Ποιο είναι το κύριο πλεονέκτημα του Ostrovsky. Καλλιτεχνικά χαρακτηριστικά των δραματουργών A.N

Όλη η δημιουργική ζωή Α. Ο Ostrovsky ήταν άρρηκτα συνδεδεμένος με το ρωσικό θέατρο και το πλεονέκτημα του μπροστά από τη ρωσική σκηνή πραγματικά τεράστιες. Είχε κάθε λόγο να πει στο τέλος της ζωής του: "... το ρωσικό δραματικό θέατρο είναι μόνο μόνο εγώ είμαι. Είμαι: και η ακαδημία, και ο προστάτης και η άμυνα. Επιπλέον, έγιναν στο το κεφάλι της τέχνης σταδίου. "

Ο Ostrovsky πήρε ένα ενεργό ρόλο στην παραγωγή των παιχνιδιών του, εργάστηκε με ηθοποιούς, με πολλούς από αυτούς ήταν φίλοι, αντίστοιχα. Έβαλε πολλή δύναμη, υπερασπίζοντας την πράξη των ηθοποιών, επιδιώκοντας να δημιουργήσει ένα θεατρικό σχολείο στη Ρωσία, το δικό του ρεπερτόριο.

Το 1865, ο Ostrovsky διοργάνωσε έναν καλλιτεχνικό κύκλο στη Μόσχα, ο σκοπός της οποίας ήταν να προστατεύσει τα συμφέροντα των καλλιτεχνών, ιδιαίτερα του επαρχιακού, προωθώντας τη φώτησή τους. Το 1874 δημιούργησε μια κοινωνία δραματικών συγγραφέων και συνθέσεων της όπερας. Αναφέρθηκε από την κυβέρνηση σχετικά με την ανάπτυξη της σκηνής τέχνης (1881), διέθετε να κατευθύνει δραστηριότητες στο Μικρό Θέατρο της Μόσχας και της Αλεξάνδρειας - στην Αγία Πετρούπολη, κατοικούσε ως επικεφαλής του ρεπερτορίου των θεάτρων της Μόσχας (1886), ήταν η Επικεφαλής της σχολής θεάτρου (1886). Έχει χτιστεί "ολόκληρο το" κτίριο του ρωσικού θεάτρου ", που αποτελείται από 47 πρωτότυπα παιχνίδια. "Η λογοτεχνία έφερε μια ολόκληρη βιβλιοθήκη καλλιτεχνικών έργων", έγραψε ο Ostrovsky ia goncharov, - για τη σκηνή δημιούργησε το δικό τους, ειδικό κόσμο. Μόνο ολοκληρώσατε το κτίριο, στο Ίδρυμα του οποίου ο ακρογωνιαίος λίθος του Fononvizin, Griboedov, Gogol, ήταν Βάλτε στο έδαφος. Αλλά μόνο μετά από εσάς, οι Ρώσοι, μπορούμε περήφανα να πω: έχουμε το δικό μας ρωσικό εθνικό θέατρο. "

Η δημιουργικότητα του Ostrovsky ήταν μια ολόκληρη εποχή στην ιστορία του ρωσικού θεάτρου. Σχεδόν όλα τα έργα του εξακολουθούν να έχουν τοποθετηθεί στη σκηνή του μικρού θεάτρου, δημιουργήθηκαν αρκετές γενιές καλλιτεχνών που μεγάλωσαν στους υπέροχους δασκάλους της ρωσικής σκηνής. Τα έργα του Ostrovsky έπαιξαν τόσο σημαντικό ρόλο στην ιστορία του μικρού θεάτρου, η οποία ονομάζεται περήφανα το νησιωτικό σπίτι.

Συνήθως ο ίδιος ο Ostrovsky έβαλε τα έργα του. Ήξερε ότι το εσωτερικό, κρυμμένο από το μάτι του ακροατηρίου, το παρασκήνιο του θεάτρου. Η γνώση του θεατρικού συγγραφέα που εκδηλώνεται έντονα στα κομμάτια "δάσος" (1871), "κωμικός XVII αιώνας" (1873), "ταλέντα και οπαδοί" (1881), "χωρίς ενοχή ενοχή" (1883).

Σε αυτά τα έργα, έχουμε ζωντανούς τύπους επαρχιακών ηθοποιών διαφορετικών admua. Αυτές είναι τραγικές, κωμικοί, "πρώτοι εραστές". Αλλά ανεξάρτητα από το ρόλο, οι ζωές των ηθοποιών είναι συνήθως δύσκολες. Που απεικονίζουν τη μοίρα τους στα έργα του, το Ostrovsky προσπάθησε να δείξει πόσο δύσκολο να ζήσει ένα άτομο με μια λεπτή ψυχή και ταλέντο στον αθέμιτο κόσμο του άργυρου και της άγνοιας. Ταυτόχρονα, οι ηθοποιοί στην εικόνα του Ostrovsky θα μπορούσαν να είναι σχεδόν φτωχοί, όπως δυστυχώς και τυχεροί στο "δάσος". Ταπεινωμένα και χάνοντας την ανθρώπινη εμφάνισή τους από τη μεθυστήρα, όπως ο Robinson στο "Delpinion", όπως το Shmagi στο "No Heact Milt," Όπως και η Erast Romovov σε "ταλέντα και οπαδούς".

Στην κωμωδία "δάσος" ο Ostrovsky αποκάλυψε την ταλαντούχο των ηθοποιών του ρωσικού επαρχιακού θεάτρου και ταυτόχρονα έδειξε την ταπεινωτική θέση τους, καταδικασμένης για το gooabond και περιπλάνηση σε αναζήτηση του ψωμιού των επείγουσας ανάγκης. Οι τυχεροί και δυστυχώς, όταν συναντιούνται, δεν υπάρχει ούτε μια δεκάρα χρημάτων ούτε ένας καπνός κοπής. Στα σπιτικά σκάφη δυστυχώς, ωστόσο, υπάρχουν κάποια ρούχα. Είχε ακόμη και ένα κάταγμα, αλλά να παίξει ένα ρόλο, έπρεπε να τον αφαιρέσει στο Chisinau "στο κοστούμι του Hamlet". Η φορεσιά ήταν πολύ σημαντική για τον ηθοποιό, αλλά για να έχει την απαραίτητη ντουλάπα, χρειαζόμασταν πολλά χρήματα ...

Ο Ostrovsky δείχνει ότι ο επαρχιακός ηθοποιός βρίσκεται στο χαμηλό στάδιο της κοινωνικής σκάλας. Υπάρχει μια προκατάληψη στην κοινωνία προς το επάγγελμα του ηθοποιού. Gurmyzskaya, έχοντας μάθει ότι ο ανιψιός της δυστυχίας και ο σύντροφος του τυχερός - οι ηθοποιοί, αλαζονικά δηλώνουν: "Αύριο δεν θα είναι εδώ. Δεν έχω ένα ξενοδοχείο, όχι ένα εστιατόριο για έναν τέτοιο Κύριο". Εάν η συμπεριφορά του ηθοποιού δεν αρέσει στις τοπικές αρχές ή δεν έχει έγγραφα, επιδιώκεται και ακόμη και μπορεί να σταλεί από την πόλη. Arkady Shatsev τρεις φορές "έθεσε από την πόλη ... Τέσσερις εντυπώσεις των Κοζάκων από την Nagaiki αμφισβήτησαν". Λόγω του insetting, οι αιώνιες περιπλανήσεις πίνουν. Μια επίσκεψη στα εστιατόρια είναι ο μόνος τρόπος για να ξεφύγουν από την πραγματικότητα, τουλάχιστον για λίγο για να ξεχάσουμε τα προβλήματα. Happy Lucky λέει: "... είμαστε ίσοι με αυτόν, και οι δύο ηθοποιοί, είναι δυστυχώς, είμαι τυχερός, και και οι δύο μεθυσμένοι", και στη συνέχεια δηλώνει το Bravada: "Είμαστε ένας λαός, το περπάτημα, είναι πιο ακριβά. " Αλλά αυτή είναι η ζούγκλα του Arcash Havetsev - μόνο μια μάσκα που κρύβει έναν αφόρητο πόνο από τις κοινωνικές αιτίες.

Παρά τη δύσκολη ζωή, τις αντιξοότητες και την προσβολή, πολλά ελάχητικά υπηρέτες διατηρούν την καλοσύνη και την ευγένεια στην ψυχή τους. Στο "δάσος", ο Ostrovsky δημιούργησε την πιο φωτεινή εικόνα ενός ευγενούς ηθοποιού - την τραγική της ατυχίας. Εμφανίστηκε ένα "ζωντανό" πρόσωπο, με σοβαρό πεπρωμένο, με μια θλιβερή ιστορία ζωής. Ο ηθοποιός πίνει βαριά, αλλά κατά τη διάρκεια του παιχνιδιού αλλάζει, αποκαλύπτουν τα καλύτερα χαρακτηριστικά της φύσης του. Αναγκάζοντας την EightThibratova να επιστρέψει τα χρήματα Gurmyzhskaya, δυστυχώς έπαιξε την απόδοση, βάζει μια μπουτίκ. Σε αυτό το σημείο παίζει με μια τέτοια δύναμη, με τέτοια πίστη ότι το κακό μπορεί να τιμωρηθεί, το οποίο επιτυγχάνεται με πραγματική, ζωτική επιτυχία: οκτώ βαθμοί δίνουν χρήματα. Στη συνέχεια, εγκαταλείποντας τα τελευταία του χρήματα Aksyusha, διευθετώντας την ευτυχία της, η δυστυχία δεν παίζει πλέον. Οι πράξεις του δεν είναι θεατρική χειρονομία, αλλά μια πραγματικά ευγενή πράξη. Και όταν στον τελικό του παιχνιδιού, δηλώνει τον διάσημο μονολόγο του Charles Mora από τους "ληστές" F. Schiller, τότε τα λόγια του Schlörian Hero γίνονται ουσιαστικά, τη συνέχιση της δικής του θυμωμένης ομιλίας. Η έννοια του αντίγραφο ότι η δυστυχία ρίχνει το Gurmajskaya και ολόκληρη την εταιρεία του: «Είμαστε καλλιτέχνες, ευγενείς καλλιτέχνες και κωμικοί - εσείς» είναι ότι στην τέχνη της παρουσίασής του και η ζωή είναι άρρηκτα συνδεδεμένη και ο ηθοποιός δεν είναι προσποιούμενος, όχι α Οδηγός, η τέχνη του με βάση τα γνήσια συναισθήματα και εμπειρίες.

Στην ποιητική κωμωδία "κωμικός XVII αιώνα", ο θεατρικός συγγραφέας απευθύνθηκε στις πρώτες σελίδες της ιστορίας της εγχώριας σκηνής. Ένας ταλαντούχος κόμικς του Yakov Kochetov φοβάται να γίνει καλλιτέχνης. Όχι μόνο αυτός, αλλά ο πατέρας του είναι σίγουρος ότι αυτή είναι μια δίωξη που είναι μια αμαρτία, ένα χειρότερο από τον οποίο δεν μπορεί να είναι τίποτα, επειδή αυτές ήταν οι δομοστρικές ιδέες των ανθρώπων στη Μόσχα του XVII αιώνα. Αλλά το βασικό αντίθετο από τους οπαδούς και τα ατομικά του θεάτρου στην εποχή του Doparerovsk. Ο θεατρικός συγγραφέας έδειξε ιδιαίτερο ρόλο των γραφικών αναπαραστάσεων στην ανάπτυξη της ρωσικής λογοτεχνίας και διατύπωσε το διορισμό της κωμωδίας στο γεγονός ότι «... φαύλο και κακό αστείο να πω, δίνοντας ένα πλυντήριο. ... διδάσκουν τους ανθρώπους, που απεικονίζουν τα ηθικά. "

Στο Δράμα "ταλέντα και οπαδοί" το νησί έδειξε πόσο βαρύ η τύχη της ηθοποιού, προικισμένη με ένα τεράστιο γραφικό δώρο, το οποίο προέβλεψε πάθος το θέατρο. Η θέση του ηθοποιού στο θέατρο, η επιτυχία της εξαρτάται από το αν του αρέσει οι πλούσιοι θεατές που κατέχουν όλη την πόλη στα χέρια τους. Εξάλλου, τα επαρχιακά θέατρα υπήρχαν κυρίως στις δωρεές των τοπικών προστάτων που αισθάνθηκαν στο θέατρο από τους οικοδεσπότες και υπαγορεύουν τις συνθήκες τους στους ηθοποιούς. Ο Αλέξανδρος Negin από τα "ταλέντα και τους οπαδούς" αρνείται να συμμετάσχει στο παρασκήνιο intrigues ή να ανταποκριθεί στις ιδιοτροπίες των πλούσιων οπαδών τους: ο πρίγκιπας Dellebova, ο Baku και άλλοι αξιωματούχοι. Η Negina δεν μπορεί και δεν θέλει να είναι ικανοποιητικό με την εύκολη επιτυχία της αφόρησης της relin nina, η οποία θα πάρει πρόθυμα την υποστήριξη πλούσιων οπαδών, στρέφοντας ουσία, στο περιεχόμενο. Ο Prince Dulebov, προσβεβλημένος από την άρνηση της Νεκίνης, αποφάσισε να την καταστρέψει, σπάσιμο του οφέλους και κυριολεκτικά επέζησε το θέατρο. Εν μέρει με το θέατρο, χωρίς το οποίο δεν σκέφτεται την ύπαρξή του, για ένα περιεχόμενο ενός Νονγκίνου με μια άθλια ζωή με ένα χαριτωμένο, αλλά φτωχό φοιτητής Petya Muzuzov. Παραμένει μια διέξοδος εξής: να συνεχίσουμε τη συντήρηση σε έναν άλλο ανεμιστήρα, τον πλούσιο γαιοκτήμονα του Vidnikov, ο οποίος υπόσχεται το ρόλο της και θορυβώδη επιτυχία στο θέατρο που του ανήκει. Καλεί την έλξη του στο ταλέντο και την ψυχή της Αλεξάνδρας, αλλά ουσιαστικά, αυτό είναι μια ειλικρινή συμφωνία ενός μεγάλου αρπακτικού με ένα ανήμπορο θύμα. Αυτό που δεν έπρεπε να εφαρμοστεί στο "Navdanian" Knurov, έκανε τον Veli-Katov. Η Λάρισα Ogudovova κατόρθωσε να απελευθερώσει τον εαυτό του από τις χρυσές αλυσίδες του θανάτου του θανάτου, να αρνηθεί αυτούς τους αλυσίδες, επειδή δεν σκέφτεται τη ζωή χωρίς τέχνη.

Ο Ostrovsky στοιχηματίζει αυτή την ηρωίδα, η οποία έχει μια ψυχική προίκα, αποδείχθηκε λιγότερο από τη Λάρισα. Αλλά ταυτόχρονα, μας είπε για τη δραματική τύχη της ηθοποιού, προκαλώντας τη συμμετοχή και τη συμπάθειά του. Δεν είναι περίεργο, όπως διαπίστωσα ο E. Kholodov, το όνομά της είναι το ίδιο με το νησί - Alexander Nikolaevna.

Στο δράμα "χωρίς ενοχή ενοχή", ο Ostrovsky γυρίζει και πάλι στο θέατρο θεάτρου, αν και υπάρχει πολύ πιο εκτεταμένο πρόβλημα: αναφέρεται στην τύχη των ανθρώπων μειονεκτούντες από τους ανθρώπους. Στο κέντρο του Δράμας - μια εξαιρετική ηθοποιός Kruchinin, μετά την οποία το θέατρο κυριολεκτικά "πέφτει από τα χέρια". Η εικόνα του προκαλεί να σκεφτεί το τι προκαλεί σημασία και μεγαλείο στην τέχνη. Πρώτα απ 'όλα, ο Ostrovsky πιστεύει ότι αυτή είναι μια τεράστια εμπειρία ζωής, μια σχολή στέρησης, βασανιστήρια και ταλαιπωρία που συνέβη η ηρωίδα του.

Η όλη ζωή του σκισμένου από τη σκηνή είναι "θλίψη και δάκρυα". Αυτή η γυναίκα γνώριζε τα πάντα: το σκληρό έργο του δασκάλου, της προδοσίας και της φροντίδας του αγαπημένου, απώλειας ενός παιδιού, σοβαρή ασθένεια, μοναξιά. Δεύτερον, πρόκειται για μια πνευματική ευγένεια, μια ευαίσθητη καρδιά, η πίστη στο καλό και το σεβασμό για τον άνθρωπο, και, τρίτον, η συνειδητοποίηση των υψηλών καθηκόντων τέχνης: η Kruchinina φέρει τον θεατή με υψηλή αλήθεια, ιδέες δικαιοσύνης και ελευθερίας. Με τη λέξη του από τη σκηνή, επιδιώκει να "καίει τις καρδιές των ανθρώπων". Και μαζί με ένα σπάνιο φυσικό ταλέντο και μια κοινή κουλτούρα, όλα αυτά καθιστούν δυνατό να γίνει αυτός που ήταν η ηρωίδα του παιχνιδιού, - από το Universal Idol, τον οποίο "αρουραίοι δόξας". Ο Kruchinin δίνει το κοινό της ευτυχία της επαφής με την όμορφη. Και επειδή ο ίδιος ο θεατρικός συγγραφέας στον τελικό δίνει επίσης την προσωπική της ευτυχία: η απόκτηση του χαμένου γιου, ο μειονεκτούχος ηθοποιός της αντίτυας.

Η αξία του Α. Ν. Ostrovsky μπροστά στη ρωσική σκηνή είναι πραγματικά τεράστια. Στα έργα του για το θέατρο και τους ηθοποιούς, αντανακλώντας ακριβώς τις συνθήκες της ρωσικής πραγματικότητας της δεκαετίας του '70 και της δεκαετίας του '70, υπάρχουν σκέψεις για την τέχνη, το τοπικό και σήμερα. Αυτές είναι οι σκέψεις για δύσκολες, μερικές φορές την τραγική τύχη των ταλαντούχων ανθρώπων που εφαρμόζουν στη σκηνή, καίει εντελώς τον εαυτό τους. Σκέψεις σχετικά με την ευτυχία της δημιουργικότητας, πλήρη αφοσίωση, για την υψηλή αποστολή της τέχνης, εγκρίνοντας το καλό και την ανθρωπότητα.

Ο ίδιος ο θεατρικός συγγραφέας εξέφρασε τον εαυτό του, αποκάλυψε την ψυχή του στα έργα που δημιουργήθηκε από αυτόν, ίσως, ειδικά ειλικρινά στα έργα για το θέατρο και τους ηθοποιούς, στα οποία ήταν πολύ πειστικά ότι στα βάθη της Ρωσίας, στην επαρχία, μπορείτε να συναντήσετε ανθρώπους ταλαντούχος, αδιάφορη, ικανή να ζει με υψηλότερα συμφέροντα.. Πολλά σε αυτά τα έργα είναι σύμφωνη με αυτό που έγραψε ο Β. Pasternak στο υπέροχο ποίημά του "Ω, θα ήξερα ότι συμβαίνει ...":

Όταν μια συμβολοσειρά υπαγορεύει ένα συναίσθημα,

Βρίσκεται στη σκηνή της σκλάβης,

Και εδώ η τέχνη τελειώνει,

Και το έδαφος και η μοίρα αναπνέει.

Η ζωή και η δημιουργικότητα του Alexander Nikolayevich Ostrovsky (1823-1886) "Ανησυχώ όλη μου τη ζωή ..." "Το καθήκον μου είναι να υπηρετήσω τη ρωσική δραματική τέχνη ..." Η παιδική ηλικία και η νεολαία γεννήθηκε στις 31 Μαρτίου 1823 στην οικογένεια του έναν επίσημο (δικηγόρος). Η πατρίδα είναι η περιοχή του Zamoskvorechye (όπου ζούσαν κυρίως οι έμποροι της Μόσχας). Ο Zamoskvorechye τον 19ο αιώνα έλαβε μια καλή εκπαίδευση στο σπίτι, από την παιδική ηλικία που μελετά ξένες γλώσσες. Στη συνέχεια γνώριζε ελληνικά, γαλλικά, γερμανικά και αργότερα - Αγγλικά, Ιταλικά, Ισπανικά.  1840 - Αποφοίτησε από το Γυμνάσιο της Μόσχας. Εισαγωγή στο Πανεπιστήμιο της Μόσχας στη Νομική Σχολή. Ισχυρό Θέατρο Πάθους  1843 - Συνεισφέρεται από το Πανεπιστήμιο. Αποφάσισε να αντιμετωπίσει τη λογοτεχνία.  Κατόπιν αιτήματος του Πατέρα εξυπηρετεί το δικαστήριο του Συμβουλίου της Μόσχας (1843 - 1845), όπου τα πράγματα αντιμετώπισαν μεταξύ συγγενών.  1845 - 1851 - Μετάφραση στο εμπορικό δικαστήριο της Μόσχας. Όλα αυτά είναι μια μοναδική ευκαιρία να παρατηρήσετε και να αναλύσετε τις ενέργειες των ανθρώπων από διαφορετικά κοινωνικά στρώματα.  1849 - Πολιτικός γάμος (ενάντια στη βούληση του Πατέρα) με το Agafei Ivanovna, το κορίτσι από το αφεντικό. Η αρχή του 1950 (Μάρτιος) - στο περιοδικό "Moskvatik", δημοσιεύθηκε η πρώτη κωμωδία "ο λαός του - να σκιστεί" ("πτώχευση"). Ο συγγραφέας έγινε αμέσως διάσημος. "Ο λαός του θα εξετάσει!" Το παιχνίδι ήταν υπό σύλληψη για 10 χρόνια, επειδή σε αυτήν, σύμφωνα με το Dobrolyubov, "... ηττίζεται σε σκόνη και υπέστη ζημιά από την αυτο-φτιαγμένη ανθρώπινη αξιοπρέπεια, την ελευθερία της προσωπικότητας, την αγάπη και την ευτυχία και το ιερό της ειλικρινής εργασίας. "Θεατρική δραστηριότητα  Στις αρχές της δεκαετίας του '50 το ετήσιο ρεπερτόριο των ρωσικών θεάτρων ήταν καταπραΰνει. Το θέατρο χρειάστηκε από τον θεατρικό συγγραφέα ... Το Ostrovsky αρχίζει να δουλεύει στο παιχνίδι" Μην καθίσετε στο μανίκι μου ".  Τον Ιανουάριο του 1853 Η πρεμιέρα έλαβε χώρα. Αυτή είναι η αρχή της θεατρικής δόξας του Ostrovsky.  τον Αύγουστο - "κακή νύφη". Συνεργασία με το μικρό θέατρο  1853 - 1856 - Η φτώχεια "Η φτώχεια δεν είναι αντίκες", δεν είναι τόσο ζωντανή, όπως Θέλω: "" στην καύση κάποιου άλλου "," κερδοφόρος θέση "ήρωες Ostrovsky  1856 - συνεργασία με το περιοδικό" σύγχρονο "." Λογοτεχνική αποστολή "από τη Βόλγα. Ο στόχος είναι να εξερευνήσετε τη ζωή και τα ηθικά των οικισμών της Βόλας.  1857, το καλοκαίρι αποτελεί συνέχεια του ταξιδιού κατά μήκος του Βόλγα.  1859 - Πρεμιέρα της Δράμας "καταιγίδα" (ως αποτέλεσμα "αποστολών"). Το δράμα "καταιγίδα" παίζουν "καταιγίδα" αντανακλά την περίοδο της δημόσιας ανύψωσης όταν κατέρρευσε την περίοδο Τα θεμέλια της Serfdom. Το όνομα του δράματος είναι ένα κοινωνικό σοκ. Ο Ostrovsky είναι ένας από τους πρώτους ρώσους συγγραφείς που αποκάλυψαν την τραγική θέση μιας γυναίκας στην οικογένεια.  1861 - Η κωμωδία "Τι θα πάει, τότε θα βρείτε" ("Γάμος Balzaminova")  1863 - Εκλεγμένο από ένα αντίστοιχο μέλος της Ακαδημίας Επιστημών  1866 - Δίδαξε στο νέο καλλιτεχνικό κύκλο της Μόσχας ". Αυτό χρησίμευε ως βάση για τη δημιουργία του Ρωσικού Εθνικού Θέατρο "Θέατρο του Όστροβσκι"  1867 - Ο θάνατος της συζύγου του, Αγαφάγια Ιβανόβνα  1869 - Παντρεμένη Μαρία Μπαχρμηρίδα (Vasilyeva), ηθοποιός του μικρού θεάτρου. Η σύζυγος και τα παιδιά του συγγραφέα 1870 - 1886 - η πιο καρποφόρα περίοδος ζωής. Κοινωνία "τρελά χρήματα", "δάσος", "λύκοι και πρόβατα". . Κορνίζες "DustPannica", "ταλέντα και οπαδοί", "χωρίς ενοχή για να κατηγορήσει" μια ειδική θέση στην κληρονομιά του Ostrovsky καταλαμβάνει το "Spring Fairy Tale" "Snow Maiden" (1873) - μια ματιά στο αρχαίο, πατριαρχικό, α Υπέροχο κόσμο, στην οποία κυριαρχούν επίσης οι υλικές σχέσεις. 2 Ιουνίου 1886 - Ο θάνατος του συγγραφέα στο κτηματομεσίτη του Lynchoff (στο γραφείο)  Σύνολο A.N. Ostrovsky έγραψε 47 τεμάχια, 7 παίζει - σε συνεργασία με άλλους θεατρικούς συγγραφείς, μεταφράστηκε περισσότερα από 20 παιχνίδια από ιταλικά, ισπανικά, γαλλικά, αγγλικά και Λατινικές γλώσσες.  από το 1853 έως 1872 g. Τα έργα του πέρασαν 766 φορές σε μητροπολιτικά και επαρχιακά θέατρα, φέρνοντας τη Διεύθυνση Imperial Theater εισόδημα πάνω από 2 εκατομμύρια ρούβλια. Το Merit of A.N. Ostrovsky     Ο Όσθραβσκι άνοιξε τον κόσμο ενός νέου σχηματισμού: ένα παλιό συμπλήρωμα και το εμπόριο-καπιταλιστική οδήγηση στο εξωτερικό και την επιχείρησή της. Δικαιολογικά ονομάζεται "Columbus columbus" στο A.N.OSTROVSKY η ρωσική ιστορία θεάτρου έχει αριθμήσει μόνο λίγα ονόματα. Ο θεατρικός συγγραφέας συνέβαλε τεράστια συμβολή στην ανάπτυξη του ρωσικού θεάτρου. Η δημιουργικότητα A.N.OSTROVSKY, συνεχίζοντας την παράδοση του Fonvizin, Griboedov, Pushkin, Gogol, διακρίνεται από την καινοτομία στην εικόνα των ηρώων, στη γλώσσα των χαρακτήρων και στα ανυψωμένα κοινωνικο-ηθικά ζητήματα. "Columbus Zamoskvorechye" "Εσύ μόνος ολοκληρώσατε το κτίριο, στο ίδρυμα του οποίου ο ακρογωνιαίος λίθος του Fononovin, Griboedov και Gogol έβαλε. Αλλά μόνο μετά από εσάς, οι Ρώσοι, μπορούμε περήφανα να πούμε: «Έχουμε το δικό μας ρωσικό, το Εθνικό Θέατρο». Σύμφωνα με τη δικαιοσύνη, θα πρέπει να ονομάζεται "Θέατρο Ostrovsky". I.A.Gongcharov

Δηλ. Zaitseva

Ο σχηματισμός κρίσιμου ρεαλισμού στο ρωσικό θέατρο στη μέση του 19 αιώνα, οι ερευνητές συνδέονται με πολλαπλές μετατοπίσεις που έλαβαν χώρα εκείνη τη στιγμή στη Ρωσία σε όλες τις μορφές δημόσιας συνείδησης, συμπεριλαμβανομένης της τέχνης.

Η κύρια κατεύθυνση της καλλιτεχνικής αναζήτησης της εποχής καθόρισε τη γνώση της πραγματικής πραγματικότητας σε όλες τις κοινωνικές αντιφάσεις της. Στα μέσα της δεκαετίας του '40, ένα σχολείο προέκυψε, που υποστηρίζει την πίστη της αλήθειας ζωής ως το κύριο κριτήριο της καλλιτεχνικής εργασίας.

Αγάπη για το θέατρο, το υπουργείο καλείται από τον Αλέξανδρο Νικολάιβεβο Οστροβσκή (1823-1886). Η θεατρική δραστηριότητα του θεατρικού συγγραφέα αρχίζει κατά τη διάρκεια μιας έντονης αντίδρασης που ακολούθησε τις ευρωπαϊκές επαναστάσεις του 1848. Αυτή η "ζοφερή επτά θηλυκή" της βασιλείας του Νικολάεφ στην πολιτιστική σφαίρα περιγράφει τον εαυτό του μια αυστηρότερη λογοκρισία, η κυρίαρχη των αξιωματικών γραφειοκρατών, που δεν καταλαβαίνουν τίποτα στην τέχνη, ενισχύοντας το μονοπώλιο των αυτοκρατορικών θεάτρων. Μια τέτοια θεατρική πολιτική συνέβαλε στην ευημερία στη σκηνή του "άδειου" Waterville (κυρίως μεταφραστικών), δακρυγών μελωδών, πιστών DRAM που αντιστοιχούν στα γούστα της αυλής "Clusted" Theaters. Ένας από τους πιο δημοφιλείς συγγραφείς ήταν ο Ν.ν. Ο κουκίδων, "Ένας εκπρόσωπος της" ψευδούς μαγευτικής σχολής "που αυξάνει τους θεατές με τον θαυμασμό για το παρελθόν και την τρέχουσα κατάσταση του κράτους" (η ιστορία του ρωσικού δράματος XVII είναι το πρώτο μισό του XIX αιώνα. - L. , 1982. - Σ. 24). Φυσικά, το χρυσό ταμείο, το κλασικό ίδρυμα του ρωσικού θεάτρου ήταν οι λαμπρές κωμωδίες του Δ.Ι. Fonvizina, Α. Griboedova, N.V. Gogol, Piesen Α. Πούσκιν. Αλλά ήταν πολύ μικρά, δεν μπορούσαν να δώσουν ένα μόνιμο ρεπερτόριο.

Τα λόγια του Gogol "για χάρη του Θεού, δώστε μας ρωσικούς χαρακτήρες, δώστε μας δικό μας, τα σπαθιά μας, τα στροφάλια μας! Στη σκηνή, στο γέλιο που "συγχρόνως αντιλαμβάνονται ως πρόγραμμα ρωσικού εθνικού δράματος. Ο Ostrovsky προσπάθησε να το συνειδητοποιήσει στα "παιχνίδια της ζωής".

Ο θεατρικός συγγραφέας έγραψε σαράντα επτά πρωτότυπα έργα, μεταφρασμένα από την ουκρανική γλώσσα Piez G.F. Kvitka-Basicoenko "Schire Love" ("ειλικρινή αγάπη ή χαριτωμένη περισσότερο από την ευτυχία"), και επίσης μεταφέρει είκοσι δύο δραματικά έργα από τα αγγλικά, τα γαλλικά, τα ισπανικά και τα ιταλικά.

Το Ostrovsky έσπασε λαμπρά με ένα ιστορικά σημαντικό καλλιτεχνικό καθήκον - προσπάθησε τη δημιουργία του ρωσικού δράματος, "όλο το θέατρο όλων των ανθρώπων". Προοριζόταν να εμφανίζεται ακριβώς επειδή μέχρι το τέλος της δεκαετίας του '40 η ταχεία ανάπτυξη του καπιταλισμού οδήγησε στη διαδικασία εκδημοκρατισμού του πολιτισμού, σε μια αύξηση του πολιτιστικού στρώματος της κοινωνίας και ως εκ τούτου υπήρξε κοινωνική τάξη για ένα δράμα από το ρωσικό δράμα (Epochs του Polyakova Ei Ostrovsky // Ρωσικό δράμα της εποχής του Ostrovsky. - Μ., 1984. - Σ. 9). Η επιτυχία ο Ostrovsky-Delutant έφερε ένα νέο δημοκρατικό θεατή. Ο θεατρικός συγγραφέας πίστευε ότι αυτός ο νέος θεατής, ο οποίος απλώς προσπαθεί να ενταχθεί στην τέχνη του θεάτρου, κάνει τα πρώτα του βήματα προς την κατεύθυνση της πολιτιστικής και μπορεί να αυξηθεί, να αναπτυχθεί, να σχηματίσει μια ανάγκη για ένα όμορφο, εξαιρετικά καλλιτεχνικό: "... Πρέπει να ξυπνήσετε καλά ένστικτα σε αυτό - και αυτό είναι θέμα τέχνης ... Η φρέσκια ψυχή του θεάτρου συλλαμβάνει το ισχυρό χέρι και οδηγεί όπου θέλει. Φυσικά, η δράση του θεάτρου είναι σύντομη, δεν υπερβαίνει τον θεατή για όλα τα βήματά του, αλλά όμορφα και αυτά τα τρία ή τέσσερις ώρες, όταν το πουλί είναι κάτω από τη γοητεία της όλης βιομηχανικής τέχνης της τέχνης, - Ήδη βαθιά αυλάκωση του πολιτισμού πέρασε στον ακατέργαστο εγκέφαλό του, ήδη πάνω από τον αγωνιστικό πολιτιστικό εμβολιασμό "(Οσττρόβσκι ένα πλήρες. Το OP: στο 16 T. - M., 1951. - Σ. 10. - 137-138) . Σε αυτά τα λόγια, ο Ostrovsky εκδηλώνεται ως δημοκράτης διαφωτισμένης. Με την πάροδο του χρόνου, η ουτοπική φύση των εκπαιδευτικών ελπίδων του θεατρικού συγγραφέα γίνεται όλο και πιο εμφανής: η "Fresh" Merchant Viewer Art απέτυχε να επαναλάβει. Όσον αφορά το Intelligentsia, περίμενε την τέχνη της άμεσης προπαγάνδας προηγμένων ιδεών και επομένως το Ostrovsky φαινόταν να μην της σύγχρονη (Ε.i. Polyakova).

Από την αρχή της δημιουργικής του δραστηριότητας, ο θεατρικός συγγραφέας κατατάσσεται απευθείας προς τους "συγγραφείς της νέας κατεύθυνσης στη λογοτεχνία μας". Η καινοτομία της εκδηλώθηκε ότι κατόρθωσε να ανοίξει μια νέα φύση του δράματος, η ουσία της οποίας είναι η πραγματική δημόσια αντιφάσεις της εποχής, δημιουργώντας αναπόφευκτα μια διαμαρτυρία ενάντια στην ίδια την πραγματικότητα. Του βάσει των έργων του θέλει τις συγκρούσεις που συμπλέκεται από τον θεατρικό συγγραφέα στην πραγματική ζωή, η οποία τους έδωσε το όνομα των "έργων της ζωής".

Οι ερευνητές συνδέουν την εμφάνιση της "Life Piez" από το Α.Ν. Ostrovsky στη σκηνή με δύο φαινόμενα: το θρίαμβο των παραδόσεων της ρωσικής εθνικής κωμωδίας, που ορίζονται από τον Fonvizin, τον Κρύλιφ, το Griboedov, το Gogol και τις αρχές της "φυσικής σχολής", θεωρητικά ηχητική κριτική V.G. Belinsky. Η αξία του Ostrovsky μπροστά από το ρωσικό θεατρικό πολιτιστικό είναι μια ταλαντούχα σύνθετα και περαιτέρω ανάπτυξη στο έργο αυτών των δύο φαινομένων.

Μέχρι το 1847, ο θεατρικός συγγραφέας άρχισε και δημοσιευθεί μερικώς "Σημειώσεις του κάτοικου Zamoskvoretsky". Ο κόσμος της Zamoskvorechye, όπου η παιδική και εφηβική ηλικία του Αλεξάνδρου Νικολάγιεβιτς, τη Μόσχα εμπορικό δικαστήριο, όπου υπηρέτησε ενόρκων στην λεκτική πίνακα, έδωσαν πλούσιο υλικό, πραγματικά οικόπεδα ζωή, ειδικά δημοφιλή γεύση.

Λαμβάνοντας το κάλυμμα της άγνωστης ζωής με τη ζωή Zamoskvorensky, ο θεατρικός συγγραφέας έγινε πρωτοπόρος στη μυστηριώδη χώρα Zamoskvorensky, ο οποίος ανακαλύφθηκε για πρώτη φορά το κοινό, τη ζωή, τις παραδόσεις, το ηθικό, τη γλώσσα των κατοίκων της. Έδειξε τον ρωσικό θεατή έναν ειδικό κόσμο του Zamoskvorechye, ο οποίος επικρίθηκε ο Dobrolyubov, ο οποίος χαρακτηρίστηκε ως το "σκοτεινό βασίλειο", όπου οι νόμοι Domostroevsky, οι γελοίες προκαταλήψεις, η Φιλισταΐνη Rutin, τα υποβαθμισμένα ανθρώπινα έθιμα. Χάρη στο ταλέντο του θεατρικού συγγραφέα, οι ζωντανοί άνθρωποι ήρθαν στη σκηνή, σαν να είχαν διαγραφεί από τη φύση και μίλησαν σε μια ζωντανή γλώσσα - απλή, συνηθισμένη, που δεν είχε ποτέ ακούσει σε θεατρικό στάδιο.

14 Φεβρουαρίου 1847 στο σπίτι του καθηγητή του Πανεπιστημίου της Μόσχας S.p. Sheyreva Ostrovsky διαβάζει το πρώτο του παιχνίδι - "Εικόνα της οικογενειακής ευτυχίας". Σύγχρονη του θεατρικού συγγραφέα, ηθοποιός του μικρού θεάτρου V.N. Ο Ryzhova, ο οποίος άκουσε επανειλημμένα την απόδοση του δικού του έργου, υπενθύμισε: "Διαβάστε το A.N. Ο Ostrovsky είναι εκπληκτικά απλός, χωρίς καμία θεατρικότητα ή επηρεάζει, αλλά έτσι διεισδύει και αγγίζει: ότι ... οι καρδιές τρέμουν από συμπάθεια, αγανάκτηση, χαρά. Αλέξανδρος Νικολάγιεβιτς γυναικείους ρόλους ήταν ιδιαίτερα επιτυχής, και παρόλο που ο ίδιος δεν άλλαξε φωνές του σε όλα, σε αντίγραφα αισθάνθηκε ηρωίνη ότι αμιγώς γυναικεία επιθυμία, τότε μητρική αγάπη, τότε η τεράστια Babian αφοσίωση ... Και μου φάνηκε ότι όταν οι άνθρωποι βρίσκουν οι ίδιοι για την τύχη των ηρώων της Ostrovsky, όταν οι καλλιτέχνες θα πω γι 'αυτά σαν αυτό, όπως ο μεγάλος θεατρικός συγγραφέας αναφέρει, οι άνθρωποι θα πρέπει να ντρέπεται για την αιτία του κακού και δυσφορούν ο ένας τον άλλον, να καταστρέψουν την ανθρώπινη ευτυχία «(Ryzhov για Ryzhova - Μ., 1983. - P. 83).

Η κωμωδία μιας πράξης, που λέει για τη ζωή του εμπόρου Puzatov, χτύπησε όλους εκείνους που είναι παρόντες από τη γνώση της κατηγορίας ζωής και των εμπορικών συναλλαγών, που έδειξε λαμπρά από τον συγγραφέα. Ήταν ένα γνήσιο σκίτσο από τον κόσμο του Zamoskvorechye. Ωστόσο, η επιθυμητή λογοκρισία στο παιχνίδι προσβλητικό για τους εμπόρους, απαγόρευσε την παραγωγή της (η πρεμιέρα έλαβε χώρα μόνο το 1855).

Το 1849, ο Ostrovsky τελείωσε τις εργασίες στην κωμωδία "σε πτώχευση" ("ο λαός του θα βρει"), το οποίο επίσης απαγορεύτηκε. Παρά την καταθλιπτική αρνητική αξιολόγηση του έργου της λογοκρισίας, ένας αρχάριος θεατρικός συγγραφέας δεν έχει παραδοθεί. Μαζί με τον άλλο νεαρό ηθοποιό του μικρού θεάτρου, Sadovsky, έκανε κωμωδία σε διάφορα σπίτια της Μόσχας. Είχε μια εκκωφαντική επιτυχία, έγινε μια καλλιτεχνική αίσθηση. ΕΙΝΑΙ. Ο Turgenev μίλησε για το DEMUTANT: "Άρχισε ασυνήθιστα", Α.Ε. Ο Pisemist έγραψε το θεατρικό συγγραφέα: "Η πτώχευση σας" είναι ένας έμπορος "θλίψη από το μυαλό", Or. Ακριβώς, ο έμπορος "νεκρή ψυχές". Α.Υ. Herzen κάλεσε την κωμωδία "κραυγή θυμού και μίσος ενάντια στα ρωσικά ηθικά".

Το έργο το 1850 έδωσε το περιοδικό "Moskvatik", αλλά η επιτροπή λογοκρισίας απαγόρευσε και πάλι την παραγωγή της, και ο βασιλιάς Νικόλαος εγώ προσωπικά έστειλα: "Είναι αρκετά δίκαιο, μάταια, να απαγορεύσει ..." Ο συγγραφέας ήρθε στον αριθμό του Αναξιόπιστη, η υπόθεση ήταν και η εποπτεία δημιουργήθηκε, «απολύθηκε από την υπηρεσία» στο εμπορικό δικαστήριο.

Το 1850, ο Ostrovsky γίνεται υπάλληλος του "νέου συντάκτη" του περιοδικού "Μοσχαβατιανός". Επεξεργάζεται, γράφει άρθρα, δημιουργεί πέντε ακόμη έργα, αλλά όλοι περίμεναν την τύχη των προηγούμενων.

Το πρώτο παιχνίδι, το επιλυμένο στην παραγωγή, έγινε ένα μελόδραμα, έγινε μελωδράμα "Μην καθίσουν στα μανίκια μας", η πρεμιέρα της οποίας πραγματοποιήθηκε στις 14 Ιανουαρίου 1853 στη σκηνή του μικρού θεάτρου στην πνευματική ηθοποιό LP Nikulina-Kositskaya, εντυπωσιακή το κοινό στη διείσδυση του παιχνιδιού του. Αυτή η μέρα είναι το σημείο αναφοράς της γραφικής ιστορίας των κομματιών του Ostrovsky. Ο σύγχρονος του θεατρικού συγγραφέα, ένα από τα μέλη του "Young Editorial Board" "Μοκβατιανός", ο καλλιτέχνης, ο καλλιτέχνης αν ο Gorbunov, ο οποίος επισκέφθηκε την πρώτη παρουσίαση της κωμωδίας, υποστήριξε ότι μαζί της στο στάδιο της Μόσχας αρχίζει μια νέα εποχή: ". .. την κουρτίνα σιγά, και ακούστηκε από τη σκηνή νέες λέξεις, μια νέα γλώσσα, πριν από αυτό δεν άκουγε από τη σκηνή, υπήρχαν ζωντανοί άνθρωποι ... "(Gorbunov IV αποσπάσματα από τις μνήμες // ένα Ostrovsky στις αναμνήσεις του Σύγχρονοι. - Μ., 1966. - Σελ. 49). Η απόδοση που παρέχεται από ένα εξαιρετικό εκτελεστικό σύνολο που πέρασε με μια θριαμβευτική επιτυχία.

Ostrovsky από την αρχή της δημιουργικής δραστηριότητάς του, οι σύγχρονοι αποδίδονται σε εγχώριους θεατρικούς συγγραφείς. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης κατανόησε τη ζωή ως εντολή, ειρήνη, αφιερωμένη από την παράδοση, προστατεύεται από τη δύναμη της συνήθειας. Ήταν το Ostrovsky για πρώτη φορά που άγγιξε τέτοια θέματα, εικόνες, "Στεγαστικά στρώματα που θεωρήθηκαν ανάξια μιας καλλιτεχνικής εικόνας. Το ταλέντο του Δάσκαλου τον επέτρεψε σε αυτή την παράδοση, με αυτή τη διαταγή να δει αναπόφευκτες αντιφάσεις, να εμπαλουν και να καταστρέψουν την ανθεκτικότητα τους και να αποκαλύψουν τις αντιφάσεις των νοικοκυριών ως κοινωνικά. Έχει συνειδητοποιήσει βαθιά όλη τη δύναμη της Cosiness, την μούδιασμα της ζωής: "Δεν αποκαλώ αυτή τη δύναμη στο zamoskvoresky χωρίς λόγο: εκεί για τον ποταμό Μόσχα, τη βασιλεία της, το θρόνο της εκεί. Αυξάνει έναν άνδρα σε ένα πέτρινο σπίτι και κλειδώνει την πύλη σιδήρου πίσω του. Φορέει έναν άνδρα με ένα ντυμένο φόρεμα, βάζει ένα σταυρό από ένα κακό πνεύμα στην πύλη και από τους κακούς ανθρώπους αφήνουν τα σκυλιά στην αυλή. ... Είναι ένας μαχητής, εμποδίζει πάντα την οικογενειακή ευτυχία, και ένας άπειρος άνθρωπος δεν θα την αναγνωρίσει σύντομα και, ίσως, να του ζητήσει. Είναι προδότης:... Είναι μια hoite, ένα ιερό του ατόμου, αλλά ξαφνικά θα είναι τόσο αντιμέτωπους ότι δεν έχουν χρόνο για να περάσουν «(Ostrovsky AN Πλήρης Sob Op .: Στο 16 t - Μ, 1952. - T. 13 - Π. 43).

Σύμφωνα με την αρχή της ύπαρξης του δικαιώματος αλήθεια της ζωής, ξυπνά τα κάστρα και τα μη επανδρωμένα αεροσκάφη, αιωρούνται τα παντζούρια και τα παράθυρα του «Dark Kingdom», προκειμένου να δείξουμε τους ήρωές τους στο σπίτι καθημερινά, στην οικογένεια όπου είναι φυσικό, όπου τα περισσότερα αποκαλύψει πλήρως τον εαυτό τους: «αυτό είναι όπου αυτό αναγνωρίζεται!»

Το επόμενο παιχνίδι του θεατρικού συγγραφέα "Η φτώχεια δεν είναι αντιπρόσωπος" (1854), απροσδόκητα προωθώντας το πρώτο σχέδιο του κύριου χαρακτήρα - ο μεθυσμένος που αγαπούσε ο Torotov, έχοντας τονίσει με την ανθρωπότητα και την ευγένεια, προκάλεσε μια θυελλώδη διαμάχη και στο Περιβάλλον θεάτρου και στις σελίδες τύπου. Στα απομνημονεύματα του σύγχρονου, που είδαν αυτή την απόδοση, διαβάστε:

"- Willow Ο δρόμος - Αγάπη τα άκρα έρχονται! - αναφώνησε στο τέλος του παιχνιδιού που κάθεται μαζί μας ο δάσκαλος της ρωσικής λογοτεχνίας, βάζοντας το παλτό.

Τι θέλετε να πείτε? - Ζήτησε από τον φοιτητή. - Δεν βλέπω την ιδανική ερωτευμένη. Drunkenness - όχι ιδανική.

Βλέπω την αλήθεια! - απάντησε σε έναν αιχμηρό δάσκαλο. - Ναι, S, Αλήθεια. Ευρύτερος δρόμος! Είναι αλήθεια στη σκηνή πηγαίνει. Αγαπήστε τα άκρα - αλήθεια! Αυτό είναι το τέλος των γραφικών τοπίων, το τέλος του κουκλοθέατρου: η ενσωματωμένη αλήθεια που εκτελείται στη σκηνή "(Gorbunov IV αποσπάσματα από τις αναμνήσεις του Ostrovsky στις αναμνήσεις των σύγχρονων. - Μ .. 1966. - Σ. 55 - 56 ).

Διάσημος κριτικός. Ο Γρηγορίου Ανεμψικά δηλώνεται με ενθουσιασμό "Σχετικά με τη νέα λέξη" στο θέατρο - για την εθνικότητα, αποδεκτή από το άρθρο, το οποίο ονομάστηκε: "Willow, ο δρόμος είναι αγαπημένος από τα άκρα!". Οι αντίπαλοι του έργου απότομα αντιρρήθηκαν κριτικές. Έτσι, μια νέα και παλιά αισθητική θεάτρου συγκρούστηκε σε διαμάχες και συζητήσεις.

Ο Ostrovsky συνεχίζει να σύρει το στυλ του, τα είδη της ανάμειξης και τα σύνορά τους. Κληρώνοντας τις παραδόσεις των Μεγάλων Προκατοχών, εμπλουτίζει τα επεισόδια της Δράμας Κωμωδίας και στην κωμωδία εισάγει δραματικές σκηνές, γεμίζοντάς τους με αξιοπιστία ζωής χρησιμοποιώντας όλη την ομορφιά και την πολύχρωμη πολλαπλή της εθνικής ρωσικής γλώσσας.

Το 1856, στην κωμωδία "σε κάποιον άλλο ένα hangover", το Ostrovsky χρησιμοποιεί πρώτα την έννοια του "Samodor", εξηγώντας την ουσία της από το στόμα ενός από τους χαρακτήρες: "Samodor - αυτό ονομάζεται, αν το άτομο δεν ακούει σε οποιονδήποτε, τουλάχιστον το δικό σου. Το πόδι θερμότητας θα πει: Ποιος είμαι εγώ; Υπάρχει ήδη όλη η εργασία του στα πόδια του θα έπρεπε, οπότε ξαπλώστε, και στη συνέχεια το πρόβλημα ... " Σε αυτό το παιχνίδι έγραψε τα χαρακτηριστικά του Samotor ως κοινωνικό φαινόμενο. Αλλά αυτό το φαινόμενο με μια ζωή τρέχει σταδιακά έσπασε τον εαυτό του. Το θέμα της αυτοδύναμης, της διαβρωτικής συνείδησης των ανθρώπων, εντοπίζεται σε πολλά από τα έργα του.

Η πρωτοφανής επιτυχία έπεσε στο μερίδιο του παιχνιδιού "καταιγίδας", εντυπωσιακό στην κοινωνική σοβαρότητα και την Πάτρα της νεοσσού του Σαμοόντορ. Πήρε την πρεμιέρα της σε δύο θέατρα - σε μικρές στη Μόσχα και την Αλεξανδρινή στην Αγία Πετρούπολη.

Για πρώτη φορά, ο θεατής είδε τον θεατή στις 16 Νοεμβρίου 1859 προς όφελος του ηθοποιού του μικρού θεάτρου S. V. Vasilyeva. Οι ιστορικοί του θεάτρου πιστεύουν ότι η εμφάνιση και ο θρίαμβος του παιχνιδιού συνδέονται με το όνομα του L. P. Nikulina-Kositsky, για το οποίο γράφτηκε ο ρόλος της Κατερίνας. Δημιουργία αυτής της εικόνας, το Ostrosky που προέρχεται από την ατομικότητα μιας ταλαντούχου ηθοποιού (πρώην Serf), θαύμαζαν τη γνώση του για τη λαϊκή ομιλία, τη ζωή, τις παραδόσεις. Η διείσδυση της εκτέλεσης, η βαθιά κατανόηση της γυναικείας ψυχής, η τραγωδία του παιχνιδιού επέτρεψε στον εκτελέτη να ανέβει στις κορυφές της δράσης τέχνης. Η Κατερίνα της, μια ισχυρή, παθιασμένη, καθαρή και ποιητική, ανοικοδόμηση ενάντια στη βία πάνω σε μια ζωντανή ανθρώπινη ψυχή, έγινε ένα πραγματικό "φως" για τους συγχρόνους.

Ο θεατρικός συγγραφέας συλλάβει μια "καταιγίδα" ως κωμωδία, τότε ονομαζόταν το δράμα της. Ο Dobrolyubov είδε σε αυτό το παιχνίδι ότι «η αμοιβαία σχέση αυτοπεποίθησης και απάτης έφερε στις πιο τραγικές συνέπειες» (Dobrolyubov Na φως του φωτός στο σκοτεινό βασίλειο // Επιλεγμένα λογοτεχνικά και κρίσιμα άρθρα. - Κ., 1976. - P . 178). Η σύγχρονη λογοτεχνική κριτική του παραπέμπει στο είδος της τραγωδίας κοινωνικο-νοικοκυριού. Ιστορικός τέχνης B.V. Ο Alperse θεωρεί το προϊόν της ρομαντικής τραγωδίας του ρωσικού εθνικού θεάτρου, μιλώντας για τον κοινωνικό και ηθικό καθαρισμό, για τον Tomattsis, ο οποίος, ως μια γνήσια τραγωδία, η "καταιγίδα" φέρει στο αμφιθέατρο (Alperse BV θεατρικά δοκίμια. Μ., 1981. - t. 1. - σελ. 505).

Σε αυτή την απελπισία, σε αυτό το "Scalpet of Life" άγριο και το Kabanum υπάρχει ένα ζωντανό, μη απαραίτητο - ο πνευματικός πλούτος της Κατερίνας. Η αισθητική της φύση είναι ιδιόμορφη για τη θρησκεία, ποιητική αντίληψη της φύσης, το αίσθημα της όμορφης.

Όπως παρατήρησε με ακρίβεια τον ερευνητή V. V. Basin, στην προσευχή, στην υπηρεσία, στην αντίληψη της ομορφιάς του κόσμου σε όλο τον κόσμο, αναζητά μια αίτηση με τις πνευματικές του δυνάμεις. Και η αγάπη γίνεται το υψηλότερο σημείο αυτής της εφαρμογής. Όλη η Κατερίνα φαίνεται ερωτευμένη. Ενημερώνει ενάντια στο Samodogo, οπλισμένο με μόνο ένα - τη συνείδηση \u200b\u200bτου δικαιώματος στην αγάπη. Έχοντας ανακαλύψει την αγάπη, βάζοντας τη θέλησή του, την ελευθερία, θέλει να ζήσει. Ζήστε για αυτό - σημαίνει να είσαι ο εαυτός σου. Αλλά στο βασίλειο Kalinovsky είναι αδύνατο. Έξοδος ένα - θάνατο. Σε αυτό - Ελευθερία.

Αυτή η φύση δεν έχει ακόμη γνωρίσει τη ρωσική σκηνή. Οι ιστορικοί τέχνης εξηγούν αυτόν τον τεράστιο δημόσιο συντονισμό του Δράμας και τις πρώτες της παραγωγές σε μικρά και Αλεξανδρινικά θέατρα.

Μετά την πρεμιέρα των "καταιγίδων", η συζήτηση ξεκίνησε γύρω από αυτό. Ο συγγραφέας υποτιμήθηκε στην ανηθικότητα, υποστήριξε ότι το έργο του δεν ήταν δράμα, αλλά σάτιρα. Αλλά εκτιμήθηκε ιδιαίτερα την "καταιγίδα" προηγμένων ρωσικών συγγραφέων: ο Ν. Α. Dobrolyubov το κάλεσε "η πιο αποφασιστική δουλειά του Ostrovsky", ο Ι. Α. Γκονάρροφ ισχυρίστηκε ότι "δεν υπήρχε τέτοια δουλειά ... Δεν υπήρχε" στη λογοτεχνία ", ο Ι. Σ. Turgenev πίστευε ότι πίστευε Αυτό ήταν αναμφισβήτητα το "καταπληκτικό, το πιο θαυμάσιο έργο της ρωσικής ισχυρής, αρκετά κυριαρχούσε το ταλέντο".

Για το έργο "καταιγίδα" ο Ostrovsky απονεμήθηκε ένα ακαδημαϊκό ασφάλιστρο. Το 1863 έγινε ο πρώτος θεατρικός συγγραφέας στην ιστορία της ρωσικής λογοτεχνίας, εξέλεξε το αντίστοιχο μέλος της Ακαδημίας Επιστημών.

Πολλές αξέχαστες σελίδες που αφιερώνονται στη γραφική ερμηνεία των εικόνων της "καταιγίδας" στην απόδοση των εξαιρετικών φορέων είναι εγγεγραμμένες στην ιστορία της ρωσικής θεατρικής τέχνης. Ένας από τους κερατοειδούς της μικρής θεατρικής ηθοποιού Γ. Ν. Φεντότοφ, που εκτελεί στο ρόλο της Κατερίνας το 1863, το έπαιξε για τριάντα χρόνια, μετατρέποντας αυτή την εικόνα στην κορυφή της δουλειάς του. Η ηθοποιός σταδιακά κατανόησε τον πολυδιάστατο χαρακτήρα της ηρωίδας του, επιλεγμένων ειδικών μέσων καλλιτεχνικής εκφραστικότητας - λεπτομέρειες οικιακής χρήσης, χειρονομίες, βάδισμα, λέγοντας. Η Κατερίνα της χτύπησε τη "μουσική" της ρωσικής ομιλίας. Η σπάνια ακρίβεια του χαρακτήρα γεννήθηκε η γνώση μιας περίεργης εθιμοτυπίας παλαιού κυκλώματος. Με την ιδιοσυγκρασία και το πάθος, ο Fedotov πέρασε τη σύγχυση και την απελπισία του. Η ερμηνεία του ρόλου καθορίστηκε από τον κρίμα για το θύμα του «σκοτεινού βασιλείου». Κατά την εκτέλεση αυτής της ηθοποιού, το θέμα διαμαρτυρίας απουσιάζει.

Νέα χαρακτηριστικά στην επίλυση της εικόνας τραγωδίας της Κατερίνας ήταν περαιτέρω ενσάρκωση που πραγματοποιήθηκε από τον Μ. Ν. Γιερολόβα (1873), η οποία προχώρησε την ενεργή διαμαρτυρία της Κατερίνας στο προσκήνιο. Παίζοντας την τραγωδία, ο Yermolov απέδωσε την ηρωίδα του "μη συνδεδεμένο θέλημα, θάρρος και πνευματικό maximalism" (B.V. ALPERS). Για την παθιασμένη και την αγάπη της ζωής της, η αγάπη για τον Μπόρις ήταν η γνώση της πλήρους ελευθερίας. Χάστε αυτή την ελευθερία - σήμαινε να πεθάνει. Η δημιουργική αποθεώρηση της απόδοσης ήταν οι δύο τελευταίες πράξεις στις οποίες το παιχνίδι της Γιερολόβα συγκλόνισε το τραγικό κάλιο. Είναι απίθανο, ασυμπίεσε αυτή η Κατερίνα παρέμεινε στη συνείδηση \u200b\u200bτων σύγχρονων.

Σε μια εντελώς διαφορετική ερμηνεία, η εικόνα της Κατερίνας, που δημιουργήθηκε από την ηθοποιό του εξελιγμένου-σπασμένου δράματος Ε. Roshchina-Insarov στο Meyerhold Spectace του 1916 στο θέατρο Alexandrinsky, εμφανίστηκε μπροστά από το κοινό. Β. V. Al. Alpears της Κατερίνας "το τέλος του αιώνα", το οποίο "δεν είχε πλέον καμία δύναμη, καμία επιθυμία για τον αγώνα". Σε πώς κοίταξε τον Μπόρις, έζησε "όχι αγάπη, όχι πάθος ... αλλά το τελευταίο αποχαιρετιστήριο στη ζωή". Ο κριτικός έρχεται στην πεποίθηση ότι η εικόνα της Κατερίνας Roshchina είναι αδιαχώριστη από την ατμόσφαιρα της βλάβης, στην οποία ζούσε ο παλιός κόσμος μπροστά στα σύνορα του 1916. Η Κατερίνα Roshchina - το ζύμμα του και το θύμα - ήταν καταδικασμένοι σε θάνατο μαζί του.

Σχετικά με την ερμηνεία του αντισυμβαλλομένου του ιστορικού K.L. Ο Rudnitsky έγραψε: "Αποφυγή της αξιοπιστίας των νοικοκυριών, αρνείνοντας την άμεση εικόνα του" σκοτεινού βασιλείου ", στρέφοντας το Prosaic και το Wild Kalins σε μια υπέροχη πόλη Kuit, η Meyerhold τράβηξε ολόκληρη τη δραματική κατάσταση των" καταιγίδων "από τις ιδιαίτερες ιστορικές συνθήκες της ρωσικής ζωής της μέσης του αιώνα του XIX. Αλλά ταυτόχρονα, ανακάλυψε έτσι τη συνάφεια αυτής της κατάστασης για την έναρξη του XX αιώνα. Opoetized, απέκτησε σημασία στην καθολικότητα. Αντί για ένα συγκεκριμένο εμπορικό σκοτεινό βασίλειο και τη σκοτεινή ζωή, εκτελέστηκε η δύναμη των σκοτεινών πνευματικών δυνάμεων "(Rudnitsky K. L. Director Meyerhold. - Μ., 1969. - Σελ. 191).

Σε αυτό το σχέδιο απροσδόκητου διευθυντή, η εικόνα της Κατερίνας ακουγόταν με νέο τρόπο. "Η Κατερίνα ήταν από μόνη της ... Κανείς δεν μπορεί να ανοίξει στο τέλος, με όποιον δεν είναι απαραίτητο για κανέναν, κανείς δεν χρειάζεται. Σε πλήρη και κατεψυγμένη μοναξιά, μετακόμισε το παιχνίδι. " Ο Rudnitsky συγκρίνει την Κατερίνα Roshchina με μια μπλοκάρισμα γυναίκα, "τι ήρθε στη σκηνή της Αλεξανδρίνης," τόσο αδιάφορη και ελαφριά, σαν να ο άγγελος της Padena έδωσε ελεύθερα το χέρι. " Στη στέρηση, στη δύναμη, η αξιοζήλευτη ελευθερία της ήταν έτοιμη για θάνατο »(Ibid. - P. 192).

Καλλιτέχνης του μικρού θεάτρου S.V. Ο Vasilyev, ο πρώτος εκτελεστής του ρόλου του Tikhon, δημιούργησε την τραγική εικόνα του "απρόσωπου" πρόσωπο, καταστράφηκε από το "σκοτεινό βασίλειο". "Ήταν τρομερό να τον κοιτάξουμε", έγραψε ο Σύγχρονος, "όταν αυτός, επιζούσε θνητό αλεύρι, ξέσπασε από τα χέρια της μητέρας του. Όχι τόσο με τις λέξεις πόσες χειρονομίες, πολέμησε με τη μητέρα του και την παρακάλεσε να τον αφήσει να πάει. Η τελευταία κραυγή του: "Μάμα! Της θέλατε! " - ήταν τρομερό. Τράβηξε και στη συνέχεια ακολούθησε τον θεατή για μεγάλο χρονικό διάστημα "(ετήσια των αυτοκρατορικών θεάτρων. Περίοδος 1895/1986. Είσοδος, kn. 3. - σελ. 8).

Πολλές αναμνήσεις της εκτέλεσης του ρόλου του Tikhon Actor Alexandrinsky Theatre A. E. MARTYNOV άφησε τους σύγχρονους, λαμβάνοντας υπόψη αυτόν τον ρόλο της κορυφής της δημιουργικότητας ενός εξαιρετικού ηθοποιού, ταλαντούσαμε την αισθητική του θεατρικού συγγραφέα στην Σκηνή της Αγίας Πετρούπολης. Ο εορτασμός του ηθοποιού ήταν η τελευταία πράξη που δεν έπαιξε, αλλά έζησε διαπερατώς, ειλικρινά. Έχοντας μάθει ότι η Κατερίνα έφυγε από το σπίτι, έσπευσε σε αναζήτηση της συζύγου του και φώναξε ήσυχα, επέστρεψε με οτιδήποτε, αφορούσε το κοινό με βάθος αγάπης και κρίμα για την Κατερίνα. Τα τελευταία λόγια του Tikhon ανάγκασαν το κοινό να δει τη γέννηση ενός νέου προσώπου που θα μπορούσε να υπερασπιστεί την αξιοπρέπειά του.

Μια εκπληκτική κατηγορητική δύναμη στην παράσταση χτυπήθηκε από το κοινό έναν ηθοποιό P. M. Sadovsky, ο εκτελεστής του ρόλου του άγριου, έχοντας το μετέπειτα με μια αχαλίνωτη ιδιοσυγκρασία και την ανθρώπινη άγρια \u200b\u200bφύση, έφερε με δεσποτική δύναμη πάνω από όλα τα Kalinov. Ήταν μια φωτεινή και σημαντική συμβολή στη γραφική γκαλερί των εικόνων του Merchant Samotor. Κατά τη διάρκεια της ζωής του ηθοποιού, ο θεατρικός συγγραφέας δημιούργησε τριάντα δύο παιχνίδια και πολλές εικόνες γράφτηκαν ειδικά για την Prov Sadovsky. Πρέπει να σημειωθεί ότι είναι ένας στενός φίλος του θεατρικού συγγραφέα, ενός σύντροφου, του ομοειδούς προσώπου και ενός υποστηρικτή του καινοτόμου δράματος του, ο ηθοποιός έχει δημιουργήσει περισσότερους από τριάντα πεθαίνουν ρόλους στα κομμάτια ενός Ostrovsky, οι εντυπωσιακοί σύγχρονες Αλήθεια της σκληρής απλότητας ".

Οι μαθητές A. N. Ostrovsky O. O. Sadovskaya, ο οποίος έκανε εκτύπωση σχετικά με τη συμβουλή του θεατρικού συγγραφέα στο μικρό θέατρο, έπαιξε σαράντα ρόλους στα έργα του αγαπημένου συγγραφέα. Στην ηθοποιό "καταιγίδα" πραγματοποίησε το ρόλο της Barbara, Feklushi και Kabani. Όσον αφορά τον ίδιο τον θεατρικό συγγραφέα, και για το Sadovsky, το κύριο εκφραστικό μέσο στην παράσταση ήταν η λέξη, την οποία, καθώς και η γραφική παύση, ήταν τέλεια. Σύμφωνα με τους κριτικούς, ο συνδυασμός σιωπής (παύσεις) και ομιλία, μια μοναδική μιμητική εκφραστικότητα προκάλεσε την ανάπτυξη της εικόνας.

Είναι γνωστό ότι η εργασία στα έργα, το νησί έγραψε ρόλους ειδικά για τους καλλιτέχνες του μικρού θεάτρου. Έτσι, έγραψε το ρόλο της Barbara στην "καταιγίδα" για την ηθμή Barbar Farozdina, καλώντας αυτό το ηρωτικό το όνομά της, επειδή ανήκε στην νεαρή ηθοποιό "όχι μόνο φιλική, με μια βαθιά ανθρώπινη συμπάθεια, και πολύ πολύ το ταλέντο της, Ήταν αναστατωμένος ότι στο τότε το ρεπερτόριο του μικρού θεάτρου δεν ήταν πολύ ενδιαφέρον για τους ρόλους της (Ryzhov για Ryzhova. - Μ., 1983. - Σ. 18). Το γεγονός αυτό μιλάει για το Ostrovsky ως ένα ευαίσθητο, ένα αδιαφορικό πρόσωπο και έναν καλλιτέχνη που αντιμετωπίζει η τύχη των ταλαντούχων ηθοποιών και θεάτρου.

Σύμφωνα με τον σκηνοθέτη, η γραφική μορφή "καταιγίδα" V.I. Nemirovich-Danchenko: "Η παράσταση δεν πρέπει να είναι φιλόδοξη, αλλά απλά, σαν ένα τραγούδι. Το ρωσικό τραγούδι φέρει πάντα ένα βαθύ και απλό συναίσθημα ... για να ανεβείτε στο παιχνίδι, πρέπει να είστε εξαιρετικά βαθιά και απλή "(ετήσια MCAT. - M .. 1045. - Σ. 276 - 278).

Αλλά στο τέλος για να λύσει το μυστήριο αυτού του παιχνιδιού, δεν υπήρχε κανένας διευθυντής. Στη σύνθετη απόφαση "καταιγίδες", ο θεατρικός συγγραφέας συνδυάζει το τραγικό και κόμικ, επικό και λυρικό. Το παιχνίδι είναι τόσο πολυδιάστατο, πολύπλευρο που βρίσκουν την επιθυμητή τόνωση σε αυτό είναι απίστευτα δύσκολο. Μέχρι στιγμής, το κλειδί για τη "φύση των συναισθημάτων" (στο Α. Tovstonogov) δεν βρέθηκε σε αυτό το παιχνίδι. Προφανώς, αυτό εξηγείται από το γεγονός ότι στην ιστορία του εγχώριου θεάτρου δεν έχει ακόμη εμφανιστεί «αρμονικά ολοκληρωμένο» παιχνίδι στο παιχνίδι του θεατρικού συγγραφέα, η οποία θα είχε γίνει ένα πραγματικό καλλιτεχνικό γεγονός.

Αλλά πόσο ειλικρινά σχετικό, καθώς ο Ostrovsky μπορεί να ακούγεται ασφαλής σήμερα. Αρκεί να υπενθυμίσουμε τις παραστάσεις "σε όλες τις σοφίδες της αρκετά απλότητας" στο Lenkom στη διαμόρφωση του Μ. Α. Ζακχάωφ ή "λύκοι και πρόβατα" G.A. Ο Tovstonogov, στο BDT τους. M. Gorky. Παραμένει να ελπίζουμε ότι ο σκηνοθέτης θα εμφανιστεί, ο οποίος θα δώσει τη μεγαλύτερη εξυπηρέτηση στο ρωσικό θέατρο, η επίλυση του μυστικού των "καταιγίδων".

Μετά τη λαμπρή επιτυχία των "καταιγίδων", ο Ostrovsky έγραψε πέντε νέα παιχνίδια. Το 1861, η λογοκρισία απαγόρευση τελικά απομακρύνεται από την έξυπνη πνευματική του - κωμωδία "οι άνθρωποι τους θα βρουν". Μόνο στη Μόσχα και στην Αγία Πετρούπολη το 1561 υπήρχαν ογδόντα πέντε παραστάσεις στο παιχνίδι του θεατρικού συγγραφέα. Τις τελευταίες τελευταίες δεκαετίες ο συγγραφέας εργάστηκε πολύ εντατικά.

Η δημιουργική παλέτα του θεατρικού συγγραφέα είναι διαφορετική το αντικείμενο της προσοχής του γίνεται: ο αντίκτυπος της ταυτότητας του "σκοτεινού βασιλείου" ως κοινωνικό φαινόμενο. Πνευματική φθαρία του ευγενούς περιβάλλοντος, το debunk της γραφειοκρατικής συσκευής: την εμφάνιση νέων κοινωνικών δυνάμεων · Η τύχη μιας γυναίκας στις συνθήκες ενός υπάρχοντος συστήματος. Έναν αναδυόμενο τύπο δέλτα - ο «νέος ιδιοκτήτης της ζωής». Ταλέντο και κοινωνία και πολλά άλλα.

Σαχριανή γραμμή της δημιουργικότητας Α. Ν. Οσττρόβσκι ("Σε όλες τις Σκάλες της όμορφης απλότητας", "καυτή καρδιά", "λύκοι και ο Κριός", κλπ.) Ροδινίνιτς Το έργο του με τον Satiir M. Ε. Saltykov-Shchedrina και Α. V. Sukhovo-Koblin. Η κοινωνικο-ψυχολογική γραμμή ("Τελευταία θυσία", "DustPannica", "ταλέντα και οπαδούς", "χωρίς ενοχή", κλπ.) - Περιήγηση στο θέατρο του Tregenev, αναμένει το θέατρο Chekhov. Το ενδιαφέρον για την εγχώρια ιστορία χύνεται στον κύκλο των ιστορικών χρονών και το πάθος της σλαβικής μυθολογίας είναι στην ποιητική "Spring Fairy Tale" - "Snow Maiden", η οποία έχει γίνει η πηγή έμπνευσης για το Na Rimsky-Korsakov και το Pi Tchaikovsky .

Ένα πολύ σημαντικό καλλιτεχνικό στυλίστας του θεατρικού συγγραφέα ήταν η επιθυμία να δημιουργηθούν γενικευμένες εικόνες, που συνδυάζουν κοινωνικά και χαρακτηριστικά και ατομικά. Λόγω του αρχαίου συγγραφέα, ο Ουστάβσκι μίλησε για την κωμωδία του "ο λαός του θα βρει": "ήθελα το όνομα του Pokaluzin, το δημόσιο επωνυμία του αντιγράφου με τον ίδιο τρόπο όπως είναι το όνομα του Garpogon, Tartuf, Lady, Klezlekova και Άλλοι "(Ostrovsky ένα. πλήρης. ΕΠ. Op.: σε 16 T. - Μ., 1953. - Τ. 14. - Σ. 16). Το όνειρο έχει γίνει μια πραγματικότητα: δεν έχει γίνει μια εικόνα μια ονομαστική.

Στη δεκαετία του '80, η τελευταία περίοδος δημιουργικότητας του θεατρικού συγγραφέα, η κριτική γράφει για την άλεση του ταλέντου του. Η πραγματική έννοια της δημιουργικότητας του Ostrovsky συνοψίστηκε ο Ι. Α. Γκονάρροφ, ο οποίος την ημέρα της 35ης επετείου των λογοτεχνικών δραστηριοτήτων του έγραψε: «Ο μόνος του ολοκληρώθηκε το κτίριο, στο Ίδρυμα του οποίου ο ακρογωνιαίος λίθος του Fononvizin, Griboedov, Gogol. Αλλά μόνο μετά από εσάς, οι Ρώσοι, μπορούμε περήφανα να πούμε: έχουμε το δικό μας ρωσικό εθνικό θέατρο. Θα έπρεπε να ονομαστεί το θέατρο Ostrovsky "(Goncharov I. A. Coll. Ε.Π.: σε 8 τόνους. - Μ., 1955. - Τ. 8. - Σελ. 491 - 492).

Ωστόσο, στην ιστορία της ρωσικής κουλτούρας, ο Ostrovsky εμφανίζεται όχι μόνο ως δημιουργός του ρωσικού εθνικού θεάτρου, αλλά και ο ιστορικός της τέχνης θεωρητών που έχει ορίσει τους νέους τρόπους για την ανάπτυξη της αισθητικής του ρωσικού θεάτρου.

Το 1865, ο Ostrovsky έγινε ένας από τους αρχάριους της οργάνωσης "καλλιτεχνική κούπα" με τη συμμετοχή του συγγραφέα V.F. Odoevsky, μουσικός Ν. Γ. Rubinstein, συνεργάτης και φίλος, ηθοποιός Π. Μ. Sadovsky. Ήταν η πρώτη δημιουργική ένωση ρωσικών θεατρικών στοιχείων, αντικαθιστώντας τη θεατρική σχολή.

Ένας ανοικτός συγγραφέας Ένας νέος τύπος δράματος προκάλεσε την ανάγκη για μια ρεαλιστική δράση σχολείο που θα αντιστοιχούσε στις αρχές των "παιχνιδιών της ζωής". "Για να παραμείνει ο θεατής ικανοποιημένος, έγραψε:" Πρέπει να μην παίζετε μπροστά του, και τη ζωή, έτσι ώστε να υπάρχει μια πλήρης ψευδαίσθηση, έτσι ώστε να ξεχάσει ότι είναι στο θέατρο. Ως εκ τούτου, είναι απαραίτητο οι ηθοποιοί, να εκπροσωπούν το έργο, θα μπορούσαν να είναι σε θέση να εκπροσωπούν περισσότερα και τη ζωή για να μπορέσουν να ζήσουν στη σκηνή "(πλήρης Ostrovsky. Coll. Ε.Π.: Στις 16 Τ. - Μ .. 1952. - Μ .. 1952. Τ. 12. - P. 151).

Ημιτελή αρχή για τους ηθοποιούς, ο θεατρικός συγγραφέας πιστεύει ότι ο διευθυντής του σκηνοθέτη πρέπει να είναι δάσκαλος που συνεργάζεται με τον ηθοποιό για το ρόλο. Χωρίς να παίρνει το "Premiership", μιλά για τη δημιουργία ενός "σύνολο", το οποίο είναι αδύνατο χωρίς κατεύθυνση βούλησης, καλλιτεχνική πειθαρχία, παραδόσεις που συμβάλλουν στην ομοιομορφία των επιδόσεων σταδίου.

Μιλώντας με την ανάγνωση ενός παιχνιδιού, οι δοκιμαστικές δεξιότητες, ο Ostrovsky προτείνει το πρόβλημα της συμμετοχής του έργου του συγγραφέα στη δημιουργική εργασία του σκηνοθέτη. Ο συγγραφέας βοηθά τους φορείς να κατανοήσουν την ουσία του παιχνιδιού και των εικόνων του, να βρουν τον επιθυμητό τόνο.

Καταπολέμηση με γραμματόσημα στη γραφική τέχνη, αναφέρεται αρνητικά στο "ερασιτέχνες": Για ένα ερασιτεχνικό θέατρο δεν είναι ένα σοβαρό πράγμα, αλλά μόνο διασκέδαση.

Η ψυχή του παιχνιδιού, ο πλοίαρχος της "αληθινής σκηνής" για τον θεατρικό συγγραφέα υπήρχε πάντα ηθοποιός. Αφού έδωσε τη σωστή σημασία στη σχολή δράσης, όπου τοποθετούνται επαγγελματικά θεμέλια, ο κυρίαρχο ρόλος του νησιού στη διαδικασία περαιτέρω επαγγελματικής ανάπτυξης εκχωρεί τη θεατρική σκηνή, στην οποία σχηματίζονται και οι δύο ... πραγματικοί, πλήρεις καλλιτέχνες.

Το 1874, με τη συμμετοχή της θεατρικής κριτικής και του μεταφραστή V. I. RYSLAVSKY, ο Ostrovsky δημιουργεί μια κοινωνία ρωσικών δραματικών συγγραφέων. Το να είσαι επανειλημμένα στο εξωτερικό, ο Ostrovsky ενδιαφέρεται για την ανάπτυξη της θεατρικής υπόθεσης στις ευρωπαϊκές χώρες. Οι συσσωρευμένες εντυπώσεις, η ανάλυση της ξένης εμπειρίας ήταν χρήσιμη όταν αξιολογήσουμε τον θεατρικό συγγραφέα της σκηνής εγχώριων θεάτρων. Λειτουργεί σε ορισμένες σημειώσεις και άρθρα στα οποία δίνει ένα ολοκληρωμένο χαρακτηριστικό της τότε πολιτείας ρωσικού δράματος και θεατρικής υπόθεσης, καταλήγοντας στο συμπέρασμα ότι το μητροπολιτικό αυτοκρατορικό θέατρο δεν μπορεί να εκπληρώσει την υψηλή αποστολή του ρωσικού εθνικού θεάτρου. Βλέπει την έξοδο στη δημιουργία ενός νέου πολιτισμού σταδίων, διαθέσιμων στο κοινό και δημοκρατικό.

Λίγο πριν ο θάνατος του Ostrovsky μετώντας το ρεπερτόριο των αυτοκρατορικών θεάτρων της Μόσχας. Ο ηλικιωμένος θεατρικός συγγραφέας λαμβάνεται θερμά για τις επιχειρήσεις, αλλά κατάφερε να εργαστεί για μικρό χρονικό διάστημα - δεν λειτούργησε μετά από έξι μήνες.

Το θέατρο Ostrovsky, στον ορισμό της κριτικής, - το "ηθικό θέατρο", της οποίας η ηθική χρέωση δίνει πίστη στη ζωή. Η τέχνη του είναι πραγματικά, σημαντικά και ως εκ τούτου - είναι απαραίτητο.

Για να επιβεβαιώσει την υπάρχουσα σχέση μεταξύ της τέχνης του Ostrovsky και της νεωτερικότητας, τελικά, θα ήθελα να θυμηθώ μία από τις φωτεινότερες ερμηνείες της κωμωδίας "λύκοι και πρόβατα" στη διαμόρφωση του εξαιρετικού διευθυντή του 20ού αιώνα georgy alexandrovich tovstonogov Το στάδιο του μεγάλου θεάτρου του Λένινγκραντ. M. Gorky, που υλοποιήθηκε στη δεκαετία του '80.

Η απόδοση του G. A. Tovstonogog έγινε η νίκη όταν το θέατρο επιτυγχάνει να συνδυάσει τόσο το σχολείο όσο και τις διακοπές και ένα θέαμα και ψυχαγωγία. Ο διευθυντής ενδιαφέρεται για την ψυχολογία των μη παρεμβολών, της συναρμολόγησης. "Πού προέρχονται οι" λύκοι ", οι οποίοι συμβάλλουν στην ενεργοποίησή τους; Φλόγες αδιαφορίας. Ο θεατρικός συγγραφέας είδε τον τρόπο με τον οποίο η κλίμακα της παράραξης αυξάνεται από τη δημιουργία σε γενιά ", ο διευθυντής έγραψε. Το θέατρο ήταν απαραίτητο να το πράξει "έτσι ώστε η σημερινή κλίμακα του ίδιου του φαινομένου, έτσι ώστε η αφελής ίντριγκα του" λύκους "του αιώνα πριν αναγκάστηκε να σκεφτεί για τη Μαφοσή που διανέμεται στον σημερινό κόσμο" (Tovstonogov Ga Mirror Screen. 2. - L., 1984. - Σ. 72). Αυτή είναι η σημασία του θέματος.

Σε ένα εκπληκτικό ροζ γιλέκο, με μια "γοητευτική" κοιλιά στρογγυλή κοιλιά, εκπληκτική δέσμη barenbards και προσπάθειες, ένα φραγμένο, έντονο, συμφορητικό, τεμπέλης, γιορτάζοντας "γάτα" - Mikhail Borisych Lynyaev από τον Ο. V. Basilashvili ανάγκασε την αίθουσα να κλάψει από το γέλιο. Το αμφιθέατρο, βλέποντας τη συναρπαστική διαδικασία της γέννησης του Lynyaevskaya, όπως ήταν, πρόβλεψη της κατεύθυνσης της κίνησης της. Και το κύριο πρόβλημα, γύρω από το οποίο η γνώση του Lynyaevskaya αντιμετώπισε έντονα, μειώθηκε σε ένα πράγμα: πώς να πιπιλίζουν εκεί ή άλλο. Αυτός ο Lynyaev ήταν μια κεντρική φιγούρα σε αυτό το παιχνίδι για τη σύνδεση. Ο Tovstonogov έδωσε στους "λύκους και τα πρόβατα" την καθαρότητα του είδους - στη σκηνή υπήρχε μια κωμωδία, σάτιρα, ένα γέλιο βασίλεια στη σκηνή. Μετά από όλα, σε πολλές επαγγελματικά, οι "καλές" παραστάσεις σε αυτό το παιχνίδι είναι το γέλιο του νησιού ήταν ένας σπάνιος επισκέπτης. Η απόδοση του BDT "αντιμετωπίζεται" γέλιο, συνέπεια, έκανε τους ανθρώπους, παραμένοντας μια "γιορτή" χαρά για τα μάτια και την ψυχή.

Στη σκηνή ήταν όλα σχετικά με το τι ονειρευόταν το νησί: η αλήθεια της ζωής, μια λαμπρή εταιρική σχέση, μια εξαιρετικά συνεκτική ομάδα. Στο μοναδικό σύνολο ενεργεί, ο καθένας ήταν ένα αστέρι, ο καθένας είχε τη δική του μελωδία, αλλά όλα αυτά ήταν δευτερεύοντα στο συνολικό σχέδιο - το Chinaeeeev της Chinae, η ανομία ως ένα επικίνδυνο κοινωνικό φαινόμενο του 20ού αιώνα.

Σήμερα, ήδη από τον αιώνα XXI, με την εμπιστοσύνη του Mono να πω: Το Ostrovsky είναι το σύγχρονο μας.

L-RA: Ρωσική λογοτεχνία στα σχολεία της Ουκρανίας. - 2002. - № 5. - Σελ. 40-45.

Λέξεις-κλειδιά: Ο Alexander Ostrovsky, χαρακτηριστικό της δημιουργικότητας του Αλεξάνδρου Οσττρόβσκι, κριτική για το έργο του Αλεξάνδρου Οσττρόβσκι, κριτική, κατεβάστε κριτική, δωρεάν, δοκίμιο, ρωσική λογοτεχνία 19ος αιώνας, δραματικά του 19ου αιώνα

Στις 12 Απριλίου, τα γενέθλια του Μεγάλου Ρωσικού συγγραφέα και ο θεατρικός συγγραφέας του Αλεξάνδρου Όστροφσκι, των οποίων η εργασία έχει κάνει μια ανεκτίμητη συμβολή στην ανάπτυξη του Εθνικού Θεάτρου της Ρωσίας.

Ο Alexander Ostrovsky είναι ένας από τους δημιουργούς της βιβλιογραφίας της εικόνας ενός απλού ρωσικού ατόμου - ήταν σε αυτό που είδε ένα από τα κύρια αξίωσή του στον εγχώριο πολιτισμό. Για μια πλούσια δημιουργική ζωή - σχεδόν σαράντα χρόνια εργασίας - δημιουργήθηκαν από μία πηγές 49 έργων, σε άλλους - 54 παιχνίδια. Στα έργα του, ο Alexander Nikolaevich είναι φωτεινό, ζωτικά, έδειξε ειλικρινά εκείνα τα κόμματα στη ρωσική ζωή που δεν λύνουν άλλους. Πολύχρωμη, πραγματικά δημοφιλής γλώσσα των παιχνιδιών του, τόσο αντιστοιχούσε στην ομιλία των εμπόρων της Μόσχας, που ο ίδιος ο Pushkin ενημέρωσε τους ρωσικούς συγγραφείς να μάθουν από το νησί.

Στοιχεία και γεγονότα

• 47 πρωτότυπα παιχνίδια.
• 7 παίζει σε συνεργασία με άλλους θεατρικούς συγγραφείς.
• 22 παίζει μεταφράστηκε από ιταλικά, ισπανικά, γαλλικά, λατινικά. Διαθέτει πολυάριθμες μεταφράσεις από τον Cervantes, Σαίξπηρ, Goldoni.
• Στα έργα του Ostrovsky 728 χαρακτήρων, χωρίς να υπολογίζετε τους χαρακτήρες "χωρίς ομιλία".

_________________________________________________________________________________________________________________________________________

Η ίδια απλότητα και ρεαλισμός διακρίνει το θέατρο του Αλεξάνδρου

Nikolayevich. Η επανειλημμένη συγγραφέας έγραψε "έργα" και "σημειώσεις" σχετικά με την ανάγκη μεταρρυθμίσεων του ρωσικού θεάτρου σε διάφορες κυβερνητικές υπηρεσίες. Το 1885 διορίστηκε επικεφαλής του ρεπερτόου των θεάτρων της Μόσχας και του επικεφαλής της Θεατρικής Σχολής. Ο Ostrovsky μίλησε ότι στη σκηνή θα πρέπει να εμφανίζεται όχι μόνο σε ακραίες καταστάσεις, αλλά και τους απλούς ανθρώπους στη συνηθισμένη ζωή, τις ψυχολογικές τους εμπειρίες και τη δράμα. Από το θέατρο Ostrovsky που το ρωσικό θέατρο κατασκευάζεται με τη σύγχρονη λογική του.

Οι κύριες ιδέες του Alexander Ostrovsky, που προσφέρονται για τη μεταρρύθμιση του θεάτρου:

1. Το θέατρο θα πρέπει να χτιστεί σε συμβάσεις (υπάρχει 4ος τοίχος, χωριστά θεατές από ηθοποιούς).
2. Η απαίτηση της σχέσης με τη γλώσσα: η ικανότητα των χαρακτηριστικών ομιλίας που εκφράζουν σχεδόν τα πάντα για τους ήρωες.
3. Η τιμή δεν είναι ένας ηθοποιός.
4. "Οι άνθρωποι περπατούν για να παρακολουθήσουν το παιχνίδι, όχι το παιχνίδι, μπορείτε να το διαβάσετε."

Ο αντίπαλος του Yarh των προτεινόμενων καινοτομιών ήταν ένας από τους ιδρυτές της ρωσικής δράσης Σχολείο Mikhail Shpkin. Το δράμα του Ostrovsky ζήτησε από τον ηθοποιό της ανανέωσης από την προσωπικότητά του, την οποία ο καλλιτέχνης δεν το έκανε. Μόλις, ο Mikhail Semenovich έφυγε ακόμη και η γενική πρόβα της "καταιγίδας", είναι πολύ δυσαρεστημένος από τον συγγραφέα του παιχνιδιού. Παρ 'όλα αυτά, το θέατρο του Οσττρόβσκι έλαβε την ανάπτυξή της, αργότερα οι ιδέες του έφεραν το λογικό τέλος του Κωνσταντίν Στάνισλαβσκι και του Μιχαήλ Μπουλγκακοφ.

Τα παιχνίδια του Alexander Nikolayevich δεν πηγαίνουν με τις σκηνές των θεάτρων ολόκληρου του κόσμου.

Πολλά από τα έργα του χρησίμευαν ως βάση για τη δημιουργία κινηματογράφου και telechangeries και ήταν πλήρως θωρακισμένα, για παράδειγμα, η δημοφιλής κωμωδία Konstantin Witrova "γάμος Balzaminov" με το Georgy vibin στον ηγετικό ρόλο ή το "σκληρό ρομαντισμό", που γυρίστηκε από το παιχνίδι του Αλεξάνδρου Νικολάιβεβο "Nikolayev".

Το Irkutsk Drama Theater απευθύνεται στα έργα του Αλεξάνδρου Νικολάγιου από το 1857: Ήταν εδώ για πρώτη φορά στη Ρωσία, μια κωμωδία έπαιξε ο Αλέξανδρος Οσττρόβσκι "ο λαός του - να σκίσει!" Στην αρχική έκδοση. Το παιχνίδι γράφτηκε το 1850, αλλά αμέσως απαγορεύτηκε να αντιπροσωπεύει τη σκηνή: η λογοκρισία δεν επέτρεψε να μιλήσει για αυτό το έργο του Ostrovsky και στην εκτύπωση. Ως εκ τούτου, αμέσως μετά την πρεμιέρα του γενικού κυβερνήτη του Ιρκούτσκ, απέστειλε αίτημα στο Υπουργείο Εσωτερικών, σε απάντηση στην οποία ακολούθησε η αυστηρότερη απαγόρευση. Την επόμενη φορά στη Ρωσία, ο "λαός του" δημιουργήθηκε το 1861, με το κρυμμένο άκρο. Από το 1864, η "κερδοφόρα θέση", "καταιγίδα", "η φτώχεια δεν είναι ένας αντιπρόσωπος" είναι η "φτώχεια" στη σκηνή του Ιρκούτσκ. Το θέατρο Irkutsk ανήκει στην τιμή για πρώτη φορά στη χώρα, βάζοντας το έργο "όμορφο αρσενικό", γραμμένο από τον Ostrovsky το 1883.

Η δημιουργικότητα Alexander Ostrovsky περιγράφει συνοπτικά δυνατά, καθώς αυτός ο άνθρωπος άφησε μεγάλη συμβολή στην ανάπτυξη της λογοτεχνίας.

Έγραψε για πολλούς, αλλά πάνω απ 'όλα στην ιστορία της λογοτεχνίας που θυμήθηκε ως καλός θεατρικός συγγραφέας.

Δημοτικότητα και χαρακτηριστικά της δημιουργικότητας

Δημοτικότητα Α. Ο Ostrovsky έφερε το έργο "ο λαός του - να σκίσει". Αφού δημοσιευθεί, το έργο του εκτιμά πολλούς συγγραφείς εκείνης της εποχής.

Έδωσε εμπιστοσύνη και έμπνευση στον ίδιο τον Αλέξανδρο Νικολάιβεβο.

Μετά από ένα τέτοιο επιτυχημένο ντεμπούτο, γράφτηκαν πολλά έργα που διαδραμάτισαν σημαντικό ρόλο στο έργο του. Αυτά περιλαμβάνουν τα εξής:

• "Δάσος"
• "Ταλέσια και οπαδοί"
• "Dustpannica".

Όλα τα έργα του μπορούν να ονομαστούν ψυχολογικές δράσεις, ώστε να καταλάβουν τι έγραψε ο συγγραφέας, πρέπει να εμβαθύνετε βαθιά στο έργο του. Οι χαρακτήρες των παιχνιδιών του ήταν ευπροσάρμοστες προσωπικότητες που δεν ήταν κατανοητές όχι σε όλους. Στα έργα του, ο Ostrovsky εξέτασε πώς οι αξίες της χώρας βιάζονται.

Κάθε ένα από τα έργα του έχει ένα ρεαλιστικό τελικό, ο συγγραφέας δεν προσπάθησε να ολοκληρώσει τα πάντα με έναν θετικό τελικό, όπως πολλοί συγγραφείς, ήταν πιο σημαντικό για να δείξει πραγματικό, και όχι μια φανταστική ζωή. Στα έργα του, ο Ostrovsky προσπάθησε να επιδείξει τη ζωή των ρωσικών λαών και, επιπλέον, δεν την κατείχε καθόλου - αλλά έγραψε αυτό που είδε γύρω του.

Οι αναμνήσεις των παιδιών εξυπηρετούνται στα έργα του. Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του έργου του μπορεί να ονομαστεί το γεγονός ότι τα έργα του δεν ήταν αρκετά λογοκρισία, αλλά παρά αυτό, παρέμειναν δημοφιλείς. Ίσως ο λόγος για τη δημοτικότητά του ήταν ότι ο θεατρικός συγγραφέας προσπαθούσε να υποβάλει τη Ρωσία στη Ρωσία όπως είναι. Η φύση και ο ρεαλισμός είναι τα κύρια κριτήρια που ο Ostrovsky προσκολλάται όταν γράφει τα έργα τους.

Εργασία τα τελευταία χρόνια

ΕΝΑ. Ostrovsky ειδικά ασχολείται με τη δημιουργικότητα τα τελευταία χρόνια της ζωής του, ήταν τότε ότι έγραψε το πιο σημαντικό δράμα και κωμωδία για το έργο του. Όλοι τους γράφτηκαν για κανένα ατύχημα, κυρίως τα έργα του περιγράφουν την τραγική τύχη των γυναικών που πρέπει να πολεμήσουν μόνο τα προβλήματά τους. Ο Όσθραβσκι ήταν θεατρικός συγγραφέας από τον Θεό, φαίνεται ότι ήταν σε θέση να γράψει πολύ εύκολα, οι ίδιοι οι σκέψεις ήρθαν στο κεφάλι του. Αλλά γράφτηκαν και τέτοια έργα όπου έπρεπε να εργαστούν.

Στα τελευταία έργα, ο θεατρικός συγγραφέας ανέπτυξε νέες τεχνικές για την κατάθεση κειμένου και εκφραστικότητας - που έγιναν διακριτικά στο έργο του. Το στυλ γραφής των έργων εκτιμάται πολύ από τον Chekhov, το οποίο για τον Αλέξανδρο Νικολάιβιτς είναι πάνω απ 'όλα η σιωπή. Προσπάθησε στο έργο του να δείξει τον εσωτερικό αγώνα των ηρώων.