών. Τα κύρια είδη εκείνης της εποχής παρουσιάζονται στον πίνακα:

Το μεγαλύτερο μέρος της Αναγέννησης στην Ολλανδία - αυτός είναι ο Guillaume Dufay, ο Jacob Obrecht, ο Josquin Despres.

Υπέροχα ολλανδικά

Johannes OkegemΕκπαιδεύτηκε στη Notre Dame Metrisa (Αμβέρσα) και στη δεκαετία του '40 του 15ου αιώνα έγινε χορωδός στην αυλή του Δούκα Καρόλου Α' (Γαλλία). Στη συνέχεια, ηγήθηκε του παρεκκλησίου της βασιλικής αυλής. Έχοντας ζήσει σε μεγάλη ηλικία, άφησε μεγάλη κληρονομιά σε όλα τα είδη, έχοντας καθιερωθεί ως ένας εξαιρετικός πολυφωνιστής. Μας έχουν έρθει χειρόγραφα των 13 μαζών του που ονομάζονται Chigi codex, ένα από τα οποία είναι ζωγραφισμένο για 8 φωνές. Χρησιμοποίησε όχι μόνο μελωδίες άλλων, αλλά και δικές του μελωδίες.

Ορλάντο Λάσογεννήθηκε στην επικράτεια του σύγχρονου Βελγίου (Mons) το 1532. Η μουσική του ικανότητα εκδηλώθηκε στην πρώιμη παιδική ηλικία. Το αγόρι απήχθη από το σπίτι τρεις φορές για να γίνει σπουδαίος μουσικός. Πέρασε ολόκληρη την ενήλικη ζωή του στη Βαυαρία, όπου έπαιξε ως τενόρος στην αυλή του Δούκα Άλμπρεχτ Ε' και στη συνέχεια ηγήθηκε του παρεκκλησίου. Η άκρως επαγγελματική του ομάδα συνέβαλε στη μετατροπή του Μονάχου στο μουσικό κέντρο της Ευρώπης, όπου επισκέφθηκαν πολλοί διάσημοι συνθέτες της Αναγέννησης.

Τέτοια ταλέντα όπως ο Johann Eckard, ο Leonard Lechner, ο Ιταλός D. Gabrieli ήρθαν να τον σπουδάσουν . Βρήκε την τελευταία του ανάπαυση το 1594 στο έδαφος της εκκλησίας του Μονάχου, αφήνοντας μια μεγαλειώδη κληρονομιά: περισσότερα από 750 μοτέτα, 60 μάζες και εκατοντάδες τραγούδια, μεταξύ των οποίων το πιο δημοφιλές ήταν η Susanne un jour. Τα μοτέτα του («Προφητείες των Σίβυλων») ήταν καινοτόμα, αλλά είναι επίσης γνωστός για την κοσμική μουσική του, στην οποία υπήρχε πολύ χιούμορ (vilanella O bella fusa).

Ιταλική σχολή

Οι εξέχοντες συνθέτες της Αναγέννησης από την Ιταλία, εκτός από τις παραδοσιακές κατευθύνσεις, ανέπτυξαν ενεργά την ορχηστρική μουσική (όργανο, έγχορδα τοξωτά όργανα, clavier). Το λαούτο έγινε το πιο συνηθισμένο όργανο και στα τέλη του 15ου αιώνα εμφανίστηκε το τσέμπαλο, ο πρόδρομος του πιάνου. Με βάση τα στοιχεία της δημοτικής μουσικής, αναπτύχθηκαν δύο σχολές συνθέτων με τη μεγαλύτερη επιρροή: η ρωμαϊκή (Giovanni Palestrina) και η βενετσιάνικη (Andrea Gabrieli).

Τζιοβάνι Πιερλουίτζιπήρε το όνομα η Παλαιστρίνηαπό το όνομα της πόλης κοντά στη Ρώμη, στην οποία γεννήθηκε και υπηρέτησε στον κυρίως ναό ως χοράρχης και οργανίστας. Η ημερομηνία γέννησής του είναι πολύ προσεγγιστική, αλλά πέθανε το 1594. Κατά τη διάρκεια της μακράς ζωής του έγραψε περίπου 100 μάζες και 200 ​​μοτέτες. Η «Λειτουργία του Πάπα Μάρκελλου» θαυμάστηκε από τον Πάπα Πίο Δ' και έγινε πρότυπο καθολικής ιερής μουσικής. Ο Τζιοβάνι είναι ο πιο λαμπρός εκπρόσωπος του φωνητικού τραγουδιού χωρίς μουσική συνοδεία.

Ανδρέα Γαβριέλημαζί με τον μαθητή και τον ανιψιό του, ο Τζιοβάνι εργάστηκε στο παρεκκλήσι του Αγίου Μάρκου (XVI αιώνας), «χρωματίζοντας» το τραγούδι της χορωδίας με τον ήχο του οργάνου και άλλων οργάνων. Η βενετική σχολή έλκεται περισσότερο προς την κοσμική μουσική και κατά την παραγωγή του Οιδίποδα του Σοφοκλή στη σκηνή του Ανδρέα Γαβριέλη γράφτηκε χορωδιακή μουσική, δείγμα χορωδιακής πολυφωνίας και προάγγελος του μέλλοντος της οπερατικής τέχνης.

Χαρακτηριστικά του γερμανικού σχολείου

Γερμανική γη προτάθηκε Ludwig Senfl, ο καλύτερος πολυφωνιστής του 16ου αιώνα, που όμως δεν έφτασε στο επίπεδο των Ολλανδών δασκάλων. Τραγούδια ποιητών-τραγουδιστών από τους τεχνίτες (meistersingers) είναι επίσης ιδιαίτερη μουσική της Αναγέννησης. Γερμανοί συνθέτες αντιπροσώπευαν εταιρίες τραγουδιού: τενεκεδοποιοί, τσαγκάρηδες, υφαντουργοί. Ενώθηκαν σε όλη την επικράτεια. Εξαιρετικός εκπρόσωπος της σχολής του τραγουδιού της Νυρεμβέργης ήταν Χανς Σακς(χρόνια ζωής: 1494-1576).

Γεννημένος στην οικογένεια του ράφτη, εργάστηκε σε όλη του τη ζωή ως τσαγκάρης, εντυπωσιάζοντας με τη πολυμάθειά του και τα μουσικά και λογοτεχνικά του ενδιαφέροντα. Διάβασε τη Βίβλο στην ερμηνεία του μεγάλου μεταρρυθμιστή Λούθηρου, γνώριζε αρχαίους ποιητές και εκτιμούσε τον Βοκκάτσιο. Όντας λαϊκός μουσικός, ο Sachs δεν κατέκτησε τις φόρμες της πολυφωνίας, αλλά δημιούργησε μελωδίες μιας αποθήκης τραγουδιών. Ήταν κοντά στο χορό, θυμούνται εύκολα και είχαν συγκεκριμένο ρυθμό. Το πιο γνωστό έργο ήταν το «Ασημένιο άσμα».

Αναγέννηση: μουσικοί και συνθέτες της Γαλλίας

Η μουσική κουλτούρα της Γαλλίας γνώρισε πραγματικά μια αναγέννηση μόλις τον 16ο αιώνα, όταν προετοιμάστηκε το κοινωνικό έδαφος στη χώρα.

Ένας από τους καλύτερους εκπροσώπους είναι Κλέμεντ Τζάνεκιν. Είναι γνωστό ότι γεννήθηκε στο Chatellerault (τέλη 15ου αιώνα) και από αγόρι που τραγουδούσε έγινε προσωπικός συνθέτης του βασιλιά. Από τη δημιουργική του κληρονομιά, έχουν διασωθεί μόνο κοσμικά τραγούδια που δημοσίευσε ο Attenyan. Υπάρχουν 260 από αυτά, αλλά αυτά που έχουν αντέξει στη δοκιμασία του χρόνου έχουν αποκτήσει πραγματική φήμη: "Birdsong", "Hunting", "Lark", "War", "Screams of Paris". Επανατυπώνονταν συνεχώς και χρησιμοποιούνταν από άλλους συγγραφείς για αναθεώρηση.

Τα τραγούδια του ήταν πολυφωνικά και έμοιαζαν με χορωδιακές σκηνές, όπου εκτός από την ονοματοποιία και την καντιλήνα, υπήρχαν και επιφωνήματα υπεύθυνα για τη δυναμική του έργου. Ήταν μια τολμηρή προσπάθεια να βρεθούν νέες μέθοδοι απεικόνισης.

Μεταξύ των διάσημων Γάλλων συνθετών είναι οι Guillaume Cotelet, Jacques Maudui, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel. , έδωσε στη μουσική μια αρμονική αποθήκη, που συνέβαλε στην αφομοίωση της μουσικής από το ευρύ κοινό.

Αναγεννησιακοί Συνθέτες: Αγγλία

Ο 15ος αιώνας στην Αγγλία επηρεάστηκε από τα έργα του John Dubsteilκαι XVI - Ουίλιαμ Μπερντ. Και οι δύο δάσκαλοι έλκονταν προς την ιερή μουσική. Ο Bird ξεκίνησε ως οργανίστας στον καθεδρικό ναό του Λίνκολν και τελείωσε την καριέρα του στο Βασιλικό Παρεκκλήσι του Λονδίνου. Για πρώτη φορά κατάφερε να συνδέσει τη μουσική και την επιχειρηματικότητα. Το 1575, σε συνεργασία με τον Tallis, ο συνθέτης έγινε μονοπώλιος στην έκδοση μουσικών έργων, που δεν του απέφεραν κανένα κέρδος. Χρειάστηκε όμως πολύς χρόνος για να υπερασπιστούν το δικαίωμά τους στην ιδιοκτησία στα δικαστήρια. Μετά τον θάνατό του (1623) στα επίσημα έγγραφα του παρεκκλησίου, ονομάστηκε «ο ιδρυτής της μουσικής».

Τι άφησε πίσω της η Αναγέννηση; Το Bird, εκτός από τις δημοσιευμένες συλλογές (Cantiones Sacrae, Gradualia), διατηρούσε πολλά χειρόγραφα, θεωρώντας τα κατάλληλα μόνο για οικιακή λατρεία. Τα μαδριγάλια που δημοσιεύτηκαν αργότερα (Musica Transalpina) έδειξαν τη μεγάλη επιρροή των Ιταλών συγγραφέων, αλλά αρκετές μάζες και μοτέτες συμπεριλήφθηκαν στο χρυσό ταμείο της ιερής μουσικής.

Ισπανία: Κριστόμπαλ ντε Μοράλες

Οι καλύτεροι εκπρόσωποι της ισπανικής μουσικής σχολής ταξίδεψαν στο Βατικανό, εμφανίζοντας στο παπικό παρεκκλήσι. Ένιωσαν την επιρροή Ολλανδών και Ιταλών συγγραφέων, έτσι μόνο λίγοι κατάφεραν να γίνουν διάσημοι εκτός της χώρας τους. Οι συνθέτες της Αναγέννησης από την Ισπανία ήταν πολυφωνιστές που δημιουργούσαν χορωδιακά έργα. Ο πιο λαμπρός εκπρόσωπος Κριστόμπαλ ντε Μοράλες(XVI αιώνας), ο οποίος ήταν επικεφαλής του metriz στο Τολέδο και εκπαίδευσε περισσότερους από έναν μαθητές. Οπαδός του Josquin Despres, ο Cristobal έφερε μια ειδική τεχνική σε μια σειρά από συνθέσεις που ονομάζονται ομοφωνικές.

Τα δύο ρέκβιεμ του συγγραφέα (το τελευταίο για πέντε φωνές), καθώς και η Λειτουργία "Armed Man" απέκτησαν τη μεγαλύτερη φήμη. Έγραψε επίσης κοσμικά έργα (καντάτα προς τιμήν της σύναψης συνθήκης ειρήνης το 1538), αλλά αυτό αναφέρεται στα προηγούμενα έργα του. Κατευθυνόμενος στο τέλος της ζωής του σε ένα παρεκκλήσι στη Μάλαγα, παρέμεινε ο συγγραφέας της ιερής μουσικής.

Αντί για συμπέρασμα

Οι συνθέτες της Αναγέννησης και τα έργα τους προετοίμασαν την άνθηση της οργανικής μουσικής του 17ου αιώνα και την εμφάνιση ενός νέου είδους - όπερας, όπου οι περιπλοκές πολλών φωνών αντικαθίστανται από την πρωτοκαθεδρία μιας που οδηγεί την κύρια μελωδία. Έκαναν μια πραγματική σημαντική ανακάλυψη στην ανάπτυξη της μουσικής κουλτούρας και έθεσαν τα θεμέλια για τη σύγχρονη τέχνη.

Το πιο εντυπωσιακό φαινόμενο ήταν τα κοσμικά φωνητικά είδη που ήταν ευρέως διαδεδομένα εκείνη την εποχή, εμποτισμένα με το πνεύμα των ουμανιστικών τάσεων. Ο επαγγελματισμός της μουσικής τέχνης έπαιξε ιδιαίτερο ρόλο στην ανάπτυξή τους: η ικανότητα των μουσικών μεγάλωσε, οργανώθηκαν σχολές τραγουδιού, στις οποίες διδάσκονταν από μικρή ηλικία το τραγούδι, το όργανο και η μουσική θεωρία. Όλα αυτά οδήγησαν στην καθιέρωση της αυστηρής τεχνοτροπίας πολυφωνίας, η οποία απαιτούσε υψηλή δεξιοτεχνία, επαγγελματική μαεστρία στη σύνθεση και τις τεχνικές εκτέλεσης. Στο πλαίσιο αυτού του στυλ, υπάρχουν μάλλον αυστηροί κανόνες φωνητικής καθοδήγησης και ρυθμικής οργάνωσης, διατηρώντας παράλληλα τη μέγιστη ανεξαρτησία των φωνών. Αν και η εκκλησιαστική μουσική κατείχε μεγάλη θέση στο έργο των δασκάλων ενός αυστηρού στυλ, μαζί με έργα σε πνευματικά κείμενα, αυτοί οι συνθέτες έγραψαν πολλά κοσμικά πολυφωνικά τραγούδια. Ιδιαίτερο ενδιαφέρον παρουσιάζουν οι μουσικές και ποιητικές εικόνες κοσμικών φωνητικών ειδών. Τα κείμενα έχουν ζωηρό και σχετικό περιεχόμενο. Εκτός από ερωτικούς στίχους, εξαιρετικά δημοφιλή ήταν τα σατιρικά, επιπόλαια, διθυραμβικά κείμενα, τα οποία συνδυάζονταν με την εξαιρετική επαγγελματική τεχνική της πολυφωνικής γραφής. Ακολουθούν μερικά κείμενα γαλλικών chanson, τα οποία αποτελούν παράδειγμα καθημερινών στίχων "Σήκω, αγαπητή Κολινέτ, είναι ώρα να πάμε για ποτό· γέλιο και ευχαρίστηση - αυτό φιλοδοξώ. Αφήστε όλους να παραδοθούν στη χαρά. Ήρθε η άνοιξη . ..», «Ας είναι καταραμένος ο πλούτος, αφαιρέθηκε Έχω τη φίλη μου: κατέκτησα την αγάπη της, και η άλλη - ο πλούτος, η ειλικρινής αγάπη στις ερωτικές υποθέσεις αξίζει ελάχιστα.

Ο πολιτισμός της Αναγέννησης εμφανίστηκε αρχικά στην Ιταλία και στη συνέχεια σε άλλες χώρες. Η ιστορία έχει διατηρήσει πληροφορίες για τις συχνές μετακινήσεις διάσημων μουσικών από χώρα σε χώρα, για τη δουλειά τους σε ένα ή άλλο παρεκκλήσι, για τη συχνή επικοινωνία εκπροσώπων διαφορετικών εθνικοτήτων κ.λπ. Επομένως, στη μουσική της περιόδου της Αναγέννησης, παρατηρούμε ένα σημαντική σχέση μεταξύ των έργων που δημιουργήθηκαν από συνθέτες διαφορετικές εθνικές σχολές.

Ο 16ος αιώνας αναφέρεται συχνά ως η «εποχή του χορού». Υπό την επίδραση των ουμανιστικών ιδεωδών της ιταλικής Αναγέννησης, το φράγμα των εκκλησιαστικών απαγορεύσεων τελικά έσπασε και η λαχτάρα για «εγκόσμιες», γήινες χαρές αποκαλύφθηκε ως μια άνευ προηγουμένου έκρηξη στοιχείων χορού και τραγουδιού. Ισχυρός παράγοντας για τη διάδοση του τραγουδιού και του χορού τον 16ο αιώνα. έπαιξε η εφεύρεση των μεθόδων εκτύπωσης μουσικής: χοροί που εκδόθηκαν σε μεγάλους αριθμούς άρχισαν να περιφέρονται από τη μια χώρα στην άλλη. Κάθε έθνος συνέβαλε στο κοινό πάθος, έτσι οι χοροί, ξεφεύγοντας από την πατρίδα τους, ταξίδεψαν σε όλη την ήπειρο, αλλάζοντας την εμφάνισή τους, και μερικές φορές ακόμη και το όνομά τους. Η μόδα για αυτούς εξαπλώθηκε γρήγορα και άλλαξε γρήγορα.

Ταυτόχρονα, η Αναγέννηση ήταν μια εποχή ευρέων θρησκευτικών κινημάτων (Ουσιτισμός στην Τσεχία, Λουθηρανισμός στη Γερμανία, Καλβινισμός στη Γαλλία). Όλες αυτές οι ποικίλες εκδηλώσεις των θρησκευτικών κινημάτων εκείνης της εποχής μπορούν να ενωθούν με τη γενική έννοια του Προτεσταντισμού. Ο προτεσταντισμός σε διάφορα εθνικά κινήματα έπαιξε μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη και ενίσχυση της κοινότητας των μουσικών πολιτισμών των λαών, εξάλλου, κυρίως στο χώρο της δημοτικής μουσικής. Σε αντίθεση με τον ουμανισμό, ο οποίος αγκάλιαζε έναν σχετικά στενό κύκλο ανθρώπων, ο Προτεσταντισμός ήταν μια πιο μαζική τάση που εξαπλώθηκε σε μεγάλα τμήματα του λαού. Ένα από τα πιο εντυπωσιακά φαινόμενα στη μουσική τέχνη της Αναγέννησης είναι η προτεσταντική χορωδία. Προέκυψε στη Γερμανία υπό την επιρροή του Μεταμορφωτικού κινήματος, σε αντίθεση με τα σύνεργα της καθολικής λατρείας, διακρίθηκε από ένα ιδιαίτερο συναισθηματικό και σημασιολογικό περιεχόμενο. Ο Λούθηρος και άλλοι εκπρόσωποι του προτεσταντισμού έδιναν μεγάλη σημασία στη μουσική: "Η μουσική κάνει τους ανθρώπους χαρούμενους, κάνει τους ανθρώπους να ξεχνούν τον θυμό. Εξαλείφει την αυτοπεποίθηση και άλλες ελλείψεις... Η νεολαία πρέπει να είναι διαρκώς συνηθισμένη στη μουσική, γιατί δημιουργεί επιδέξια, κατάλληλα άτομα για τα πάντα. ." Έτσι, η μουσική στο κίνημα της Μεταρρύθμισης θεωρήθηκε όχι πολυτέλεια, αλλά ένα είδος «καθημερινού ψωμιού» - κλήθηκε να παίξει μεγάλο ρόλο στην προώθηση του προτεσταντισμού και στη διαμόρφωση της πνευματικής συνείδησης των πλατιών μαζών.

ΕΙΔΗ:

Φωνητικά είδη

Ολόκληρη η εποχή στο σύνολό της χαρακτηρίζεται από σαφή κυριαρχία των φωνητικών ειδών, και ειδικότερα των φωνητικών πολυφωνία. Μια ασυνήθιστα περίπλοκη μαεστρία της πολυφωνίας σε αυστηρό ύφος, γνήσια επιστήμη, βιρτουόζικη τεχνική συνυπήρχε με μια φωτεινή και φρέσκια τέχνη της καθημερινής διάδοσης. Η ενόργανη μουσική αποκτά κάποια ανεξαρτησία, αλλά η άμεση εξάρτησή της από τις φωνητικές φόρμες και τις καθημερινές πηγές (χορός, τραγούδι) θα ξεπεραστεί λίγο αργότερα. Τα κύρια μουσικά είδη παραμένουν συνδεδεμένα με το λεκτικό κείμενο. Η ουσία του ουμανισμού της Αναγέννησης αντικατοπτρίστηκε στη σύνθεση χορωδιακών τραγουδιών στο στυλ του frottoll και του vilanelle.
Είδη χορού

Στην Αναγέννηση, ο καθημερινός χορός αποκτά μεγάλη σημασία. Στην Ιταλία, τη Γαλλία, την Αγγλία, την Ισπανία υπάρχουν πολλές νέες μορφές χορού. Διαφορετικά στρώματα της κοινωνίας έχουν τους δικούς τους χορούς, αναπτύσσουν τον τρόπο παράστασής τους, τους κανόνες συμπεριφοράς κατά τη διάρκεια χορών, βραδιών, γιορτών. Οι αναγεννησιακοί χοροί είναι πιο περίπλοκοι από τα ανεπιτήδευτα τσιράκια του ύστερου Μεσαίωνα. Χοροί με στρογγυλό χορό και σύνθεση γραμμικής βαθμίδας αντικαθίστανται από ζευγαρωμένους (ντουέτο) χορούς, βασισμένους σε σύνθετες κινήσεις και φιγούρες.
Βόλτα - χορός σε ζευγάρια ιταλικής καταγωγής. Το όνομά του προέρχεται από την ιταλική λέξη voltare, που σημαίνει «γυρίζω». Το μέγεθος είναι τριπλάσιο, ο ρυθμός είναι μέτρια γρήγορος. Το κύριο μοτίβο του χορού είναι ότι ο κύριος στρέφει γρήγορα και απότομα την κυρία χορεύοντας μαζί του στον αέρα. Αυτή η ανύψωση γίνεται συνήθως πολύ ψηλά. Απαιτεί μεγάλη δύναμη και επιδεξιότητα από τον κύριο, αφού, παρά την οξύτητα και κάποια ορμητικότητα των κινήσεων, η άνοδος πρέπει να εκτελείται καθαρά και όμορφα.
γαλιάρδος - ένας παλιός χορός ιταλικής προέλευσης, κοινός στην Ιταλία, Αγγλία, Γαλλία, Ισπανία, Γερμανία. Ο ρυθμός των πρώιμων γαλιάρδων είναι μέτρια γρήγορος, το μέγεθος είναι τριπλάσιο. Το γαλιάρδο εκτελούνταν συχνά μετά το pavane, με το οποίο μερικές φορές συνδεόταν θεματικά. Galliards 16ος αιώνας συντηρείται σε μελωδική-αρμονική υφή με μελωδία στην πάνω φωνή. Οι μελωδίες του Galliard ήταν δημοφιλείς σε μεγάλα τμήματα της γαλλικής κοινωνίας. Κατά τη διάρκεια της παράστασης σερενάτες, μαθητές της Ορλεάνης έπαιζαν μελωδίες γαλιάρδου σε λαούτα και κιθάρες. Όπως τα κουδούνια, έτσι και ο γαλιάρδος είχε τον χαρακτήρα ενός είδους χορευτικού διαλόγου. Ο κύριος κινήθηκε στο χολ με την κυρία του. Όταν ο άντρας έκανε το σόλο, η κυρία παρέμεινε στη θέση του. Το ανδρικό σόλο αποτελούνταν από μια ποικιλία σύνθετων κινήσεων. Μετά από αυτό, πλησίασε ξανά την κυρία και συνέχισε το χορό.
παβάνα - αυλικός χορός 16ου-17ου αιώνα. Ο ρυθμός είναι μέτρια αργός, η χρονική υπογραφή είναι 4/4 ή 2/4. Σε διάφορες πηγές δεν υπάρχει συναίνεση για την προέλευσή του (Ιταλία, Ισπανία, Γαλλία). Η πιο δημοφιλής εκδοχή είναι ένας ισπανικός χορός που μιμείται τις κινήσεις ενός παγωνιού που περπατά με μια όμορφα ρέουσα ουρά. Ήταν κοντά στο μπάσο. Υπό τη μουσική των παβάνων, πραγματοποιήθηκαν διάφορες τελετουργικές πομπές: οι αρχές μπήκαν στην πόλη, διώχνοντας την ευγενή νύφη στην εκκλησία. Στη Γαλλία και την Ιταλία, ο παβάνε έχει καθιερωθεί ως χορός της αυλής. Η επίσημη φύση του pavane επέτρεψε στην αυλική κοινωνία να λάμψει με τη χάρη και τη χάρη των τρόπων και των κινήσεών τους. Ο λαός και η αστική τάξη δεν έκαναν αυτόν τον χορό. Το παβάνε, όπως και το μενουέτο, εκτελούνταν αυστηρά σύμφωνα με τις τάξεις. Ο βασιλιάς και η βασίλισσα άρχισαν το χορό, μετά μπήκε ο ντόφιν με μια αρχόντισσα, μετά οι πρίγκιπες κ.λπ. Οι Cavaliers εκτελούσαν το pavane με σπαθί και ακρωτήρια. Οι κυρίες φορούσαν τελετουργικά φορέματα με βαριά μακριά τρένα, τα οποία έπρεπε να χειρίζονται επιδέξια κατά τις κινήσεις χωρίς να τα σηκώνουν από το πάτωμα. Η κίνηση του τρεν έκανε τις κινήσεις όμορφες, δίνοντας στον pavane μεγαλοπρέπεια και επισημότητα. Πίσω από τη βασίλισσα, στενές κυρίες μετέφεραν ένα τρένο. Πριν από την έναρξη του χορού, έπρεπε να κάνει τον γύρο της αίθουσας. Στο τέλος του χορού, τα ζευγάρια με φιόγκους και κούρτσες ξαναγύρισαν την αίθουσα. Αλλά πριν φορέσει το καπέλο, ο κύριος έπρεπε να βάλει το δεξί του χέρι στο πίσω μέρος του ώμου της κυρίας, το αριστερό (κρατώντας το καπέλο) στη μέση της και να τη φιλήσει στο μάγουλο. Κατά τη διάρκεια του χορού, τα μάτια της κυρίας ήταν χαμηλωμένα. μόνο που από καιρό σε καιρό κοίταζε τον φίλο της. Το pavane διατηρήθηκε για το μεγαλύτερο χρονικό διάστημα στην Αγγλία, όπου ήταν πολύ δημοφιλές.
Αλεμαντέ - αργός χορός γερμανικής καταγωγής σε 4 χτύπους. Ανήκει στους μαζικούς «χαμηλούς», μη πηδηματικούς χορούς. Οι ερμηνευτές έγιναν ζευγάρια ο ένας μετά τον άλλο. Ο αριθμός των ζευγαριών δεν ήταν περιορισμένος. Ο κύριος κράτησε την κυρία από τα χέρια. Η κολόνα κινήθηκε γύρω από την αίθουσα, και όταν έφτασε στο τέλος, οι συμμετέχοντες έκαναν μια στροφή επί τόπου (χωρίς να χωρίσουν τα χέρια τους) και συνέχισαν το χορό προς την αντίθετη κατεύθυνση.
Courant είναι αυλικός χορός ιταλικής προέλευσης. Το κουδούνισμα ήταν απλό και σύνθετο. Το πρώτο αποτελούνταν από απλά βήματα ολίσθησης, που εκτελούνταν κυρίως προς τα εμπρός. Το περίπλοκο κουδούνισμα είχε παντομιμικό χαρακτήρα: τρεις κύριοι κάλεσαν τρεις κυρίες να συμμετάσχουν στο χορό. Οι κυρίες οδηγήθηκαν στην απέναντι γωνία της αίθουσας και τους ζητήθηκε να χορέψουν. Οι κυρίες αρνήθηκαν. Οι κύριοι, έχοντας λάβει άρνηση, έφυγαν, αλλά μετά επέστρεψαν ξανά και γονάτισαν μπροστά στις κυρίες. Μόνο μετά τη σκηνή της παντομίμας άρχισε ο χορός. Τα κουδούνια ιταλικών και γαλλικών τύπων διαφέρουν. Το ιταλικό chimes είναι ένας ζωηρός χορός σε χρόνο 3/4 ή 3/8 με απλό ρυθμό σε μελωδική-αρμονική υφή. Γαλλικά - ένας επίσημος χορός ("χορός του τρόπου"), μια ομαλή περήφανη πομπή. Μέγεθος 3/2, μέτριο τέμπο, καλά ανεπτυγμένη πολυφωνική υφή.
Σαραμπάντε - λαϊκός χορός 16ου - 17ου αιώνα. Προέρχεται από τον ισπανικό γυναικείο χορό με καστανιέτες. Αρχικά συνοδεύεται από τραγούδι. Ο διάσημος χορογράφος και δάσκαλος Carlo Blasis σε ένα από τα έργα του δίνει μια σύντομη περιγραφή του sarabande: "Σε αυτόν τον χορό, ο καθένας επιλέγει μια κυρία για την οποία δεν είναι αδιάφορος. Η μουσική δίνει ένα σήμα και δύο εραστές κάνουν έναν χορό, ευγενή, Μετρημένη, όμως, η σημασία αυτού του χορού δεν παρεμβαίνει καθόλου στην ευχαρίστηση και η σεμνότητα του δίνει ακόμα περισσότερη χάρη· τα μάτια όλων ακολουθούν με ευχαρίστηση τους χορευτές που ερμηνεύουν διάφορες φιγούρες εκφράζοντας με την κίνησή τους όλες τις φάσεις της αγάπης. Αρχικά, ο ρυθμός του sarabande ήταν μέτρια γρήγορος, αργότερα (από τον 17ο αιώνα) εμφανίστηκε ένας αργός γαλλικός sarabande με χαρακτηριστικό ρυθμικό μοτίβο: ...... Στην πατρίδα του, το sarabande έπεσε στην κατηγορία των άσεμνων χορών και σε 1630. απαγορεύτηκε από το Συμβούλιο της Καστίλλης.
Γκιγκ - ένας χορός αγγλικής καταγωγής, ο πιο γρήγορος, τριμερής, που μετατρέπεται σε τρίδυμο. Αρχικά η γκίγα ήταν χορός ζευγαριών, μεταξύ των ναυτικών διαδόθηκε ως σόλο, πολύ γρήγορος κωμικός χορός. Αργότερα εμφανίζεται στην ορχηστρική μουσική ως το τελευταίο μέρος μιας παλιάς σουίτας χορού.

Η Αναγέννηση, ή Αναγέννηση, είναι μια περίοδος στην ιστορία του πολιτισμού της Δυτικής και Κεντρικής Ευρώπης, που καλύπτει περίπου τον 14ο-16ο αιώνα. Αυτή η περίοδος πήρε το όνομά της σε σχέση με την αναβίωση του ενδιαφέροντος για την αρχαία τέχνη, η οποία έχει γίνει ιδανικό για πολιτιστικές προσωπικότητες της σύγχρονης εποχής. Συνθέτες και θεωρητικοί της μουσικής - J. Tinktoris, J. Tsarlino και άλλοι - μελέτησαν αρχαίες ελληνικές μουσικές πραγματείες. στα έργα του Josquin Despres, ο οποίος συγκρίθηκε με τον Michelangelo, σύμφωνα με τους σύγχρονους, "η χαμένη τελειότητα της μουσικής των αρχαίων Ελλήνων αναβίωσε": εμφανίστηκε στα τέλη του 16ου - αρχές του 17ου αιώνα. η όπερα καθοδηγούνταν από τους νόμους του αρχαίου δράματος.

Μαθήματα θεωρίας της μουσικής. Από γκραβούρα του 16ου αιώνα.

J. P. Palestrina.

Η ανάπτυξη του πολιτισμού της Αναγέννησης συνδέεται με την άνοδο όλων των πτυχών της κοινωνίας. Μια νέα κοσμοθεωρία γεννήθηκε - ο ανθρωπισμός (από το λατινικό humanus - "άνθρωπος"). Η χειραφέτηση των δημιουργικών δυνάμεων οδήγησε στη ραγδαία ανάπτυξη της επιστήμης, του εμπορίου, της βιοτεχνίας και νέες, καπιταλιστικές σχέσεις διαμορφώθηκαν στην οικονομία. Η εφεύρεση της τυπογραφίας συνέβαλε στη διάδοση της εκπαίδευσης. Οι μεγάλες γεωγραφικές ανακαλύψεις και το ηλιοκεντρικό σύστημα του κόσμου από τον Ν. Κοπέρνικο άλλαξαν τις ιδέες για τη Γη και το Σύμπαν.

Οι καλές τέχνες, η αρχιτεκτονική και η λογοτεχνία γνώρισαν πρωτοφανή άνθηση. Η νέα στάση αντικατοπτρίστηκε στη μουσική και άλλαξε την εμφάνισή της. Σταδιακά ξεφεύγει από τους κανόνες του μεσαιωνικού κανόνα, το ύφος εξατομικεύεται, η ίδια η έννοια του «συνθέτη» εμφανίζεται για πρώτη φορά. Η υφή των έργων αλλάζει, ο αριθμός των φωνών αυξάνεται σε τέσσερις, έξι ή περισσότερες (για παράδειγμα, είναι γνωστός ένας κανόνας 36 φωνών, που αποδίδεται στον μεγαλύτερο εκπρόσωπο της ολλανδικής σχολής, τον J. Okegem). Οι συμφωνίες κυριαρχούν σε αρμονία, η χρήση παραφωνιών περιορίζεται αυστηρά από ειδικούς κανόνες (βλ. Συνώνυμα και παραφωνία). Σχηματίζονται οι κλίμακες μείζονα και ελάσσονα και το ρολόι σύστημα ρυθμών, που είναι χαρακτηριστικά της μεταγενέστερης μουσικής.

Όλα αυτά τα νέα μέσα χρησιμοποιήθηκαν από τους συνθέτες για να μεταφέρουν ένα ειδικό σύστημα συναισθημάτων ενός ανθρώπου της Αναγέννησης - υπέροχο, αρμονικό, ήρεμο και μεγαλειώδες. Η σύνδεση κειμένου και μουσικής γίνεται πιο στενή, η μουσική αρχίζει να μεταδίδει τη διάθεση ή, όπως έλεγαν τότε, τις επιδράσεις του κειμένου, μεμονωμένες λέξεις, όπως «ζωή», «θάνατος», «αγάπη» κ.λπ., συχνά εικονογραφούνται με ειδικά μουσικά μέσα.

Η αναγεννησιακή μουσική αναπτύχθηκε σε δύο κατευθύνσεις - εκκλησιαστική και κοσμική. Τα κύρια είδη εκκλησιαστικής μουσικής - μαζική και μοτέτα - πολυφωνικά πολυφωνικά έργα για τη χορωδία χωρίς συνοδεία ή συνοδεία ορχηστρικού συνόλου (βλ. Χορωδιακή μουσική, Πολυφωνία). Από τα όργανα προτιμήθηκε το όργανο.

Η ανάπτυξη της ερασιτεχνικής μουσικής συνέβαλε στην ανάπτυξη της κοσμικής μουσικής. Η μουσική ακουγόταν παντού: στους δρόμους, στα σπίτια των πολιτών, στα παλάτια των ευγενών. Οι πρώτοι βιρτουόζοι ερμηνευτές της συναυλίας εμφανίστηκαν στο λαούτο, το τσέμπαλο, το όργανο, τη βιόλα, διάφορα είδη διαμήκων φλάουτων. Σε πολυφωνικά τραγούδια (μαδριγάλιο - στην Ιταλία, chanson - στη Γαλλία), οι συνθέτες μιλούσαν για την αγάπη, για όλα όσα συμβαίνουν στη ζωή. Ακολουθούν οι τίτλοι μερικών από τα τραγούδια: «Deer Hunt», «Echo», «Battle of Marignano».

Στους XV-XVI αιώνες. η σημασία της τέχνης του χορού αυξάνεται, εμφανίζονται πολυάριθμες πραγματείες και πρακτικοί οδηγοί για τη χορογραφία, συλλογές χορευτικής μουσικής, οι οποίες περιλαμβάνουν δημοφιλείς χορούς εκείνης της εποχής - μπάσο, μπράνλε, παβάνε, γκαλιάρ.

Κατά την Αναγέννηση σχηματίστηκαν εθνικά μουσικά σχολεία. Το μεγαλύτερο από αυτά είναι η ολλανδική (γαλλο-φλαμανδική) πολυφωνική σχολή. Εκπρόσωποί της οι G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Μεταξύ άλλων εθνικών σχολείων είναι τα ιταλικά (J. P. Palestrina), τα ισπανικά (T. L. de Victoria), τα αγγλικά (W. Byrd), τα γερμανικά (L. Senfl).

Η Αναγέννηση τελειώνει με την εμφάνιση νέων μουσικών ειδών: σόλο τραγούδι, ορατόριο, όπερα, η πραγματική άνθιση των οποίων έρχεται τον επόμενο αιώνα (βλ. δυτικοευρωπαϊκή μουσική του 17ου-20ου αιώνα).

Αναγεννησιακή μουσική

1.Η μουσική ακουγόταν παντού: στους δρόμους και τις πλατείες, στα σπίτια των πολιτών, στα ανάκτορα των ευγενών και των βασιλιάδων. Η μουσική, μαζί με τη γραμματική, τη ρητορική και την ποίηση, περιλαμβανόταν στις λεγόμενες «ανθρώπινες επιστήμες».

Την ηγετική θέση εξακολουθούσε να κατείχε η ιερή μουσική, η οποία ακουγόταν κατά τη διάρκεια των εκκλησιαστικών λειτουργιών.

Σταδιακά, τα έργα των εκκλησιαστικών συνθετών αρχίζουν να διεισδύουν αιώνιες μεταβολές. Τα θέματα των δημοτικών τραγουδιών που δεν έχουν καθόλου θρησκευτικό περιεχόμενο εισάγονται με τόλμη στον πολυφωνικό ιστό των εκκλησιαστικών ύμνων. Τώρα όμως δεν έρχεται σε αντίθεση με το γενικό πνεύμα και τις διαθέσεις της εποχής. Αντίθετα, στη μουσική το θεϊκό και το ανθρώπινο συνδυάζονταν με εκπληκτικό τρόπο.

2. Η ιερή μουσική έφτασε στο απόγειό της τον 15ο αιώνα. στην Ολλανδία.

Εδώ η μουσική τιμούνταν περισσότερο από άλλες μορφές τέχνης. Ολλανδοί και Φλαμανδοί συνθέτες πρωτοστάτησαν στους νέους κανόνες πολύφωνος (πολυφωνική) απόδοση - κλασική «αυστηρό στυλ».

Η πιο σημαντική τεχνική σύνθεσης των Ολλανδών δασκάλων ήταν μίμηση - επανάληψη της ίδιας μελωδίας σε διαφορετικές φωνές. Έγινε η κύρια φωνή νόημα,στον οποίο ανατέθηκε η κύρια επαναλαμβανόμενη μελωδία.

3. Η Αναγέννηση ήταν η αρχή δημιουργικότητα επαγγελματία συνθέτη

Ολλανδική μουσική Ορλάντο Λάσο(1532-1594), συνδυάζει αυτοσχεδιασμό και άψογη λογική.

Στο αγαπημένο είδος του μοτέτο, εισήγαγε πολλές καινοτόμες τεχνικές.

Κατέχει μια προσπάθεια να κυριαρχήσει είδοςπάθη. Ο Λάσο δημιούργησε τα Πάθη και για τα τέσσερα Ευαγγέλια. Δεν υπήρχε σόλο τραγούδι σε αυτούς και μια χορωδία πέντε φωνών άνοιξε το δρόμο προς το είδος της οπερατικής τέχνης. Ένα από τα μουσικά αριστουργήματα του συνθέτη ήταν τραγούδι "Echo.

4. Τζιοβάνι Πιερλουίτζι Παλεστρίνα(1525-1594)

Τον αποκαλούν τον τελευταίο μεγάλο πολυφωνιστή. Εργάστηκε στον καθεδρικό ναό του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη και ήταν ο επίσημος παπικός συνθέτης. Η τέχνη του στερείται αισθησιακών παθών, γεμάτη αρμονία και μεγαλοπρέπεια.

Είναι ο πιο λαμπρός εκπρόσωπος της σχολής κλασικής μουσικής στην Ιταλία.

Η κληρονομιά του περιλαμβάνει πολλά έργα ιερής και κοσμικής μουσικής: 93 ακολουθίες, 326 ύμνους και μοτέτες.

5. Σε Γερμανίαέργα ιερής μουσικής στη μητρική τους γλώσσα ήταν σχετικά. Ο ίδιος ο Μάρτιν Λούθηρος έγραψε χορικά που προοριζόταν να εκτελεστεί από ολόκληρη τη θρησκευτική κοινότητα. Οι απλές μελωδίες τους κέρδισαν δημοτικότητα μεταξύ των ανθρώπων και οι επαγγελματίες συνθέτες έκαναν αργότερα τις πολυφωνικές τους διασκευές. (J.S. Bach)

ήταν επίσης δημοφιλείς είδη πολυφωνικής μινιατούρας:

συμπεριφορά, motet.

Θα μπορούσαν να εισάγουν κείμενα στη μητρική τους γλώσσα.

Το χορωδιακό τραγούδι ήταν το πιο δημοφιλές είδος μουσικής.

6. Άρχισε να εμφανίζεται κοσμικά χορωδιακά είδη:

Ballat αλλά(χορευτικό τραγούδι)

Chanson (πολυφωνικό τραγούδι)

και ιταλικά μαδριγάλιο.

7. Το πιο δημοφιλές είδος κοσμικής μουσικής ήταν μαδριγάλοι(Ιταλικό madrigale - ένα τραγούδι στη μητρική γλώσσα) - πολυφωνικές χορωδιακές συνθέσεις γραμμένες στο κείμενο ενός λυρικού ποιήματος ερωτικού περιεχομένου.

Τις περισσότερες φορές, ποιήματα διάσημων δασκάλων χρησιμοποιήθηκαν για το σκοπό αυτό: Dante, Francesco Petrarch και Torquato Tasso. Τα Madrigals δεν ερμηνεύτηκαν από επαγγελματίες τραγουδιστές, αλλά από ένα ολόκληρο σύνολο ερασιτεχνών, όπου κάθε μέρος διευθυνόταν από έναν τραγουδιστή. Η κύρια διάθεση του μαδριγάλιου είναι η θλίψη, η μελαγχολία και η μελαγχολία, αλλά υπήρχαν και χαρούμενες, ζωηρές συνθέσεις.

Μαδριγάλιοέζησε από το 1520-1620. Η ιδέα του μαδριγάλιου ήταν επαναστατική για την Αναγέννηση, γιατί. έθεσε το καθήκον να μεταφράσει ένα ποιητικό κείμενο σε μουσική. Να γιατί μαδριγάλιομπορεί να ονομαστεί υπό όρους ειδύλλιο του 16ου αιώνα.

8. Δεν ήταν λιγότερο δημοφιλές είδος κοσμικής μουσικής τραγούδι συνοδεία μουσικών οργάνων. Σε αντίθεση με τη μουσική που παιζόταν στην εκκλησία, τα τραγούδια ήταν αρκετά απλά στην εκτέλεση. Το κείμενό τους με ομοιοκαταληξία ήταν ξεκάθαρα χωρισμένο σε στίχους 4-6 γραμμών. Στα τραγούδια, όπως και στα μαδριγάλια, το κείμενο απέκτησε μεγάλη σημασία. Όταν εκτελούνται, οι ποιητικές γραμμές δεν πρέπει να χάνονται στο πολυφωνικό τραγούδι.

Ιδιαίτερα διάσημα ήταν τα τραγούδια του Γάλλου συνθέτη Clement Janequin (1485-1558), ο οποίος έγινε διάσημος για την ικανότητά του να αναπαράγει τις φωνές της άγριας ζωής στη μουσική.

9. Στο δεύτερο μισό του 16ου αιώνα, μια καταιγίδα ανάπτυξη του οργανισμού. Οι οικογένειες των έγχορδων και πνευστών οργάνων μεγαλώνουν, η γκάμα τους διευρύνεται, η κοσμική και η οικιακή μουσική εξαπλώνεται.

Εμφανίζομαι νέα ορχηστρικά είδη:

προανάκρουσμα (πριν από το παιχνίδι) - εισαγωγικό κομμάτι

ricercar (εξαιρετικό κομμάτι) - πολυφωνική γραφή,

canzone (τραγούδι χωρίς λόγια) - ο πρόδρομος της φούγκας.

10 . Υπάρχει ανάγκη για δημόσια απόδοση μουσικής.

Η συναυλία παίρνει σάρκα και οστά.

Εμφανίζεται για πρώτη φορά στο Λονδίνο -πληρωμένο και στη Βενετία- επιδοτούμενο από τον δικαστή της πόλης.

Η Αναγέννηση τελειώνει με την εμφάνιση νέων μουσικών ειδών: σόλο τραγούδι, ορατόριο και όπερα.

Αν νωρίτερα ο ναός ήταν το κέντρο της μουσικής κουλτούρας, τότε από τότε η μουσική ακούγεται στην όπερα.

Η ανάπτυξη της μουσικής συνέβαλε εφεύρεση της μουσικής εκτύπωσης.