Orta Çağ, Batı Avrupa tarihindeki en uzun kültürel dönemdir. 6. yüzyıldan 14. yüzyıla kadar dokuz yüzyılı kapsar. Bu, ilk adımlardan itibaren sanatın hamisi olan Katolik Kilisesi'nin egemenliğinin zamanıydı. Farklı Avrupa ülkelerinde ve çeşitli sosyal katmanlarda kilise kelimesi (dua) ayrılmaz bir şekilde müzikle bağlantılıydı: mezmurlar, ilahiler, koraller duyuldu - günlük kibirden uzak, konsantre, müstakil melodiler.

Ayrıca, kilisenin emriyle, heykeller ve renkli vitray pencerelerle süslenmiş görkemli tapınaklar dikildi; kilisenin himayesi sayesinde, mimarlar ve sanatçılar, heykeltıraşlar ve şarkıcılar kendilerini bölünmez bir şekilde sevdikleri sanatına adadılar, yani Katolik Kilisesi onları maddi yönden destekledi. Böylece, genel olarak sanatın ve özel olarak müzik sanatının en önemli kısmı Katolik dininin yetkisi altındaydı.

Batı Avrupa'nın tüm ülkelerinde kilise ilahisi katı Latince geliyordu ve Katolik dünyasının birliğini daha da güçlendirmek için 4. yüzyılın başında tahta çıkan Papa I. Gregory, tüm kilise ilahilerini bir araya getirdi ve reçete yazdı. her birinin performansı için kilise takviminde belirli bir gün. Papa tarafından toplanan ezgilere Gregoryen ilahileri, bunlara dayalı şarkı söyleme geleneğine Gregoryen ilahileri denir.

Melodik anlamda, Gregoryen ilahisi sekiz perdelik bir sistem olan octoich'e yöneliktir. Koralin nasıl icra edilmesi gerektiğine dair genellikle tek gösterge olarak kalan şey armoniydi. Tüm perdeler bir oktavdı ve antik Trichord sisteminin bir modifikasyonuydu. Perdelerde sadece numaralandırma, "Dorian", "Lidya" vb. kavramlar vardı. hariç tutulmuştur. Her perde iki tetrakordun bir kombinasyonunu temsil ediyordu.

Gregoryen ilahiler ideal olarak dua amaçlarına tekabül ediyordu: telaşsız melodiler, belli belirsiz birbirine akan motiflerden oluşuyordu, melodik çizgi doku ile sınırlıydı, sesler arasındaki aralıklar küçüktü, ritmik kalıp da pürüzsüzdü, koraller üzerine inşa edildi. diyatonik ölçeğin temeli. Gregoryen ilahiler tek sesli bir erkek korosunda söylendi ve bu tür şarkı söyleme esas olarak sözlü gelenekte öğretildi. Gregoryenizmin yazılı kaynakları, düzensiz notasyona bir örnektir (Latince metnin üzerinde duran özel işaretler), ancak bu tür müzik notasyonu sadece yaklaşık perdeyi, melodik çizginin genel yönünü gösterdi ve ritmik tarafa dokunmadı. hepsi ve bu nedenle okunması zor kabul edildi. Kilise korolarını icra eden şarkıcılar her zaman eğitimli değildi ve zanaatlarını sözlü olarak öğrendiler.

Gregoryen ilahisi, yaşam ve dünya anlayışını yansıtan büyük bir çağın sembolü haline geldi. Korallerin anlamı ve içeriği, ortaçağ insanının varlığın özü fikrini yansıtıyordu. Bu anlamda, Orta Çağ'a genellikle "Avrupa kültürünün gençliği" denir, 476'da antik Roma'nın düşüşünden sonra, barbar, Galyalı ve Alman kabileleri Avrupa'yı işgal etti ve hayatlarını yeniden inşa etmeye başladı. Hıristiyan azizlerine olan inançları, sanatsızlık, sadelik ile ayırt edildi ve Gregoryen ilahilerinin melodileri aynı doğallık ilkesine dayanıyordu. Belli bir tezahürat monotonluğu, bir ortaçağ insanının görüş alanı ile sınırlı olan uzay hakkındaki fikrini yansıtır. Ayrıca zaman fikri, tekrarlanabilirlik ve değişmezlik fikriyle ilişkilendirildi.

Baskın müzik tarzı olarak Gregoryen şarkı söyleme, nihayet 9. yüzyılda Avrupa'da kuruldu. Aynı zamanda, müzik sanatında sonraki tüm tarihini etkileyen büyük bir keşif gerçekleşti: bilim adamı-keşiş, Arezzo'dan (Aretinsky) İtalyan müzisyen Guido, bugüne kadar kullandığımız müzik notasyonunu icat etti. Artık Gregoryen ilahisi notalardan söylenebiliyordu ve gelişiminin yeni bir aşamasına girdi.

7. yüzyıldan 9. yüzyıla kadar “müzik” ve “Gregoryen ilahi” kavramları ayrılmaz bir şekilde var olmuştur. Korallerin melodisini inceleyen ortaçağ müzisyenleri ve şarkıcılar onları süslemek istediler, ancak kilise şarkılarını değiştirmelerine izin verilmedi. Bir çıkış yolu bulundu: koral melodisi üzerinde, tüm seslerinden eşit uzaklıkta, koralin melodik modelini tam olarak tekrarlayan ikinci bir ses eklendi. Melodi kalınlaşmış, ikiye katlanmış gibiydi. Bu tür ilk iki parçalı bestelere organum adı verildi, çünkü koralin çaldığı alt sese vox Principalis (ana ses) ve üst sese vox organalis (ek ses) eklendi. Organumların sesi tapınağın akustiği ile çağrışımlar uyandırdı: gümbürdüyordu, derindi. Ayrıca, XI-XIII yüzyıllarda, iki parçalı üç (triptum) ve dört parçalı hale geldi.

Organumların ritmik formları, modus (modal) ritmin bir örneğidir. Altı tanesi vardır: iambic (l ¡), trochey (trochei) (¡l), dactyl (¡ . l ¡), anapest (l ¡¡ . ), spontane (¡ . ¡ . ), tritrachium (l l l).

Avrupa şehirlerinin ve ekonomilerinin gelişmesiyle birlikte Orta Çağ'da kilise sanatının yanı sıra yeni bir sanat doğdu. Sıradan insanlar (kasaba halkı, köylüler) genellikle yerleşim yerlerinde dans eden, çeşitli konularda tiyatro gösterileri oynayan gezgin aktörler ve müzisyenler gördü: melekler ve En Kutsal Theotokos veya şeytanlar ve cehennem azapları hakkında. Bu yeni laik sanat, şeytanın entrikalarını anlamsız şarkılar ve performanslarda bulan kilisenin çileci bakanlarının beğenisine değildi.

Ortaçağ şehirlerinin ve feodal kalelerin gelişmesi, tüm sınıfları kucaklayan laik sanata ilgi, ilk profesyonel laik şiir ve müzik okulunun ortaya çıkmasına neden oldu - 12. yüzyılda Fransa'nın güneyinde ortaya çıkan ozan okulu. Benzer Alman şairleri ve müzisyenleri Minnesingers (Meistersingers), Kuzey Fransızca - Truvers olarak adlandırıldı. Şiir yazarları olarak şairler-ozanlar aynı anda besteci ve şarkıcı-icracı olarak performans sergilediler.

Ozanların şarkılarının müziği şiirden doğmuş ve sadeliği, oyunculuğu ve dikkatsizliği ile onu taklit etmiştir. Bu tür şarkıların içeriği tüm yaşam konularını tartıştı: aşk ve ayrılık, baharın başlangıcı ve sevinçleri, gezgin okul öğrencilerinin neşeli hayatı, Fortune'un şakaları ve kaprisli eğilimi, vb. Ritim, müzikal ifadelere net bölünme, aksan, periyodiklik - tüm bunlar ozanların şarkılarına özgüydü.

Gregoryen şarkı ve ozan sözleri, ortaçağ müziğinde iki bağımsız yöndür, ancak karşıtlıklarına rağmen, ortak özellikler de not edilebilir: kelimeyle içsel bir ilişki, pürüzsüz, çiçekli bir ses eğilimi.

Erken çok sesliliğin (polifoni) zirvesi Notre Dame okuluydu. Ona ait müzisyenler, XII-XIII yüzyıllarda Paris'te Notre-Dame Katedrali'nde çalıştı. Müzik sanatının daha bağımsız hale geldiği, Latince metnin telaffuzuna daha az bağımlı hale geldiği çok sesli yapılar yaratmayı başardılar. Müzik artık onun desteği ve süslemesi olarak algılanmıyordu, bu okulun ustalarının orgları hala kilisede yapılsa da, şimdi özellikle dinlemeye yönelikti. Notre Dame okulunun başında profesyonel besteciler vardı: 12. yüzyılın ikinci yarısında - Leonin, 12.-13. yüzyılların başında - öğrencisi Perotin.

Orta Çağ'da "besteci" kavramı, müzik kültürlerinin arka planında vardı ve kelimenin kendisi "beste" den geldi - yani. birleştirin, bilinen unsurlardan yeni bir şey yaratın. Bir bestecinin mesleği sadece 12. yüzyılda ortaya çıktı (Notre Dame okulunun ozanlarının ve ustalarının çalışmalarında). Örneğin, Leonin tarafından bulunan kompozisyon kuralları benzersizdir, çünkü besteci, kendisinden önce yaratılan müzikal materyalin derinlemesine bir incelemesinden başlayarak, daha sonra katı Gregoryen şarkı söyleme geleneklerini ozan sanatının özgür normlarıyla birleştirmeyi başardı.

Perotin zaten organumlarda müzik formunu uzatmanın bir yolunu icat etti. Böylece, müzikal doku, benzerlik ilkesine göre inşa edilmiş kısa motiflere bölünmüştür (hepsi birbirinin oldukça yakın versiyonlarını temsil eder). Perotin, bu güdüleri bir sesten diğerine aktararak bir güdü zinciri gibi bir şey yaratır. Perotin, bu tür kombinasyonları ve permütasyonları kullanarak, organumların ölçekte büyümesine izin verdi. Cantus Firmus'un sesine yerleştirilen Gregoryen ilahinin sesleri birbirinden çok uzakta bulunur - ve bu aynı zamanda müzikal formun genişlemesine de katkıda bulunur. Böylece yeni bir tür ortaya çıktı - MOTET; kural olarak, bu, 13. yüzyılda yaygınlaşan üç parçalı bir kompozisyon. Yeni türün güzelliği, farklı melodik çizgilerin eşzamanlı kombinasyonundaydı, ancak aslında bunlar ana melodinin bir varyantı, bir kopyası, bir yansıması - cantus Firmus. Bu tür motiflere "sıralı" denirdi.

Bununla birlikte, halk arasında en popüler olanı, cantus Firmus'taki motiflerin aksine, uyumsuzluk ilkelerini abartan motiflerdi: bazıları farklı dillerdeki metinler için bile bestelendi.

Ortaçağ motifleri hem manevi hem de dünyevi içerikli olabilir: aşk, hiciv vb.

Erken polifoni sadece bir vokal sanatı olarak değil, aynı zamanda enstrümantal bir sanat olarak da var olmuştur. Karnavallar ve bayramlar için dans müziği bestelenir, ozanların şarkılarına çalgılar da eşlik edilirdi. Motetlere benzer bir tür enstrümantal fanteziler de popülerdi.

Batı Avrupa sanatında XIV yüzyıla Orta Çağ'ın "sonbaharı" denir. İtalya'da yeni bir dönem çoktan geldi - Rönesans; Dante, Petrarch, Giotto - erken Rönesans'ın büyük ustaları tarafından zaten yaratılmıştır. Avrupa'nın geri kalanı Orta Çağ'ı değerlendirdi ve sanatta yeni bir temanın doğuşunu hissetti - bireysellik teması.

Ortaçağ müziğinin yeni bir çağa girişi, Philippe de Vitry'nin "Ars Nova" - "Yeni Sanat" adlı eserinin ortaya çıkmasıyla belirlendi. İçinde, bilim adamı ve müzisyen, müzikal olarak güzel olanın yeni bir görüntüsünü çizmeye çalıştı. Bu tezin başlığı, XIV yüzyılın tüm müzik kültürünün adını verdi. Artık müzik, basit ve kaba sesleri bırakıp, sesin yumuşaklığına, cazibesine çabalamak zorundaydı: Ars antiqua'nın boş, soğuk akorları yerine, dolgun ve melodik akorları kullanması emredildi.

Geçmişteki monoton ritmin (modal) bırakılması ve kısa ve uzun seslerin birbiriyle 1: 3 veya 1: 2 olarak ilişkilendirildiği durumlarda yeni keşfedilen ölçüsel (ölçüm) notasyonu kullanılması önerildi. Böyle pek çok süre vardır - özdeyiş, longa, brevis, semibrevis; her birinin kendi anahattı vardır: daha uzun sesler gölgelenmez, daha kısa olanlar siyah olarak gösterilir.

Ritim daha esnek, çeşitli hale geldi, senkop kullanılabilir. Diyatonik kilise modları dışındaki kullanım kısıtlamaları daha az katı hale geldi: müzik tonlarını değiştirme, yükseltme, alçaltma kullanabilirsiniz.

Orta Çağ Müziği, M.S. 5. yüzyıldan 14. yüzyıla kadar olan bir zaman dilimini kapsayan, müzik kültürünün bir gelişim dönemidir.

Ortaçağ, insanlık tarihinde büyük bir dönem, feodal sistemin egemen olduğu dönemdir.

Kültürün periyodizasyonu:

Erken Orta Çağ - V - X yüzyıllar

Olgun Orta Çağ - XI - XIV yüzyıllar

395 yılında Roma İmparatorluğu Batı ve Doğu olmak üzere ikiye ayrıldı. Batı kesiminde, 5.-9. yüzyıllarda Roma'nın yıkıntıları üzerinde barbar devletler vardı: Ostrogotlar, Vizigotlar, Franklar, vb. 9. yüzyılda, Şarlman imparatorluğunun çöküşü sonucunda üç devlet kuruldu. burada: Fransa, Almanya, İtalya. Doğu kesiminin başkenti, İmparator Konstantin tarafından Bizans'ın Yunan kolonisinin bulunduğu yerde kurulan Konstantinopolis'ti - dolayısıyla devletin adı.

Orta Çağ'da, Avrupa'da yeni bir tür müzik kültürü ortaya çıkıyor - profesyonel sanat, amatör müzik yapımı ve folkloru birleştiren feodal bir kültür. Kilise, manevi hayatın tüm alanlarına hakim olduğundan, profesyonel müzik sanatının temeli, müzisyenlerin tapınak ve manastırlardaki faaliyetleridir. Laik profesyonel sanat, başlangıçta yalnızca sarayda, soyluların evlerinde, savaşçılar arasında vb. (ozanlar, skalds, vb.) destansı masallar yaratan ve gerçekleştiren şarkıcılar tarafından temsil edilir. Zamanla, amatör ve yarı profesyonel şövalyelik oynama biçimleri gelişir: Fransa'da - troubadours ve trouvers sanatı (Adam de la Hal, XIII yüzyıl), Almanya'da - Minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII) yüzyıllar) ve ayrıca kentsel zanaatkarlar. Feodal kalelerde ve şehirlerde, her türlü tür, tür ve şarkı türü yetiştirilir (epik, "şafak", rondo, le, virel, baladlar, canzones, laudas, vb.).

Doğu'dan gelenler (viyola, ud vb.) dahil olmak üzere yeni müzik aletleri günlük yaşama giriyor, topluluklar (kararsız kompozisyonlar) ortaya çıkıyor. Köylü ortamında folklor gelişir. Ayrıca “halk uzmanları” da var: hikaye anlatıcıları, dolaşan sentetik sanatçılar (hokkabazlar, pandomimciler, ozanlar, shpilmanlar, soytarılar). Müzik yine esas olarak uygulamalı ve manevi-pratik işlevleri yerine getirir. Yaratıcılık, performansla birlik içinde ortaya çıkar (genellikle bir kişide).

Yavaş yavaş da olsa müziğin içeriği, türleri, biçimleri, ifade biçimleri zenginleşiyor. 6-7 yüzyıllardan Batı Avrupa'da. diatonik modlara (Gregoryen şarkı söyleme) dayanan, okuma (mezmur) ve şarkı söylemeyi (ilahiler) birleştiren katı bir şekilde düzenlenmiş monofonik (monodik) kilise müziği sistemi oluşturuldu. 1. ve 2. bin yılın başında polifoni ortaya çıkar. Yeni vokal (koro) ve vokal-enstrümantal (koro ve organ) türleri oluşturuluyor: organum, motet, iletim, ardından kitle. Fransa'da, XII yüzyılda, ilk bestecinin (yaratıcı) okulu Notre-Dame Katedrali'nde (Leonin, Perotin) kuruldu. Profesyonel müzikte Rönesans'ın (Fransa ve İtalya'daki ars nova tarzı, XIV yüzyıl) başında, monofoni polifoni ile değiştirilir, müzik yavaş yavaş kendini tamamen pratik işlevlerden (kilise ayinlerine hizmet etme), laik türlerin öneminden kurtarmaya başlar. , şarkı türleri de dahil olmak üzere artar (Guillaume de Machaut).

Ortaçağın maddi temeli feodal ilişkilerden oluşuyordu. Ortaçağ kültürü, kırsal bir mülk koşullarında oluşur. Gelecekte, kentsel çevre - kasabalılar - kültürün sosyal temeli haline gelir. Devletlerin oluşumuyla birlikte ana mülkler oluşur: din adamları, soylular, insanlar.

Ortaçağ sanatı kilise ile yakından bağlantılıdır. Hıristiyan inancı, felsefenin, ahlakın, estetiğin ve bu zamanın tüm manevi yaşamının temelidir. Dini sembolizmle dolu sanat, dünyevi, geçici olandan manevi, ebedi olana yönlendirilir.

Resmi kilise kültürü (yüksek) ile birlikte laik bir kültür (taban) vardı - halk (alt sosyal tabakalar) ve şövalye (mahkeme).

Orta Çağ'ın başlarındaki profesyonel müziğin ana merkezleri, o zamanın tek eğitim merkezi olan katedraller, onlarla birlikte ilahi söyleyen okullar, manastırlardı. Yunanca ve Latince, aritmetik ve müzik okudular.

Roma, Orta Çağ boyunca Batı Avrupa'daki kilise müziğinin ana merkeziydi. 6. yüzyılın sonunda - 7. yüzyılın başında. Batı Avrupa kilise müziğinin ana çeşitliliği oluşuyor - kilise şarkı söyleme reformunu gerçekleştiren, çeşitli kilise ilahilerini bir araya getiren ve sipariş eden Papa I. Gregory'nin adını taşıyan Gregoryen ilahisi. Gregoryen ilahisi, çeşitli Orta Doğu ve Avrupa halklarının (Suriyeliler, Yahudiler, Yunanlılar, Romalılar, vb.) yüzyıllara dayanan şarkı söyleme geleneklerinin birleştiği tek sesli bir Katolik ilahisidir. Tek bir iradeyi kişileştirmeye çağrılan şey, kesinlikle tek bir melodinin pürüzsüz monofonik açılımıydı, Katolikliğin dogmalarına göre cemaatçilerin ilgi odağıydı. Müziğin karakteri katıdır, kişisel değildir. Koral, bir koro (adından dolayı) tarafından, bazı bölümleri ise bir solist tarafından icra edildi. Diyatonik modlar temelinde ileri hareket hakimdir. Gregoryen şarkı söyleme, son derece yavaş bir koro ilahisinden yıldönümlerine (bir hecenin melismatik zikri) kadar değişen ve performansları için virtüöz vokal becerisi gerektiren birçok derecelendirmeye izin verdi.

Gregoryen ilahi, dinleyiciyi gerçeklikten uzaklaştırır, alçakgönüllülüğü uyandırır, tefekküre, mistik kopmaya yol açar. Bu etki, aynı zamanda, cemaatçilerin çoğunluğu tarafından anlaşılmayan Latince metin tarafından da kolaylaştırılmıştır. Şarkının ritmi metin tarafından belirlendi. Metnin bildirisindeki vurguların doğası gereği belirsizdir, belirsizdir.

Çeşitli Gregoryen ilahileri, Katolik Kilisesi'nin ana ibadeti olan Kitle'de bir araya getirildi ve burada beş istikrarlı bölüm kuruldu:

Kyrie eleison (Rab merhamet etsin)

Gloria (zafer)

Credo (inanıyorum)

Sanctus (kutsal)

Agnus Dei (Tanrı Kuzusu).

Zamanla, halk müziği unsurları ilahiler, sekanslar ve mecazlar aracılığıyla Gregoryen ilahiye sızmaya başlar. Mezmurlar, şarkıcılar ve din adamlarından oluşan profesyonel bir koro tarafından icra edildiyse, ilahiler ilk başta cemaatçiler tarafından icra edildi. Resmi tapınma ekleriydiler (halk müziği özelliklerine sahiptiler). Ancak kısa süre sonra, ilahi parçaları, çok sesli kütlenin ortaya çıkmasına neden olan mezmurların yerini almaya başladı.

İlk sekanslar, yıldönümü melodisinin bir alt metniydi, böylece melodinin bir sesinin ayrı bir hecesi olacaktı. Sıralama yaygın bir tür haline geliyor (en popülerleri "Veni, sancte spiritus", "Dies irae", "Stabat mater"). "Dies irae" Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninoff (çoğu zaman ölümün sembolü olarak) tarafından kullanılmıştır.

İlk polifoni örnekleri manastırlardan gelir - organum (paralel beşte veya dörtte hareket), gimel, foburdon (paralel altıncı akorlar), davranış. Besteciler: Leonin ve Perotin (12-13. Yüzyıllar - Notre Dame Katedrali).

Orta Çağ'da laik halk müziğinin taşıyıcıları, Fransa'da pandomimciler, hokkabazlar, âşıklar, Alman kültür ülkelerinde spielmanlar, İspanya'da hohlarlar, Rusya'da soytarılardı. Bu gezgin sanatçılar çok yönlü ustalardı: şarkı söylemeyi, dans etmeyi, çeşitli enstrümanları sihir, sirk sanatı ve kuklacılıkla birleştirdiler.

Seküler kültürün diğer yanı, şövalye (mahremiyet) kültürüydü (laik feodal beylerin kültürü). Neredeyse tüm asil insanlar şövalyeydi - fakir savaşçılardan krallara. Özel bir şövalye kodu oluşturuluyor, buna göre şövalye, cesaret ve cesaretle birlikte zarif davranışlara sahip olmalı, eğitimli, cömert, yüce gönüllü, Güzel Leydi'ye sadakatle hizmet etmeli. Şövalye hayatının tüm yönleri, ozanların (Provence - güney Fransa), trouvers'in (kuzey Fransa), minnesingerlerin (Almanya) müzikal ve şiirsel sanatına yansır. Troubadours sanatı öncelikle aşk sözleriyle ilişkilidir. Aşk sözlerinin en popüler türü canzona idi (minnesingerler arasında - "Sabah Şarkıları" - Albs).

Troubadourların deneyimlerinden geniş ölçüde yararlanan Truvers, kendi özgün türlerini yarattı: "dokuma şarkıları", "Mayıs şarkıları". Troubadours, trouvers ve minnesingerlerin müzik türlerinin önemli bir alanı şarkı ve dans türleriydi: rondo, ballad, viirele (nakarat formları) ve ayrıca kahramanlık destanı (Fransız destanı "Roland'ın Şarkısı", Almanca - "Şarkı" Nibelunglar"). Madenciler arasında Haçlı şarkıları yaygındı.

Troubadours, trouvers ve minnesingers sanatının karakteristik özellikleri:

Monofoni, müzikal ve şiir sanatının özünden gelen, melodinin şiirsel metinle ayrılmaz bağlantısının bir sonucudur. Tek seslilik aynı zamanda kişinin kendi deneyimlerinin bireyselleştirilmiş bir ifadesi, bir ifadenin içeriğinin kişisel bir değerlendirmesi (genellikle kişisel deneyimlerin ifadesi, doğa resimlerinin ana hatları çizilerek çerçevelenirdi) ortamına da tekabül ediyordu.

Ağırlıklı olarak vokal performansı. Enstrümanların rolü önemli değildi: vokal melodiyi çerçeveleyen tanıtımların, araların ve sonların performansına indirgendi.

Şövalye sanatından profesyonel bir sanat olarak bahsetmek hala imkansızdır, ancak ilk kez laik müzik yapma koşullarında, gelişmiş bir ifade araçları kompleksi ve nispeten mükemmel bir müzikal yazı ile güçlü bir müzikal ve şiirsel yön yaratıldı.

X-XI yüzyıllardan başlayarak olgunlaşan Orta Çağların önemli başarılarından biri, şehirlerin gelişmesiydi (burgher kültürü). Kent kültürünün ana özellikleri, kilise karşıtı, özgürlüğü seven yönelim, folklorla bağlantı, kahkaha ve karnaval karakteriydi. Gotik mimari tarzı gelişiyor. Yeni polifonik türler oluşuyor: 13-14. yüzyıldan 16. yüzyıla. - motet (Fransızca'dan - “kelime”. Bir motet için, aynı anda farklı metinleri tonlayan seslerin tipik melodik farklılığı - çoğu zaman farklı dillerde), madrigal (İtalyanca'dan - “ana dilde şarkı”, yani İtalyanca. Aşk-lirik, pastoral metinler), kachcha (İtalyanca'dan - "avcılık" - avı tasvir eden bir metne dayanan bir vokal parça).

Gezici halk müzisyenleri, göçebe bir yaşam tarzından yerleşik bir yaşam tarzına geçer, tüm şehir bloklarını doldurur ve bir tür "müzisyen atölyeleri" oluşturur. 12. yüzyıldan itibaren, Vagants ve Goliards halk müzisyenlerine katıldı - farklı sınıflardan (okul çocukları, kaçak keşişler, gezgin din adamları) sınıfsız insanlar. Okuma yazma bilmeyen hokkabazların - sözlü gelenek sanatının tipik temsilcilerinin - aksine, serseriler ve goliardlar okuryazardı: Latince ve klasik şiir kurallarını biliyorlardı, müzik bestelediler - şarkılar (görüntü çemberi okul bilimi ve öğrenci ile ilişkilidir). hayat) ve hatta davranış ve motifler gibi karmaşık kompozisyonlar ...

Üniversiteler önemli bir müzik kültürü merkezi haline gelmiştir. Astronomi, matematik, fizik ile birlikte müzik veya daha doğrusu müzikal akustik, kuadriuma girdi, yani. üniversitelerde okutulan dört disiplinden oluşan bir döngü.

Böylece, ortaçağ kentinde farklı doğa ve sosyal yönelime sahip müzik kültürü merkezleri vardı: halk müzisyenleri dernekleri, mahkeme müziği, manastır ve katedral müziği, üniversite müzik pratiği.

Orta Çağ'ın müzik teorisi, teoloji ile yakından ilişkiliydi. Bize ulaşan birkaç müzikal-teorik incelemede, müzik "kilisenin hizmetkarı" olarak görülüyordu. Erken Orta Çağ'ın önde gelen incelemeleri arasında Augustine'nin "Müzik Üzerine" 6 kitabı, Boethius'un "Müziğin Kurulması Üzerine" 5 kitabı ve diğerleri öne çıkıyor. müziğin kozmik rolü vb.

Ortaçağ perde sistemi, kilise profesyonel müzik sanatının temsilcileri tarafından geliştirildi - bu nedenle, ortaçağ perdelerine "kilise perdeleri" adı verildi. Ana modlar olarak İonia ve Aeolian kuruldu.

Ortaçağ'ın müzik teorisi, altıgenler doktrinini ortaya koydu. Her perdede pratikte 6 derece kullanılmıştır (örneğin: do, re, mi, fa, sol, la). X daha sonra kaçınıldı çünkü fa ile birlikte, çok ahenksiz kabul edilen ve mecazi olarak "müziğin şeytanı" olarak adlandırılan genişletilmiş bir dördüncüyü oluşturdu.

Geçersiz kayıt yaygın olarak kullanıldı. Guido Aretinsky müzik nota sistemini geliştirdi. Reformunun özü şuydu: dört satırın varlığı, bireysel satırlar arasındaki üçüncü oran, bir anahtar işaret (başlangıçta alfabetik) veya çizgi renklendirme. Ayrıca, ölçeğin ilk altı derecesi için hecesel tanımlamalar yaptı: ut, re, mi, fa, sol, la.

Her nota belirli bir ritmik ölçünün atandığı (Latin mensura - ölçü, ölçüm) mensural notasyon tanıtıldı. Sürelerin adı: maxim, longa, brevis, vb.

XIV yüzyıl - Orta Çağ ve Rönesans arasında bir geçiş dönemi. XIV yüzyılın Fransa ve İtalya'sının sanatı "Ars nova" (Latince - yeni sanattan) adını aldı ve İtalya'da erken Rönesans'ın tüm özelliklerine sahipti. Ana özellikler: münhasıran kilise müziği türlerini kullanmayı reddetme ve laik vokal ve enstrümantal oda türlerine (ballad, kaccha, madrigal) hitap etme, günlük şarkı yazma ile yakınlaşma, çeşitli müzik aletlerinin kullanımı. Ars nova sözde tersidir. ars antiqua (lat. ars antiqua - eski sanat), XIV yüzyılın başlangıcından önce müzik sanatı anlamına gelir. Ar nova'nın en büyük temsilcileri Guillaume de Machaut (14. yüzyıl, Fransa) ve Francesco Landino (14. yüzyıl, İtalya) idi.

Böylece, Orta Çağ müzik kültürü, görece sınırlı araçlara rağmen, Eski Dünya müziğine kıyasla daha yüksek bir seviyeyi temsil eder ve Rönesans'ta müzik sanatının muhteşem bir şekilde gelişmesi için ön koşulları içerir.

müzik orta çağ gregor ozan

Ortaçağ müzisyenleri. MS 5. yüzyıldan 14. yüzyıla kadar olan dönemi kapsayan, müzik kültürünün gelişme dönemi olan Orta Çağ Müziği döneminin 13. yüzyıla ait el yazması ... Wikipedia

Halk, popüler, pop ve klasik müziğin çeşitli canlı ve tarihi türlerini içerir. Karnataka ve Hindustani gelenekleri tarafından temsil edilen Hint klasik müziği, Sama Veda'ya kadar uzanır ve karmaşık ve çeşitli olarak tanımlanır ... Wikipedia

Montmartre Fransız müziğindeki bir grup müzisyen, kökenlerini ... Wikipedia'dan alan en ilginç ve etkili Avrupa müzik kültürlerinden biridir.

İçindekiler 1 Halk müziği 2 Klasik müzik, opera ve bale 3 Popüler müzik ... Wikipedia

Bu makale müzik tarzı ile ilgili. Bir grup felsefi görüş için, New Age makalesine bakın: New Age Music New Age (new age) kategorisine de bakın Yön: Elektronik müzik Kökenler: caz, etnik köken, minimalizm, klasik müzik, özel müzik ... Wikipedia

I Müzik (Yunanca musikten, kelimenin tam anlamıyla muses sanatı), gerçekliği yansıtan ve ağırlıklı olarak tonlardan oluşan anlamlı ve özel olarak organize edilmiş ses dizileri aracılığıyla kişiyi etkileyen bir sanat biçimidir ... ... Büyük Sovyet Ansiklopedisi

- (Yunanca moysikn, mousa muse'dan) esas olarak tonlardan oluşan, perde ve zaman ses dizilerinde anlamlı ve özel olarak düzenlenmiş, gerçekliği yansıtan ve bir kişiyi etkileyen bir sanat türü ... müzik ansiklopedisi

Hırvatlar hakkında bir dizi makale ... Wikipedia

Belçika müziği, kökenlerini ülkenin kuzeyinde yaşayan Flamanların müzik geleneklerinden ve güneyde yaşayan ve Fransız geleneklerinden etkilenen Valonların geleneklerinden alır. Belçika müziğinin oluşumu karmaşık tarihsel süreçte gerçekleşti ... ... Wikipedia

Kitabın

• Resimli sanat tarihi. Mimarlık, heykel, resim, müzik, V. Lubke. Ömür boyu baskı. Petersburg, 1884. A.S.Suvorin tarafından yayınlanmıştır. 134 rakamlı baskı. Deri sırtlı ve köşeli sahibine ait kapak. Bandaj omurga. Koruma iyidir....
• Resimli sanat tarihi. Mimarlık, heykel, resim, müzik (okullar, bireysel çalışma ve bilgi için), Lubke. Ömür boyu baskı. Petersburg, 1884. A.S.Suvorin tarafından yayınlanmıştır. 134 çizim içeren kitap. Tipografik kapak. Koruma iyidir. Kapakta küçük gözyaşları. Zengin resimli...

Orta Çağ'ın müzik sanatı. Figüratif ve anlamsal içerik. kişilikler.

Ortaçağ- bin yıldan fazla bir süreyi kapsayan uzun bir insani gelişme dönemi.

"Karanlık Orta Çağ" döneminin mecazi ve duygusal ortamına dönersek, bunun yoğun bir ruhsal yaşam, yaratıcı coşku ve hakikat arayışı ile dolu olduğunu görürüz. Hıristiyan Kilisesi zihinler ve kalpler üzerinde güçlü bir etkiye sahipti. Kutsal Yazıların temaları, planları ve görüntüleri, dünyanın yaratılışından Mesih'in gelişiyle Son Yargı gününe kadar uzanan bir hikaye olarak anlaşıldı. Dünyevi yaşam, karanlık ve aydınlık güçler arasında sürekli bir mücadele olarak algılandı ve bu mücadelenin arenası insan ruhuydu. Dünyanın sonu beklentisi, ortaçağ insanının dünya görüşüne nüfuz etti, bu dönemin sanatını dramatik tonlarda boyadı. Bu koşullar altında müzik kültürü iki güçlü katmanda gelişmiştir. Bir yanda, ortaçağ boyunca muazzam bir gelişme yolundan geçen profesyonel kilise müziği var; Öte yandan, "resmi" kilisenin temsilcileri tarafından zulme uğrayan halk müziği ve neredeyse tüm ortaçağ dönemi boyunca amatör olarak var olan laik müzik. Bu iki yönün karşıtlığına rağmen, karşılıklı etkiye maruz kaldılar ve bu dönemin sonunda laik ve kilise müziğinin iç içe geçmesinin sonuçları özellikle fark edilir hale geldi. Duygusal ve anlamsal içerik açısından, ortaçağ müziğinin en karakteristik özelliği, hem seküler hem de kilise türlerinde ideal, manevi ve didaktik başlangıcın baskınlığıdır.

Hıristiyan kilisesinin müziğinin duygusal ve semantik içeriği, İlahi Vasfın övülmesini, ölümden sonra ödül uğruna dünyevi malların inkar edilmesini, çileciliğin vaazını amaçlıyordu. Müzik, ideal için çabalamanın herhangi bir "bedensel", maddi biçiminden yoksun, "saf" ifadeyle ilişkilendirilen şeyi kendi içinde yoğunlaştırdı. Müziğin etkisi, yüksek tonozlu kiliselerin akustiği, sesi yansıtan ve ilahi bir varlığın etkisini yaratan akustiği ile güçlendirildi. Müziğin mimariyle kaynaşması, özellikle Gotik tarzın ortaya çıkmasıyla belirgindi. Bu zamana kadar gelişen polifonik müzik, Gotik bir tapınağın mimari çizgilerini tekrarlayarak, uzayın sonsuzluğu hissi yaratarak, yukarı doğru, özgürce yükselen bir ses yarattı. Müzikal Gotik'in en çarpıcı örnekleri, Notre Dame Katedrali - Usta Leonin ve Usta Perotin, Büyük lakaplı besteciler tarafından yaratıldı.

Orta Çağ'ın müzik sanatı. türler Müzik dilinin özellikleri.

Bu dönemde laik türlerin oluşumu, gezgin müzisyenlerin çalışmalarıyla hazırlandı - hokkabazlar, ozanlar ve spielmansşarkıcılar, aktörler, sirk sanatçıları ve çalgıcılar hepsi bir araya geldi. Hokkabazlar, spielmans ve ozanlar da katıldı serseriler ve goliards- "sanatsal" çevreye okuryazarlık ve belli bir bilgi getiren şanssız öğrenciler ve kaçak keşişler. Türküler sadece ortaya çıkan ulusal dillerde (Fransızca, Almanca, İngilizce ve diğerleri) değil, Latince'de de söylendi. Gezici öğrenciler ve okul çocukları (serseriler) genellikle, laik feodal beylere ve Katolik Kilisesi'ne yönelik suçlayıcı şarkılarına özel bir keskinlik kazandıran Latince nazım konusunda büyük becerilere sahipti. Yavaş yavaş, gezgin sanatçılar atölyeler kurmaya ve şehirlere yerleşmeye başladı.

Aynı dönemde, bir tür "entelijansiya" tabakası ortaya çıktı - aralarında (ateşkes dönemlerinde) sanata olan ilginin de alevlendiği şövalyelik. Kaleler şövalye kültürünün merkezlerine dönüşüyor. "Nazik" (rafine, kibar) davranış gerektiren şövalye davranışı için bir dizi kural derledi. 12. yüzyılda sanat, Provence'ta feodal beylerin mahkemelerinde doğdu. ozanlar dünyevi aşk kültünü, doğanın zevkini, dünyevi sevinçleri ilan eden yeni laik şövalye kültürünün karakteristik bir ifadesiydi. Bir görüntü çemberinde, ozanların müzikal ve şiirsel sanatı, esas olarak aşk sözleri veya askeri, hizmet şarkılarıyla ilişkili, bir vasalın efendisine karşı tutumunu yansıtan birçok çeşidi biliyordu. Çoğu zaman, ozanların aşk sözleri feodal hizmet biçiminde giyinmişti: şarkıcı, kendisini genellikle efendisinin karısı olan bir hanımın vassalı olarak tanıdı. Onun haysiyetini, güzelliğini ve asaletini övdü, egemenliğini yüceltti ve ulaşılamaz bir hedef için "özlem duydu". Tabii ki, o zamanın mahkeme görgü kuralları tarafından dikte edilen birçok şartlı vardı. Bununla birlikte, şiirsel ve müzikal imgelerde canlı ve etkileyici bir şekilde ifade edilen geleneksel şövalyelik hizmeti biçimlerinin arkasına gizlenmiş gerçek bir his vardı. Ozanların sanatı, zamanına göre birçok yönden gelişmişti. Sanatçının kişisel deneyimlerine dikkat, sevgi dolu ve acı çeken bir kişiliğin iç dünyasına yapılan vurgu, ozanların kendilerini ortaçağ ideolojisinin çileci eğilimlerine açıkça karşı koyduklarını göstermektedir. Troubadour gerçek dünyevi aşkı yüceltir. İçinde "tüm malların kaynağını ve kökenini" görüyor.

Ozanların şiirlerinin etkisiyle gelişen yaratıcılık pantolon, daha demokratikti (çoğu trouver kasaba halkından.) Burada aynı temalar geliştirildi, şarkıların sanatsal tarzı benzerdi. Almanya'da bir yüzyıl sonra (13. yüzyıl) bir okul kuruldu madenciler Troubadours ve trouvers arasında daha sık, ahlaki ve eğitici bir içeriğe sahip şarkıların geliştirildiği, aşk motifleri genellikle Meryem Ana kültüyle ilişkili dini bir çağrışım kazandı. Şarkıların duygusal yapısı, daha fazla ciddiyet ve derinlikle ayırt edildi. Minnesinger'lar çoğunlukla yarışmalarını düzenledikleri mahkemelerde görev yaptı. Ünlü efsanenin kahramanı Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, Tannhäuser isimleri biliniyor. Wagner'in bu efsaneye dayanan operasında, ana sahne, kahramanın dünyevi duyguları ve zevkleri herkesin öfkesine yücelttiği şarkıcıların yarışmasıdır. Wagner tarafından yazılan "Tannhäuser" librettosu, ahlaki idealleri, yanıltıcı aşkı yücelten ve günahkâr tutkularla sürekli dramatik bir mücadele içinde olan bir çağın dünya görüşüne olağanüstü bir nüfuz etme örneğidir.

Kilise türleri

Gregoryen ilahi. Erken Hıristiyan kilisesinde, kilise ezgilerinin ve Latince metinlerin birçok varyasyonu vardı. Tek bir kült ritüeli ve buna karşılık gelen ayin müziği yaratmak gerekli hale geldi. Bu süreç 6. ve 7. yüzyılların başında tamamlandı. Papa Gregory I. Kilise ezgileri, seçilmiş, kanonlaştırılmış, kilise yılı içinde dağıtılmış, resmi kodu oluşturuyordu - antiphonary. İçindeki koro melodileri, Katolik Kilisesi'nin ayinle şarkı söylemesinin temeli oldu ve Gregoryen ilahisi olarak adlandırıldı. Erkek seslerinden oluşan bir koro veya topluluk tarafından tek sesle icra edildi. Melodinin gelişimi yavaş gerçekleşir ve başlangıç ​​melodisinin değiştirilmesine dayanır. Melodinin serbest ritmi, kelimelerin ritmine tabidir. Metinler, sesi dünyevi her şeyden bir kopukluk yaratan Latince düzyazıdır. Melodik hareket yumuşaktır, eğer küçük sıçramalar ortaya çıkarsa, ters yönde hareketle hemen telafi edilirler. Gregoryen ilahilerin melodileri üç gruba ayrılır: metnin her hecesinin melodinin bir sesine karşılık geldiği ezberden okuma, bazı hecelerin ve yıldönümlerinin söylenmesine izin verilen mezmur, heceler karmaşık melodik kalıplarda söylendiğinde, çoğu sık sık "Hallelujah" ("Tanrı'ya övgüler olsun"). Mekansal sembolizm (bu durumda, "yukarı" ve "aşağı"), diğer sanat türlerinde olduğu gibi büyük önem taşır. Bu monofonik şarkı söylemenin bütün tarzı, içinde "ikinci bir plan", "sağlam perspektif" olmaması, ortaçağ resminde düzlem temsili ilkesini andırıyor.
ilahi ... İlahi yapımının gelişmesi 6. yüzyıla kadar uzanır. Daha fazla duygusal kendiliğindenlik ile karakterize edilen ilahiler, dünyevi sanatın ruhunu taşıyordu. Şarkı deposunun melodilerine dayanıyordu, halka yakındı. 5. yüzyılın sonunda kiliseden atıldılar, ancak yüzyıllar boyunca ayin dışı müzik olarak kullanıldılar. Kilise kullanımına geri dönüşleri (9. yüzyıl), inananların dünyevi duygularına bir tür tavizdi. Korallerin aksine ilahiler, ayrıca özel olarak oluşturulmuş (ve kutsal kitaplardan ödünç alınmamış) şiirsel metinlere dayanıyordu. Bu, melodilerin daha net bir yapısının yanı sıra, metnin her kelimesine tabi olmayan daha büyük bir melodi özgürlüğü belirledi.
Yığın. Ayin ritüeli yüzyıllar boyunca şekillendi. Ana hatlarındaki bölümlerinin sırası 9. yüzyılda belirlenirken, kütle son şeklini ancak 11. yüzyılda almıştır. Müziğini şekillendirme süreci de uzun sürdü. Litürjik şarkı söylemenin en eski türü mezmurdur; Litürjik eylemin kendisiyle doğrudan ilgili olarak, hizmet boyunca kulağa geldi ve rahipler ve kilise şarkıcıları tarafından söylendi. İlahilerin tanıtılması, Ayinin müzik tarzını zenginleştirdi. Ayinin belirli anlarında müminlerin ortak duygularını ifade eden ilahi ezgileri çalınırdı. İlk başta cemaatçiler tarafından, daha sonra profesyonel bir kilise korosu tarafından söylendiler. İlahilerin duygusal etkisi o kadar güçlüydü ki, yavaş yavaş mezmurların yerini almaya başladılar ve kitle müziğinde baskın bir yer işgal ettiler. Ayinin (Sıradan denilen) beş ana bölümünün şekillenmesi ilahiler biçimindeydi.
I. "Kyrie eleison"("Rab, merhamet et") - bağışlama ve merhamet için bir dua;
II. "Glorya"("Glory") - yaratıcıya bir şükran ilahisi;
III. "Kredi"("İnanıyorum") - Hıristiyan doktrininin ana dogmalarını belirleyen ayinlerin merkezi kısmı;
IV. "Kutsal"("Kutsal") - üç kez tekrarlanan ciddi bir şekilde parlak ünlem, ardından "Benedictus" ("Mübarek gelen kişi") ana bölümünü çerçeveleyen bir "Osanna" selamlama çığlığı;
V. "Agnus Dei"("Tanrı'nın Kuzusu") - kendini feda eden Mesih'e hitap eden başka bir merhamet duası; son kısım şu sözlerle bitiyor: "Dona nobis pacem" ("Bize barış bahşet").
laik türler

Vokal müzik
Ortaçağ müziği ve şiiri doğada çoğunlukla amatördü. Yeterli evrenselliği ima etti: Şarkı genellikle bir ud veya viyola eşliğinde icra edildiğinden, aynı kişi bir besteci, şair, şarkıcı ve enstrümantalistti. Şarkıların şiirsel metinleri, özellikle şövalye sanatının örnekleri büyük ilgi görüyor. Müziğe gelince, Gregoryen ilahilerinden, gezgin müzisyenlerin müziğinden ve Doğu halklarının müziğinden etkilenmiştir. Çoğu zaman, ozanların şarkılarının müziğinin sanatçıları ve bazen yazarları, şövalyelerle seyahat eden, şarkı söylemelerine eşlik eden ve bir hizmetçi ve yardımcı işlevlerini yerine getiren hokkabazlardı. Bu işbirliği sayesinde halk ve şövalye müzikal yaratıcılık arasındaki sınırlar bulanıklaştı.
Dans müziği Enstrümantal müziğin öneminin özellikle vurgulandığı bir alan da dans müziğiydi. 11. yüzyılın sonundan bu yana, yalnızca enstrümanlarda performans göstermeye yönelik bir dizi müzik ve dans türü ortaya çıktı. Hiçbir hasat festivali, hiçbir düğün ya da diğer aile kutlamaları dans etmeden tamamlanmış sayılmazdı. Danslar genellikle dansçıların şarkı söylemesine veya bazı ülkelerde kornaya - bir trompet, davul, zil, zillerden oluşan orkestraya yapıldı.
Branle Fransız halk dansı. Orta Çağ boyunca, en çok kasaba ve köylerde popülerdi. Ortaya çıkışından kısa bir süre sonra aristokrasinin dikkatini çekti ve bir balo salonu dansı haline geldi. Basit hareketler sayesinde lanetler herkes tarafından dans edilebilirdi. Katılımcıları el ele tutuşur, çizgilere ayrılabilen, zikzak hareketlere dönüşebilen kapalı bir daire oluşturur. Küfür etmenin birçok çeşidi vardı: basit, çifte, komik, at, çamaşırcı, meşalelerle küfür vb. Gavotte, paspier ve burré, kabadayıların hareketlerine göre inşa edildi;
stella Dans, Meryem Ana heykeline ibadet etmek için manastıra gelen hacılar tarafından yapıldı. Güneşin aydınlattığı dağın tepesinde durdu ve sanki ondan doğaüstü bir ışık akıyor gibiydi. Dansın adının geldiği yer burasıdır (stella - Latin yıldızından). İnsanlar, Tanrı'nın Annesi'nin ihtişamı ve saflığı tarafından boğulmuş bir dürtüyle dans ettiler.
Karol 12. yüzyılda popülerdi. Karol açık bir dairedir. Karol performansı sırasında dansçılar el ele şarkı söyledi. Dansçıların önünde solist vardı. Koro tüm üyeler tarafından söylendi. Dansın ritmi bazen yumuşak ve yavaştı, sonra hızlandı ve koşuya dönüştü.
Ölüm Dansları Geç Orta Çağ boyunca, ölüm konusu Avrupa kültüründe oldukça popüler hale geldi. Çok sayıda can alan veba salgını, ölüme karşı tutumu etkilemiştir. Daha önce dünyevi ıstıraptan bir kurtuluş olsaydı, o zaman XIII.Yüzyılda. dehşetle algılandı. Ölüm, sözlerde tartışılan korkutucu görüntüler şeklinde çizimler ve gravürlerde tasvir edildi. Dans bir daire içinde gerçekleştirilir. Dansçılar, sanki bilinmeyen bir güç tarafından çekiliyorlarmış gibi hareket etmeye başlarlar. Yavaş yavaş Ölüm habercisi tarafından çalınan müziğe kapılırlar, dans etmeye başlarlar ve sonunda ölürler.
bas dansı Gezinti dans alayları. Ciddi ve teknik olarak karmaşık değildiler. En iyi kıyafetleriyle ziyafet için toplananlar, kendilerini ve kostümlerini gösterircesine sahibinin önünden geçtiler - dansın anlamı buydu. Alayı dansları mahkeme hayatına sıkı sıkıya girdi, tek bir festival onlarsız yapamazdı.
estampi (baskılar) Enstrümantal müzik eşliğinde ikili danslar. Bazen "baskı" üç kişi tarafından gerçekleştirildi: bir adam iki kadını yönetti. Müzik önemli bir rol oynadı. Birkaç bölümden oluşuyordu ve hareketlerin doğasını ve parça başına ölçü sayısını belirledi.

Troubadour'lar:

Giraut Riquiere 1254-1292

Guiraut Riquier, genellikle "son ozan" olarak anılan bir Provence şairidir. Üretken ve yetenekli bir usta (melodilerinin 48'i hayatta kaldı), ancak manevi temalara yabancı değil ve vokal yazısını önemli ölçüde karmaşıklaştırıyor, şarkı yazarlığından uzaklaşıyor. Uzun yıllar Barselona'da mahkemedeydi. Haçlı seferine katıldı. Sanatla ilgili konumu da ilgi çekicidir. Sanatın ünlü hamisi Bilge Alphonse, Kastilya Kralı ve Leon ile yazışmalarıyla tanınır. İçinde, "hokkabaz unvanını küçük düşüren" dürüst olmayan insanların genellikle bilgili ozanlarla karıştırıldığından yakındı. Bu, "şiir bestelemeyi bilen, öğretici ve kalıcı eserler yaratan yüksek şiir ve müzik sanatı" temsilcileri için "utanç verici ve zararlıdır". Kralın yanıtı kisvesi altında, Riquière kendi sistemleştirmesini önerdi: 1) "şiir sanatının doktorları" - ozanların en iyisi, "toplumun yolunu aydınlatan", "örnek şiirler ve kanunlar, zarif kısa öyküler ve konuşma dilinde didaktik eserler"; 2) onlar için şarkı ve müzik besteleyen ozanlar, dans ezgileri, türküler, albas ve sirventler yaratırlar; 3) soyluların zevkine hitap eden hokkabazlar: farklı enstrümanlar çalarlar, hikayeler ve peri masalları anlatırlar, başkalarının şiirlerini ve kanunlarını söylerler; 4) soytarılar (soytarılar) "düşük sanatlarını sokaklarda ve meydanlarda gösterir ve değersiz bir yaşam tarzına öncülük eder." Eğitimli maymunlar, köpekler ve keçiler yetiştiriyorlar, kuklalar sergiliyorlar, kuşların şarkılarını taklit ediyorlar. Küçük sadakalar için, Buffon sıradan insanların önünde oynuyor ya da sızlanıyor ... mahkemeden mahkemeye utanmadan seyahat ediyor, her türlü aşağılanmaya sabırla katlanıyor ve hoş ve asil meslekleri hor görüyor.

Riquiere, birçok ozan gibi, şövalye erdemleri konusunda endişeliydi. Cömertliği en yüksek itibar olarak kabul etti. "Hiçbir şekilde cesaret ve zeka hakkında kötü konuşmuyorum ama cömertlik her şeyi aşar."

13. yüzyılın sonlarına doğru, Haçlı Seferleri'nin çöküşünün göz ardı edilemeyecek ve üzerinde düşünmemek mümkün olmayan kaçınılmaz bir gerçekliğe dönüştüğü zaman, acılık ve hayal kırıklığı duyguları keskin bir şekilde yoğunlaştı. "Şarkılarla bitirme zamanım geldi!" - bu ayetlerde (1292'ye kadar uzanırlar), Giraut Riquiere, haçlı girişimlerinin feci sonucundan duyduğu hayal kırıklığını dile getirdi:
"Bizim için - insan ordusu için - Kutsal Toprakları terk etme zamanı geldi!" "Şarkılarla bitirme zamanım geldi" (1292) şiiri son ozan şarkısı olarak kabul edilir.

Besteciler, müzisyenler

Guillaume de Machaut yaklaşık. 1300 - 1377

Machaut, Fransız şair, müzisyen ve bestecidir. Çek kralının mahkemesinde görev yaptı, 1337'den itibaren Reims Katedrali'nin kanonuydu. Geç Orta Çağ'ın en önde gelen müzisyenlerinden biri, Fransız Ars nova'nın en büyük figürü. Çok türlü bir besteci olarak bilinir: Motets, ballads, virale, le, rondo, canons ve diğer şarkı (şarkı ve dans) formları bize kadar geldi. Müziği, rafine ifade, rafine duygusallık ile ayırt edilir. Buna ek olarak, Machaut tarihteki ilk yazarın Kütlesini yarattı (1364'te Kral Charles V'nin Reims'teki taç giyme töreni için .. Müzik tarihinde ilk yazarın Kütlesi - ünlü bir bestecinin ayrılmaz ve eksiksiz bir eseri. ya da uzun süredir şarkı temelinde ozanların ve trouverslerin müzikal ve şiirsel kültüründen, diğer yandan 12-13. yüzyıl Fransız polifoni okullarından.

Leonin (12. yüzyılın ortaları)

Leonin seçkin bir bestecidir, Perotin ile birlikte Notre Dame Okulu'na aittir. Tarih bizim için, yıllık kilise şarkı söyleme çemberi için tasarlanan "Big Book of Organums" un bir zamanlar ünlü yaratıcısının adını korumuştur. Leonin'in organumları, koro şarkılarının ahenk içinde iki parçalı solist şarkı söylemesiyle değiştirildi. İki parçalı organumları, ön düşünme ve kayıt olmadan imkansız olan böylesine dikkatli bir ayrıntılandırma, uyumlu ses "tutarlılığı" ile ayırt edildi: Leonin'in sanatında öne çıkan şarkıcı-doğaçlamacı değil, besteci. Leonin'in ana yeniliği, esas olarak hareketli üst sesin net bir ritmini oluşturmayı mümkün kılan ritmik kayıttı. Üst sesin karakteri, melodik cömertlik ile ayırt edildi.

Peroten

Perotin, Perotinus - 12. yüzyılın sonları - 13. yüzyılın 1. üçte birinin Fransız bestecisi. Çağdaş incelemelerde "büyük usta Perotin" olarak adlandırıldı (bu ismin atfedilebilecek birkaç müzisyeni olduğu için tam olarak kimi kastettiği bilinmiyor). Perotin, aynı zamanda sözde Parisli ya da Notre Dame okuluna mensup olan selefi Leonin'in çalışmalarında gelişen bir tür çok sesli şarkı söylemeyi geliştirdi. Perotin, uzun melismatik organum örnekleri yarattı. Sadece 2 sesli besteler (Leonin gibi) değil, aynı zamanda 3,4 sesli kompozisyonlar da yazdı ve görünüşe göre polifoniyi ritmik ve dokulu olarak karmaşıklaştırdı ve zenginleştirdi. 4 sesli orgları henüz mevcut polifoni yasalarına (taklit, kanon vb.) uymuyordu. Perotin'in çalışmalarında, Katolik Kilisesi'nin çok sesli ilahileri geleneği gelişti.

Josquin des Pre c. 1440-1524

Fransız-Flaman besteci. Küçük yaşlardan itibaren bir kilise korosu. İtalya'nın çeşitli şehirlerinde (1486-99'da Roma'daki papalık şapelinin korosu olarak) ve Fransa'da (Cambrai, Paris) görev yaptı. Louis XII'nin saray müzisyeniydi; sadece kült müziğin değil, aynı zamanda Fransız chansonunu öngören laik şarkıların da ustası olarak tanındı. Hayatının son yıllarında Conde-sur-Esco'daki katedralin rektörüydü. Josquin Despres, Batı Avrupa sanatının sonraki gelişimini birçok yönden etkileyen Rönesans'ın en büyük bestecilerinden biridir. Hollanda okulunun başarılarını yaratıcı bir şekilde özetleyerek, yüksek polifonik tekniği yeni sanatsal görevlere tabi kılan, hümanist bir bakış açısıyla dolu, manevi ve laik türlerin (kitleler, motifler, mezmurlar, frottolar) yenilikçi eserleri yarattı. Tür kökenleriyle ilişkili eserlerinin melodisi, önceki Hollandalı ustalarınkinden daha zengin ve çok yönlüdür. Josquin Despres'in kontrapuntal komplikasyonlardan arınmış "açık" polifonik tarzı, koro yazımı tarihinde bir dönüm noktasıydı.

vokal türleri

Bir bütün olarak tüm dönem, vokal türlerinin ve özellikle vokal türlerinin açık bir üstünlüğü ile karakterize edilir. polifoni... Sıkı bir üslup, gerçek burs, virtüöz tekniğinin alışılmadık derecede karmaşık bir polifoni ustalığı, günlük yayılmanın parlak ve taze sanatıyla bir arada var oldu. Enstrümantal müzik biraz bağımsızlık kazanır, ancak vokal formlara ve günlük kaynaklara (dans, şarkı) doğrudan bağımlılığı ancak biraz sonra aşılacaktır. Başlıca müzik türleri sözlü metinle ilişkili kalır. Rönesans hümanizminin özü, Frottol ve Vilanell tarzlarında koro şarkılarının bestelenmesine yansıdı.
Dans türleri

Rönesans döneminde günlük dans büyük önem kazandı. İtalya, Fransa, İngiltere, İspanya'da birçok yeni dans formu ortaya çıkıyor. Toplumun çeşitli katmanlarının kendi dansları vardır, performans tarzlarını, balolarda, akşamlarda, şenliklerde davranış kurallarını geliştirirler. Rönesans dansları, geç Orta Çağların gösterişsiz lanetlerinden daha karmaşıktır. Yuvarlak dans ve doğrusal sıra kompozisyonu olan danslar, karmaşık hareketler ve figürler üzerine kurulu çift (düet) danslarla değiştirilir.
Volta - İtalyan kökenli bir çift dans. Adı, "dönmek" anlamına gelen İtalyanca voltare kelimesinden gelir. Boyut üç vuruşlu, tempo orta derecede hızlı. Dansın ana çizimi, beyefendinin onunla dans eden bayanı çevik ve aniden havada döndürmesidir. Bu tırmanış genellikle çok yüksekte yapılır. Beyefendiden büyük bir güç ve el becerisi gerektirir, çünkü hareketlerin keskinliğine ve biraz aceleciliğine rağmen, kaldırma net ve güzel bir şekilde yapılmalıdır.
Galliard - İtalya, İngiltere, Fransa, İspanya, Almanya'da yaygın olan İtalyan kökenli eski bir dans. İlk galliardların temposu orta derecede hızlıdır, boyutu üç vuruştur. Galliarda genellikle, bazen tematik olarak ilişkilendirildiği pavanadan sonra gerçekleştirildi. Galliards 16. yüzyıl üst seste bir melodi ile melodik-armonik bir dokuda sürdürülür. Galliard ezgileri, Fransız toplumunun geniş kesimleri arasında popülerdi. Serenatlar sırasında, Orleans öğrencileri lavta ve gitarlarda galliard ezgileri çaldılar. Zil gibi, galliard da bir tür dans diyaloğu karakterine sahipti. Süvari, hanımıyla birlikte koridordan geçti. Adam soloyu söylediğinde kadın olduğu yerde kaldı. Erkek solo, çeşitli karmaşık hareketlerden oluşuyordu. Ondan sonra tekrar bayana yaklaştı ve dansı sürdürdü.
Pavana - 16-17. yüzyılların yan dansı. Tempo orta derecede yavaş, 4/4 veya 2/4 vuruş. Kökeni konusunda farklı kaynaklarda ihtilaf vardır (İtalya, İspanya, Fransa). En popüler versiyon, güzel akan bir kuyrukla yürüyen bir tavus kuşunun hareketlerini taklit eden bir İspanyol dansıdır. Bas dansına yakındı. Pavanların müziğine çeşitli tören alayları yapıldı: yetkililerin şehre girişi, soylu gelini kiliseye uğurlaması. Fransa ve İtalya'da pavana bir saray dansı olarak kurulur. Pavana'nın ağırbaşlı karakteri, saray sosyetesinin görgü ve hareketlerinin zarafet ve zarafetiyle parlamasına izin verdi. Bu dansı halk ve burjuvazi yapmadı. Pavane, minuet gibi, kesinlikle rütbeye göre yapıldı. Kral ve kraliçe dansa başladı, sonra dauphin ve soylu bir hanım girdi, sonra prensler vb. Cavaliers bir kılıçla ve perdeler içinde pavana gerçekleştirdi. Hanımlar, hareketler sırasında onları yerden kaldırmadan ustaca kullanmaları gereken ağır uzun siperleri olan resmi elbiseler içindeydi. Trenin hareketi, hareketleri güzelleştirdi, pavaneye bir ihtişam ve ciddiyet verdi. Kraliçe için bayan görevlileri bir tren taşıdı. Dans başlamadan önce, salonun etrafında dolaşması gerekiyordu. Dansın sonunda, çiftler tekrar selam ve reveranslarla salonun etrafında yürüdüler. Fakat beyefendi şapkayı takmadan önce sağ elini hanımın omzunun arkasına, sol elini (şapkayı tutan) beline koyup yanağından öpmek zorunda kaldı. Dans sırasında bayanın gözleri yere indirildi; sadece zaman zaman güzelliğine baktı. Pavana, çok popüler olduğu İngiltere'de en uzun süre korunmuştur.
Allemande - 4 vuruşta Alman kökenli yavaş dans. O devasa "düşük", atlamasız danslara aittir. Sanatçılar birbiri ardına çift oldu. Çift sayısı sınırlı değildi. Beyefendi hanımın ellerini tuttu. Kolon salonun etrafında hareket etti ve sona ulaştığında katılımcılar (ellerini ayırmadan) yerlerine döndüler ve dansa ters yönde devam ettiler.
Courant - İtalyan kökenli mahkeme dansı. Zil basit ve karmaşıktı. Birincisi, esas olarak ileriye doğru gerçekleştirilen basit, planyalama adımlarından oluşuyordu. Karmaşık çan pantomimik bir yapıya sahipti: üç bey, üç bayanı dansa katılmaya davet etti. Hanımlar salonun karşı köşesine götürülerek dans etmeleri istendi. Hanımlar reddetti. Bir ret alan beyler ayrıldı, ancak tekrar geri döndü ve hanımların önünde diz çöktü. Ancak pandomim sahnesinden sonra dans başladı. Çanları İtalyan ve Fransız tiplerindendir. İtalyan melodisi, melodik-harmonik bir dokuda basit bir ritimle 3/4 veya 3/8 metrelik canlı bir danstır. Fransızca - ciddi bir dans ("görgü dansı"), pürüzsüz, gururlu bir alayı. 3/2 boy, orta tempo, iyi gelişmiş polifonik doku.
sarabande - 16. - 17. yüzyılların popüler bir dansı. İspanyol kadın kastanyet dansından türetilmiştir. Başlangıçta, şarkı eşlik etti. Ünlü koreograf ve öğretmen Carlo Blazis bir eserinde sarabandanın kısa bir tanımını veriyor: "Bu dansta herkes kayıtsız olmadığı bir hanımefendi seçer. Müzik bir işaret verir ve iki sevgili bir dans yapar, asildir. Ancak ölçüldüğünde, bu dansın önemi en azından zevke müdahale etmez ve alçakgönüllülük ona daha fazla zarafet verir; herkesin gözleri, hareketleriyle sevginin tüm aşamalarını ifade eden çeşitli figürler sergileyen dansçıları takip etmekten mutluluk duyar. Başlangıçta, sarabanda'nın hızı orta derecede hızlıydı, daha sonra (17. yüzyıldan itibaren) karakteristik ritmik bir desenle yavaş bir Fransız sarabanda ortaya çıktı: ... Kastilya Konseyi tarafından yasaklandı.
oyun - İngiliz kökenli dans, en hızlı, üçlü, üçlüye dönüşüyor. Başlangıçta, gigue bir çift dansıydı, ancak denizciler arasında bir çizgi roman karakterinin solo, çok hızlı dansı olarak yayıldı. Daha sonra enstrümantal müzikte eski bir dans takımının son parçası olarak ortaya çıktı.

vokal türleri

Barok özellikler, müziğin diğer sanatlarla iç içe olduğu türlerde en belirgin şekilde kendini göstermiştir. Bunlar, her şeyden önce, opera, oratoryo ve tutkular ve kantatlar gibi kutsal müzik türleriydi. Sözle ve operada - kostümler ve süslemelerle, yani resim, uygulamalı sanat ve mimari unsurlarıyla birleştirilen müzik, bir kişinin karmaşık manevi dünyasını, yaşadığı karmaşık ve çeşitli olayları ifade etmeye çağrıldı. Kahramanların, tanrıların, gerçek ve gerçeküstü eylemlerin, her türlü sihrin barok zevkine uygun olduğu, değişebilirliğin, dinamizmin, dönüşümün en yüksek ifadesiydi, mucizeler dışsal değil, tamamen dekoratif unsurlardı, ancak yaşamın vazgeçilmez bir parçasını oluşturuyordu. sanatsal sistem

Opera.

Opera türü en çok İtalya'da popülerdi. İnanılmaz, benzersiz bir fenomen olan çok sayıda opera binası açılıyor. Ağır kadife ile kaplanmış, bir bariyer parter ile çitle çevrilmiş sayısız kutu (o zamanlar oturdukları yerde değil) 3 opera mevsiminde şehrin neredeyse tüm nüfusu toplandı. Localar tüm sezon boyunca soylu isimler tarafından satın alındı, sıradan insanlar tezgahlarda kalabalıktı, bazen ücretsiz olarak kabul edildi - ama sürekli bir kutlama atmosferinde herkes rahat hissetti. Kutularda "Firavun" oyunu için büfeler, kanepeler, kart masaları vardı; her biri yemeklerin hazırlandığı özel odalara bağlandı. Seyirciler misafirmiş gibi komşu kutulara gittiler; Burada tanıdıklar yapıldı, aşklar başladı, en son haberler değiş tokuş edildi, büyük paralar için bir kart oyunu yapıldı vb. büyüleyici görme ve işitme. Antik çağın kahramanlarının cesareti ve cesareti, mitolojik karakterlerin masalsı maceraları, opera binasının neredeyse 100 yıllık varlığı boyunca elde edilen müzikal ve dekoratif tasarımın tüm ihtişamıyla hayran dinleyicilerin karşısına çıktı.

16. yüzyılın sonunda Floransa'da hümanist bilginler, şairler ve bestecilerden oluşan bir çevrede ("kamera") ortaya çıkan opera, kısa sürede İtalya'nın önde gelen müzik türü haline geldi. Mantua ve Venedik'te çalışan K. Monteverdi, operanın gelişmesinde özellikle önemli rol oynamıştır. En ünlü sahne eserlerinden ikisi, Orpheus ve Poppea'nın Taç Giymesi, müzikal dramadaki şaşırtıcı mükemmellikleriyle dikkat çekiyor. Monteverdi'nin yaşamı boyunca, Venedik'te F. Cavalli ve M. Chesti tarafından yönetilen yeni bir opera okulu ortaya çıktı. 1637'de Venedik'te San Cassiano'nun ilk halka açık tiyatrosunun açılmasıyla, bilet alan herkesin operayı izlemesi mümkün oldu. Yavaş yavaş, sahne eyleminde, opera türünün kaşiflerine ilham veren eski basitlik ve doğallık ideallerinin zararına, muhteşem, dışa dönük muhteşem anların önemi artar. Sahneleme tekniği, kahramanların en fantastik maceralarını sahnede somutlaştırmayı mümkün kılan, gemi enkazlarına, havada uçmaya vb. İtalyan tiyatrolarında oval şekildeydi) izleyiciyi masal saraylarına ve denize, gizemli zindanlara ve büyülü bahçelere taşıdı.

Aynı zamanda, operaların müziğinde, solo vokal başlangıcına giderek daha fazla vurgu yapıldı ve ifade unsurlarının geri kalanını kendisine tabi tuttu; daha sonra bu, kaçınılmaz olarak, kendi kendine yeterli vokal virtüözitesine ve solo şarkıcıların olağanüstü vokal yeteneklerini göstermek için genellikle sadece bir bahane haline gelen dramatik aksiyon geriliminde bir azalmaya yol açtı. Geleneklere uygun olarak, kastrati şarkıcılar hem erkek hem de kadın parçaları solist olarak seslendirdiler. Performansları, erkek seslerinin gücü ve parlaklığı ile kadın seslerinin hafifliği ve hareketliliğini birleştirdi. Cesur ve kahraman makyajlı partilerde yüksek seslerin bu şekilde kullanılması o zamanlar gelenekseldi ve doğal olmayan olarak algılanmıyordu; sadece kadınların operada gösteri yapmasının resmen yasak olduğu papalık Roma'da değil, aynı zamanda İtalya'nın diğer şehirlerinde de yaygındır.

17. yüzyılın ikinci yarısından itibaren. İtalyan müzikal tiyatro tarihindeki başrol, Napoliten operasına geçer. Napoliten besteciler tarafından geliştirilen opera tiyatrosunun ilkeleri evrensel hale gelir ve Napoli operası ülke çapındaki İtalyan opera dizisi türüyle özdeşleştirilir. Napoliten opera okulunun gelişiminde büyük bir rol, yetimhanelerden özel müzik eğitim kurumlarına kadar büyüyen konservatuarlar tarafından oynandı. Havada, suda, gürültülü kalabalık yerlerde ve yankının şarkıcıyı kontrol ediyor gibi göründüğü yerlerde, şarkıcılarla yapılan derslere özellikle dikkat ettiler. Uzun bir parlak virtüöz vokal grubu - konservatuarların öğrencileri - İtalyan müziğinin ve "güzel şarkı söylemenin" (bel canto) ihtişamını tüm dünyaya yaydı. Napoli operası için, kalıcı bir profesyonel personel rezervi oluşturan konservatuarlar, yaratıcı yenilenmesinin anahtarıydı. Barok döneminin birçok İtalyan opera bestecisi arasında en göze çarpanı Claudio Monteverdi'nin eseriydi. Daha sonraki çalışmalarında, opera tiyatrosunun temel ilkeleri ve opera solo şarkı söylemenin çeşitli biçimleri geliştirildi ve bunu 17. yüzyılın İtalyan bestecilerinin çoğu izledi.

Ulusal İngiliz operasının orijinal ve tek yaratıcısı Henry Purcell'di. Aralarında tek operanın Dido ve Aeneas olduğu çok sayıda tiyatro eseri yazmıştır. "Dido ve Aeneas", dramatik aksiyonun baştan sona müziğe ayarlandığı, sözlü bölümleri ve diyalogları olmayan neredeyse tek İngiliz operasıdır. Purcell'in diğer tüm müzikal ve tiyatro eserleri, konuşma diyalogları içerir (zamanımızda bu tür eserlere "müzikal" denir).

"Opera onun keyifli meskeni, dönüşümler diyarıdır; göz açıp kapayıncaya kadar insanlar tanrı olur ve tanrılar insan olur. Orada yolcunun ülkeyi dolaşması gerekmez, çünkü ülkeler onun önünde seyahat eder. Korkunç çölde canınız mı sıkılıyor?Bir anda bir düdük sesi sizi İdil bahçelerine götürür, bir diğeri sizi cehennemden tanrıların meskenine getirir: bir başkası - ve kendinizi periler kampında bulursunuz.Opera perileri adeta büyülüyor. peri masallarımızdaki periler gibi, ama onların sanatı daha doğal ... "(Dufreni).

"Opera, muhteşem olduğu kadar tuhaf, gözlerin ve kulakların zihinden daha tatmin olduğu, müziğe boyun eğmenin gülünç saçmalıklara yol açtığı, şehir yıkılırken aryaların söylendiği, mezarın etrafında dans edilen bir gösteridir; Plüton'un ve Güneş'in saraylarının görülebildiği ve tanrıların, iblislerin, büyücülerin, canavarların, büyücülüğün, göz açıp kapayıncaya kadar yıkılan sarayların olduğu. Bu tür tuhaflıklara göz yumuluyor ve hatta hayran olunuyor, çünkü opera perilerin ülkesidir " (Voltaire, 1712).

oratoryo

Manevi olan da dahil olmak üzere oratoryo, çağdaşlar tarafından genellikle kostüm ve süslemesiz bir opera olarak algılandı. Bununla birlikte, tapınağın kendisinin ve rahiplerin kıyafetlerinin dekorasyon ve kostüm görevi gördüğü kiliselerde kült oratoryolar ve tutkular duyuldu.

Oratoryo, her şeyden önce manevi bir türdü. Oratorio kelimesinin kendisi (o. Oratorio) geç Latin oratoryumdan - "dua odası" ve Latin oratoryumdan - "Diyorum ki, dua ediyorum." Oratoryo, opera ve kantatla aynı anda, ancak tapınakta doğdu. Selefi ayin dramasıydı. Bu kilise eyleminin gelişimi iki yöne gitti. Bir yandan, giderek daha yaygın bir karakter kazanarak, yavaş yavaş komik bir performansa dönüştü. Öte yandan, Tanrı ile dua iletişiminin ciddiyetini her zaman koruma arzusu, en gelişmiş ve dramatik arsa ile bile statik bir performansa doğru itildi. Bu sonuçta oratoryonun bağımsız, önce tamamen tapınak ve sonra konser türü olarak ortaya çıkmasına neden oldu.

Müzik Ortaçağ - gelişme dönemimüzik kültürü, yaklaşık bir süre alarak V ila XIV yüzyıllar M.S. ...
Avrupa'da Orta Çağ boyunca yeni bir müzik kültürü türü oluşuyor - feodal profesyonel sanat, amatör müzik yapımı ve folklor. kiliseden beri manevi yaşamın tüm alanlarına hakimdir, profesyonel müzik sanatının temeli, müzisyenlerin tapınaklar ve manastırlar ... Laik profesyonel sanat ilk başta yalnızca sarayda, soyluların evlerinde, askerler arasında vb. destansı masallar yaratan ve icra eden şarkıcılar tarafından temsil edilir ( ozanlar ve benzeri.). Zamanla, amatör ve yarı profesyonel müzik yapma biçimleri gelişir.şövalyelik: Fransa'da - ozan ve trouvers sanatı (Adam de la Hal, XIII yüzyıl), Almanya'da - minnesingers ( Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII - XIII yüzyıllar ), hem de kentsel zanaatkarlar. feodal kalelerde ve şehirlerde her türlü cins yetiştirilir,şarkı türleri ve biçimleri (epik, "şafak", rondo, le, viirele, baladlar, canzones, laudas, vb.).
Günlük hayata yenileri giriyormüzik Enstrümanlarıgelenler de dahil Doğu (viyola, ud vb.), topluluklar (kararsız kompozisyonlar) görünür. Köylü ortamında folklor gelişir. Bir de "insanların profesyonelleri" vardır: hikaye anlatıcıları , gezici sentetik sanatçılar ( hokkabazlar, pandomimciler, ozanlar, spielmanlar, soytarılar ). Müzik yine esas olarak uygulamalı ve manevi-pratik işlevleri yerine getirir. Yaratıcılık birlikte hareket ederverim(genellikle bir kişide).
Müziğin hem içeriğinde hem de biçiminde hakimdir. kolektivite ; bireysel ilke, genele, ondan öne çıkmadan itaat eder (usta müzisyen en iyi temsilcidir topluluklar ). Her şeyde katı kurallar hüküm sürer gelenek ve kanoniklik ... Konsolidasyon, koruma ve dağıtım gelenekler ve standartlar.
Yavaş yavaş da olsa müziğin içeriği zenginleşir, türler, formlar , ifade aracı. V 6. - 7. yüzyıllardan Batı Avrupa ... sıkı bir şekilde düzenlenmiş bir sistem oluşturuluyor monofonik (monodik ) kilise müziğine dayalı diyatonik modlar ( Gregoryen ilahi), ezberden okuma (mezmur) ve şarkı söylemeyi (ilahiler) birleştirmek ). 1. ve 2. bin yılın başında, polifoni ... Yeni vokal (koro ) ve vokal-enstrümantal (koro ve organ) türler: organum, motet, iletim, sonra kütle. XII.Yüzyılda Fransa'da ilk beste (yaratıcı) okulu Notre Dame Katedrali(Leonin, Perotin). Rönesans'ın başında (Fransa ve İtalya'da ars nova tarzı, XIV. profesyonel müzikmonofoni yerini aldı polifoni , müzik yavaş yavaş kendini tamamen pratik işlevlerden kurtarmaya başlar (kiliseye hizmet etmek). ayinler ), değeri laik şarkı dahil türler ( Guillaume de Machaut).

Canlanma.

XV-XVII yüzyıllarda müzik.
Orta Çağ'da müzik Kilise'nin ayrıcalığıydı, bu nedenle çoğu müzik eseri, Hıristiyanlığın en başından beri itirafın bir parçası olan kilise ilahilerine (Gregoryen ilahi) dayalı kutsaldı. 17. yüzyılın başında, Papa I. Gregory'nin doğrudan katılımıyla kült ezgiler nihayet kanonlaştı. Gregoryen ilahisi profesyonel şarkıcılar tarafından yapıldı. Çok sesliliğin kilise müziği tarafından geliştirilmesinden sonra, Gregoryen ilahisi çok sesli kült eserlerin (kitleler, motetler, vb.) Tematik temeli olarak kaldı.

Orta Çağ'ı, müzisyenler için bir keşif, yenilik ve araştırma çağı, müzik ve resimden astronomi ve matematiğe kadar yaşamın tüm kültürel ve bilimsel tezahürlerinin bir rönesans çağı olan Rönesans izledi.
Müzik büyük ölçüde dini kalmasına rağmen, kilisenin toplum üzerindeki kontrolünün gevşemesi, besteciler ve icracılar için yeteneklerini ifade etmeleri için daha fazla özgürlük açtı.
Matbaanın icadı ile notaların basılması ve dağıtılması mümkün hale geldi ve bu andan itibaren klasik müzik dediğimiz şey başlıyor.
Bu dönemde yeni müzik aletleri ortaya çıktı. En popülerleri, müzik severlerin özel beceriler gerektirmeden kolayca ve basit bir şekilde çalabilecekleri enstrümanlardı.
Bu sırada viyola ortaya çıktı - kemanın öncüsü. Perdeler (boyundaki ahşap şeritler) sayesinde çalması kolaydı ve sesi sessiz, yumuşaktı ve küçük salonlarda kulağa hoş geliyordu.
Üflemeli çalgılar da popülerdi - blok flüt, flüt ve korna. En zor müzik yeni oluşturulan klavsen, virginela (küçük boy İngiliz klavsen) ve org için yazılmıştır. Aynı zamanda müzisyenler, yüksek performans gerektirmeyen daha basit müzik bestelemeyi de unutmadılar. Aynı zamanda, müzik notasyonunda da değişiklikler oldu: ağır ahşap baskı blokları, İtalyan Ottaviano Petrucci tarafından icat edilen hareketli metal harflerle değiştirildi. Yayınlanan müzik eserleri hızla tükendi, giderek daha fazla insan müzikle ilgilenmeye başladı.
Rönesans'ın sonu, müzik tarihindeki en önemli olay olan operanın doğuşuyla işaretlendi. Bir grup hümanist, müzisyen ve şair, liderleri Kont Giovani De Bardi'nin (1534-1612) himayesinde Floransa'da toplandı. Grubun adı "Camerata"ydı, ana üyeleri genç yaşlarında Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (astronom Galileo Galilei'nin babası), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri ve Ottavio Rinuccini idi.
Grubun ilk belgelenmiş toplantısı 1573'te gerçekleşti ve en aktif çalışma yılları "Floransalı Kamera "1577 - 1582 idi. Müziğin" bozulduğuna " inanıyorlardı ve müzik sanatının geliştirilebileceğine ve buna bağlı olarak toplumun da gelişeceğine inanarak eski Yunanistan'ın biçim ve tarzına geri dönmeye çalıştılar. Camerata mevcut müziği aşırı kullanım için eleştirdi. Metnin anlaşılırlığı ve şiirsel bileşeninin kaybı pahasına çoksesliliği ortadan kaldırmış ve monodik üsluptaki metne enstrümantal müziğin eşlik ettiği yeni bir müzik üslubu yaratmayı önermiştir. vokal-müzikal form - ilk önce Emilio de Cavalieri tarafından kullanılan, daha sonra doğrudan operanın gelişimi ile ilgili olan resitatif.
Resmi olarak tanınan ilkopera Modern standartlara uygun olan "Daphne" operası ilk kez 1598'de sunuldu. "Daphne"nin yazarları Ottavio Rinuccini'nin librettosu Jacopo Peri ve Jacopo Corsi idi. Bu opera günümüze ulaşmamıştır. Hayatta kalan ilk opera, aynı yazarlar tarafından Eurydice (1600) - jacopo peri ve Ottavio Rinuccini. Bu yaratıcı birliktelik hala çoğu kaybolmuş birçok eser yarattı.

Erken Barok Müzik (1600-1654)

İtalyan besteci Claudio Monteverdi'nin (1567-1643) resitatif tarzını yaratması ve İtalyan operasının tutarlı gelişimi, Barok ve Rönesans dönemleri arasında şartlı bir geçiş noktası olarak kabul edilebilir. Roma'da ve özellikle Venedik'te opera gösterilerinin başlaması, yeni türün ülke genelinde tanınması ve yayılması anlamına geliyordu. Bütün bunlar, tüm sanatları kapsayan ve özellikle mimari ve resimde canlı bir şekilde tezahür eden daha büyük bir sürecin sadece bir parçasıydı.
Rönesans bestecileri, bir müzik parçasının her bir bölümünün detaylandırılmasına dikkat ettiler, bu bölümlerin yan yana gelmesine neredeyse hiç dikkat etmediler. Bireysel olarak, her parça kulağa harika gelebilir, ancak eklemenin uyumlu sonucu bir kuraldan çok bir şans meselesiydi. Figürlü basların ortaya çıkışı, müzikal düşüncede önemli bir değişikliğe işaret etti - yani "parçaları bir araya getirmek" olan armoni, melodik parçalar (polifoni) kadar önemlidir. Gittikçe daha fazla, polifoni ve armoni, aynı sesli müzik besteleme fikrinin iki yüzü gibi görünüyordu: beste yaparken, uyumsuzluk yaratırken harmonik dizilere tritonlarla aynı dikkat verildi. Uyumlu düşünce, önceki dönemin bazı bestecileri arasında da vardı, örneğin Carlo Gesualdo, ancak Barok döneminde genel olarak kabul edildi.
Eserlerin kipliği tonaliteden açıkça ayırmanın mümkün olmadığı kısımlarını, karışık majör veya karışık minör olarak işaretledi (daha sonra bu kavramlar için sırasıyla "monal majör" ve "monal minör" terimlerini tanıttı). Tablo, zaten erken Barok döneminde olan ton uyumunun, önceki dönemin uyumunun pratik olarak yerini aldığını göstermektedir.
İtalya yeni bir tarzın merkezi haline geliyor. Papalık, reforma karşı mücadele tarafından ele geçirilmiş, ancak yine de Habsburgların askeri kampanyalarıyla yenilenen muazzam mali kaynaklara sahip olmasına rağmen, kültürel nüfuzunu genişleterek Katolik inancını yaymak için fırsatlar arıyordu. Mimarinin, güzel sanatların ve müziğin ihtişamı, ihtişamı ve karmaşıklığı ile Katoliklik, çileci Protestanlıkla tartışıyor gibiydi. Zengin İtalyan cumhuriyetleri ve beylikleri de güzel sanatlarda şiddetli bir rekabet içindeydiler. Müzik sanatının önemli merkezlerinden biri, o zamanlar hem laik hem de dini himaye altında olan Venedik'ti.
Protestanlığın artan ideolojik, kültürel ve sosyal etkisine karşı çıkan, Katolikliğin yanında yer alan erken Barok döneminin önemli bir figürü Giovanni Gabrieli idi. Eserleri "Yüksek Rönesans" tarzına (Rönesans'ın en parlak dönemi) aittir. Ancak enstrümantasyon alanındaki bazı yenilikleri (belirli bir enstrümanı kendi özel görevlerine ataması), yeni bir üslubun ortaya çıkmasına etki eden bestecilerden biri olduğunu açıkça göstermektedir.
Kilisenin kutsal müzik bestelemek için gereksinimlerinden biri de sesli eserlerdeki metinlerin okunaklı olmasıydı. Bu, çok seslilikten sözcüklerin ön plana çıktığı müzikal tekniklere geçişi gerektirdi. Vokaller, eşlikle karşılaştırıldığında daha karmaşık, gösterişli hale geldi. Homofoni bu şekilde gelişti.
Monteverde Claudio(1567-1643), İtalyan besteci. Hiçbir şey onu, dış dünyayla dramatik çarpışmalarında ve çatışmalarında bir kişinin iç, zihinsel dünyasının teşhirinden daha fazla çekmedi. Monteverdi, trajik bir planın çatışma dramasının gerçek kurucusudur. O, insan ruhlarının gerçek bir şarkıcısıdır. Müziğin doğal ifadesi için ısrarla çabaladı. "İnsan konuşması uyumun hükümdarıdır, hizmetkarı değil."
Orpheus (1607) - Operanın müziği, trajik kahramanın iç dünyasını ortaya çıkarmaya odaklanmıştır. Onun rolü alışılmadık derecede çok yönlüdür, çeşitli duygusal olarak etkileyici akımlar ve tür çizgileri içinde birleşir. Yerli ormanlarına ve kıyılarına coşkuyla hitap ediyor veya halk tarzının sanatsız şarkılarında Eurydice'sinin kaybının yasını tutuyor.

Olgun Barok Müzik (1654-1707)

Avrupa'da üstün gücün merkezileşmesi dönemine genellikle Mutlakiyet denir. Mutlakiyetçilik, Fransız kralı Louis XIV döneminde doruğa ulaştı. Louis'in sarayı tüm Avrupa için bir rol modeldi. Mahkemede gerçekleştirilen müzik dahil. Müzik aletlerinin (özellikle klavyelerin) artan mevcudiyeti, oda müziğinin gelişimine ivme kazandırdı.
Olgun barok, yeni üslubun yaygın olarak yayılması ve özellikle operada müzikal formların artan şekilde ayrılmasıyla erken baroktan farklıdır. Literatürde olduğu gibi, akışlı müzik baskısının ortaya çıkışı, genişleyen bir izleyici kitlesine yol açtı; müzik kültürünün merkezleri arasında artan alışveriş.
Louis XIV mahkemesinin mahkeme bestecilerinin seçkin bir temsilcisi, Giovanni Battista Lully (1632-1687). Zaten 21 yaşındayken "enstrümantal müziğin mahkeme bestecisi" unvanını aldı. Lully'nin yaratıcı çalışması, en başından beri tiyatro ile yakından ilişkilidir. Saray oda müziği organizasyonu ve "airs de cour" kompozisyonunun ardından bale müziği yazmaya başladı. Louis XIV, o zamanlar saray soylularının en sevdiği eğlence olan balelerde dans etti. Lully mükemmel bir dansçıydı. Kralla dans ederek prodüksiyonlara katılma şansı buldu. Oyunları için müzik yazdığı Moliere ile yaptığı işbirliğiyle tanınır. Ancak Lully'nin çalışmasındaki en önemli şey hala opera yazmaktı. Şaşırtıcı bir şekilde, Lully tam bir Fransız operası türü yarattı; Fransa'da sözde lirik trajedi (fr. tragedie lyrique) ve opera binasındaki çalışmalarının ilk yıllarında şüphesiz yaratıcı olgunluğa ulaştı. Lully genellikle orkestra bölümünün görkemli sesi ile basit alıntılar ve aryalar arasındaki karşıtlığı kullandı. Lully'nin müzik dili çok karmaşık değil, ama kuşkusuz yenidir: armoninin netliği, ritmik enerji, biçim ayrımının netliği, dokunun saflığı, eşsesli düşünme ilkelerinin zaferinden bahseder. Başarısını büyük ölçüde, orkestra için müzisyenleri seçme yeteneği ve onlarla yaptığı çalışmalar (provaları kendisi yürütmüştür) kolaylaştırmıştır. Çalışmalarının ayrılmaz bir parçası, armoni ve solo enstrümana dikkat etmekti.
İngiltere'de olgun Barok, Henry Purcell'in (1659-1695) parlak dehası tarafından işaretlendi. 36 yaşında genç yaşta öldü, çok sayıda eser yazdı ve yaşamı boyunca geniş çapta tanındı. Purcell, Corelli ve diğer İtalyan Barok bestecilerinin eserlerine aşinaydı. Bununla birlikte, patronları ve müşterileri İtalyan ve Fransız laik ve dini soylularından farklı türden insanlardı, bu nedenle Purcell'in yazıları İtalyan okulundan çok farklı. Purcell çok çeşitli türlerde çalıştı; basit dini ilahilerden marş müziğine, geniş formatlı vokal bestelerden sahne müziğine. Kataloğu 800'den fazla eser içeriyor. Purcell, etkisi modern zamanlara uzanan ilk klavye bestecilerinden biriydi.
Yukarıdaki bestecilerin aksine Dietrich Buxtehude (1637-1707) saray bestecisi değildi. Buxtehude önce Helsingborg'da (1657-1658), sonra Elsinore'de (1660-1668) ve daha sonra 1668'den başlayarak St. Lübeck'teki Mary. Eserlerini yayınlayarak değil, icra ederek kazandı ve kilise metinleri için müzik besteleyerek ve kendi org eserlerini icra ederek soyluların himayesini tercih etti. Ne yazık ki, bu bestecinin tüm eserleri günümüze ulaşmamıştır. Buxtehude'nin müziği büyük ölçüde fikirlerin ölçeği, hayal gücünün zenginliği ve özgürlüğü, acıma, drama, birkaç hitabet tonlaması üzerine kuruludur. Çalışmaları, J.S.Bach ve Telemann gibi besteciler üzerinde güçlü bir etkiye sahipti.

Geç Barok Müziği (1707-1760)

Olgun ve geç barok arasındaki kesin çizgi bir tartışma konusudur; 1680 ile 1720 arasında bir yerdedir. Tanımının karmaşıklığı, farklı ülkelerde stillerin eşzamansız olarak değiştirildiği gerçeğidir; bir yerde kural olarak kabul edilen yenilikler, başka bir yerde yeni buluntulardı.
Bir önceki dönem tarafından keşfedilen formlar olgunluğa ve büyük değişkenliğe ulaşmış; konser, süit, sonat, konçerto grosso, oratoryo, opera ve bale artık keskin bir şekilde ifade edilen ulusal özelliklere sahip değildi. Genel kabul görmüş çalışma şemaları yaygın olarak kabul edilmektedir: tekrar eden iki parçalı form (AABB), basit üç parçalı form (ABC) ve rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Venedik doğumlu İtalyan besteci. 1703'te bir Katolik rahibi olarak atandı. Vivaldi, enstrümantal türler (barok sonat ve barok konser) geliştirirken en önemli katkısını bu türlerde yaptı. Vivaldi 500'den fazla konser besteledi. Ünlü Mevsimler gibi bazı eserlerine de program adları verdi.
Domenico Scarlatti (1685-1757) zamanının önde gelen klavye bestecilerinden ve icracılarından biriydi. Ama belki de en ünlü saray bestecisi Georg Friedrich Handel (1685-1759). Almanya'da doğdu, üç yıl İtalya'da okudu, ancak 1711'de Londra'dan ayrıldı ve burada bağımsız bir opera bestecisi olarak parlak ve ticari olarak başarılı kariyerine başladı ve soyluların emirlerini yerine getirdi. Yorulmak bilmeyen bir enerjiyle, Handel diğer bestecilerin malzemelerini elden geçirdi ve kendi bestelerini sürekli olarak elden geçirdi. Örneğin ünlü Mesih hatipini o kadar çok revize etmesiyle tanınıyor ki, artık “otantik” denilebilecek bir versiyonu yok.
Ölümünden sonra, önde gelen bir Avrupa bestecisi olarak tanındı ve klasisizm çağının müzisyenleri tarafından incelendi. Handel, müziğinde zengin doğaçlama ve kontrpuan geleneklerini karıştırdı. Eserlerinde müzikli süsleme sanatı çok yüksek bir gelişme düzeyine ulaşmıştır. Diğer bestecilerin müziğini incelemek için tüm Avrupa'yı gezdi, bununla bağlantılı olarak diğer tarzların bestecileri arasında çok geniş bir tanıdık çevresi vardı.
Johann Sebastian Bach 21 Mart 1685'te Almanya'nın Eisenach şehrinde doğdu. Hayatı boyunca opera dışında çeşitli türlerde 1000'den fazla eser besteledi. Ancak yaşamı boyunca anlamlı bir başarı elde edemedi. Birçok kez hareket eden Bach, birbiri ardına çok yüksek olmayan bir pozisyon değiştirdi: Weimar'da Weimar Dükü Johann Ernst'in mahkeme müzisyeniydi, daha sonra St. Arnstadt'taki Boniface, birkaç yıl sonra St. Blasius, sadece bir yıl kadar çalıştığı Mühlhausen'de, ardından Weimar'a döndü ve mahkeme orgcusu ve konser organizatörünün yerini aldı. Bu görevde dokuz yıl kaldı. 1717'de Anhalt-Köthen Dükü Leopold, Bach'ı Kapellmeister olarak işe aldı ve Bach Köthen'de yaşamaya ve çalışmaya başladı. 1723'te Bach, 1750'de ölümüne kadar kalacağı Leipzig'e taşındı. Hayatının son yıllarında ve Bach'ın ölümünden sonra, besteci olarak ünü azalmaya başladı: tarzı, filizlenen klasisizm ile karşılaştırıldığında eski moda olarak kabul edildi. Başta müziği daha iyi bilinen Karl Philip Emanuel olmak üzere Jr. Bachs'ın bir sanatçısı, öğretmeni ve babası olarak daha iyi tanındı ve hatırlandı.
JS Bach'ın ölümünden 79 yıl sonra Mendelssohn'un sadece St. Matthew Passion'ın performansı, çalışmalarına olan ilgiyi canlandırdı. Şimdi J.S.Bach en popüler bestecilerden biri
klasisizm
Klasisizm, 17. - 19. yüzyılın başlarında sanatta bir stil ve eğilimdir.
Bu kelime Latin classicus'tan geliyor - örnek. Klasisizm, varlığın rasyonelliğine, insan doğasının uyumlu olduğu inancına dayanıyordu. Klasikler, ideallerini en yüksek mükemmellik biçimi olarak kabul edilen antik sanatta gördüler.
On sekizinci yüzyılda, sosyal bilincin gelişiminde yeni bir aşama başlıyor - Aydınlanma Çağı. Eski toplumsal düzen yıkılıyor; insan onuruna saygı, özgürlük ve mutluluğa saygı fikirleri çok önemlidir; kişi bağımsızlık ve olgunluk kazanır, aklını ve eleştirel düşüncesini kullanır. Görkemi, ihtişamı ve ihtişamıyla Barok döneminin idealleri, yerini doğallık ve sadeliğe dayalı yeni bir yaşam tarzına bırakıyor. Doğaya, doğal erdeme ve özgürlüğe dönüş çağrısı yapan Jean-Jacques Rousseau'nun idealist görüşlerinin zamanı geliyor. Doğa ile birlikte, Antik Çağ idealleştirilir, çünkü Antik Çağ günlerinde insanların tüm insan özlemlerini somutlaştırmayı başardığına inanılır. Antik sanata klasik denir, örnek teşkil eden, en doğru, mükemmel, uyumlu olarak kabul edilir ve Barok dönemi sanatının aksine basit ve anlaşılır olarak kabul edilir. Dikkatin merkezinde, diğer önemli hususlarla birlikte eğitim, sıradan insanların sosyal düzendeki konumu, bir insan malı olarak deha yer almaktadır.

Akıl sanatta da hüküm sürer. Fransız filozof ve eğitimci Denis Diderot, sanatın yüksek amacını, toplumsal ve sivil rolünü vurgulamak isteyen şöyle yazmıştı: "Her heykel ya da resim eseri hayatın büyük bir kuralını ifade etmeli, öğretmelidir."

Tiyatro aynı zamanda bir yaşam ders kitabı ve yaşamın kendisiydi. Ayrıca tiyatroda aksiyon oldukça düzenli ve ölçülüdür; her şeyin yerli yerinde olduğu ve mantıksal yasalara tabi olduğu 18. yüzyıl için çok değerli bir sanat ideali yaratarak, sırayla karakterlerin ayrı kopyalarına bölünen eylemlere ve sahnelere bölünmüştür.
Klasisizm müziği son derece teatraldir; tiyatro sanatını kopyalıyor, taklit ediyor gibi görünüyor.
Klasik bir sonatın ve bir senfoninin büyük bölümlere bölünmesi - her biri birçok müzikal "olayın" gerçekleştiği bölümler, bir performansı eylemlere ve sahnelere bölmeye benzer.
Klasik çağın müziğinde, genellikle bir olay örgüsü ima edilir, seyircinin önünde bir tiyatro eyleminin seyircinin önünde açılmasıyla aynı şekilde ortaya çıkan bir tür eylem.
Dinleyicinin yalnızca hayal gücünü açması ve klasik bir komedi veya trajedinin karakterlerini "müzikal elbise" içinde tanıması gerekir.
Tiyatro sanatı aynı zamanda 18. yüzyılda müzik performansında meydana gelen büyük değişiklikleri açıklamaya da yardımcı olur. Daha önce, müziğin çaldığı ana yer tapınaktı: İçinde bir kişi aşağıdaydı, müziğin ona bakmasına ve düşüncelerini Tanrı'ya adamasına yardım ettiği görülüyordu. Şimdi, 18. yüzyılda, aristokrat salonda, soylu bir mülkün balo salonunda veya şehir meydanında müzik çalınıyor. Aydınlanma Çağı'nın dinleyicisi, "sizin üzerinizde" müzikle uğraşıyor gibi görünüyor ve tapınakta sesini duyduğunda ona ilham verdiği haz ve çekingenliği artık yaşamıyor.
Orgun güçlü, ciddi sesi artık müzikte yok, koronun rolü azaldı. Klasik tarzdaki müzik kulağa kolay geliyor, çok daha az sesi var, sanki geçmişin ağır, çok katmanlı müziğinden "daha hafif" gibi. Orgun ve koro sesinin yerini bir senfoni orkestrasının sesi aldı; yüce aryalar yerini hafif, ritmik ve dans edilebilir müziğe bıraktı.
İnsan zihninin olanaklarına ve bilginin gücüne olan sınırsız inanç sayesinde 18. yüzyıl, Akıl Çağı veya Aydınlanma Çağı olarak anılmaya başlandı.
Klasisizmin en parlak dönemi on sekizinci yüzyılın 80'lerinde geliyor. 1781'de J. Haydn, Yaylı Çalgılar Dörtlüsü, op. 33; operanın prömiyeri V.A. Mozart'ın Saraydan Kaçırma; F. Schiller'in "The Robbers" ve I. Kant'ın "Critique of Pure Reason" adlı dramaları yayımlandı.

Klasik dönemin en parlak temsilcileri Viyana Klasik Okulu'nun bestecileridir. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart ve Ludwig van Beethoven... Sanatları, besteleme tekniğinin mükemmelliği, yaratıcılığın hümanist yönelimi ve özellikle W.A.Mozart'ın müziğinde somut olan, müzik aracılığıyla mükemmel güzelliği sergileme arzusuyla keyif alır.

Viyana Klasik Okulu kavramı, L. Beethoven'ın ölümünden kısa bir süre sonra ortaya çıktı. Klasik sanat, duygular ile akıl, biçim ve içerik arasındaki hassas denge ile ayırt edilir. Rönesans müziği çağının ruhunu ve nefesini yansıtıyordu; Barok çağda insan halleri müzikte sergilenmeye konu oldu; Klasisizm çağının müziği, bir kişinin eylemlerini ve eylemlerini, yaşadığı duygu ve hisleri, özenli ve bütünsel bir insan zihnini yüceltir.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Tüm zamanların en büyük yaratıcısı olarak kabul edilen bir Alman besteci.
Çalışmaları hem klasisizm hem de romantizme aittir.
Selefi Mozart'ın aksine, Beethoven beste yapmakta zorlandı. Beethoven'ın not defterleri, ikna edici bir yapım mantığı ve nadir güzellikle işaretlenmiş, belirsiz eskizlerden adım adım görkemli bir kompozisyonun nasıl yavaş yavaş ortaya çıktığını gösteriyor. Beethoven'ın büyüklüğünün ana kaynağı mantıktır, zıt öğeleri monolitik bir bütün halinde düzenleme konusundaki eşsiz yeteneğidir. Beethoven, form bölümleri arasındaki geleneksel duraklamaları siler, simetriden kaçınır, döngünün parçalarını birleştirir, ilk bakışta ilginç hiçbir şey içermeyen tematik ve ritmik motiflerden genişletilmiş yapılar geliştirir. Başka bir deyişle Beethoven, kendi iradesiyle, aklın gücüyle müzikal mekan yaratır. 19. yüzyılın müzik sanatı için belirleyici olan bu sanatsal eğilimleri öngördü ve yarattı.

Romantizm.
şartlı 1800-1910 kapsar
Romantik besteciler, kişinin iç dünyasının derinliğini ve zenginliğini müzikal araçlar yardımıyla ifade etmeye çalışmışlardır. Müzik daha canlı, bireysel hale gelir. Baladlar da dahil olmak üzere şarkı türleri gelişiyor.
Müzikte romantizmin ana temsilcileri şunlardır: Avusturya - Franz Schubert ; Almanyada - Ernest Theodor Hoffmann, Karl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; v
vesaire.................