Αμερικανοί καλλιτέχνες τοπίου παίκτες. Σχολή Εγκυκλοπαίδεια
Το 1776, η Αμερική διακήρυξε την ανεξαρτησία της και από εκείνη την εποχή αρχίζει στην πραγματικότητα την ανάπτυξη των εθνικών εικαστικών τεχνών, ο οποίος προοριζόταν να προβάλει την ιστορία της χώρας.
Καλλιτέχνες του XVIII αιώνα. Οι περισσότεροι από αυτούς ήταν αυτοδίδητοι και ιδρύθηκαν στο ύφος της βρετανικής τέχνης.
Και στο XIX αιώνα. Το πρώτο σχολείο ζωγραφικής δημιουργήθηκε ήδη - το σχολείο του ποταμού Hudson.
Σχολή ποταμού Hudson
Το σχολείο του ποταμού Hudson είναι η λεγόμενη ομάδα αμερικανικών καλλιτεχνών χρωμάτων. Η δημιουργικότητά τους αναπτύχθηκε με το στυλ του ρομαντισμού. Οι εικόνες απεικονίζουν την κοιλάδα του ποταμού Hudson και το περιβάλλον της. Οι καλλιτέχνες απεικονίζουν πιο συχνά την άγρια \u200b\u200bφύση της Αμερικής και αμφισβήτησαν τη σκοπιμότητα της τεχνικής προόδου.
Thomas Cole "Oksbow" (1836). Μητροπολιτικό Μουσείο (Νέα Υόρκη)
Το σχολείο του ποταμού Hudson δεν ήταν ένα ομοιογενές φαινόμενο στη ζωγραφική εκείνης της εποχής: για παράδειγμα, υπήρχε ένα υποκατάστημα στο στυλ του ιμπρεσιονισμού, το οποίο κλήθηκε Αρμοδιότητα. Η αρμοδιότητα έδωσε μεγάλη προσοχή στην αντίληψη του καλλιτέχνη του φωτός. Από τον ιμπρεσιονισμό, ο Luming διακρίνεται από το γεγονός ότι είναι μεγαλύτερη προσοχή στις λεπτομέρειες, γίνεται κρυμμένο επίχρισμα. Αλλά γενικά αυτά τα δύο στυλ είναι παρόμοια.
Fitz Henry Lane "πλοίο στο Tuman" (1860)
Ο ιδρυτής του σχολείου ήταν ο καλλιτέχνης Thomas Cole. Προφεύει στον ποταμό Gudson το φθινόπωρο του 1825. Στη συνέχεια, ο Ashecher Brown Durand τον εντάχθηκε. Άλλοι σχολικοί καλλιτέχνες:
Albert Birstadt
John William Casiller
Εκκλησία Frederick Edwin
Thomas cole
Samuel Kolmen.
Jasper Francis Kropsi
Thomas Dobouti
Robert scott dancançon
Senford Robinson Gifford
James McDouga Hart
William Hart
William Stanley Haseltine
Martin Johnson Hedi Dr.
Η ζωγραφική των καλλιτεχνών της Σχολής Hudsosphere ήταν απλά απλότητα.
Thomas Cole (1801-1848)
Ο Thomas Cole γεννήθηκε στην Αγγλία. Το 1818, η οικογένειά του μετανάστευσε στις Ηνωμένες Πολιτείες. Τα επαγγέλματα του ASE COLE έλαβε έναν αδέσποτο καλλιτέχνη-πορτρέτο Stein. Αλλά η ζωγραφική πορτρέτου δεν ήταν επιτυχής γι 'αυτόν, και άρχισε να γράφει τοπία. Αυτός και οι αλληγορουργικοί πίνακες ήταν σε θέση, για παράδειγμα, μια σειρά από "ταξιδιωτική ζωή", που αποτελείται από εικόνες των τεσσάρων περιόδων της ανθρώπινης ζωής: παιδική ηλικία, νεολαία, ωριμότητα και γήρας. Αυτός ο κύκλος αποθηκεύεται στην Εθνική Πινακοθήκη (Ουάσιγκτον, ΗΠΑ)
Τ. Cole "παιδική ηλικία"
Στην πρώτη εικόνα, ο καλλιτέχνης απεικόνισε ένα παιδί σε μια βάρκα που επιπλέει κατά μήκος του ποταμού της ζωής. Αυτό το σκάφος διαχειρίζεται ένας άγγελος, επειδή Το παιδί δεν είναι ακόμα ικανό για ανεξαρτησία. Ο ορίζοντας του, όπως και στην εικόνα, είναι περιορισμένη. Η φιγούρα στη μύτη του σκάφους κατέχει κλεψύδρα, συμβολίζοντας το χρόνο.
Τ. Cole "Νεολαία"
Το ίδιο σκάφος, αλλά έχει ήδη έναν νεαρό άνδρα. Έχει ήδη διαχειριστεί το σκάφος ανεξάρτητα, αλλά ο άγγελος δεν τον αφήνει ούτως ή άλλως - τον παρακολουθεί από την ακτή.
Ο Άγγελος συνεχίζει να παρακολουθεί έναν άνδρα, αλλά βυθίζεται στα προβλήματά του που την ξεπερνούν - τονίζει τη ζοφερή γεύση των έργων ζωγραφικής, δέντρων, τρεμούλλινων καταιγίδων ...
Τ. COLE "Γήρας"
Και τώρα η διαδρομή ζωής του ανθρώπου έρχεται στο τέλος. Τα σχήματα με το ρολόι άμμου στο σκάφος δεν είναι πλέον - ο χρόνος της γήινης ζωής ολοκληρώνεται. Και το σκάφος είναι όλοι οι σπόροι ...
Ο φύλακας άγγελος τον πήγε να κατευθύνει τη μελλοντική του πορεία στον κόσμο των άλλων, και άλλοι άγγελοι ήταν ορατές. Ο Cole δήλωσε έτσι για αυτή τη ζωγραφική: "Η τοποθέτηση της σωματικής ύπαρξης εξαφανίζεται και το μυαλό είναι ήδη σε θέση να δει τις αλιευτικές αιώνιες της αιώνιας ζωής".
Winslow Όμηρος (1836-1910)
Φωτογραφία 1880
Αμερικανός καλλιτέχνης και πρόγραμμα, ιδρυτής ρεαλιστικής ζωγραφικής. Το πιο διάσημο για τα θαλάσσια τοπία τους. Έγραψε το πετρέλαιο και την ακουαρέλα. Η δημιουργικότητά του επηρέασε όλη τη μεταγενέστερη ανάπτυξη της αμερικανικής ζωγραφικής.
Ο Όμηρος γνώρισε την επίδραση διαφόρων καλλιτεχνικών ροών, αλλά βασίστηκε κυρίως σε καθαρά αμερικανικά οικόπεδα.
Η ζωγραφική πρόωρη περίοδος - το φως και η γαλήνια, και για την τελευταία περίοδο χαρακτηρίζονται από σκοτεινούς τόνους και τραγικά θέματα.
W. Όμηρος "Σήμα ομίχλης". Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης (ΗΠΑ)
Το θέμα της εικόνας είναι ένας αγώνας ενός ατόμου με τη θάλασσα, τον λόγο της εύθραυσιας ανθρώπινης ζωής και της αιώνιας φύσης.
Thomas Kaupertuit Ikins (Eykins) (1844-1916)
Αμερικανός καλλιτέχνης, φωτογράφος, δάσκαλος, ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της αμερικανικής ρεαλιστικής ζωγραφικής.
Τ. Ikins. Αυτοπροσωπογραφία (1902)
Αποφοίτησε από την Πενσυλβανική Ακαδημία Καλών Τεχνών, βελτίωσε περαιτέρω τις δεξιότητές του στην Ευρώπη, κυρίως στο Παρίσι υπό την ηγεσία του Jean Leon Zheroma. Δίδαξε στην Ακαδημία Καλών Τεχνών, ήταν ο διευθυντής του.
Έδωσα μεγάλη προσοχή στη μελέτη και την εικόνα ενός γυμνού χαρακτήρα, την εμφάνιση, για την οποία απορρίφθηκε. Στη ζωγραφική του Ikins και των φωτογραφιών του, ένα γυμνό και ημι-βιδωτό σώμα καταλαμβάνει το κύριο μέρος. Διαθέτει πολλές εικόνες αθλητών. Το ιδιαίτερο ενδιαφέρον των Ikins προκάλεσε τη μεταφορά κινήσεων του ανθρώπινου σώματος.
Τ. Ikins "κολύμπι" (1895)
Έγραψε πορτρέτα σε ένα πολυτελές περιβάλλον.
Το πιο διάσημο έργο είναι η ακαθάριστη κλινική.
Τ. Ikins "Ακαθάριστη Κλινική" (1875)
Η εικόνα δείχνει τον διάσημο Φιλαδέλφιο χειρουργό Σαμουήλ - ο οποίος διαχειρίζεται τη λειτουργία σε φοιτητές της ιατρικής ακαδημίας. Ο καλλιτέχνης απεικονίζει τον Δρ. Gross από τη μεγαλοφυία της ανθρώπινης σκέψης, αλλά η εικόνα συγκλόνισε τους σύγχρονους με τον ρεαλισμό της.
Τ. Ikins επίσης γνωστό για πολλά σημαντικά πορτρέτα, συμπεριλαμβανομένου του πορτρέτου του αμερικανικού ποιητή και του δημόσιου Walt Whitman (1887-1888), ο οποίος ο ίδιος θεωρεί ο ποιητής.
Τ. Ikins. Πορτρέτο του Whitman (1887)
James Abbot Mcnel Whistler (1834-1903)
Αγγλο-Αμερικανός καλλιτέχνης, πορτρέτο, κύριος της χάραξης και της λιθογραφίας. Προκάτοχος ιμπρεσιονισμός και συμβολισμός.
Δ. Whistler. Αυτοπροσωπογραφία. Ινστιτούτο Τεχνών (Ντιτρόιτ)
Γεννήθηκε στο Lowelle (Μασαχουσέτη). Ο πατέρας του, ο George Washington Whistler, ένας γνωστός σιδηροδρομικός μηχανικός, το 1842 καλείται να χτίσει δρόμους στη Ρωσία, σχεδίασε τον σιδηρόδρομο Nikolaev. Στη Ρωσία, ο James επισκέφθηκε την Ακαδημία Τεχνών. Στις ΗΠΑ, σπούδασε σε στρατιωτική σχολή, αλλά αφαιρέθηκε.
Δ. Διάταξη "Whistler" σε γκρι και μαύρο. Μητέρα του καλλιτέχνη (1871). Μουσείο Orsay (Παρίσι)
Αυτή είναι η πιο διάσημη δουλειά του James Whistler.
Σπούδασε ζωγραφική στο Παρίσι, στη συνέχεια στη Βενετία (που ασχολούνται με σκίτσα ακουαρέλας και χάραξη).
Κατά την πρώτη περίοδο του έργου του Whistler συγκέντρωσε με τον ιμπρεσιονισμό, την επιθυμία να συλλάβει την πρώτη εντύπωση από το θέμα - το τοπίο ή τον άνθρωπο. Αλλά σε πολλά θέματα, διασκορπίστηκαν με τους ιμπρεσιονιστές: δεν εγκρίθηκε η λατρεία του Plenäer, σκέφτηκε εκ των προτέρων το Tonality Flower. Στα ύστερα έργα, ο Whistler χρησιμοποιεί εξαιρετικά διαζευγμένα, διαφανή χρώματα ακουαρέλας, τα οποία διαβιβάζουν την αίσθηση της πρόσληψης της κινητικότητας του ατμοσφαιρικού μέσου.
Δ. Whistler "Συμφωνία στο γκρίζο και στον Πράσινο Ωκεανό" (1866-1872)
Οικιακό είδος
Μια μεγάλη ανάπτυξη στην αμερικανική ζωγραφική XIX αιώνα. Πήρε ένα είδος νοικοκυριού. Αρχικά, αυτό το είδος βασίστηκε σε μια επαρχιακή ζωή με κάρτες, χορό κ.λπ.
Eastman Johnson "Ευτυχία της εγκαταλελειμμένης επιμέλειας" (1871)
Αλλά μετά τη βιομηχανική επανάσταση και η αστικοποίηση άρχισε στις Ηνωμένες Πολιτείες, οι καλλιτέχνες άρχισαν να απεικονίζουν τη ζωή μεγάλων πόλεων.
John Gast "Αμερικανική πρόοδος" (περίπου 1872)
Η εικόνα δείχνει Allegarical Columbia με ένα βιβλίο στο χέρι. Οδηγεί έναν πολιτισμό στα δυτικά μαζί με τους Αμερικανούς μετανάστες, αγαπητέ τέντωμα της γραμμής τηλεγραφών. Η εικόνα δείχνει διαφορετικούς τύπους οικονομικής δραστηριότητας των πρώτων εποίκων, της ιστορίας της μεταφοράς. Οι Ινδοί και τα άγρια \u200b\u200bζώα απεικονίζουν να τρέχουν μακριά από τους μετανάστες.
"Σχολείο απορριμμάτων σκουπιδιών"
Με τη σειρά των αιώνων XIX και XX. Στις ΗΠΑ, υπήρχε μια ταχεία ανάπτυξη μεγάλων πόλεων. Οι κάμερες εκείνης της εποχής δεν θα μπορούσαν ακόμη να χρησιμοποιηθούν για λειτουργική λήψη συμβάντων, οπότε οι εφημερίδες προσέλαβαν καλλιτέχνες για εικονογραφήσεις. Έτσι σχηματίστηκε η "Σχολή Σχάνων Σκουπί", η οποία περιελάμβανε τον Robert Henry, Glenn Kolman, Jerome Myers και George Bellose. Τα κύρια αντικείμενα των σκίτσων των στελεχών ήταν δρόμοι με τους τυπικούς αντιπροσώπους τους: Smoothies, πόρνες, καλλιτέχνες δρόμου και μετανάστες. Η προέλευση, η εκπαίδευση και η πολιτική απόψεις αυτών των καλλιτεχνών ήταν διαφορετικές. Αλλά ο Robert Henry πίστευε ότι η ζωή και οι δραστηριότητες των φτωχών, προλεταριάτων και της μεσαίας τάξης άξιζαν ενσάρκωση στη ζωγραφική - αυτές είναι πραγματικότητα.
George Belluse "Βοήθεια βοήθειας Herds Edith Cavell" (1918)
"Σχολή απορριμμάτων σκουπιδιών" έκανε μια επανάσταση στην οπτική τέχνη των Ηνωμένων Πολιτειών, ήταν ο πρόδρομος
"Παίκτες σε κάρτες"
Συντάκτης
Paul Cesanne
Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1839–1906
Στυλ Ταχυδρομική ύλη
Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στα νότια της Γαλλίας σε μια μικρή πόλη πρώην en-provence, αλλά η ζωγραφική άρχισε να συμμετέχει στο Παρίσι. Αυτή η επιτυχία ήρθε σε αυτόν μετά την προσωπική έκθεση που διοργάνωσε ο συλλέκτης Ambruz Vollar. Το 1886, 20 χρόνια πριν τη φροντίδα του, μετακόμισε στα περίχωρα της πατρίδας του. Οι νέοι καλλιτέχνες τον κάλεσαν ονομάζεται "προσκύνημα στην πρώην".
130x97 cm
1895 έτος
Κόστος
250 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2012
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση
Η δημιουργικότητα Cezanne είναι εύκολο να κατανοηθεί. Ο μόνος κανόνας του καλλιτέχνη ήταν η άμεση μετάδοση του θέματος ή του οικόπεδο στον καμβά, οπότε οι πίνακές του δεν προκαλούν την αμηχανία του θεατή. Cezanne συνέδεσε δύο κύριες γαλλικές παραδόσεις στην τέχνη του: κλασικισμός και ρομαντισμός. Με τη βοήθεια μιας πολύχρωμης υφή, έδωσε μια εκπληκτική πλαστικότητα των αντικειμένων.
Μια σειρά από πέντε πίνακες "παίκτες στους χάρτες" γράφτηκε το 1890-1895. Το οικόπεδο τους είναι το ίδιο - πολλοί άνθρωποι παίζουν ενθουσιώδες πόκερ. Διατίθεται μόνο από τον αριθμό των παικτών και μεγεθών καμβά.
Τέσσερις πίνακες αποθηκεύονται στα Μουσεία της Ευρώπης και της Αμερικής (Μουσείο του Μελφαρίου, Μητροπολιτικό Μουσείο, Barnes Ίδρυμα και το Ινστιτούτο Κούρτο) και η πέμπτη φορά μέχρι πρόσφατα ήταν η διακόσμηση της ιδιωτικής συλλογής του ελληνικού δισεκατομμυριούχου-εφοπλιστή Georg Negbyricos. Λίγο πριν από το θάνατό του, το χειμώνα του 2011, αποφάσισε να το θέσει στην πώληση. Ο αντιπρόσωπος της τέχνης William Akvavella και ένα glimpical όνομα του Larry Gagosyan, ο οποίος το προσέφερε περίπου 220 εκατομμύρια δολάρια, οι οποίοι προσφέρουν περίπου 220 εκατομμύρια δολάρια για αυτό από τους πιθανούς αγοραστές "ελεύθερης" εργασίας. Ως αποτέλεσμα, η εικόνα πήγε στη βασιλική οικογένεια του Αραβικού Κράτους Κατάρ για 250 εκατομμύρια. Η μεγαλύτερη συμφωνία τέχνης στην ιστορία της ζωγραφικής έκλεισε τον Φεβρουάριο του 2012. Αυτό στην Vanity Fair ανέφερε έναν δημοσιογράφο Αλέξανδρο Pierce. Ανακάλυψε το κόστος της εικόνας και το όνομα του νέου ιδιοκτήτη και στη συνέχεια πληροφορίες διείσδυσε τα μέσα σε όλο τον κόσμο.
Το 2010, το Αραβικό Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης και το Εθνικό Μουσείο του Qatari άνοιξε στο Κατάρ. Τώρα οι συλλογές τους αναπληρώνονται. Ίσως η πέμπτη έκδοση των "παικτών στην κάρτα" αποκτήθηκε από τον Sheikh για το σκοπό αυτό.
ΣάμηΑγαπητέ ζωγραφικήστον κόσμο
Ιδιοκτήτης
Σέιχ Χαμάς
bin caliph al-tanya
Η δυναστεία al-tanya κυβερνά το Κατάρ πάνω από 130 χρόνια. Περίπου πριν από περίπου μισό αιώνα, βρέθηκαν τεράστια αποθέματα πετρελαίου και φυσικού αερίου εδώ ότι το VMIG έκανε το Κατάρ μία από τις πλουσιότερες περιοχές του κόσμου. Χάρη στην εξαγωγή υδρογονανθράκων σε αυτή τη μικρή χώρα, καταγράφεται το μεγαλύτερο κατά κεφαλήν ΑΕΠ. Ο Sheikh Hamad Bin Califa Al-Tanya το 1995, ενώ ο πατέρας του ήταν στην Ελβετία, με την υποστήριξη των μελών της οικογένειας κατασχέθηκαν εξουσία. Η αξία του σημερινού κυβερνήτη, σύμφωνα με τους εμπειρογνώμονες, σε μια σαφή στρατηγική για την ανάπτυξη της χώρας, δημιουργώντας μια επιτυχημένη κατάσταση. Τώρα το Σύνταγμα και ο Πρωθυπουργός εμφανίστηκαν στο Κατάρ και οι γυναίκες έλαβαν το δικαίωμα να ψηφίσουν στις κοινοβουλευτικές εκλογές. Με την ευκαιρία, ήταν το emir του Κατάρ που ίδρυσε το κανάλι News Al-Jazeera. Τεράστια προσοχή των αρχών του αραβικού κράτους να πληρώσουν τον πολιτισμό.
2
"Αριθμός 5"
Συντάκτης
Jackson Pollock
Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1912–1956
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός
Ο ψεκαστήρας Jack - ένα τέτοιο ψευδώνυμο δόθηκε στο αμερικανικό κοινό για την ειδική τεχνική της ζωγραφικής. Ο καλλιτέχνης αρνήθηκε τη βούρτσα και το καβαλέτο, και το χρώμα που χύθηκε πάνω από την επιφάνεια του καμβά ή του φιορίτη κατά τη διάρκεια της συνεχούς κίνησης γύρω και μέσα τους. Από νεαρή ηλικία, αγαπούσε τη φιλοσοφία Jedda Krishnamurti, η κύρια υπόσχεση της οποίας - η αλήθεια ανοίγει κατά τη διάρκεια της ελεύθερης "εκσυγχρονισμού".
122x244 cm
1948.
Κόστος
140 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Sotheby's.
Η αξία του έργου του Midfield δεν αποτελεί αποτέλεσμα, αλλά στη διαδικασία. Ο συγγραφέας δεν αποκλείει τυχαία την τέχνη της δράσης ζωγραφικής. Με το ελαφρύ χέρι του έγινε ο κύριος τομέας της Αμερικής. Jackson Pollock Μικτή βαφή με άμμο, σπασμένο γυαλί και έγραψε ένα κομμάτι χαρτονιού, μαστίγιο, μαχαίρι, σέσουλα. Ο καλλιτέχνης ήταν τόσο δημοφιλής ότι στη δεκαετία του 1950, οι μιμητές βρέθηκαν ακόμη και στην ΕΣΣΔ. Η εικόνα "Αριθμός 5" αναγνωρίζεται ως ένα από τα πιο παράξενα και ακριβά στον κόσμο. Ένας από τους δημιουργούς των Dreamworks David Hepfen το απέκτησε για μια ιδιωτική συλλογή και το 2006 πωλήθηκε στη δημοπρασία Sotheby »για 140 εκατομμύρια δολάρια στο Μεξικάνικο David Martinez. Ωστόσο, σύντομα μια δικηγορική εταιρεία εξ ονόματος του πελάτη του κυκλοφόρησε ένα δελτίο τύπου, το οποίο ανέφερε ότι ο David Martinez δεν είναι ο ιδιοκτήτης της ζωγραφικής. Προφανώς μόνο ένα πράγμα είναι γνωστό: Ο Μεξικανός χρηματοδότης έχει πράγματι πρόσφατα συλλογή έργων σύγχρονης τέχνης. Είναι απίθανο ότι θα είχε χάσει ένα τέτοιο "μεγάλο ψάρι" ως "αριθμός 5" του μεσουού.
3
"Γυναίκα ΙΙΙ"
Συντάκτης
Villem de Kuning
Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1904–1997
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός
Η αποχώρηση από τις Κάτω Χώρες, μετανάστευσε στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1926. Το 1948 πραγματοποιήθηκε μια προσωπική έκθεση του καλλιτέχνη. Οι επικριτές της τέχνης εκτιμάται σύνθετες, νευρικές ασπρόμαυρες συνθέσεις, αναγνωρίζοντας στον συγγραφέα του μεγάλου καλλιτέχνη-μοντερνιστή. Έχει υποστεί το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του με τον αλκοολισμό, αλλά η χαρά της δημιουργίας νέας τέχνης αισθάνεται σε κάθε έργο. Ο De Kuning διακρίνεται από την παρορμητικότητα της ζωγραφικής, τα ευρεία εγκεφαλικά επεισόδια, που μερικές φορές η εικόνα δεν ταιριάζει στα όρια του καμβά.
121x171 cm
1953.
Κόστος
137 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση
Στη δεκαετία του 1950, οι γυναίκες με κενά μάτια, μαζικά στήθη, άσχημη χαρακτηριστικά του προσώπου εμφανίζονται στους πίνακες του de Kuning. Η "Woman III" έγινε η τελευταία δουλειά από αυτή τη σειρά που συμμετείχε στη δημοπρασία.
Από τη δεκαετία του 1970, η εικόνα διατηρήθηκε στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης Τεχεράνης, αλλά μετά την εισαγωγή σκληρών κανόνων ηθικής στη χώρα, προσπάθησαν να το ξεφορτωθούν. Το 1994, το έργο αφαιρέθηκε από το Ιράν και μετά από 12 χρόνια ο ιδιοκτήτης του David Hepfen (ο πιο παραγωγός που πώλησε το κανάλι Jackson Pollock "Number 5") έδωσε την εικόνα στο Milliona Stephen Cohen για 137,5 εκατομμύρια δολάρια. Είναι ενδιαφέρον ότι ο Hepfhen άρχισε να πωλεί τη συλλογή ζωγραφικής του σε ένα χρόνο. Δημιούργησε ένα βάρος φήμης: για παράδειγμα, ο παραγωγός αποφάσισε να αγοράσει την εφημερίδα του Λος Άντζελες.
Σε ένα από τα φόρουμ της τέχνης, εκφράστηκε γνώμη σχετικά με την ομοιότητα των "γυναικών ΙΙΙ" με την εικόνα της Leonardo da Vinci "κυρία με το Mornosta". Για ένα χαμόγελο οδοντωτού και μια άμορφη φιγούρα της ηρωίδας, ο γνώστης της ζωγραφικής είδε τη χάρη του βασιλικού αίματος. Αυτό αποδεικνύεται από την κακώς βαμμένη κορώνα, το κεφάλι του γάμου μιας γυναίκας.
4
"Πορτρέτο του AdeliBloch-Bauer I »
Συντάκτης
Gustav klimt
Χώρα Αυστρία
Χρόνια της ζωής 1862–1918
Στυλ Μοντέρνο
Ο Gustav Klimt γεννήθηκε στην οικογένεια μιας οικογένειας χαράκτη και ήταν το δεύτερο από τα επτά παιδιά. Τρεις γιοι του Ernest Klimt έγιναν καλλιτέχνες, και μόνο ο Γκουσβός είχε γίνει διάσημος για ολόκληρο τον κόσμο. Το μεγαλύτερο μέρος της παιδικής ηλικίας που πέρασε στη φτώχεια. Μετά το θάνατο του πατέρα του, ήταν υπεύθυνος για όλη την οικογένεια. Είναι αυτή τη στιγμή ότι η αναρρίχηση αναπτύσσει το ύφος του. Μπροστά από τους πίνακές του, οποιοσδήποτε προβολέας παγώνει: κάτω από τα λεπτά επιχρίσματα του χρυσού είναι σαφώς ορατό στον ερωτισμό του Frank.
138x136 cm
1907 έτος
Κόστος
135 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Sotheby's.
Η τύχη της εικόνας, η οποία ονομάζεται "Αυστριακή Mona Liza", μπορεί εύκολα να γίνει η βάση για το μπεστέλες. Το έργο του καλλιτέχνη ήταν η αιτία της σύγκρουσης ολόκληρου του κράτους και μιας ηλικιωμένης κυρίας.
Έτσι, στο "πορτρέτο του Adeli Bloch-Bauer" έδωσα έναν αριστοκράτη, τη σύζυγο του Ferdinand Bloch. Η τελευταία της θέληση ήταν να μεταφέρει την εικόνα της αυστριακής κρατικής γκαλερί. Ωστόσο, οι ψύλλοι στην ακυρωμένη δωρεά και ο καμβάς απαλλοτριώθηκε στους ναζί. Αργότερα, η γκαλερί μόλις αγόρασε το "Golden Adel", αλλά εδώ εμφανίστηκαν οι κληρονόμοι - Maria Altman, η ανιψιά του Ferdinand Bloch.
Το 2005 ξεκίνησε η δυνατή διαδικασία "Maria Altman εναντίον της Αυστριακής Δημοκρατίας", ακολουθώντας την εικόνα "Αριστερά" μαζί της στο Λος Άντζελες. Αυστρία υιοθέτησε πρωτοφανή μέτρα: Υπήρξαν διαπραγματεύσεις για τα δάνεια, ο πληθυσμός θυσιάστηκε χρήματα για να αγοράσει ένα πορτρέτο. Καλή και δεν κέρδισε το κακό: Η τιμή του Altman αύξησε στα 300 εκατομμύρια δολάρια. Κατά τη στιγμή της διαδικασίας, ήταν 79 ετών και εισήλθε στην ιστορία ως πρόσωπο που είχε αλλάξει τη βούληση του Bloch Bauer υπέρ των προσωπικών συμφερόντων. Η εικόνα αποκτήθηκε από τον Ronald Laoupere, τον ιδιοκτήτη της "Νέας Γκαλερί" στη Νέα Υόρκη, όπου βρίσκεται ακόμα αυτή τη μέρα. Όχι για την Αυστρία, γι 'αυτόν ο Altman μειώνει την τιμή των 135 εκατομμυρίων δολαρίων.
5
"Ποταμάκι"
Συντάκτης
Edward munk.
Χώρα Νορβηγία
Χρόνια της ζωής 1863–1944
Στυλ εξπρεσιονισμός
Η πρώτη εικόνα της λάσπης, η οποία έχει γίνει διάσημη παγκοσμίως, - "άρρωστο κορίτσι" (υπάρχει σε πέντε αντίγραφα) - αφιερωμένη στην αδελφή του καλλιτέχνη που αποβιώνει από τη φυματίωση ηλικίας 15 ετών. Η MINCA ενδιαφέρεται πάντα για το θέμα του θανάτου και της μοναξιάς. Στη Γερμανία, η βαριά, μανιακή ζωγραφική του προκάλεσε ακόμη ένα σκάνδαλο. Ωστόσο, παρά τα καταθλιπτικά οικόπεδα, οι πίνακές του έχουν ειδικό μαγνητισμό. Πάρτε τουλάχιστον κολπίσκο.
73,5х91 cm
1895 έτος
Κόστος
119,992 εκατομμύρια δολάρια
Πωλούνται Β. 2012.
στη δημοπρασία Sotheby's.
Το πλήρες όνομα της εικόνας είναι το Der Schrei Der Natur (μεταφράζεται από το Γερμανό - "Creek of Nature"). Το πρόσωπο είναι αν το άτομο είναι, ή οι αλλοδαποί που εκφράζουν απελπισία και πανικό - το ίδιο συναίσθημα βιώνει έναν θεατή όταν κοιτάζει την εικόνα. Ένα από τα βασικά έργα του εξπρεσιονιστή προειδοποιεί τα θέματα που έχουν γίνει οξεία στην τέχνη του XX αιώνα. Σύμφωνα με μια από τις εκδόσεις, ο καλλιτέχνης το δημιούργησε υπό την επιρροή της ψυχικής διαταραχής, ο οποίος υπέστη όλη του τη ζωή.
Η εικόνα έχει κλαπεί δύο φορές από διαφορετικά μουσεία, αλλά επιστράφηκε. Η προκύπτουσα μικρή ζημιά μετά την κλοπή "Creek" ανακαινίστηκε και ήταν και πάλι έτοιμος να δείξει στο Μουσείο του μύλου το 2008. Για τους εκπροσώπους της ποπ κουλτούρας, το έργο έγινε πηγή έμπνευσης: ο Andy Warhol δημιούργησε μια σειρά από τα έντυπα εκτύπωσης και η μάσκα από την ταινία "Creek" έγινε στην εικόνα και την ομοιότητα του ήρωα της εικόνας.
Για ένα οικόπεδο, ο Munk έγραψε τέσσερις εκδόσεις της εργασίας: το ένα είναι στην ιδιωτική συλλογή, εκτελούνται παστέλ. Νορβηγικός δισεκατομμυριούχος Petter Olsen το έβαλε στη δημοπρασία στις 2 Μαΐου 2012. Ο αγοραστής ήταν ο Leon Black, ο οποίος δεν αντέχει στη "κλάμα" του ποσού ρεκόρ. Ιδρυτής εταιρειών Apollo Advisors, L.P. και τους συμβούλους λιονταριού, L.P. Γνωστό από την αγάπη του για την τέχνη. Το Black είναι ένα Patron του College Dartmouth, Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης, Κέντρο Τέχνης Λίνκολν, Μητροπολιτικό Μουσείο Τεχνών. Έχει τη μεγαλύτερη συλλογή έργων ζωγραφικής των σύγχρονων καλλιτεχνών και κλασικών πλοιάρχων των παρελθόντων αιώνων.
6
"Γυμνό στο φόντο της προτομής και των πράσινων φύλλων"
Συντάκτης
Πάμπλο Πικάσο
Χώρα Ισπανία, Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1881–1973
Στυλ κυβισμός
Με προέλευση, είναι ένας Ισπανός, και στο πνεύμα και τον τόπο κατοικίας - ένας πραγματικός Γάλλος. Το στούντιο της τέχνης του Πικάσο άνοιξε στη Βαρκελώνη όταν ήταν μόλις 16 ετών. Στη συνέχεια πήγε στο Παρίσι και πέρασε την πλειοψηφία της ζωής εκεί. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο στην επώνυμό του διπλή έμφαση. Στην καρδιά του στυλ, εφευρέθηκε Picasso, υπάρχει άρνηση της άποψης ότι το αντικείμενο που απεικονίζεται στον καμβά μπορεί να θεωρηθεί μόνο υπό μία άποψη.
130x162 cm
1932 έτος
Κόστος
106,482 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το έτος 2010
στη δημοπρασία Christie.
Κατά τη διάρκεια της δουλειάς του στη Ρώμη, ο καλλιτέχνης συναντήθηκε ο χορευτής της Olga Khokhlov, ο οποίος σύντομα έγινε η σύζυγός του. Τελείωσε με την Vagrancy, μετακόμισε μαζί της σε ένα πολυτελές διαμέρισμα. Μέχρι τότε, η αναγνώριση βρήκε έναν ήρωα, αλλά ο γάμος καταστράφηκε. Ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες του κόσμου δημιουργήθηκε σχεδόν τυχαία - σε μεγάλη αγάπη, η οποία, όπως πάντα, ο Πικάσο ήταν σύντομος. Το 1927, παρασύρθηκε από το Young Marie Terez Walter (ήταν 17 ετών, ήταν 45). Σε μυστικό, έφυγε από τη σύζυγό του με την ερωμένη του στην πόλη κοντά στο Παρίσι, όπου έγραψε ένα πορτρέτο, που απεικονίζει τη Marie Terez στην εικόνα της Δάφνης. Ο καμβάς απέκτησε τον αντιπρόσωπο της Νέας Υόρκης Paul Rosenberg και το 1951 τον έδωσε το Σίδνεϊ Σ. Μπρούδα. Οι σύζυγοι Brody έδειξαν μια εικόνα του κόσμου μόνο μία μέρα και μόνο επειδή ο καλλιτέχνης ήταν 80 ετών. Μετά το θάνατο του συζύγου της, κυρία Brody, τον Μάρτιο του 2010, έβαλε ένα έργο για τη δημοπρασία στο σπίτι της Christie's. Για έξι δεκαετίες, η τιμή έχει αυξηθεί περισσότερο από 5.000 φορές! Ένας άγνωστος συλλέκτης την απέκτησε για 106,5 εκατομμύρια δολάρια. Το 2011, η "Έκθεση ενός σχεδίου" έλαβε χώρα στη Βρετανία, όπου είδε το φως της δεύτερης ώρας, αλλά το όνομα του ιδιοκτήτη είναι ακόμα άγνωστο.
7
"Οκτώ elvis"
Συντάκτης
Andy warhole
Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1928-1987
Στυλ
ποπ art
"Το σεξ και τα κόμματα είναι τα μόνα μέρη όπου πρέπει να εμφανιστείτε με το δικό σας πρόσωπο", δήλωσε ο καλλιτέχνης Pop Art, σκηνοθέτης, ένας από τους ιδρυτές του περιοδικού συνέντευξης, σχεδιαστής Andy Warhol. Εργάστηκε με τη μόδα και το παζάρι του Harper, καταρτίζει το εξώφυλλο των αρχείων, ήρθε με παπούτσια για i.Miller. Στη δεκαετία του 1960, εμφανίστηκαν εικόνες των συμβόλων της Αμερικής: η σούπα Campbell και η Coca-Cola, Presley και Monroe - το έκανε ο θρύλος.
358x208 cm
1963 χρόνια
Κόστος
100 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση
Warholovsky 60s - η εποχή της Pop Art's Era στην Αμερική. Το 1962 εργάστηκε στο Μανχάταν στο στούντιο "εργοστάσιο", όπου συγκεντρώθηκαν όλη η Βοημία Νέα Υόρκη. Οι λαμπεροί αντιπροσώπους του: Mick Jagger, Bob Dylan, Trueman Hood και άλλος άνθρωπος γνωστός στον κόσμο. Ταυτόχρονα, η Warhol προσπάθησε τη μεταξογραφική τεχνολογία - μια πολλαπλή επανάληψη μιας εικόνας. Χρησιμοποίησε αυτή τη μέθοδο και κατά τη δημιουργία "οκτώ elvis": ο θεατής φαίνεται να βλέπει τα πλαίσια από την ταινία, όπου το αστέρι έρχεται στη ζωή. Υπάρχουν όλα όσα αγαπάει τόσο πολύ ο καλλιτέχνης: η νίκη-νίκη δημόσια εικόνα, το ασημένιο χρώμα και η προδικασία του θανάτου ως κύρια υπόσχεση.
Υπάρχουν δύο αντιπροσώπους τέχνης που προωθούν το έργο του Warhol στην παγκόσμια αγορά σήμερα: ο Larry Gagosyan και ο Alberto Morbai. Το πρώτο το 2008 δαπάνησε 200 εκατομμύρια δολάρια για να αποκτήσει περισσότερα από 15 έργα Warhol. Το δεύτερο αγοράζει και πωλεί τα έργα του ως Χριστουγεννιάτικες κάρτες, μόνο πιο ακριβό. Αλλά όχι, και ο μέτριος σύμβουλος της Γαλλικής Τέχνης Philip Segalo βοήθησε τον ρωμαϊκό γνώρισμα της τέχνης της Annibal Berlingheri να πουλήσει τον άγνωστο αγοραστή "οκτώ Elvis" για ένα αρχείο για Warhol - 100 εκατομμύρια δολάρια.
8
"Πορτοκάλι,Κόκκινο κίτρινο"
Συντάκτης
Mark rotko
Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1903–1970
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός
Ένας από τους δημιουργούς της ζωγραφικής του χρωμάτων που γεννήθηκε στο Dvinsk, Ρωσία (τώρα - Daugavpils, Λετονία), σε μια μεγάλη οικογένεια του εβραϊκού φαρμακοποιού. Το 1911, μετανάστευσαν στις Ηνωμένες Πολιτείες. Ο Rotko σπούδασε στη Σχολή Τέχνης του Πανεπιστημίου Yale, πέτυχε υποτροφίες, αλλά τα αντισημιτικά συναισθήματα τον ανάγκασαν να εγκαταλείψει τις σπουδές του. Παρά τα πάντα, η κριτική της τέχνης του καλλιτέχνη φυλάσσεται και τα μουσεία ακολούθησαν όλη τη ζωή του.
206x236 cm
1961 έτος
Κόστος
86.882 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Christie.
Τα πρώτα καλλιτεχνικά πειράματα του Rotko ήταν ένας σουρεαλιστικός προσανατολισμός, αλλά με την πάροδο του χρόνου απλουστεύει το οικόπεδο στα έγχρωμα σημεία, στερούσε τους οποιοδήποτε αντικείμενο. Αρχικά είχαν φωτεινές αποχρώσεις, και τη δεκαετία του 1960 χύθηκαν καφέ, βιολετί, πάχοντας μαύρα μέχρι τη στιγμή του θανάτου του καλλιτέχνη. Ο Mark Rotko προειδοποίησε ενάντια στην αναζήτηση οποιασδήποτε σημασίας στους πίνακές του. Ο συγγραφέας ήθελε να πει ακριβώς τι είπε: μόνο ένα χρώμα που διαλύεται στον αέρα, και τίποτα περισσότερο. Συνιστάται να κοιτάζει το έργο από απόσταση 45 cm, έτσι ώστε ο θεατής να "καθυστερήσει" στο χρώμα, όπως σε μια χοάνη. ΠΡΟΣΟΧΗ: Ψάχνετε για όλους τους κανόνες μπορεί να οδηγήσει στην επίδραση του διαλογισμού, δηλαδή, σταδιακά έρχεται στην επίγνωση του άπειρου, πλήρης εμβάπτιση από μόνη της, χαλάρωση, καθαρισμό. Το χρώμα στις ζωγραφιές του ζει, αναπνέει και έχει ισχυρότερο συναισθηματικό αντίκτυπο (λένε, μερικές φορές θεραπεύοντας). Ο καλλιτέχνης δήλωσε: "Ο θεατής πρέπει να κλάψει, κοιτάζοντας τους" και τέτοιες περιπτώσεις ήταν πράγματι. Στη θεωρία του Rotko, αυτή τη στιγμή οι άνθρωποι ζουν την ίδια πνευματική εμπειρία καθώς στη διαδικασία της εργασίας στην εικόνα. Εάν καταφέρατε να το καταλάβετε σε ένα τόσο λεπτό επίπεδο, τότε δεν θα εκπλαγείτε ότι αυτά τα έργα της ακρίβειας που συχνά συγκρίνονται με τα εικονίδια.
Το έργο "πορτοκαλί, κόκκινο, κίτρινο" εκφράζει όλη την ουσία της ζωγραφικής σήμανσης Rothko. Το αρχικό του κόστος στη δημοπρασία της Christie στη Νέα Υόρκη 35-45 εκατομμύρια δολάρια. Ένας άγνωστος αγοραστής προσέφερε μια τιμή δύο φορές ως υπέρβαση. Το όνομα του χαρούμενου ιδιοκτήτη ζωγραφικής, όπως συμβαίνει συχνά, δεν αποκαλύπτεται.
9
"Τρίπτυχο"
Συντάκτης
Φράνσις Μπέικον
Χώρα
Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια της ζωής 1909–1992
Στυλ εξπρεσιονισμός
Οι περιπέτειες του Francis Beckon, ένα πλήρες ομώνυμο και εκτός από έναν μακρύ απόγονο του μεγάλου φιλόσοφου, ξεκίνησε όταν ο Πατέρας τον παραιτηθεί, δεν μπορεί να δεχτεί τις ομοφυλοφιλικές τάσεις του Υιού. Ο Μπέικον πήγε πρώτα στο Βερολίνο, στη συνέχεια στο Παρίσι, και στη συνέχεια τα ίχνη του συγχέονται σε όλη την Ευρώπη. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, το έργο του εκτέθηκε σε κορυφαία πολιτιστικά κέντρα του κόσμου, μεταξύ των οποίων το μουσείο Guggenheim και η γκαλερί Tretyakov.
147,5х198 cm (το καθένα)
1976
Κόστος
$ 86,2 εκατομμύρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.
Τα διάσημα μουσεία προσπάθησαν να κατέχουν πίνακες της Bekon, αλλά το αρχικό αγγλικό κοινό δεν βιάζεται να επιβιώσει για την τέχνη αυτή. Ο θρυλικός πρωθυπουργός της British Margaret Thatcher μίλησε γι 'αυτόν: "Ένα άτομο που αντλεί αυτούς τους τρομακτικούς πίνακες".
Η περίοδος εκκίνησης στο έργο του, ο ίδιος ο καλλιτέχνης εξέτασε τον μεταπολεμικό χρόνο. Επιστρέφοντας από την υπηρεσία, έλαβε και πάλι ζωγραφική και δημιούργησε τα κύρια αριστουργήματα. Πριν από τη συμμετοχή του Triptych, το 1976 στη δημοπρασία του πιο ακριβού έργου μπέικον ήταν "Eterude στο πορτρέτο του Πάπα Innokentia X" (52,7 εκατομμύρια δολάρια). Στο Triptykh, το 1976, ο καλλιτέχνης απεικονίζει ένα μυθικό οικόπεδο της διώξεως της οργής ορεστέ. Φυσικά, ο ίδιος ο ίδιος είναι ο ίδιος ο Bacon, και ο Furi είναι το μαρτύριο του. Για περισσότερα από 30 χρόνια, η εικόνα ήταν στην ιδιωτική συλλογή και δεν συμμετείχε σε εκθέσεις. Το γεγονός αυτό το δίνει μια ειδική αξία και, κατά συνέπεια, αυξάνει το κόστος. Αλλά τι είναι μερικά εκατομμύρια για έναν γνώστη τέχνης, και ακόμη και στα ρωσικά γενναιόδωρα; Ο Ρωμαίος Abramovich άρχισε να δημιουργεί τη συλλογή του τη δεκαετία του 1990, η φίλη Dasha Zhukov τον επηρέασε σημαντικά, το οποίο έγινε μια μοντέρνα γκαλερί στη σύγχρονη Ρωσία. Σύμφωνα με ανεπίσημα δεδομένα, στην προσωπική ιδιοκτησία του επιχειρηματία, υπάρχουν έργα του Alberto Dzhacometti και του Pablo Picasso, αγόρασαν για ποσά που υπερβαίνουν τα 100 εκατομμύρια δολάρια. Το 2008, έγινε ιδιοκτήτης του Triptych. Με την ευκαιρία, το 2011 αποκτήθηκε μια άλλη πολύτιμη δουλειά του Bekon - "τρία σκίτσα στο πορτρέτο του Lucien Freud". Οι κρυφές πηγές λένε ότι ο Ρωμαίος Arkadyevich έγινε και πάλι ο αγοραστής.
10
"Λίμνη με νούφαρο"
Συντάκτης
Claude monet
Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1840–1926
Στυλ ιμπρεσιονισμός
Ο καλλιτέχνης αναγνωρίζεται από τον πρόγονο του ιμπρεσιονισμού, "με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας" αυτή τη μέθοδο στις καμβά της. Η πρώτη σημαντική δουλειά ήταν η ζωγραφική "πρωινό στο γρασίδι" (η αρχική έκδοση του έργου του Edward Mane). Στη νεολαία του, ζωγράφισε καρικατούρες και μια πραγματική ζωγραφική ανέλαβε κατά τη διάρκεια των ταξιδιών του κατά μήκος της ακτής και σε εξωτερικούς χώρους. Στο Παρίσι, οδήγησε τον Bohemian Lifestyle και δεν τον άφησε ακόμη και μετά την υπηρεσία στο στρατό.
210x100 cm
1919 έτος
Κόστος
80,5 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Christie.
Εκτός από το γεγονός ότι ο Monet ήταν ένας σπουδαίος καλλιτέχνης, έλαβε επίσης ενθουσιασμό με την κηπουρική, λατρευμένη ζωντανή φύση και λουλούδια. Στα τοπία του, η κατάσταση της φύσης είναι ελαφρώς, αντικείμενα σαν να θολωθεί από την κίνηση του αέρα. Η εντύπωση ενισχύεται από μεγάλα κηλίδες, από μια ορισμένη απόσταση γίνονται ανεπαίσθητα και συγχωνεύονται σε μια υφή, τρισδιάστατη εικόνα. Στη ζωγραφική του καθυστερημένου γάμου, το θέμα του νερού και της ζωής σε αυτό καταλαμβάνει μια ειδική θέση. Στην πόλη της Γκβέρνης, ο καλλιτέχνης ήταν η δική του λίμνη, όπου μεγάλωσε η Πίτα από τους σπόρους, που έφερε ειδικά από την Ιαπωνία. Όταν τα λουλούδια τους ανθίζουν, έψαχνε να σχεδιάσει. Μια σειρά από "γλυκά" αποτελείται από 60 έργα που ο καλλιτέχνης έγραψε για σχεδόν 30 χρόνια μέχρι θανάτου. Το όραμά του έχει επιδεινωθεί με την ηλικία, αλλά δεν σταμάτησε. Ανάλογα με τον άνεμο, την εποχή του χρόνου και τον καιρό, η λίμνη έχει αλλάξει συνεχώς, αυτές οι αλλαγές ήθελαν να καταγράψουν το Monet. Μέσω διεξοδικά για αυτόν, η κατανόηση της ουσίας της φύσης ήρθε. Μερικά από τα κελύφη της σειράς αποθηκεύονται στις κορυφαίες γκαλερί του κόσμου: το Εθνικό Μουσείο της Δυτικής Τέχνης (Τόκιο), το πορτοκαλί (Παρίσι). Η έκδοση της επόμενης "λίμνης με το νούφαρο" πήγε στα χέρια ενός άγνωστου αγοραστή για ένα αρχείο ρεκόρ.
11
Ψεύτικο αστέρι Τ.
Συντάκτης
Jasper Jones
Χώρα ΗΠΑ
Ετος γέννησης 1930
Στυλ ποπ art
Το 1949, ο Jones εισήλθε στο σχολείο σχεδιασμού στη Νέα Υόρκη. Μαζί με τον Jackson Pollock, Willem de Cunning και άλλους, αναγνωρίζεται ως ένας από τους κύριους καλλιτέχνες του 20ού αιώνα. Το 2012 έλαβε το "προεδρικό μετάλλιο της ελευθερίας" - το υψηλότερο άμαχο βραβείο των Ηνωμένων Πολιτειών.
137.2х170,8 cm
1959
Κόστος
80 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση
Όπως η Μασσαλία Dushan, ο Jones εργάστηκε με πραγματικά αντικείμενα, τα οποία τους απεικονίζουν σε καμβά και σε γλυπτική σε πλήρη συμφωνία με το πρωτότυπο. Για το έργο τους, χρησιμοποίησε απλά και κατανοητά αντικείμενα: μπουκάλι μπύρας, σημαία ή κάρτα. Η ψευδή εικόνα εκκίνησης δεν έχει καμία σαφή σύνθεση. Ο καλλιτέχνης σαν να παίζει με το κοινό, συχνά "λάθος" που υπογράφει χρώματα στην εικόνα, στρέφοντας την έννοια του ίδιου του χρώματος: "Ήθελα να βρω έναν τρόπο να απεικονίσω το χρώμα έτσι ώστε να μπορεί να καθοριστεί από κάποια άλλη μέθοδο". Το πιο εκρηκτικό και "ανθεκτικό στον εαυτό του", σύμφωνα με τους κριτικούς, η εικόνα αποκτήθηκε από έναν άγνωστο αγοραστή.
12
"ΣυνεδρίασηΓυμνός στον καναπέ"
Συντάκτης
Amedeo modiganiani
Χώρα Ιταλία, Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1884–1920
Στυλ εξπρεσιονισμός
Το Moodigaliani συχνά άρρωστοι από την παιδική ηλικία, κατά τη διάρκεια μιας πυρετωδούς ανοησίας, αναγνώρισε τον σχεδιαστή του καλλιτέχνη. Σπούδασε ζωγραφική στο Λιβόρνο της Φλωρεντίας, της Βενετίας και το 1906 πήγε στο Παρίσι, όπου η τέχνη του άνθισε.
65x100 cm
1917 χρόνια
Κόστος
$ 68.962 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το έτος 2010
στη δημοπρασία Sotheby's.
Το 1917, ο Modigliani συναντήθηκε το 19χρονο Jeanne Ebutern, ο οποίος έγινε το μοντέλο του, και στη συνέχεια η σύζυγός του. Το 2004, ένα από τα πορτρέτα της πωλήθηκε για $ 31,3 εκατομμύρια, τα οποία έγιναν το τελευταίο ρεκόρ πριν από την πώληση "συνεδρίαση γυμνό στον καναπέ" \u200b\u200bτο 2010. Η εικόνα απέκτησε έναν άγνωστο αγοραστή για το μέγιστο για το modigliani τη στιγμή της τιμής. Οι ενεργοί πωλήσεις εργασίας άρχισαν μόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη. Πέθανε σε μια φτώχεια, άρρωστη φυματίωση και την επόμενη μέρα που διαπράχθηκε μαζί του και ο Zhanna Ebutern, ο οποίος έμεινε στον ένατο μήνα της εγκυμοσύνης.
13
"Αετός στο πεύκο"
Συντάκτης
Qi Bayshi.
Χώρα Κίνα
Χρόνια της ζωής 1864–1957
Στυλ Gokhua
Το ενδιαφέρον για την καλλιγραφία οδήγησε Qi Baisha στη ζωγραφική. Στην ηλικία των 28 ετών, έγινε φοιτητής του καλλιτέχνη HU Zinyuan. Το Υπουργείο Πολιτισμού της Κίνας του διέκοψε τον τίτλο του «μεγάλου καλλιτέχνη του κινεζικού λαού», το 1956 έλαβε ένα διεθνές βραβείο του κόσμου.
10x26 cm
1946
Κόστος
65,4 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Κίνα Guardian.
Ο Qi Bayshi ενδιαφέρεται για αυτές τις εκδηλώσεις του περιβάλλοντος κόσμου, το οποίο πολλοί δεν δίνουν αξίες και σε αυτό το μεγαλείο του. Ένας άνδρας χωρίς εκπαίδευση έγινε καθηγητής και ένας εξαιρετικός δημιουργός στην ιστορία. Ο Pablo Picasso μίλησε γι 'αυτόν: "Φοβάμαι να πάω στη χώρα σας, γιατί στην Κίνα υπάρχουν qi baisha". Η σύνθεση "αετός σε ένα πεύκο" αναγνωρίζεται ως το μεγαλύτερο έργο του καλλιτέχνη. Εκτός από τον καμβά, περιλαμβάνει δύο ιερογλυφικά κύλιση. Για την Κίνα, το ποσό για το οποίο αγοράστηκε η εργασία, αντιπροσωπεύει ένα αρχείο - 425,5 εκατομμύρια γιουάν. Μόνο ένας κύλισης ενός αρχαίου calligrapher Juan Tinjiang πωλήθηκε για 436,8 εκατομμύρια.
14
"1949-A-№1"
Συντάκτης
Clifford ακόμα
Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1904–1980
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός
Στην ηλικία των 20 ετών επισκέφτηκα το Μητροπολιτικό Μουσείο στη Νέα Υόρκη και ήταν απογοητευμένος. Αργότερα, υπογράφηκε για την πορεία του φοιτητικού πρωταθλήματος των Τεχνών, αλλά άφησε 45 λεπτά μετά την έναρξη των τάξεων - αποδείχθηκε ότι δεν είναι "όχι". Η πρώτη προσωπική έκθεση προκάλεσε ένα συντονισμό, ο καλλιτέχνης βρήκε τον εαυτό του, και με αυτή την αναγνώριση
79x93 cm
1949 έτος
Κόστος
61,7 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's.
Όλα τα έργα τους, και αυτό είναι πάνω από 800 καμβά και 1600 έργα σε χαρτί, ο στυλίστας κέρδισε την αμερικανική πόλη, όπου θα ανοίξει το μουσείο του ονόματός του. Ο Ντένβερ έγινε μια τέτοια πόλη, αλλά μόνο η κατασκευή ήταν δαπανηρή στις αρχές, και για την ολοκλήρωσή της, τέσσερα έργα τέθηκαν σε δημοπρασία. Τα έργα της Stille είναι απίθανο να συμμετάσχουν στη δημοπρασία που προχώρησε ακόμα, η οποία προχώρησε την τιμή τους εκ των προτέρων. Η ζωγραφική "1949-A-No.1" πωλήθηκε για ένα αρχείο για τον καλλιτέχνη, αν και οι εμπειρογνώμονες πρόβλεψαν την πώληση 25-35 εκατομμυρίων δολαρίων.
15
"Suprematic composition"
Συντάκτης
Kazimir malevich
Χώρα Ρωσία
Χρόνια της ζωής 1878–1935
Στυλ Υπερεστισμός
Η Malevich έμαθε ζωγραφική στο σχολείο τέχνης Κίεβο, στη συνέχεια στη Μόσχα Ακαδημία Τεχνών. Το 1913 άρχισε να γράφει αφηρημένες γεωμετρικές ζωγραφιές με στυλ, το οποίο ονομάζεται υπερεκτισμός (από το LAT. "Κυριαρχία").
71x 88,5 cm
1916
Κόστος
60 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.
Στο αστικό μουσείο του Άμστερνταμ, η εικόνα διατηρήθηκε περίπου 50 ετών, αλλά μετά από μια 17χρονη διαμάχη με τους συγγενείς του Malevich, το μουσείο της έδωσε. Ο καλλιτέχνης έγραψε αυτή τη δουλειά σε ένα χρόνο με το "Manifesto of Suprematism", οπότε η Sotheby`s ανακοινώθηκε πριν από την προσφορά, δεν θα πάει στην ιδιωτική συλλογή σε μια ιδιωτική συλλογή. Ετσι κι εγινε. Είναι καλύτερο να το κοιτάξουμε: τα σχήματα στον καμβά μοιάζουν με την άποψη της γης από τον αέρα. Με την ευκαιρία, λίγα χρόνια νωρίτερα, οι ίδιοι συγγενείς απαλλοκοπικοί από το Μουσείο της MOMA μια άλλη "υπερμετρική σύνθεση" για να το πουλήσει στη δημοπρασία Phillips για 17 εκατομμύρια δολάρια.
16
"Πόρπες"
Συντάκτης
Paul Gajen
Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1848–1903
Στυλ Ταχυδρομική ύλη
Μέχρι και επτά χρόνια, ο καλλιτέχνης έζησε στο Περού, τότε με την οικογένειά του επέστρεψε στη Γαλλία, αλλά οι αναμνήσεις των παιδιών τον έσπρωξαν συνεχώς να ταξιδεύουν. Στη Γαλλία, άρχισε να γράφει χρώματα, ήταν φίλοι με το Van Gogh. Πέρασε ακόμη και αρκετούς μήνες μαζί του στην Arles, μέχρι το Van Gogh κατά τη διάρκεια μιας διαμάχης να κόψει το αυτί του.
93,4х60,4 cm
1902 έτος
Κόστος
55 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το 2005
στη δημοπρασία Sotheby's.
Το 1891, ο Gauguen διευθετείται να πουλήσει τους πίνακες του για να πάει βαθιά στο νησί της Ταϊτής στα αντίστροφα χρήματα. Εκεί δημιούργησε την εργασία στην οποία αισθάνεται η λεπτή σχέση της φύσης και του ανθρώπου. Το GOGEN έζησε σε μια καλύβα άχυρου και ένας τροπικός παράδεισος άνθισε στις καμβά του. Η σύζυγός του έγινε η 13χρονη Tahitiankah Teehra, η οποία δεν εμπόδισε τον καλλιτέχνη να συμμετάσχει με διαταραχές. Ασθένεια Σύφλεση, έφυγε για τη Γαλλία. Ωστόσο, η Mogen ήταν στενά και επέστρεψε στην Ταϊτή. Αυτή η περίοδος ονομάζεται "δεύτερος taitian" - τότε ήταν ότι η εικόνα των "swimsters" γράφτηκε, ένα από τα πιο πολυτελή στο έργο του.
17
"Νάρκισσος και τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ τόνους"
Συντάκτης
Henri Matisse
Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1869–1954
Στυλ Φοβισόφ
Το 1889, ο Henri Matisse είχε επίθεση απόκενττιδα. Όταν ανακτήθηκε από τη λειτουργία, η μητέρα αγόρασε τα χρώματα. Αρχικά, η Matisse από την Boredom αντιγράφηκε χρωματικά καρτ ποστάλ, τότε - τα έργα των μεγάλων ζωγράφων, που είδε στο Λούβρο, και στις αρχές του 20ού αιώνα ήρθαν με ένα στυλ - σχηματισμό.
65.2χ81 cm
1911
Κόστος
46,4 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2009
στη δημοπρασία Christie.
Η εικόνα "Νάρκισσος και τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ τόνους" για μεγάλο χρονικό διάστημα ανήκε στο Iva Saint-Laurent. Μετά το θάνατο του Kuturier, η όλη της συλλογή τέχνης έχει μετακομίσει στα χέρια του φίλου του και ο εραστής Pierre Berez, ο οποίος αποφάσισε να το θέσει στη δημοπρασία της Christie. Το μαργαριτάρι της συλλογής που πωλείται ήταν η ζωγραφική "Νάρκισσος και ένα τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ τόνους", γραμμένο σε ένα απλό τραπεζομάντιλο αντί για καμβά. Ως δείγμα της αχυρώνας, γεμίζει με έγχρωμη ενέργεια, τα χρώματα φαίνεται να εκραγούν και να φωνάζουν. Από τη διάσημη σειρά έργων ζωγραφικής που γράφτηκαν στο τραπεζομάντιλο, σήμερα αυτό το έργο είναι το μόνο, το οποίο βρίσκεται στην ιδιωτική συλλογή.
18
"Κοιμάται κορίτσι"
Συντάκτης
ΡομΨέμα
khtenstein
Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1923–1997
Στυλ ποπ art
Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Νέα Υόρκη και αποφοίτησε από το σχολείο, πήγε στο Οχάιο, όπου πήγε στα μαθήματα τέχνης. Το 1949, ο Λιχτενστάιν έλαβε ένα μεταπτυχιακό δίπλωμα σε κομψές τέχνες. Το ενδιαφέρον για τα κόμικς και η ικανότητα να σιδερώσουν τον καλλιτέχνη λατρείας του περασμένου αιώνα.
91x91 cm
1964
Κόστος
$ 44.882 εκατομμύρια
Πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Sotheby's.
Μια μέρα ένα τσίχλα χτύπησε το Λιχτενστάιν. Επαναλάσσει την εικόνα από την επένδυση στον καμβά και έγινε διάσημος. Σε αυτό το οικόπεδο από τη βιογραφία του, ολόκληρη η αποστολή ποπ τέχνης ολοκληρώνεται: η κατανάλωση είναι ένας νέος Θεός και στην καραμέλα από το Zhwachka όχι λιγότερο ομορφιά από ό, τι στο Mont Lisa. Οι πίνακές του μοιάζουν με κόμικς και κινούμενα σχέδια: Το Λιχτενστάιν απλώς αύξησε την τελειωμένη εικόνα, αντλώντας τα rasters, χρησιμοποιημένη εκτύπωση μεμβράνης και μεταξοτυπία. Η εικόνα "κοιμάται κορίτσι" ανήκε για σχεδόν 50 χρόνια στους συλλέκτες Beatris και Philip Pearrs, των οποίων οι κληρονόμοι το πωλήθηκαν σε δημοπρασία.
19
"Νίκη. Boogie woogie "
Συντάκτης
Πιτ Μονδικά
Χώρα Ολλανδία
Χρόνια της ζωής 1872–1944
Στυλ Νεοφισμός
Το πραγματικό του επώνυμο - Cornelis - ο καλλιτέχνης άλλαξε στο Mondrian, όταν το 1912 μετακόμισε στο Παρίσι. Μαζί με τον καλλιτέχνη Teo Vann Dusburg ίδρυσε το κίνημα "Nexousticism". Προς τιμήν της Mondrian, η γλώσσα Piet προγραμματισμού ονομάζεται.
27x127 cm
1944
Κόστος
40 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το 1998.
στη δημοπρασία Sotheby's.
Το πιο "μουσικό" από τους καλλιτέχνες του 20ού αιώνα κέρδισε ζωντανό με ακουαρέλα ακόμα ζωφάβες, αν και έγινε διάσημος για έναν νεοπλασματικό καλλιτέχνη. Στις ΗΠΑ, μετακόμισε τη δεκαετία του 1940 και πέρασε εκεί το υπόλοιπο της ζωής. Jazz και Νέα Υόρκη - Αυτό τον ενέπνευσε περισσότερο! Εικόνα "Νίκη. Το Bogi-Vuy "είναι το καλύτερο παράδειγμα αυτού. Τα "επώνυμα" καθαρά τετράγωνα ελήφθησαν λόγω της χρήσης της κολλητικής ταινίας - του αγαπημένου υλικού του Mondrian. Στην Αμερική, ονομάστηκε "πιο διάσημος μετανάστης". Στη δεκαετία του εξήντα, ο Yves Saint Laurent κυκλοφόρησε τα Μονιακά φορέματα που είναι γνωστά σε ολόκληρο τον κόσμο με μια εκτύπωση σε ένα μεγάλο κύτταρο χρώματος.
20
"Σύνθεση αριθ. 5"
Συντάκτης
ΒασιλικόςΚανδινίνσκι
Χώρα Ρωσία
Χρόνια της ζωής 1866–1944
Στυλ avant-garde
Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Μόσχα και ο πατέρας του ήταν από τη Σιβηρία. Μετά την επανάσταση, προσπάθησε να συνεργαστεί με τη σοβιετική εξουσία, αλλά σύντομα συνειδητοποίησε ότι οι νόμοι του προλεταριάτου δεν δημιουργήθηκαν γι 'αυτόν και δεν μετανάστευσαν στη Γερμανία χωρίς δυσκολίες.
275x190 cm
1911
Κόστος
40 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2007.
στη δημοπρασία Sotheby's.
Kandinsky Ένα από τα πρώτα αρνήθηκε εντελώς το θέμα ζωγραφικής, για το οποίο έλαβε τον τίτλο της ιδιοφυΐας. Κατά τη διάρκεια του ναζισμού στη Γερμανία, οι πίνακές του αποδόθηκαν στην "εκφυλιστική τέχνη" και δεν έχουν εκδηλωθεί οπουδήποτε. Το 1939, η Kandinsky υιοθέτησε τη γαλλική ιθαγένεια, συμμετείχε στην καλλιτεχνική διαδικασία στο Παρίσι. Οι ζωγραφιές του "ήχοι", σαν τη φούγκα, τόσοι πολλοί κλήθηκαν "συνθέσεις" (η πρώτη γράφτηκε το 1910, το τελευταίο - το 1939). "Σύνθεση αριθ. 5" είναι ένα από τα κλειδιά που λειτουργεί σε αυτό το είδος: "Η λέξη" σύνθεση "ακούστηκε για μένα ως προσευχή", δήλωσε ο καλλιτέχνης. Σε αντίθεση με πολλούς οπαδούς, σχεδίαζε τι θα απεικονίζει σε έναν τεράστιο καμβά, σαν να έγραψε σημειώσεις.
21
"Eterude γυναίκες με μπλε χρώμα"
Συντάκτης
Fernian Leo
Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1881–1955
Στυλ Cubism-Postressistrism
Ο Legeway έλαβε αρχιτεκτονική εκπαίδευση, και στη συνέχεια ήταν ακροατής της Σχολής Κομψών Τεχνών στο Παρίσι. Ο καλλιτέχνης θεωρείται ο οπαδός της Cezanna, ήταν απολογητής του κυβισμού και στον XX αιώνα ήταν επίσης επιτυχής ως γλύπτης.
96,5х129,5 cm
1912-1913 Έτος
Κόστος
39,2 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.
Ο David Norman, πρόεδρος του Διεθνούς Τμήματος Εμπρόσημο και ο Μοντερνισμός Sotheby`s, θεωρεί ένα τεράστιο ποσό που καταβάλλεται για την "κυρία με μπλε χρώμα", δικαιολογημένη. Η εικόνα ανήκει στη διάσημη συλλογή Lesion (ο καλλιτέχνης έγραψε τρεις φωτογραφίες σε ένα οικόπεδο, σε ιδιωτικά χέρια σήμερα - το τελευταίο. - ed. Ed.) Και η επιφάνεια του καμβά διατηρείται σε παρθένα. Ο ίδιος ο συγγραφέας έδωσε αυτή τη δουλειά στη γκαλερί του Der Sturm, τότε έπεσε στη συλλογή Hermann Lang, τους γερμανούς συλλέκτες του μοντερνισμού και τώρα ανήκει σε έναν άγνωστο αγοραστή.
22
"Σκηνή δρόμου. Βερολίνο"
Συντάκτης
Ernst ludwigKirchner
Χώρα Γερμανία
Χρόνια της ζωής 1880–1938
Στυλ εξπρεσιονισμός
Για τον γερμανικό εξπρεσιονισμό, ο Kirchner έγινε υπογράψει πρόσωπο. Ωστόσο, οι τοπικές αρχές τον κατηγόρησαν τη δέσμευση να «εκφυλιστική τέχνη», η οποία επηρέασε τραγικά τη μοίρα των ζωγραφικών του και στη ζωή του καλλιτέχνη που αυτοκτόνησε το 1938.
95x121 cm
1913 χρόνια
Κόστος
38.096 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Christie.
Μετά τη μετάβαση στο Βερολίνο, ο Kirchner δημιούργησε 11 σκίτσα σκηνών δρόμου. Ήταν εμπνευστείτε από την αναταραχή και τη νευρικότητα μιας μεγάλης πόλης. Στην ταινία που πωλείται το 2006 στη Νέα Υόρκη, μια ανησυχητική κατάσταση του καλλιτέχνη είναι ιδιαίτερα οξεία: οι άνθρωποι στο δρόμο του Βερολίνου μοιάζουν με τα πουλιά - κομψά και επικίνδυνα. Έγινε η τελευταία δουλειά από τη διάσημη σειρά που πωλείται στη δημοπρασία, τα υπόλοιπα αποθηκεύονται σε μουσεία. Το 1937, οι Ναζί ασχολήθηκαν σκληρά με τον Kirchner: 639 από τα έργα του αποσύρθηκαν από γερμανικές γκαλερί, καταστράφηκαν ή πωλούνται στο εξωτερικό. Ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε να επιβιώσει αυτό.
23
"Αναψυχήχορεύτρια"
Συντάκτης
Edgar degas
Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1834–1917
Στυλ ιμπρεσιονισμός
Η ιστορία της DEGI ως καλλιτέχνη άρχισε με το γεγονός ότι εργάστηκε ως copywriter στο Λούβρο. Ονειρευόταν να γίνει "διάσημο και άγνωστο" και τελικά ήταν δυνατό. Στο τέλος της ζωής, οι κωφοί και οι Dazzle 80-year-old degas συνέχισαν να παρακολουθούν εκθέσεις και δημοπρασίες.
64x59 cm
1879 έτος
Κόστος
37.043 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.
"Η μπαλαρίνα ήταν πάντα για μένα μόνο ένα πρόσχημα για να απεικονίσει τα υφάσματα και να αρπάξει την κίνηση", δήλωσε ο Degas. Οικόπεδα από τη ζωή των χορευτών σαν να είναι peeped: τα κορίτσια δεν δημοσιεύονται από έναν καλλιτέχνη, αλλά απλά γίνετε μέρος της ατμόσφαιρας που έπιασε μια ματιά στις Degas. Ο "χορευτής ανάπαυσης" πωλήθηκε για 28 εκατομμύρια δολάρια το 1999 και σε λιγότερο από 10 χρόνια το αγόρασαν για 37 εκατομμύρια - σήμερα είναι το πιο ακριβό έργο του καλλιτέχνη, που έβαλαν ποτέ δημοπρασία. Πολλή προσοχή δόθηκε στο Ramam, ο ίδιος τους σχεδίασε και τους απαγόρευσε. Αναρωτιέμαι τι είδους πλαίσιο είναι εγκατεστημένο σε μια φωτογραφία που πωλείται;
24
"Ζωγραφική"
Συντάκτης
Χουάν Miro
Χώρα Ισπανία
Χρόνια της ζωής 1893–1983
Στυλ αφηρημένη τέχνη
Κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου στην Ισπανία, ο καλλιτέχνης βρισκόταν στην πλευρά των Ρεπουμπλικανών. Το 1937 έτρεξε από τη φασιστική δύναμη στο Παρίσι, όπου ζούσε σε μια φτώχεια με την οικογένειά του. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Miro γράφει την εικόνα "Βοήθεια Ισπανία!", Δίνοντας προσοχή σε ολόκληρο τον κόσμο στην κυριαρχία του φασισμού.
89x115 cm
1927 έτος
Κόστος
36,824 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Sotheby's.
Το δεύτερο όνομα της εικόνας είναι το "μπλε αστέρι". Ο καλλιτέχνης το έγραψε την ίδια χρονιά όταν ανακοίνωσε: «Θέλω να σκοτώσω τη ζωγραφική» και ανελέω να κοροϊδεύουν τον καμβά, γρατσουνίζοντας το χρώμα με τα νύχια, κολλήσει στον καμβά των φτερών, που καλύπτει την εργασία με τα σκουπίδια. Ο στόχος του ήταν να καταστρέψουν τους μύθους για το μυστήριο της ζωγραφικής, αλλά, αντιμετώπιση αυτού, ο Miro δημιούργησε το δικό του μύθο - σουρεαλιστική αφαίρεση. Η "ζωγραφική" του αναφέρεται στον κύκλο της "snowstice". Στη δημοπρασία, τέσσερις αγοραστές αγωνίστηκαν γι 'αυτήν, αλλά ένα τηλεφωνικό incognito λύσει τη διαφορά και η "ζωγραφική" έγινε η πιο ακριβή εικόνα του καλλιτέχνη.
25
"Μπλε τριαντάφυλλο"
Συντάκτης
Yves klein
Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1928–1962
Στυλ Μονόχρωμη ζωγραφική
Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στην οικογένεια των ζωγράφων, αλλά σπούδασε ανατολίτικο, ναυτικούς, τις βιοτεχνίες του Golden Ram, Zen-Buddhism και πολλά. Η προσωπικότητά του και τα χαραγμένα κόλπα του ήταν μερικές φορές πιο ενδιαφέροντα σε μονόχρωμες ζωγραφιές.
153x199x16 cm
1960.
Κόστος
36.779 εκατομμύρια δολάρια
Που πωλούνται το 2012
Στη δημοπρασία της Christie
Η πρώτη έκθεση μονοφωνικών κίτρινων, πορτοκαλί, ροζ δουλειά δεν προκαλούσε ενδιαφέρον μεταξύ του κοινού. Ο Klein προσβάλλεται και την επόμενη φορά που παρουσίασα 11 πανομοιότυπα καμβά χρωματίστηκε με υπεριώδη ξεχώριστη με μια ειδική συνθετική ρητίνη. Μάναι με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας αυτή τη μέθοδο. Στην ιστορία, το χρώμα εισήλθε ως το "διεθνές μπλε χρώμα του Klein". Ένας άλλος καλλιτέχνης που πωλούσε την κενότητα, δημιούργησε εικόνες, αντικαθιστώντας το χαρτί για τη βροχή, που βρίσκεται στο χαρτόνι, κάνοντας τον καμβά του αποτυπώματος του ανθρώπινου σώματος. Σε μια λέξη, πειραματίζεται όπως μπορούσε. Για να δημιουργήσετε ένα "μπλε τριαντάφυλλο" που χρησιμοποιούνται ξηρές χρωστικές, ρητίνες, βότσαλα και φυσικό σφουγγάρι.
26
"Σε αναζήτηση του Μωυσή"
Συντάκτης
Sir Lawrence Alma Tadema
Χώρα Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια της ζωής 1836–1912
Στυλ Νεοκλασικότητα
Το πρόθεμα "Alma" στο επώνυμό του Sir Lawrence πρόσθεσε τον εαυτό του να είναι ο πρώτος στους καλλιτεχνικούς καταλόγους. Στη βικτοριανή Αγγλία, οι πίνακές του ισχυρίστηκαν έτσι ώστε ο καλλιτέχνης ανατέθηκε η ιππική τάξη.
213,4х136,7 cm
1902 έτος
Κόστος
35,922 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's.
Το κύριο θέμα της δημιουργικότητας του Alma Tadema ήταν η αρχαιότητα. Στις φωτογραφίες, προσπάθησε στις μικρότερες λεπτομέρειες να απεικονίσει την εποχή της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας, γι 'αυτό που ασχολείται ακόμη και σε αρχαιολογικές ανασκαφές στη χερσόνησο του Apenninsky και στο σπίτι του στο Λονδίνο αναπαράγεται το ιστορικό εσωτερικό των ετών. Τα μυθολογικά οικόπεδα έχουν γίνει μια άλλη πηγή έμπνευσης γι 'αυτόν. Ο καλλιτέχνης ήταν εξαιρετικά σε ζήτηση κατά τη διάρκεια της ζωής του, αλλά μετά το θάνατο γρήγορα ξέχασε. Τώρα το ενδιαφέρον ξαναγεννίζεται, ως το κόστος της εικόνας "στην αναζήτηση του Μωυσή", επτά φορές, που υπερβαίνει την εκτίμηση πριν από την πώληση.
27
"Πορτρέτο του ύπνου γυμνό επίσημο"
Συντάκτης
Lucien Freud.
Χώρα Γερμανία,
Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια της ζωής 1922–2011
Στυλ Εικονική ζωγραφική
Ο καλλιτέχνης είναι εγγονός Sigmund Freud, πατέρας ψυχανάλυσης. Μετά τη δημιουργία του φασισμού στη Γερμανία, η οικογένειά του μετανάστευσε στο Ηνωμένο Βασίλειο. Τα έργα του Freud βρίσκονται στο Μουσείο του Λονδίνου "Συνάντηση Wallace", όπου δεν εκτίθεται προηγουμένως σύγχρονος καλλιτέχνης.
219.1х151,4 cm
1995.
Κόστος
33,6 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Christie.
Ενώ οι καλλιτέχνες μόδας του 20ού αιώνα δημιούργησαν θετικούς "έγχρωμους λεκέδες στον τοίχο" και τους πώλησε για εκατομμύρια, ο Freud έγραψε εξαιρετικά φυσιολογικούς πίνακες και τους πώλησε ακόμα πιο ακριβό. "Καταγράφω τις φωνές της ψυχής και υποφέρουν από τη σάρκα ξεθωριασμού", είπε. Οι κριτικοί πιστεύουν ότι όλη αυτή η "κληρονομιά" Sigmund Freud. Οι πίνακες εκτέθηκαν τόσο ενεργά και πωλούσαν επιτυχώς ότι οι ειδικοί είχαν αμφιβολία: Έχουν υπνωτικές ιδιότητες; Το "πορτρέτο του ύπνου γυμνό επίσημη", σύμφωνα με την ηλιοθεραπεία, απέκτησε γνώση του πανέμορφου και δισεκατομμυριούχου Ρωμαϊκή Αμπράμιτς.
28
"Βιολί και κιθάρα"
Συντάκτης
Η.uan gras.
Χώρα Ισπανία
Χρόνια της ζωής 1887–1927
Στυλ κυβισμός
Γεννήθηκε στη Μαδρίτη, όπου αποφοίτησε από τη σχολική τέχνη και τη βιοτεχνία. Το 1906 μετακόμισε στο Παρίσι και εισήλθε στον κύκλο των πιο σημαντικών καλλιτεχνών της εποχής: Πικάσο, Modigliani, γάμο, Matisse, Lyzh, επίσης συνεργάστηκε με τον Σεργκέι Dyagilev και το τεμάχιο του.
5x100 cm
1913 χρόνια
Κόστος
$ 28.642 εκατομμύρια
Πωληθεί Το έτος 2010
στη δημοπρασία Christie.
Ο Γκρί, σύμφωνα με τα δικά του λόγια, ασχολήθηκε με "αεροπλάνο, έγχρωμη αρχιτεκτονική". Οι πίνακές του σκέφτονται με ακρίβεια: Δεν άφησε ένα μόνο τυχαίο επίχρισμα, το οποίο σχετίζεται με τη δημιουργικότητα με τη γεωμετρία. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε την έκδοση του κυβισμού, αν και ο Pablo Picasso, ο ιδρυτής της κατεύθυνσης πολύ σεβαστός. Ο διάδοχος ήταν ακόμη αφιερωμένος σε αυτόν την πρώτη δουλειά του στο ύφος του κυβισμού «αφιέρωμα στον Πικάσο». Η ζωγραφική "βιολί και κιθάρα" αναγνωρίζεται ως εξαιρετική στο έργο του καλλιτέχνη. Κατά τη διάρκεια της ζωής, ο Γκς ήταν γνωστός, κλινικά επικριτές και ιστορικούς τέχνης. Τα έργα του εκτίθενται στα μεγαλύτερα μουσεία του κόσμου, που αποθηκεύονται σε ιδιωτικές συλλογές.
29
"ΠορτρέτοΠεδία elouar »
Συντάκτης
Σαλβαδόρ Νταλί
Χώρα Ισπανία
Χρόνια της ζωής 1904–1989
Στυλ σουρεαλισμός
"Ο σουρεαλισμός είναι εγώ", δήλωσε ο Ντάλι, όταν αποκλείστηκε από την ομάδα των σουρεαλιστών. Με την πάροδο του χρόνου, έγινε ο πιο διάσημος σουρεαλιστικός καλλιτέχνης. Η δημιουργικότητα δόθηκε παντού και όχι μόνο στις γκαλερί. Για παράδειγμα, ήρθε με μια συσκευασία για chupa-chupa.
25x33 cm
1929 έτος
Κόστος
20,6 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's.
Το 1929, επισκεφθείτε το μεγάλο προκλητή και ο σκανδαλιστής Dali ήρθε ο ποιητής Paul Eluro με τη ρωσική σύζυγό του Galo. Η συνάντηση ήταν η αρχή της ιστορίας της αγάπης που διήρκεσε περισσότερο από μισό αιώνα. Η εικόνα "Πορτρέτο του πεδίου Eloire" γράφεται μόνο κατά τη διάρκεια αυτής της ιστορικής επίσκεψης. "Ένιωσα ότι χρεώθηκα για ένα καθήκον να συλλάβει το πρόσωπο του ποιητή, με τον Ολύμπο του οποίου απνήνω ένα από τη μουσική", δήλωσε ο καλλιτέχνης. Πριν γνωρίσετε με το Galo, ήταν παρθένο και έμπειρο αηδία με σκέψη για σεξ με μια γυναίκα. Το τρίγωνο αγάπης υπήρχε πριν από το θάνατο του ελούαρ, μετά από το οποίο έγινε ένα ντουέτο Dali Gala.
30
"Επέτειος"
Συντάκτης
Σημάδι shagal
Χώρα Ρωσία, Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1887–1985
Στυλ Avangard
Ο Moisha Segal γεννήθηκε στο Vitebsk, αλλά το 1910 μετανάστευσε στο Παρίσι, αντικατέστησε το όνομα, έγινε κοντά στους κορυφαίους πρωτοπορικούς της εποχής. Στη δεκαετία του 1930, όταν καταγράφουν τις αρχές, οι φασίστες πήγαν στις Ηνωμένες Πολιτείες με τη βοήθεια του Αμερικανικού Προξενείου. Επέστρεψε στη Γαλλία μόνο το 1948.
80x103 cm
1923
Κόστος
14,85 εκατομμύρια δολάρια
Που πωλούνται το 1990
στη δημοπρασία του Sotheby
Η εικόνα "επετείου" αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα έργα του καλλιτέχνη. Έχει όλα τα χαρακτηριστικά της δημιουργικότητάς του: οι φυσικοί νόμοι του κόσμου έχουν διαγράψει, η αίσθηση των παραμυθιών στο τοπίο της ζωής του Meshchansky παραμένει, και στο κέντρο του οικόπεδο - αγάπη. Ο Chagall δεν σχεδίασε ανθρώπους από τη φύση, αλλά μόνο στη μνήμη ή τη φαντασία. Στην εικόνα "επέτειος" που συλλαμβάνεται από τον καλλιτέχνη με τη σύζυγό του Bel. Η εικόνα πωλήθηκε το 1990 και από τότε δεν συμμετείχε στη δημοπρασία. Είναι ενδιαφέρον ότι στο Νέα Υόρκη Moma Museum Moma είναι απολύτως το ίδιο, μόνο που ονομάζεται "γενέθλια". Με την ευκαιρία, γράφτηκε πριν - το 1915.
Έργο προετοιμασμένο
Tatyana Palaceov
Βαθμολογία που αποτελείται από
Με τη λίστα www.art-spb.ru.
Περιοδικό TMN №13.
(Μάιος-Ιούνιος 2013)
Αν νομίζετε ότι όλοι οι σπουδαίοι καλλιτέχνες παρέμειναν στο παρελθόν, τότε δεν μπορείτε να φανταστείτε καν πόση σας λοιπόν. Σε αυτό το άρθρο θα μάθετε για τους πιο διάσημους και ταλαντούχους καλλιτέχνες της εποχής μας. Και πιστέψτε με, το έργο τους θα είναι στη μνήμη σας όχι λιγότερο βαθιά από το έργο του Maestro από τις προηγούμενες εποχές.
Wojciech Babski.
Η Wojca Babski είναι ένας σύγχρονος πολωνός καλλιτέχνης. Αποφοίτησε από τη μελέτη στο Μυρσινό Πολυτεχνείο Ινστιτούτο, αλλά και σχετικών με. Πρόσφατα αντλεί, κυρίως γυναίκες. Εστιάζοντας στην εκδήλωση των συναισθημάτων, επιδιώκει να πάρει όσο το δυνατόν περισσότερο αποτέλεσμα με απλά μέσα.
Αγαπά το χρώμα, αλλά συχνά χρησιμοποιεί αποχρώσεις του μαύρου και του γκρι για να επιτύχει την καλύτερη εντύπωση. Δεν φοβάται να πειραματιστεί με διαφορετικούς νέους τεχνικούς. Πρόσφατα, κερδίζοντας όλο και περισσότερο τη δημοτικότητα στο εξωτερικό, κυρίως στο Ηνωμένο Βασίλειο, όπου με επιτυχία πωλεί τα έργα της, τα οποία μπορούν ήδη να βρεθούν σε πολλές ιδιωτικές συλλογές. Εκτός από την τέχνη, ενδιαφέρεται για την κοσμολογία και τη φιλοσοφία. Ακούει τζαζ. Αυτή τη στιγμή ζει και εργάζεται στην πόλη του Κατοβίτσε.
Warren Chang.
Το Warren Chang είναι ένας σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης. Γεννημένος το 1957 και μεγάλωσε στο Monteree, Καλιφόρνια, με διακρίσεις που αποφοίτησαν από το Κέντρο Τέχνης Σχεδιασμού στο Pasaden το 1981, όπου έλαβε πτυχίο Bachelor σε καλές τέχνες στην περιοχή. Κατά τις επόμενες δύο δεκαετίες, εργάστηκε ως εικονογράφος για διάφορες εταιρείες στην Καλιφόρνια και τη Νέα Υόρκη, πριν το 2009 για να ξεκινήσει μια σταδιοδρομία ενός επαγγελματία καλλιτέχνη.
Οι ρεαλιστικές του πίνακες μπορούν να χωριστούν σε δύο κύριες κατηγορίες: βιογραφικές εσωτερικές εικόνες και πίνακες που απεικονίζουν εργαζόμενους. Το ενδιαφέρον του για έναν τέτοιο τρόπο ζωγραφικής πηγαίνει τις ρίζες του στον καλλιτέχνη του καλλιτέχνη του 16ου αιώνα Jan Vermeer και ισχύει για αντικείμενα, αυτοπροσωπογραφεία, πορτραίτα μέλη της οικογένειας, φίλους, φοιτητές, εσωτερικούς χώρους στούντιο, τάξη και σπίτια. Ο στόχος του είναι να δημιουργήσει τη διάθεση και τα συναισθήματα στους ρεαλιστικούς πίνακές τους χρησιμοποιώντας τη χειραγώγηση του φωτός και τη χρήση των σπειρωμένων χρωμάτων.
Το Chang έγινε γνωστό μετά τη μετάβαση στην παραδοσιακή οπτική τέχνη. Κατά τα τελευταία 12 χρόνια, κέρδισε πολλά βραβεία και επίτιμους τίτλους, το πιο διάσημο από αυτά - Master Υπογραφή από τον Σύνδεσμο καλλιτεχνών από την Αμερική πετρελαίου, τη μεγαλύτερη κοινότητα καλλιτεχνών πετρελαίου στις Ηνωμένες Πολιτείες. Μόνο ένα άτομο από 50, λαμβάνει την ευκαιρία να πάρει αυτό το βραβείο. Επί του παρόντος, ο Warren ζει στο Monteree και εργάζεται στο στούντιό του, διδάσκει επίσης (γνωστό ως ταλαντούχος δάσκαλος) στην Ακαδημία Τεχνών του Σαν Φρανσίσκο.
Aurelio Bruni.
Το Aurelio Bruni είναι ιταλός καλλιτέχνης. Βαρεθεί στην πόλη Bler, 15 Οκτωβρίου 1955. Έλαβε ένα δίπλωμα στην ειδικευμένη γραφική στο Ινστιτούτο Τέχνης στο Spoleto. Ως καλλιτέχνης, είναι αυτοδίδακτος, όπως "ανέθεσε το σπίτι της γνώσης" για το Ίδρυμα που καθορίστηκε στο σχολείο. Το έλαιο ξεκίνησε σε ηλικία 19 ετών. Αυτή τη στιγμή ζει και εργάζεται στην Ούμπρια.
Η πρώιμη ζωγραφική του Bruni πηγαίνει τις ρίζες της στον σουρεαλισμό, αλλά με την πάροδο του χρόνου αρχίζει να επικεντρώνεται στην εγγύτητα του λυρικού ρομαντισμού και του συμβολισμού, ενισχύοντας αυτόν τον συνδυασμό εξαιρετικής βελτίωσης και την καθαρότητα των χαρακτήρων του. Κινούμενα και άψυχα αντικείμενα αποκτούν την ισότιμη αξιοπρέπεια και την εμφάνιση, σχεδόν, πολύ, αλλά, ταυτόχρονα, μην κρύβουν πίσω από την κουρτίνα, αλλά σας επιτρέπουν να δείτε την ουσία της ψυχής σας. Η πολύπλευρη και η πολυπλοκότητα, η αισθησιασμός και η μοναξιά, η προσοχή και η καρποφορία είναι το πνεύμα του Aurelio Bruni, τροφοδοτώντας τη μεγαλοπρέπεια της τέχνης και της αρμονίας της μουσικής.
Alekasander Balos.
Ο Alkasander Balos είναι ένας σύγχρονος πολωνός καλλιτέχνης που ειδικεύεται στην περιοχή πετρελαίου. Το 1970 γεννήθηκε στο Gliwice, Πολωνία, αλλά από το 1989 ζει και εργάζεται στις Ηνωμένες Πολιτείες, στην πόλη Shasta της Καλιφόρνιας.
Ως παιδί, σπούδασε την τέχνη υπό την ηγεσία του πατέρα του Yana, αυτο-διδασκαλία και καλλιτέχνη γλύπτη, επομένως, από μια νεαρή ηλικία, η καλλιτεχνική δραστηριότητα έλαβε πλήρη υποστήριξη και από τους δύο γονείς. Το 1989, στην ηλικία των δεκαοκτώ, ο Μπάλος άφησε την Πολωνία στις ΗΠΑ, όπου ο δάσκαλος του σχολείου του και ο καλλιτέχνης με μερική απασχόληση Katie Gaggliadi ώθησε την Αλκαντάρα να εισέλθει σε ένα σχολείο τέχνης. Στη συνέχεια, ο Μπάλος έλαβε μια πλήρη υποτροφία πανεπιστημίου στο Milwaukee Wisconsin, όπου σπούδασε ζωγραφική στον καθηγητή Harry Rosina φιλοσοφία.
Μετά την ολοκλήρωση των μελετών το 1995 και ο βαθμός Bacheloring Balos μετακόμισε στο Σικάγο για να εγγραφεί στο σχολείο στη Σχολή Καλών Τέχνης, των οποίων οι μέθοδοι βασίζονται στο έργο του Jacques-Louis David. Ο εικονικός ρεαλισμός και η ζωγραφική πορτρέτου αποτελούσαν τα περισσότερα έργα του Μπάλου στη δεκαετία του '90 και τις αρχές της δεκαετίας του 2000. Σήμερα, ο Μπάλος χρησιμοποιεί ανθρώπινη φιγούρα για να τονίσει τα χαρακτηριστικά και να δείξει τις ελλείψεις του ανθρώπου, χωρίς να προτείνει, ενώ δεν υπάρχουν αποφάσεις.
Οι συνθέσεις οικόπεδο των έργων του προορίζονται να ερμηνεύονται ανεξάρτητα από τον θεατή, μόνο τότε ο καμβάς θα αποκτήσει την αληθινή προσωρινή και υποκειμενική σημασία τους. Το 2005, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στη Βόρεια Καλιφόρνια, από τότε το θέμα του έργου του έχει επεκταθεί σημαντικά και τώρα περιλαμβάνει πιο ελεύθερες μεθόδους ζωγραφικής, συμπεριλαμβανομένης της αφαίρεσης και των διαφόρων μορφών πολυμέσων, βοηθώντας να εκφράσουν ιδέες και ιδεώδη να είναι μέσω της ζωγραφικής.
Alyssa μοναχοί.
Η Alissa Monsx είναι ένας σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης. Γεννημένος το 1977, στο Ridgewood, New Jersey. Άρχισε να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική όταν ήταν ακόμα παιδί. Σπούδασε στο νέο σχολείο στη Νέα Υόρκη και το κρατικό πανεπιστήμιο του Monkler και αποφοίτησε από το Boston College το 1999, έλαβε ένα πτυχίο Bachelor. Την ίδια στιγμή, σπούδασε ζωγραφική στην Ακαδημία Lorenzo Medici στη Φλωρεντία.
Στη συνέχεια συνέχισε να μελετά το πρόγραμμα στο μεταπτυχιακό δίπλωμα στη Νέα Υόρκη Ακαδημία Τέχνης, στο Τμήμα Εικονικής Τέχνης, αποφοίτησε από το 2001. Το 2006, αποφοίτησε από το Κολλέγιο Fullerton. Για κάποιο χρονικό διάστημα διδάσκω σε πανεπιστήμια και εκπαιδευτικά ιδρύματα σε ολόκληρη τη χώρα, δίδαξε ζωγραφική στην Ακαδημία Τέχνης της Νέας Υόρκης, καθώς και το κρατικό πανεπιστήμιο του Monkler και το κολλέγιο της Ακαδημίας Τεχνών Laima.
"Χρησιμοποιώντας φίλτρα, όπως γυαλί, βινύλιο, νερό και ατμό, παραμορφώνω το ανθρώπινο σώμα. Αυτά τα φίλτρα καθιστούν δυνατή τη δημιουργία μεγάλων περιοχών αφηρημένης σχεδίασης, με νησιά με βλεφαρίδες μέσω αυτών - μέρη του ανθρώπινου σώματος.
Οι πίνακές μου αλλάζουν μια μοντέρνα ματιά στις ήδη καθιερωμένες, παραδοσιακές θέσεις και χειρονομίες κολυμβητικών γυναικών. Θα μπορούσαν να πούμε πολλά για τον προσεγμένο θεατή για τέτοιες, φαινόταν, φυσικά, καθώς και τη χρήση κολύμβησης, χορού και ούτω καθεξής. Οι χαρακτήρες μου πιέζονται ενάντια στο γυάλινο παράθυρο της καμπίνας ντους, στρέβλωση του σώματος του, συνειδητοποιώντας ότι επηρεάζουν έτσι το διαβόητο αρσενικό κοιτάξτε τη γυμνή γυναίκα. Τα παχιά στρώματα της βαφής αναμιγνύονται έτσι ώστε από μακριά για να μιμηθεί γυαλί, ζευγάρι, νερό και σάρκα. Ωστόσο, οι εκπληκτικές φυσικές ιδιότητες της βαφής πετρελαίου γίνονται προφανείς. Πειραματιστείτε με στρώματα χρωμάτων και χρώματος, βρίσκω τη στιγμή που τα αφηρημένα εγκεφαλικά επεισόδια γίνονται κάτι άλλο.
Όταν μόλις άρχισα να σχεδιάζω ένα ανθρώπινο σώμα, ήμουν αμέσως γοητευμένος και ακόμη και έγινε εμμονή και σκέφτηκα ότι έπρεπε να κάνω τις ζωγραφιές μου όσο το δυνατόν ρεαλιστικές. Εγώ "ομολόγησε" ρεαλισμό μέχρι να άρχισε να ξεδιπλώνεται και να ανοίξει αντιφάσεις στον εαυτό της. Τώρα διερευνώ τις δυνατότητες και το δυναμικό του επιστολής, όπου υπάρχει αντιπροσωπευτική ζωγραφική και αφαίρεση - εάν και τα δύο στυλ μπορούν να συνυπάρχουν ταυτόχρονα, θα το κάνω ".
Antonio Finelli.
Ιταλός καλλιτέχνης - " Παρατηρητής του χρόνου"- Ο Antonio Finelli γεννήθηκε στις 23 Φεβρουαρίου 1985. Αυτή τη στιγμή ζει και εργάζεται στην Ιταλία μεταξύ Ρώμης και Campobasso. Τα έργα του εκτέθηκαν σε αρκετές γκαλερί στην Ιταλία και στο εξωτερικό: Ρώμη, Φλωρεντία, Νόβαρα, Γένοβα, Παλέρμο, Κωνσταντινούπολη, Άγκυρα, Νέα Υόρκη, μπορεί επίσης να βρεθεί σε ιδιωτικές και κρατικές συλλογές.
Σχέδια μολύβι " Παρατηρητής χρόνου"Ο Antonio Phinelli μας στέλνει σε ένα αιώνιο ταξίδι μέσα από τον εσωτερικό κόσμο του ανθρώπινου προτύπου και σχετίζεται με μια σχολαστική ανάλυση αυτού του κόσμου, το κύριο στοιχείο του οποίου θα περάσει μέσα από το χρόνο και τα ίχνη που τους εφαρμόζονται.
Η Finelli γράφει πορτρέτα ανθρώπων οποιασδήποτε ηλικίας, φύλου και ιθαγένειας, οι εκφράσεις των προσώπων των οποίων μαρτυρούν να περάσουν χρόνο, ο καλλιτέχνης ελπίζει να βρει αποδείξεις για τη μεροληψία του χρόνου στα όργανα των χαρακτήρων τους. Ο Αντόνιο καθορίζει τα έργα του από ένα, κοινό όνομα: "αυτοπροσωπογραφία", επειδή στα σχέδια μολύβι του, δεν απεικονίζει απλά ένα άτομο, αλλά επιτρέπει στον θεατή να εξετάσει τα πραγματικά αποτελέσματα του περάσματος του χρόνου μέσα σε ένα άτομο.
Flaminia Carloni.
Ο Flaming Karloni είναι ένας Ιταλός καλλιτέχνης 37ος, κόρη ενός διπλωμάτη. Έχει τρία παιδιά. Δώδεκα χρόνια ζούσαν στη Ρώμη, τρία χρόνια στην Αγγλία και τη Γαλλία. Έλαβε ένα δίπλωμα στον τομέα της ιστορίας της τέχνης στη Σχολή Τέχνης BD. Στη συνέχεια έλαβε ένα δίπλωμα στο Ειδικό Εργαστήριο Επαναφορά Τέχνης. Πριν βρει την κλήση σας και αφιερώστε εντελώς τον εαυτό σας στη ζωγραφική, εργάστηκε ως δημοσιογράφος, χρωματιστής, σχεδιαστής, ηθοποιός.
Το πάθος για τη ζωγραφική στο φλαμίνιο έχει προκύψει στην παιδική ηλικία. Το κύριο περιβάλλον του είναι το πετρέλαιο, επειδή αγαπά "Coiffer La Pate" και επίσης παίζει με το υλικό. Παρόμοιος εξοπλισμός, έμαθε στα έργα του καλλιτέχνη Pascal Torya. Το Flaming εμπνέεται από τους μεγάλους δασκάλους της ζωγραφικής, όπως το Baltuse, Hopper και Francois Legran, καθώς και διάφορες καλλιτεχνικές κινήσεις: την τέχνη του δρόμου, τον κινέζικο ρεαλισμό, τον σουρεαλισμό και την πραγματοποίηση της Αναγέννησης. Ο αγαπημένος της καλλιτέχνης Caravaggio της. Το όνειρό της να ανοίξει τη θεραπευτική δύναμη της τέχνης.
Denis Chernov.
Ο Denis Chernov είναι ένας ταλαντούχος ουκρανικός καλλιτέχνης, που γεννήθηκε το 1978 στο Sambor, περιοχή Lviv, Ουκρανία. Μετά το τέλος του σχολείου τέχνης του Χάρκοβο το 1998, παρέμεινε στο Χάρκοβο, όπου ζει σήμερα και εργάζεται. Σπούδασε επίσης στην Ακαδημία Σχεδιασμού και Τεχνών του Χάρκοβο, το Τμήμα Διάγραμμα, αποφοίτησε από αυτό το 2004.
Συμμετέχει τακτικά στις εκθέσεις τέχνης, τη στιγμή που έλαβαν χώρα περισσότερο από εξήντα, τόσο στην Ουκρανία όσο και στο εξωτερικό. Τα περισσότερα από τα έργα του Denis Chernov αποθηκεύονται σε ιδιωτικές συλλογές στην Ουκρανία, τη Ρωσία, την Ιταλία, την Αγγλία, την Ισπανία, την Ελλάδα, τη Γαλλία, τις ΗΠΑ, τον Καναδά και την Ιαπωνία. Ορισμένα έργα πωλήθηκαν στο Christis.
Η Denis λειτουργεί σε ένα ευρύ φάσμα γραφικών και γραφικών τεχνικών. Πίνακες με ένα μολύβι - Μια από τις πιο αγαπημένες μεθόδους ζωγραφικής, ο κατάλογος των θεμάτων των σχεδίων μολυβιού είναι επίσης πολύ διαφορετικός, γράφει τοπία, πορτραίτα, γυμνά, συνθέσεις είδους, εικονογραφήσεις βιβλίων, λογοτεχνική και ιστορική ανασυγκρότηση και φαντασία.
Μέχρι τα μέσα του 19ου αιώνα, το τοπίο γίνεται ένα κυρίαρχο είδος της αμερικανικής ζωγραφικής. Πολλοί καλλιτέχνες εκείνης της εποχής είναι ενωμένοι στην ομάδα του ποταμού Gudson River, η οποία περιελάμβανε περισσότερους από 50 τοπικούς παίκτες των δύο γενεών.
Ο πιο διάσημος Αμερικανός καλλιτέχνης τοπίου αυτών των ετών μπορεί να ληφθεί υπόψη Thomas Cowla (1801-1848),
Γεννήθηκε στην Αγγλία και μετακόμισε στην ηλικία των 17 ετών με τους γονείς στην Αμερική. Σπούδασε ζωγραφική σε έναν αδέσποτο καλλιτέχνη, ήταν αυτοδίδακτος, ταξίδεψε πολύ γύρω από τη χώρα, επισκέφθηκε την Αγγλία και την Ιταλία,
Αλλά η αμερικανική φύση θεωρείται πολύ πιο γραφική από την ευρωπαϊκή.
Ο πλησιέστερος με τον τρόπο του Cowla ήταν ο φίλος του Escher duran (1796-1886), ξεκινώντας σαν ένα χρονοδιάγραμμα,
Αλλά μετά το ταξίδι με έναν φίλο στα βουνά της Αμερικής, μεταφέρθηκε από το τοπίο, ζωγράφισε πολλά από τη φύση.
Αυτή η εικόνα, ο καλλιτέχνης έγραψε στη μνήμη του νεκρού φίλου, σε δημοπρασία το 2007, 35 εκατομμύρια δολάρια πληρώθηκαν γι 'αυτό.
Ένας από τους κεντρικούς αριθμούς στο σχολείο του ποταμού Hudson ήταν Εκκλησία Frederick EdwinΉδη σε 18 χρονών έγιναν φοιτητής δροσιάς.
Από την άνοιξη μέχρι το φθινόπωρο, ταξίδεψε σε όλη τη χώρα και τον κόσμο,
Πρώτον, ένα, και στη συνέχεια με την οικογένειά του, συχνά με τα πόδια, τα σκίτσα, και το χειμώνα ζωγράφισε τους μεγάλους φωτεινούς του πίνακες και τους πωλήθηκαν με επιτυχία.
Albert Birstadt (1830-1902) επίσης πολλά ταξίδια γύρω από τη χώρα και στην Ευρώπη, ζωγράφισα πρόθυμα τις Άλπεις, αλλά τα βραχώδη βουνά ήταν πραγματικά αγάπη,
Άγρια Δύση, Ινδοί.
Κατάφερε να περάσει αυτή την αγάπη στις μεγάλες καμβά του, χρησιμοποιώντας κυριότερα την επίδραση του φωτός και της σκιάς.
Thomas moran (1836-1926), μετανάστευσα με τους γονείς μου από την Αγγλία, ένας έφηβος εργάστηκε ως έφηβος για έναν κόπτη ξύλου, νωρίς άρχισε να σχεδιάζει τοπία.
Μια μεγάλη επιρροή κατά τη διάρκεια της μελέτης στην Αγγλία, ο William Turner, η ικανότητά του να γεμίσει τον καμβά του με το φως.
Το Moran σχεδιάζει τοπία της Αγγλίας, της Βενετίας,
Αλλά τα περισσότερα από τα έργα του είναι αφιερωμένα στην άγρια \u200b\u200bδύση και τα αγαπημένα βραχώδη βουνά τους. Η συμμετοχή του στην ερευνητική αποστολή σε αυτά τα μέρη και τα σχέδιά της συνέβαλαν στη μετατροπή του Yelouston στο Εθνικό Πάρκο.
John Frederick Kensett (1816-1872), ένας εκπρόσωπος της "γρίλιωσης" * στην αμερικανική ζωγραφική τοπίου "Σχολή του ποταμού Hudson". Έλαβε την πρώτη του εκπαίδευση της τέχνης στον πατέρα του, που εργάστηκε στο εργαστήριο χάραξης, αλλά ονειρευόταν να γράφει τοπία.
Πηγαίνει στην Αγγλία, στη συνέχεια στη Γαλλία, θαυμάζει την ολλανδική και την αγγλική ζωγραφική τοπίου, ταξιδεύει στην Ιταλία.
Επιστρέφοντας στην Αμερική, συνεχίζοντας να γράφετε ηρεμία, γεμάτη με καθαρό φως και κατασκευασμένο με εξαιρετικό τρόπο τοπίου, ο Kensett γίνεται δημοφιλής με τους συλλέκτες, την επιτυχία και τον πλούτο.
John F. Francis (1808 -1906), αυτοδίδακτος καλλιτέχνης, ξεκινώντας ως πορτραίτο, είναι γνωστό για τις ακόμα ζωές του.
Ήταν η ζωγραφική πορτρέτου που ξύπνησε το ενδιαφέρον για μικρές λεπτομέρειες σε αυτόν, το οποίο αναπτύχθηκε με επιτυχία στα έργα του.
Η νεκρή φύση ήταν δημοφιλής εκείνη τη στιγμή, οι πίνακες του Francis ήταν σε ζήτηση, έγινε κορυφαίος καλλιτέχνης στο είδος του "τραπέζι" νεκρή φύση, που απεικονίζει φρούτα, καρύδια, τυρί, μπισκότα και άλλα προϊόντα.
Ο Martin Johnson έκρυψε. (1819-1904), που γεννήθηκε στην οικογένεια του αποθηκευτή, άρχισε, επίσης, ως πορτραίτο, υποστηρίχθηκε φιλικές σχέσεις με τους καλλιτέχνες του "Hudson River School" και έγραψε ρομαντικές θαλασσές,
Ταξίδεψε στην Ευρώπη, χτύπησα από τις αμερικανικές ακτές. Μετά από ταξίδια στα τροπικά, τα τοπία της Φλόριντα έγιναν τα κύρια θέματα των έργων του,
Τροπικά πουλιά (μόνο με τα κολίβια περίπου 40 έργα ζωγραφικής) και λουλούδια, ειδικά τη μανόλια.
Δεν έγινε αναγνωρισμένος και διάσημος καλλιτέχνης στη ζωή, αλλά σήμερα το έργο του μπορεί να βρεθεί στα μεγαλύτερα μουσεία και μερικές φορές ακόμη και σε γκαράζ και αγορές ψύλλων.
Thomas ikins (1844-1916), ένας από τους ιδρυτές της ρεαλιστικής κατεύθυνσης, του ζωγράφου, του προγράμματος, γλύπτη, φωτογράφος, δάσκαλος,
Ένας από τους πρώτους που απευθύνεται στην εικόνα της πόλης της Αμερικής. Εκπαιδεύτηκε στη Φιλαδέλφεια, τον συνέχισε στο Παρίσι, ταξίδεψε στην Ευρώπη, θαύμαζε τα έργα των ισπανικών πλοιάρχων του Realisti Velasquez και του Rever, την επίδραση του φωτός και της σκιάς στο Rembrandt.
Ήταν γι 'αυτούς ότι έμαθε να απεικονίζει το γυμνό σώμα σε κίνηση, το δράμα του τι συμβαίνει, να αντιταχθεί στο σκοτεινό εσωτερικό στο πορτρέτο του έντονου φωτός που στοχεύει στο πρόσωπο και το σχήμα.
Κάτω από τη ζωή του Ikins, δεν έλαβε μεγάλη αναγνώριση, αλλά αργότερα οι απόγονοι εκτιμούσαν το ρεαλιστικό στυλ του.
Winslow Όμηρος (1838-1910), ένα εξαιρετικό αμερικανικό χρωστικό τοπίο και χαράζεις, ο οποίος εργάστηκε σε ρεαλιστικό ύφος.
Έλαβε μια αρχική καλλιτεχνική εκπαίδευση από τη μητέρα που έγραψε ταλαντούχους ακουαρέλες από αυτήν, κληρονόμησε τη ζωντανή κοινωνικότητα και την αίσθηση του χιούμορ. Ξεκίνησε την καριέρα του από τα γραφικά, εργάστηκε ως εικονογράφος για 20 χρόνια, κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου που έκανε σκίτσα και σχέδια για τον πόλεμο και τις συνέπειές του, με βάση τις οποίες αργότερα δημιούργησαν εικόνες.
Λίγο μετά τον πόλεμο, ο Όμηρος πηγαίνει στο Παρίσι, συνεχίζει να γράφει τοπία και σκηνές αστικής ζωής, το έργο του κοντά στο σχολείο Barbizon. Παρόλο που χρησιμοποιεί το ενεργό παιχνίδι του φωτός στους πίνακές του, χαρακτηριστικό των ιμπρεσιονιστών, δεν υπάρχουν ενδείξεις για την επιρροή τους στο έργο του, έχει ήδη αναπτύξει το ανεξάρτητο ύφος του μέχρι τότε.
Η μεγαλύτερη φήμη έφερε εικόνες θαλάσσιων θεμάτων,
Σκηνές από την αγροτική ζωή και από ένα ταξίδι στην Αγγλία έφερε ζωγραφιές, μιλώντας για τη ζωή των αλιευτικών χωριών, των θαλάσσιων τοπίων και των ακουαρέλων.
Ταξιδεύει πολλά στις Ηνωμένες Πολιτείες και την Κεντρική Αμερική, σχεδιάζοντας τροπικά και χιονισμένα τοπία, παιδιά και ζώα. Πιστεύεται ότι ο Όμηρος ήταν μία από τις γενιές αυτών των καλλιτεχνών που δημιούργησαν τη δική τους καλλιτεχνική αμερικανική σχολή.
James Whistler (1834-1903), που γεννήθηκε στην οικογένεια του διάσημου μηχανικού,
Στις οκτώ ηλικίας, μετακόμισε με τους γονείς του στην Αγία Πετρούπολη, όπου ο πατέρας του προσκλήθηκε να εργαστεί στη διαχείριση του σιδηροδρόμου. Εκεί, ο νεαρός Whistler έλαβε πρώτα τα ιδιωτικά μαθήματα σχεδίασης και στην ηλικία των 11 εισήλθε στην αυτοκρατορική Ακαδημία Τεχνών. Για κάποιο χρονικό διάστημα ζούσε στο Λονδίνο με τη μητέρα της, συνεχίζοντας να μαθαίνει την τέχνη, να σχεδιάσει και να συλλέξει βιβλία για τη ζωγραφική.
Μετά το θάνατο της χολέρας του πατέρα, η οικογένεια του Whistler επέστρεψε στην Αμερική, ζούσε μέτρια και εισήλθε στη στρατιωτική ακαδημία στο West-Point, αλλά ούτε φυσικά ούτε εξωτερικά, ούτε ήταν έτοιμος για μια στρατιωτική καριέρα και αφαιρέθηκε. Ταυτόχρονα, αποφασίστηκε σθεναρά ότι η τέχνη θα ήταν το μέλλον του, άρχισε να δημιουργεί χαρακτικά, πήγε στο Παρίσι και ποτέ δεν επέστρεψε στην πατρίδα του. Εκεί, ο Whistler ενοικιάστηκε ένα στούντιο στη Λατινική συνοικία, οδήγησε μια Βοημία ζωή, καπνίστηκε πολύ και έπινε, αλλά έγραψε επίσης αντίγραφα από τις εικόνες των μεγάλων δασκάλων στο Λούβρο για κέρδη, μελέτησε την τέχνη, λατρευόμενη Kurba και Coro, Γενικά Ανατολική Τέχνη.
Μετά τη μετάβαση στο Λονδίνο και την επιτυχημένη συμμετοχή στην έκθεση, ο Whistler σύντομα έκανε το όνομά του όχι μόνο ως καλλιτέχνης, αλλά και απέκτησε πολλούς φίλους στο περιβάλλον καλλιτεχνών και συγγραφέων λόγω του πνεύματός του, της ικανότητας να ντύσει και γενναιοδωρία. Ταξίδεψε πολλά για να μελετήσει το έργο των Μεγάλων Δασκάλων και να γράψει έργα ζωγραφικής, από το 1869 άρχισαν να υπογράψουν τις φωτογραφίες του ενός μονόγραμμα-πεταλούδα, που αποτελείται από τα αρχικά του.
Τα αγαπημένα του λουλούδια είναι γκρίζα, μαύρα και καφέ. Ο Whistler κήρυξε "τέχνη για χάρη της τέχνης", καθαρή, μη επιβαρυμένη με ιδέες, με αποτέλεσμα τα καλλιτεχνικά συναισθήματα, όχι τα συναισθήματα, και συχνά έδωσε τα έργα τους μουσικά ονόματα.
Πιστεύεται ότι ήταν κοντά στον ιμπρεσιονισμό στη διάθεση στους πίνακές του, αλλά όχι σε έγχρωμο σχήμα και φωτεινά εφέ.
Στην προτεινόμενη παρουσίαση διαφανειών μπορείτε να δείτε περισσότερες φωτογραφίες όλων των καλλιτεχνών που αναφέρονται.
Τέλος, πήγα στο αγαπημένο μου θέμα - "ιμπρεσιονιστές", αλλά αυτή είναι η επόμενη φορά. Συνεχίζεται.
* Lulinal - κατεύθυνση στην αμερικανική ζωγραφική τοπίου, χαρακτηρίζεται από κορεσμό με το φως, χρησιμοποιώντας την προοπτική του αέρα και την απόκρυψη ορατών επιχορηγήσεων. (
"Τα βιβλία μου δίνουν μια τεράστια αίσθηση προσωπικής και δημιουργικής ικανοποίησης. Όταν δουλεύω σε ένα βιβλίο, εύχομαι το τηλέφωνο να μην καλέσει ποτέ. Η ικανοποίησή μου προέρχεται από τα πραγματικά ίχνη σε χαρτί."
Αμερικανός εικονογράφος των παιδικών βιβλίων Pinkney Jerry γεννήθηκε στις 22 Δεκεμβρίου 1939 στο Germantown. Στο γυμνάσιο, η αγάπη και το ταλέντο του για το σχέδιο θεωρήθηκε από τον Caricaturist του John Line, ο οποίος τον προσφέρθηκε να συνεχίσει την καριέρα του καλλιτέχνη του. Μετά το τέλος της επαγγελματικής σχολής της Dobbins Pinkney έλαβε έναν πλήρη μελετητές για τη μάθηση στο Μουσείο της Τέχνης Φιλαδέλφειας. Αργότερα μετακόμισε στη Βοστώνη, όπου εργάστηκε στο σχεδιασμό και την απεικόνιση, στο τέλος άνοιξε το δικό του στούντιο - Jerry Pinkney Studio, και αργότερα μετακόμισε στη Νέα Υόρκη. Ο Pinkney Jerry εξακολουθεί να ζει και εργάζεται στη Νέα Υόρκη, κατά τη διάρκεια των χρόνων της δημιουργικής καριέρας του κράτησε σεμινάρια στο Πανεπιστήμιο, τα σχολεία - τέχνες σε όλη τη χώρα.
"Ήθελα να δείξω τι μπορεί να κάνει afro καλλιτέχνη σε αυτή τη χώρα σε εθνικό επίπεδο στην εικαστική τέχνη. Θέλω να είμαι ένα ισχυρό μοντέλο ρόλων για την οικογένειά μου και για άλλους Αφροαμερικανούς".
