Ποιο είναι το κύριο πράγμα στο μπαλέτο. Τι είναι το μπαλέτο; Κλασικός και νεωτερικοί

Τι είναι το μπαλέτο, το ιστορικό των μπαλέτου

"Δεν θέλουμε να χορέψουμε, αλλά να πω χορό"
Γ. Ulanova

Ένας καταπληκτικός, όμορφος και πολύπλευρος κόσμος του μπαλέτου δεν θα αφήσει κανέναν αδιάφορο. Για πρώτη φορά, αυτή η λέξη ακουγόταν στην Ιταλία, ο ίδιος ο τύπος που προέκυψε στη Γαλλία, επιπλέον, το μπαλέτο είναι μια πραγματική υπερηφάνεια της Ρωσίας, εξάλλου, στο XIX αιώνα, είναι το ρωσικό παιχνίδι που δημιουργήθηκε από ΠΙ. Τσαγόβσκι , έγινε ένα γνήσιο δείγμα.

Σχετικά με την ιστορία και τη σημασία αυτού του είδους σε πολιτιστικό εμπλουτισμό ενός ατόμου, διαβάστε στη σελίδα μας.

Τι είναι το μπαλέτο;

Πρόκειται για ένα μουσικό και θεατρικό είδος στο οποίο πολλοί τύποι τέχνης συνεργάστηκαν στενά. Έτσι, η μουσική, ο χορός, η ζωγραφική, οι δραματικές και οι εικαστικές τέχνες συνδυάζονται μεταξύ τους, δημιουργώντας μια συντονισμένη απόδοση, ξεδιπλώνεται μπροστά από το κοινό στη θεατρική σκηνή. Μεταφράστηκε από την ιταλική, η λέξη "μπαλέτο" σημαίνει - "χορός".

Πότε ήταν το μπαλέτο;

Η πρώτη αναφορά του μπαλέτου αναφέρεται στον αιώνα του XV, οι πληροφορίες διατηρούνται ότι ο Δάσκαλος του Δικαστηρίου του Domenico Domenico και της Piacenza πρότεινε να ενώσει μερικούς χορούς για την επόμενη μπάλα, γράφοντας τους ένα επίσημο φινάλε και δηλώνει ως μπαλέτο.

Ωστόσο, το ίδιο το είδος προέκυψε λίγο αργότερα στην Ιταλία. Το σημείο αναφοράς αναγνωρίζεται το 1581, εκείνη τη στιγμή στο Παρίσι Baltazarini έβαλε τις επιδόσεις του με βάση το χορό και τη μουσική.Στον XVII αιώνα, οι μικτές αναπαραστάσεις (Ballet Opera) είναι δημοφιλείς. Ταυτόχρονα, η μεγαλύτερη σημασία σε τέτοιες παραγωγές δίνεται από τη μουσική και όχι χορό. Λόγω της μεταρρυθμιστικής εργασίας του Balletmaster από τη Γαλλία, το Jean George Novuz Genre αποκτά κλασικά περιγράμματα με τη "χορογραφική γλώσσα".

Δημιουργία του είδους στη Ρωσία

Οι πληροφορίες διατηρήθηκαν ότι η πρώτη εκπροσώπηση του "μπαλέτου για το Orfee και την Evridica" παρουσιάστηκε τον Φεβρουάριο του 1673 στο Δικαστήριο του Τσάρου Αλεξέι Mikhailovich. Μια μεγάλη συμβολή στο σχηματισμό του είδους έγινε από τον ταλαντούχο Balletmaster Charles Louis Didlo. Ωστόσο, αυτός ο μεταρρυθμιστής θεωρείται ο διάσημος συνθέτης. ΠΙ. Τσαγόβσκι . Είναι στο έργο του ότι το ρομαντικό μπαλέτο γίνεται το σχηματισμό. ΠΙ. Ο Tchaikovsky έδωσε ιδιαίτερη προσοχή στη μουσική, στρέφοντάς το από το συνοδευτικό στοιχείο σε ένα ισχυρό εργαλείο που βοηθά τον χορό να πιάσει και να αποκαλύψει τα συναισθήματα και τα συναισθήματα. Ο συνθέτης μεταμόρφωσε τη μορφή της μουσικής μπαλέτου και επίσης έχτισε μία μόνο συμφωνική εξέλιξη.Η δημιουργικότητα Α. Glazunov ("διαδραμάτισε σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη του μπαλέτου. Ραϋμόνδος "), I. Stravinsky (" Πυρκαγιά "," Ιερή Άνοιξη "," Μαϊντανός "), Καθώς και το έργο του balletmaster Μ. Petipa , L. Ivanova, Μ. Φωκίνα. Στον νέο αιώνα, η δημιουργικότητα ξεχωρίζει Σ. Prokofiev , D. Shostakovich, R. Glyara , Α. Καχαχουριανός.
Στο XX, οι συνθέτες αρχίζουν να αναζητούν υπερνίκηση στερεοτύπων και καθιερώνουν κανόνες.

Ποια είναι η μπαλαρίνα;

Οι μπαλαρίνες δεν κλήθηκαν καθόλου όποιοι χορεύουν στο μπαλέτο. Αυτός είναι ο υψηλότερος τίτλος που έλαβε έναν χορευτή για να επιτύχει ένα ορισμένο ποσό καλλιτεχνικής αξίας, καθώς και αρκετά χρόνια μετά την εργασία στο θέατρο. Αρχικά, όλοι οι οποίοι παράγονται από τα θεατρικά σχολεία πήραν τους χορευτές του Cordente, με σπάνιες εξαιρέσεις - σολίστες. Μερικοί από αυτούς κατάφεραν να επιτύχουν τον τίτλο της μπαλαρίνας σε δύο ή τρία χρόνια εργασίας, μερικά - μόνο πριν από τη σύνταξη.

Κύρια εξαρτήματα

Τα κύρια συστατικά του μπαλέτου είναι ο κλασικός χορός, ο χαρακτηριστικός χορός και η παντομίμα.Ο κλασικός χορός προέρχεται από τη Γαλλία. Είναι απίστευτα πλαστικό και κομψό. Οι σόλο χορούς ονομάζονται παραλλαγές και adagio. Για παράδειγμα, γνωστό Adagio από το Ballet P. I. Tchaikovsky. Και αυτά τα δωμάτια μπορούν να είναι στο σύνολο χορεύουν.

Εκτός από τους σολίστες, η συμμετοχή σε δράση παίρνει ένα σχηματισμό, το οποίο δημιουργεί μαζικές σκηνές.
Συχνά οι χοροί της γης πυρήνα είναι χαρακτηριστικές. Για παράδειγμα, ο "ισπανικός χορός" από τη λίμνη Swan. Αυτός ο όρος υποδηλώνει τους λαϊκούς χορούς που εισάγονται στην απόδοση.

Ταινίες για το μπαλέτο

Το μπαλέτο είναι μια πολύ δημοφιλής άποψη της τέχνης που αντανακλάται στον κινηματογράφο. Υπάρχουν πολλές όμορφες ζωγραφιές στο μπαλέτο που μπορεί να χωριστεί σε τρεις μεγάλες κατηγορίες:

1. Οι ντοκιμαντέρ ταινίες είναι μια αιχμηρή δήλωση μπαλέτου, χάρη στην οποία μπορείτε να εξοικειωθείτε με το έργο των μεγάλων χορευτών.
2. Ταινία-μπαλέτο - τέτοιες εικόνες δείχνουν επίσης την ίδια την απόδοση, αλλά μόνο η ενέργεια δεν είναι πλέον στη σκηνή. Για παράδειγμα, η ταινία Romeo και Juliet (1982), η οποία σκηνοθετείται από το Powl Zinner, όπου οι κύριοι ρόλοι πραγματοποιήθηκαν από το διάσημο R. Nureyev και K. Fraceci. "Παραλία Skate-Gorbunke" (1961), όπου ο κύριος ρόλος διεξήχθη από τον Maya Plisetskaya.
3. Τέχνη ταινίες των οποίων η δράση σχετίζεται με το μπαλέτο. Αυτοί οι φίλτρο σας επιτρέπουν να βυθιστείτε στον κόσμο αυτής της τέχνης και μερικές φορές γεγονότα σε αυτά ξεδιπλώνεται στο φόντο της παραγωγής, ή λένε για όλα όσα συμβαίνουν στο θέατρο. Μεταξύ αυτών των ζωγραφων, η "Avanscena" αξίζει ιδιαίτερη προσοχή - ο αμερικανικός σκηνοθέτης κινηματογράφου Nicholas Khithger, ο οποίος είδε το κοινό το 2000.
4. Ξεχωριστά, πρέπει να αναφερθούν οι βιογραφικές ζωγραφιές: ο Margo Fontein (2005), η Άννα Παβλοβάβα και πολλοί άλλοι.

Είναι αδύνατο να παρακάμψετε την εικόνα των καταλόγων "Red Shoes" του 1948 M. Powela και E. Pozbuer. Η ταινία εισάγει το κοινό με ένα παιχνίδι με βάση τη διάσημη παραμύθια Andersen και βυθίζεται το κοινό στον κόσμο του μπαλέτου.

Ο σκηνοθέτης Stephen Doldry το 2001 παρουσίασε στην κοινή ταινία Billy Elliot. Λέει για το 11χρονο αγόρι από την οικογένεια εξόρυξης, ο οποίος αποφάσισε να γίνει χορευτής. Παίρνει μια μοναδική ευκαιρία και εισάγει το σχολείο βασιλικού μπαλέτου.

Η ταινία "Mania Giselle" (1995) Διευθυντής Alexei Δάσκαλος θα εισαγάγει το κοινό με τη ζωή του θρυλικού ρωσικού χορευτή Όλγα Spesivtya, τις οποίες οι σύγχρονες που ονομάζονται κόκκινο χιόνι.

Το 2011, η ταινία "Black Swan" κυκλοφόρησε στις οθόνες τηλεόρασης, ο Darren Aronofsky, ο οποίος δείχνει τη ζωή του θεάτρου μπαλέτου από το εσωτερικό.

Μοντέρνο μπαλέτο και το μέλλον του

Το σύγχρονο μπαλέτο είναι πολύ διαφορετικό από τα κλασικά πιο τολμηρά κοστούμια και την ελεύθερη ερμηνεία του χορού. Το κλασικό περιελάμβανε πολύ αυστηρές κινήσεις, σε αντίθεση με το σύγχρονο, το οποίο είναι πιο κατάλληλο για να καλέσετε ακροβατικά. Πολλά σε αυτή την περίπτωση εξαρτάται από το επιλεγμένο θέμα και τις ιδέες της απόδοσης. Στηριζόμενη επάνω της, ο παραγωγός επιλέξει ήδη ένα σύνολο χορογραφικών κινήσεων. Στις σύγχρονες παραστάσεις, η κίνηση μπορεί να δανειστεί από εθνικούς χορούς, νέες πλαστικές κατευθύνσεις, υπερσύγχρονες ροές χορού. Η ερμηνεία παράγεται επίσης σε ένα νέο κλειδί, για παράδειγμα, το εντυπωσιακό σκεύασμα του Ματθαίου της Βέρνης "Swan Lake", στην οποία τα κορίτσια αντικαταστάθηκαν από τους άνδρες. Τα έργα του χορογράφου B. Eifman - Αυτή είναι μια πραγματική φιλοσοφία στο χορό, δεδομένου ότι κάθε ένα από τα μπαλάκια περιέχει ένα βαθύ νόημα. Μια άλλη τάση σε μια σύγχρονη απόδοση είναι η θολότητα των ορίων του είδους και θα ήταν πιο σωστό να ονομάζονται πολλαπλές πτήσεις. Είναι πιο συμβολικό, σε σύγκριση με το κλασικό, και χρησιμοποιεί πολλά αποσπάσματα, συνδέσμους. Ορισμένες παραστάσεις εφαρμόζουν την αρχή της κατασκευής συναρμολόγησης και η ρύθμιση αποτελείται από διάσπαρτα θραύσματα (πλαίσια) που όλοι μαζί αποτελούν το γενικό κείμενο.

Επιπλέον, σε όλη τη σύγχρονη κουλτούρα υπάρχει ένα τεράστιο ενδιαφέρον για διάφορες εισπράξεις και το μπαλέτο δεν αποτελεί εξαίρεση. Ως εκ τούτου, πολλοί κατάλογοι προσπαθούν να αναγκάσουν το κοινό να ρίξουν μια ματιά στην κλασική έκδοση από την άλλη πλευρά. Οι νέες αναγνώσεις είναι ευπρόσδεκτες και από το πρωτότυπο είναι, η μεγαλύτερη επιτυχία τους περιμένει.

Το Pantomime είναι ένα εκφραστικό παιχνίδι με χειρονομίες και εκφράσεις προσώπου

Στις σύγχρονες παραγωγές, οι χορογράφοι επεκτείνουν το καθιερωμένο πλαίσιο και τα σύνορα, εκτός από τα κλασικά συστατικά, προστίθενται γυμναστικής και ακροβατικοί αριθμοί, καθώς και σύγχρονα χορός (Σύγχρονος, ελεύθερος χορός). Αυτή η τάση προέκυψε τον 20ό αιώνα και δεν έχασε τη συνάφεια του.

Μπαλέτο - ένα πολύπλοκο και πολύπλευρο είδος, στην οποία πολλοί τύποι τέχνης συνεργάστηκαν στενά. Κανείς δεν μπορεί να αφήσει αδιάφορες χαριτωμένες κινήσεις των χορευτών, το εκφραστικό τους παιχνίδι και τους γοητευτικούς ήχους της κλασικής μουσικής. Απλά φανταστείτε πώς το μπαλέτο θα διακοσμήσει τις διακοπές, θα γίνει ένα πραγματικό μαργαριτάρι από οποιοδήποτε γεγονός.

Η ιστορία του μπαλέτου για τα παιδιά θα πει πώς και πού εμφανίστηκε το μπαλέτο.

Πότε εμφανίστηκε το μπαλέτο;

Ο όρος "μπαλέτο" εμφανίστηκε στο τέλος του XVI αιώνα (από την Ital. Balletto - χορός). Αλλά εννοούσε τότε όχι μια παράσταση, αλλά μόνο ένα επεισόδιο χορού που μεταδίδει μια συγκεκριμένη διάθεση.

Όμορφο μπαλέτο ως ένα είδος τέχνης. Χορός που διακοσμεί τη ζωή μας έχει ήδη εκπληρωθεί 400 ετών. Ο τόπος όπου ο μπαλέτο προέρχεται είναι η βόρεια Ιταλία, Και συνέβη στην εποχή της αναγέννησης. Οι τοπικοί πρίγκιπες αγάπησαν τις πλούσιες εκδηλώσεις του παλατιού και τους μισθωμένους χορευτές που κάλεσαν τους ευγενείς κινήσεις χορού και ατομικά στοιχεία.

Πιστεύεται ότι Εκείνοι που ήρθαν με το μπαλέτο ήταν ο ιταλός Ballet Makester Baltazarini di Belajozoo. Έβαλε την πρώτη παρουσίαση απόδοσης μπαλέτου που ονομάζεται Ballet Queen Comedy, το οποίο παραδόθηκε στη Γαλλία το 1581.

Ήταν στη Γαλλία ότι το μπαλέτο άρχισε να αναπτύσσεται. Κατά τη διάρκεια της βασιλείας του Louis XIV, οι παραστάσεις του μπαλέτου του δικαστηρίου έχουν επιτύχει ειδική λαμπρότητα.

Η ιστορία του ρωσικού μπαλέτου σύντομα

Στη Ρωσία, μια παράσταση μπαλέτου που ονομάζεται "μπαλέτο για το Orfee και το Evridik" τέθηκε στις 8 Φεβρουαρίου 1673. Αυτό συνέβη στο παλάτι του βασιλιά Alexei Mikhailovich. Οι αργοί και τελετουργικοί χοροί ήταν κομψές στάσεις, κινήσεις και τόξα που εναλλάσσονται με ομιλία και τραγούδι.

Μόνο ένα τέταρτο ενός αιώνα, μαζί με τις μεταρρυθμίσεις του Peter I, του χορού και της μουσικής μπήκαν στη ζωή του ρωσικού λαού. Στα εκπαιδευτικά ιδρύματα για ευγενείς εξοπλισμένες μαθήματα για χορούς. Κάτω από τη βασιλική αυλή, άρχισαν να εκτελούν οι καλλιτέχνες της όπερας στο εξωτερικό, οι μουσικοί και οι λουκές μπαλέτου.

Το πρώτο σχολείο μπαλέτου στη Ρωσία άνοιξε το 1731. Ονομάστηκε μια θήκη γης. Θεωρείται το λίκνο του ρωσικού μπαλέτου. Στην ανάπτυξη του σχολείου μπαλέτου, ο Jean Baptiste Landa, η Γαλλική Tancertmeister, εισήγαγε μια τεράστια συμβολή. Είναι ο ιδρυτής του ρωσικού μπαλέτου. Το Lande άνοιξε επίσης το πρώτο σχολείο στη Ρωσία στον χορό μπαλέτου. Σήμερα είναι η ρωσική ακαδημία μπαλέτου. A.ya. vaganova.

Περαιτέρω ώθηση στην ανάπτυξη του μπαλέτου που ελήφθη κατά τη διάρκεια της βασιλείας της Queen Elizabeth Petrovna. Μετά από μια πρόσκληση στη Ρωσία, ο Balletmaster από τη Γαλλία Didlo, αυτή η τέχνη έχει επιτύχει μια ειδική ακμή - κομψές παραγωγές, στάση και σχεδιασμό έκανε Φούρρε.

Αξίζει να σημειωθεί ότι στην ανάπτυξη του κλασικού ρωσικού μπαλέτου, ο Peter ilyich Tchaikovsky έπαιξε τον τελευταίο ρόλο. Είναι ο συγγραφέας τέτοιων λαμπρών μπαλέτων ως "Swan Lake", "Nutcracker" και "Sleeping Beauty".

Ελπίζουμε ότι από αυτό το άρθρο έχετε μάθει πότε εμφανίστηκε το μπαλέτο.

Το μπαλέτο (από το λατινικό μπαλόνι) είναι ένας τύπος γραφικής τέχνης, το περιεχόμενο του οποίου αποκαλύπτεται σε χορό και μουσικές εικόνες. Συνδυάζεται αρμονικά με τη μουσική, τη χορογραφία, τη ζωγραφική, την εκτελεστική τέχνη των καλλιτεχνών. Το κύριο μέσο εκφραστικότητας στο μπαλέτο - χορό και παντομίμα. Η προέλευση των διαφόρων τύπων γραφικού χορού (κλασικό, χαρακτηριστικό, grotesk) ανήκουν στον λαϊκό χορό. Οι χορογραφικές παραστάσεις, καθώς και οι δραματικές, μπορούν να χωριστούν σε τραγωδίες, κωμωδίες, μελόδραμα. Πρόκειται για πολλαπλή δράση ή τη δημιουργία, οικόπεδο ή ασυνήθιστα, μπορεί να είναι χορογραφική μινιατούρα ή σύνθεση συναυλιών.

Από την εμφάνισή της στην Ευρώπη στο XVI αιώνα. Το μπαλέτο προσέλκυσε συνεχώς την προσοχή των εξαιρετικών στοιχείων της θεατρικής τέχνης. Έτσι, ο γαλλικός κωδικοποιημένος XVII αιώνας. J. B. Moliere εισήγαγε σκηνές μπαλέτου στα έργα του, τα οποία κάλεσε Comedia-Ballet.

Χορεύοντας στην κωμωδία-μπαλέτο Moliere και στους χειριστές-μπαλέτο Β. B. Lully έβαλε το Pierre Boshan (1636 - Εντάξει. 1719). Το 1661, κατέστρεψε τη Βασιλική Ακαδημία Χορού στο Παρίσι. Ο Boshan εγκατέστησε πέντε βασικές θέσεις κλασικού χορού (αρχικές θέσεις των ποδιών), στην οποία βασίζεται η τεχνική του κλασικού χορού.

Αρχικά, τα γυαλιά μπαλέτου περιελάμβαναν χορό και παντομίμα μαζί με φωνητικά δωμάτια και λογοτεχνικό κείμενο.

Στον XVIII αιώνα Ο σχηματισμός του μπαλέτου ως ανεξάρτητος τύπος τέχνης συνέβαλε στις δραστηριότητες πολλών χορογράφων και ερμηνευτών σε διάφορες χώρες. Το γαλλικό μπαλαρίνα Marie Salo (1707-1756) αντικατέστησε τα βαριά, ογκώδη ρούχα του χορευτή με ένα ελαφρύ φόρεμα, όχι περιοριστικές κινήσεις. Η σύγχρονη αγγλική χορεύτρια και ο χορογράφος John Weaver (1673-1760) άρχισε αρχικά να βάζει πλούσια μπαλέτες, αρνήθηκε το τραγούδι και την απόρριψη. Ο αυστριακός χορογράφος Franz Hilfering (1710-1768) εισήγαγε αξιόπιστες εικόνες της ζωής των ανθρώπων, των πραγματικών πράξεων, τα μέσα μπαλέτου που αποκαλύπτουν ειλικρινείς τις εμπειρίες τους, το νόημα των ενεργειών. Γαλλικοί χορευτές Louis Dupre (1697-1774) και Marie Camargo (1710-1770) βελτιωμένη τεχνική χορού. Η Marie Kamargo έφτασε περισσότερη ελευθερία κινήσεων, ριζοβολώντας τη φούστα και να εγκαταλείψει τα τακούνια.

Μια μεγάλη συμβολή στην ανάπτυξη του μπαλέτου έγινε από τον γαλλικό χορογράφο Jean George αριθμό (1727-1810). Στα μπαλέτα της "Ψυχή και Αγγλική", "Θάνατος της Ηράκλας", "Μήδεια και Γιώμες", "Ιωρίες στο Ταύρι" και άλλοι, έκανε έναν καινοτόμο καινοτόμο. Δημιούργησε παραστάσεις που διέφεραν στη λογική της δραματουργίας ανάπτυξης. Η βάση των επιδόσεών του ήταν η εκφραστική παρωδία χορού. Έδωσε μεγάλη σημασία στη μουσική, πιστεύοντας ότι αυτή θα αντιπροσωπεύει ένα είδος προγράμματος που καθιερώνει και προειδοποιεί το κίνημα και το παιχνίδι κάθε χορευτή. " Ο Novor μίλησε για τη φυσικότητα των αισθήσεων και την ειλικρίνεια των χαρακτήρων των χαρακτήρων μπαλέτου, αρνήθηκαν παραδοσιακές μάσκες που έκλεισαν τα πρόσωπα των ηθοποιών. Θεωρητικά τεκμηριώθηκε η καινοτόμος εμπειρία του στο βιβλίο "επιστολές για το χορό και τα μπαλέτα" (1759), στηριζόμενη στην αισθητική των φιλοσόφων-εγκυκλοπιστών της εποχής του Διαφωτισμού.

Οι μαθητές και οι οπαδοί του Novu ήταν πολλοί ταλαντούχοι χορογράφοι, όπως ο Jean Doberval (1742-1806), ο συγγραφέας του δημοφιλούς και τώρα μπαλέτου "συχνή προφύλαξη". Ο Charles Louis Didlo (1767-1837), ο οποίος εργάστηκε στη Ρωσία εδώ και πολύ καιρό και συνέβαλε στο διορισμό του ρωσικού μπαλέτου σε ένα από τα πρώτα μέρη της Ευρώπης.

Στο XIX αιώνα Το θέατρο μπαλέτου επέζησε και εμπνεύστηκε δημιουργική UPS και το δράμα της εξαφάνισης. Το 1832, ο ιταλικός χορογράφος Filippo Taloni (1777-1871) έβαλε το μπαλέτο "Silfida" (μουσική J. Shineyzoff), η οποία σηματοδότησε την αρχή της εποχής του ρομαντισμού στη χορογραφική τέχνη. Οι ιστορίες των ρομαντικών παραστάσεων είπαν για το πώς στην αιώνια επιθυμία τους για ομορφιά, σε μια υψηλή πνευματική αξία, ένα άτομο εισέρχεται σε σύγκρουση με τη γύρω πραγματική της και μόνο στον ψευδαίσθητο κόσμο των ονείρων, ένα όνειρο μπορεί να κερδίσει ιδανικό, να βρει ευτυχία. Taloni, αναπτύσσοντας τη λυρική κατεύθυνση της τέχνης του ρομαντισμού, που εισάγεται στον δραματουργικό ιστό του μπαλέτου οι λεπτομερείς διαλόγους χορού των ηθοποιών στις οποίες αποκαλύφθηκαν τα συναισθήματα και οι σχέσεις τους. Στις επιδόσεις του, η KDDELYTA ανέπτυξε και συμπληρώθηκε το σόλο κόμμα του κύριου χαρακτήρα, στο ρόλο της οποίας η κόρη του Μαρία Ταλόνη εκτελούσε (1804-1884). Εμπνευσμένη τέχνη αυτής της ταλαντούχου μπαλαρίνα εισήλθε στην ιστορία του μπαλέτου. Πρώτα εισήγαγε ένα χορό σε δείκτες (στις άκρες των δακτύλων), αυξημένη εκφραστικότητα της τέχνης του μπαλέτου.

Το έργο του Γάλλου Balletmaster Jules Joseph Perra (1810-1892) Ειδικευμένη άλλη κατεύθυνση του ρομαντισμού μπαλέτου - δραματική. Οι ήρωές του σε μια επίμονη πάλη υπερασπίστηκαν το δικαίωμά τους στην αγάπη, την ελευθερία, την ευτυχία. Ο Perro συνήθως θέτει τις παραστάσεις του στα οικόπεδα των γνωστών λογοτεχνικών έργων - V. Hugo, Gayne, Ι. V. Goethe. Αναπτύσσει προσεκτικά τα επεισόδια παντομείννων, που τους συνδέει οργανικά με το χορό, επιδιώκεται να κάνει μαζικές σκηνές ζωντανές, συναισθηματικές. Ballets Perra Giselle (Music A. Adana, παραδόθηκε από κοινού με τον Balletmaster Jean Coraline, (1779-1854) και "Esmeralda" (μουσική CH. Puni) εξακολουθεί να διακοσμεί το ρεπερτόριο πολλών μπαλέτου. Ο πρώτος καλλιτέχνης του Giseli ήταν ο γκρίζος Carlotte (1819 -1899).

Η τέχνη μιας εξαιρετικής αυστριακής Ballerina Fanny Elsler (1810-1884) συνδέεται με ένα ρομαντικό μπαλέτο.

Η δημιουργικότητα της δανικής χορογράφου του Αυγούστου Μπουρνόνβιλ (1805-1879), ο οποίος έθεσε πάνω από 50 παραστάσεις με το βασιλικό μπαλέτο Κοπεγχάγη, έπαιξε σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη του ρομαντικού μπαλέτου.

Ξεκινώντας από τη μέση του 19ου αιώνα. Τα φαινόμενα κρίσης βρίσκονται στη δυτική ευρωπαϊκή τέχνη μπαλέτου. Στην αρένα της κοινωνικοπολιτικής ζωής στη Δυτική Ευρώπη, βγαίνει η μπουρζουαζία. Τα γούστα της καθορίζουν στην τέχνη. Και για να αντικαταστήσετε τα ρομαντικά μπαλέτα με το βαθύ τους περιεχόμενο έρχονται πομπώδη, μη καθυστερημένα γυαλιά. Οι λούστρες μπαλέτου αποσυντίθενται, εμφανίζεται μια παρατεταμένη περίοδος παρακμής. Η αναβίωση της τέχνης του μπαλέτου συνδέεται με παραστάσεις στη Δυτική Ευρώπη των Ρώσων Καλλιτεχνών - Άννα Παβλούβα, Μιχαήλ Φωκίνας, Tamara Karsavina, Vaclav Nizhinsky, Serzh και άλλους. Αυτές οι ομιλίες που είχαν μεγάλη επιτυχία και που ονομάστηκαν ρωσικές εποχές ξεκίνησαν από το 1907 που διοργανώθηκαν με θεατρικό σχήμα S. P. DYAGILEV. Η ρωσική μπαλέτη Dyagileva έδωσε την έναρξη ενός νέου θραύσματος μπαλέτου, ενημερώνοντας τις παραδοσιακές μορφές κλασικού χορού.

Στο XX αιώνα Το μπαλέτο αναπτύσσεται με επιτυχία σε πολλές χώρες του κόσμου. Εξαιρετικές μάστερ μπαλέτου στη Δυτική - Ninet de Valua, Frederick Ashton, Margot Fontaine (Ηνωμένο Βασίλειο), Roland Ph, Maurice Bejar, Inolette Chuvir (Γαλλία), Agnes de Mill, George Balacin, Jerome Robbins, Robert Jofri (ΗΠΑ) και πολλά οι υπολοιποι.

Οι σοσιαλιστικές χώρες συμβάλλουν στην ανάπτυξη του μπαλέτου (βλ. Το θέατρο των χωρών της Σοσιαλιστικής Κοινοπολιτείας). Έτσι, είναι γνωστό η τέχνη του θρυμματισμού του μπαλέτου ενός ταλαντούχου χορευτή και χορογράφου Alicia Alonso, ο οποίος δημιουργήθηκε στην Κούβα το 1948. Το 1959, αυτό το συγκρότημα ονομάστηκε Εθνικό μπαλέτο της Κούβας.

Στη Ρωσία, η ανάπτυξη της τέχνης του μπαλέτου πήγε το δικό της τρόπο. Ο πρώτος ρωσικός χορογράφος ήταν ο Ivan Ivanovich Valber (Lesogorov) (1766-1819), των οποίων η εργασία κάλυψε τόσο τα λογοτεχνικά θέματα όσο και τα γεγονότα της σύγχρονης ζωής, ιδίως τον πατριωτικό πόλεμο του 1812. Χάρη στον Vallerhu, τον αρχικό τύπο του εθνικού παιχνιδιού Ιδρύθηκε στη ρωσική σκηνή, η εκτροπή που απεικονίζει εικόνες λαϊκής ζωής.

Ο σχηματισμός του ρωσικού μπαλέτου προωθήθηκε από το έργο του Charles Louis Didlo. Μεταξύ των μαθητών του - Balletmaster Adam Glushkovsky (1793-1870), Eastrian Ballerina (1799-1848) και Catherine Televezova (1807-1857) και Α. S. Pushkin και Α. S. Griboedov. Ο Dido εμπλουτίστηκε το ρεπερτόριο των ρωσικών θεατρικών θεατρικών παρασκληρίων στις οποίες φώναξε την τάχυντα, αποκάλυψε τις υψηλές ηθικές ιδιότητες των απλών ανθρώπων. Έβαλε την έναρξη ενός μπαλέτου Πούκκιν, έχοντας πραγματοποιήσει το 1823 την παραγωγή του έργου "καυκάσιος φυλακισμένος ή μια σκιά νύφης" (με βάση το ποίημα του Pushkin).

Ο λαμπρός εκπρόσωπος του ρωσικού ρομαντικού μπαλέτου ήταν η μπαλαρίνα Ekaterina Sankovskaya (1816-1878), η τέχνη εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από τον V. G. Belinsky, Α. Ι. Herzen.

Το ρωσικό θέατρο μπαλέτου επεξεργάστηκε δημιουργικά την ανακάλυψη του δυτικού μπαλέτου, πραγματοποίησε δηλώσεις σύμφωνα με τις εθνικές παραδόσεις. Έτσι, στη ρωσική σκηνή, η συναισθηματική ιστορία του Giselle μετατράπηκε σε ένα ποίημα για μια υψηλή ανιδιοτελή αίσθηση ότι ο κακός κερδίζει, το σκοτάδι, το θάνατο. Και υπήρξε μια σημαντική αξία του πρώτου ερμηνευτή του κόμματος Giselle στο ρωσικό θέατρο Elena AndreaNova (1819-1857).

Ο Marius Petipa, ο οποίος έφτασε στη Ρωσία το 1847, έβαλε πάνω από 60 μπαλέτα στην Σκηνή Αγίας Πετρούπολης. Στις παραγωγές των Balletts L. Minkus "Don Quixote", Π. Ι. Τσαϊκόβσκι "Sleeping Beauty" και "Swan Lake", Α. Κ. Glazunov "Raymond" και άλλοι πιο πλήρως αποκάλυψαν το μοναδικό στυλ της ρωσικής σχολής του Κλασικός χορός, ο οποίος χαρακτηρίζεται από την υλοποίηση του περιεχομένου μιας απόδοσης μπαλέτου σε τέλειες ακαδημαϊκές μορφές. Στις παραστάσεις της Petipa, πραγματοποιήθηκαν ταλαντούχοι ρώσοι χορευτές - Έλενα Andreyanov, Pavel Gerdt, Matilda Kshesinskaya, Νικολάι και Σεργκέι Legata, Όλγα Preobrazhenskaya, Άννα Παβλί, Mikhail Fokin ...

Κάποτε, με τον Μ. Petipa στο θέατρο της Αγίας Πετρούπολης Mariinsky (τώρα το Λένινγκραντ, την όπερα και το μπαλέτο θέατρο που ονομάστηκε μετά τον S. M. Kirov) εργάστηκε στις παραγωγές του Balletov υπέροχη χορογράφος Lev Ivanovich Ivanov (1834-1901). Ανάμεσα στα έργα του - Πολυκόφτς χορούς στο Opere A.P. Borodin "Prince Igor", Ballets P. I. Tchaikovsky "Καρυοθραύστης" και "Swan Lake" (μαζί με τον Μ. Ι. Petipa), και ο καθένας από αυτούς μαρτυρεί σε μια βαθιά κατανόηση της χορού του μουσικού δράματος των γραπτών , για την επιθυμία του να εκφράσει το περιεχόμενο της απόδοσης σε τέλειες πλαστικές εικόνες.

Άκρο του αιώνα του XIX. - Αυτή είναι η εποχή των καινοτόμων μεταρρυθμίσεων P. I. Tchaikovsky στη μουσική μπαλέτου, υποστηριζόμενη και αναπτύχθηκε από άλλους συνθέτες - Α. Κ. Glazunov, Ι. F. Stravinsky, S. Prokofiev. Ο Τσαϊκόβσκι πίστευε ότι η απόδοση του μπαλέτου θα πρέπει να χτίζεται σύμφωνα με τους νόμους του μουσικού δράματος, να εκφράσει τα πιο σύνθετα συναισθήματα και τις εμπειρίες της ανθρώπινης ψυχής, να εγκρίνει την ανύψωση και την ποίηση των συναισθημάτων.

Στις αρχές του 20ού αιώνα, όταν το θεατρικό θέατρο του δυτικού μπαλέτου παρουσίασε μια περίοδο κρίσης, στη Ρωσία, αντίθετα, η τέχνη του μπαλέτου βιώνει μια δημιουργική άνοδο. Στην Αγία Πετρούπολη και η Μόσχα λειτουργούν με επιτυχία τους λάτρεις του μπαλέτου των θεάτρων Mariinsky και Bolshoy. Στην Αγία Πετρούπολη στο θέατρο Mariinsky, ο χορευτής και ο χορογράφος Mikhail Mikhailovich Fokin (1880-1942) οδηγεί μια δημιουργική αναζήτηση στο είδος ενός μπαλέτου ενιαίας πράξης σε δύο κατευθύνσεις: αναπτύσσει τις αρχές του σχηματισμού μπαλέτου με βάση τη συμφωνική μουσική (" Shopenian "στη μουσική του Φ. Chopin) και ταυτόχρονα αναπτύσσει τη φόρμα που ονομάζεται το ίδιο το παιχνίδι μπαλέτου με αξιόπιστη ερμηνεία των γεγονότων, την εικόνα των συναισθημάτων και των χαρακτήρων των ηρώων, τις σχέσεις τους (" Αιγυπτιακές νύχτες " από το arensky, petrushka αν stravinsky κ.λπ.). Στη Μόσχα, στο Θέατρο Μπολσόι, ο Αλέξανδρος Alekseevich Gorsky (1871-1924) πραγματοποίησε την παραγωγή του. Ήταν η εποχή του σχηματισμού του θεάτρου της Μόσχας, με επικεφαλής τον Κ. S. Stanislavsky και VL. I. Nemirovich-Danchenko. Η αναζήτηση των καινοτόμων της θεατρικής τέχνης μεταφέρθηκε και κατέλαβε τους νέους Γκόσκι. Και στις παραστάσεις τους "Don Quixote" του Υπουργείου Έκτακτων Καταστάσεων, το "Salambo" ενοικίαση και άλλοι, προσπάθησε να μεταφράσει τις αρχές των εξαιρετικών δασκάλων θεάτρου σε μια σκηνή μπαλέτου. Οι παραστάσεις Gorsky διακρίνονταν από την ιστορική ακρίβεια, την ακρίβεια της δραματικής ανάπτυξης, προσεκτικά αναπτυγμένων χαρακτηριστικών των ηθοποιών.

Οι παραστάσεις του μπαλέτου της Φωκίνας έπαιξαν από τέτοιους θαυμάσιους καλλιτέχνες όπως η Άννα Παύλαβα, η Tamara Karsavina, Vaclav Nizhinsky, στην παραγωγή του Gorsky - Ekaterina Gelzer, Mikhail Murdkin, Vasily Tikhomirov και άλλοι.

Μετά τη Μεγάλη Οκτωβική Σοσιαλιστική Επανάσταση, αναπτύχθηκε ένα φωτεινό και διακριτικό φαινόμενο στη Σοβιετική Τέχνη - ένα πολυεθνικό θέατρο μπαλέτου. Αναπτύχθηκε, βασιζόμενος στη ρωσική σχολή κλασικού χορού. Με τη βοήθεια ταλαντούχων πλοιάρχων από τη Μόσχα και τη Λένινγκραντ, κατανοώντας τα επιτεύγματα του ρωσικού σχολείου μπαλέτου, καταφέροντας το ρεπερτόριό της, τα στοιχεία των εθνικών χορογραφικών σκηνών χτίστηκαν σε αυτή τη βάση το αρχικό κτίριο του θεάτρου τους, δημιουργώντας δημιουργικά τα εθνικά χαρακτηριστικά και τις παραδόσεις του τέχνη. Ξεκινώντας από το 20ο έτος. Οι επαγγελματικές χορογραφικές λούτριδες σχηματίζονται σε ολόκληρη τη σοβιετική χώρα. Οι εθνικοί μπαλέτες μπαλέτες εμπλουτίστηκαν αμοιβαία η δημιουργική εμπειρία του άλλου, συμπεριλαμβανομένης της εμπειρίας του ρωσικού μπαλέτου. Μπαλέτες KF Dankevich, Α. Μ. Balanchivadze, Κ. Α. Καραεβαία, Α. Π. Skulte, Σ. Α. Balasanyan, F. Zarullina και άλλοι εθνικοί συνθέτες ήταν ευρέως δημοφιλείς.

Μεταξύ των εξαιρετικών σοβιετικών χορογράφων, οι οποίοι συνέβαλαν στη δημιουργία του σοβιετικού μπαλέτου, - Fyodor Vasilyevich Lopukhov (1886-1973) και Kasyan Yaroslavich Goleyovsky (1892-1970).

Η σοβιετική τέχνη μπαλέτου διακρίνεται από το βάθος και την έννοια του θεματικού περιεχομένου των παραστάσεων. Ανάπτυξη και εμπλουτισμός των παραδόσεων της ρωσικής τέχνης χορού, οι σοβιετικοί δάσκαλοι απευθύνονται κυρίως στις δημιουργίες κλασικής και σύγχρονης λογοτεχνίας - Lope de Vega, Shakespeare, Balzak, Pushkin, Lermontov, Gogol, Dostoevsky, Lion Tolstoy, Chekhov, Kurpan, Green, Bulgakova , Aitmatova .. Τα μεγάλα ιδεολογικά και φιλοσοφικά, ηθικά προβλήματα που καθορίζονται στα καλύτερα έργα παγκόσμιας λογοτεχνίας, οι ηγέτες του σοβιετικού μπαλέτου επιδιώκουν να ενσωματώσουν στη σκηνή με τα μέσα της τέχνης τους. Για παράδειγμα, ο συνθέτης B. V. Asaiev και Balletmister R. V. Zakharov στο Bakhchisarai Fountain Ballet τόνισε την κύρια ιδέα του ποίημα Pushkin Pushkin, ταυτόχρονα, που διαμορφώθηκε από τον V. G. Belinsky: "Ανακατεύθυνση" άγρια \u200b\u200bψυχή μέσα από μια υψηλή αίσθηση αγάπης ". Rostislav Vladimirovich Zakharov (1907-1984) που παρουσιάζεται στη διαμόρφωση του μπαλέτου για να κάνει τη χορού τέχνης στα μέσα εκφράζοντας βαθιές σκέψεις και συναισθήματα που καθορίζονται στο έργο του Pushkin.

Ένα μεγάλο ενδιαφέρον για την επίδειξη της εσωτερικής ζωής ενός ατόμου είναι μια από τις σημαντικές διακριτικές ιδιότητες του Σοβιετικού Θέατρο Μπαλέτου. Και ανεξάρτητα από το είδος του είδους ανήκει στην παράσταση - στο ιστορικό μπαλέτο του λαού ("φλόγα του Παρισιού", συνθέτης Β. Β. Αφύξιος, Balletmaster V. I. Vinonen), ηρωική τραγωδία ("Laurencia", Α. Α. Crane και VM Chabukiani), Φιλοσοφική Ψυχολογική Δράμα (Romeo και Juliet, Ss Prokofiev και Lm Lavrovsky), χορογραφική κωμωδία ("Baryshnya-Barsant Woman", BV Asafiev και R. V. Zakharov; Mirandolina, Sn Vasilenko και Vi Winonen), Balletu Skhay, Ballet Legend ("λουλούδι πέτρα ", SS Prokofiev και Yu. Ν. Γρηγόροβιτς," ICAR ", SM SLONIMSKY και VV Vasilyev), ο συγγραφείς του έλαβε πάντα το κύριο έργο - να υποτάξει πλήρως στον θεατή ενός ατόμου σε όλο τον πλούτο των σκέψεων και των συναισθημάτων του, Δείξτε τα μέσα πλαστικής απεικόνισης, η πορεία να γίνει ο χαρακτήρας του, κερδίζοντας υψηλές ηθικές αρχές.

Η πρώτη προσέγγιση της εικόνας του ήρωα της χορογραφικής απόδοσης τέθηκε στο πρώτο σοβιετικό μπαλέτο - το "Red Mak" R. M. Gliera, παραδοθεί στο θέατρο Bolshoi το 1927, με την 10η επέτειο του Οκτωβρίου. Ekaterina Vasilyevna Gelzer (1876-1962) Δημιουργήθηκε σε μια σκηνή μπαλέτου Η εικόνα ενός σύγχρονου ηρωίνης - κινεζική χορεύτρια Tao Hoa, με έκθεσή της πνευματική αναβίωση υπό την επίδραση των ιδεών του Οκτωβρίου. Αυτές οι ιδέες προσωποποιήθηκαν στους ναυτικούς του μπαλέτου του σοβιετικού πλοίου, μια γενικευμένη ηρωική πτυσσόμενη εικόνα του οποίου ενσωματώνεται σε ένα μεγάλο λαϊκό στοιχείο του χορού "Apple". Έτσι, στο "Red Mak", καθορίστηκε ένα άλλο χαρακτηριστικό του σοβιετικού μπαλέτου - την ερμηνεία του ηρωικού θέματος ως ένα από τα πιο σημαντικά. Αυτό το θέμα ανέπτυξε αργότερα και εμπλουτισμένη σε τέτοια γραπτά όπως ήδη αναφέρθηκε "φλόγα του Παρισιού", "Laurencia" και άλλα. Εργάσουν προσεκτικά τις σκηνοθετικές βαθμολογίες και τις μαζικές σκηνές, και τα σόλο κόμματα με τον ψυχολογισμό τους επέτρεψαν να προσκαλέσουν τη δημιουργική τους ατομικότητα και τους καλλιτέχνες του Το CORPSORETOLE και τα κορυφαία μέρη.

Στα τέλη της δεκαετίας του '60. Οι εργασίες για το ηρωικό θέμα φώναξαν μια νέα ώθηση χάρη στην καινοτόμο δήλωση του Yuri Nikolaevich Grigorovich (R. 1927) του Ballet A. I. Khachaturian "Spartak" στο θέατρο Bolshoi. Μια πολυπλοκοποιημένη και βαθιά κατανόηση της εικονικής ουσίας του χορογράφου του κλασικού χορού βοήθησε να δημιουργήσει έναν μεγαλοπρεπές γραφικό καμβά, όπου τα γεγονότα της αρχαίας ιστορίας της φιλοσοφικά κατανοήθηκαν από την άποψη της σημερινής πραγματικότητας, στις πολύπλοκες υφές των ανθρώπινων σχέσεων, των πράξεων , ισχυροί, σημαντικοί χαρακτήρες, και στις συγκρούσεις και τις συγκρούσεις τους αποκαλύφθηκαν σημαντικά και για τα χρονικά ιδεολογικά και ηθικά προβλήματα.

Ο εμπλουτισμός του θεάτρου μπαλέτου με σύγχρονες ιτονιές, μια σε βάθος εικόνα των χαρακτήρων είναι εγγενής σε όλες τις δημιουργίες του Yu. Ν. Γρηγόροβιτς - παραγωγές κλασικών μπαλέτων Pi Tchaikovsky και Ak Glazunov και σύγχρονες παραστάσεις μπαλέτου ("Romeo και Juliet", " Stone Flower "S. με. Prokofiev," Legend of Love "Α. Δ. Μελεόβα," Angara "Α. Ya. Espaya," Χρυσή Εποχή "στη μουσική του Δ. Δ. Σοστακόβιτς).

Οι σύγχρονες ιτονιές είναι ιδιαιτέρως για την παραγωγή σοβιετικών μπαλέτων ("ελεγκτής", "Vityaz στην Tiger Shkura", "Armadiole του Potemkin"), που υλοποίησε ο Om Vinogradov, ο κύριος Balletmaster της Λένινγκραντης όπερας και του θεάτρου μπαλέτου που ονομάστηκε από το SM Kirov. Ενδιαφέρουσα μπαλέτο Έργα που γεννήθηκαν σε σκηνές και άλλες πόλεις της χώρας μας.

Η θαυμάσια ικανότητα των καλλιτεχνών του σοβιετικού μπαλέτου είναι γνωστός σε όλο τον κόσμο.

Η Ballerina Marina Semenova έδειξε τη δυνατότητα κλασικού χορού στο σύνολό της και της λαμπρότητας. Δημιούργησε εικόνες περήφανων, επαναστατικών ηρωμάτων στο μπαλέτο "Swan Lake" P. I. Tchaikovsky, "Raymond" Α. Κ. Glazunov, "Flame of Paris" B. V. Asafieva.

Η μοναδική τέχνη της Galina Ulanova ενσωματώνει τα καλύτερα χαρακτηριστικά του εγχώριου μπαλέτου - εκφραστικότητα, βάθος, πνευματικότητα, κλασσική τελειότητα. Αξέχαστες εικόνες που δημιουργήθηκε από αυτήν στη σκηνή της Μαρίας ("Bakhchisarai Fountain", Giselle ("Giselle" Α. Αδάνα), Στακελλούλα (Σταχτοπούτα Σ. Σ. Προβητικός), Ιουλιέτα ("Ρωμαίος και Ιουλιέτα" Prokofiev) και άλλοι.

Η τέχνη της Natalia Dudinskaya είναι εγγενής σε ψυχολογικό βάθος και συναισθηματική εκφραστικότητα. Ήταν το πρώτο εκτελεστικό των κυριότερων κομμάτων σε πολλά σοβάδια.

Τα διακριτικά χαρακτηριστικά του ταλέντου της Olga Lepeshinsky ήταν αισιόδοξες, ιδιοσυγκρασία, με μια ειδική δύναμη που εκδηλώνεται στο μπαλέτο "Don Quixote" L. Minkus, "Φλόγα του Παρισιού" Asafieva, "Σταχτοπούτα" Προκοπέ Α και άλλοι.

Η Maya Plisetskaya συνδυάζει στο έργο του τις παραδόσεις του ρωσικού χορογραφικού σχολείου με τις καινοτόμες προσδοκίες του σοβιετικού μπαλέτου. Η δεξιοτεχνική δεξιοτεχνία της μπαλαρίνας συλλαμβάνεται σε πολλά μέρη που εκτελούνται από την σε κλασική και σύγχρονη απόδοση μπαλέτου. Μεταξύ των καλύτερων ρόλων της - Odeth και Odile στο "λίμνη Swan" Tchaikovsky, Carmen στην περιοχή Carmen-site Bizeta - Shchedrin, Άννα Καρέννα με το ίδιο όνομα Ballet R. K. Shchedrin et al.

Πολωνία Μοναδική χάρη και χορό χορό Raisa Polotova. Το καλλιτεχνικό του ταλέντο εκφράστηκε έντονα στους ρόλους της Μαρίας, η Ιουλιέτα, η Σταχτοπούτα, σε ένα εκτεταμένο ρεπερτόριο συναυλιών.

Η εκτελεστική ικανότητα της Irina Kolpakova διακρίνεται από την κλασική εκφραστικότητα, την ομορφιά των μορφών. Η τέχνη της Μαρίνας Condratyeva προσελκύει πνευματικότητα και σε βάθος λυισμό.

Ο μαγευτικός καλλιτέχνης των κομμάτων στα κλασικά μπαλάκια ήταν ο Messer Asaf.

Lyrical αρσενικό χορός σε σοβιετικές τέχνες μπαλέτου βρήκε την πιο ζωντανή υλοποίηση στα έργα του Konstantin Sergeeva, στη βρύση του Bakhchisarai του Asafyev), Romeo ("Romeo και Juliet" Prokofiev) και άλλοι. Έβαλε έναν αριθμό μπαλέτων - Σταχτοπούτα, Προκοπέ "Thunder Thunder" Karaeva ...

Η ηρωική αρχή ήταν εγγενής στην τέχνη της Alexei Ermolaeva (1910-1975), καλλιτέχνης του Filipp ("Flame of Paris"), ο Tibald ("Romeo και Juliet") και άλλοι.

Μία από τις φωτεινότερες μορφές στη σοβιετική τέχνη μπαλέτου ήταν ο Vakhtang Chabukiani. Είναι όλα στα στοιχεία του χορού, εμπνευσμένη ώθηση. Στην παραγωγή του "Καρδιά των βουνών" Α. Μ. Balanchivadze, "Othello" Α. Δ. Μακραβιανιάνης και η ιδιοσυγκρασία των κυριότερων κομμάτων σε αυτούς τους μπαλέτες της Chabukyani ισχυρίστηκαν ότι ο εορτασμός του ηρωικού αρσενικού χορού.

Όταν η Ekaterina Maksimova εκτελεί το ρόλο του Kitrie στο Don Quixote, στον λαμπρό χορό του, εκφράζεται ο χαρακτήρας της ιδιοσυγκρασιακής ισπανικής κοπέλας. Και στο μπαλέτο "Σπάρτακ" Α. Ι. Καχστατούρι, δημιουργεί μια εντελώς διαφορετική εικόνα - απαλή, αφοσιωμένη, και στη συνέχεια σκοτώθηκε από τη θλίψη μιας γυναίκας.

Ο Vladimir Vasiliev συνδέει την ακατανόητη δεξιοτεχνία στο έργο του και τις καλύτερες δεξιότητες δράσης. Το θαρραλέο Σπαρτιάτά του, γενναίο Icar με το ίδιο όνομα S. Μ. Slonimsky, από το οποίο η δραστηριότητα του V. Vasilyeva ξεκίνησε ως Balletmaster.

Η Natalia Immortalov ονομάζεται "Σοβιετική Ρομαντική Μπαλαρίνα" για την εμπνευσμένη εκτέλεση των κομμάτων του κλασικού και σύγχρονου ρεπερτορίου.

Η Nina Timofeyev, Lyudmila Semenyaka, Gabriela Comleva, Mikhail Lavrovsky, Maris Liepa, Nikolai Fadeecheev και πολλοί άλλοι καλλιτέχνες δοσψοποίησαν τη Σοβιετική Σχολή Σοβιετικών Μπαλέτων.

Ο μαθητής της χορογραφικής Σχολής Pemer Nadezhda Pavlova στο δεύτερο διεθνές διαγωνισμό των καλλιτεχνών μπαλέτου στη Μόσχα απονεμήθηκε το υψηλότερο βραβείο. Οι θεατές συναντούν θερμά αυτή τη μπαλαρίνα, η οποία έχει γίνει σολίστ του θεάτρου Bolshoi.

Tajik Ballerina Malik Sabirova (1942-1982) ταλαντούσα ενσωματώνεται στο έργο του το θέμα της αγάπης και της πίστη. Οι καλύτεροι ρόλοι της περιλαμβάνουν παιχνίδια κόμματος στο μπαλέτο Giselle, Don Quixote, Lyyly και Medezhnun.

Στην ηλιακή γεωργία, το ταλέντο της Έλενας Gwaramadze και η πίστη του Cygnadze ανθίζει. Η μπαλαρίνα του Bayshenaliyeva (1926-1973) άφησε ένα σημάδι στην τέχνη του Σοβιετικού Θέατρο Μπαλέτου. Η εκφραστικότητα του χορού ήταν ευχαριστημένος με το κοινό του, η ηθοποιός του μπαλέτου Λάρισα Σακστάνοφ, έγινε τώρα δάσκαλος των νέων δασκάλων του χορού της Buryatia. Οι ουκρανικές χορευτές Elena Potapov και Valentina Kalinovskaya είναι εξέχοντες εκπρόσωποι του σοβιετικού πολυεθνικού μπαλέτου. Ο Uzbek Ballerinas Galia Izmailov και Bernard Kariyev ενσωμάτωσε τους χαρακτήρες των σοβιετικών ανατολικών γυναικών στους χορούς τους. Γνωστά ονόματα των Καλλιτεχνών Ballet Ballet Lydia Ryazhova, Lyudmila Brzhosovskaya, Yuri Trojan, Αζερμπαϊτζάν Ballerina Hamar Almamzade, Αρμενική χορευτής Βίλεν Γαλστάιν και πολλοί άλλοι.

Οι θεατές όλων των ηπείρων ισχύουν με ενθουσιασμό για το σοβιετικό μπαλέτο. Εξαιρετικοί σοβιετικοί καλλιτέχνες και ολόκληρες ομάδες μπαλέτου του θεάτρου Bolshoi της Μόσχας και το μουσικό θέατρο που ονομάστηκε μετά τον Κ. S. Stanislavsky και VL. Ι. Nemirovich-Danchenko, Θέατρο Λένινγκραντ που ονομάστηκε από τον S. M. Kirov, Κίεβο Θέατρο που πήρε μετά τον Τ. G. Shevchenko και άλλα Σοβιετικά Θέατρα περιοδεία με μεγάλη επιτυχία στο εξωτερικό, προκαλώντας πάντα θαυμασμό για την αξεπέραστη τέχνη τους.

Νέες ανεξάρτητες χορογραφικές λουκέτες δημιουργούνται στη χώρα μας - μπαλέτο θέατρο, κλασικό μπαλέτο, μπαλέτο θαλάμων, πλαστικό δράμα. Βοηθά στον εντοπισμό νέων εξημέρωσης και να τους βοηθήσει να έρθουν στην τέχνη.

Το μπαλέτο είναι η τέχνη των πνευματοποιημένων πλαστικών, οι σκέψεις ενσωματώνονται σε κίνηση, ο τρόπος ζωής που εμφανίζεται μέσω χορογραφίας

Η ιστορία του μπαλέτου αρχίζει στην Αναγέννηση (XV-XVI αιώνα) στην Ιταλία. Αυξήθηκε από τις επίσημες επιδόσεις, οι οποίες τέθηκαν στους αριστοκράτες των υπηρέτες τους: μουσικοί και χορευτές στο δικαστήριο. Εκείνη την εποχή, το μπαλέτο ήταν σαν ένας άπειρος νεαρός ηλικίας δεκαοκτώ ετών: αμήχανος, αλλά με φωτιά στα μάτια. Έχει αναπτυχθεί εξαιρετικά γρήγορα. Όπως ο ίδιος νεαρός, ο οποίος τέθηκε για πρώτη φορά στο εργαστήριο και προσαρμόστηκε στον μαθητευόμενο.
Εκείνη την εποχή, ο μόδας μπαλέτου ήταν εντελώς διαφορετικός: οι φορεσιές που αντιστοιχούσαν στο χρόνο, τα πακέτα και τα περόνες απλά δεν υπήρχαν και το κοινό είχε την ευκαιρία να συμμετάσχει σε αυτό.

Η Ekaterina Medici γίνεται μια σημαντική ποσότητα στην ιστορία της ανάπτυξης των μπαλέτου. Από την Ιταλία, φέρνει αυτή την τέχνη στη Γαλλία, κοστούμια Speculi για προσκεκλημένους επισκέπτες. Για παράδειγμα, οι πρεσβευτές από την Πολωνία ήταν σε θέση να δουν μια μεγάλη παραγωγή που ονομάζεται Le Ballet des Polonais.
Πιστεύεται ότι πραγματικά κοντά στο σύγχρονο μπαλέτο ήταν ένα αριστούργημα μπαλέτο Comique de la Reine, ο οποίος κράτησε το κοινό σε τάση άνω των πέντε ωρών. Το βάζετε το 1581.

Ο XVII αιώνας είναι ένα νέο επίπεδο στην ανάπτυξη του μπαλέτου. Διαχωρίζεται από τον απλό χορό, μετατράπηκε σε μια ανεξάρτητη τέχνη που υποστήριξε με πάθος τον Louis XIV. Για αυτόν, ο Mazarini εκφορτώθηκε ο χορογράφος από την Ιταλία, ο οποίος έβαλε μπαλέτες με τη συμμετοχή του βασιλιά.
Το 1661, ο Louis δημιούργησε την πρώτη ακαδημία του χορού, στην οποία διδάχθηκε η τέχνη του μπαλέτου. Ο πρώτος χορογράφος Louis XIV, κ. Lully, πήρε το αερόστατο του διοικητικού συμβουλίου του πρώτου σχολείου μπαλέτου στα χέρια τους. Υπό την ηγεσία του, η Ακαδημία Χορδών βελτιώθηκε και ζήτησε από τον τόνο σε ολόκληρο τον κόσμο του μπαλέτου. Έκανε ό, τι είναι δυνατόν για να μετατρέψει το μπαλέτο από μια νεαρή και άπειρη junc με φωτιά στα μάτια του, στο κράτος όμορφος, που ξέρει και σέβεται παντού. Το 1672, η Ακαδημία Χορού ιδρύθηκε με την υποστήριξή του, η οποία μέχρι σήμερα είναι γνωστή σε ολόκληρο τον κόσμο ως μπαλέτο της Όπερας του Παρισιού. Ένας άλλος χορογράφος δικαστηρίου Louis XIV, Pierre Boshan, οδήγησε να εργαστεί για τη χορού ορολογία.
Το 1681 έγινε ένα άλλο σημαντικό έτος στην ιστορία του μπαλέτου. Για πρώτη φορά στη διαμόρφωση των κοριτσιών του κ. Lully. 4 ομορφιές έσπασαν στον κόσμο του χορού και άνοιξε το υπόλοιπο υπόλοιπο. Από αυτή την αξέχαστη στιγμή στο μπαλέτο άρχισε να χρησιμοποιεί και τα δύο κορίτσια.

Τον αιώνα, το μπαλέτο XVIII συνέχισε να κατακτά τις καρδιές των εραστών του κομψού χορού παγκοσμίως. Ένας τεράστιος αριθμός παραγωγών, νέες μορφές έκφρασης τους στη σκηνή τους, η φήμη απέχει ήδη από τους στενούς κύκλους του δικαστηρίου. Ήρθε η τέχνη του μπαλέτου και στη Ρωσία.
Το 1783, η Catherine δημιουργεί δεύτερον το αυτοκρατορικό θέατρο όπερας και μπαλέτου στην Αγία Πετρούπολη και το μεγάλο πέτρινο θέατρο στη Μόσχα, ένα αυτοκρατορικό σχολείο μπαλέτου μπαλέτου άνοιξε στην Αγία Πετρούπολη.
Όσο πιο κοντά ήταν τα μέσα του αιώνα, τόσο πιο φωτεινά η τέχνη του μπαλέτου έγινε. Η Ευρώπη συναρπάστηκε από αυτά, οι περισσότερες υψηλόβαθμοι ειδικές προσφορές ενδιαφέρονται για το μπαλέτο. Τα σχολεία μπαλέτου άνοιξαν παντού. Ο μόδας μπαλέτου αναπτύχθηκε. Τα κορίτσια αφαιρέθηκαν τις μάσκες από τον εαυτό τους, τα στυλ έχουν αλλάξει. Τώρα οι χορευτές εφαρμόστηκαν σε ελαφριά ρούχα που τους επέτρεψαν να εκπληρώσουν το PA αδύνατο πριν από εκείνη την εποχή.

Στην αρχή του 19 αιώνα, η θεωρία των μπαλέτου αναπτύσσεται ενεργά. Το 1820, ο Carlo Blazis γράφει "στοιχειώδης πραγματεία στη θεωρία και την πρακτική της τέχνης του χορού". Ξεκινά τη μετάβαση από την ποσότητα στην ποιότητα, όλο και περισσότερη προσοχή δίνεται στις λεπτομέρειες.
Και το σημαντικότερο, που φέρνει την αρχή του αιώνα XIX με το μπαλέτο - αυτά χορεύουν στις άκρες των δακτύλων. Η καινοτομία θεωρήθηκε στην "βιασύνη" και πήρε από την πλειοψηφία των χορογράφων.
Σε γενικές γραμμές, αυτά τα εκατό χρόνια έδωσαν πάρα πολύ και πολλές τέχνες μπαλέτου. Το μπαλέτο μετατράπηκε σε έναν ασυνήθιστα ελαφρύ και χορό αέρα παρόμοιο με τον άνεμο του καλοκαιριού, το οποίο προέρχεται από τις ακτίνες του ανερχόμενου ήλιου. Η θεωρία και η πρακτική μετακόμισε το χέρι στο χέρι: Δημοσιεύθηκαν πολλά επιστημονικά έργα, τα οποία εξακολουθούν να χρησιμοποιούνται κατά τη διδασκαλία του μπαλέτου.

Ο εικοστός αιώνας πέρασε κάτω από το σημάδι του ρωσικού μπαλέτου. Στην Ευρώπη και την Αμερική, στις αρχές του αιώνα, το ενδιαφέρον για το μπαλέτο ξεθωριάστηκε, αλλά μετά την άφιξη των πλοιάρχων από τη Ρωσία, ξέσπασε πάλι η αγάπη της τέχνης του μπαλέτου. Οι Ρώσοι ηθοποιοί οργανώθηκαν μακρά περιοδεία, δίνοντας την ευκαιρία να απολαύσουν όλοι να απολαύσουν την ικανότητά τους.
Η επανάσταση του 1917 δεν μπορούσε να αποτρέψει την ανάπτυξη του μπαλέτου. Με την ευκαιρία, το συνηθισμένο πακέτο μπαλέτου εμφανίστηκε περίπου την ίδια ώρα και οι παραγωγές έγιναν βαθύτερες.
Τον 20ο αιώνα, το μπαλέτο είναι τέχνη όχι μόνο για αριστοκράτες και ευγενείς κατοικίες. Το μπαλέτο γίνεται ιδιοκτησία του κοινού.

Στην εποχή μας, το μπαλέτο παραμένει η ίδια μαγική τέχνη στην οποία με τη βοήθεια του χορού μπορεί να πει για όλα τα ανθρώπινα συναισθήματα. Συνεχίζει να αναπτύσσεται και να αναπτύσσεται, αλλάζει μαζί με τον κόσμο και χωρίς να χάσει τη συνάφεια του.

Το μπαλέτο είναι ένας τύπος τέχνης στο οποίο η πρόθεση του δημιουργού ενσωματώνεται με τα μέσα χορογραφίας. Η απόδοση του μπαλέτου έχει οικόπεδο, θέμα, ιδέα, δραματουργική γέμιση, libretto. Μόνο σε σπάνιες περιπτώσεις υπάρχουν εκσκαφές μπαλέτες. Στο υπόλοιπο χορογραφικό μέσο, \u200b\u200bοι χορευτές πρέπει να περάσουν τις αισθήσεις των χαρακτήρων, το οικόπεδο, τη δράση.

Ο χορευτής μπαλέτου είναι ηθοποιός, με τη βοήθεια του χορού, να μεταδώσει τη σχέση των ηρώων, την επικοινωνία τους μεταξύ τους, την ουσία του τι συμβαίνει στη σκηνή.

Από το "Giselle" στο "Σπάρτακ". Μπαλέτες που πρέπει να προβληθούν.

"Giselle"

Ιστορία: Η πρεμιέρα του μπαλέτου πραγματοποιήθηκε στις 28 Ιουνίου 1841 στο Παρίσι. Το ρωσικό κοινό είδε την παραγωγή στους τοίχους του θεάτρου Bolshoi μόνο δύο χρόνια αργότερα. Από τότε, το "Giselle" δεν έχει αφήσει ποτέ τη ρωσική σκηνή για μεγάλο χρονικό διάστημα. Στην εικόνα της κύριας ηρωίδας, οι πρώτοι χορευτές μεγέθους έλαμψαν: Pavlova, Spesivsev, Ulanova, Immortalova, Maksimova, κλπ.

Το οικόπεδο: η ιστορία της πρώτης αγάπης και της σκληρής προδοσίας. Digid στον αγροτικό Nobleman Albert Seduces οτιδήποτε υποψιάζεται από ένα ρουστίκ κορίτσι. Αλλά η εξαπάτηση αποκαλύπτεται γρήγορα. Όταν ο Giselle μαθαίνει ότι ο αγαπημένος έχει ήδη μια νύφη από το υψηλότερο φως, τρελαίνεται και πεθαίνει.
Τη νύχτα, ο Άλμπερτ έρχεται στον τάφο του κοριτσιού, όπου σχεδόν πεθαίνει από τα χέρια του Willis - νύφες, νεκρός πριν από το γάμο. Σώζει τον νεαρό άνδρα με ακρίβεια giselle.

"Λίμνη των κύκνων"

Ιστορία: Μπαλέτο στη μουσική του Peter ilyich Tchaikovsky αγαπούσε το κοινό μακριά από αμέσως. Το ντεμπούτο τελείωσε με πλήρη αποτυχία. Το κοινό εκτιμήθηκε από τη λίμνη Swan μόνο μετά την επεξεργασία της αρχικής της χορογραφίας από τους Balletmusers, Lvi-Ivanov και Marius Petipa. Η νέα έκδοση έδειξε το κοινό το 1895, στη σκηνή του θεάτρου Mariinsky. Στους σοβιετικούς χρόνους, η "Swan Lake" ήταν η επαγγελματική κάρτα της χώρας. Το μπαλέτο αποδείχθηκε σε όλους τους υψηλόβαθμους επισκέπτες που επισκέφτηκαν τη Μόσχα.

Το οικόπεδο: η ρύθμιση βασίζεται στον θρύλο για την πριγκίπισσα, η οποία γύρισε τον κακό μάγο του Rothbart στο κύκνο. Αποθηκεύστε το κορίτσι μπορεί κανείς να την αγαπά ειλικρινά και να δώσει έναν όρκο πίστη. Ο πρίγκιπα Siegfried δίνει μια τέτοια υπόσχεση, αλλά τον παραβιάζει κατά τη διάρκεια της μπάλας, όταν εμφανίζεται εξειδικευμένο σε αυτό, όπως δύο σταγόνες νερού παρόμοιο με την οδό. Για ένα κορίτσι κύκνου, σημαίνει μόνο ένα πράγμα - δεν θα μπορέσει ποτέ να επιστρέψει στην παλιά της ζωή.

"ΡΩΜΑΙΟΣ ΚΑΙ ΙΟΥΛΙΕΤΑ"

Ιστορία: Η μουσική στο παγκοσμίου φήμης μπαλέτου γράφτηκε από τον Sergey Prokofiev πίσω το 1935, αλλά ο θεατής είδε μετά από τρία χρόνια, και όχι στη Μόσχα ή στη Λένινγκραντ, αλλά στην Τσεχική Δημοκρατία, στην πόλη Brno. Στη Σοβιετική Ένωση, η τραγωδία του Σαίξπηρ έδειξε μόνο το 1940. Ο κύριος ρόλος στη συνέχεια έλαβε το θρυλικό Ulanov. Με την ευκαιρία, ο χορευτής (όπως πολλοί άλλοι) δεν κατάλαβε τη μουσική του Maestro. Μετά την πρεμιέρα, έδειξε ένα ευχάριστο τοστ: "Δεν υπάρχει ιστορία Sadder στον κόσμο από τη μουσική του Prokofiev στο μπαλέτο."

Το οικόπεδο: το μπαλέτο εντελώς και εντελώς συμπίπτει με την ερμηνεία του Σαίξπηρ - εραστές από τις πολεμικές οικογένειες μυστικά από συγγενείς στέφονται, αλλά πεθαίνουν σε ένα τραγικό ατύχημα.

"Bayaderka"

Ιστορία: "Bayaderka" - ένα από τα πιο διάσημα μπαλέτα της ρωσικής αυτοκρατορικής σκηνής. Για πρώτη φορά, η παραγωγή υποβλήθηκε στο ευρύ κοινό το 1877, στο στάδιο του θεάτρου της Αγίας Πετρούπολης Μπολσόι. Και το 1904, ο Balletmaster Alexander Gorsky το μετακόμισε στην πρωτεύουσα. Τη στιγμή που το "Bayaderka" υποβλήθηκε σε πολυάριθμες αλλαγές, μόνο η σκηνή "σκιές" παρέμεινε αμετάβλητη στην απόδοση του Σώματος. Θεωρείται σωστά να είναι μια πραγματική διακόσμηση ολόκληρης της διαμόρφωσης και το παρόν επίτευγμα του Balletmaster Petipa.

Το οικόπεδο: Η αγάπη αναβοσβήνει την αγάπη της Νίκας μεταξύ της Σωλής και του Μπαγιαντέρκα (χορευτής). Ωστόσο, το κορίτσι του αρέσει όχι μόνο ο επιλεγμένος, αλλά και ο μεγάλος Brahmin που έλαβε την εγκατάλειψη της ομορφιάς, αποφασίζει να την εκδικηθεί. Ο Raja Dugmante θέλει επίσης το θάνατο του Bayaderki, επειδή ονειρεύεται να άρει την κόρη του για ένα σόλο. Ως αποτέλεσμα της συνωμοσίας, η κοπέλα πεθαίνει από το δάγκωμα ενός φιδιού, τον οποίο τους εχθρούς κρύβουν σε ένα μπουκέτο.
Το ισχυρότερο μέρος του "Bayaders" είναι η σκηνή "σκιές". Όταν ο σολιστήρας κοιμάται, βλέπει μια απίστευτη εικόνα: ο χορός των σκιών των νεκρών ψυχών κατεβαίνει τη μακρά σειρά του φαραγγιού μεταξύ των Ιμαλαΐων, μεταξύ των οποίων υπάρχει η Νίκια, η οποία τον καλεί στον εαυτό του.

"Σπάρτα"

Ιστορία: Η πρεμιέρα του μπαλέτου πραγματοποιήθηκε στις 27 Δεκεμβρίου 1956 στην Αγία Πετρούπολη και το 1958 - στη Μόσχα. Ίσως οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες των κύριων αρσενικών κομμάτων στη σοβιετική περίοδο μπορούν να ονομαστούν Βλαντιμίρ Βασιλέβα και Μάρισσα Liepow. Η βάση για το σενάριο ήταν διάφορα ιστορικά υλικά και μυθοπλασία.

Το οικόπεδο: Σε αυτό το μπαλέτο, η γραμμή αγάπης πηγαίνει στο παρασκήνιο στο φόντο της αντιπολίτευσης των δύο κύριων ήρωων του Σπάρτακου και της Κράσας.
Ο Σπαρτιάκης σηκώνει την εξέγερση μεταξύ των μονομάχων, κατάφερε να κερδίσει, αλλά ο Crassus δεν θέλει να εγκαταλείψει και να ξεκινήσει μια νέα εκστρατεία εναντίον του εχθρού του. Αυτή τη φορά τύχη στο πλευρό του. Ο Σπάρττας χτυπάει στο τελευταίο, αλλά πεθαίνει σε μια άνιση μάχη: οι περισσότεροι από τους συμμάχους του απλώς αγωνίστηκαν και αρνήθηκαν να πολεμήσουν τον αντίπαλο.

Υποβλήθηκε από τον Copypaster στις Τετ, 08/15/2007 - 01:11

Το μπαλέτο - η τέχνη είναι αρκετά νέος. Είναι λίγο περισσότερο από τετρακόσια χρόνια, αν και ο χορός διακοσμεί τη ζωή ενός ατόμου από την αρχαιότητα.

Το μπαλέτο γεννήθηκε στη βόρεια Ιταλία στην εποχή της Αναγέννησης. Οι ιταλοί πρίγκιπες αγάπησαν τις πλούσιες εκδηλώσεις του παλατιού στις οποίες ο χορός κατέλαβε ένα σημαντικό μέρος. Οι αγροτικοί χοροί δεν ταιριάζουν στις κυρίες και τους ιππείς του δικαστηρίου. Τα ρούχα τους, όπως οι αίθουσες, όπου χόρευαν, δεν επέτρεψαν ένα μη λογοτύπητο κίνημα. Ειδικοί δάσκαλοι - Χορευτικοί ταυτές - προσπάθησαν να φέρουν εντολή στους χορούς δικαστηρίου. Πρόβευζαν εκ των προτέρων με ευγενείς, ξεχωριστές μορφές και κινήσεις χορού και οδήγησαν τις ομάδες του χορού. Σταδιακά, ο χορός έγινε όλο και περισσότερο θεατρικός.

Ο όρος "μπαλέτο" εμφανίστηκε στο τέλος του XVI αιώνα (από την ιταλική Balletto - να χορέψει). Αλλά εννοούσε τότε όχι μια παράσταση, αλλά μόνο ένα επεισόδιο χορού που μεταδίδει μια ορισμένη διάθεση. Τέτοιες "μπαλέτες" συνήθως αποτελούσαν από μικρές "εξόδους" χαρακτήρων - πιο συχνά οι ήρωες των ελληνικών μύθων. Μετά από αυτές τις "εξόδους" ξεκίνησαν τον συνολικό χορό - "μεγάλο μπαλέτο".

Η πρώτη παρουσίαση απόδοσης μπαλέτου ήταν το "μπαλέτο κωμωδίας της βασίλισσας", που παραδίδεται το 1581 στη Γαλλία από τον ιταλικό Balt Maker Baltazarini di Belajozo. Ήταν στη Γαλλία ότι το μπαλέτο αναπτύχθηκε περαιτέρω. Αρχικά, αυτά ήταν οι μπαλέτες, και στη συνέχεια πομπώδη μελοδρασθηματικά μπαλέτα για ιππότη και φανταστικά οικόπεδα, όπου τα επεισόδια χορού αντικαταστάθηκαν από φωνή Arias και την απόκλιση των ποιημάτων. Μην εκπλαγείτε, εκείνη τη στιγμή το μπαλέτο δεν ήταν μόνο ένα χορευτικό παιχνίδι.

Στη βασιλεία των παραστάσεων Louis XIV του μπαλέτου του δικαστηρίου πέτυχε ειδική λαμπρότητα. Ο Louis αγαπούσε τον εαυτό του να συμμετάσχει σε μπαλέτα και το διάσημο ψευδώνυμό του "βασιλιάς ήλιος" έλαβε μετά το ρόλο του ήλιου στο "νυχτερινό μπαλέτο".

Το 1661 δημιούργησε τη Βασιλική Ακαδημία Μουσικής και Χορού, η οποία περιλαμβάνει 13 κορυφαίους παράγοντες χορού. Το καθήκον τους ήταν η διατήρηση των παραδόσεων χορού. Διευθυντής της Ακαδημίας, ο βασιλικός δάσκαλος χορού Pierre Boshan, καθόριζε τις πέντε βασικές θέσεις του κλασικού χορού.

Σύντομα η όπερα του Παρισιού άνοιξε, ο Balletmaster του οποίου διορίστηκε το ίδιο Boshan. Κάτω από την αρχή του, σχηματίστηκε ένας θύλακας μπαλέτου. Αρχικά, υπήρχαν μερικοί άνδρες στη σύνθεσή της. Οι γυναίκες στη σκηνή της όπερας του Παρισιού εμφανίστηκαν μόνο το 1681.

Το θέατρο τέθηκε από τις όπερες-μπαλέτες του συνθέτη Lully και των μπαλέτων κωμωδίας του θεατρικού συγγραφέα Moliere. Αρχικά, οι ευγνώσεις ήταν αρχικά και οι παραστάσεις δεν ήταν σχεδόν καμία διαφορά από τις απόψεις του παλατιού. Τα ήδη αναφερόμενα αργά άξονες, Gavoto και Pavanians χόρεψαν. Οι μάσκες, τα βαριά φορέματα και τα ψηλά τακούνια εμπόδισαν τις γυναίκες να εκτελούν πολύπλοκες κινήσεις. Ως εκ τούτου, οι χοροί των ανδρών διαφέρουν με μεγαλύτερη χάρη και χάρη.

Με τη μέση του XVIII αιώνα, το μπαλέτο κέρδισε μεγάλη δημοτικότητα στην Ευρώπη. Όλες οι αριστοκρατικές αυλές της Ευρώπης προσπάθησαν να μιμηθούν την πολυτέλεια του Γαλλικού Βασιλικού Δικαστηρίου. Τα θέατρα της όπερας άνοιξαν στις πόλεις. Πολλοί χορευτές και δάσκαλοι χορού βρήκαν εύκολα μια δουλειά.

Σύντομα, υπό την επίδραση της μόδας, η κοστούμι μπαλέτου των γυναικών έγινε πολύ πιο εύκολη και πιο ελεύθερη, οι γραμμές του σώματος υποτίθεται κάτω από αυτό. Οι χορευτές εγκατέλειψαν τα παπούτσια στη φτέρνα, αντικαθιστώντας το στα ανοιχτά ελεύθερα παπούτσια. Το κοστούμι ενός άνδρα είναι λιγότερο ογκώδες και ένα κοστούμι ενός ανθρώπου: παντελονιά για να αγγίξουν τα γόνατα και τις κάλτσες που επιτρέπονται να δουν τη φιγούρα του χορευτή.

Κάθε καινοτομία έκανε τους χοροί ουσιαστικά, και η τεχνική χορού είναι υψηλότερη. Σταδιακά, το μπαλέτο διαχωρίζεται από την όπερα και μετατράπηκε σε ανεξάρτητη τέχνη.

Αν και η γαλλική σχολή μπαλέτου ήταν διάσημη για τη χάρη και την πλαστικότητα, χαρακτηρίστηκε από κάποια ψυχρότητα, διατύπωση απόδοσης. Ως εκ τούτου, οι μπαλέτες και οι καλλιτέχνες αναζητούσαν άλλα εκφραστικά μέσα.

Στο τέλος του XVIII αιώνα, μια νέα κατεύθυνση γεννήθηκε στην τέχνη - ρομαντισμός, η οποία είχε ισχυρότερη επιρροή στο μπαλέτο. Στον ρομαντικό χορευτής μπαλέτου σταμάτησε στα σημεία. Η Maria Taloni έγινε για πρώτη φορά, άλλαξε εντελώς τις προηγούμενες ιδέες για το μπαλέτο. Στο μπαλέτο "Silfide", εμφανίστηκε σε μια εύθραυστη ύπαρξη από τον άλλο κόσμο. Η επιτυχία ήταν εκπληκτική.

Αυτή τη στιγμή, εμφανίστηκαν πολλά υπέροχα μπαλέτα, αλλά, δυστυχώς, το ρομαντικό μπαλέτο έγινε η τελευταία περίοδος της ακμή του χορού στη Δύση. Από το δεύτερο μισό του μπαλέτου του XIX αιώνα, χάνοντας την πρώην σημασία της, μετατράπηκε σε ένα παράρτημα στην όπερα. Μόνο στη δεκαετία του '30 του αιώνα XX, υπό την επήρεια του ρωσικού μπαλέτου ξεκίνησε την αναβίωση αυτού του τύπου τέχνης στην Ευρώπη.

Στη Ρωσία, η πρώτη παράσταση μπαλέτου είναι "μπαλέτο για το orfee και το evridik" - δημοσιεύτηκε στις 8 Φεβρουαρίου 1673 στο Δικαστήριο του Τσάρου Αλεξέι Mikhailovich. Οι τελετουργικοί και αργούς χορούς αποτελούνταν από την αλλαγή κομψών θέσεων, τόξα και κινείται εναλλασσόμενες με τραγούδι και ομιλία. Δεν παίζει σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη του γραφικού χορού. Ήταν μόνο μια άλλη βασιλική "διασκέδαση", προσέλκυσε η ασυνήθιστη και καινοτομία του.

Μόνο ένα τέταρτο ενός αιώνα, χάρη στις μεταρρυθμίσεις του Πέτρου Ι, η μουσική και ο χορός εισήλθαν στη ζωή της ρωσικής κοινωνίας. Στα ευγενή εκπαιδευτικά ιδρύματα εισήγαγε υποχρεωτική εκπαίδευση χορού. Στην αυλή, οι μουσικοί, οι καλλιτέχνες της όπερας και οι λουκές μπαλέτου άρχισαν να εκτελούν από το εξωτερικό.

Το 1738, το πρώτο σχολείο μπαλέτου άνοιξε στη Ρωσία και μετά από τρία χρόνια 12 αγόρια και 12 κορίτσια από το παλάτι Cheely έγιναν οι πρώτοι επαγγελματίες χορευτές στη Ρωσία. Αρχικά, εκτελούσαν στους πλοίαρχους του μπαλέτου των ξένων δασκάλων ως άτομο που εμπλέκεται (που ονομάζεται έτσι καλλιτέχνες των δικαστηρίων), και αργότερα στα κύρια μέρη. Ο υπέροχος χορευτής της εποχής του Timofey Bubliks όχι μόνο στην Αγία Πετρούπολη, αλλά και στη Βιέννη.

Στην αρχή του αιώνα XIX, η ρωσική τέχνη μπαλέτου έχει φτάσει στη δημιουργική ωριμότητα. Οι Ρώσοι χορευτές συνέβαλαν στην εκφραστικότητα και την πνευματικότητα στο χορό. Πολύ ακριβώς αυτό το συναίσθημα, Α. S. Pushkin κάλεσε τον χορό του σύγχρονου του Avdoti, η ιστορική "ψυχή εκπλήρωσε".

Μπαλέτο Αυτή τη στιγμή πήρε μια προνομιακή θέση μεταξύ άλλων ειδών θεατρικής τέχνης. Οι αρχές έδωσαν μεγάλη προσοχή σε αυτόν, παρείχε κρατικές επιδοτήσεις. Η Μόσχα και η Αγία Πετρούπολη μπαλέτου που εκτελούνται σε καλά εξοπλισμένα θέατρα και οι απόφοιτοι θεατρικών σχολείων αναπλήρωσαν ετησίως την κατάσταση των χορευτών, μουσικών και διακοσμητών.

Άρθρος Άγιος-Λεόν

Στην ιστορία του θεάτρου μπαλέτου μας, τα ονόματα των ξένων δασκάλων συχνά συναντιούνται, που διαδραμάτισαν σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη του ρωσικού μπαλέτου. Πρώτα απ 'όλα, αυτό είναι ο Charles Didlo, Arthur Saint-Leon και ο Marius Petipa. Βοήθησαν να δημιουργήσουν ένα ρωσικό σχολείο μπαλέτου. Αλλά οι ταλαντούχοι ρώσοι καλλιτέχνες έδωσαν την ευκαιρία να αποκαλύψουν στα ταλέντα των δασκάλων τους. Πάντα προσέλκυσε τη Μόσχα και την Πετρούπολη των μεγαλύτερων χορογράφων στην Ευρώπη. Πουθενά στον κόσμο δεν μπορούσαν να συναντήσουν ένα τόσο μεγάλο, ταλαντούχο και καλά εκπαιδευμένο συγκρότημα, όπως στη Ρωσία.

Στη μέση του 19 αιώνα, ο ρεαλισμός ήρθε στη ρωσική λογοτεχνία και την τέχνη. Μπαλέτες πυρετωδώς, αλλά δεν προσπάθησε να δημιουργήσει ρεαλιστικές παραστάσεις. Δεν έλαβαν υπόψη ότι το μπαλέτο - η τέχνη του υπό όρους και ο ρεαλισμός στο μπαλέτο είναι σημαντικά διαφορετικός από τον ρεαλισμό στη ζωγραφική και τη λογοτεχνία. Ξεκίνησε την κρίση της τέχνης του μπαλέτου.

Το νέο στάδιο στην ιστορία του ρωσικού μπαλέτου άρχισε όταν ο μεγάλος Ρώσος συνθέτης Π. Τσαϊκόφσκι δημιούργησε για πρώτη φορά μουσική για μπαλέτο. Ήταν η λίμνη Swan. Πριν από αυτό, δεν ήταν σοβαροί για τη μουσική μπαλέτου. Θεωρήθηκε η χαμηλότερη άποψη της μουσικής δημιουργικότητας, απλώς μια συνοδεία για το χορό.

Χάρη στο Tchaikovsky, η μουσική μπαλέτου έχει γίνει σοβαρή τέχνη μαζί με την όπερα και τη συμφωνική μουσική. Προηγουμένως, η μουσική εξαρτιόταν εντελώς από το χορό, τώρα ο χορός έπρεπε να υπακούσει στη μουσική. Υποστήριξε νέα μέσα εκφραστικότητας και μια νέα προσέγγιση για τη δημιουργία μιας παράστασης.

Η περαιτέρω ανάπτυξη του ρωσικού μπαλέτου συνδέεται με το όνομα του Balletmaster της Μόσχας Α. Gorsky, ο οποίος, αρνήοντας τα παρωχημένα γεύματα της παντομίωσης, που χρησιμοποιούνται σε μια απόδοση μπαλέτου τεχνικών σύγχρονου διευθυντή. Τοποθετώντας μεγάλη σημασία στον εικονογραφικό σχεδιασμό της απόδοσης, προσέλκυσε το έργο των καλύτερων καλλιτεχνών.

Αλλά ο αυθεντικός αναμορφωτής της τέχνης του μπαλέτου είναι ο Mikhail Fokin, ο οποίος ανέβαινε κατά της παραδοσιακής κατασκευής μιας απόδοσης μπαλέτου. Υποστήριξε ότι το θέμα της απόδοσης, της μουσικής του, της εποχής, στην οποία λαμβάνει χώρα η δράση, απαιτεί άλλες κινήσεις χορού, ένα άλλο σχέδιο του χορού. Κατά τη ρύθμιση του μπαλέτου "Nights της Αιγύπτου" Η Φωκίνα ενέπνευσε την ποίηση V. Brysov και τα αρχαία αιγυπτιακά σχέδια και τις εικόνες του μπαλέτου "Petrushka" τον ανακάλεσε ποίηση Α. Blok. Στο μπαλέτο "Daphnis και Chloe", αρνήθηκε να χορεύει σε δείκτες και σε ελεύθερες, πλαστικές κινήσεις αναβίωσε τις τοιχογραφίες αντίκες. Το "Shopenian" του αναβίωσε την ατμόσφαιρα του ρομαντικού μπαλέτου. Ο Φοκίν έγραψε ότι "ονειρεύεται να δημιουργήσει μπαλέτο-διασκέδαση δράμα μπαλέτου, από χορό - μια σαφή γλώσσα, μιλώντας". Και πέτυχε.

Άννα Παβλοβάβα

Το 1908, οι ετήσιες παραστάσεις των ρωσικών καλλιτεχνών μπαλέτου στο Παρίσι, που διοργανώνονται από θεατρικό σχήμα Σ. Π. Dyagilev. Τα ονόματα των χορευτών από τη Ρωσία - Vaclav Nizhinsky, Tamara Karsavina, Adolf Οι περισσότεροι - έγιναν γνωστοί σε όλο τον κόσμο. Αλλά η πρώτη σε αυτή τη σειρά είναι το όνομα της ασύγκριτης Άννα Παβλοσαβού.

Pavlova - Lyrical, εύθραυστη, με επιμήκεις γραμμές σώματος, τεράστια μάτια - προκάλεσε χάραξη με την εικόνα των ρομαντικών μπαλαρίνων. Οι ηρωίδες της μεταφέρθηκαν σε ένα καθαρά ρωσικό όνειρο της αρμονικής, πνευματισμένης ζωής ή λαχτάρα και θλίψη για την ανεκπλήρωτη. Ο "πεθαμένος κύκνος" που δημιουργήθηκε από τη μεγάλη μπαλαρίνα Pavlova είναι ένα ποιητικό σύμβολο του ρωσικού μπαλέτου στις αρχές του 20ού αιώνα.

Στη συνέχεια, υπό την επίδραση της ικανότητας των ρωσικών καλλιτεχνών, μια δεύτερη αναπνοή του δυτικού μπαλέτου ανακινήθηκε και κέρδισε.

Μετά την επανάσταση του Οκτωβρίου του 1917, πολλά στοιχεία θεάτρου πάνελ έφυγαν από τη Ρωσία, αλλά παρά αυτό, το ρωσικό σχολείο μπαλέτου επέζησε. Το κίνημα της Πάφου σε μια νέα ζωή, επαναστατικά θέματα και η κύρια έκθεση ενός δημιουργικού πειράματος εμπνευσμένων δασκάλων μπαλέτου. Μπροστά από αυτά υπήρξε μια πρόκληση: να φέρει τη χορογραφική τέχνη στους ανθρώπους, να το κάνει πιο ζωτικό και προσιτό.

Έτσι, το είδος του δραματικού μπαλέτου εμφανίστηκε. Αυτές ήταν εμφανίσεις, συνήθως με βάση τα οικόπεδα των γνωστών λογοτεχνικών έργων, τα οποία χτίστηκαν σύμφωνα με τους νόμους μιας δραματικής απόδοσης. Το περιεχόμενο σε αυτά εκφράστηκε από την παντομίμα και τον οπτικό χορό. Στα μέσα του 20ου αιώνα, το δραματικό μπαλέτο ανησυχούσε μια κρίση. Οι μπαλέτο έγιναν προσπάθειες για τη διατήρηση αυτού του είδους μπαλέτου, ενισχύοντας το θέαμα των επιδόσεων με τη βοήθεια των επιδράσεων σταδίου, αλλά, δυστυχώς, μάταια.

Στα τέλη της δεκαετίας του 1950, ήρθε ένα κάταγμα. Οι χορογράφοι και οι χορευτές νέας γενιάς αναβίωσε τα ξεχασμένα είδη - ένα μπαλέτο μιας πράξης, τη συμφωνία μπαλέτου, τη χορογραφική μινιατούρα. Και από τη δεκαετία του 1970, οι ανεξάρτητες λουκές μπαλέτου προκύπτουν ανεξάρτητα από τα θέατρα της όπερας-μπαλέτου. Ο αριθμός τους αυξάνεται συνεχώς, μεταξύ τους υπάρχουν στούντιο ελεύθερου χορού και χορού μοντέρνα.