اللون في لوحة الانطباعية. أفضل صور من الانطباعية مع الأسماء والصور

بالنسبة لي، الانطباعية هو في المقام الأول شيء هوائي، الزفيرية، الهروب بشكل غير متسق. هذه لحظة مذهلة، التي تعاني منها العين بالكاد على إصلاح الوقت وإصلاحها في وقت لاحق في ذاكرة MIG من أعلى تناغم. كانت ماجستير الانطباعية مشهورة بالقدرة على نقل هذه اللحظة بسهولة إلى القماش، بعد أن وصفتها بالأحاسيس الملموسة والاهتزازات الدقيقة التي تنشأ بكل حقيقة واقعة عند التفاعل مع الصورة. عندما تنظر إلى عمل الفنانين المعلقة من هذا النمط لا يزال دائما مذاقا معينا من المزاج.

انطباعية (من الانطباع - الانطباع) هو اتجاه في الفن، نشأ في فرنسا في أواخر 1860s. سعى ممثلوه إلى أكثر الطبيعية وغير الضرورية لالتقاط العالم الحقيقي في تنقله وتقلبه، ونقل انطباعات الغمز الخاصة بهم. تم إيلاء اهتمام خاص لنقل اللون والضوء.

كلمة "الانطباعية" تأتي من اسم انطباع صورة المال. شروق الشمس المقدمة في المعرض 1874. صرصت صحفية معروفة لويس ليروا في مجلته مع الفنانين "الانطباعين" للتعبير عن تجاهلهم. ومع ذلك، فقد أخذ الاسم جذر وفقدناه السلبي الأصلي.

وقع المعرض الأول الأول للانطباع في الفترة من 15 إلى 15 مايو 1874 في ورشة عمل مصور ندار. كان هناك 30 فنانا، 165 وظيفة فقط. قام الفنانون الصغار باللوم في "غير مكتمل" و "صدئ اللوحة"، وعدم وجود الذوق والمعنى في أعمالهم، "محاولة الفن الحقيقي"، والمزاج المتمرد وحتى الفجور.

الممثلين الرائدين للانطباعين - ألفريد سيسلي وفريدريك باسيل. جنبا إلى جنب معهم وضع صورهم إدوارد مانا و. ينطبع أيضا تصنيف جوهد جون،.

المناظر الطبيعية والمشاهد من الحياة الحضرية - ربما هي الأنواع الأكثر مميزة للوحة الانطباعية - كتبت "في البلية"، أي. مباشرة من الطبيعة، وليس على أساس اسكتشات والرسومات التحضيرية. نظامي الانطباع - نظير لفترة قصيرة في الطبيعة، يلاحظ الألوان والظلال، وعادة ما تكون غير مرئية، مثل الأزرق في الظل.

كانت طريقةهم الفنية في تحلل النغمات المعقدة لطيفة الألوان الخالصة. الظلال الملونة ونظيفة اللوحة الخوف مشرق. فرضت الانطباعية الدهانات مع ضربات منفصلة، \u200b\u200bوأحيانا تستخدم نغمات التباين على قسم واحد من الصورة. الميزة الرئيسية لوحات الانطباعية هي تأثير الخفقان النقدية للدهانات.

من أجل تحويل لون الكائن، بدأ الانطباعيون يفضلون استخدام الألوان، وتعزيز بعضهم بعضا: الأحمر والأخضر والأصفر والأرجواني والبرتقالي والأزرق. نفس الألوان تخلق تأثير التباين الثابت. على سبيل المثال، إذا نظرنا إلى اللون الأحمر لفترة من الوقت، ثم سنقوم بنقل النظرة إلى اللون الأبيض، فسوف يبدو الأمر مخضريا.

الانطباعية لم يرفع المشاكل الفلسفية ولم يحاول حتى اختراق سطح اللون القديص. بدلا من ذلك، يركز الفنانين على ظهور الزهور، وزخم اللحظات، والمزاج، والإضاءة أو الفحم المرئي. تم تمثيل لوحاتهم فقط من قبل الجانبين الإيجابي للحياة دون التأثير على المشكلات الاجتماعية الحادة.

غالبا ما يرسم الفنانين أشخاصا في الحركة أثناء المرح أو الراحة. تم أخذ قطع غازل، الرقص، البقاء في مقهى ومسرح، يمشي بالقوارب، على الشواطئ وفي الحدائق. إذا حكمت على صور الانطباعية، فإن الحياة هي سلسلة صلبة من العطلات الصغيرة والأحزاب والمعرفة اللطيفة خارج المدينة أو في بيئة ودية.

غادر الانطباعية التراث الغني في الرسم. بادئ ذي بدء، فمن الاهتمام بمشاكل الألوان والتقنيات غير القياسية. عبر الانطباعية عن الرغبة في تحديث اللغة الفنية والتوقف عن التقاليد، كاحتجاج على تقنية ماجستير في المدرسة الكلاسيكية. حسنا، يمكننا الآن معجب بهذه الأعمال الرائعة للفنانين المعلقة.

الآن تظهر روائع الفنانين الانطباعية من قبلنا في سياق الفن العالمي: بالنسبة لنا لفترة طويلة أصبحت كلاسيكية. ومع ذلك، لم يكن دائما كذلك. حدث ذلك أن لوحاتهم لم تفوت إلى معارض رسمية، وانتقدت في الصحافة، ولم ترغب في الشراء حتى مقابل رسوم رمزية. كانت هناك سنوات من اليأس والاحتياجات والحرمان. والكفاح من أجل الفرصة لرسم العالم كما هي من إيمانه. استغرق الأمر عدة عقود، بحيث يمكن للأغلبية أن تفهم وترى أنفسهم بأعينهم. ما هو، العالم، الذي غزت فيه الانطباعية في أوائل القرن التاسع عشر، كما لو كانت الرياح اليقظة، التحول؟

تحول الاعتراضات العامة في القرن السادس عشر الراحل، الثورة في فرنسا وأمريكا، جوهر الثقافة الغربية نفسها، والتي لا يمكن أن تؤثر على دور الفن في مجتمع سريع التغير. اعتاد على النظام الاجتماعي من سلالة أو الكنيسة الحاكمة، اكتشف الفنانين فجأة أنهم تركوا دون عملائهم. شهدت نبل ورجال الدين، عملاء الفن الأساسي، صعوبات خطيرة. كان هناك وقت جديد، وعصر الرأسمالية، والقواعد والأولويات المحولة بالكامل.

تدريجيا، في الجمهوريات المنشأة والسلطات المرتبة الديمقراطية، نما الطبقة الوسطى الأثرياء، نتيجة لما بدأ سوق الفن الجديد في التطور. لسوء الحظ، لم يكن لدى رواد الأعمال والتجار، كقاعدة عامة، ثقافة وتربية وراثية كافية، وبدون ذلك من المستحيل تقييم تنوع ارسام الاصبع أو المهارات التنفيذية الماهرة، التي اتخذت الأرستقراطية.

إن عدم إصدار التعليم الأرستقراطية والتعليم، وممثلي الطبقة الوسطى، التي أدلى بها مستهلكو الفن، اضطروا إلى التنقل في الأصل لاعتبارات نقاد الصحف والخبراء الرسميين. أصبحت الأكاديمية القديمة للفنون، التي هي صانعها من الرجال الكلاسيكيين، محكمات مركزية في قضايا فنية. ليس من المفارج أن بعض الشباب والبحث عن الرسامين الذين عارضوا المطابقة، مجمعون ضد السفير الرسمي للأكاديمية في الفن.

أحد البصريات الأساسية للأكاديم في تلك الأوقات كان رعايته سلطات معرض الفن المعاصر. تم استدعاء هذه المعارض صالونات - وفقا للتقاليد، والاتصال باسم القاعة في متحف اللوفر، حيث أظهر الفنانين المحاكمون قماشهم قماشهم.

كانت المشاركة في الصالون فرصة واحدة للتسلل إلى أعمال مصلحة الصحافة والعملاء. Auguste Renoir في إحدى الحروف إلى Durane-Rueel يتحدث عن الأحكام المعمارية للأشياء: "في جميع باريس، فهي بالكاد من المعجبين الخمسة عشر الذين يمكنهم التعرف على الفنان دون مساعدة من الصالون، وآلاف من ثمانين لن حتى الحصول على قماش سنتيمتر مربع إذا لم يتم قبول الفنان في الصالون ".

لم يلمع الرسامون الشباب أي شيء آخر، بالإضافة إلى كيفية معرفة ذلك في صالونات: يمكنهم سماع كلمات غير مدوية ليس فقط من قبل أعضاء هيئة المحلفين، ولكن أيضا الرسامين المحترمين بشدة، مثل يوجين ديلكروا، غوستاف كوربا، إدوارد مانا ، حيوانات أليفة شبابية سابقة، وبالتالي استقبال الدفع إلى الإبداع اللاحق. بالإضافة إلى ذلك، كان الصالون فرصة فريدة لشراء العميل، ويلاحظ، وترتيب مهنة في الفن. منحت صالون الصالون للفنان، المفتاح للاعتراف المهني. وعلى العكس من ذلك، إذا رفضت هيئة المحلفين العمل المقدم، فقد كان يعادل الإزالة الجمالية.

لا تتطابق الصورة في كثير من الأحيان للنظر فيها من شرائع المعتادة، والتي تم رفض هيئة المحلفين من الصالون: في البيئة الفنية، أثارت هذه الحلقة الفضيحة والإحساس.

أحد الفنانين الذين خلقوا مشاركتهم في المقصورة دائما فضيحة وتسبب في عدد كبير من المخاوف من المخاوف، كان Eduard Mana. وكان الفضيحة الكبيرة مصحوبة بمظاهرات من حوادث الإفطار "الإفطار على العشب" (1863) و "أولمبيا" (1865)، تم إنشاؤها بطريقة حادة بشكل غير عادي، تحتوي على أجنبي إلى جماليات. وفي الصورة "حادثة على Corrida"، المقدمة في صالون عام 1864، شغف الفنان بإبداع غويا المتضررين. في المقدمة، رسمت ماني الرقم المفتوح للقطاع الثار. خلفية الصورة بمثابة شحن مساومة و صفوفا من المتفرجين، المتفرجين Onmal. أثار هذا التركيب الحاد والتسبب في كتلة من ردود الفعل الساخرة ورصاص الصحف. انتقادات مجنون، مانا انفصل صورته إلى جزأين.

تجدر الإشارة إلى أن النقاد والاتقاء الكاريكاتير لم يخجلوا في اختيار الكلمات وطرق إهانة الفنان بسرعة، وادفعها إلى بعض إجراءات الاستجابة. "الفنان، المرفوض من قبل الصالون"، وفي وقت لاحق "الانطباعية"، أصبحت الأهداف المفضلة للصحفيين الذين يكسبون في الفضائح العامة. لا يهدأ المغفلون في المقصورة مع رسامين من المفاهيم الأخرى والعبء الذين سئموا من الحدود الصارمة للأكاديمية القديمة، وتميزهم بشكل مفيد بانخفاض خطير، والذي يتم التخلي عنه من قبل ذلك الوقت في فن النصف الثاني من القرن التاسع عشر. رفضت لجنة تحكيم صالون المحافظين لعام 1863 الكثير من الملابس التي وجدها الإمبراطور نابليون الثالث أنه من الضروري دعم معرض موازي مختلف تماما بحيث يمكن للمشاهد مقارنة الأعمال المقبولة مع مرفوضة. أصبح هذا المعرض، الذي اكتسب اسم "صالون المناظر الطبيعية" مكانا عصريا للغاية من المغلف - ذهب هنا للضحك وتسلط الضوء عليه.

من أجل أن تكون معتادا على هيئة المحلفين الأكاديمية، يمكن للرسامين التصوير بإنشاء معارض فردية مستقلة. أعلن فكرة معرض فنان واحد لأول مرة عن الفنان الواقعي غوستينا الكورا. قدم سلسلة من أعمالها إلى معرض باريس العالمي لعام 1855. وافقت اللجنة المؤهلة على المناظر الطبيعية، لكنها رفضت صور البرنامج المواضيعي. ثم الكورا، على عكس ذلك، أقيمت بالقرب من جناح المعرض الشخصي العالمي. على الرغم من أن الطريقة الخلية العريضة للمحرس أعجب بها ديلاسرو المسن، كان الجمهور في جناحه قليلا. خلال المعرض العالمي في عام 1867، استأنف كوربي هذه التجربة مع انتصار كبير - هذه المرة فاز بكل أعماله في غرفة منفصلة. إدوارد مانا تأخذ مثالا من الكورا، افتتح معرضه الخاص خلال المعرض نفسه لمظاهرة بأثر رجعي لصفته.

يفترض إنشاء صالات عرض شخصية والنشر الخاص للكتالوجات التكلفة الملموسة للموارد - كبيرا بشكل كبير من أولئك الذين غالبا ما يملكوا الفنانين. ومع ذلك، دفعت الحالات مع الكورا ومانا الرسامين الشباب على خطة معرض جماعي للفنانين في اتجاهات جديدة لا تتخذها الصالون الرسمي.

بالإضافة إلى التغييرات الاجتماعية في فن القرن التاسع عشر، كان البحث العلمي في تشابك. في عام 1839، أظهر لويس داجر في باريس وهنري فوكس تالبوت في لندن أجهزة التصوير الفوتوغرافي التي أنشأتها بشكل مستقل عن بعضها البعض. بعد وقت قصير من هذا الحدث، تخلصت الصورة من الفنانين والجداول الزمنية من الواجب الذين يديمون الأشخاص والأماكن والحوادث. الكائن المحرر من الديون، هرع العديد من الرسامين إلى مجال نقلهم، شخصي، تعبير عن المشاعر.

أدت الصورة إلى وجهات نظر أخرى في الفن الأوروبي. تشكل العدسة، مع زاوية أخرى من الرأي، بدلا من عيون الشخص، تمثيل مجززي للتكوين. إن تغيير زاوية التصوير الفنانين دفعوا إلى رؤى تركيبية جديدة أصبح أساس جماليات الانطباعية. وكان أحد المبادئ الرئيسية لهذا التدفق العفوية.

في نفس عام 1839، عندما تم إنشاء كاميرا، نشر الكيمياء من مختبر المصنع الباريسي في نسيج ميشيل يوجين شيفرييل أولا تفسير منطقي لتصور اللون من قبل عين بشرية. خلق الأصباغ للأقمشة، تأكد من وجود ثلاثة ألوان رئيسية - أحمر وأصفر وأزرق، عند خلط جميع الألوان الأخرى تنشأ. بمساعدة دائرة الألوان، أثبتت شيفرييل كيف تولد ظلاله من عدم وجود فكرة علمية صعبة فحسب، بل قدم أيضا للفنانين مفهوم عمل لمزيج الدهانات. الفيزيائي الأمريكي Odden Rud and German Hermann خلفية Helmgoli من جانبها يكمل هذا الاختراع من خلال التطورات في مجال البصريات.

في عام 1841، براءة العالم والرسام الأمريكي جون راند براءة اختراع أنابيب القصدير التي أنشأتها له للدهانات القابلة للتلف. قبل أن يغادر الفنان، مغادرة الكتابة عند النظير، تم خلطه لأول مرة في ورشة عمل الدهانات التي يحتاجون إليها وبعد صبها في حاويات زجاجية، والتي كانت غالبا ما تخضع، أو في الفقاعات من الحيوان داخليا، والتي تم إعطاؤها بسرعة تدفق. مع وصول أنابيب Randovsky، حصل أهل فني على ميزة جلبهم جميعا مجموعة متنوعة من الألوان والظلال. كان هذا الاكتشاف إلى حد كبير أثر على وفرة مخطط الألوان للفنانين، بالإضافة إلى ذلك أقنعهم بالخروج من ورش العمل في الطبيعة. في وقت قصير، كما أشار وحده، في المناطق المحيطة الريفية لاعبين أفقي أصبح أكثر من الفلاحين.

كان رواد الرسم من اللوحة من فضلك فنانين في مدرسة باربيزون، الذين حصلوا على لقبهم من قرية باربيزون بالقرب من غابة فونتينبلو، حيث تم إنشاء معظم المناظر الطبيعية.

إذا كان الرسامون الأكبر سنا في مدرسة باربيزون (T. Rousseau، J. Dupre) في عملهم لا يزالون يستندون إلى تراث المناظر الطبيعية البطولية، ثم تم تقديم ممثلين عن جيل الشباب (S. Kotovi، K. Coro) هذا النوع إلى الواقعية. على لوحاتهم المصورة من المناظر الطبيعية، والأثاث الأكاديمي الغريبة.

في لوحاتهم، حاول Barbizontsy إعادة إنشاء تنوع دول الطبيعة. هذا هو السبب في أنهم رسموا من الطبيعة، يحاولون التقاط فورية تصورهم. ومع ذلك، فإن استخدام الأساليب الأكاديمية والأموال الشمسية في اللوحة لم يساعدهم على تحقيق ما تم إدارته لاحقا بسبب الانطباعيين. على عكس ذلك، فإن مساهمة الفنانين في مدرسة Barbizonskaya في تشكيل النوع لا رجعة فيه: ترك ورش العمل من أجل الخلاص، واقترحوا من المشهد اللوحة طرق جديدة للتنمية.

قام أحد مؤيدي الطلاء على الطبيعة، يوجين بيل، تعليمات من تلميذه الشاب من كلود مونيه، وهو أمر ضروري لخلق المشهد - بين النور والهواء، لطلاء ما يفكر فيه. أصبحت هذه القاعدة أساس اللوحة العامة. تم تقديم ضيق من مونيتا لأصدقائه وأغسطين رينوار، ألفريد سيسلي وفريدريك باسيلي، نظرية جديدة: للطلاء فقط ما نلاحظه على مسافة محددة ومع إضاءة محددة. في المساء، تم تقاسم الرسامين الشباب في المقاهي الباريسي بسعادة من خلال اعتبارات وتمييز اكتشافاتهم الجديدة مع الحماس.

بدا ذلك الانطباعي - اتجاه ثوري في فن الثالث الأخير من XIX - قرون XX المبكرة. حاول الرسامون الذين سحبتوا مسار الانطباعين، بشكل طبيعي وبحد بصدق في العالم المحيطين في أعمالهم وواقعهم اليومي في تنقلهم لا نهاية لها وغير حقلهم، يعبرون عن أحاساسهم العائلة.

أصبح الانطباعية استجابة للركود في فن الإدارة في تلك السنوات، والرغبة في تحرير اللوحة من هذا المنصب الميؤوس منها كانت سعيدة مع خطأ الفنانين في الصالون. حقيقة أن الفن الحديث في الانخفاض، العديد من الناس التقدميين قالوا: يوجين ديلكروا، غوستاف كوربي، تشارلز بودوزر. ظهر الانطباعية ل "هيئة معاناة" نوع من العلاج بالصدمات.

مع ظهور الفنانين الشابين - ضباط الجينين إدوارد مان، أغسطين رينارا، إدمغار دغا تغيير الرياح انفجرت في الطلاء الفرنسي، مما يمنح إعاقة تفكير الحياة، وإطعام العشوائي، كما لو كانت المواقف والحركات غير المتوقعة، والحيرة الواضحة العدوانية أشكال، قدرة التركيب، وجهات النظر غير المتوقعة ومنظورها.

في الأمسيات، عندما لم يعد الفنانين لم يعد لديهم الفرصة لكتابة قماشهم بسبب التوضيح الناديا، غادروا ورش عملهم وقصصوا وراء النزاعات الأكل في المقاهي الباريسية. لذلك أصبحت مقهى أربوة واحدة من الأماكن التي لا تتغيرها لمقابلة حفنة من الفنانين الذين المتحدة حول رجل إدوارد. في يوم الخميس عقد اجتماعات منتظمة، وفي الأيام الأخرى كانت هناك مجموعة من الفنانين الحاضرين أو الفنانين. وصف كلود مونيتا الاجتماعات في مقهى Gerbua: "لا يمكن أن يكون هناك أي شيء أكثر إثارة من هذه الاجتماعات ومواجهة لا نهاية لها من الآراء. لقد تفاقم عقلنا، وشجعوا تطلعاتنا النبيلة والقلب، وأعطانا تهمة الحماس، عززنا لنا لعدة أسابيع حتى تم الوفاء بالفكرة. تركنا هذه الاجتماعات في مزاج مرفوع، مع إرادة معززة، مع فتات أكثر عكسية وواضحة ".

عشية 1870s، تأسست الانطباعية وفي المناظر الطبيعية الفرنسية: كلود مونيه، كاميل بيسارو، ألفريد صكميلي طور أول نظام أسير ثابت. كتبوا قماشهم دون اسكتشات ورسمات في الهواء المفتوح فورا على قماش، تجسد أشعة الشمس الفاصلة في لوحاتهم، وفرة رائعة من الطبيعة، إذابة الأشياء الممثلة في المتوسط، اهتزاز الضوء والهواء، أعمال الشغب من ردود الفعل. لتحقيق هذا الهدف، تم تظاهر نظام تلويني مدروسه في جميع الأجزاء، حيث اللون الطبيعي لون الطيف الشمسي. لخلق نسيج ملون لطيف بشكل غير عادي، وضع الفنانين لونا نظيفا على قماش مع مسحات منفصلة، \u200b\u200bفي حين كان المتوقع الخلط البصري في عين الشخص. أصبحت هذه التقنية، التي تحولت في وقت لاحق والمجدوريا، من الناحية النظرية، أكبر الطموح الفني المتميز المركزي - المؤشرات، المسماة "تقسيم" (من فرانز "المقوس" - للتقسيم).

أظهر زيادة الانطباعية الفائدة على روابط الكائن والبيئة. كان موضوع تحليلهم الإبداعي الدقيق لديهم تحويل لون وطبيعة الكائن في البيئة المتغيرة. لتحقيق هذه الفكرة، تم تصوير نفس العنصر مرارا وتكرارا. مع إضافة لون نقي في الظل وردود الفعل، ترك الطلاء الأسود اللوحة السوداء تقريبا.

جول الناقد Lafort Lafort، استجاب حتى ظاهرة الانطباعية: "الانطباعية يرى وينقل الطبيعة كما هو، الاهتزازات الساحرة الوحيدة. الشكل والضوء والحجم والمنظور والضوء - كل هذا يغادر للحصول على تصنيف مجاني. اتضح أن كل شيء يتم تحديده بواسطة الاهتزازات اللون وينبغي إغلاقه على قماش الاهتزاز اللون.

بفضل الهواء المفتوح والاجتماعات في المقهى في 27 ديسمبر 1873، مجهول، النحاتين، النقوش، إلخ. - أولا تم لعب الانطباع أولا. وقع المعرض الأول للمجتمع في الربيع بعد عام في المعرض التجاري في ندار، المصور - التجريبي، الذي سافر بالإضافة إلى إبداعات الفن الحديث.

جاء لاول مرة في 15 أبريل 1874. تم التخطيط للمعرض لقضاء شهر، وقت الزيارات - من عشرة إلى ستة، وأصبحت أيضا الابتكار، ثمانية إلى عشرة في المساء. كانت تذكرة المدخل تساوي فرنك واحد، ويمكن شراء الكتالوجات عند خمسين سنتي. في البداية، يبدو أن المعرض مليئا بالزوار، لكن الحشد قد قفز فقط هناك. مازح شخص ما أن مهمة هؤلاء الفنانين يمكن تحقيقها إذا تم توجيه الاتهام إلى أنابيب الطلاء المختلفة، ثم أطلق النار في قماش وتخرج من الأعمال الموقعة.

تم تقسيم الآراء: إما أن المعرض لم يؤخذ على محمل الجد، أو انتقد في الغبار والغبار. يمكن التعبير عن التصور العام في المقال التالي من معرض الانطباع الساخر "معرض الانطباع"، حيث نشر توقيع لويس ليريو، في شكل فاكيتون. يوصف حوار المؤلف هنا بنظام أراضى أكاديمية، ميداليات ممنوحة، معا تمر عبر قاعات المعارض:

"... لقد جاء الفنان الحكيم هناك، لا يقترح أي شيء سيء، كان يتوقع أن يرى القماش هناك، والذي يمكن العثور عليه في كل مكان، الأسي والأنيق، أكثر من أي معايير فنية، ولكن ليس بعيدة بعض المعايير الفنية، وثقافة النموذج احترام مطرح القديم.

للأسف، شكل! للأسف، الماجستير القديم! لم نعد قراءتها، صديقي الفقري! كلنا تحولت!

وضع المعرض أيضا المشهد في كلود مونيه، الذي كان الصباح الفجر في خليج الضباب الكفود - دعا الرسام "الانطباع". شروق الشمس "(الانطباع). فيما يلي تعليق واحد من شخصيات المادة الساخرة لويس ليروا لهذا القماش، الذي أعطى الاسم بالطبع الأكثر حساسية والمعروفة في فن القرن التاسع عشر:

"...- ما الذي تم رسمه هنا؟ حصة في الكتالوج. - "انطباع. شروق الشمس". - الانطباع - لذلك افترضت. أنا فقط من أجل نفسه في نفسي أنه منذ أن أعجبت، يجب إعطاء بعض الانطباع فيه ... وأي نوع من التفاني، ما هو نعومة الأداء! خلفية في درجة المعالجة الأولية أكثر مثالية من هذا المناظر البحرية ... ".

شخصيا، لم يكن monet ضد مثل هذا الاسم من الاستقبال الفني، الذي قدمه في الممارسة العملية. الجوهر الرئيسي لعمله هو بالضبط المحكمة والاستيلاء على اللحظات الانزلاقية في الحياة، وعلى ما عمل، مما يولد سلسلة من الملابس التي لا تعد ولا تحصى: "مداخن"، "الحور"، "كاتدرائية ريني"، "محطة سانت لازار"، "بركة في zevny"، "لندن. مبنى البرلمان "وغيرها. حالة أخرى، إدغار دغا، التي أحب أن تجعل نفسه "مستقلا"، لأنه لم يشارك في المقصورة. وكان أسلوبه الحاد والثاني من الكتاب المقدس، الذي كان بمثابة مثال بالنسبة للعديد من المؤيدين (من بينها تولوز أو لطريك رائعا بشكل خاص)، أي غير قدرة على لجنة التحكيم الأكاديمية. أصبح كل من هؤلاء الرسامين أكثر منظمي المبارات في المعارض اللاحقة للانطباعين، سواء في فرنسا وخارجها - في إنجلترا، ألمانيا، الولايات المتحدة.

إن أغسطس رينوار، على العكس من ذلك، تظهر في المعارض الأولى للانطباعين، لا تفقد الأمل في قهر الصالون، وإرسال لوحتين كل عام في معرضه. الازدواجية المميزة لأفعاله، ينتشر في المراسلات لرفرفه وراعيم دوران رولي: "... أنا لا أقوم بتقديم آراء مؤلمة أن العمل يستحق أو لا يستحق اعتمادا على المكان الذي يتم فيه إثباته. باختصار، لا أريد أن أقتل الوقت عبثا وتكون غاضبا من الصالون. أنا لا أريد أن أدعي أن أكون غاضبا. أنا فقط أعتقد أنك بحاجة إلى رسم بمجرد أن يكون أفضل، هذا كل شيء. واه لأني كنت قد ألغيت أنني لم تكتمل في فناني أو من طموح سخيف تجديد من آرائي، وأود أن تأخذ هذه الاتهامات. ولكن نظرا لأنه لا شيء مثل الأمر غير قريب، فأنا بحاجة إلى Rouck Me ".

لا يفكر في نفسه مشاركة رسميا في اتجاه الانطباعين، قرأ إدوارد مانا نفسه رساما حقيقي. ومع ذلك، فإن العلاقة الوثيقة المستمرة مع الانطباعيين، وزيارة معارضهم، وتحولت بشكل غير محسوس أسلوب الرسام، مما يجعله للانطباع. في سنوات وفاة حياته، فإن الطلاء في لوحاته سطع، تشويه التأرجح، التكوين - مجزء. مثل رينوار، انتظر مانا موقع الخبراء الرسميين في مجال الفن وهرع للمشاركة في معارض الصالون. ولكن على الرغم من رغبته، أصبح المعبود من الطابقين الطيور الباريسي، الخاص بهم. على عكس كل شيء، اقتحم صالون كتانه. قبل الموت فقط، كان محظوظا لاكتساب الموقع الرسمي للمقصورة. وجده وأغسطين رينوار.

ووصف الأشخاص الرئيسيين أن الانطباعين، سيكونون قبيحون لا يتذكرون مجزأين على الأقل من شخص، بمساعدة أي اتجاه فني انهار مرارا وتكرارا أصبح استحواذ فني مهم في القرن التاسع عشر، غزا العالم بأسره. اسم هذا الشخص هو بول دوران رويل، وهو جامع، أحد تاجر الفن، أصبحت مرارا وتكرارا على وشك الإفلاس، ولكن لم يرفض إقامة انطباعية كفن جديد، والذي سيصل إلى Apogee. شارك في تنظيم معارض للانطباعين في باريس وفي لندن، في لندن، نظموا معرضا شخصيا للرسامين في معرضها، مزادات نظمت، ببساطة من الفنانين ماليا: كانت هناك أوقات لا يوجد فيها الكثير منهم طلاء وكنيسة. إثبات تقدير اللهب واحترام الفنانين - رسائلهم من دوران رويائل، والتي لا تزال تكثف. شخصية Durane-Rueel هي عينة من جامع ذكي ومثبر.

"الانطباعية" هو مفهوم القريب. اجتاز جميع الرسامين الذين نعتبرهم هذا التدفق تدريبات أكاديمية تفترض أن العمل الدقيق من أجزاء وسطح خلاب مسطح ولامع. ومع ذلك، فإنهم قريبا اختاروا الموضوعات المعتادة والأراضي الموصوفة من الداخل، لوحات في الاتجاه الواقعي، مما يعكس الواقع الحقيقي، كل يوم. بعد ذلك، كتب كل منهم وقتا معينا بأسلوب الانطباعية، ومحاولة نقل الأشياء بشكل موضوعي في لوحاته ذات الإضاءة المختلفة. بعد مثل هذه المرحلة الانطباعية، انتقلت معظم هذه الفنانين المناهضين للغرار إلى البحوث المستقلة، والتي اكتسبت اسم جمع "الفحوص"؛ في وقت لاحق، ساهم إبداعهم في تشكيل التشرئة في القرن XX.

في السبعينيات من القرن التاسع عشر، كانت أوروبا مدمنة على الفن الياباني. تقارير Edmond de Gonkur في سجلاته: "... العاطفة من الفن الياباني ... لقد فعلت كل شيء من اللوحة إلى الموضة. في البداية، كان هوس مثل هذه غريب الأطوار، مثل أخي وأنا، ثم انضم إلى الفنانين من الانطباعيين ". في الواقع، في صور الانطباعية في ذلك الوقت، غالبا ما تم القبض على سمات الثقافة اليابانية: الماء، كيمونو، أدرك. كما تعلموا الأساليب الأسلوبية والحلول البلاستيكية من النقوش اليابانية. وكان العديد من الانطباعيين جامعات متحمسين للنقن اليابانيين. على سبيل المثال، إدوارد مانا، كلود مونيه، إدغار ديجاس.

بشكل عام، ما يسمى الانطباعيين من عام 1874 إلى 1886 نظموا 8 معارض فواصل غير متكافئة؛ ينتمي نصف الرسامين 55 إلى مجتمع مجهول، لظروف مختلفة، ظهر فقط في الأول. المشارك الحصري في جميع المعارض 8 كان كاميل بيسارو، الصادر عن مزاج هادئ هادئ.

في عام 1886، حدث المعرض النهائي للانطباعين، ولكن كطريقة فنية، استمر في الوجود. الدهانات لم تترك العمل الشاق. على الرغم من أن الشراكة السابقة، إلا أن الوحدة، لم تعد هناك. ألقى الجميع طريقه. انتهت المواجهات التاريخية، انتهت بانتصار وجهات نظر جديدة، وليس هناك حاجة إلى توحيد القوة. تقسيم رودريات الفنانين من الانطباعيين، ولا يستطيعون سوى الانقسام: كانوا مؤلما، كانوا جميعا، ليس فقط في مزاج، ولكن أيضا في الآراء، على المعتقدات الفنية.

الانطباعية، كاتجاه، وفقا لوقته، لم تفشل في مغادرة حدود فرنسا. طلبت هذه الأسئلة للرساسمين وفي بلدان أخرى (جيمس ويسلر في إنجلترا والولايات المتحدة الأمريكية، ماكس ليبرمان وتصوير الأسماك في ألمانيا، Konstantin Korovin و Igor Grabar في روسيا). عاطفية الحركة الفورية للانطباع، تم اعتماد وشكل السائل والنحاتين (Auguste Roden في فرنسا وبولو تروبيتسكوي آنا Golubank في روسيا).

بعد الانتهاء من انقلاب في آراء المعاصرين، فإن الانطباع العالمي، وبالتالي استعد الانطباعية الأرضية للتشكيل اللاحق للفن وظهور التطلعات والأفكار الجمالية الجديدة، أشكال جديدة لم تكن طويلة للانتظار. والوصول من الانطباعية، والاحتفال الجدد، والبرمشية، والريش، حفزت فيما بعد تشكيل وتشكيل الاتجاهات الجمالية الجديدة والتوجهات.

الانطباعية هي دورة ميزة ظهرت في السبعينيات. Xix Century باللوحة الفرنسية، ثم يتجلى في الموسيقى والأدب والمسرح.

بدأ الانطباعية في اللوحة في التطور قبل وقت طويل من المعرض المعروف لعام 1874. يعتبر الناقل الرئيسي للانطباع تقليديا أن يكون إدوارد مانا. كان مستوحى من الأعمال الكلاسيكية في Titian، Rembrandt، Rubens، Velasqueza. تعبر رؤيته لصور مانا عن علاماته، مضيفة "تهتز" السكتات الدماغية التي خلقت تأثير غير مكتمل. في عام 1863، أنشأت منان أولمبيا، مما تسبب في فضيحة كبيرة في المجتمع الثقافي.

للوهلة الأولى، تم تصنيع الصورة بما يتماشى مع شرائع تقليدية، ولكن في الوقت نفسه تم نقلها بالفعل واتجاهات مبتكرة. تم كتابة حوالي 87 مراجعات في مختلف إصدارات باريس حول أولمبيا. تم جمع كتلة من النقد السلبي عليها - واتهم الفنان بالفتحية. وفقط عدد قليل من المقالات يمكن أن يسمى benevolent.

استخدم مانا في عمله الأجهزة من طلاء طبقة واحدة، والتي خلقت تأثير المواقع. بعد ذلك، تم تنفيذ هذه الطريقة لتطبيق الدهانات من قبل الفنانين الانطباعية كأساس للصور على لوحات مختلفة.

كانت ميزة مميزة للانطباع هي أفضل تثبيت لانطباعات الخرم، بطريقة خاصة تلعب الوسيلة المضيئة بمساعدة فسيفساء معقدة للدهانات النظيفة، السكتات الدماغية الزخرفية هارب.

من الغريب أن الفنانين في بداية بحثه استخدموا مقياسا سيجارا - أداة لتحديد السماء الزرقاء. تم استبعاد اللون الأسود من اللوحة، تم استبداله بظلال الألوان الأخرى، مما جعل من الممكن عدم إفساد الحالة المزاجية المشمس للوحات.

ركز الانطباعية على أحدث الاكتشافات العلمية في وقتهم. يتم تقليل نظرية Tempel و Helmholtz إلى ما يلي: يتم تقسيم Sunbeam إلى مكونات الألوان، وبالتالي، فإن الدهانات التي وضعت على قماش تعزز التأثير التصويري، وعندما يتم خلط الطلاء، تفقد الشدة شدة.

كانت جماليات الانطباعية تتطور، جزئيا، بمثابة محاولة لتحرير أنفسها بشكل حاسم من اتفاقية الكلاسيكية في الفن، وكذلك من رمزية مستمرة وعميقة اللوحة المتأخرة الداخلية، والتي قدمت الجميع لرؤية النوايا المشفرة التي تحتاج إلى حذر ترجمة. جادل الانطباعية ليس فقط جمال الواقع اليومي، ولكن تثبيت الغلاف الجوي الملون، غير مفصل وليس إطفاء، يصور العالم باعتباره ظاهرة بصرية تغيير الأبد.

طور الفنانين الانطباعيين نظام أسير منتهي. كانت سلف هذه الميزة الأسلالية ترسم الفنانين والمهاجرين من مدرسة باربيزون، والممثلين الرئيسيين الذي كان كاميل كورو وجون كونستابل.

أعطى العمل في الفضاء المفتوح المزيد من الفرص لالتقاط أدنى تغييرات ألوان في أوقات مختلفة من اليوم.

تم إنشاء Claude Monet عدة سلسلة من اللوحات على نفس المؤامرة، على سبيل المثال، كاتدرائية Rueny (سلسلة من 50 لوحة)، "كدسات" (سلسلة من 15 لوحة)، "بركة مع زنابق المياه"، إلخ. المؤشر الرئيسي لهذه سلسلة كان هناك تغيير في نظام الضوء والألوان في صورة نفس الكائن المكتوبة في أوقات مختلفة من اليوم.

إن إنجاز آخر للانطباع هو تطوير نظام خاص للمناظر الطبيعية الخلابة، حيث يتم تحلل النغمات المعقدة على الألوان النقية التي تنقلها السكتات الدماغية الفردية. لم يختلطان الفنانون الألوان على اللوحة، لكنهم فضلون فرض السكتات الدماغية مباشرة على قماش. مثل هذا الجهاز المرفق باللوحات الخشجية الخاصة والتقليل والإغاثة. كانت أعمال الفنانين مليئة بالألوان والضوء.

كان المعرض في 15 أبريل 1874 في باريس نتيجة الفترة من التكوين والتقديم إلى الجمهور العام لدورة جديدة. تم نشر المعرض في مصور الاستوديو فيليكس ندار على بوليفارد كابوتشين.

نشأ اسم "الانطباع" بعد المعرض، الذي تم عرضه على صورة مونيت "الانطباع. شروق الشمس". أعطى الناقد L. Lerua في مراجعته في نشر "Charivari" ممزحا لعرض 1874، مما يؤدي إلى مثال مونيه. منتقدي آخر، موريس دينيس، من الانطباع في غياب الفردية والمشاعر والشعر.

في المعرض الأول، أظهر حوالي 30 فنانا أعمالهم. لقد كانت الأكبر بالمقارنة مع المعارض اللاحقة حتى عام 1886.

من المستحيل عدم القول عن ردود فعل إيجابية من المجتمع الروسي. الفنانين والنقاد الروس - الديمقراطيون، مهتمون دائما بوضوح في الحياة الفنية لفرنسا - I. V. Kramskaya، I. E. REPIN و V. V. Stasov - قامت بتقييمها بشدة إنجازات الانطباعية من المعرض الأول.

لم تكن المرحلة الجديدة من تاريخ الفن، والتي بدأت من قبل معرض عام 1874، انفجار مفاجئ للاتجاهات الثورية - كان تتويجا للتنمية البطيئة والمتسقة.

مع كل ما جعل جميع أساتذة العظماء في الماضي مساهمتهم في تطوير مبادئ الانطباعية، يمكن بسهولة اكتشاف الجذور الفورية للتدفق في العشرينات السابقة للمعرض التاريخي.

في المعارض الموازية في المقصورة، اكتسبوا مبيعاتهم من الانطباعية المعرض. تم إثبات اتجاهات جديدة في اللوحة في أعمالها. كانت توبيخ ثقافة صالون وتقاليد المعرض. في مزيد من الفنانين - تمكن الانطباعية من جذب المعجبين بالاتجاهات الجديدة في الفن.

بدأت المعرفة والنظريية للانطباع في التطور في وقت متأخر تماما. فضل الفنانون المزيد من الممارسات وتجاربهم الخاصة على الضوء واللون. في الانطباعية، أولا وقبل كل شيء الخلابة، تتبع إرث الواقعية، والوجه المضاد للأكاديم، والتوجيه المتانسي والتركيب لصورة الواقع المحيط في ذلك الوقت واضحة فيه. يلاحظ بعض الباحثين أن الانطباعية أصبح فرع خاص من الواقعية.

مما لا شك فيه، في الفن الانطبائي، كما هو الحال في كل تدفق فني، ناشئ خلال فترة الكسر وأزمة التقاليد القديمة، كانت المنسوجة، مع جميع سلامتها الخارجية، واتجاهات مختلفة وحتى متناقضة.

كانت الميزات الرئيسية في موضوع أعمال الفنانين، في وسيلة التعبير الفني. يشمل كتاب إيرينا فلاديميروفا على الانطباعيين عدة فصول: "المناظر الطبيعية والطبيعة والانطباعات"، "مدينة، أماكن الاجتماعات والانفصال"، "الهوايات"، كنمس نمط "،" أشخاص وشخصيات "،" صور "، صور ذاتية" ، "باق على قيد الحياة". كما يصف تاريخ إنشاء وموقع كل عمل.

خلال أحياما، عثر الفنانين الانطباعية على توازن متناسق بين الواقع الموضوعي وتصورها. حاول الفنانين التقاط كل شعاع من الضوء، حركة النسيم، وتوقع الطبيعة. للحفاظ على نضارة اللوحات، أنشأ الانطباعيون النظام الأصلي الخلاب، والذي كان مهما في وقت لاحق لتطوير الفن في المستقبل. على الرغم من الاتجاهات العامة في اتجاهات اللوحة، وجد كل فنان طريقه الإبداعي والجينات الرئيسية في الرسم.

يمثل الانطباعية الكلاسيكي من قبل فنانين مثل إدوارد مانا، كلود مونيه، بيير أوجست رينوار، إدغار ألفريد سيسلي، كاميل بيسارو، جان فريدريك باسيل، بيرتا موريزو، إدغار ديجا.

النظر في مساهمة بعض الفنانين لتشكيل الانطباعية.

إدوارد مانا (1832-1883)

أول دروس من اللوحة مان تلقى من T. Couture، بفضل هذا، اكتسب الفنان المستقبلي الكثير من المهارات المهنية اللازمة. نظرا لعدم وجود اهتمام مناسب للمعلم، يغادر ماساة ماجستير وصفقات التعليم الذاتي. إنه يزور المعارض في المتاحف، كان لدى الماجستير القديم تأثير كبير على تشكيله الإبداعي، وخاصة الإسبانية.

في القرن التاسع عشر، يكتب ماني عملين، حيث يتم عرض المبادئ الأساسية لمسطحة السفلات الفنية. "لولا من فالنسيا" (1862) و "الأوسط" (1866) تظهر ماني كفنان يكشف عن طبيعة النموذج من خلال انتقال اللون.

تم قبول أفكاره حول تقنية تطبيق اللطاحات والموقف تجاه اللون من قبل الفنانين الآخرين. في سبعينيات القرن التاسع عشر، يصبح ماني أقرب إلى أتباعه ويعمل في البلية دون سوداء على اللوحة. كانت القادمة للانطباع نتيجة التطور الإبداعي لسان نفسه. تعتبر الصور الأكثر انطباعا من مانا "في القارب" (1874) و "كلود مونيه في القارب" (1874).

كما كتب مانا الكثير من صور السيدات العلمانية المختلفة والممثلات والمحاكاة والنساء الجميلات. في كل صورة، تم نقل التفرد وفردية النموذج.

قبل وقت قصير من وفاته، يكتب مانا أحد روائعه - "بار فولي بيرغر" (1881-1882). في هذه الصورة، يتم دمج العديد من الأنواع في وقت واحد: صورة، لا تزال الحياة، مشهد الأسرة.

N. N. Kalitina يكتب: "السحر السحري السحري هو أن الفتاة تعارض المحيطة، ويفشف بوضوح الكثير من مزاجها، وفي الوقت نفسه جزء من الخطة الخلفية بأكملها، تخمين غامضة، غير مسمى، القلق، كما تم حلها باللون الأزرق ، نغمات بيضاء وأبيض صفراء ".

كلود مونيه (1840-1926)

كان كلود مونيه قائدا بلا شك ومؤسس الانطباعي الكلاسيكي. كان النوع الرئيسي لطلاءه مناظر طبيعية.

في شبابه، كان مون مغرم كاريكاتير ورسمات كاريكاتورية. كانت النماذج الأولى لأعمالها معلمه والرفاق. بالنسبة للعينة، استخدم كاريكاتيريا في الصحف والمجلات. قام بنسخ الرسومات في "Golua" E. Karzha، الشاعر الكاريكاتوري، صديق ل Gustava Kouris.

في الكلية، طلاء مونيه تدرس جاك فرانسوا أوسهار. ولكن لاحظت بحق التأثير على مونتي بوين، الذي أيد الفنان، قدم له المشورة، بدافع من مواصلة الإبداع.

في نوفمبر 1862، واصلت مونيت باريس دراسته في باريس في جلييرا. بفضل هذا المونيت، التقى به في ورشة عمل مع قاعدية، رينوار، Sisty. كان الفنانين الشباب يستعدون للقبول في كلية الفنون الجميلة، واحترام معلمهم، الذين أخذوا دروس صغيرة لدروسهم وفي شكل لينة أعطى المشورة.

خلقت Monet لوحاته ليست كقصة، وليس مثل التوضيح لفكرة أو موضوع. اللوحة، مثل الحياة، لم يكن لها أهداف واضحة. ورأى العالم، ولا يركز على التفاصيل، على بعض المبادئ، مشيا إلى "رؤية المناظر الطبيعية" (مصطلح مؤرخ الفن أ. فيدوروفا دافيدوفا). سعى مونيه إلى الحضانة، دمج الأنواع على قماش. كانت وسائل التجسد من ابتكاراته etudes، والتي كان من المفترض أن تكتمل اللوحات. تم استخلاص جميع الرسومات من الطبيعة.

لقد كتب مرجا، والتلال، والزهور، والصخور، والحدائق، والشوارع الريفية، والبحر والشواطئ وأكثر من ذلك بكثير، تناول صورة الطبيعة في أوقات مختلفة من اليوم. غالبا ما كتب نفس المكان في أوقات مختلفة، وبالتالي إنشاء دورات كاملة من أعمالها. لم يكن مبدأ عمله صورة للكائنات في الصورة، ولكن انتقال دقيق للضوء.

دعونا نعطي بعض الأمثلة على عمل الفنان - "مجال ماكوف من الأرجنتيني" (1873)، "الكلمة" (1869)، "بركة مع زنبق الماء" (1899)، "مداخن القمح" (1891).

بيير أوجست رينوار (1841-1919)

يشير رينوار إلى الماجستير المتميز لصورة علمانية، إلى جانب ذلك، عمل في أنواع المناظر الطبيعية، المشهد الأسري، لا تزال الحياة.

ميزة عمله مصلحة بشخصية الشخص، والإفصاح عن شخصيته وروحه. في ذراته، يحاول رينوار التأكيد على الشعور بالاكتمال. يجذب الفنان الترفيه والأعياد، يكتب الكرات، يمشي بحركاتهم ومجموعة متنوعة من الشخصيات، والرقص.

أشهر أعمال الفنان - "صورة ممثلة Zhanna Samari"، "المظلات"، "السباحة على السين" وغيرها.

من المثير للاهتمام أن رينوار قد تم تمييزه عن طريق الموسيقى وسانج في جوقة الكنيسة تحت قيادة الملحن والمعلم المعلم تشارلز جونو في باريس في كاتدرائية القديس واستاش. sh. أوصى Gunno بشدة الصبي بالانخراط في الموسيقى. ولكن في الوقت نفسه، اكتشف رينوار الموهبة الفنية - من 13 عاما، تعلم بالفعل رسم أطباق الخزف.

أثرت فصول الموسيقى على تكوين شخصية الفنان. ترتبط عدد من أعماله بالموضوعات الموسيقية. وجدوا لعبة انعكاسهم على البيانو، الغيتار، ماندولين. هذه هي لوحات "غيتار الجيتار"، "امرأة شابة إسبانية مع غيتار"، "سيدة شابة للبيانو"، "امرأة تلعب الجيتار"، "درس البيانو" وغيرها.

جان فريدريك باسيل (1841-1870)

وفقا لأصدقائه للفنانين، كان بازيل الانطباعية الأكثر واعدة وغير مساوية.

تتميز أعماله بمخطط لون مشرق وصور ذات شعر مستعار. تأثر بيير أوجست رينوار، ألفريد سيسلي وكلود مونيه إلى حد كبير طريقه الإبداعي. كانت شقة جان فردريكا للرسامين المبتدئين نوعا من الاستوديو والإسكان.

الريحان يفضل أن يكتب في البلية. كانت الفكرة الرئيسية لإبداعه صورة لرجل ضد خلفية الطبيعة. وكان أول الأبطال في اللوحات فنانو أصدقائه؛ أحب العديد من الانطباعين لرسم بعضهم البعض في أعمالهم.

فريدريك باسيل في الإبداع للغاية حدد مسار الانطباعي الواقعي. الصورة الأكثر شهرة لصورته هي "ريونيون عائلية" (1867) - السيرة الذاتية. الفنان يصور أعضاء أسرته. تم تقديم هذا العمل في الصالون وحصل على تقييم الموافقة للجمهور.

في عام 1870، توفي الفنان في الحرب البروسية الفرنسية. بالفعل بعد وفاة الفنان، نظم أصدقاؤه الفنانين المعرض الثالث للانطباعين، حيث تمت عرض قماش له أيضا.

كاميل بيسارو (1830-1903)

كاميل بيسارو هو واحد من أكبر ممثلين لفنانين الطلاء بعد ك. مونيت. تعرض أعماله باستمرار في معرض المعروض من الانطباعية. في أعمالهم، يفضل Pissarro الحقول المحروثة، والحياة الفلاحية والعمل. تميزت لوحاتها بنية النماذج ووضوح التكوين.

في وقت لاحق، بدأ الفنان في كتابة لوحات حول الموضوعات الحضرية. N. N. Kalitina في كتابه ملاحظات: "ينظر إلى شوارع المدينة من نوافذ الطوابق العليا أو من الشرفات، دون تقديمها في التركيب".

تحت تأثير جورج بيير سوسا، استغرق الفنان أخيرا. هذه التقنية تنطوي على فرض كل تشويه بشكل منفصل، كما لو كان عن طريق تحديد النقطة. لكن الاحتمالات الإبداعية في هذا المجال لم تتحقق، وعاد Pissarro إلى الانطباعية.

أصبحت اللوحات الأكثر شهرة بواسطة Pissarro "Boulevard Montmartre. بعد الظهر، مشمس، "Opera Mass في باريس"، "مربع المسرح الفرنسي في باريس"، "حديقة في Pontoise"، "Havita"، "Senokos" وغيرها.

ألفريد سيسلي (1839-1899)

كان النوع الرئيسي من اللوحة ألفريد سيسلي مناظر طبيعية. في أعماله المبكرة، يمكن أن ينظر إليه بشكل رئيسي على K. Coro. تدريجيا، في عملية التعاون مع K. Monte، J. F. Bazil، P. O. Renoir، نغمات خفيفة تبدأ في الظهور في أعماله.

يجذب الفنان لعبة الضوء، وتغيير حالة الغلاف الجوي. إلى نفس المشهد من سيسلي ناشد عدة مرات، والتقاطها في أوقات مختلفة من اليوم. الأولوية في أعماله أعطى الفنان صورة الماء والسماء، والتي تغيرت كل ثانية. تمكن الفنان من تحقيق الكمال بمساعدة اللون، كل ظلال في عمله يتحمل نوعا من الرمزية.

أعماله الأكثر شهرة: "زقاق الريف" (1864)، "الصقيع في Luveseyne" (1873)، "نوع مونتمارتر مع جزيرة زهرة" (1869)، "سنو في وقت مبكر في Luvurezenne" (1872)، "Bridge in Argente" ( 1872).

إدغار Degas (1834-1917)

إدغار ديجاس فنان بدأ بطريقته الإبداعية مع التعلم في مدرسة الفنون الجميلة. كان مستوحى من فنانين النهضة الإيطالية، التي لها تأثير على عمله ككل. في بداية Degas، كتب لوحات تاريخية، على سبيل المثال، "الفتيات المتقشفات ناتجة عن أولاد سبارتان. (1860). النوع الرئيسي من رسوماته هو صورة. في أعمالهم، يعتمد الفنان على التقاليد الكلاسيكية. إنه يخلق أعمال ملحوظة بشعور حاد في وقتهم.

على عكس زملائه، لا يشارك DEGA منظر رائع في الهواء الطلق للأمور والأشياء الانطباعية المتأصلة. الفنان هو أقرب إلى التقليد الحرج للفنون: تعاطف مصير شخص بسيط، والقدرة على رؤية أرواح الناس، عالمهم الداخلي، عدم تناسق، مأساة.

بالنسبة لدور كبير في إنشاء صورة، كائنات وداخلية، يلعب الرجل المحيط به. نعطي بعض الأعمال كمثال على سبيل المثال: "Dileime Dio مع أوركسترا" (1868-1869)، "صورة المرأة" (1868)، "شيت موربيلي" (1867) وغيرها.

يتم تتبع مبدأ الصورة في أعمال DEGI طوال طريقه الإبداعي. في 1870s، يصور الفنان في المجد الكامل جمعية فرنسا، ولا سيما باريس في أعماله. في مصالح الفنان - الحياة الحضرية في الحركة. "كانت الحركة واحدة من أهم مظاهر الحياة، وقدرته على نقلها هي أهم غزو اللوحة الحديثة،" N.N. يكتب كاليتين.

خلال هذه الفترة الزمنية، يتم إنشاء هذه الصور ك "Star" (1878)، "ملكة جمال Lola في سيرك فرناندو"، "سباق في إبسما" وغيرها.

إن إبداع ديجي الجديد يصبح اهتماما به الباليه. إنه يظهر أن الحياة وراء الكواليس من باليرين، تحكي عن عملهم الثقيل والتمرينات العنيدة. ولكن على الرغم من هذا، فإن الفنان تمكن من العثور على تأييرا وسهولة نقل صورها.

في سلسلة الباليه من صور DEGI، تكون الإنجازات الموجودة في إطار نقل سلالم الضوء الاصطناعي مرئية، يتحدثون عن منح الملونة للفنان. اللوحات الأكثر شهرة "الراقصين الأزرق" (1897)، "فئة الرقص" (1874)، "راقصة مع باقة" (1877)، "الراقصون باللون الوردي" (1885) وغيرهم.

في نهاية الحياة، بسبب ضعف الشهوم، يحاول قوته في النحت. كائناتها هي نفس الباليه والنساء والخيول. في تمثال DEGI يحاول اجتياز الحركة، ومن أجل تقييم النماذج، تحتاج إلى النظر في ذلك من جوانب مختلفة.

"ولد العالم الجديد عندما كتب الانطباع"

حنري النغليل

XIX قرن. فرنسا. في الرسم حدث لم يسبق له مثيل. قررت مجموعة من الفنانين الشباب هز تقليدا يبلغ من العمر 500 عاما. بدلا من رسم واضح، استخدموا مسحة واسعة "مهمل".

ومن الصور المعتادة والتخلي عنها، تصور كل ما في صف واحد. والسيدات من سلوك الرئة، وممرات السمعة المشكوك فيها.

لم يكن الجمهور مستعدا لرسم الانطباعية. لقد سخروا، وبخ. والأهم من ذلك، لم يشتري أي شيء.

لكن المقاومة مكسورة. وبعض الانطباعيين يعيشون إلى انتصارهم. صحيح، كانوا بالفعل في 40. مثل كلود مونيه أو أغسطيو رينوار. انتظر آخرون الاعتراف فقط في نهاية الحياة مثل كاميل بيسارو. شخص ما قبله لم يعيش كما ألفريد سيسلي.

ما هو الثوري الذي ارتكب كل منهم؟ لماذا لم يقبلهم الجمهور لفترة طويلة؟ فيما يلي السبية الأولى للانطباع الفرنسيين الذين يعرفون العالم كله.

1. إدوارد مانا (1832-1883)

إدوارد مانا. صورة ذاتية مع لوحة. 1878 مجموعة خاصة

كان مانا أكبر من معظم الانطباعين. لقد كان مفهوما الرئيسي.

لم يدعي مانا نفسه لدور زعيم الثوريين. كان رجل علماني. حلم بجوائز رسمية.

لكنه كان ينتظر الاعتراف لفترة طويلة جدا. أراد الجمهور أن يرى آلهة اليونانية أو لا تزال لا تزال في أسوأ نهاية، بحثا بشكل جميل في غرفة الطعام. أراد ماني أن يكتب الحياة الحديثة. على سبيل المثال، الستائر.

نتيجة لذلك، ظهر "الإفطار على العشب". مستريحان في مجتمع سيدات السلوك الخفيف. واحد منهم مثل شيء يجلس بجانب الرجال يرتدون ملابسهم.

إدوارد مانا. الإفطار على العشب. 1863، باريس

قارن بين "وجبة الإفطار على العشب" مع عمل توم كوتور "الرومان خلال انخفاض". أنتجت اللوحة الأزياء الراقية Furor. أصبح الفنان مشهورا على الفور.

تم اتهام "الإفطار على العشب" بالفتحية. كان حامل لا ينصح بشدة بمشاهدته.

توم كوتور. رومية وقت الانخفاض. 1847 متحف D'Ors، باريس. Artchive.ru.

في صورة Couture، نرى كل سمات الأكاديمية (اللوحة التقليدية لقرون XIX-XIX). الأعمدة والتماثيل. الناس أبولو مظهر. ألوان مكتوبة تقليدية. ما يلزم والإيماءات. المؤامرة من الحياة البعيدة لأشخاص مختلفين تماما.

"الإفطار على العشب" مانا شكل آخر. أمامه، لا أحد يصور الستائر من هذا القبيل. بجانب المواطنين المحترنين. على الرغم من أن العديد من الرجال في الوقت قد قضوا وقت فراغهم. كانت الحياة الحقيقية للأشخاص الحقيقيين.

بمجرد أن صورت سيدة واحدة محترمة. البشع. لم يستطع أن يطفئها بفرشاة. كانت السيدة بخيبة أمل. ذهب منه في الدموع.

إدوارد مانا. أنجلينا. 1860 متحف D'Ors، باريس. wikimedia.commons.org.

لذلك، استمر في التجربة. على سبيل المثال، مع اللون. لم يحاول تصوير نكهة طبيعية ما يسمى. إذا كان الماء الرمادي البني يبدو أنه أزرق مشرق، فقد صورها أيضا أزرق مشرق.

هذا، بالطبع، منزعج الجمهور. "بعد كل شيء، حتى البحر الأبيض المتوسط \u200b\u200bلا يستطيع التباهي بهذه الأزرق مثل رجل الماء." - يزفيلي هم.

إدوارد مانا. أرزندق. 1874 متحف الفنون الجميلة، جولة، بلجيكا. Wikipedia.org.

لكن الحقيقة لا تزال حقيقة. غيرت مانا في العقار غرض اللوحة. أصبحت الصورة تجسيدا لفردية الفنان، الذي يكتب لأنه يرضي. نسيان القوالب والتقاليد.

النماذج لم يغفر له لفترة طويلة. انتظرت الاعترافات فقط في نهاية الحياة. لكنها لم تكن ضرورية بالفعل. يتلاشى بشكل مؤلم من المرض غير قابل للشفاء.

2. كلود مونيه (1840-1926)

كلود مونيه. صورة ذاتية في اتخاذ. 1886 مجموعة خاصة

كلود مونيه يمكن أن يسمى الانطباعية الكتاب المدرسي. منذ أن كان مخلصا لهذه المنطقة طوال حياته الطويلة.

كتب ليس الأشياء والناس، ولكن تصميم لون واحد من الوهج والبقع. ضربات منفصلة. يهز الهواء.

كلود مونيه. تجمع التجديف. 1869 متحف متروبوليتان، نيويورك. metmuseum.org.

كتب monet ليس فقط الطبيعة. تمكنت ومناطق المناظر الطبيعية في المدينة. واحدة من الاكثر شهرة - .

في هذه الصورة، هناك الكثير من الصورة. على سبيل المثال، تنتقل الحركة باستخدام صورة غير واضحة.

يرجى ملاحظة: الأشجار والأرقام الطويلة المدى كما لو كانت في الدخان.

كلود مونيه. كابوتشين بوليفارد في باريس. 1873 (معرض فنون أوروبا وأمريكا 19-20 فولت)، موسكو

أمامنا هي لحظة توقف من الحياة السريعة في باريس. لا خفة الحركة. لا أحد يطرح. يصور الناس كجهدة من الشطرات. هذه الحصانة وتأثير "إيقاف الإطار" هي الميزة الرئيسية للانطباع.

بحلول منتصف الثمانينات، شعر الفنانين بخيبة أمل في الانطباع. جماليات، بالطبع، حسنا. لكن عدم تناسق العديد من المضطهدين.

استمرت مونيت فقط في استمرار الانطباع العاطفي. تحولت إلى سلسلة من اللوحات.

نفس المناظر الطبيعية التي صورت عشرات المرات. في أوقات مختلفة من اليوم. في أوقات مختلفة من السنة. لإظهار مقدار درجة الحرارة والضوء يمكن أن يغير نفس المظهر بما يتجاوز التعرف.

لذلك كان هناك عدد لا يحصى من مداخن القش.

صور كلود مونيه في متحف الفنون الجميلة في بوسطن. اليسار: مداخن القش عند غروب الشمس في Zhiverny، 1891 على اليمين: كومة من القش (تأثير الثلج)، 1891

يرجى ملاحظة أن الظلال في هذه الصور ملونة. وليس رمادي أو أسود، كما كان المعتاد الانطباعية. هذا هو اختراعهم الآخر.

تمكنت مونيه من الاستمتاع بالنجاح والرفاهية المادية. بعد 40، نسي بالفعل الفقر. حصلت على منزل وحديقة جميلة. ووقت طويل يقضي لسنوات عديدة.

حول معظم اللوحة علامة من سيد القراءة في المقال

3. أوجست رينوار (1841-1919)

بيير آغوست رينوار. تصوير شخصي. 1875 معهد الفن الاسترليني وفرانسين كلارك، ماساتشوستس، الولايات المتحدة الأمريكية. pinterest.ru.

الانطباعية هو اللوحة الأكثر إيجابية. والأكثر إيجابية بين الانطباعيين كان رينوار.

في لوحاته، لن تجد الدراما. حتى الطلاء الأسود الذي لم يستخدمه. فقط فرحة يجري. حتى الرنوار الأكثر شيوعا تبدو جميلة.

على عكس مونيت، كتب رينوار الناس في كثير من الأحيان. كانت المناظر الطبيعية بالنسبة له أقل أهمية. الصور تستريح واستمتع بحياة أصدقائه ومعارفه.

بيير آغوست رينوار. الإفطار المجديين. 1880-1881. مجموعة من فيليبس، واشنطن، الولايات المتحدة الأمريكية. wikimedia.commons.org.

لا يمكنك العثور على رينوارا والعميقة. كان سعيدا جدا بالانضمام إلى الانطباعين الذين كانوا ملوثين من المؤامرات.

كما قال هو نفسه، وأخيرا لديه الفرصة لكتابة الزهور والاتصال بهم فقط "الزهور". ولا تخترع أي قصص عنها.

بيير آغوست رينوار. امرأة مع مظلة في الحديقة. 1875 متحف Tissen-Burnis، مدريد. arteuam.com.

شعر أفضل رينوار في مجتمع المرأة. سأل خادمةه للغناء والمزاح. كلما زاد الغباء والأغنية أكثر ساذجة، كلما كان ذلك أفضل له. وكانت ثرثرة الرجال متعبة. ليس من المستغرب أن رينوار يشتهر بالملابس العارية.

النموذج على الصورة "عارية في ضوء الشمس" كما لو كان يظهر نفسه على خلفية مجردة ملونة. لأنه لا يوجد شيء بسيط لرينوارا. عين النموذج أو قسم الخلفية الخلفية مكافئة.

بيير آغوست رينوار. عارية في ضوء الشمس. 1876 \u200b\u200bمتحف دورسوف، باريس. wikimedia.commons.org.

عاش رينوار حياة طويلة. وعدم تأجيل الفرشاة واللوحة. حتى عندما تتغذى يديه بالكامل على الروماتيزم، ربط فرشاة يده مع حبل. ورسمت.

مثل مونتي، انتظر الاعتراف بعد 40 عاما. ورأى لوحاته في متحف اللوفر، بجانب أعمال الماجستير المشهورين.

حول واحدة من أكثر الصور الساحرة لرينوارا قرأت في المقال

4. إدغار Degas (1834-1917)

إدغار degas. تصوير شخصي. 1863 متحف جولس جولبينيكان، لشبونة، البرتغال. مثبتة.

لم يكن Degi انطباعية كلاسيكي. لم يحب العمل في الأسير (في الهواء الطلق). لن يجد لوحة متعمدة.

على العكس من ذلك، كان يحب خطا واضحا. لديها لون أسود. وعمل حصريا في الاستوديو.

ولكن لا يزال يتم وضعه دائما على التوالي مع الانطباعين الآخرين الآخرين. لأنه كان لفتة الانطباعية.

وجهات نظر غير متوقعة. عدم التماثل في موقع الكائنات. شخصيات مفاجئة متصدع. فيما يلي السمات الرئيسية لوحاته الرئيسية.

أوقف لحظات الحياة دون إعطاء الشخصيات تأتي إلى حواسه. انظر على الأقل في "أوركسترا الأوبرا".

إدغار degas. أوركسترا الأوبرا. 1870 متحف D'Ors، باريس. commons.wikimedia.org.

في المقدمة، الجزء الخلفي من الكرسي. موسيقي لنا مرة أخرى. وعلى الخلفية الخلفية، لم تناسب الباليه على المسرح مع "الإطار". رؤوسهم بلا رحمة "مختون" حافة اللوحات.

لذلك لا يصور الراقصات محبوبهم دائما في مجموعات جميلة. في بعض الأحيان أنها مجرد امتداد.

لكن هذا الارتجال ضعيف. بالطبع، درجت dega مدروسا على التركيب. هذا هو مجرد تأثير إطار التوقف، وليس إطار القدم الحقيقي.

إدغار degas. اثنين من راقصات الباليه. 1879 متحف شيلبورن، فيرموث، الولايات المتحدة الأمريكية

أحب إدغار degas لكتابة النساء. لكن المرض أو ميزات الجسم لم يسمح له بالاتصال الجسدي معهم. لم يكن متزوجا أبدا. لا أحد رؤيته على الإطلاق مع السيدة.

أضاف عدم وجود قطع حقيقية في حياته الشخصية إرهابية رقيقة ومثيرة لصوره.

إدغار degas. نجم الباليه. 1876-1878. متحف D'Ors، باريس. wikimedia.comsons.org.

يرجى ملاحظة أنه فقط Ballerina نفسها ترسم في صورة "نجم الباليه". زملائها وراء الكواليس بالكاد يمكن تمييزها. هل هذا ساقين قليلة.

هذا لا يعني أن DEGA لم تنهي الصورة. هذا هو الاستقبال. ترك في التركيز فقط الشيء الأكثر أهمية. الباقي لجعل الاختفاء، غير مقروء.

حول اللوحات الأخرى من سيد القراءة في المقال

5. بيرتا موريزو (1841-1895)

إدوارد مانا. صورة بيرث موريزو. 1873 متحف ماروتون مونيت، باريس.

نادرا ما يضع بيرت موريزو في الصف الأول من الانطباعين العظمى. أنا متأكد من أنه غير مستحق. فقط هل لديك جميع الميزات والتقنيات الرئيسية للانطباع. وإذا كنت تحب هذا النمط، فأنت تحب عملها بكل الروح.

عمل موريزو بسرعة ودفع، وتحول انطباعه على القماش. الأرقام كما لو كان على وشك الذوبان في الفضاء.

بيرت موريزو. صيف. 1880 متحف فامون، مونبلييه، فرنسا.

مثل Degi، فغالبا ما لم تدرك بعض التفاصيل. وحتى أجزاء من نموذج الجسم. لا يمكننا التمييز بين الفتيات في الصورة "الصيف".

كان طريق التعبير عن الذات في موريزو صعبا. لم تكن شاركت فقط في لوحة "مهمل". كانت لا تزال امرأة. في تلك الأيام، كان من المفترض أن تحلم السيدة بالزواج. بعد ذلك، تم نسيان أي هواية.

لذلك، رفض بيرتا الزواج الطويل. حتى وجدت رجلا الذي أخذ باحترام درسها. كان يوجين مانا شقيقه الأصلي للفنان إدوارد مان. لقد ارتدى الحامل والطلاء.

بيرت موريزو. يوجين ماني مع ابنتها في بوهفال. 1881 متحف ماروتون مونيت، باريس.

ولكن لا يزال الحال في القرن التاسع عشر. لا، لم يرتدي السراويل موريزو. لكنها لا تستطيع تحمل حرية الحركة كاملة.

لم تستطع الذهاب إلى الحديقة للعمل وحدها، غير المصحوبين من قبل شخص من أحبائهم. لا يمكن أن يجلس وحيدا في المقهى. لذلك، لوحاتها هي أشخاص من دائرة الأسرة. الزوج، الابنة، الأقارب، مربية.

بيرت موريزو. امرأة مع طفل في الحديقة في المستودع. 1881 متحف ويلز الوطني، كارديف.

لم تنتظر الاعتراف موريزو. توفيت في 54 عاما من التهاب الرئتين، لا يعمل أحد في الحياة تقريبا. في شهادتها من الموت في العمود "دروس قضيب" وقفت خندق. كان لا يمكن تصوره لامرأة تسمى الفنان. حتى لو كانت حقا.

حول لوحات سيد القراءة في المقال

6. كاميل بيسارو (1830 - 1903)

كاميل بيسارو. تصوير شخصي. 1873 متحف D'Ors، باريس. Wikipedia.org.

كاميل بيسارو. عدم الصراع، معقول. كثير من الناس ينظرون إلى المعلمين. حتى الزملاء الأكثر مزاجية حول Pissarro لم يتحدثوا بشكل سيء.

لقد كان أتباع مخلص من الانطباعي. الحاجة بقوة، وجود زوجة وخمسة أطفال، لا يزال يعمل بجد في أسلوبه المحبوب. ولم تبحث أبدا إلى لوحة صالون لتصبح أكثر شعبية. من غير المعروف أين أخذ السلطة للاعتقاد بنفسه.

حتى لا تموت على الإطلاق مع الجوع، رسمت Pisserro مروحة، والتي ستكون سعيدة. وجاء هذا الاعتراف بعد 60 سنة! ثم أخيرا كان قادرا على نسيان الحاجة.

كاميل بيسارو. الاجتهاد في لوفيزين. 1869 متحف D'Ors، باريس

الهواء في لوحات pissarro سميكة كثيفة. سبائك غير عادية من اللون والحجم.

لم يكن الفنان خائفا من كتابة ظواهر الطبيعة الأكثر للتغيير، والتي تظهر للحظة وتختفي. أول ثلج، أشعة الشمس فاترة، ظلال طويلة.

كاميل بيسارو. الصقيع. 1873 متحف دورسوف، باريس

أعماله الأكثر شهرة هي أنواع باريس. مع عريضة الشيوح، حشد خليج موتيل. في الليل، في فترة ما بعد الظهر، في الطقس المختلفة. شيء صدى مع سلسلة من الصور من كلود مونيه.

الانطباعية (الاب. انطباعيا، OT. انطباع - الانطباع) - الاتجاه في فن الثالث الأخير من XIX - بداية القرنين العشرين، نشأت في فرنسا ثم انتشرت في جميع أنحاء العالم، سعى ممثلوهم إلى تطوير طرق ومتبنيين سمحوا بأكبر قدر طبيعي ونابض بالحياة العالم الحقيقي في تنقله وتقلبه، ونقل انطباعاتهم المحاكاة. عادة تحت مصطلح "الانطباعية" يعني اتجاها في الرسم (ولكن هذا هو، أولا وقبل كل شيء، مجموعة من الأساليب)، على الرغم من أن أفكاره وجدت تجسيدا في الأدب والموسيقى، حيث أن الانطباعية أجريت أيضا في مجموعة معينة من الأساليب و التقنيات لإنشاء الأعمال الأدبية والموسيقية، التي سعت فيها المؤلفون إلى نقل الحياة في شكل حساس، من خلال انعكاس لانطباعاتهم

كانت مهمة الفنان في ذلك الوقت هي الصورة الأكثر معقولة للواقع، وليس إظهار الأحاسيس ذاتية للفنان. إذا طلب صورة عرضة -، فمن الضروري إظهار العميل في ضوء مناسب: بدون تشوهات، تعبير الوجه الغبي، إلخ. إذا كانت هناك مؤامرة دينية - فمن الضروري أن تسبب الشعور بالتقشير والدهشة. إذا كان المشهد هو إظهار جمال الطبيعة. ومع ذلك، إذا احتقر الفنان الأثرياء، فقد أمروا صورة، أو غير مؤمن، لم يكن هناك خيار وظل فقط لإنتاج تقنيةه الفريدة والأمل في حظ سعيد. ومع ذلك، في النصف الثاني من القرن التاسع عشر، بدأ التصوير الفوتوغرافي في التطوير بنشاط وبدأت اللوحة الواقعية تترك تدريجيا، لأنه حتى ذلك الحين كان من الصعب للغاية أن تنقل الواقع المعقول حتى في الصورة.

في كثير من النواحي، مع ظهور الانطباعين، أصبح من الواضح أن الفن يمكن أن يقدم قيمة كتمثيل شخصي للمؤلف. بعد كل شيء، يرى كل شخص حقيقة واقعة بطرق مختلفة ويستجيب لها، أيضا بطريقتها الخاصة. نظرة أكثر إثارة للاهتمام، كما هو الحال في عيون أشخاص مختلفين، ينعكس الواقع وما هي المشاعر التي يواجهونها.

الفنان لديه عدد لا يصدق من الفرص للتعبير عن الذات. علاوة على ذلك، في حد ذاته، أصبح تعبير الذات أكثر حرية أكثر حرية: خذ مؤامرة غير قياسية، والموضوع، ورسم شيئا آخر غير المواضيع الدينية أو التاريخية، واستخدام تقنياتك الفريدة، إلخ. على سبيل المثال، أراد الانطباعية التعبير عن انطباع غمغم، العاطفة الأولى. هذا هو السبب في أن أعمالهم غامضة وكما لو كانت تفتقر إليها. تم القيام به من أجل إظهار انطباع مضاعفة، عندما لم تكن هناك أشياء في الوعي والفيديو الفاتح فقط من الضوء، ومعالم هفاءة ومؤشر ضبابية مرئية. سوف يفهمني الأشخاص mostory) تخيل أنك لم تختار موضوع كل شيء، أراها من بعيد أو ببساطة لا نظير، ولكن بالفعل تشكل بعض الانطباع حول هذا الموضوع. إذا حاولت تصويره، فمن المحتمل أن تحصل على شيء مثل صور الانطباعية. شيء مثل الخطوط العريضة. لذلك، اتضح أنه كان أكثر أهمية بالنسبة للانطباعيين الذي أظهرته، ولكن.

الممثلون الرئيسيون لهذا النوع في الرسم هم: مونيت، مانا، سيسلاي، دجاس، رينوار، سيزان. بشكل منفصل، من الضروري ملاحظة Turnner Umlama كدفتر.

التحدث عن المؤامرة:

تم تمثيل لوحاتهم فقط من قبل الجوانب الإيجابية للحياة، دون التأثير على المشكلات الاجتماعية، بما في ذلك مثل الجوع والمرض والموت. هذا أدى في وقت لاحق إلى الانقسام بين الانطباعيين أنفسهم.

الألوان

دفع الانطباعية اهتماما كبيرا للون، ورفض ظلال كئيبة بشكل أساسي، خاصة من الأسود. تم إيلاء اهتمام هذا اللون من أعماله بالألوان في مكان نفسه في مكان مهم للغاية في الصورة ودفع أجيال أخرى من الفنانين والمصممين بعناية إلى اللون على هذا النحو.

تكوين

ذكرت تكوين الانطباعين اللوحة اليابانية، كما تم استخدام خطط مركبة معقدة، شرائع أخرى (وليس قسم ذهبي أو مركز). بشكل عام، أصبحت هيكل اللوحة أكثر غير متماثلة غير متماثلة وأكثر تعقيدا ومثيرة للاهتمام من وجهة النظر هذه.

بدأ تكوين الانطباع في أن يكون له معنى أكثر استقلالية، أصبح أحد عناصر اللوحة، على عكس الكلاسيكية، حيث حملت في كثير من الأحيان (ولكن ليس دائما) دور المخطط الذي تم بناؤه أي عمل. في نهاية القرن التاسع عشر، أصبح من الواضح أنه كان طريق مسدود، والتكييف نفسه يمكن أن يحمل بعض المشاعر والحفاظ على مؤامرة اللوحات.

الإدراكات

El Greco - لأنني اعتدت على استخدام تقنيات مماثلة في الطلاء ولون تلقي قيمة رمزية. كما تميز نفسه بطريقة أصلية للغاية، والفردية، والتي سعت أيضا الانطباعين.

engraving اليابانية - لأنه اكتسب شعبية كبيرة في أوروبا لتلك السنوات وأظهرت أن الصورة يمكن بناء على جميع القواعد الأخرى من شرائع الفن الأوروبي الكلاسيكي. ينطبق هذا على تكوين واستخدام اللون والتفصيل وما إلى ذلك. أيضا باللغة اليابانية وبشكل عام، كانت الرسومات الشرقية والنقن في كثير من الأحيان تصورها مشاهد منزلية، التي لم تكن أبدا في الفن الأوروبي.

قيمة

غادر الانطباعية بصمة مشرقة في الفن العالمي، بعد أن طورت تقنيات فريدة من الحروف وتأثير كبير على جميع الأجيال اللاحقة من الفنانين مع عملهم المشرق ولا ينسى، احتجاجا فيما يتعلق بالمدرسة الكلاسيكية والعمل الفريد مع اللون. لا يزال الحد الأقصى الفورية والدقة في نقل العالم اللزج، بدأت في الكتابة بشكل أساسي في الهواء الطلق ورفعت معنى Etude من الطبيعة، والنوع التقليدي تقريبا من الصورة، بعناية ويتم إنشاؤها ببطء في ورشة العمل.

ينتاير باستمرار ألواحه، وعرض اللوحة المفرج عن اللوحة من الورنيش الترابية والبنية. اللون الشرطي "المتحف" الأسود في قماشهم هو أدنى من لعبة ردود الفعل المتنوعة بلا حدود وظلال اللون. أنها توسعت بشكل غير لائق إمكانيات الفن البصري، لا تفتح العالم فقط من الشمس، والضوء والهواء، ولكن أيضا جمال الضباب في لندن، وجو لا يهدأ من حياة مدينة كبيرة، مبعثر أضواء الليل والإيقاع من الحركة المستمرة.

بحكم طريقة العمل في Plenuera، أخذ المشهد، بما في ذلك المناظر الطبيعية في المدينة، مكانا مهما للغاية في فن الانطباعية. ومع ذلك، لا ينبغي أن يعتقد أن اللوحة التي تميز بها فقط التصور "الطبيعي" للواقع، ما كانوا يثبتون في كثير من الأحيان. وكانت مجموعة مواضيعية ومشهد لإبداعهم واسعة جدا. فائدة شخصيا، وخاصة الحياة الحديثة في فرنسا، بمعنى واسع، كان هناك عدد من ممثلي هذا الاتجاه. تؤكده حياته، والفكرة الديمقراطية بافوس بوضوح النظام العالمي البرجوازي.

في الوقت نفسه، الانطباعية، ونرى، كما سنرى، أو أن هناك جوانبين، أو بالأحرى، مراحل مؤقتة متتالية من كسر الجذر، التي وضعت الحدود بين فن الجديد والأحدث. بهذا المعنى، الانطباعية، من ناحية، يكمل تطوير كل شيء بعد نهضة الفن، وكان المبدأ الرائد الذي كان انعكاسا للعالم المحيط به في أشكال موثوقة بصريا من الواقع نفسه، ومن ناحية أخرى - إنها البداية من أكبر انقلاب في تاريخ الفنون الجميلة، التي وضعت أساس مرحلة جديدة نوعية -

فن القرن العشرين.