Modern sanatlar ve el sanatları. Halk dekoratif sanatının bir eseri: türleri Dizin php showtopic halk sanatları ve el sanatları

Ülkemizde halk süsleme sanatı halk kültürünün organik bir parçasıdır. Şiirsel görüntüler, onun doğasında bulunan duygular, tüm insanlar için sevgili ve anlaşılabilir. Bir güzellik duygusu aşılar, uyumlu bir şekilde gelişmiş bir kişilik oluşturmaya yardımcı olur. Dekoratif sanatın köklü bir sanat geleneğine dayanması, geleceğin insanının eğitiminde olumlu bir etkiye sahiptir. Ustalar tarafından halktan yaratılan eserler, anavatan sevgisinin, çevredeki dünyanın güzelliğini görme ve anlama yeteneğinin bir yansımasıdır.

Dekoratif sanatın ana çeşitleri

Yüzyıllar boyunca köylü ailelerinde ev üretimi ve 18.-19. yüzyıllardan itibaren el sanatları, şehirlere ve köylere kil, ahşap ve metalden yapılmış çeşitli mutfak eşyaları, baskılı kumaşlar, seramik ve ahşap oyuncaklar, halılar vb. ahşap üzerine neşe, kilden Dymkovo figürinler ve düdükler, Lukutin boyalı lake kutular. Bu öğelerin her biri bir halk dekoratif sanatı eseridir. Ahşap altın - Khokhloma tablosu - Rusya'da ve yurtdışında büyük ilgi görüyor.

Uzak Doğu'da, Rusya'nın Kuzeyinde, Sibirya'da ve Kafkasya'da orijinal el sanatları vardı. Dağıstan Kubachi'de metal işleme, Balhara'da seramik boyama ve gümüş Untsukul ile ahşap oymacılığı ün kazandı. Çeşitleri çok çeşitli olan halk süsleme sanatı, geniş ülkemizin farklı yerlerinde temsil edilmektedir.

Vologda dantel - halk dekoratif sanatı

Vologda danteli, 18. yüzyılın sonunda Avrupa başkentlerinde popülerlik kazandı. Ve zamanımızda, birçok yabancı yanlışlıkla Rusya'daki dantellerin sadece Vologda'da dokunduğuna inanıyor. Aslında Yelets, Kirishi ve Vyatka'nın da ürünleriyle gurur duymak için nedenleri var. Hemen hemen hepsinin kendine has özellikleri var. Yani, Mikhailov'un renkli bağları çok ilginç. Ülkemizde Vologda'dan daha az popülerlik kazanmadılar. Bununla birlikte, yüzlerce yıl önce olduğu gibi, insanlar kar beyazı bir mucize için Vologda'ya giderler.

ajur oymacılığı

Ajur oymacılığı küçük kemik nesneleri süslüyor: kutular, tabutlar, kolyeler, broşlar. Halk dekoratif sanatının bir eseri - kemik danteli - ajur oymacılığına şiirsel olarak böyle denir.

En yaygın olanı, kemiğin kesilmesi durumunda üç tür süslemedir:

• Geometrik - düz ve eğri çizgilerden oluşan bir ağ.
• Sebze.
• Rocaille - bir deniz kabuğu şeklinin stilizasyonu.

Ajur oyma tekniği, süsleme ve arsaya dayalı kompozisyonlar oluşturmak için kullanılır. Hammadde sıradan bir inek kemiğidir.

Ajur oymacılığındaki ince işler özel aletler gerektirir: iğne eğeleri, gravür makineleri, perçinler, dekupaj testereleri.

boncuk

Boncuklar, tıpkı boncukların kendileri gibi, yüzyıllardan kalma tarihle gurur duyabilir. Eski Mısır sakinleri, küçük renkli cam toplara dayanan karmaşık dokuma kolye sanatında ustalaşan ve onlarla giysiler süsleyen ilk kişilerdi. Ancak, boncuk üretimi 10. yüzyılda gerçekten gelişti. Venedik sakinleri uzun yıllar zanaatkarlığın sırlarını özenle sakladılar. Çantalar ve el çantaları, ayakkabılar, giysiler ve diğer zarif şeyler lüks boncuklarla süslendi.

Amerika'da boncuklar ortaya çıktığında, yerliler tarafından kullanılan geleneksel malzemelerin yerini aldı. Burada beşikleri, sepetleri, küpeleri, enfiye kutularını bitirdiler.

Uzak Kuzey halkları, boncuk işlemeli yüksek kürklü çizmeler, kürk mantolar, ren geyiği koşum takımı ve şapkalarla süslenmiştir.

Batik

Batik - sabitleme bileşikleri kullanarak kendin yap kumaş boyama. Teknik, bir kumaşa uygulandığında kauçuk yapıştırıcının, parafinin, boyanın geçmesine izin vermediği gözlemine dayanmaktadır.

Birkaç çeşit batik vardır - nodüler, sıcak, shibori, soğuk.

"Batik" adı, "çizmek", "kapak", "damlalarla örtmek" anlamına gelen Endonezyaca'dır.

Bu resim eski zamanlardan beri Hindistan ve Endonezya halkları tarafından kullanılmaktadır. Batik, 20. yüzyılda Avrupa'ya geldi.

tablo

Resim, dekoratif sanatın en eski biçimlerinden biridir. Yüzyıllar boyunca insanların özgün kültürünün ve yaşamının organik bir parçası olmuştur. Bu tür dekoratif sanat yaygındır.

İşte bazı resim türleri:

• Zhostovo resmi, 19. yüzyılda Moskova'dan çok uzak olmayan Zhostovo köyünde ortaya çıkan tanınmış bir Rus sanatıdır. Rus halk resminin yaratıldığı en popüler el sanatlarına aittir. Ünlü Zhostovo tepsileri elle boyanmıştır. Çoğu zaman, çiçek buketleri siyah bir arka plan üzerinde tasvir edilir.
• Gorodets boyama, 19. yüzyılın ortalarında Gorodets şehrinde ortaya çıkan bir zanaattır. Resim parlak ve özlü. Temaları at figürleri, tür sahneleri, çiçek desenleridir. Süslü kapılar, panjurlar, mobilyalar, çıkrıklar.
• Khokhloma resmi, en eski halk el sanatlarından biridir. 17. yüzyılda Nizhny Novgorod'dan çok uzak olmayan Khokhloma'da ortaya çıktı. Khokhloma boyama - siyah, kırmızı, daha az sıklıkla yeşil altın bir arka plan üzerinde yapılmış ahşap nesnelerin dekoratif boyaması. Desen çizildikten sonra, ürün özel bir bileşim ile kaplanır ve benzersiz bir bal-altın rengi elde etmenizi sağlayan bir fırında üç kez işlenir. Khokhloma için geleneksel olan üvez ve kırmızı çilekler, dallar ve çiçeklerdir. Kompozisyonlarda genellikle hayvanlar, balıklar ve kuşlar yer alır ve yapılanları gerçek bir halk dekoratif sanatı eserine dönüştürür. Ahşap altın - Khokhloma resmine genellikle böyle denir.

Anaokulunda çocukların gelişimi için kullanılan çeşitli el sanatlarını tanıyalım.

dimkovo oyuncak

Kirov ustalarının ürünleri, parlak desenler, standart olmayan oranlar ve şekillerle etkileyicidir. Herkes zarif, harika dekore edilmiş ve boyanmış bayanlar-francihi, midilli, horoz, keçi ile sevinir. İlk Dymkovo oyuncakları 1811'de ortaya çıktı. Vyatka tatilinde resimli kil bebekler satıldı. Kil oyuncaklar Dymkovo köyünden ustalar tarafından yapılmıştır. Aileleriyle birlikte yaptılar.

Şimdi Kirov'da Dymkovo oyuncakları üreten bir fabrika faaliyet gösteriyor.

Filimonov oyuncak

Harika kil oyuncakların doğduğu Tula yakınlarındaki Filimonovo köyünde halk sanatının merkezi daha az ünlü değil. Zanaatkarlar tarafından yapılan insanlar ve hayvanlar, tuhaf biçimleri ve büyük ifadeleriyle ayırt edilir. Bunlar köylü kadınlar, hanımlar, askerler, inekler, atlılar, koyunlardır. Filimonovo oyuncakları, modelleme ve boyama şeklinde kendi benzersiz özelliklerini taşıdıkları için başkalarıyla karıştırılamaz. Gökkuşağının tüm renkleri ile oynuyorlar.

Standart olmayan bir renk ve şekle sahip bir Filimonovo oyuncağını gören bir çocuk yaratıcılığını uyandırır.

Kargopol oyuncak

Kargopol, sakinleri uzun zamandır çömlekçilik yapan antik bir şehirdir. Çoğunlukla yemek yaptılar, ancak bazı ustalar kil oyuncaklarla uğraştı. Doğru, 1930'da balıkçılık düşüşe geçti. Kargopol atölyelerinin restorasyonu 1967'de gerçekleşti.

Kargopol oyuncakları, parlak Dymkovo ve Filimonovo oyuncaklarının fonunda daha sıkı görünüyor. Renk yelpazesi kahverengi, siyah ve koyu yeşildir. Burada çok sayıda komik görüntü var, basit ama aynı zamanda sıcaklık ve mizah nefes alıyor. Bunlar köylü kadınlar, sakallı erkekler, çıkrıklı bebekler.

Gzhel yemekleri

Moskova'dan çok uzak olmayan Gzhel köyü. 14. yüzyıldan beri burada çanak çömlek uygulanmaktadır. Kvassniklerin ürettiği yemekler arasında seramik için kahverengi ve sarımsı-yeşil boyalarla boyanmış tabaklar ve oyuncaklar var. Artık Gzhel'de üretilen porselen ürünler dünyaca ünlüdür. Bunun nedeni, form ve desenin benzersizliğidir. Gzhel porseleni, beyaz zemin üzerine yapılan mavi boyama ile ayırt edilir. Doğru, mavi tek tip değil. Yakından bakarsanız, gökyüzünün, nehrin ve göl suyunun maviliği hakkında düşünceler uyandıran en ince tonları ve yarı tonları bulabilirsiniz. Gzhel'de tabakların yanı sıra oyuncaklar ve küçük heykeller de üretiliyor. Ustaların yaptığı her şey içerik ve biçim uyumuyla göze çarpıyor. Bu, halk dekoratif sanatının gerçek bir eseridir. Herkes Gzhel'i satın almayı hayal ediyor.

Anaokulunda dekoratif sanat

Halk zanaatkarlarının sanatı sadece yetişkinlere ait değildir. Kirov ustalarının hem ahşap yuvalama bebekleriyle hem de kil oyuncaklarıyla şevkle oynayabilen çocuklar için de önemlidir. Halk sanatı, çocukların fikirlerin özgünlüğüne, figüratifliğine ve parlaklığına olan ilgisini uyandırır. İçeriği basit ve özlü olduğu için çocuklar tarafından anlaşılabilir, ancak aynı zamanda çocuğa etrafındaki dünyanın güzelliğini açar. İşte kilden veya tahtadan yapılmış hayvanların ve hayatta birden fazla kez görülen çiçekli, böğürtlenli ve yapraklı süslerin sevilen peri masalı görüntüleri. Kil oyuncaklarının imalatında yer alan ustalar, eserlerini genellikle geometrik şekillerden oluşan bir süsle boyarlar: çizgiler, halkalar, daireler. Bu çizimler de çocuklarda anlayış buluyor. Anaokullarındaki tüm kil ve ahşap ürünler sadece iç dekorasyon değildir. Deneyimli bir öğretmen tarafından yönlendirilen çocuklar, onlara dikkatlice bakar, onları halk ürünleri örneklerine göre çizer ve şekillendirir.

Anaokulunda halk dekoratif sanatı çocukların hayatına girer, onlara neşe getirir, ufkunu genişletir ve sanat zevkini olumlu etkiler. Okul öncesi eğitim kurumlarında yeterli sayıda el işi olmalıdır. Bu, bir süre sonra onları güncelleyerek grupların içini dekore etmenizi sağlar. Ustalarla ilgili sohbetler yapılırken çocuklara sanatsal ürünler gösterilir. Bu tür tüm öğeler pedagoji ofisinin dolaplarında saklanmalıdır. Sürekli olarak doldurulmalı ve balıkçılık arasında dağıtılmalıdır. Küçük çocukların eğlenceli oyuncaklar, yontulmuş ahşap oyuncaklar satın almaları gerekir. Orta gruptakiler Filimonov ve Kargopol'e daha çok yakışıyor. Daha büyük çocuklar için kil ve ahşap dahil her tür halk oyuncağı mevcuttur.

Bir anaokulunda dekoratif modelleme, çocuk yemeklerinin, halk oyuncaklarının temalarında çeşitli figürinlerin oluşturulmasını içerir. Ayrıca çocuklar 8 Mart tatili için bebekler için küçük süslemeler, anneler, büyükanneler ve kız kardeşler için hediyelik eşyalar yapabilirler.

Halk el sanatları ile sınıfların etkisi altında, çocuklar Rus oyuncaklarının temaları üzerindeki resimlere daha derinden ilgi gösterirler, temalarının zenginliği ile çocuğun modelleme sırasında hayal gücünü teşvik eder, onu çevreleyen dünya hakkında bilgisini zenginleştirir. Halk sanatının illüstrasyon olarak kullanıldığı sınıflar, çocukların zihinlerini geliştirme fırsatı sunar.

Bununla birlikte, bundan olumlu bir etki, ancak çocukların sanat ve zanaat nesnelerine sistematik ve sistematik olarak tanıtılması durumunda elde edilir. Edinilen bilgilere dayanarak, kendi elleriyle dekoratif eserler yaratırlar. Halk dekoratif sanatının bir eserini (herhangi bir) yeniden üretmeye davet edilirler. Bir fotoğraf, işin kendisi mevcut değilse, çocuğun ne çizeceğini veya şekillendireceğini hayal etmesine yardımcı olacaktır.

Çocukların güzel nesnelerin yaratılmasına katılma arzusu, büyük ölçüde eğitimcinin bu konulara dikkati ile belirlenir. Halk el sanatları hakkında bilgi sahibi olmalı, görünümlerinin tarihinin farkında olmalıdır. Öğretmen bu veya bu oyuncağın hangi halk sanatına atfedilebileceğini bilirse ve bu oyuncakları yapan ustalar hakkında ilginç şeyler nasıl anlatacağını bilirse, çocuklar ilgilenecek ve yaratıcı olma istekleri olacaktır.

İlköğretim sınıflarında güzel sanatlar

Küçük öğrencilerin tasarım faaliyetlerinde halk dekoratif sanatı, çocukların halk kültürünün kökenlerine, manevi mirasa geri dönmelerini sağlar. Modern dünyada, ulusal kültürün zenginliklerinin incelenmesi, çocukların ahlaki eğitiminin en önemli görevidir ve onları ülkelerinin vatanseverleri haline getirir. Milletin ruhu halk el sanatlarında vücut bulur, nesillerin tarihi hafızası uyandırılır. Yaratıcılık hakkında konuşmak soyut akıl yürütmeye indirgenirse, tam teşekküllü bir kişiliği eğitmek, ahlaki potansiyelini, çocukların estetik zevkini geliştirmek imkansızdır. Ne de olsa, zanaatkarların eserleri, ulusal karakterin en iyi niteliklerinin bir örneğidir: kişinin kendi tarihine ve geleneklerine saygısının, genel olarak anavatanına ve özel olarak doğduğu yere olan sevgisinin, alçakgönüllülüğün uyanmasıdır. , güzellik için çabalamak, bir uyum duygusu.

Eğitim sürecini, anavatan sevgisinin sadece güzel bir cümle değil, aynı zamanda genç neslin içsel özüne gerçekten karşılık geldiği şekilde nasıl organize edilir? Vatanseverlik temasını açıkça ve mecazi olarak ortaya koyan hiçbir performans yoksa ne yapılabilir? Bu konu elbette entegre bir yaklaşım gerektiriyor. sistematik olarak ele alınmalıdır.

Çocuğun neyin tehlikede olduğunu anlaması için, derste bir halk dekoratif sanatı (herhangi bir) eserinin dikkate alınması önerilir. Böyle bir çalışmanın bir örneği, konunun anlaşılmasına yardımcı olacaktır.

Modern çağ, sanatın kökenlerine başvurmayı gerektirir. Halk sanatının korunması, geliştirilmesi, geleneklerinin geliştirilmesi - öğretmenler, eğitimciler, sanatçılar bu tür zor görevlerle karşı karşıyadır.

Lisede görsel sanatlar

Çocuklar büyüdükçe, halk dekoratif sanatının bir eserinin ne olduğunu daha fazla anlamaya başlarlar. 6. sınıf da bu konuyu sistematik olarak inceler.

6. sınıfta güzel sanatlar çalışması için çalışma programı, üç ana yaratıcı aktivite türü sağlar:

1. Görsel çalışma (resim, çizim).
2. Dekoratif sanat (süsler, tablolar, uygulamalar).
3. Çevredeki dünyanın gözlemlenmesi (konuşma).

Bu çeşitler, çocukların sanatsal yaratıcılık alanlarını tanımalarını sağlar. Zaten tanışma sürecinde, bu alanların birbirine ne kadar yakından bağlı olduğu ve program tarafından belirlenen görevleri çözme sürecinde birbirlerini ne kadar belirgin bir şekilde tamamladıkları netleşiyor. Halk süsleme sanatının her eserini ayrıntılı bir analize tabi tutmak gerekir. 6. sınıf, sanatsal zevki geliştirme zamanıdır.

Görsel sanatlar okulda diğer derslerle yakın ilişki içinde öğretilir. Edebiyat, müzik, Rus dili, tarih, teknoloji, biyoloji çalışmaları sonucunda elde edilen bilgileri kullanır. Bu, sanat derslerinin pratik anlamını, yaşamsal gerekliliğini anlamayı mümkün kılar. Edebiyat dersinde "Halk süsleme sanatı eseri" gibi bir konu da incelenir. Deneme (6. sınıf), öğrencinin konuyla ilgili bilgisini göstermesine izin verir. Çocuklar içinde halk ustalarının ürünlerini değerlendirir. Bir çalışma planı hazırlamalı ve bir halk dekoratif sanatı eserini (herhangi bir) tanımlamalıdırlar. Planın her bir maddesi için 5-6 cümle yeterli olacaktır.

Halk dekoratif sanatları ve Rusya

Hem Tataristan hem de Rusya'nın diğer bölgeleri halk sanatından etkilenmiştir. Tatar dekoratif sanatı parlak ve çok yönlüdür. Kökleri eski paganizm zamanlarında - VII-VIII yüzyıllarda. Kazan Hanlığı ve Volga Bulgaristan'da sanatın gelişimi İslami geleneklerle uyumluydu. Önde gelen yön çeşitliydi.Bu tür desen, çeşitli Tatar sanatı türlerinde yaygın olarak kendini gösterir. Süsler nakış, ahşap ve taş oymacılığı, seramik, mücevher ve kaligrafiyi süslüyor. Zoomorfik üslup, Bulgaristan'ın pagan ustalarının ürünlerinde yaygın olarak kullanıldı.

Rus dekoratif sanatının bir özelliği, kitlesel karakteridir. Rusya'da dekoratif sanat çoğunlukla anonimdir. Kumar mobilyaları ve Faberge takıları kuraldan çok istisnadır. İsimsiz ustalar resim, dokuma, tabak ve oyuncak başyapıtlarını yarattılar. Rusya'nın sanatsal üretimi, çeşitli alanlarda büyük değerler yaratmaktan gurur duyabilir.

Demircilik ve kuyumculuk üretiminin yüksek düzeyde geliştiğine dair ilk kanıtlar, Karadeniz'den Sibirya'ya kadar uzanan topraklarda yaşayan İskitler ve kabileler arasında bulunabilir. Burada İskit hayvan stiline avantaj sağlandı. İskandinavya sakinleriyle temas halinde olan kuzey Slavlar, süslemede karmaşık bir şekilde iç içe geçmiş insan ve hayvan bedenlerinin parçalarını içeriyordu. Urallarda Finno-Ugric kabileleri, tahta, taş veya bronzdan yapılmış ayı ve kurt görüntüleriyle muska yaptılar.

Rusya genelinde birçok ikon boyama atölyesi vardı. İvanovo bölgesindeki Palekh'te, siyah cila üzerine halk masallarının ve şarkıların en iyileri geliştirildi. Antik Bizans'tan bize telkari kovalama, granülasyon, niello, ahşap ve kemik üzerine oyma ajur sanatı geldi. 17. yüzyılda dekoratif sanat, gelişmiş bir sanatsal üretime dönüştü. Bu Rostov boyalı emaye, Nizhny Novgorod kulübelere oyuyor, Veliky Ustyug'da gümüş üzerine kararıyor. Dekoratif sanatın halk ustalarının eserleri, sarayları ve tapınakları süsledi.

Büyük Peter zamanında, Batı Avrupa şeyleri moda oldu: döşemeli mobilyalar, fayans. 18. yüzyıldan itibaren aynalar yaygın olarak kullanılmaya başlandı. MV Lomonosov cam, ayna ve mozaik smalt üretme sanatında ustalaştı. 18. yüzyılın ve 19. yüzyılın başlarındaki yetenekli mimarlar, dekoratif iç dekorasyon için projeler geliştirdiler. O dönemin bazı mimarları, yaratıcı kariyerlerine Rossi ve Voronikhin gibi dekorasyon işleriyle başladı. İmparatorluk mahkemesi ve Rusya'nın en yüksek asaleti, özel teşebbüslere mükemmellik zirvelerine ulaşmayı başaran sayısız emir verdi. Bu tür işletmeler arasında Kuznetsov fayans ve porselen fabrikaları, Popovsky porselen fabrikası bulunmaktadır.

Halk sanatı ve halk sanatları üzerine yapılan araştırmalar, halk sanatı eserlerinin en iyi şekilde yaygınlaşmasının hem yetişkinleri hem de çocukları etkilediğini göstermektedir. Bu estetik zevki ortaya çıkarır, manevi ihtiyaçların ortaya çıkmasına katkıda bulunur, milli gurur ve insanlık duygusuna neden olur. Ne de olsa, doğanın yetenek, hayal gücü ve nezaketle donattığı halk ustaları tarafından inanılmaz renkli nesneler yaratılıyor.

sanat ve zanaat nedir

Dekoratif ve uygulamalı sanat, karmaşık ve çok yönlü bir kültürel olgudur. Günlük yaşamda pratik bir amacı olan sanatsal ürünlerin yaratılmasıyla ve faydacı öğelerin (mutfak eşyaları, mobilyalar, kumaşlar, aletler, araçlar, giysiler, mücevherler, oyuncaklar vb.) . Dekoratif ve uygulamalı sanat, eski çağlara dayanan ve günümüzde gelişen insanlarla birlikte yaşar.

Sanat ve zanaat eserleri genellikle mimari ve mekansal çevre, topluluk (sokakta, parkta, iç mekanda) ve birbirleriyle yakından ilişkilidir ve bir sanat kompleksi oluşturur. Kökeni çok eski çağlardan gelen sanat ve zanaatlar, halk sanatının en önemli alanlarından biri haline gelmiştir. Tarihi, sanat zanaatı, sanat endüstrisi, profesyonel sanatçı ve zanaatkarların faaliyetleri ile ve 20. yüzyılın başından beri bağlantılıdır. - sanatsal tasarım ve tasarım ile.

Dekoratif ve uygulamalı sanatın birçok mükemmel örneğini sanatta, tarihi, yerel tarih ve etnografya müzelerinde olduğu gibi kitaplarda, albümlerde ve dergi sayfalarında görmek mümkündür. Halk sanatının her sergisi her zaman güzellik ve bilgelik dünyasının bir keşfidir. Eski ve modern sanatçılar tarafından yapılan ürünler her zaman ziyaretçilerin hayranlığını uyandırır ve bazıları halk ustalarının örneğini takip etme arzusuna sahiptir.

Sanat ve zanaat eserleriyle temasa geçen herkesin boş seyirci kalmaması, araştırmacı olmaya çalışması, her seferinde ustanın hangi sanatsal ve teknik yöntemlerle mükemmelliğe ulaşabildiğini anlamaya çalışması önemlidir. Her birinizin kendi ellerinizle sevgiyle yapmaya çalışacağınız şeylerin çoğunu çevrenizdeki insanlara ulaştıracaksınız.

Ders kitabının sayfalarındaki sanat ve el sanatlarını düşünün. Eski insanlar ev eşyalarını ve aletleri nasıl ve hangi amaçla dekore ettiler?

Çeşitli sanat ve zanaat eserlerinde süsleme sembolizmini analiz eder. Bu nesnelerin şekilleri ve süslemeleri hangi bilgileri taşır?

Halk ezgilerini ve ezgilerini dinleyin. Formada gösterilen hangi öğeler onlara tarz olarak uyuyor?

Nakış

Eski zamanlardan beri nakış, ocağın bir dekorasyonu olmuştur, giysilere lezzet vermiştir, masa örtülerinde, peçetelerde, perdelerde ve havlularda kullanılmıştır ve Ukrayna ve Rusya'da sanat ve zanaatların temeli olmuştur.

Herhangi bir ev hanımı, nakış yardımı ile evine rahatlık verebilir, sevdiklerinin kıyafetlerini süsleyebilir, sanatsal fikirlerini somutlaştırabilir, çünkü bu tür sanat ve el sanatlarına herkes erişebilirdi.

Farklı halkların nakışları, yüzyıllar boyunca yaratıldıkları ve halkların tarihine ve kültürüne bağlı olduklarından, desen ve renklerin çeşitliliği ve özgünlüğü ile doludur. O zamanlar her zevke göre desen bulabileceğiniz moda dergileri olmadığı için insanlar nakışa belli bir anlam yüklemişler.

Nakış sadece giyimde güzel bir unsur değil, aynı zamanda bir tılsım olarak da önemli bir rol oynadı. Nakışlara dikkat ettiyseniz, muhtemelen geometrik desenlerin süs eşyaları arasında en yaygın olanı olduğunu fark etmişsinizdir. Örneğin, güneşin antik sembolü, doğurganlık ve iyi şans ve refah getiren kadınsı ilke, işlemelerde eşkenar dörtgen şeklinde tasvir edilmiştir. Suyun sembolü canlılığı kişileştirdi ve dalgalı çizgiler şeklinde uygulandı. Yatay süslemeler, Dünya'nın sembolünü taşıyordu ve aile ocağının refahını gösteriyordu.

Fark ettiyseniz, bazı nakışlarda süsleme, içinde bir haç işlenen bir daireyi tasvir eder, böyle bir nakış elemanı Güneş'i sembolize eder ve bir insandan kötülüğü ortadan kaldıran bir tılsım görevi görür. Ancak desendeki işlemeli haç, ateşin sembolü olduğu için manevi arınma anlamına gelir.

Ukraynalılar bitki niteliğindeki havlu süslerini tercih ediyorlardı ve kuş ve hayvan imajı da yaygındı. Renk şemasında ağırlıklı olarak kırmızı, siyah ve mavi renkleri kullanmayı tercih ettiler.

Nakıştaki çiçek motifleri sadece icat edilmedi ve kendi özel anlamları da vardı. Meşe yaprağı süslemesindeki görüntü gücü simgeliyordu ve kartopu güzelliğin bir simgesi olarak kabul edildi. Giysilere işlenen gelincikler bereket ve aile hatırası, salkım üzüm ise aile hayatına mutluluk ve neşe getirirdi. İşlemeli deniz salyangozu sadakatin, güller ise gençliğin ve sevginin simgesiydi.

Ayrıca Ukraynalı süslemelerde genellikle güvercinler, kırlangıçlar, horozlar, atlar ve diğer hayvan ve kuşların resimlerini bulabilirsiniz. Bu tür nakışlar, bir kişiyi çeşitli kötü güçlerden ve ruhlardan koruyan muska görevi gördü.

Ukraynalı nakış

Ukraynalılarda erkek ve kadın gardırobunun ayrılmaz bir parçası her zaman işlemeli bir gömlek olmuştur. Gömleğin üzerindeki süsleme belirli bir alanı karakterize ediyordu. Bu desenlerle Poltava sakinlerini Podolsk bölgesinin nüfusundan ayırt etmek kolaydı ve Hutsul süslemeleri Polissya'dan farklıydı. Bu işlemeli gömleklerin ayırt edici bir özelliği sadece desenler değil, aynı zamanda uygulama tekniği ve renkleriydi.

Ukrayna'da nakış ağırlıklı olarak kadınlar tarafından yapılırdı. Her boş dakikayı bu zanaata adadılar. Ortak buluşmalar sırasında nakış yaptılar, uzun kış akşamlarında ve hatta tarla çalışmasından sonra kısa bir dinlenme sırasında bile genellikle Ukraynalı bir kadının nakış yaptığını görebilirsiniz.

Ukraynalı kızlar kıyafetlerini süslerken aşk ve ruh katarlardı ve giydikleri işlemeli gömlek onun beceri ve çalışkanlığının bir özelliğiydi.

Ukrayna'da bağımsızlığının kazanılmasıyla birlikte halkın geleneklerine olan sevgisi yeniden canlanmaya başladı. Son zamanlarda, Ukraynalı vyshyvankas yeniden popülerlik kazanmaya başladı. Sadece yurttaşlar arasında değil, sınırlarının çok ötesinde bir moda trendi haline geldi. İşlemeli gömlekli insanlar her yerde bulunabilir. Hem tören etkinliklerinde hem de okul mezuniyetlerinde, düğün kutlamalarında veya mitinglerde uygun görünüyor.

Sanatsal nakış, halkımızın en iyi geleneklerini bünyesinde barındırır ve bu güzel sanat ve zanaat türünün binlerce hayranını bulmuştur.

Sanatsal ve yaratıcı görevler

Ünlü halk el sanatlarından birinin tarihi hakkında bilgi alın, bir albüm hazırlayın, stand, bilgisayar sunumu, sınıf arkadaşlarına tanıtın.

> Bazı Rus halk sanatına dayanan bir duvar resmi taslağı yapın: Zhostovo, Gorodets, Khokhloma, vb. (isteğe bağlı), temalardan birinde: “Mevsimler”, “Sabah”, “Orman Masalı”,
"Altın Çavdar" vb.

> Sınıf arkadaşlarınızla farklı türlerden sanat ve el sanatları sergisi hazırlayın. Müzik eşliğinde düşünün, halk sözel yaratıcılığının örneklerini alın (masallardan, efsanelerden, atasözlerinden, deyişlerden vb. alıntılar). Küçük öğrenciler, ebeveynler, okul misafirleri için bu sergide bir tur düzenleyin.

Bu nedir, Eski Rusya mı? Bir kokoshnik ve gümüş işlemeli bir sundress içinde mi? Ya da belki çiçek açan ve sakallı? Değil...
Eski Rusya ruhun genişliğidir, sonsuz yeşil alanlardır, karmaşıklığı ve aynı zamanda form sadeliği ile hala şaşırtan halk sanatıdır. Tek bir çivi bile çakılmadan tamamlanan Şefaat Kilisesi'ni ilk gördüğüm zamanı hatırlıyorum. İdeal kubbeler ormanın üzerinde uyumlu bir şekilde yükseliyordu. Ya da belki bu Rusya, kitaplarda yazılan, korkulan ve saygı duyulan Rusya'dır. Belki bu yüzden. Ancak bugün sizi Rus Müzesi'nin en ilginç salonu olan Dekoratif ve Uygulamalı Sanatlar Salonu ile tanıştırmak istiyorum.

Salonun koleksiyonu Rusya'nın en büyüklerinden biridir. Ana sergi XVII - XIX yüzyıllara aittir. Sergiler için birkaç oda ayrılmıştır. Burada Eski Rusya'nın ev eşyalarını, halk kıyafetlerini, sanatsal minyatürleri ve inanılmaz güzel dekore edilmiş kulübeleri görebilirsiniz.

O zamanın kadın halk kıyafetleri, sanatçılar ve tasarımcılar için tükenmez bir fikir kaynağıdır. Desenlerin ne kadar uyumlu olduğunu, gömlek ve sundress'in ne kadar zarif ve aynı zamanda mütevazı göründüğünü görün.

Özellikle tüccarların ve soylu kadınların başlıklarından çok memnun kaldım. Kokoshnikler inciler, altın ve gümüş iplikler, değerli taşlarla işlenmiştir. Camın altında bile, bu ürünlerin hatırı sayılır ağırlığı dikkat çekicidir. Ancak boyut tamamen farklı bir hikaye. Filmlerde ve tiyatro yapımlarında, Rusya'nın kadın başlıkları, öncekilere kıyasla oldukça minyatür.

Kadın kostümleri brokar, ipek ve şamdan yapılmıştır. Bir yerde pagan motiflerini korumuşlar ve bir yerde zanaat sanatsal geleneklerini yansıtıyorlar. Müzede çok daha az erkek cübbesi var. Evet ve erkek kostümü gömlek, pantolon, kemer ve başlıktan oluşuyordu.

Bu güne kadar hayatta kalan ev eşyaları çok değerlidir. Mutfak için pek çok ahşap el sanatları, oyuncaklar ve komik minyatürler bize gelmedi.

Ayrıca Rus Müzesi'nde 19.-20. yüzyıla ait bir çıkrık koleksiyonu var. Petersburg, Novgorod, Olonets ve Arkhangelsk illerinden ustalar tarafından yaratılmıştır. Kuzeyli zanaatkarlar, eşleri ve kızları için çıkrık yaptılar. Böylece, kızı çocuklukta babasından ilk çıkrık aldı. Çöpçatanlıktan sonra ikinci çıkrık ve üçüncüsü - kocasından.

Rusya'nın halk sanatında, kişinin evinin tasarımına özel bir yaklaşım vardır. Ustalar, çeşitli sanatsal süslemeler kullanarak gerçek sanat eserleri yaratmaya çalıştılar.

Yesenin şöyle yazdı: "... müzik ve destan ağacın işareti aracılığıyla birlikte doğdu - bu bize bunu efsanevi bir ifadenin tesadüfi bir gerçeği olarak değil, uzak atalarımızın katı bir şekilde ölçülmüş bir temsili olarak düşündürüyor. Bunun kanıtı. açıklanamayan ve çözülemeyen ev süsümüzdür.
Çatılarda patenlerimiz, panjurlarda horozlar, veranda prensinde güvercinler, yatakta ve iç çamaşırlarında çiçekler, havlularla birlikte basit bir kalıp değil, bu dünyanın sonucunun ve kaderinin büyük bir önemli destanı. adam.

Ve gerçekten de, Rus kulübeleri sadece desenlerle süslenmiş konutlar değildir. Bu, zaman zaman çözülmesi kolay olmayan gerçek bir antik bilgi deposudur.

Dekoratif ve uygulamalı sanatlar, sanat bölümü; esas olarak günlük kullanım için tasarlanmış sanatsal ürünlerin yaratılmasına ayrılmış bir dizi yaratıcılık dalını kapsar. Eserleri şunlar olabilir: çeşitli mutfak eşyaları, mobilyalar, kumaşlar, aletler, araçlar, ayrıca giysiler ve her türlü dekorasyon. 19. yüzyılın 2. yarısından itibaren bilimsel literatürde dekoratif ve uygulamalı sanat eserlerinin pratik amaçlarına göre bölünmesi ile birlikte. endüstrilerin malzemeye (metal, seramik, tekstil, ahşap) veya tekniğe (oyma, boyama, nakış, baskı, döküm, kabartma, kakma, vb.) göre sınıflandırılması onaylandı. Bu sınıflandırma, yapıcı-teknolojik ilkenin sanat ve zanaattaki önemli rolünden ve üretimle doğrudan bağlantısından kaynaklanmaktadır. Mimari, pratik ve sanatsal görevler, sanatlar ve zanaatlar gibi aynı anda birlikte çözmek, hem maddi hem de manevi değerlerin yaratım alanlarına aittir. Bu tür sanat eserleri, çağdaş dönemlerinin maddi kültüründen ayrılamaz, buna karşılık gelen yaşam biçimiyle, yerel etnik ve ulusal özelliklerinden şu veya bu yana, sosyal ve grup farklılıklarıyla yakından ilişkilidir. Bir kişinin günlük olarak temas ettiği konu ortamının organik bir parçasını oluşturan, estetik değerleri, figüratif yapısı, karakteri ile sanat ve zanaat eserleri, bir kişinin ruh halini, ruh halini sürekli olarak etkiler, önemli bir duygu kaynağıdır. Bu, etrafındaki dünyaya karşı tutumunu etkiler.

Bir insanı çevreleyen ortamı estetik olarak doyuran bu türün eserleri, aynı zamanda olduğu gibi onun tarafından emilir. genellikle mimari ve mekansal tasarımı, içerdiği diğer nesneler veya kompleksleri (hizmet, mobilya takımı, kostüm, mücevher takımı) ile bağlantılı olarak algılanır. Bu nedenle, dekoratif ve uygulamalı sanat eserlerinin ideolojik içeriği, ancak nesne, çevre ve kişi arasındaki bu ilişkilerin net bir fikri (gerçek veya zihinsel olarak yeniden yaratılmış) ile tam olarak anlaşılabilir.

Bir nesnenin amacına, tasarım yeteneklerine ve malzemenin plastik özelliklerine göre belirlenen arkitektonik yapısı, genellikle sanatsal bir ürünün kompozisyonunda temel bir rol oynar. Genellikle sanat ve el sanatlarında, malzemenin güzelliği, parçaların orantılı oranları ve ritmik yapı, ürünün duygusal ve mecazi içeriğini somutlaştırmanın tek yolu olarak hizmet eder (örneğin, cam eşyalar veya dekorasyonu olmayan diğer renklendirilmemiş malzemeler) . Burada, kullanımı onu mimariyle ilişkilendiren, tamamen duygusal, resimsel olmayan sanatsal dil araçlarının dekoratif ve uygulamalı sanat için özel önemi açıkça ortaya çıkıyor. Duygusal olarak anlamlı bir görüntü genellikle bir görüntü ilişkilendirmesi tarafından etkinleştirilir (bir öğenin şeklinin bir damla, bir çiçek, bir insan figürü, bir hayvan, bireysel unsurları, başka bir öğe ile karşılaştırılması - bir zil, bir korkuluk çubuğu , vb.). Ürün üzerinde görünen dekor, figüratif yapısını da önemli ölçüde etkiler. Çoğu zaman, dekoru sayesinde bir ev eşyası bir sanat eseri haline gelir. Kendi duygusal dışavurumuna, kendi ritmine ve oranlarına sahip (genellikle, örneğin, kasenin mütevazı, basit şeklinin ve yüzeyin zarif, şenlikli resminin olduğu Khokhloma ustalarının ürünlerinde olduğu gibi, formla ilgili olarak zıttır). duygusal seslerinde farklıdır), dekor formu görsel olarak değiştirir ve aynı zamanda onunla tek bir sanatsal görüntüde birleşir.

Güzel sanatlardan (heykel, resim, daha az sıklıkla grafik) dekor, süsleme ve öğeler (ayrı ayrı veya çeşitli kombinasyonlarda) oluşturmak için yaygın olarak kullanılır. Güzel sanatlar ve süsleme araçları sadece dekor yaratmaya değil, bazen bir nesnenin şekline de nüfuz eder (paletler, volütler, hayvan pençeleri, kafalar şeklindeki mobilya detayları; çiçek, meyve şeklindeki kaplar, bir kuş, canavar, insan figürü). Bazen bir süs veya görüntü, bir ürünün şekillendirilmesinin temeli olur (kafes deseni, dantel; kumaştan dokuma deseni, halı). Dekoru biçimle, görüntüyle - ürünün ölçeği ve doğasıyla, pratik ve sanatsal amacı ile koordine etme ihtiyacı, resimsel motiflerin dönüşümüne, doğa unsurlarının yorumlanması ve karşılaştırılmasının gelenekselliğine yol açar (örneğin , bir masa ayağı tasarımında aslan pençesi motifleri, kartal kanatları ve kuğu başının birleşimi). ).

Ürünün sanatsal ve faydacı işlevlerinin birliğinde, biçim ve dekorun, ince ve tektonik ilkelerin iç içe geçmesinde, dekoratif ve uygulamalı sanatın sentetik doğası kendini gösterir. Eserleri görme ve dokunma yoluyla algılanmak üzere tasarlanmıştır. Bu nedenle, malzemenin dokusunun ve plastik özelliklerinin güzelliğini ortaya çıkarmak, işleme yöntemlerinin ustalığı ve çeşitliliği, dekoratif ve uygulamalı sanatta özellikle aktif estetik etki araçlarının önemini kazanır.

Tablo

Bir güzel sanat türü olan resim, herhangi bir katı yüzeye uygulanan boyalar kullanılarak oluşturulan sanat eserleridir. Diğer sanat türleri gibi, resim de ideolojik ve bilişsel görevleri yerine getirir ve aynı zamanda insan emeğinin son derece gelişmiş biçimlerinden biri olan nesnel estetik değerler yaratma alanı olarak hizmet eder.

Resim, çağın ruhsal içeriğini, toplumsal gelişimini yansıtır ve belirli kavramlar ışığında değerlendirir. İzleyicinin duygu ve düşüncelerini güçlü bir şekilde etkileyerek, ikincisini sanatçının tasvir ettiği gerçekliği yaşamaya zorlayarak, etkili bir toplumsal eğitim aracı olarak hizmet eder. Birçok resim eserinin belgesel ve bilgi değeri vardır.

Görüntünün netliği nedeniyle, sanatçının eserinde ifade ettiği yaşam değerlendirmesi, izleyici için özel bir ikna edicilik kazanır. Sanatsal görüntüler yaratan resim, renk ve çizim kullanır, dilinin esnekliğini sağlayan vuruşların ifadesi, diğer güzel sanat türlerine erişilemeyen bir bütünlükle, dünyanın renkli zenginliğini düzlemde yeniden üretmesine izin verir. nesnelerin hacmi, niteliksel özgünlükleri ve maddi etleri, tasvir edilen alanın derinliği, hafif hava ortamı. Resim, gerçek dünyanın tüm görünür fenomenlerini (çeşitli hallerinde doğa dahil olmak üzere) doğrudan ve görsel olarak somutlaştırmakla kalmaz, insanların yaşamlarının geniş resimlerini gösterir, aynı zamanda yaşamda ve içsel olarak meydana gelen süreçlerin özünü ortaya çıkarmaya ve yorumlamaya çalışır. bir insanın dünyası.

Bu tür sanat için mevcut olan gerçekliğin kapsamının genişliği ve eksiksizliği, içinde bulunan türlerin bolluğuna da yansır (tarihsel, gündelik, savaş, hayvansal, vb.).

Amaca göre, yürütmenin ve görüntülerin doğası gereği, ayırt ederler: anıtsal-dekoratif resim (duvar resimleri, plafondlar, paneller), mimari mekanın organizasyonuna katılan, bir kişi için ideolojik olarak zengin bir ortam yaratan; şövale (resimler), doğası gereği daha samimi, genellikle belirli bir yerle ilişkili değildir; sahne (tiyatro ve film sahnesi ve kostüm çizimleri); ikonografi; minyatür (el yazmalarının çizimleri, portreler, vb.).

Pigmenti (boya) bağlayan maddelerin doğasına göre, pigmenti yüzeye sabitlemek için teknolojik yöntemlere göre, yağlı boya, alçı üzerine sulu boyalarla boyama - ham (fresk) ve kuru (a secco), tempera , tutkalla boyama, mum boyama, emaye, boyama seramik boyaları (bağlayıcılar - eriyebilir camlar, flakslar, sırlar - seramik üzerine pişirilerek sabitlenir), silikat boyalar (bağlayıcı - çözünür cam), vb. Mozaik ve vitray doğrudan onunla bağlantılıdır. , anıtsal resim ile aynı karar vermek, resimsel - dekoratif görevler. Tabloların performansı için suluboya, guaj, pastel ve mürekkep de kullanılır.

Resmin ana ifade aracı - renk - ifadesi ile çeşitli duyusal çağrışımları uyandırma yeteneği, görüntünün duygusallığını arttırır, bu tür sanatın geniş görsel ve dekoratif olanaklarını belirler. Eserlerde bütünleyici bir sistem (renk) oluşturur. Genellikle bir veya daha fazla birbiriyle ilişkili renk dizisi ve tonları kullanılır (renkli gam), ancak aynı rengin gölgeleriyle (tek renkli) boyama da vardır. Renk kompozisyonu (renk lekelerinin konum ve ilişkileri sistemi), esere belirli bir renk birliği sağlar, esere özgü sanatsal yapısının bir parçası olarak, izleyici tarafından algılanma sürecini etkiler. Resmin başka bir ifade aracı - çizim (çizgi ve ışık gölgesi) - görüntüyü renkle birlikte ritmik ve bileşimsel olarak düzenler; çizgi, hacimleri birbirinden ayırır, genellikle resimsel formun yapıcı temelidir, nesnelerin ana hatlarının genelleştirilmiş veya ayrıntılı çoğaltılmasına izin vererek en küçük öğelerini ortaya çıkarır.

Mimari

Mimarlık (lat.mimartura, Yunanca architéktón - inşaatçı), mimarlık, insanların yaşamı ve faaliyetleri için mekansal bir ortam oluşturan binalar ve yapılar sistemi ve ayrıca bu binaları ve yapıları yasalarına uygun olarak yaratmak için sanatın kendisi. güzellik. Mimarlık, insan toplumunun üretim araçlarının ve maddi varoluş araçlarının gerekli bir parçasıdır. Sanatsal görüntüleri, toplumun manevi yaşamında önemli bir rol oynamaktadır. Mimarinin işlevsel, yapıcı ve estetik nitelikleri (faydalılık, güç, güzellik) birbiriyle ilişkilidir.

Mimari eserler, düzenli bir iç mekana sahip binalar, bina toplulukları ve açık alanların (anıtlar, teraslar, bentler vb.)

Amaca yönelik bir organizasyonun konusu, bir bütün olarak nüfuslu bir alanın alanıdır. Şehirlerin, kasabaların yaratılması ve tüm yerleşim sisteminin düzenlenmesi, mimari - kentsel planlama ile ayrılmaz bir şekilde bağlantılı özel bir alanda göze çarpıyordu.

Mimarlığın işlevinin, ideolojik ve sanatsal görevlerinin pratik çözümünün en önemli aracı inşaat ekipmanıdır. Belirli mekansal sistemlerin uygulanmasının olasılığını ve ekonomik fizibilitesini belirler. Mimari eserlerin estetik özellikleri büyük ölçüde yapıcı çözüme bağlıdır. Bina sadece olmamalı, aynı zamanda sağlam görünmelidir. Fazla malzeme aşırı ağırlık izlenimi verir; materyalin görünür (görünür) yetersizliği istikrarsızlık, güvenilmezlik ile ilişkilendirilir ve olumsuz duygulara neden olur. Yapı teknolojisinin gelişimi sırasında, yeni malzeme ve yapıların özelliklerine karşılık gelen yeni mimari kompozisyon ilkeleri, geleneksel estetik görüşlerle çatışabilir. Ancak tasarım yayıldıkça ve daha fazla ustalaştıkça, onun tanımladığı formlar sadece olağandışı olarak algılanmayı bırakmakla kalmaz, aynı zamanda kitle bilincinde duygusal ve estetik bir etki kaynağına dönüşür.

İnşaat ekipmanlarındaki niteliksel değişiklikler, yeni yapıların ve malzemelerin yaratılması modern mimariyi önemli ölçüde etkilemiştir. El yapımı inşaat yöntemlerinin, genel üretim geliştirme süreçleriyle ilişkili, toplu inşaat hızını artırma ihtiyacı ve standardizasyonun, birleşik yapıların ve parçaların getirilmesini gerektiren endüstriyel yöntemlerle değiştirilmesi özellikle önemlidir.

Mimaride sanatsal bir imaj yaratmanın ana yolu, mekan ve arkitektonik oluşumudur. Üç boyutlu bir kompozisyon oluştururken (yapıların iç organizasyonu dahil), simetri veya asimetri ilkeleri, öğeleri karşılaştırırken nüanslar veya kontrastlar, çeşitli ritmik ilişkileri vb. kullanılır. Mimaride özellikle önemli olan, parçaların ve bütünün birbiriyle orantılılığı (orantı sistemi) ve bir yapının ve bireysel biçimlerinin bir kişiyle (ölçek) orantılılığıdır. Sanatsal mimari araçlarının sayısı, çeşitliliği binanın yüzeyini işlemek için çeşitli yöntemlerle elde edilen doku ve rengi de içerir. İşlevsel ve yapıcı gereksinimleri karşılayan bütünsel bir sanatsal ve etkileyici mimari eser biçimleri sistemine mimari kompozisyon denir.

Sanatsal mimari biçiminin karakteristik özelliklerinin ve ideolojik ve içerik programının istikrarlı bir ortaklığı, stilini oluşturur. Tarzın en önemli özellikleri, yapıların işlevsel ve mekansal organizasyon sisteminde, mimarilerinde, oranlarında, plastisitesinde, dekorunda kendini gösterir.

Heykel

Heykel (lat. sculptura, sculpo'dan - oyma, kesme), heykel, plastik (Yunanca plastik, plasso - heykelden), bir nesnenin üç boyutlu, fiziksel olarak üç boyutlu görüntüsü ilkesine dayanan bir sanat formu. Kural olarak, heykeldeki görüntünün nesnesi bir insandır, daha az sıklıkla - hayvanlar (hayvansal tür), daha da nadiren - doğa (manzara) ve şeyler (natürmort). Bir figürü mekana yerleştirmek, hareketini, duruşunu, jestini, biçimin rahatlamasını artıran ışık ve gölge modellemesi, hacmin mimari organizasyonu, kütlesinin görsel etkisi, ağırlık oranları, oranların seçimi, her birine özel. durumda, siluetin doğası bu sanat formunun ana ifade aracıdır. Üç boyutlu bir heykel formu, gerçek uzayda uyum, ritim, denge, çevreleyen mimari veya doğal çevre ile etkileşim yasalarına göre ve doğada gözlemlenen belirli bir modelin anatomik (yapısal) özellikleri temelinde inşa edilir.

İki ana heykel türü vardır: uzayda serbestçe yerleştirilen yuvarlak heykel ve görüntünün arka planını oluşturan bir düzlemde bulunduğu kabartma. Genellikle dairesel bir görünüm gerektiren ilkinin eserleri şunları içerir: bir heykel (büyüyen bir figür), bir grup (tek bir bütün oluşturan iki veya daha fazla figür), bir heykelcik (doğal boyuttan önemli ölçüde daha küçük bir figür) , bir gövde (bir insan gövdesinin görüntüsü), bir büst (bir kişinin göğüs görüntüsü), vb.

İçerik ve işlevlere göre heykel, anıtsal-dekoratif, şövale vb. küçük heykel. Bu çeşitler yakın etkileşim içinde gelişse de her birinin kendine has özellikleri vardır. Anıtsal-dekoratif: heykel, belirli bir mimari-mekansal veya doğal ortam için tasarlanmıştır. Belirgin bir kamusal karaktere sahiptir, izleyici kitlelerine hitap eder ve öncelikle halka açık yerlerde - şehrin sokaklarında ve meydanlarında, parklarda, cephelerde ve kamu binalarının içlerinde bulunur. Anıtsal ve dekoratif heykel, mimari imajı somutlaştırmak, mimari formların etkileyiciliğini yeni tonlarla tamamlamak için tasarlanmıştır. Anıtsal ve dekoratif heykelin büyük ideolojik ve figüratif görevleri çözme yeteneği, anıtsal olarak adlandırılan ve genellikle kentsel anıtları, anıtları ve anıt yapıları içeren eserlerde belirli bir bütünlükle ortaya çıkar. Formların görkemi ve malzemenin dayanıklılığı, içlerinde figüratif sistemin coşkusu, genellemenin genişliği ile birleştirilir. Doğrudan mimariyle ilgili olmayan şövale heykeli daha samimidir. Yakından ve tüm detaylarıyla izlenebildiği sergi salonları, müzeler, konut iç mekanları onun olağan ortamıdır. Bu, heykelin plastik dilinin özelliklerini, boyutlarını, favori türlerini (portre, gündelik tür, çıplak, hayvansal tür) belirler. Anıtsal ve dekoratif olmaktan daha büyük ölçüde şövale heykeli, bir kişinin iç dünyasına, ince psikolojiye ve anlatıya olan ilgi ile karakterizedir. Küçük formların heykeli, esas olarak konut iç mekanlarına yönelik çok çeşitli işleri içerir ve birçok açıdan sanat ve zanaat ile birleşir.

Bir heykel çalışmasının amacı ve içeriği, heykel malzemesinin seçimini etkileyen plastik yapısının doğasını belirler. Heykel tekniği büyük ölçüde doğal özelliklere ve ikincisini işleme yöntemlerine bağlıdır. Modelleme için yumuşak maddeler (kil, balmumu, hamuru vb.) kullanılır; en yaygın araçlar ise tel halkalar ve yığınlardır. Katı maddeler (çeşitli taş, ahşap vb.) Kesilerek (oyularak) veya oyularak, malzemenin gereksiz kısımlarını çıkararak ve içinde saklı üç boyutlu bir form gibi yavaş yavaş serbest bırakarak işlenir; bir taş bloğun işlenmesi için, bir çekiç (tokmak) ve bir dizi metal alet, ahşap - esas olarak şekilli keskiler ve matkaplar için kullanılır. Sıvı halden katı hale geçebilen maddeler (çeşitli metaller, alçı, beton, plastik vb.) özel olarak yapılmış kalıplarla heykellerin dökümünde kullanılmaktadır.

Tiyatro

Tiyatro (Yunanca théatron'dan - gösteri yeri; gösteri), bir tür sanat. Tiyatro bir toplumsal bilinç biçimidir, halkın yaşamından, ulusal tarihinden ve kültüründen ayrılamaz. Tiyatro, çağın ileri fikirleriyle dolu, hümanist idealler için savaştığında, bir kişinin iç dünyasının karmaşıklığını, özlemlerini derinden ve doğru bir şekilde ortaya koyduğunda, genellikle sanatsal bir yükseliş elde eder.

Hayatın sanatsal yansıması, belirli fikirlerin, dünya görüşlerinin ve ideolojilerin iddia edilmesi, tiyatroda oyuncular tarafından seyirci önünde gerçekleştirilen dramatik bir eylem aracılığıyla gerçekleşir. Karakterlerin mücadelesi, insanların kaderini etkileyen sosyal ve psikolojik çatışmaların açığa çıkması, onların ilişkileri oyunun, performansın merkezinde yer alır. Tiyatronun özgünlüğü, sahne ile seyircinin duygusal ve ruhsal birliğini, performansın yaratıcıları ile seyirci arasında ortak çıkarların varlığını gerektirir. Tiyatro, estetik, ahlaki ve politik eğitim konusunda büyük önem taşımaktadır. Bunun için zengin sanatsal genelleme, ifade ve kitle izleyicileri üzerinde etki araçlarına sahiptir.

Tiyatro performansının temeli dramadır. Tiyatro, edebi bir eseri sahne aksiyonu ve özel teatral imgeler alanına çevirir; dramanın karakterleri ve çatışmaları yaşayan kişilerde ve eylemlerde vücut bulur. Söz, söz, drama tiyatrosunun donattığı en önemli araçtır. Tiyatroda sözcük de dramatik eylem yasalarına tabidir. Bazı durumlarda, konuşmayı karakterin günlük karakterizasyonunun bir aracına dönüştürür, bazılarında ise rolün sözlü dokusu aracılığıyla karakterin karmaşık bilinç ve psikolojisi çatışmalarını ortaya çıkarır. Sahnede konuşma uzun bir açıklama (monolog) şeklini alabilir, bir partnerle konuşma (diyalog) gibi akabilir, izleyiciye hitap edebilir veya bir kahramanın yansıması, onun “iç monologu” gibi ses çıkarabilir.

Tiyatro kolektif bir sanattır. Performans, sanatsal bütünlüğü, tüm unsurların uyumu olan bir eserdir. Yönetmenin yönlendirmesi altında ve yönetmenin amacına uygun olarak, oyuncular, sahne tasarımcısı, besteci, koreograf ve daha pek çok kişinin ortak çabalarıyla oluşturulur. Performans, yönetmenin oyunu yorumlamasına, türüne, üslup kararına dayanmaktadır. Performansın eylemi zaman (tempo, ritim, duygusal gerilimin iniş ve çıkışları) ve uzayda (sahne platformlarının gelişimi, kullanım ilkesi, mizansen, sahne, hareket vb.)

Tiyatro eyleminin ana taşıyıcısı, çalışmalarında tiyatronun özünün somutlaştığı aktördür: sanat izleyicisini yakalama yeteneği. doğrudan gözlerinin önünde akan hayat gösterisi, onun somutlaşmasının yaratıcı süreci. Oyuncunun imajı, oyun ve performansın yönetmeni - yönetmeni tarafından yorumlanması temelinde oluşturulur. Ancak, katı bir şekilde organize edilmiş bir performans sisteminde bile, oyuncu bağımsız bir sanatçı olarak kalır ve sahnede canlı bir insan imajını yeniden yaratmak, insan psikolojisinin karmaşıklığını ve zenginliğini iletmek için mevcut araçları kullanma yeteneğine sahiptir. K. S. Stanislavsky'ye göre, prova sürecindeki rol ve kendi üzerinde çalışmak, oyuncunun etkinliğinin ayrılmaz bir şekilde bağlantılı iki yönüdür.

Çoğu zaman bir oyuncu sahnede kendisininkinden farklı bir imaj yaratır, farklı rollerde hem dışarıdan hem de içeriden değişir. Karakterin görünümünü, karakterini somutlaştırırken, oyuncu plastik ve ritmik ifade, konuşma sanatı, yüz ifadeleri ve jest araçlarını kullanır. Dünya tiyatrosunun tarihi, dışsal dönüşümde virtüöz bir ustalığa sahip aktörleri bilir.

Müzikal tiyatroda eylem, genel drama yasalarına dayanan müzikal dramaturji aracılığıyla somutlaştırılır - karşıt güçlerin mücadelesinde kendini gösteren açıkça ifade edilmiş bir merkezi çatışmanın varlığı, belirli bir sahne dizisi. dramaların ifşası. niyet. Müzikal sahne sanatı türlerinin her birinde, bu genel kalıplar, ifade araçlarının doğasına uygun olarak belirli bir kırılma bulur: operada, sahnede gerçekleşen eylem müzikle, yani şarkı söyleyerek ifade edilir. karakterlerin yanı sıra orkestranın sesiyle; balede operada şarkı söylemeye benzer bir rol dans ve pantomime aittir. Aynı zamanda, her iki durumda da müzik, dramanın tüm unsurlarını birbirine bağlayan ana genelleme aracıdır. Sözlü diyaloglu bir opera türü olan operette beyit şarkı ve dans büyük önem taşır. Müzik türünde dramatik, opera ve koreografik sanatlar, pop ve gündelik müziğin ifade araçları kullanılır.

Müzik

Müzik (Yunanca musikten, kelimenin tam anlamıyla - muses sanatı), gerçekliği yansıtan ve esas olarak tonlardan oluşan anlamlı ve özel olarak organize edilmiş ses dizileri aracılığıyla bir kişiyi etkileyen bir sanat formu. Müzik, insanların belirli bir ses etkinliği türüdür. Diğer çeşitlerle (konuşma, enstrümantal-ses sinyali vb.), Bir kişinin düşüncelerini, duygularını ve istemli süreçlerini sesli bir biçimde ifade etme yeteneği ile birleştirilir ve insanlarla iletişim kurma ve davranışlarını kontrol etme aracı olarak hizmet eder. Aynı zamanda, diğer tüm insan ses aktivitesi çeşitlerinden önemli ölçüde farklıdır. Müzikal ses, gerçek hayattaki seslerle biraz benzerliğini korurken, katı perdesi ve zamansal (ritmik) organizasyonu bakımından onlardan temel olarak farklıdır. Bu sesler, tonlara dayalı, tarihsel olarak kurulmuş sistemlerde yer almaktadır. Her müzik parçasında, tonlar kendi dikey bağlantılar ve yatay diziler sistemini - kendi biçimini - oluşturur.

Müziğin içeriğinde, duygusal durumlar ve süreçler (aynı zamanda istemli özlemler) baskın bir rol oynar. Müzikal içerikteki lider yerleri, müziğin sesi (tonlaması) ve zamansal doğası tarafından önceden belirlenir; bu, bir yandan, bir yandan, duygularını dışa vuran ve diğer üyelere ileten insanların asırlık deneyimlerine dayanmasına izin verir. toplumun, öncelikle ve esas olarak kesin olarak sesler aracılığıyla ve diğer yandan - duygusal deneyimi bir hareket, tüm değişiklikleri ve gölgeleri, dinamik yükselişleri ve düşüşleri, duyguların karşılıklı geçişleri ve çarpışmaları ile bir süreç olarak yeterince ifade eder.

Farklı duygu türlerinden müzik, esas olarak ruh hallerini içerir. Bireyin (ve buna karşılık gelen süreçlerin) entelektüel ve istemli niteliklerinin duygusal yönleri de müzikal içerikte geniş ölçüde temsil edilmektedir. Bu, bu tür sanatların sadece insanların psikolojik durumlarını değil, aynı zamanda karakterlerini de ortaya çıkarmasına izin verir. Duyguların en somut (ama kelimelerin diline çevrilmemiş), çok incelikli ve "bulaşıcı" ifadesinde, müziğin eşi yoktur. “Ruhun dili” (A.N. Serov) olarak yaygın tanımı buna dayanmaktadır.

Daha geniş bir felsefi ve sosyal fikir dünyası için çabalarken, besteciler genellikle sözde saf (enstrümantal programsız) müziğin ötesine geçerek, kelimeye belirli bir kavramsal içeriğin (vokal ve program enstrümantal müzik) taşıyıcısı olarak atıfta bulunurlar. , bkz. Program müziği) ve aksiyonu sahnelemek için. Sözcük, eylem vb. ile sentez sayesinde, kamu bilincinde kararlı bir şekilde sentezin diğer bileşenleri tarafından ifade edilen kavram ve fikirlerle kararlı bir şekilde ilişkilendirilen ve daha sonra “saf” müziğe geçen yeni müzik görüntüleri türleri oluşur. aynı kavram ve fikirlerin taşıyıcıları olarak Besteciler, düşüncelerini ifade etmek için aynı zamanda ses sembollerini (toplumsal pratikte ortaya çıkan, belirli bir sosyal çevrede var olan, herhangi bir kavramın “müzik amblemi” haline gelen ilahiler veya melodiler) kullanırlar veya kendi yeni “müzik işaretlerini” yaratırlar. örneğin, leitmotifler). Sonuç olarak, M.'nin içeriği çok büyük ve sürekli zenginleştirilmiş bir fikir yelpazesini içerir.

Müzik için farklı içerik türleri mevcuttur: epik, dramatik, lirik. Ancak aynı zamanda resimsel olmayan doğası gereği şarkı sözleri de ona en yakın olanıdır.

Müziğin içeriğinin maddi düzenlemesi, varlığının yolu müzikal formdur - bestecinin duygularının, düşüncelerinin ve figüratif temsillerinin gerçekleştirildiği müzikal sesler sistemi. Ayrı ayrı ele alındığında bile, müzikal sesler zaten birincil ifade olanaklarına sahiptir. Her biri fizyolojik bir zevk veya hoşnutsuzluk, heyecan veya sakinlik, gerilim veya boşalma hissi ve ayrıca sinestetik duyumlar (ağırlık veya hafiflik, sıcaklık veya soğuk, karanlık veya ışık, vb.) ve en basit uzamsal çağrışımları uyandırma yeteneğine sahiptir.

Her bir müzik parçasında, formunun bireysel unsurlarından, kombinasyon ve tabiiyet sürecinde, birkaç özel yapıdan oluşan genel bir yapı oluşur. İkincisi yapıları içerir: melodik, ritmik, armonik, dokusal, tını, dinamik vb. Unsurları müzikal temalar olan tematik yapı (değişim ve gelişimlerinin çeşitli türleri ve aşamaları ile birlikte) özellikle önemlidir. Çoğu müzik tarzında, müzikal görüntülerin maddi taşıyıcıları temalardır.

Müziğin kendine has bir yapısı vardır. Dolayısıyla gelişmiş bir müzik kültüründe yaratıcılık, çeşitli kriterlere göre farklılaştırılabilen birçok çeşitle temsil edilmektedir. 1) İçerik türüne göre: lirik, epik, dramatik, ayrıca kahramanca, trajik, esprili vb.; başka bir açıdan - ciddi müzik ve hafif müzik. 2) Amacı gerçekleştirerek: vokal ve enstrümantal; farklı bir açıdan - solo, topluluk, orkestra, koro, karışık (kompozisyonların olası ek özellikleri ile: örneğin, bir senfoni orkestrası için, bir oda orkestrası için, caz için vb.). 3) Diğer sanat türleri ve kelime ile sentez yoluyla: teatral müzik, dans müziği, enstrümantal yazılım, melodram (müzik okuma), kelimelerle vokal müzik. Sentez dışındaki müzik - seslendirmeler (kelimeler olmadan şarkı söyleme) ve "saf" enstrümantal (programsız). Buna karşılık, ilki muhteşem ve konsere, ikincisi - kitle-yerli ve ritüele bölünmüştür. Ortaya çıkan dört çeşidin (tür grupları) her biri daha da farklılaştırılabilir.

sinematografi

Sinematografi, eserleri gerçek olayların filme alınmasıyla yaratılan, özel olarak sahnelenen veya gerçeklik olaylarının canlandırılması yoluyla yeniden yaratılan bir sanat türüdür.

Sinematografide, edebiyatın, tiyatro ve görsel sanatların ve müziğin estetik özellikleri, asılları görüntünün fotoğrafik doğası olan, doğal, ifade araçları temelinde sentezlenir, bu da herhangi bir resmin yeniden yaratılmasını mümkün kılar. son derece kesin bir gerçeklik ve montaj. Kameranın hareketliliği ve çekimde kullanılan optik çeşitliliği, geniş alanları ve geniş insan kitlelerini kadrajda (genel plan), ilişkilerindeki küçük insan gruplarını (orta plan), bir insan portresi veya Ayrı ayrıntı (yakın çekim). Bu sayede, tasvir edilen nesnenin en temel, estetik açıdan önemli yönleri çerçevenin sınırları içinde ayırt edilebilir. Montajdaki çekimlerin birleşimi, yazarın düşüncelerinin bir ifadesi olarak işlev görür, eylemin gelişiminde süreklilik yaratır, görsel anlatımı düzenler ve tek tek bölümleri karşılaştırarak mümkün kılar. eylemi metaforik olarak yorumlamayı planlıyor, filmin ritmini oluşturuyor.

Bir sinema sanatı eserinin yaratılması, kural olarak, farklı uzmanlık alanlarındaki sanatçıların çalışmalarını birleştiren karmaşık bir yaratıcı ve üretim sürecidir: bir senarist (senaryo yazarı); fikrin yorumlanmasını ve uygulanmasını belirleyen ve yapımdaki diğer katılımcıların çalışmalarını yöneten yönetmen; karakterlerin görüntülerini somutlaştıran aktörler; çerçevelerin kompozisyon, açık ton ve renk yorumu yoluyla eylemi karakterize eden bir operatör; aksiyon ortamının ve karakterlerin kostümlerinin (ve animasyonda, karakterlerin dış özelliklerinin) resimli bir tanımını bulan bir sanatçı; besteci vb.

Sinematografinin gelişimi sırasında, 4 ana türü oluşmuştur: sanatsal (kurgu) sinematografi, film dramaturjisi eserlerini veya uyarlanmış nesir eserlerini, dramaturjiyi, şiiri sahne sanatları yoluyla somutlaştırma; mecazi gazeteciliğin özel bir türü olan belgesel sinematografi, esasen gerçekliğin filme doğrudan kaydına dayalıdır; animasyonlu sinematografi, grafik veya kukla karakterleri "canlandırma"; popüler bilim sinematografisi, bilimsel bilgiyi teşvik etmek için bu 3 türün araçlarını kullanmak.

Sanatsal sinematografide epik, lirizm ve drama olanakları mevcuttur, ancak anlatı karakterine sahip filmlerde onları dramaya, özellikle dramatik çatışmaya yaklaştıran özellikler her zaman vardır. Belgesel sinematografi, edebiyat ve gazeteciliğin gazetecilik türlerinin tüm olanaklarına sahiptir. Figüratif film gazeteciliği ve bilgilendirici filmlerin (film röportajı) çalışmalarını birleştirir. Grafik ve üç boyutlu animasyon görüntüleri, çizilmiş veya kukla karakterlerin hareketinin ardışık hareketsiz aşamalarını çekerek oluşturulur. Çocuklar için film çekmeye özel önem veriyor. Popüler bilim sinematografisi, izleyicilere doğanın ve toplumun yaşamını, bilimsel keşifleri ve icatları tanıtır, bilim adamlarının ve sanat ustalarının yaratıcı arayışlarının seyrini yeniden yaratır ve fiziksel, kimyasal ve biyolojik süreçleri açıkça gösterir. Bu sorunları çözmek için, filmin konusuna ve amacına bağlı olarak hem tamamen didaktik hem de sanatsal-figüratif araçlar kullanıyor.

Sinema gelişiminin ilk aşamalarında nispeten net bir şekilde sınırlandırılmış film türleri (melodram, macera filmi, çizgi roman vb.) değişiyor, birleşme, iç içe geçme ve hatta parçalanma eğilimi gösteriyor. Görüntü yönetmenlerinin yenilikçi özlemleri, düzyazı, drama ve şarkı sözlerinin karakteristik özelliklerinin tek bir eserdeki kombinasyonunu belirler.

DEKORATİF VE UYGULAMALI SANAT, bir sanat formu, sanatsal ve faydacı işlevleri birleştiren ürünlerin yaratılması. Sanat ve zanaat eserleri, insanların günlük ihtiyaçları ile ilişkilidir, insan çevresinin ayrılmaz bir parçasını oluştururlar. Sanat ve zanaatların temeli ve kaynağı halk sanatıdır. Sanat ve zanaat alanı, geleneksel sanat ve zanaat ürünleri, sanat endüstrisi ve profesyonel yazar sanatı ürünlerini içerir. “Uygulamalı sanat” terimi, 18. yüzyılda İngiltere'de ortaya çıktı ve esas olarak ev ürünlerinin (boyama tabakları, kumaşlar, silah terbiyesi) yaratılmasına uygulandı. 20. yüzyılda, "sanat ve el sanatları" terimi, Rus sanat tarihinde, tiyatro ve dekoratif sanat ve tasarımı da içeren dekoratif sanatlar bölümünün bir tanımı olarak onaylandı.

Sanat ve zanaat yapıtlarının belirli bir özelliği, faydacı ve sanatsal, fayda ve güzellik, işlev ve dekorasyon arasındaki ayrılmaz bağlantıdır. Fayda, sanat ve el sanatlarını pratik amaçlarına göre (araçlar, mobilyalar, mutfak eşyaları vb.) sınıflandırmamızı sağlar; bir nesnenin işlevi, yapıcı şemasını açıkça belirler. Dekoratif ve uygulamalı sanat nesnesine sanat eseri statüsü veren nitelik, dekoratifliktir. Sadece bir nesneyi belirli ayrıntılarla (dekor) süslemede değil, aynı zamanda genel kompozisyon ve plastik yapısında da gerçekleştirilir. Dekorun kendi duygusal ifadesi, ritmi, oranları vardır; form değiştirebiliyor. Dekor heykelsi kabartma, pitoresk boyalı, grafik oymalı olabilir (ayrıca bkz. Gravür); hem bir süs (dekoratif yazıtlar - hiyeroglifler, kaligrafi, Slav yazısı vb., görüntülerin anlamını ortaya çıkaran) hem de çeşitli resimsel unsurlar ve motifler ("dünya ağacı", kuşlar ve hayvanlar, bitkiler vb.) belirli bir dekoratif ve üslup sistemi ile (ayrıca bkz. Bukrany, Griffin, Rose, Sphinx). Lameller sanat ve zanaat sisteminde, herhangi bir dekorun antitezi olarak sözde saf formu kullanma olasılığı vardır: yapısal, plastik, renk niteliklerini, uyumunu ortaya çıkaran malzemenin doğal güzelliğinde kendini gösterebilir. oranların, siluetin ve konturların zarafeti.

Gemi. Boyalı seramikler. MÖ 3. binyıl. Yangshao (Çin). Dekoratif ve Uygulamalı Sanatlar Müzesi (Viyana).

Sanat ve el sanatlarının bir diğer temel özelliği de, farklı yaratıcılık türlerinin (resim, grafik, heykel) ve farklı malzemelerin tek bir işte birleştirilmesini ifade eden sentezdir. İç doğası gereği sentetik olan bir sanat ve zanaat eseri, genellikle sanatların sentezinde, bir sanatsal nesneler topluluğunda yer alır ve mimariye bağlı olabilir (mobilya, dekoratif heykel, paneller, goblen, halı, vb.). Bu bağımlılığın bir sonucu olarak sanat ve zanaat, her devirde üslup ve modadaki değişiklikleri hassas ve net bir şekilde takip etmiştir.

Sanat ve zanaatta, bir şeyin imajı, estetik biçimi ile işlevsel amacı arasındaki ilişki tarafından belirlenir. Bir yanda, sanat ve zanaatların “bir şeyler yapmak” olarak faydacı ve figüratif olmayan doğası kavramı vardır: tamamen pratik bir görev, tam teşekküllü bir görüntü yaratma anlamına gelmez (örneğin, çanak çömlek veya sepet amacı). dokuma, bir şeyleri tasvir etmek değil, şeyin kendisini yaratmaktır). Bununla birlikte, mimetik bir ilke taşıyan diğer örnekler (antropomorfik seramikler, vb.), öncelikle çağrışımlarda ve analojilerde tezahür eden dekoratif ve uygulamalı sanatta yaratıcılığın birincil görevi olarak görüntüden bahsetmemize izin verir (bir nesnenin şekli bir nesneye benzeyebilir). çiçek tomurcuğu, bir damla, bir insan veya bir hayvan figürü, bir deniz dalgası vb.). Estetik ve işlevsel görevlerin ikiliği, sanat ve zanaatların figüratif özgüllüğünü belirler (görüntülerin somutluğunun sınırlandırılması, chiaroscuro ve perspektifi terk etme eğilimi, yerel renklerin kullanımı, görüntülerin ve silüetlerin düzlüğü).

Bir tür sanatsal etkinlik olarak dekoratif ve uygulamalı sanat, bağımsız bir üretim dalı olarak ortaya çıkan ustanın el emeği ile ilişkilendirilir. Daha fazla toplumsal işbölümü, zanaat üretiminin yerini makine üretimine (fabrikalar, fabrikalar, fabrikalar) bırakır; fonksiyonel tasarım ve dekorasyon farklı uzmanların işi haline gelir. “Uygulamalı sanat” yöntemlerinin yerini bulduğu sanat endüstrisi böyle ortaya çıkar - ürünlerin boyama, oyma, kakma, kabartma vb.

Dekoratif ve uygulamalı sanat nesnelerinin imalatında el emeği ve makine emeğinin oranı sorunu, özellikle 19. yüzyılın 2. yarısında, “duyarsızlaşma” sorunu bağlamında (W. Morris'in sözleriyle) keskindi. ) ulusal geleneklerin yeniden canlandırılması için önkoşul olarak bu çağda popüler olan sanatsal el sanatları ve sınırlı uygulama teorileri üretimi ile. Halk el sanatlarını ve seri üretimi zıtlaştıran Morris, aynı zamanda yeni bir sanat ve zanaat türü yaratmaya izin veren sentez yollarını da önerir. 19. yüzyılın ortalarından bu yana endüstriyel (seri) üretim alanında yeni bir sanatsal faaliyet türü haline gelen tasarım, sanat ve zanaatları esas olarak küçük tirajlı el sanatları serilerinin yaratılmasıyla sınırlandırmıştır (ayrıca bkz. Üretim sanatı).

tipoloji. Sanat ve zanaat dallarının her biri çok çeşitli biçimlere sahiptir; evrimleri, teknolojinin gelişimi, yeni malzemelerin keşfi, estetik fikir ve modadaki değişim ile doğrudan ilişkilidir. Sanat ve zanaat eserleri, işlevsellik, biçim ve malzeme bakımından farklılık gösterir.

En eski sanat ve zanaat türlerinden biri sofra takımıdır. Formları malzemeye (ahşap, metal, kil, porselen, seramik, cam, plastik) ve amaca (ritüel, ev, yemek, dekoratif; ayrıca bkz. Sanatsal kaplara) bağlı olarak değişiyordu. Dekoratif ve uygulamalı sanat ayrıca şunları içerir: kült aksesuarları (gonfalonlar, maaşlar, lampadalar - Hıristiyanlıkta; Müslüman abdest kapları, "namazlık" seccadeleri, vb.; Musevi menorah şamdanları; Budist nilüfer tahtları ve tapınak tütsü brülörleri); iç eşyalar (mobilya, aydınlatma armatürleri, vazolar, aynalar, yazı gereçleri, tabutlar, vantilatörler, enfiye kutuları, fayanslar, vb.); ev yapımı mutfak eşyaları (çıkrıklar, silindirler, fırfırlar, kızamıkçıklar, iğler, vb.); gliptik çalışmaları; Takı Sanatı; ulaşım araçları (vagonlar, savaş arabaları, arabalar, kızaklar, vb.); silah; tekstiller (ayrıca bkz. Batik, Nakış, Dantel, Topuk, Dokuma; tekstiller ayrıca halıları, duvar halılarını, duvar halılarını, kilimleri, keçe paspasları vb. içerir); çamaşırlar; kısmen - küçük plastik (öncelikle bir oyuncak).

Dekoratif ve uygulamalı sanat ürünlerinde kullanılan malzemeler de bir o kadar çeşitlidir. En eskileri taş, ahşap, kemiktir. Sert ağaçlar bir konut inşa etmek, mobilya, ev ürünleri [çam, meşe, ceviz (Rönesans sanatında), Karelya huş ağacı (Rus klasisizmi ve İmparatorluk döneminde), akçaağaç (özellikle modern çağda) yapmak için kullanıldı. ), maun, armut] ; yumuşak çeşitler (örneğin, ıhlamur) - bulaşık, kaşık üretimi için. 17. yüzyıldan itibaren ithal egzotik ağaçlar Avrupa'da kullanılmaya başlandı.

Kil ürünlerinin oluşturulmasında ilk aşamalarda serbest modelleme ve kalıplama gibi kil işleme teknikleri belirleyici olmuştur. MÖ 3. binyılda, ince duvarlı tabakların imalatına izin veren bir çömlekçi çarkı ortaya çıktı.

Seramik (pişmiş kil) pişmiş toprak (düz ve lake), mayolika, yarı fayans, fayans, opak, porselen, bisküvi, sözde taş kütlesini içerir. Seramikleri süslemenin ana yolları perdahlama, perdahlama, cilalama, renkli boyama, gravür, camlama vb.

Kumaşlar Neolitik çağdan beri yaygın olarak kullanılmaktadır. Dekoratif ve uygulamalı sanatların seçkin örnekleri, eski Mısır çok renkli keten kumaşlarıdır, batik topuk tekniğinde - Kıpti; Çin ipek kumaşları, Hint muslinleri, Venedik şamı.

Sanat ve zanaat ustaları genellikle değerli, yarı değerli ve renkli yarı değerli taşlar kullandılar: elmaslar, yakutlar, zümrütler, safirler, yeşim taşı, lapis lazuli ve carnelian, malakit, jasper vb. (kehribar da süs malzemelerine aittir). Çeşitli işleme türleri arasında uzun süre kabaşonlar (yuvarlak taşlar) hakim oldu, ardından yönlü taşlar ortaya çıktı. Karmaşık teknikler var - sözde Florentine mozaiği (mermer ve yarı değerli taşlardan görüntüler), Rus mozaiği (vazoların yuvarlak yüzeyini renkli taş levhalarla yapıştırma), vb.

Haç ve meleklerin resmi olan kutu. Ahşap, gümüş, emaye. 13. yüzyılın 1. çeyreği. Limoges (Fransa). Ermitaj (St. Petersburg).

Metaller arasında değerli (altın, gümüş, platin), demir dışı (bakır, kalay), alaşımlar (bronz, elektr, kalay) ile çelik, dökme demir ve alüminyum ayırt edilir. Asil metallerle birlikte, hemen hemen tüm eski uygarlıklar bakır, bronz ve daha sonra demiri işledi. Altın ve gümüş aslen sanat ve zanaattaki ana metallerdi ve kıtlıkları çeşitli tekniklerle (elektrolizle kaplanmış gümüş ve yaldız; 19. yüzyılın ortalarından itibaren - elektrokaplama) telafi edildi. Başlıca metal işleme teknikleri niello, granülasyon, kovalama, atış, artistik döküm, artistik dövme, basma (kovalamayı taklit eden bir mücevher tekniği türü), gofrajdır.

En eski örnekleri Çin'de bulunan özel bir teknik ve aynı zamanda bir malzeme olan emayedir. Emaye, kural olarak, karmaşık dekoratif ve uygulamalı sanat eserlerinin ayrılmaz bir parçası olarak kullanıldı (örneğin, metal üzerine oyulmuş görüntüleri çok renkli şeffaf emaye veya emaye boyalarla dekoratif boyama ile kaplama tekniği).

Lorsch'tan sözde İncil'in maaşı. Fildişi. 9. yüzyıl Aachen. Victoria ve Albert Müzesi (Londra).

Teknolojik parametrelerine göre cam, şeffaf ve opak, renksiz ve renkli vb. Olarak ayrılır. Serbest üflemeli, üflemeli camdan (“kanatlı” Venedik camları), kesilmiş İngiliz kristalinden, preslenmiş kristalden (görüntülenmiş) orijinal formlar da vardır. 1820 ABD'de), renkli lamine veya sütlü cam, telkari cam, oymalı, oymalı cilalı veya renkli. Cam işleme teknikleri, camlar arası yaldız, boyama, millefiori, sanatsal dağlama, yanardönerliği içerir.

Sanatsal verniklerin doğum yeri Eski Doğu'dur. Avrupa'da 16. yüzyıldan beri bilinmektedirler; 17. yüzyılda Hollandalı ustalar, siyah bir arka plan üzerine yaldızlı süslemeli ahşap kutular boyamaya başladılar. Daha sonra birçok ülkede boyalı vernik üretimi ortaya çıktı. Lake kartonpiyer ürünleri 18. yüzyılda Avrupa'da ortaya çıktı ve 19. yüzyılda özellikle İngiltere, Almanya ve Rusya'da popülerliğinin zirvesine ulaştı. 20. yüzyılda Rusya, cila sanatının ana merkezi haline geldi (Fedoskino, Palekh, Kholuy ve Mstyora).

Kaplumbağa kabuğu ve fildişi kullanımı antik çağda başlamıştır; daha sonra Orta Çağ'da ve özellikle 18. yüzyılın sonunda Avrupa sanatında kullanımları yeniden canlandırıldı (İngiliz ve Fransız enfiye kutuları ve çay kutuları, Kholmogory kemik oymacılığı). Sedef, 19. yüzyılın 1. yarısında kartonpiyer ve cilalı eşyaların dekorasyonunda ve çatal bıçak takımlarının bitirilmesinde moda oldu.

Tarihsel makale. Sanatsal olarak işlenmiş ilk nesneler Paleolitik çağda ortaya çıktı. Neolitik dönemde çanak çömlek yaygınlaştı. Farklı kültürler, virtüöz grafik sanatsal çözümler, etkileyici sakral ve mitolojik arsa, süs ve diğer motiflerle boyanmış seramikler (örneğin, Neolitik dönem Çin kapları, MÖ 5.-3. binyıl; Susa seramikleri, MÖ 4. binyıl; Trypillian seramikleri) ile vazolar yaratır. , MÖ 3. binyılın sonlarında).

Sanat ve zanaat gelişimindeki en eski doğu medeniyetleri, mimari ve heykel alanındaki (taş, metal, ahşap, mücevher, fildişi oymacılığı vb. Sanatsal işleme) aynı yüksek seviyeye ulaştı. Eski Mısır, Mezopotamya'nın kuyumcuları, değerli metalleri işlemek için çeşitli en iyi tekniklerde ustalaştı. Antik Doğu sanatı, eşsiz polikrom sırlı seramik örnekleri üretti; Mısır'da fayans ürünleri (silikaya dayalı) üretildi - mimari detaylar, heykeller, kolyeler, kaseler ve kadehler. Mısırlılar (Fenikeliler ile birlikte) cam nesneler de yaptılar (MÖ 3. binyıl civarında); diğer el sanatları gibi cam atölyelerinin en parlak dönemi Yeni Krallık'a düşer (mavi veya çok renkli camdan yapılmış çeşitli şekillerde kaplar, vb.). Mısır mobilyaları, yerel abanoz (abanoz) ağacından ve ithal türlerden (sedir, selvi), mavi ve siyah fayans ekleriyle süslenmiş, altın varakla kaplanmış ve fildişi ve resim ile kaplanmıştır (bazı formları daha sonra Avrupa İmparatorluğu tarzını güçlü bir şekilde etkilemiştir). ). Çin'in birçok yerinde, stilistik özgünlükleri, çeşitli şekilleri ve tuhaf zoomorfik görüntüleri ile ayırt edilen ince duvarlı kaplar (fincanlar, vazolar, sürahiler ve kadehler) bulunmuştur. Hindistan'da, Tunç Çağı'nın son derece gelişmiş kentsel uygarlığı, Mohenjo-Daro ve Harappa'daki kazılar sırasında keşfedilen etkileyici ev eşyaları, boyalı çanak çömlekler ve tekstil ürünleri geride bıraktı. Batı İran'da, Luristan'da Luristan bronzlarıyla temsil edilen bir kültür gelişti.

Ege dünyasının sanat ve zanaatlarının özgünlüğü (bkz. Ege kültürü) diğer ülkelerin sanatını (Yeni Krallık Mısır, Orta Doğu) - mücevher, kovalanan kadehler ve kaseler, ritimler. Sanatsal zanaatın önde gelen türü seramiktir (stilize desenli polikrom, deniz hayvanları ve balık görüntüleriyle bitki motifleri). Dekoratif ve uygulamalı sanatlar tarihindeki en yüksek başarılardan biri, antik Yunan seramikleridir - her şeyden önce, formun arsa boyama ve süsleme ile organik olarak bağlantılı olduğu kırmızı ve siyah figürlü lake kaplar, net bir tektoniğe, zenginliğin zenginliğine sahiptir. çizgilerin ve oranların ritmi (bkz. Vazo resmi). Yunan eserlerinin seramikleri ve mücevherleri, Yunan sanatsal geleneklerinin geniş çapta genişletilmesi sayesinde dünyanın birçok ülkesine ihraç edildi. Asya ve Avrupa'nın göçebe kabileleri, Trakyalılar, Keltler ve bazı Finno-Ugric kabilelerinin sanat ve zanaatlarında, hayvan stilinin çeşitli biçimleri gelişti; MS 1. binyılın ortasında, kendine özgü biçimi Almanlar arasında ortaya çıkıyor, hayvan stilinin gelenekleri ortaçağ sanatında korundu.

Güçlü Yunan etkisi altında olan Etrüskler, "buccero" seramikleri, boyalı pişmiş toprak ve mücevherleri ile eşit derecede farklı bir kültür yaratmayı başardılar. Dekoratif ve uygulamalı sanat nesnelerinde somutlaşan gösterişli lüks için özlemleri, haleflerine - antik Romalılara - geçti. Etrüsklerin kabartma seramiklerinden, kumaşların dekorasyonundan, Yunanlılardan - formlar ve süs eşyaları ödünç aldılar. Roma dekorunda, Yunan tadından yoksun çok fazla aşırı var: yemyeşil çelenkler, bucrania, griffinler, kanatlı aşk tanrıları. İmparatorluk döneminde yarı değerli taşlardan (akik, sardonyx, porfir) yapılmış vazolar moda oldu. Roma sanat ve zanaatlarının en yüksek başarısı, cam üflemenin icadı (MÖ 1. yüzyıl), şeffaf, mozaik, oymalı, iki katmanlı, taklit kameo ve yaldızlı cam üretimiydi. Metal ürünler arasında gümüş kaplar (örneğin, Hildesheim hazinesi), bronz lambalar (Pompeii şehrinin kazılarında bulunan) bulunmaktadır.

Geleneklerin istikrarı, Orta Çağ'da dekoratif ve uygulamalı sanatların karakteristik türlerinin ve biçimlerinin (Japonya'da seramik ve cilalar, Hindistan'da ahşap, metal ve tekstil ürünleri, Endonezya'da batik) korunduğu Uzak Doğu ve Hint kültürlerini bir bütün olarak ayırt eder. ). Çin, taş kesme, çanak çömlek ve mücevherat, çeşitli materyallerin istikrarlı görüntüleri ve gelenekleri ile karakterizedir: ipek, kağıt, bronz, yeşim, seramik (öncelikle porselenin icadı), vb.

Eski (Kolomb öncesi) Amerika'da, yüksek maddi kültüre sahip birkaç medeniyet (Olmecs, Totonacs, Maya, Aztekler, Zapotekler, İnkalar, Chimu, Mochica vb.) vardı. Ana el sanatları, seramik, ahşap, tekstil ve mücevher üzerine orijinal turkuaz mozaik tekniği kullanılarak yarı değerli kayalar da dahil olmak üzere taşın sanatsal işlenmesiydi. Seramik, çömlekçi çarkını bilmeyen diğerlerinin (Zapoteklerin mezar çömleği, Toltek vazoları, Mixtec polikrom vazoları, oyulmuş Maya süslemeli kaplar vb.) aksine, eski Amerikan sanatının en iyi başarılarından biridir.

Arapların yaşadığı Orta Doğu ülkeleri, Kuzey Afrika (Mağrib) ve Avrupa bölgelerinin ortaçağ sanatının karakteristik bir özelliği, renklilik, kendine değer veren dekor, geometrik süsleme (soyutlama için stilize edilmiş çiçek motifleriyle, bkz. Arabesk); İran'ın dekoratif ve uygulamalı sanatlarında resim geleneği de korunmuştur. Müslüman ülkelerdeki başlıca dekoratif ve uygulamalı sanat türleri seramik, dokuma, silah ve lüks eşya üretimiydi. Seramikler (çoğunlukla süs, beyaz ve renkli bir arka plan üzerinde bir avize veya çok renkli resim ile kaplı) Irak (Samarra), İran (Susa, Ray), ortaçağ Mısır'ı (Fustat), Suriye (Rakka), Orta Asya (Semerkant, Buhara). Hispano-Mağribi seramikleri (Valencia fayansları), 15. ve 16. yüzyılların Avrupa sanat ve zanaatları üzerinde büyük bir etkiye sahipti. Mavi-beyaz Çin porseleni Altın Orda, İran vb. seramiklerini etkiledi. 16. yüzyılda İznik'ten Türk çok renkli çinileri gelişti. Müslüman kültürü de birçok sanatsal cam, metal (gravür, kovalama, emaye ile süslenmiş) ve silah örnekleri bırakmıştır. İslam dünyası geleneksel olarak mobilyadan çok halı kullanmıştır; birçok ülkede üretildiler (Kafkasya, Hindistan, Mısır, Türkiye, Fas, İspanya, Orta Asya'da); Halı dokumacılığında lider yer İran'a aittir. Mısır'da çok renkli yünlü kafes kumaşlar, keten kumaşlar ve topuklu ayakkabılar ürettiler; Suriye'de, Cordoba Halifeliği döneminde İspanya'da ve Sicilya'daki Arap zanaatkarları - ipek, brokar; Türkiye'de (Bursa'da) - kadife; İran'da (Bağdat'ta) - ipek perdeler; Şam'da - sözde Şam kumaşları.

Bizans, antik çağın birçok sanatsal sanatının varisi oldu: cam yapımı, mozaik sanatı, kemik oymacılığı vb. burada yaygınlaştı; buna göre, Bizans sanat ve zanaatlarının tarzı aynı zamanda rafine, dekoratif ve zengindi. Bu kültürün etkisi Avrupa devletlerine (Eski Rusya dahil), Transkafkasya ve Orta Doğu'ya (Rusya'da, bu etkinin hatıraları 19. yüzyılın Rus-Bizans tarzına kadar korunmuştur).

Avrupa'da, Karolenj Rönesansı sırasında Bizans ve Arap dünyası ülkelerinin etkisi altında yeni sanat ve zanaat biçimleri gelişti. Romanesk döneminin kültüründe, manastırlar ve kentsel lonca şirketleri önemli bir rol oynar: taş ve ahşap oymacılığı, metal ürünlerin imalatı, dövme kapılar ve ev eşyaları uygulandı. Geç antik çağ geleneklerinin korunmaya devam ettiği İtalya'da kemik ve taş oymacılığı, mozaik ve gliptik sanatı ve mücevher sanatı gelişti; tüm bu alanlarda ustalar en yüksek mükemmelliği elde ettiler. Gotik, o dönemin karakteristik birçok zanaatını miras aldı; Gotik tarzın özellikleri fildişi ve gümüş ürünlerde, emayelerde, duvar halılarında ve mobilyalarda [düğün sandıkları dahil (İtalya'da - cassone, oymalar ve resimlerle süslenmiş)] açıkça ortaya çıktı.

Eski Rusya'da mücevher sanatı, ahşap ve taş oymacılığında özel başarılar vardı. Rus mobilyalarının karakteristik türleri tabutlar, kule masalar, kasalar, sandıklar, masalardı. Pitoresk kompozisyonların "çim deseni" şeklindeki yazarları ikon ressamlarıydı - "imzacılar", ayrıca sandıklar, masalar, zencefilli kekler için tahtalar, satranç, yaldızlı arabalar vb. 17. yüzyılın dekoratif "oyması" "fryazh otları" olarak adlandırıldı. Kiev, Novgorod, Ryazan, Moskova (Ataerkil atölyeleri, Gümüş Odası, 17. yüzyılın 2. yarısından - Moskova Kremlin Cephaneliği), Yaroslavl, Kostroma'daki atölyelerde mutfak eşyaları, tabaklar, fayanslar, dini nesneler üretildi. Kirillo-Belozersky, Spaso -Prilutsky, Sergiev Posad manastırları. 17. yüzyılın 2. yarısından itibaren, Rus sanat ve el sanatlarında (kiremit üretimi, ahşap oymacılığı ve boyama, dantel dokuma ve dokuma, gümüşçülük ve çömlekçilik) halk el sanatlarının hızlı gelişimi başladı.

Rönesans'ta sanatsal zanaat, temelde otoriter ve ağırlıklı olarak laik bir karakter kazanır. Yeni sanat ve zanaat türleri ortaya çıkıyor, eski zamanlardan beri unutulan türler ve teknikler yeniden canlandırılıyor. En önemli değişiklikler mobilya üretiminde (katlanır ön panelli gardıroplar, sırtlı ve kolçaklı bir göğüs tezgahı vb.); dekor klasik bir düzen ve karakteristik bir süs kullanır - grotesk. Cenova, Floransa ve Milano'nun ipek dokumacılığı, Venedik camı, İtalyan mayolikası, gliptikler, mücevher sanatı (B. Cellini), sanatsal metal işleme [Hollanda ve Alman gümüşünde "loblu stil" (Jamnitser ailesi)], emayeler, cam ve Fransız seramikleri ( Saint-Porcher yapımı, usta B. Palissy).

Barok döneminin dekoratif ve uygulamalı sanatı, kompozisyonların özel bir ihtişamı ve dinamiği, tüm unsurlar ve detaylar (tabaklar ve mobilyalar) arasında organik bir bağlantı ile karakterize edilir, hacimli, büyük formlar tercih edilir. Mobilya (gardırop, dolap, şifonyer, büfe vb.), cilalı ahşap, yaldızlı bronz aksesuarlar ve Floransalı mozaikler, kakma (döşenmiş bronz, abanoz, metal, sedef, kaplumbağa kabuğu kullanılarak kakma, vb.) kullanılmıştır. - A. Ş. Bul'un atölyesinin ürünlerinde). Avrupa'nın goblen fabrikaları, Flaman halı sanatından (Brüksel fabrikaları) etkilenmiştir; Cenova ve Venedik yünlü kumaşları ve baskılı kadifeleriyle ünlüydü. Delft fayans, Çinlilerin taklidi olarak ortaya çıktı. Fransa'da yumuşak porselen, fayans (Rouen, Moustier) ve seramik (Nevers), tekstil (Lyon'da fabrikada), ayna ve duvar halısı üretimi gelişiyor.

Rokoko döneminde (18. yüzyıl), nesnelerin formlarında ve süslemelerinde kırılgan ve karmaşık asimetrik çizgiler hakimdir. İngiltere'de gümüş eşyalar (P. Lamery), şamdan vb. üretilir.Almanya'da metal ürünler arasında muhteşem rocaille formları (I. M. Dinglinger) bulunur. Yeni mobilya biçimleri var - bir büro (masa-masa, büro-tabakları ve büro-silindir), çeşitli masa türleri, arkası kapalı yumuşak, döşemeli bir berjer sandalye, 2 parçalı bir tuvalet masası; Dekorasyon için resimli panolar, kakma, kakma kullanılmıştır. Yeni kumaş türleri ortaya çıkıyor (hareli ve şönil). İngiltere'de T. Chippendale, gotik ve chinoiserie motiflerini kullanarak Rokoko tarzında (sandalyeler, masalar ve kitaplıklar) mobilyalar yaptı. 18. yüzyılın başında, ilk Avrupa porselen fabrikası Meissen'de (Saksonya) (heykeltıraş I. Kendler) açıldı. Chinoiserie stili, hem Avrupa porselenlerine (Meissen, Chantilly, Chelsea, Derby, vb.) hem de Rusça'ya (St. Petersburg yakınlarındaki İmparatorluk Porselen Fabrikası) ve ayrıca tekstil, cam ve mobilyaya ((Martin kardeşlerin Fransız vernikleri) nüfuz eder. 1670'lerde, İngiltere'de yeni bir kurşun cam bileşimi (İngiliz kristali olarak adlandırılır) ortaya çıktı; üretim tekniği Çek Cumhuriyeti, Almanya ve Fransa'da geniş çapta yayıldı.

18. yüzyılın 2. yarısındaki klasisizm döneminin ve daha sonra İmparatorluğun sanat ve zanaatları, Herculaneum ve Pompeii şehirlerindeki arkeolojik kazılardan etkilenmiştir (bkz. Pompeian tarzı). Adam kardeşlerin (İngiltere) yarattığı, dış dekor ve iç dekorasyonun birliğini teyit eden tarz, sanat ve el sanatlarına, özellikle mobilyaya (J. Heplwhite, T. Sheraton, T. Hope, Jacob, J. A Riziner kardeşler), plastik takılar (F.F. Tomir tarafından Fransız yaldızlı bronz), sanatsal gümüş (P. Storr tarafından fincan ve tabaklar), halılar ve kumaşlar, mücevher sanatı. Cork Glass Company'nin cam sürahilerini, bakara vazolarını ve kristal kademeli avizeleri sadelik ve netlik ayırt eder. Porselende, 18. yüzyılın sonunda Meissen, Avrupa'nın ana porselen üreticisi statüsünü Fransız Sevres porselenine kaptırıyordu ve Viyana, St. Petersburg ve Berlin'deki fabrikalarda olağanüstü örnekler yaratılıyordu. İngiltere'de, J. Wedgwood "Etruria" fabrikası ortaya çıkıyor ve antika kameolar ve vazolar taklit ederek seramikler üretiyor. Rusya'da, dekoratif ve uygulamalı sanat eserlerinin yaratılmasında birçok önde gelen mimar yer aldı (A. N. Voronikhin ve K. I. Rossi mobilya ve vazolar tasarladı, M. F. Kazakov ve N. A. Lvov avizeler tasarladı).

Biedermeier döneminde, sanat eserleri ve el sanatları, yerel ahşap türlerinden (ceviz, kiraz, huş ağacı), zarif yönlü cam sürahilerden yuvarlak, sade formlardan oluşan rahat, basit mobilyaların ortaya çıkmasına neden olan rahat bir yaşam arzusunu yansıtıyordu. ve zarif resimli gözlükler (A. Kotgasser ve benzeri eserler). Eklektizm dönemi (19. yüzyılın ortaları), kullanılan tarihsel üslupların üslup çeşitliliğinin yanı sıra yaklaşımların ve sanatsal tekniklerin birleştirilmesinde kendini gösterdi. Neo-Rokoko, 18. yüzyıl sanatının dekorundan ilham almıştır; Rusya'da renkli zemin üzerine polikrom çiçek boyaması ile A.G. Popov fabrikasının porselen ürünlerinde kendini göstermiştir. Gotik'in (Neo-Gotik) canlanması, sanatçıların dekoratif ve uygulamalı sanata romantik olarak yüce bir stil getirme arzusundan ve yalnızca dolaylı olarak gerçek Gotik motifleri yeniden üretme arzusundan kaynaklanıyordu; daha ziyade, Gotik sanat formlarından ziyade süsleme unsurları ödünç alındı ​​(D. Biman'ın Bohem camı, Peterhof'taki Nicholas I "Yazlık" sarayı için porselen ve camdan eserler). İngiltere'deki Viktorya tarzı, ağır mobilyaların yaratılmasına ve "küçük formlarının" (raflar, şemsiyelikler, oyun masaları vb.) Sırsız porselen taklit mermer yeniden popüler oldu. Camda (esas olarak Bohem camda) yeni türler ve teknikler ortaya çıktı - lamine renkli "flaş" cam, kameo opak ve siyah (chialit) cam taklit litialil değerli taşlar. 1840'ların ortalarından beri, Fransa'da Baccarat, Saint-Louis ve Clichy'nin cam fabrikalarında ve daha sonra İngiltere, Bohemya ve ABD'de yeni bir yön ortaya çıktı (binlerce kağıt ağırlıklarının oluşturulması vb.). Çeşitli tarzlardaki unsurların birleşimi, mobilyaların gelişimini ve yeni endüstriyel teknolojilerin ve malzemelerin ortaya çıkışını belirledi: yapıştırılmış ve bükülmüş ahşaptan (M. Thonet), kağıt hamurundan, oymalı ahşaptan ve dökme demirden yapılmış formlar.

Birleşik Krallık'ta Arts and Crafts Society tarafından başlatılan eklektizm karşıtı protesto, 19. yüzyılın sonunda Art Nouveau tarzının oluşumuna katkıda bulundu; dekoratif, uygulamalı ve güzel sanatlar arasındaki sınırları bulanıklaştırmış ve birçok ülkede farklı biçimler almıştır. Art Nouveau dekoru çoğunlukla doğal formların süs motiflerine benzetilir; kavisli çizgiler, dalgalı konturlar, asimetrik tasarımlar yaygın olarak kullanıldı (mobilyalar V. Horta, L. Majorelle, E. Guimard, E. Galle, O. Daum, L. Tiffany tarafından çiçek ve peyzaj motifli sanatsal lamine renkli cam, takı R. Lalique). Viyana Secession sanatçıları, Scot C. R. Mackintosh gibi, tam tersine simetri kullandılar ve doğrusal formları kısıtladılar. J. Hoffmann'ın genellikle G. Klimt (mobilya, cam, metal, mücevher) ile işbirliği içinde yapılan çalışmaları, zarafet ve incelik ile ayırt edilir. Avrupa porselen üretiminde, Kopenhag Kraliyet Fabrikası'nın sır altı resimleri lider bir konuma sahipti. Rus modernitesinde, ulusal-romantik dalında, neo-Rus tarzı kendini gösterdi - özellikle Abramtsevo sanat çevresinin faaliyetlerinde (V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, E. D. Polenova'nın eserleri), Prenses M. K. Tenisheva'nın Talashkino atölyesi, atölyeler Stroganov Okulu'ndan.

En yeni sanat ve zanaat tarihi, yalnızca el sanatlarının (W. Morris ve diğerleri) canlanmasıyla değil, aynı zamanda 19. ve 20. yüzyılların başında Avrupa ve ABD'de yeni bir yaratıcı faaliyet türünün ortaya çıkmasıyla başlar - 1920'lerde tasarım ve daha aktif gelişimi (Bauhaus, Vkhutemas). Art Deco tasarımı, abartısız lüks ve konfor (geometrik şekiller, stilize ve basitleştirilmiş süslemeler, egzotik kaplamalı düz çizgili mobilyalar, fonksiyonel yemek takımları ve çiçek vazoları) yetiştiren neredeyse tüm ev iç mekanlarının temeli oldu.

1917'den sonra Rus sanatı yeni bir ideolojik ve estetik temel üzerinde gelişti.

Sanatçılar, genel nüfus için karmaşık bir rasyonel ortam yaratmak için sanat yoluyla çağın ruhunu (sözde propaganda porseleni) aktarmaya çalıştılar. 1950'lerin sonlarından bu yana, Sovyet sanat ve el sanatlarında, sanat endüstrisinin (Leningrad'daki porselen fabrikaları, Verbilok, Dulevo porselen fabrikası, Konakovo fayans fabrikası, Leningrad cam fabrikası, Gusevsky kristal fabrikası vb.) ve halk el sanatlarının aktif gelişimi ile birlikte. (Gzhel seramikleri , Zhostovo resmi, Skopinskaya seramikleri, Dymkovo oyuncağı vb.; bkz. Sanatsal el sanatları), yazarın sanatı da yüksek bir seviyeye ulaştı.

20. yüzyılda sanat ve zanaatların gelişimi, geleneksel ve avangard ilkelerin bir arada var olması ve iç içe geçmesinden kaynaklanmaktadır. Yeni materyallerin ince anlatım olanakları, taklit ve yaratıcı alıntılar büyük önem kazandı. Postmodernizm çağında, ondan yabancılaşmış bir kişiye hizmet etmekle açıkça “ilgilenmeyen” özerk bir varlık olarak dekoratif bir esere karşı özel bir tutum ortaya çıkar. Sonuç olarak, bu, ilgili sanatlardan (öncelikle tasarım) rekabetin ortaya çıkmasının neden olduğu sanat ve zanaatların "kendini tanımlama krizine" yol açtı. Bununla birlikte, bu kriz paradoksal olarak, kendi figüratif özgünlüğünü genişletmek ve revize etmek, yeni türler ve malzemeler (seramik plastikler, fiberglas, tekstil plastikleri, mini goblen, ahşap çerçevelerdeki mozaikler, vb.) .

Lit.: Molinier E. Histoire generale des arts aplikler à industrie. R., 1896-1911. Cilt 1-5; Arkın D. Günlük şeylerin sanatı. En son sanat endüstrisi üzerine denemeler. M., 1932; Fontanes J, de. Sanat tarihi. R., 1950; Baerwald M., Mahoney T. Mücevherat hikayesi. L.; NY, 1960; Kagan M. Uygulamalı sanat hakkında. Bazı teori soruları. L., 1961; Rus dekoratif sanatı / Düzenleyen A. I. Leonov. M., 1962. T. 1-3; Saltykov A.B. İzbr. İşler. M., 1962; Barsali I. B. Avrupa emayeleri. L., 1964; Kenyon G. H. Weald'ın cam endüstrisi. Leicester, 1967; Cooper, E. Çömlekçilik tarihi. L., 1972; Davis F. Kıtasal cam: Roma'dan modern zamanlara. L., 1972; Moran A. de. Dekoratif ve uygulamalı sanatların tarihi. M., 1982; Osborne N. Dekoratif sanatların Oxford arkadaşı. Oxf., 1985; Boucher F. Batı'da bir kostüm tarihi. L., 1987; Nekrasova M. A. Dekoratif sanatta topluluk sorunu // Topluluk Sanatı. Sanatsal konu. İç mekan. Mimari. Çarşamba günü. M., 1988; Resimli Antika ansiklopedisi. L., 1994; Makarov K. A. Yaratıcı mirastan. M., 1998; Dekoratif sanatlarda malzeme ve teknikler: resimli bir sözlük / Ed. L. Trench tarafından. L., 2000.

T.L. Astrakhantseva.