Δημοσιεύσεις του τμήματος των μουσείων

Naive Art Ταξιδιωτικός Οδηγός

Η τέχνη ή η τέχνη των μη επαγγελματίες καλλιτέχνες σπάνια εισέρχονται στην προσοχή των γκαλερίζων και των κριτικών της τέχνης. Ωστόσο, τα έργα του Naist, απλά και ανοιχτά, μπορεί να είναι λιγότερο δραματικά και ακόμη και καλλιτεχνικά σημαντικά από τον καμβά αναγνωρισμένων πλοιάρχων. Για το τι αφελές τέχνης και γιατί είναι ενδιαφέρον να τον ακολουθήσουμε, - στο υλικό της πύλης "culture.rf".

Naive σημαίνει απλό

Αλέξανδρος Emelyanov. Αυτοπροσωπογραφία. 2000s. Ιδιωτική συναρμολόγηση

Vladimir Melikhov. Διακλάδωση. 1989. ΙΔΙΩΤΙΚΗ ΣΥΝΑΡΜΟΛΟΓΗΣΗ

Η αφελής τέχνη είναι το έργο των καλλιτεχνών χωρίς την επαγγελματική εκπαίδευση, τα οποία είναι συστηματικά και συνεχώς ασχολούνται με τη ζωγραφική. Στο ίδιο το NAW, μπορούν να διακριθούν χωριστές κατευθύνσεις, για παράδειγμα, AR Brut ή Outsider-Art - την τέχνη των καλλιτεχνών με ψυχιατρική διάγνωση.

Μια πολύ σημαντική ερώτηση για τους ιστορικούς τέχνης - πώς να διακρίνει τον Naist από τον ερασιτεχνικό. Τα κριτήρια αξιολόγησης της δημιουργικότητας τέτοιων καλλιτεχνών συνήθως χρησιμεύουν ως η πρωτοτυπία και η ποιότητα της εργασίας τους. Η ταυτότητα του ίδιου του συγγραφέα διαδραματίζει μεγάλο ρόλο: αφιέρωσε τη ζωή της τέχνης, είτε θα πω κάτι στα έργα του (γραφικά, γραφικά, γλυπτά).

Πρώτος αφελής

Η αφελής τέχνη υπήρχε πάντα. Η βακαλζ ζωγραφική, παλαιολιθική γλυπτική και ακόμη και αντίκες Κάρος και Καρυάτιδες - όλα αυτά γίνονται με τον αρχέριο τρόπο. Η κατανομή της ΝΑΒΑ ως ανεξάρτητη ροή της εικαστικής τέχνης δεν έχει συμβεί ταυτόχρονα: αυτή η διαδικασία πήρε περισσότερο από έναν αιώνα και τελείωσε στο τέλος του 19ου αιώνα. Ο Henri Rousseau, ο γαλλικός αυτοδίδακτος καλλιτέχνης, έγινε πρωτοπόρος αυτής της καινοτόμου ροής.

Ο Rousseau υπηρέτησε για μεγάλο χρονικό διάστημα στο τελωνείο, ήδη στην ενηλικίωση άφησε ένα επάγγελμα και ασχολείται σοβαρά με τη ζωγραφική. Για πρώτη φορά, προσπάθησε να θέσει κάποια δουλειά το 1886 στην έκθεση του Παρισιού, αλλά ήταν το Roszyan. Και αργότερα, στις αρχές του 20ού αιώνα, συναντήθηκε διάσημους πρωτοπορολόγους, όπως ο Robert Delon, ο οποίος εκτιμά το γενναίο στυλ του Rousseau. Οι πρωτοποριακοί χαρακτήρες συχνά "έβγαλαν" των αρχικών ζωγράφων ως Rousseau, τους βοήθησαν να αναπτύξουν και ακόμη και να σκάψουν στα έργα τους, στην όρασή τους έμπνευση για τη δική τους καλλιτεχνική αναζήτηση. Σύντομα το έργο του Rousseau άρχισε να είναι σε ζήτηση, το κοινό αξιολόγησε την πρωτοτυπία των οικόπεδων του και ιδιαίτερα το έργο του με το χρώμα.

Στη Ρωσία, η αφελής τέχνη εμφανίστηκε πριν από τον μαζικό θεατή στο Αρχιipen Mikhail Larrionic Larrionic Larrionic το 1913. Ήταν εκεί για πρώτη φορά το έργο του Niko Pirosmani, ο οποίος έφερε το Kirill και το Ilya Zdanevichi, τους καλλιτέχνες και τους ιστορικούς τέχνης από τη Γεωργία, τους καλλιτέχνες και τους ιστορικούς της τέχνης. Πριν από αυτή την έκθεση, το κοινό δεν φαντάστηκε ότι η ερασιτεχνική τέχνη θα μπορούσε να είναι κάτι περισσότερο από τα εξαπάτηση πινακίδες και λαογραφικές ζωγραφιές.

Naive χαρακτηριστικά

Niko Pirosmani. Πορτρέτο του Cosashvili. 1910η. Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης Μόσχας

Niko Pirosmani. Γυναίκα με πασχαλινά αυγά. 1910s. Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης Μόσχας

Τα έργα των Naive Masters συνδυάζουν συχνά την ατμόσφαιρα της χαράς και μια ενθουσιώδη ματιά στην καθημερινή ζωή, τη φωτεινή γεύση και την προσοχή στη λεπτομέρεια, συνδυάζοντας τη μυθοπλασία και την πραγματικότητα.

Πολλά από τα κλασικά της εγχώριας αφελής τέχνης εκτός, ίσως ο Niko Pirosmani και ο Salabek του Ezziev, μια σχολή Znui - από την αλληλογραφία του Πανεπιστημίου Τέχνης του Λαού. Ιδρύθηκε το 1960 με βάση τα καλλιτεχνικά μαθήματα που ονομάστηκαν μετά την ελπίδα του Krupskaya. Ο Robert Falk, η Ilya Mashkov, ο Kuzma Petrov-Vodkin και άλλοι μάσμοι συγγραφείς διδάχθηκαν σε αυτό. Ήταν η εκπαίδευση στο Znui που έδωσε στους ιστότοπους την ευκαιρία να λάβουν τεχνικές δεξιότητες, καθώς και επαγγελματική γνώμη για τα έργα τους.

Κάθε Naist σχηματίζεται ως καλλιτέχνης σε κάποια μόνωση, το για πάντα παραμένει κλειστό ως μέρος των δικών του ιδεών και το δικό του στυλ και μπορεί να συνεργαστεί με έναν κύκλο αιώνια θέματα. Έτσι, το έργο του Pavel Leonov της δεκαετίας του 1980 και τα τέλη της δεκαετίας του 1990 δεν είναι πολύ διαφορετική: παρόμοιες συνθέσεις, παρόμοιοι ήρωες, όλη η ίδια αντίληψη της πραγματικότητας, κοντά στα παιδιά. Είναι ότι τα χρώματα γίνονται καλύτερα και οι καμβάδες είναι μεγάλης κλίμακας. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για την απόλυτη πλειοψηφία των μαλλιών. Ακόμη και σε σημαντικές δημόσιες εκδηλώσεις, αντιδρούν ιδιαίτερα: Μην αλλάζετε τα στυλ που εξαρτώνται από την ώρα, αλλά προσθέστε μόνο νέα πραγματικά σημάδια της εποχής για να λειτουργήσει. Όπως, για παράδειγμα, το κλασικό είναι το Naila Vladimir Melikhov. Το έργο του "Split" είναι μια θαυμάσια απεικόνιση ενός γυναικείου μεριδίου στη Σοβιετική Ένωση. Εμφανίζει μια γυναίκα που κυριολεκτικά σε δύο μέρη την ίδια στιγμή: λειτουργεί σε ένα εργοστάσιο με το ένα χέρι και το δεύτερο - θηλάζοντας το παιδί.

Αφελείς θέματα

Pavel Leonov. Αυτοπροσωπογραφία. 1960. Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Μόσχας

Pavel Leonov. Συγκομιδή. 1991. Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Μόσχας

Οι ιστοίοι στρέφονται σε καθολικά θέματα κοντά σε όλους: Γέννηση και θάνατο, αγάπη και το σπίτι. Το έργο τους είναι πάντα σαφές, επειδή οι καλλιτέχνες προσπαθούν να εκφράσουν περισσότερο τις συναρπαστικές ιδέες, χωρίς εμβάθυνση στο συμβολισμό και τις κρυμμένες έννοιες.

Μία από τις πρώτες ισχυρές εντυπώσεις του αφελούς καλλιτέχνη γίνεται η πρόσβασή του στην πόλη, σε ένα κοινωνικό περιβάλλον. Στο χωριό, που, κατά κανόνα, ζουν στο χωριό, χαρακτηρίζουν ότι ιδεαλίζουν την πόλη, γράφουν δρόμους και τετράγωνα με φως, αέρα και περίεργα. Ειδικά καλλιτέχνες, όπως ο Elfried Milts, εμπνέει τις τεχνολογικές καινοτομίες - ειδικότερα, το μετρό της Μόσχας.

Ένα άλλο κοινό για την αφελική τέχνη μπορεί να θεωρηθεί η εικόνα ενός ατόμου - πορτρέτων και ιδιαίτερα αυτοπροσωπογραφία. Οι ιστοίοι έχουν έναν τρόπο να μελετήσουν τον κόσμο μέσω του πρίσματος της προσωπικότητάς του, της δικής του εμφάνισης και της εμφάνισης των ανθρώπων γύρω τους. Και ενδιαφέρονται επίσης για έναν τρόπο να αντικατοπτρίζουν τον εσωτερικό κόσμο ενός ατόμου στην εμφάνισή του. Ως εκ τούτου, τα έργα του είδους πορτρέτου δίνουν την ευκαιρία στον θεατή να εξοικειωθεί με τους εθνιστάτες σχεδόν προσωπικά, να τους γνωρίσουν με τους καλλιτέχνες που αντιλαμβάνονται. Το κλείσιμο των εθνικιστών στον δικό του εσωτερικό κόσμο απεικονίζει, για παράδειγμα, ένα αυτοπροσωπογραφία του σύγχρονου καλλιτέχνη Αλέξανδρος Εμελυχανόβα. Απεικονίζει τον εαυτό του ως σύνολο εικόνων και εκείνων που αντλείται.

Σχεδόν όλοι οι κλασικοί της αφελής τέχνης, ο ένας ή άλλος ερμηνεύει το θέμα της παιδικής ηλικίας. Οι Naistists παραμένουν πάντοτε τα παιδιά, επομένως το έργο που σχετίζεται με αυτή την ιδέα αγγίζει και άμεση - γίνει ένα συγκεκριμένο σημείο επαφής με το παιδί του παρελθόντος και το παιδί του παρόντος, που εξακολουθεί να ζει στην ψυχή του καλλιτέχνη. Αξίζει να σημειωθεί ότι στην εικόνα του παιδιού, οι εθνισίτες σχεδόν ποτέ δεν γράφουν. Συγκεντρώνονται στον εξωτερικό κόσμο, σε πορτρέτα άλλων παιδιών, στην εικόνα των ζώων - σε αυτό που μπορεί να δει στο αλφάβητο.

Svetlana Nikolskaya. Ο Στάλιν πέθανε. 1997. Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Μόσχας

Alexander Lobanov. Αυτοπροσωπογραφία στο οβάλ πλαίσιο κάτω από το οικόσημο της ΕΣΣΔ. 1980. Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Μόσχας

Το επόμενο σημαντικό θέμα στην αφελική τέχνη είναι το θέμα της γιορτής. Οι καλλιτέχνες αγαπούν να γράφουν ακόμα ζωντανές, γιορτές, γάμους και μια βόλτα - ιδιαίτερα συχνά συχνά βλέπουν στις εικόνες του Νίκου Πητροβάνη, του Pavel Leonov και του Vasily Grigoriev, για την οποία η γιορτή αποκτά ιερή, την Ευχαριστία. Γιορτή της αγάπης, Feast Fun, Family Circle Feast - Κάθε καλλιτέχνης βρίσκει κάτι πολύ προσωπικό και πολύτιμο σε αυτό το νήμα. Όπως και στο θέμα του σπιτιού, μια οικογένεια, η οποία συμβολίζει την ειρήνη, την άνεση και την ασφάλεια. Στα έργα του Pavel Leonov, η σοβιετική πραγματικότητα συνδέεται πάντα με χαρά, διακοπές και παρελάσεις. Ακόμα και το έργο του Leonov απεικονίζει χαρούμενο και φως.

Ωστόσο, η αφελής τέχνη δεν είναι πάντα ειδυλλιακή. Για παράδειγμα, μια άρτια-τέχνη ή μια συστοιχία Brut συχνά αφήνουν τον θεατή μια ασαφή ενοχλητική αίσθηση. Σε αυτά τα έργα δεν υπάρχει λεπτός και τελικός κόσμος - οι καλλιτέχνες συγκεντρώνονται συχνότερα σε ένα κίνητρο ή θέμα και το αναπαράγουν σε κάθε εργασία. Για το κλασικό outsider-art, Alexander Lobanova, τουφέκι του Mosina ήταν ένα τέτοιο αντικείμενο. Ο ίδιος ο Lobanov από το τουφέκι ποτέ πυροβόλησε, και δεν υπάρχει πόλεμος, ούτε σκληρότητα ή πόνο. Αυτό το στοιχείο είναι σαν το τεχνούργημα, η ενσάρκωση της δύναμης, καθώς και ο ενεργός σοβιετικός συμβολισμός, ο οποίος είναι παρόντες στην απόλυτη πλειοψηφία του έργου του.

Βασικά φιλοσοφικά θέματα για καλλιτέχνες - Γέννηση και θάνατο. Οι ιστοίτες αντιλαμβάνονται τη γέννηση ενός ατόμου, τόσο σωματικής όσο και προσωπικής, συγκρίνουν το με τη θεία γέννηση της ζωής γενικά. Και η φροντίδα του ανθρώπου που αντιλαμβάνονται από την άποψη της μνήμης και του πόνου που παραμένουν γι 'αυτόν. Έτσι, για παράδειγμα, στην εικόνα Svetlana Nikolskaya άνθρωποι, ντυμένοι με γκρι, αντίθεση με κορεσμένο-κόκκινο φόντο, διαβάστε τις σκέψεις ή τα συναισθήματά τους είναι αδύνατο - όπως απολιθωμένα.

Η εποχή του κλασικού Naja σταδιακά αφήνει. Σήμερα, μια τέτοια κλειστή και ξεχωριστή ύπαρξη των ιστίων, που ήταν πριν, είναι αδύνατη. Οι καλλιτέχνες θα πρέπει να συμμετέχουν ενεργά στη διαδικασία τέχνης, να κατανοήσουν τι συμβαίνει στην αγορά τέχνης. Δεν είναι καλό και όχι κακό - απλά ένας δείκτης χρόνου. Και όσο πιο πολύτιμο θα είναι κάθε αμφιθέατρο για την αφελή τέχνη μέχρι να εξαφανιστεί τελικά.

Πύλη "culture.rf" χάρη για τη βοήθεια της προετοιμασίας του υλικού του ανώτερου ερευνητή Μαμά , Συμμετέχων της επιμελητικής ομάδας της έκθεσης "αφελής ... αλλά" Nina Lavrishchev και υπάλληλος Μουσείο Ρωσίας Λουκκά και αφελής τέχνης Μαρία Αρταμονόφ.

Λεπτομέρειες Κατηγορία: Μια ποικιλία από στυλ και οδηγίες στην τέχνη και τα χαρακτηριστικά τους που δημοσιεύονται 07/19/2015 17:32 Εμφανίσεις: 3012

Συχνά η αφελιστική τέχνη αναγνωρίζεται με τον πρωταρχία. Αλλά, αν και οι δύο από αυτές τις κατευθύνσεις στην τέχνη είναι πολύ κοντά, αυτό δεν είναι το ίδιο πράγμα.

Η αφρικανική τέχνη ενώνει την ερασιτεχνική δημιουργικότητα, την τέχνη των αυτοδίδων καλλιτέχνες. Όσον αφορά τον πρωταρχισμό, αυτό είναι το στυλ της ζωγραφικής, το οποίο προέκυψε στο XIX αιώνα, η οποία είναι μια σκόπιμη απλοποίηση της εικόνας, καθιστώντας τα έντυπα πρωτόγονα. Αυτός είναι ήδη ζωγραφικοί επαγγελματίες.
Στην αφεντική τέχνη πλησιέστερη τέχνη Arun. Η αφελής τέχνη παρουσιάζεται σε όλα τα είδη: ζωγραφική, γραφικά, διακοσμητικά τέχνη, γλυπτική, αρχιτεκτονική. Σε αφελές τέχνη, το ρώσικο πρωτοπόρο.

Niko Pirosmani (1852-1918)

Το πιο διάσημο, ίσως, ο εκπρόσωπος της αφελής τέχνης είναι ο Niko Pirosmani (Nikolai Aslanovich Pirovanishvili). Είναι γι 'αυτόν "εκατομμύρια κόκκινα τριαντάφυλλα". Γεννήθηκε στη Γεωργία στην αγροτική οικογένεια. Δεν έλαβα όχι μόνο καλλιτεχνική, αλλά γενικά οποιαδήποτε εκπαίδευση. Θα μπορούσα να διαβάσω μόνο στη Γεωργία και στα ρωσικά. Ζωγραφική που μελετήθηκε από τους περιπλάνους καλλιτέχνες που ζωγράφισαν τα σημάδια των καταστημάτων και του Dukhanov. Η δική της δημιουργικότητα που δημιουργήθηκε στο μόνο πράγμα που ήταν πάντα στο χέρι - σε μια απλή κόλλα, αφαιρέθηκε από το τραπέζι.

Ν. Pirosmani "Port Batumi"
Το καλοκαίρι του 1912, οι κυβερνητικές γιορτές ενδιαφέρονται για τα έργα του Pirosmani, που άρχισαν να προωθούν: Ilya και Kirill Zdanevichi, Mikhail Le - Dantei και άλλοι. Ο Kirill Zdanevich αγόρασε μεγάλο αριθμό έργων ζωγραφικής στο Pirosmani και το Ilya Zdanevich δημοσιεύθηκε το 1913 το 1913 . Το άρθρο σχετικά με το έργο του Pirosmanishvili με τον τίτλο "Artist-Nugget". Στις 24 Μαρτίου 1913, στη Μόσχα στην έκθεση-στόχο, μαζί με έργα διάσημων καλλιτεχνών (Larionov και Goncharova), υπήρχαν επίσης αρκετές ζωγραφιές του Pirosmani, που έφερε από την Τιφλίδα ilyoy Zdanevich. Οι νέοι γεωργιανοί καλλιτέχνες έγιναν ενδιαφέρονται για το έργο του Pirosmani και ο David Shevardnadze άρχισε να συλλέγει μια συλλογή των έργων του. Αλλά αυτό δεν έδωσε τον Pirosmani της καθημερινής ευημερίας - το 1918 πέθανε από πείνα και ασθένεια.

Ν. Πηροσύνη "Κοσύλλη στο φόντο του τοπίου" (1915). Κρατικό Μουσείο Τεχνών της Γεωργίας, Τιφλίδα
Ειδικό μέρος στο έργο του καλλιτέχνη που καταλαμβάνει εικόνες των ζώων. Ένας από τους γεωργιανούς καλλιτέχνες σημείωσε ότι τα ζώα στους ζωγραφικούς του ίδιου του καλλιτέχνη.
Η αφελής τέχνη ως ένα φαινόμενο καλλιτεχνικής κουλτούρας είναι έξω από την επαγγελματική τέχνη. Η κατανόηση και η αξιολόγησή του άρχισαν να αναπτύσσονται μόνο στις αρχές του 20ού αιώνα, αλλά αφελής τέχνης παρείχε και επηρεάζει το έργο των επαγγελματιών καλλιτεχνών της Ρωσίας και της Δυτικής Ευρώπης. Κατά την περίοδο της σοβιετικής εξουσίας, η αυτο-ταυτότητα χρησιμοποιήθηκε για να ιδεολογική εργασία. Αλλά η αφελής τέχνη παρέμεινε πιστές ηθικές αξίες: πίστη στο μέλλον, σεβαστή στάση στο παρελθόν. Η κύρια διαφορά από την επίσημη και τη συγκυριακή τέχνη είναι αδιαμφισβήτητα.

Σεργκέι Zagraevsky "Νεκρή φύση". Αυτός ο συγγραφέας σχετίζεται επίσης με τον πρωταρχισμό.

Σε πολλές χώρες υπάρχουν μουσεία Naive Art: στη Γερμανία, αυτό είναι το μουσείο Charlotte Zander. Στο Μουσείο Tsaritsyno, μια συλλογή από αφελείς τέχνη που συλλέγονται γαιοκτήμονες. Στο Suzdal State Museum-Reserve υπάρχει μια μεγάλη συλλογή αφελής τέχνης. Στη Μόσχα υπάρχει ένα μουσείο αφελής τέχνης στο novogireevo. Σε ιδιωτικές συλλογές υπάρχουν επίσης πολλές ζωγραφιές ερασιτεχνών καλλιτεχνών. Η Νίκαια (Γαλλία) έχει ένα μουσείο αφελής τέχνης Α. Zhakovsky.
Τα έργα της αφελής τέχνης είναι πολύ ελκυσμένα. Θέλουν να παρακολουθήσουν και να παρακολουθήσουν, να εκπλαγούν και να χαμογελούν, να λυπηθούν και να θαυμάσουν. Μερικές φορές φαίνεται ότι δεν είναι τόσο αφελές, αυτό είναι μια τέχνη αν προκαλεί τόσο συναισθήματα. Είναι από έναν άλλο κόσμο. Αλλά αυτή είναι προσωπική στάση και προσωπικά συναισθήματα. Αλλά πώς εκτιμά η αφελής δημιουργικότητας;
Αρκετά βιβλία για τη σύγχρονη αφελική τέχνη που εκδόθηκε Κ. Bohemskaya.Γυρίζουμε στο βιβλίο της "αφελής τέχνης", μιλώντας για το έργο του Pavel Leonov.

Pavel Petrovich Leonov (1920-2011)

Pavel Leonov (2001)

"Οι ρυθμίσεις του Leonov κάλεσαν δομές. Αυτά τα σχέδια ρίχνονται με έγχρωμη σάρκα. Οι εικόνες των ανθρώπων πιο συχνά μαύρες - σαν να είναι όλοι, όπως οι Zacks στο στρατόπεδο, είναι ντυμένοι με μαύρα αγόρια. Αλλά μερικές φορές ντύνονται σε λευκό. Μικρά μαύρα πουλιά, τσιμπούρια ορατά στον απαλό ουρανό των πρώιμων έργων ζωγραφικής, γίνονται σαρκώδεις μαύρες εξέδρες σε μπλε αργότερα, και στη συνέχεια τα λευκά πουλιά φτάνουν εδώ.
Το θρίαμβο των ονείρων στη ζωή, ιδέες πάνω από την υλοποίηση, ένα τέτοιο εγγενές Leonov, είναι ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα μιας εθνικής ρωσικής φύσης "(Κ. Bohemskaya).

Π. Leonov "Γεια σας, Pushkin!"
Αυτά τα σχέδια στο Leonov είναι πολύτιμα, εξαπλώνονται σε όλη την περιοχή καμβά. Και ο καμβάς είναι τεράστια μεγέθη, τα οποία επιτρέπει στον συγγραφέα να ζήσει μέσα στην εικόνα του, να ζήσει στον κόσμο που απεικονίζει. Οι πίνακές του απεικονίζουν το παρελθόν, αλλά ταυτόχρονα, διακίνοντας το παρελθόν, φαίνεται να μιλάνε για το καλύτερο μέλλον. "Στις ζωγραφιές του Leonov, τέτοια δύναμη της ζωής κατέληξε στο συμπέρασμα ότι κατακτά κάθε καρδιά, ανοιχτές καλλιτεχνικές εντυπώσεις και δεν χαλάσουν από την κατανάλωση δειγμάτων μουσείων".

Π. Leonov "και πετάω ..."
"Μια οριακή δημιουργικότητα που δημιουργήθηκε έξω από την επαγγελματική σχολή και το στυλ γεννιέται από τις ανάγκες, μακριά από την επιθυμία για καλλιτεχνική δόξα. Οι δημιουργοί του είναι περίεργοι άνθρωποι - εκκεντρικοί, ροζ. Έχουν τις εικόνες και το όραμα που εμφανίζονται από αναμνήσεις, όνειρα και όνειρα στα έργα τους. Μιλούν μαζί τους τη γλώσσα των εικόνων. Σχεδιάζουν τόσο τραγούντ, να δημιουργούν γύρω τους τον εαυτό τους, να τους προστατέψουν από την πραγματικότητα »(Κ. Βοημίας).

Π. Leonov "στην άκρη, όπου φοίνικες και λεμόνι"
"... χρόνια θα κρατηθούν και όλα θα είναι προφανή: ο Leonov είναι ένας μεγάλος ρωσικός καλλιτέχνης. Δεν θυμάται πλέον τον ορισμό του "αφελής". Έτσι ο Adolf Völfly έγινε ο πιο διάσημος καλλιτέχνης της Ελβετίας. Έτσι ο μεγάλος καλλιτέχνης της Γεωργίας είναι ο Niko Pirosmanishvili.
Ο Leonov δημιούργησε την εικόνα του της Ρωσίας, η οποία δεν ήταν ακόμα. Δημιούργησε ένα στυλ που ανήκε στον εαυτό του, και το πνευματισμένο χρώμα του.
Η κληρονομιά του Leonov, η οποία αποτελείται από μία και μισή χιλιάδες μεγάλες καμβά, όπως η κληρονομιά άλλων μεγάλων καλλιτεχνών, ένας τεράστιος κόσμος, στα πρόσωπα των οποίων αντανακλώνται και επανατοποθετίζουν τα διάφορα πρόσωπα του κόσμου γύρω.
Η έννοια του Leonov θα εκτιμήσει το μέλλον, το οποίο θα απαιτήσει τα θεμέλια για την κατασκευή του κτιρίου της εθνικής κουλτούρας "(Κ. Bohemskaya).

Από βιογραφία

Π. Leonov "Αυτοπροσωπογραφία" (1999)

Ο Pavel Petrovich Leonov γεννήθηκε στην επαρχία Oryol. Η ζωή του ήταν σοβαρή, εργάστηκε στα εργοστάσια, έκοψε το δάσος, επισκευάστηκε το γήπεδο, έχτισε το δρόμο, ήταν ένα ξυλόγλυπτο, ένα γύψο, μια ίνα, ένα tinsmith, έναν μαλακό, έναν καλλιτέχνη-σχεδιαστής. Ζούσε στο Orel, στην Ουκρανία, στο Αζερμπαϊτζάν, τη Γεωργία, το Ουζμπεκιστάν. Συνελήφθη αρκετές φορές το 1940-1950.
Η ζωγραφική άρχισε να συμμετέχει στη δεκαετία του 1950 στην Καμτσάτκα. Στη δεκαετία του 1960 Σπούδασε στο Roginsky. Ο Roginsky τον κάλεσε "Don Quixote σοβιετική ώρα". Η πιο γόνιμη περίοδος του έργου του ξεκίνησε τη δεκαετία του 1990, τότε το έργο του αγόρασε ενεργά από τους συλλέκτες της Μόσχας, αν και ζούσε συνεχώς σε ανάγκη, σε δύσκολες συνθήκες διαβίωσης.
Μετά το θάνατο της συζύγου του δεν λειτούργησε και έζησε στον γιο του στην παράγραφο. Σαβογίνο Ivanovo περιοχή. Εκεί και θαμμένα.

Elena Andreevna Volkova (1915-2013)

Στα έργα της υπάρχει κάτι για παιδιά, ζεστό και αγγίζοντας. Δεν τους αρέσουν τα διάσημα έργα των κλασικών. Αλλά η γνωριμία μαζί τους συμβάλλει στην ευτυχία.

Ε. Volkov "Piggy Hid" (1975-1980)
Μεταξύ των σταφυλιών, τα αγγούρια, τα μήλα, τα αχλάδια και τα μανιτάρια, στην καρδιά μιας κομψής νεκρής ζωής, ένα χοιρίδιο σφυρηλατήθηκε. "Μην νομίζετε ότι αυτό είναι ένα χοιρίδιο κόλπων", η Έλενα Andreevna είπε κάθε φορά, δείχνοντας αυτό το έργο. "Απλώς έφυγε από τη μαμά και έκρυψε ανάμεσα στα φρούτα."
Η Έλενα Andreevna Volkova αναδημιουργεί την χαρούμενη σημερινή περιοχή της παιδικής ηλικίας του στα έργα του.

Ε. Volkov "Άλογο στο Silver Bor"
"Το μόνο που γράφω τώρα στις καμβά μου, όλοι γεννήθηκαν από την παιδική μου ηλικία. Αυτό ήταν όλο το όνειρό μου, παρακολούθησα τα πάντα, αποτυπωμένα από την παιδική ηλικία και μέχρι σήμερα. Ποτέ δεν θα περάσω κάποια ομορφιά, μου αρέσουν τα πάντα γύρω. Όλα είναι πολύ όμορφα από μόνα τους "(από το βιβλίο Κ. Βοημίας" αφελής τέχνη ").
Από την παιδική ηλικία, η μουσική, είναι το λάθος χρώμα που αντιλαμβάνεται ως μια λανθασμένη φωνή που χαλάρωσε ολόκληρη τη χορωδία. Οι πίνακές της είναι ζεστές και χαρά, πνευματική καθαρότητα και η ίδια η ζωή σε όλη του την ευελιξία.

Ε. Volkov "Ειρήνη σε όλους!" (1984)
Η πραγματικότητά της είναι γεμάτη με αγάπη. Ο κόσμος της είναι απόλυτο φως και ειρήνη.

Ε. Volkov "Άνοιξη"

Από βιογραφία

Γεννήθηκε στο Chuguev, όχι μακριά από το σπίτι όπου γεννήθηκε η Ilya Repin, σε μια απλή οικογένεια. Εργάστηκε ως βοηθός σε έναν μηχανικό κινηματογράφου σε μια κινητό φιλμ. Ο σύζυγός της πέθανε κατά τη διάρκεια του πολέμου. Ο Ε. Η Volkov άρχισε να γράφει έργα ζωγραφικής στη δεκαετία του 1960 της ηλικίας των 45 ετών, χωρίς να έχει εκπαίδευση τέχνης. Ένας από τους ιδρυτές της ουκρανικής avant-garde, Vasily Yermilov, απέκτησε πολλούς πίνακες ζωγραφικής της. Ο Σεργκέι Tarabarov από τη Γκαλερί Μόσχας της Naive Arts "Dar" το 2000, θεωρεί ότι ο Volkov είναι ένας από τους πιο ενδιαφέροντες καλλιτέχνες που εργάζονται στο στυλ της αφελής τέχνης στη Ρωσία.
Η Έλενα Η Volkova έγινε ο πρώτος καλλιτέχνης του είδους της αφελής τέχνης, στον οποίο η προσωπική έκθεση διοργανώθηκε στη γκαλερί Tretyakov.
Τα τελευταία χρόνια ζούσαν στη Μόσχα. Πέθανε σε 99 χρόνια ζωής.

Taisiya Shvetsova (r. 1937)

Καλλιτέχνης από την περιοχή Vologda. Η ειδική εκπαίδευση τέχνης δεν έχει. Η ζωγραφική ασχολείται από το 1996 οι πίνακές της είναι μια γιορτή γενναιοδωρίας και καλοσύνης.

Τ. Shvetsova "Horce" (2008)

Τ. Shvetsova "τέσσερα Χριστούγεννα" (2007)

Ολλανδικός καλλιτέχνης inina συχνότητα (r. 1941)

Η Inina συχνή γεννήθηκε στην πόλη Chroningen (Ολλανδία). Ήρεμα τοπίο της μητρικής χώρας που προτιμά τα φωτεινά χρώματα του καλοκαιριού. Ο καλλιτέχνης ανέλαβε το βούρτσα για να αντισταθμίσει τη ζωή της απώλειας (θάνατος του συζύγου της). Το σοκ, το οποίο επέζησε, μετακινήθηκε ευκολότερη όταν γλυπτική γλυπτά και γράφει έργα ζωγραφικής. Στην αφελιστική τέχνη, πολλοί έρχονται μετά από βαθιές εμπειρίες ή άγχος.
Αγαπημένα θέματα των σχεδίων της αβατίτιδας - εξωτικός κόσμος της Αφρικής, του φανταστικού διαστημικού ταξιδιού και το ρομαντισμό της νεολαίας. Διαχωρισμός φωτεινών κηλίδων χρωμάτων με μουσικές γραμμές - Συχνές στυλ.

Inu συχνή "frevyothiness"

I. Frek "Utopia Planet"
Είναι κρίμα που για τους ευρείς κύκλους των λάτρεις της τέχνης και των επαγγελματιών, η αφελής τέχνη παραμένει μόνο στο περιθωριακό, ακατανόητο και αστείο πολιτιστικό φαινόμενο. Αυτός είναι ένας ολόκληρος κόσμος στον οποίο πρέπει απλώς να συνδεθείτε για να το καταλάβετε. Και εισάγετε χωρίς προκατάληψη, με μια καθαρή καρδιά - τελικά, αυτά τα έργα δημιουργήθηκαν σε μια καθαρή καρδιά.

Naive εικόνα "καπάκι και τριαντάφυλλα"

"Εικόνες της αφελής τέχνης. Naive Art Style »

Αφελής τέχνη (Αγγλικά. Η Naive Art) είναι μία από τις οδηγίες του πρωταθλήματος των αιώνων XVIII-XXI., Συμμορφώνεται και με την ερασιτεχνική τέχνη (ζωγραφική, γραφικά, διακοσμητικά τέχνη, γλυπτική, αρχιτεκτονική) και την οπτική δημιουργικότητα αυτοπλεκοποιητικών καλλιτεχνών.

Εικόνες σε στυλ αφελής τέχνης. Η αφρικανική τέχνη έχει τους οπαδούς και τους γνώστες του. Πολλοί συλλέκτες συλλέγουν συλλογές έργων ζωγραφικής που ανήκουν στην αφελική τέχνη.
Καλλιτέχνες της αφελής τέχνης. Οι καλλιτέχνες της αφελής τέχνης περιλαμβάνουν αυτοδίδακτους καλλιτέχνες και επαγγελματίες καλλιτέχνες που μιμούνται αφελές τέχνης.

Η αφρικανική τέχνη είναι το κοινό μας πολιτιστικό φαινόμενο και η κληρονομιά μας. Ειδικά μουσεία της αφελής τέχνης δημιουργούνται για να διατηρήσουν το έργο της αφελής τέχνης.
Αφελής τέχνη. Αφελής τέχνη στη Ρωσία. Μουσείο αφελής τέχνης στη Μόσχα. Το Μουσείο Naive Art της Μόσχας δημιουργήθηκε στις 23 Ιουνίου 1998 και είναι κρατικός θεσμός του πολιτισμού. Το Μουσείο Δεμέρας της Μόσχας βρίσκεται υπό τη δικαιοδοσία της Επιτροπής Πολιτισμού της πόλης της Μόσχας της κυβέρνησης της Μόσχας. Υπάρχουν άλλα αρσενικά μουσεία τέχνης στη Ρωσία.
Στα ρωσικά μουσεία, συμπεριλαμβανομένων των μουσείων της αφελής τέχνης, αποθηκεύονται πολλές φωτογραφίες καλλιτεχνών της αφελής τέχνης.

Ρωσική αφελής τέχνη. Το έργο των αφελών καλλιτεχνών ως μία από τις δεξαμενές της σύγχρονης εγχώριας τέχνης απαιτεί μια σοβαρή και προσεκτική μελέτη, στην οποία δεν μπορεί να υπάρχει χώρος για επιφανειακές και ακραίες κρίσεις που συχνά βρίσκονται στην καθημερινή ζωή.
Αφελής τέχνη στη Ρωσία. Η αφελής τέχνη ήταν πάντα παρούσα στη ρωσική καλλιτεχνική πρακτική, αλλά τις τελευταίες δεκαετίες, η αφελής τέχνη των ρωσικών ρώσων καλλιτεχνών έλαβε αισθητική αναγνώριση.

Αφελής τέχνη στη Ρωσία. Για μεγάλο χρονικό διάστημα στη Ρωσία, η γνώμη σχετικά με ορισμένες από τις "εξόρυξη" του κυριάρχησε. Ταυτόχρονα, ξέχασαν ότι οι πρώτοι πρωτοπορικοί, οι μεταμοντερνιστές και οι καλλιτέχνες-εννοιολογικοί αναζητούν νέες οπτικές μορφές άσκησαν έφεση στην αμεσότητα και την απλότητα του αφελούς. Το ενδιαφέρον για το έργο της αυτοδυναμίας έδειξε το Chagall, ο Malevich απευθύνθηκε στο ρωσικό λουκκ, κατείχε μια ειδική θέση στα έργα του Larionov και της Γκονχαρόβας. Σχεδόν λόγω των τεχνικών και των εικόνων της αφελής τέχνης, η επιτυχία συνοδεύει τα έργα του Καμπακόφ, τη Bruskina, Komar και Melamide.

Αφελής τέχνη στη Ρωσία. Ρωσικός ρωσικός αφελής καλλιτέχνης, σε αντίθεση με τον ξένο συνάδελφό του, δεν έχει λάβει ακόμη μαζική αναγνώριση. Ζει ο ξεχωριστός του κόσμος, λίγο συνδεδεμένος με την πραγματική καλλιτεχνική ζωή. Δεν βρει πάντα μια κατανόηση και εξαιρετικά σπάνια επιβαρύνονται με παραγγελίες. Δεν είναι σίγουρος για την ένταξή του στη συνολική ροή της τέχνης, καθώς δεν έχει "σχολεία και τεχνολογικό εξοπλισμό. Εξετάζει ανεξάρτητα και διαπιστώνει νέα μέσα εκφραστικής, νέων μορφών και τεχνικών, χωρίς να διεκδικήσει το ρόλο ενός ηγέτη ή πρωτοπόρου.
Το δυναμικό της ρωσικής αφελής τέχνης. Η ρωσική αφελής τέχνη ενημερώνεται συνεχώς με τους νέους ερασιτέχνες καλλιτέχνες. Είναι πιθανό ότι στο θυελλώδες XXI αιώνα, θα εμφανιστούν νέοι φωτεινούς ταλαντούχους πρωτότυπους καλλιτέχνες και να φέρουν τον κόσμο διάσημο ένδοξο στη ρωσική αφελική τέχνη.

Η αφελής τέχνη έχει τους οπαδούς και τους εραστές του. Η αφελής τέχνη θα βρει σίγουρα τους ταλαντούχους συγγραφείς τους. Η αφελής τέχνη έχει το μέλλον.

Εικόνες αφελής τέχνης
Μουσείο αφελής τέχνης
Αφηρημένη ζωγραφική τέχνης
Γκαλερί της αφελής τέχνης
Αφελής τέχνης στη Ρωσία
Ξένη αφελής τέχνη

Αφελής τέχνη - Ο ορισμός αναφέρεται στη ζωγραφική (και τουλάχιστον στο γλυπτό) που δημιουργείται σε περισσότερες ή λιγότερο πολιτισμένες κοινωνίες, αλλά όχι μια γενικά αναγνωρισμένη αξιολόγηση σχετικά λεπτών δεξιοτήτων.
Χαρακτηρίζεται από φωτεινά, αφύσικα χρώματα, την έλλειψη νόμων προοπτικής και σε παιδική αφελή ή κυριολεκτικά όραση. Μερικές φορές χρησιμοποιείται για συνώνυμο αυτού του ορισμού. " πρωτόγονη τέχνη ",Αλλά μπορεί να είναι παραπλανητική επειδή ο ορισμός του "πρωτόγονου" είναι επίσης ευρέως εφαρμοστεί στην τέχνη του Prastenessan Epo (Στάδιο στην ιστορία της ιταλικής κουλτούρας που προηγείται της Αναγέννησης που έρχονται στα Delunts (1200th) πρόσφατη (1300th). Θεωρείται μετάβαση από την εποχή του Μεσαίωνα Στην εποχή της αναγέννησης. Ο όρος εισήχθη για πρώτη φορά από τον ελβετικό ιστορικό. Burkhard)και τη δημιουργικότητα των "ασυμβίβαστων" κοινωνιών. Τα εμπρός ονόματα που χρησιμοποιούνται μερικές φορές με παρόμοιο νόημα: "Λαογραφική", "λαϊκή" τέχνη ή "καλλιτέχνες της Κυριακής" - μπορεί επίσης να αμφισβητηθεί. Για παράδειγμα, "Κυριακή καλλιτέχνης" - τελικά, πολλοί εραστές δεν γράφουν σε αφελές στυλ, αλλά για αφελείς καλλιτέχνες (τουλάχιστον η πιο επιτυχημένη) ζωγραφική συχνά αποδεικνύεται μόνιμη δουλειά. Οι επαγγελματίες καλλιτέχνες μπορούν να καλλιεργήσουν συνειδητά ένα αφελές στυλ, αλλά τέτοια "ψευδή αφηρημένη" δεν μπορούν να συγχέονται με την αμεσότητα των έργων αυτών των αφελών καλλιτεχνών, καθώς και να πω, να πω, να εργαστούν Πηλόςή Πικάσο.Εκτελείται σκόπιμα σε παιδική, με ειλικρινή σχέδια παιδιών.
Η αφρικανική τέχνη έχει το δικό του ακίνητο που είναι εύκολο να αναγνωρίσει, αλλά είναι δύσκολο να του δώσετε έναν ορισμό. Αυτό συνοψίζεται Scotty Wilson (1889-1972),Έχοντας πει: "Δεν μπορείτε να περιγράψετε αυτό το συναίσθημα, είσαι βαρετός μαζί του, και απλά εκδηλώνεται."
Henri Russo (1844-1910)Ήταν ο πρώτος αφελής καλλιτέχνης που είχε κατακτήσει μια σοβαρή αναγνώριση της καλλιτεχνικής κριτικής. Παραμένει ο μόνος που θεωρείται ένας μεγάλος κύριος, αν και πολλοί άλλοι άξιζαν ένα αξιοπρεπές μέρος στη σύγχρονη τέχνη.

Η κύρια κριτική που είναι υπεύθυνη για την προώθηση των αφελών καλλιτεχνών στα χρόνια μετά τον Παγκόσμιο Πόλεμο ήμουν Wilhelm UDE.Καταρχάς, η φρεσκάδα και η καθοδήγηση του οράματος των αφελητικών καλλιτεχνών προσέλκυσε κυρίως τους συντρόφους τους, αλλά ορισμένες σημαντικές εκθέσεις του 1920 και του 1930 συνέβαλαν στην ανάπτυξη ενδιαφέροντος σε αυτά από το κοινό.
Η ιδιαίτερη σημασία είχε μια έκθεση "Δάσκαλοι λαϊκής ζωγραφικής: Σύγχρονοι πρωτογενείς στην Ευρώπη και την Αμερική"Στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη το 1938.
Οι περισσότεροι από τους πρώτους αφελείς καλλιτέχνες που έλαβαν φήμη ήταν γαλλικά (κυρίως λόγω δραστηριοτήτων UDE στη Γαλλία). Ανάμεσα τους:
Andre Boshan (1873-1958)

Camille Bombuis (1883-1970)

Louise Serafin (1864-1934)

Beril Cook (1926--2008)

Συχνά σε αφελείς καλλιτέχνες κατατάσσονται Laurens Stephen Lauri (1887-1976)

Αλλά ορισμένοι επικριτές αποκλείουν από τον αριθμό τους, επειδή Ο Lauri σπούδασε για μεγάλο χρονικό διάστημα σε μια σχολή τέχνης.

Στις ΗΠΑ μεταξύ των ηγετικών στοιχείων ήταν John Kane (1860-1934)

και Anna Mary Robertson Moseson (1860-1961)

Ένας μεγάλος αριθμός αφελών καλλιτεχνών έδωσε στην Κροατία, όπου ήταν το πιο διάσημο Γενιστής Ivan (1914-1992)

Αφελής τέχνη (Naive Art) είναι μία από τις οδηγίες του πρωτογονισμού, το οποίο χαρακτηρίζεται από αφελές απλότητα της τεχνολογίας, μια αντι-ακαδημαϊκή προσέγγιση στη ζωγραφική, μια φρεσκάδα της άποψης και της πρωτοτυπίας των σχεδίων. Περιττό και αρχικά επιδιωκόμεστε για τη "βάρβαρη" στάση απέναντι στη ζωγραφική Canonoam, η τέχνη-αφελής τελικά επέζησε και πήρε ένα αξιόλογο θέση στην ιστορία της παγκόσμιας κουλτούρας. Στο έργο των καλλιτεχνών που εργάζονται σε αυτό το είδος, οι σκηνές των νοικοκυριών που σχετίζονται με τα τρόφιμα είναι σπάνια παρόντα, τα οποία, φυσικά, δεν μπορούσαν παρά να ενδιαφέρουν τη θεματική τους περιοχή.

Θα πρέπει να ειπωθεί ότι οι ρίζες του είδους " Αφελής τέχνη. »Πηγαίνετε μακριά στα βάθη των αιώνων. Τα πρώτα δείγματα της αφελούς οπτικής τέχνης μπορούν να θεωρηθούν βραχώδεις εικόνες που βρίσκονται στις σπηλιές της Νότιας Αφρικής. (Είμαστε σίγουροι ότι τα σχέδια του αρχαίου κυνηγού ήταν πιο ευαίσθητα σε άλλους ως μενού, αντί για ζωγραφική 🙂).

Πολύ αργότερα, οι Έλληνες, βρίσκοντας τα σκυθικά αγάλματα των «πέτρινων γυναικών» από τη Μαύρη Θάλασσα, τους βρήκαν επίσης με πρωτόγονο "βαρβαρότητα" λόγω παραβίασης των αναλογιών του σώματος, η οποία στην αρχαία ελληνική κουλτούρα χαρακτηρίζεται από αρμονία και ομορφιά. Θυμηθείτε τουλάχιστον το "χρυσό τμήμα" του polyclet.
Παρ 'όλα αυτά, η "ορθότητα" της κλασικής τέχνης συνεχώς συνέχισε να υποβληθεί σε συνεχείς επιθέσεις της λαϊκής τέχνης. Και λοιπόν, μετά την ανατροπή της κυριαρχίας της Ρώμης στις περισσότερες ευρωπαϊκές χώρες, οι εικαστικές τέχνες, κάνοντας έναν πυκτό, αντικατέστησε την πορεία από την τελειότητα προς την αναζήτηση της εκφραστικότητας. Στο ρόλο των μέσων για την επίτευξη αυτού του στόχου, της πρωτοτυπίας και της ταυτότητας του πρώην Izgoy και ενός ξένου, ο οποίος θεωρήθηκε αφελής τέχνη.
Ταυτόχρονα, είναι αδύνατο να αγνοηθεί το γεγονός ότι οι εξωκρετικοί καλλιτέχνες "art-nava" δεν θα είχαν ποτέ λάβει παγκόσμια αναγνώριση εάν οι ευρωπαίοι καλλιτέχνες ενδιαφέρονται για ιδέες και στυλ, όπως ο Pablo Picasso, Henri Matisse, Joan Miro, Max Ernst και άλλοι. Υποστήριξαν " εξέγερση ενάντια στον ρομαντικό κλασικισμό».
Σε αναζήτηση του "πέμπτου στοιχείου" της Isoalt, όπως, όπως οι μεσαιωνικοί αλχημιστές, προσπάθησαν παράλογα να λειτουργήσουν το θαύμα και το μυστήριο, να αναμειγνύουν την πρωτοποριακή και άγρια \u200b\u200bφυσική υπεροχή στους πίνακές τους, οι οποίες αυξήθηκαν από το υπέδαφος του χαμένου "πρωτόγονου" Ειρήνη της Αφρικής, καθώς και η Κεντρική και Νότια Αμερική.
Είναι γνωστό ότι ο Pablo Picasso σπούδασε λεπτομερώς το αφρικανικό στυλ της "πρωτόγονης τέχνης", μελετημένες γνήσιες μάσκες και γλυπτά που έφεραν από εκεί για να κατανοήσουν τη δημιουργική υποσυνείδητη αρχή της "μαύρης ηπείρου" και να το ενσωματώσουν στα έργα τους. Τι καθόρισε σε μεγάλο βαθμό το εταιρικό ασύμμετρο στυλ του. Ακόμη και χρησιμοποιεί τις δυσκολίες τεχνικές.
Το πορτρέτο αυτού του Ισπανικού καινοτόμου-ζωγράφου εκτελούσε ιδιαιτέρως από τον Κολομβιανό καλλιτέχνη, το οποίο στο πρόγραμμα Πολεμικής Αεροπορίας του 2007 ήταν ζωγραφισμένο " Πικάσο Νότια Αμερική«.

Πρώην εικονογράφος Fernando Botero Angulo (Το 1932) έγινε γνωστό αφού κέρδισε το πρώτο βραβείο στην "Έκθεση Κολομβιανών Καλλιτεχνών" το 1959. Τον άνοιξε τις πόρτες στην Ευρώπη, όπου άρχισε τη δροσερή σταδιοδρομία αυτού του αρχικού καλλιτέχνη και τον γλύπτη, του οποίου το έργο επηρέασε στη συνέχεια πολλούς απολογητές της αφελής τέχνης. Για να δείτε αυτό, μπορείτε να συγκρίνετε τις φωτογραφίες του με τα έργα ορισμένων σύγχρονων συναδέλφων στην τέχνη Nais. Για να μην αποστασιοποιηθεί από το θέμα "προϊόν", να πάρετε ένα από τα αγαπημένα αυτά τα botero - Πικνίκ.

Ένας από τους παλαιότερους πρωτότιστους καλλιτέχνες, ο ηγέτης της Κροατίας Naive Art - Ivan Generist (1914-1992). Η έλλειψη επαγγελματισμού, αγροτική προέλευση και αγροτικά πρότυπα ζωγραφικής, δεν τον εμπόδιζε το 1953 να λάβει αναγνώριση σε όλη την Ευρώπη. Η αγροτική ζωή εμφανίζεται στο έργο του σαν να φαίνεται από το εσωτερικό, το οποίο τους δίνει εκπληκτική έκφραση, φρεσκάδα και αμεσότητα.

Η εικόνα όπου ο Κροατικός παππούς είναι τριμμένη κάτω από τον Πύργο του Άιφελ, μπορείτε να βρείτε ένα μυστικό χαμόγελο στο Παρίσι Beaujda, αξίζει μόνο να κοιτάξουμε τη φωτογραφία του συγγραφέα: ένα μέτριο σνακ από λουκάνικα, ψωμί και κρεμμύδια που διατίθενται σε ένα σκαμνί; Ο περιπατητής στο μαχητικό πάτωμα, ντυμένο με τρίβονται από το παλτό ... Γενικιστής στη ζωή είναι ανεπιτήδευτος και σοφός. Ο γαλλικός μυθιστοριογράφος της Μασσαλίας Arlang έγραψε γι 'αυτόν: "Γεννήθηκε στη Γη. Διαθέτει σοφία και γοητεία. Δεν χρειάζεται δάσκαλο. "

Πολλοί καλλιτέχνες της σύγχρονης "αφελής τέχνης" φαίνεται να αποφεύγουν τη γοητεία των έργων των προκατόχων. Αλλά, ταυτόχρονα, στην αμεσότητα της καλλιτεχνικής έκφρασης, που είναι εγγενής στην τέχνη ναυτική, φέρνουν τα στοιχεία του "κοινωνικού είπε" άγνωστους δυτικούς Ευρωπαίους. Για παράδειγμα, παρουσιάζουμε μερικές διακοσμητικές σκηνές είδους του καλλιτέχνη της Λευκορωσίας Έλενα NaCarevich , Πριν από πολλά χρόνια, μετανάστευσαν στην Ισπανία. Οι πίνακές του είναι η ειρωνική ανασυγκρότηση του εξιδανικευμένου κόσμου, μια σύγκρουση του συνολικού παρελθόντος, γνωστού σε όλους τους κατοίκους του πρώην ΚΑΚ. Είναι γεμάτα με νοσταλγικά υγρά της εξαφανισμένης εποχής του κοινωνικού ρεαλισμού με τις μυρωδιές της κουζίνας, όπου η Olivier προετοιμάζει και φιλοξενείται από τις οικοδέσποινες εν αναμονή των επισκεπτών, όπου τα καλοκαιρινά σπίτια αντικαθιστούν τα εξοχικά σπίτια και οι πικνίκ ονομάζονται πριτσίνια στη φύση.

Και παρόλο που τα έργα της Elena Narcevich παρουσιάζουν την πλειοψηφία των επίσημων σημείων του είδους του «αφελείς Άρτα», όπως οι στρεβλώσεις στις γεωμετρικές πτυχές, το μη επεξεργασμένο χρώμα σε σύνθετα σχέδια, εκτεταμένες αναλογίες αριθμών και άλλων σημείων τέχνης, αλλά οι εμπειρογνώμονες παραπέμπουν παρόμοια έργα ψευδο-αφελής τέχνη ή " Τεχνητά αφελής"- Όταν ο καλλιτέχνης εργάζεται με μιμητικό τρόπο. (Ένα άλλο χαρακτηριστικό της αφελής τέχνης είναι μια σκόπιμη "παιδική ικανότητα" της εικόνας - έφερε στην εμπορική τελειότητα Evgenia gapchinskaya ).

Στην παρόμοια με τον τρόπο της Έλενας Νέκσεβο γράφει το πίνακες του από τη ράβδο του καλλιτέχνη από τον Ντόνετσκ - Angela jerich . Είπαμε ήδη για το έργο της.

Ο εσωτερικός κόσμος των εικόνων Angela Jerich συγκρίνεται μερικές φορές με το MAG των χαρακτηριστικών των χαρακτήρων στις ταινίες Fellini. Ο καλλιτέχνης επιτυγχάνει ειρωνική και, ταυτόχρονα πολύ αγάπη, "απεικόνιση της προηγούμενης εποχής" του κοινωνικού ρεαλισμού. Εκτός από αυτό, η Angela έχει μια κομψή φαντασία και μπορεί να διορθώσει τις "όμορφες στιγμές" της ζωής στο Pushkinski.

Σχετικά με τον συνάδελφό της στο "Art Naive Shop", καλλιτέχνης της Μόσχας Vladimir lubarov, Είπαμε επίσης. Μια σειρά από το έργο του με το όνομα " Αιθέρας", Αν και ευχαριστεί το μάτι με βρώσιμα ακόμα ζωφάνες, αλλά αυτή η" γαστρονομική πραγματικότητα "δεν διακρίνει τον εαυτό του. Είναι μόνο ένας λόγος να αποδείξουμε τη ζωή των χαρακτήρων του, τους χαρακτήρες και τα συναισθήματά τους. . Μπορείτε επίσης να εξοικειωθείτε με τη διασκέδαση και τις ψυχικές του εικόνες. (Ή στην προσωπική του ιστοσελίδα www.lubarov.ru).

Εάν ο Lubarov από τον πολιτισμό δραπέτευσε στο χωριό για να σχεδιάσει τους πίνακές τους εκεί και να συμμετάσχει στη φυσική οικονομία, τότε "αφελής καλλιτέχνης" Valentin gubarev Από το Nizhny Novgorod μετακόμισε στο Μινσκ. (Όπως συμβαίνει για να καλύψει την απώλεια από την Elena Narciewicz μετανάστευση 🙂).

Εικόνες του Valentine Gubareva, που έχουν μια απίστευτη ελκυστική δύναμη και γοητεία. Είναι συναισθηματικά και θετικά αντιδρούν στους ανθρώπους μακριά από την τέχνη. Τα έργα του βρίσκονται κάποια απλότητα και ειρωνεία, κακή και θλίψη, βαθιά φιλοσοφία και χιούμορ. Στους πίνακές του, υπάρχουν πολλά ενεργά άτομα, μέρη και αντικείμενα, όπως στο μπαλκόνι ενός πλαισίου πέντε ιστορικών κτιρίων, έφαγε αρκετές γενιές κατοίκων. Αλλά, όπως οι γνώστες των ζωγραφιών του σίγουρα: "Πολλοί, αλλά τίποτα περιττό." Για το πάθος για μικρές λεπτομέρειες ζωγραφικής, ονομάζεται " Λευκορωσίας Breighelem" Συγκρίνετε τον εαυτό σας - στο αριστερό Bruegel στο πρωτότυπο και στη σωστή μία από τις εκατοντάδες παρόμοιες ζωγραφιές του Gubareva. (Με την ευκαιρία, κοσμήματα που χρησιμοποιούν μικρογραφίες, ο Bruegel απεικονίζεται 118 παροιμίες από τη σκανδιναβική λαογραφία).

Γενικά, η εμφάνιση του πρωταρχικισμού προκλήθηκε από, αφενός, την απόρριψη της σύγχρονης αστικοποιημένης ζωής και την άνοδο της μαζικής κουλτούρας, και από την άλλη - μια πρόκληση της εξελιγμένης ελίτ. Οι πρωτογενείς επιδιώκουν να πλησιάσουν την καθαρότητα, τη συναισθηματικότητα και την αδιαμφισβήτητη σαφήνεια της συνείδησης των ανθρώπων ή των παιδιών. Αυτές οι τάσεις άγγιξαν σε πολλούς καλλιτέχνες στην Ευρώπη, την Αμερική και τη Ρωσία.

Είναι αδύνατο να μην αναφέρουμε τον φωτεινό εκπρόσωπο της τέχνης της Ναβάρας και του πρωτογονισμού στη στροφή των αιώνων XIX-XX, τον γαλλικό καλλιτέχνη Henri Russo . Οι πίνακές του είναι γενικά δύσκολο να χαρακτηριστούν λέξεις λόγω της φαντασίας της φουσκάλας και των ασύγκριτων με τους τρόπους σχεδίασης κάποιου. Ζωγραφική άρχισε να συμμετέχει στην ενηλικίωση, χωρίς να έχει μια κατάλληλη εκπαίδευση. Συχνά ζωγραφισμένη εξωτική ζούγκλα, η οποία δεν έχει δει ποτέ στη ζωή. Δεν δίνοντας προσοχή σε πολλές περιπτώσεις που το παιδί μπορεί επίσης να αντλήσει και ο Ράσο πήγε κατά μήκος του μονοπατιού της έκθεσής του. Ως αποτέλεσμα, η επιμονή του αποδείχθηκε ότι ήταν ο αρχιτέκτονας, ο οποίος γύρισε τον κόσμο της Καλής Τέχνης: η μεγαλοφυία του Henri Rousseau αναγνώρισε και η νέα γενιά καλλιτεχνών παρεμποδίστηκε το ραβδί της κυρίας του.

Τα χαρακτηριστικά του πρωταρχικισμού ήταν επίσης εγγενείς στο έργο των μεγάλων γαλλικών ζωγράφων, Οικόπεδο και Henri Matisse. Απλά κοιτάξτε τους Gaenov "Tahitians με μάνγκο" ή στην θυελλώδη "χαρά της ζωής" Matisse: την αιτιώδη συνάφεια της φύσης σε πλήρη ταλάντευση. (Δεν είναι περίεργο Matisse ήταν ένας fusist).

Η Ρωσία είχε τις δικές τους ομάδες υποστηρικτών του στυλ της αφελής τέχνης. Μεταξύ αυτών είναι οι συμμετέχοντες στις δημιουργικές κοινότητες "Bubnovsky Valt" (Π. P. Konchalovsky, Ι. Ι. Mashkov), "Oslay Tail" (Μ. F. Larionov, Ν. S. Goncharov, Μ. Z. Shagal) και άλλοι.

Μια από τις ιδιοφυΐες του πρωτογονισμού είναι σωστό Niko Pirosmani . Αυτός ο αυτοδίδακτος καλλιτέχνης από ένα μικρό γεωργιανό χωριό διακόπτεται από το εισόδημα Nishchensky, διαπραγμάτευση με γάλα. Συχνά έδωσε τις ζωγραφιές της στους αγοραστές ή έδωσαν εξελίξεις που ελπίζουν να βοηθήσουν κάποια χρήματα. Καλή γιορτή, σκηνές αγροτικής ζωής, φύση - αυτά είναι θέματα που ενέπνευσε τον Pirosmani. Όλα τα πικνίκ και η Πραζνίκη στα έργα του έχουν χαρακτηριστικά εθνικά χαρακτηριστικά. Η μοναξιά και η σύγχυση ενός καλλιτέχνη Nugget στο αστικό διάδοχο ματιών γυρίζει τον καμβά του με φιλοσοφικές σκέψεις σχετικά με τον τόπο του ανθρώπου (και γενικά ένα ζωντανό να είναι) στον κόσμο, και οι γιορτές του και οι γιορτές του μιλούν για τις στιγμές της χαράς της γήινης να εισαι.

Είναι δυνατή η συνέχιση της συνέχισης των παραδειγμάτων, αλλά ακόμη και από μια μικρή εκδρομή το πολυπολιτισμικό φαινόμενο της αφελής τέχνης γίνεται προφανές. Αυτή η επιβεβαίωση μπορεί να είναι εκατοντάδες μουσεία και γκαλερί, όπου αποθηκεύονται οι εικόνες των "αφελών καλλιτεχνών". Ή το ποσό των πωλήσεων αφελών Άρτα, υπολογιζόμενη σε εκατοντάδες εκατομμύρια δολάρια.

Το είδος του πρωταθλήματος αποδείχθηκε ότι είναι επιβίωσης και προσαρμόσιμη ως όλα τα απλούστερα στη φύση. Η Naive Art έχει αναπτυχθεί, όχι λόγω των ακαδημαϊκών "τεχνητών" επιστημών (οι καλλιτέχνες της Art-Nava συχνά δεν είχαν εκπαίδευση), αλλά μάλλον, αντίθετα, επειδή ο ντόπιος και ο οικότοπος των αφελών τεχνών είναι βαθιά φυσικοί, βρεφικοί επιστήμονες και κριτικοί του Φαινόμενο, όπου η παντοδύναμος μεγαλοφυία του ανθρώπου βασιλεύει.

Στην περίπτωση των έργων του είδους Αφελής τέχνη., Είμαστε εντελώς αλληλεγγύη με την έκφραση του Louis Aragon: " Αφελής να εξετάσει αυτές τις φωτογραφίες αφελές.»