"Elbette çiçekler olmadan da yapabilirdim ama kendime saygımı korumama yardımcı oluyorlar, çünkü gündelik kaygılarla eli ayağım yere zincirlenmediğimi kanıtlıyorlar. Onlar özgürlüğümün kanıtı. "(Rabindranath Tagore)

Ne ilginç ve derin bir düşünce: çiçekler - ve kişisel özgürlük! Adamın bu konuda söyledikleri daha da çarpıcı. Yazar, şair, besteci, sanatçı, halk figürü, Nobel Edebiyat Ödülü sahibi... Çiçeklerin güzelliğinin tadını çıkarmaya ve kendini özgür hissetmeye zaman buldu!

Rusya'da altı aylık soğuk hava çok fazla! Karla kaplı bahçeler, tarlalar ve ormanlar, gri gökyüzü ... Varlığın doluluğu duygusuna duyulan ihtiyaç, insanları her zaman tüm yıl boyunca kalbi ve ruhu memnun edebilecek, doğanın güzel yaratımlarının analoglarını yaratmaya itmiştir.

Rus halk sanatının bu kadar parlak ve şenlikli olmasının nedeni budur. Ve 19. yüzyılda, Rusya'nın merkezinde, "ikamet yeri" - Zhostovo'ya göre, bu gibi durumlarda sıklıkla olduğu gibi adlandırılan başka bir harika zanaatın doğması tesadüf değil! Ülkemizde, bu kelimeyi duyarsa, hafızası hemen parlak, neredeyse muhteşem, çiçek buketleri gibi görünmeyen bir kişinin olması pek olası değildir! Çiçek aranjmanları - metal bir tepside. Ve şunu söylemeliyim ki, Tagore'un dehasının çiçeklerle iletişim kurarken kaydettiği özgürlüğün, ünlü Zhostovo buketlerini yaratırken en parlak şekilde tezahür ettiğini söylemeliyim.

Zhostov sanatçılarının ünlü hanedanlarından birinin temsilcisi - Larisa Goncharova (usta eserlerinin örnekleri). Herhangi bir faaliyet alanında bir hanedan bu davanın tarihidir. Bir aileye dönerek, bütün bir zanaatın gelişiminin asırlık tarihini öğreneceksiniz. Böylece, ustalığın sırlarından bahseden Larisa, resmin bir doğaçlama olduğunu söyledi: yazarın kendisi ne olacağını bilmiyor, el “makineye gidiyor”!

Tomurcukların derinliklerinden büyülü bir ışıkla parlayan bu büyüleyici çiçeklerin, vernikli yüzeyde titrek bir şekilde, virtüöz müzikal doğaçlama notaları gibi titreyerek "sesi" olması için nasıl bir Üstat olmanız gerekir! Goncharovs tarafından yaratılan çiçeklerin zarif güzelliği, bize ya neşeli bir tatil ya da tarafsız bir tefekkür havasını taşıyan özel bir anlamla doludur.

Tasarlananın somutlaştırılmasının mükemmelliğine hayran kalarak, buketlerin tasvirinde özgürlüğün ve havadar hafifliğin tadını çıkarırken, faydacı bir nesnenin uzun zamandır bir sanat sembolü haline geldiğini ve Zhostovo resminin bunun bağımsız bir şekli olduğunu anlamaya başlarsınız.

Başkente çok yakın olan Zhostovo köyü, birkaç yüzyıl boyunca eşsiz Rus zanaatının sembolü olmuştur. 20. yüzyılın son on yıllarında, şehrin gürültüsünden ve bozulan ekolojiden bıkan yeni Ruslar köyü seçti. Bu arada, bize çocukluktan tanıdık gelen "Kar Kraliçesi" nden Gerda, daha doğrusu popüler tiyatro ve sinema oyuncusunu oynayan Elena Proklova da uzun yıllar ormanın yanındaki bu köyde peyzaj tasarımının tadını çıkararak yaşadı. organik meyve ve sebzeler yetiştirmek. Tepsileri nasıl boyayacağını öğrenmenin cazibesinden kurtulamadı!

Sürekli genişleyen "konaklar şehri"nin arka planına karşı, eski zamanların evleri alçaldı ve alçaldı, anavatanlarına "büyüdü", sanki sökülmekten korkuyormuş gibi daha derine ve daha sıkı tutundu. Ve bunun nedenleri vardı.

İlk başta söylentiler vardı, ama inanmak istemedim. Devletin bu kadar gurur duyduğu eski halk sanatı özel mülk olabilir mi? Biraz zaman geçti ve söylentiler oldu bitti oldu. Banka, efsanevi Zhostovo sahasının sahibi oldu (özellikle bankanın sahibi satabileceği için bunun için ek reklam yapmayacağız!). Ve her şey olağan düzene göre gitti. Banka, halk zanaatını ve ünlü Zhostovo Tepsileri Müzesi'ni koruma sözü verdi, ancak fabrikanın toprakları ve alanları kiraya verilmeye başlandı. Şu anda tepsi endüstrisi ile ilgisi olmayan yaklaşık otuz işletme var. Fabrikada kalan otuz genç usta, resim atölyeleri için ayrılmış dört küçük odada toplanıyor. Şimdi sahibi için çalışıyorlar. Tüm büyük sanatçılar, eski ustalar, gerçek yaratıcılar zanaatı bırakıp evde çalışırlar. Son zamanlarda, fabrika ile çalışmayı neredeyse durdurdular.

Bir ev eşyası olarak bir tepsi uzun zamandır bilinmektedir, ancak tam olarak 19. yüzyılın başından itibaren, şehirlerin büyümesi nedeniyle, çok sayıda otel, taverna, restoran, tepsinin ortaya çıkması büyük miktarlarda gerekli olmaya başladı ve sadece amaçlanan amaçları için değil, aynı zamanda iç dekorasyon için de kullanıldı. Parlak buketler, natürmortlar, bir troykada çay içme veya binme sahneleri, bu tür kuruluşların duvarlarını süsleyen geleneksel tepsi resimleridir.

Zhostovo tepsileri, genel adı "Rus vernikleri" olan yöne aittir. İlk olarak, 18. yüzyılın sonunda, kağıt hamuru üzerine lake minyatür resim ortaya çıktı. Fedoskino yakınlarındaki Danilkovo köyü, Zhostovo ve Ostashkovo köyleri, minyatür resimlerle süslenmiş kutular, enfiye kutuları, kutular, kurşun kalem gözlükleri, sigara kutuları, albümler, peksimet, cüzdanlar - eşyaların üretimi ile ünlüydü. O zamanlar sanatçılar, eserlerini yarattıkları şövale resimlerini, gravürleri, özgürce yorumlayarak ünlü eserlere yöneldiler. Lake minyatürlerin ana akımında ortaya çıkan tepsi üretimi, yavaş yavaş bağımsız bir zanaat haline geldi. Başlangıç ​​noktası, Philip Nikitich Vishnyakov'un atölyesinin Zhostovo'da çalışmaya başladığı 1807'dir. Balıkçılığın temeli başka bir Vishnyakov - Osip Filippovich adıyla ilişkili olmasına rağmen. 19. yüzyılın ortalarında, bölgede zaten on iki atölye vardı: Belyaev, Mitrofanov, Zaitsev, Leontyev ve diğerleri. Zanaat gelişti ve tepsiler sadece kartonpiyerden değil, demirden de yapılmaya başlandı. Kuşkusuz, bu konuda 18. yüzyıldan beri ünlü olan Nizhny Tagil'de tepsi üretim merkezinin etkisi.

İlk başta mal sahipleri işçilerle eşit düzeyde çalıştıysa, 1870-1880'lerde giderek daha fazla girişimciye dönüştüler. Bu yıllarda, Moskova yakınlarındaki banliyö ticaretinde 240'tan fazla işe alınan işçi vardı. Genellikle bir tepsi üzerinde üç kişi çalışırdı: kalıbı yapan bir demirci, yüzeyi astarlayan bir macuncu ve tepsiyi boyayan bir ressam. Kuruduktan sonra astar verniklendi.

20. yüzyılın başlarında, St. Petersburg, Nizhny Tagil, Moskova bölgesinde lake minyatür, şövale boyama, porselen boyama ve diğer sanat türlerinde en ilginç olan her şeye hakim olan Zhostov'un sanatçıları kuruldu. yine de, her şeyden önce yerel geleneklerinin gelişimine dayanan kendi tarzları. Bugün Zhostov'un sanatının doğasında bulunan profesyonel bir resim kanonu olan bir sistem geliştirildi. Çok katmanlı Zhostovo yazma teknikleri sırasında, ustalar tarafından emilen ve "sütlü" olarak adlandırılan tuhaf bir alfabe kaydedilir. Gölgelendirme, gölgelendirme, döşeme, parlama, çizim, ciltleme - bunlar, çiçeklerin ve resim yapraklarının genelleştirilmiş silüetlerinden, en ince ciltleme detaylarıyla karmaşık kompozisyonların oluşturulmasına yol açan, çiçekleri buketler halinde birleştiren “adımlardır”. arka plana bağlıyor. Ve sadece bu alfabeye "mükemmel" hakim olan, "en zor kelimeleri temiz bir şekilde konuşmayı" öğrenen sanatçı, uzun zamandır beklenen Özgürlüğü alır. Şimdi, Üstadın eli, cennet kuşlarının yaşadığı ve ustaca doğaçlama yaparak, muhteşem güzellikte yeni buketler yarattığı büyülü bahçelerin kendi yollarında onu yönlendirme hakkına sahiptir.

Çeşitli Rus el sanatlarının ünlü ustalarıyla iletişim kurarken, hepsinin sadece ana mesleklerinde değil, çoğu zaman diğer birçok faaliyet alanında da yetenekli olduklarını fark ettim. Birkaç yıl önce, Rusya Halk Sanatçısı Nikolay Gushchin, Nizhny Novgorod sanatının baş sanatçısı "Khokhloma Sanatçısı", Soçi'deki Buyan-Ostrov festivaline katıldı. Katılımcıları sadece sergiye getirdiği eserlerle, ustalık sınıfında gösterdiği yetenekli resimle değil, aynı zamanda ... bir dansçının harika hediyesi ile de şaşırttı! Ziyafette nasıl dans etti! Pek çok erkek bu tür yeteneklerle övünemez. Ve bir şey daha: sanatçının gözleri, yaratıcılık için gerekli unsurları çevreleyen gerçeklikten sürekli olarak kapar ve her yaratıcının kendine ait vardır. Beni ziyarete gelen Gushchin'in resimleri için hemen yeni fikirler bulduğunu hatırlıyorum: bahçede yürürken ilk dakikasında göze çarpmayan bir çiçek aldı. "Otun" buklelerini zevkle inceleyerek, orta şeritte böyle bir şey görmediğini ve resimlerinde kullanması gerektiğini söyledi. Çiçek bıçağını özenle sardı ve cebine koydu. Çiçekler, Rus sanat el sanatlarında duvar resimleri için en popüler motiftir.

Gelenekler böyle gelişir. Her sanatçı kendi gördüğü, gördüğü ve deneyimlediği yerleşik kanonlara katkıda bulunur. Her yazarın kendine özgü bir tarzı vardır. Profesyoneller, vuruşlarının doğası gereği, ustaların "ellerini" kolayca ayırt eder ve emek ve yeteneğin getirdiği bireyselliğe dikkat çekerek, genellikle sanat tarihi açısından değil, tanımlar verirler. "Dans etmek" coşkuyla Zhostovo resminin ustası Rusya'nın Onurlu Sanatçısı Larisa Goncharova'nın lekesini çağırıyorlar. Larisa ünlü çiçeklerini yazarmış gibi şarkı söylüyor (ya da nasıl şarkı söylediğini yazıyor!).

Larisa Goncharova'nın adını taşıyan Sanat Okulu'ndaki diploma çalışması Kalinina komisyon tarafından çok takdir edildi ve VDNKh'ye gönderildi ve Larisa, Komsomol Merkez Komitesinden bir ödül aldı.

Çocukken, Larisa koreografiyle uğraştı, ancak bir sanatçının mesleğini aldıktan sonra, uzun yıllar boyunca folklor topluluğu "Rus" da şarkı söyledi, gezdi. Aynı zamanda bir gecede kendine güzel bir kıyafet yapabilen doğuştan bir giyim tasarımcısı. Tekrar etmeye çalışın: Zhostovo çiçekleriyle boyanmış "tavşan" süslemeli bir tafta elbise - özel!

Olumlu bir karakter, parlak sanatsal eğilimler, resimde doğal bir yansıma buldu. Dolayısıyla "dans" vuruşu!

Dördüncü kuşakta, çocukluğundan beri bir sanatçı olan Larisa, annesine işe koşarak ünlü Zhostovo tepsilerinin yaratılmasının tüm aşamalarını gözlemleyebilir (neyse ki, Zhostovo Dekoratif Resim Fabrikası evinin yanında bulunuyordu!), Her ne kadar onun ayak izlerini takip etmeyecekti. Ama annem bilge bir kadındı ve onu yavaş yavaş doğru yola yönlendirmeyi başardı. Burada genler açıkça rol oynadı. Ne de olsa, 1830'larda Zhostovo'da tepsi yapmak için atölyesi olan aynı Timofey Maksimovich Belyaev, Larisa Goncharova'nın annesinin büyük büyükbabasıydı - Rusya Halk Sanatçısı Nina Nikolaevna, I. I. E. Repin.

Ticaretin savaş öncesi tarihi bize sadece erkek isimleri bıraktı. Ancak 1941, ülkenin hayatını alt üst etti ve tarihini hayatın her alanında ve alanında yazmaya başladı. Adamlar cepheye götürüldü. Ve ilk kez, 100 yıldan daha eski olan Zhostovo ticaretini mahvetmemek için fabrikaya 13-14 yaşlarında altı kız götürüldü. Bunlar arasında Nina Belyaeva (daha sonra Goncharov ile evli) vardı. Üretimde savaş zamanı çocukluk ayrı bir makaledir. Roman yazabilir ve kurmaca filmler yapabilirsiniz! Nina Nikolaevna, küçük kızların, ormandan kütükleri ısı üretimine nasıl sürüklediklerini ve demir olmadığı için konserve yiyeceklerden boyandıklarını anlattı (tüm metaller savunma için kullanıldı). O yıllarda Nina'nın eserlerini müze koleksiyonlarında ve dünyanın en iyi sergi salonlarında sunması pek olası değil! Açıkçası, çocuğunuzun elinin hangi duvarları, zeminleri, tencere ve kavanozları boyadığı önemli değil. Bu eli kimin "koyduğu" önemlidir. Kızlara, Zhostov tarihinde olağanüstü bir rol oynayan en eski usta Andrei Pavlovich Gogin tarafından öğretildi. Geçen yüzyılın 20'li yıllarında, artel'in aktif bir organizatörü haline gelen ve temelinde birçok seçkin eser yarattığı ve çok sayıda öğrencinin geleneksel becerilerini öğrettiği Gogin'di. O, 20. yüzyılın başında kelimenin tam anlamıyla tüm halk zanaatlarının işleyişini bozan krizden kurtulmaya yardım edenlerden biriydi. 1928'de arteller birleşti - 1960 yılında Zhostovo dekoratif resim fabrikası olarak yeniden adlandırılan "Metallopodnos". Tüm bu aşamalar Andrei Pavlovich'in hayatıydı ve savaştan sonra, 1948'den 1961'e kadar sanat yönetmeni ve baş sanatçı olarak zanaatın başına geçti. O zamanlar, Zhostov'un sanatçı ekibi, 1920'lerde ve 1930'larda başlayan Sovyet devlet organlarının, doğrudan bir gerçekçilik ifadesi sunarak zanaatın gelişiminin yerleşik yönünü değiştirme girişimlerini aşmak zorunda kaldı. Bu tür yenilikler Rus sanatında tüm bir eğilimi yok edebilir. Ancak önde gelen ustalar, geleneksel işçiliği derinleştirmek için yeni fikirlerin uygulanmasını yönlendirerek buna direnebildiler.

Gogin, çalışmalarında tepsilerin şeklini ve kompozisyon şemalarını denedi, sedef kakma, renkli ve altın arka planlar kullandı. Lirik armağanı değişmeden kaldı ve bunu öğrencisi Nina Goncharova'ya devretti. Yarım asırdan fazla bir süredir, mükemmelliği ile bizi memnun eden eserler yaratıyor.

Zanaatın doğduğu ve geliştiği bölgede yaşamayan bir kişinin asla temsilcisi olamayacağı, gelenekleri geliştiremeyeceği uzun zamandır kanıtlanmıştır. Rus halk el sanatlarının sanatı, yalnızca anavatanda gerçekten yaşıyor ve ondan ilham alıyor. Buna rağmen, ülkemizin farklı yerlerinde ve dünyanın birçok ülkesinde Rus sanatının güzelliğine tutkuyla çekilen ve en azından sanatın temellerine hakim olmayı hayal eden insanlar var. Bu nedenle sanatçılarımız farklı ülkelere davet ediliyor, okullar kuruyor, ustalık dersleri veriyor. Larisa sık sık yurtdışına seyahat eder, yabancılara öğretir. Herkes Zhostovo resminin temellerini öğrenebilir, ancak herkes bu resmin sanatçısı olamaz. Yabancılar onlar için yeni olduğu için okuyorlar. Uzun yıllar boyunca, Rus sanatına aşinalık, iç içe geçmiş bebeklerle sınırlıydı. Bazıları için artık eğlence, bazıları için iş. Avustralya, Tayvan'da L. Goncharova'yı öğretti. Amerika'yı birkaç kez ziyaret etme şansı oldu: 8 eyaletteki sanat stüdyoları ustalık sınıflarını düzenledi. Ve bir kez boyama tepsilerinde böyle bir ustalık sınıfı gerçek ve eşsiz bir gösteriye dönüştü: katılımcıları şık renkli Rus kostümleri giymiş bir folklor topluluğu tarafından bir performansın fonunda yapıldı. Larisa ayrıca performanslarını eğitimle değiştirerek şarkı söyledi. Lüks bir takım elbise içinde, topluluğun arka planına karşı bir tepside oturuyordu! Amerikalı kadınlar, şarkıcı-sanatçının bir dakika içinde kıyafetlerini ve kıyafetini değiştirmesini izlemek için koştu: heyecan verici bir manzaraydı!

“Yurtdışı bize yardım edecek” herkes için çok tanıdık bir tabir. Klasik. Sanatçılarımızın son yıllarda sık sık uzun süreli yurtdışı gezileri de bunu mizahi olmayan bir şekilde teyit etmektedir. Çalışma ve yaşam koşulları, ücretler - ölçülemeyecek kadar yüksek! Hayır olmasına rağmen, sadece "ölçebilirsiniz", ama istemezsiniz! Para iyidir: Bir usta, yalnızca ekmek ve tereyağı satın alabileceğinden tatmin olmaz. Para bir "ölçü"dür, yaratıcının bir değerlendirmesidir: "İyi para alıyorum, bu da benim yeteneğimi, çalışmalarımı takdir ettikleri anlamına geliyor. Yani bir şey başardım! Çok çalışması ve çok çalışması boşuna değildi!" Görünüşe göre para daha fazla çalışmak için bir teşvik! Ve işte deyim: "Bir sanatçı aç olmalı" ... Açın beyler!

Zaman değişiyor, moda trendlerine cevap veren Zhostovo resmi, zamanımızda sadece geleneksel tepsileri değil, aynı zamanda diğer iç eşyaları da süslüyor: dolaplar, masalar, sandıklar, kutular ... ve hatta kovalar! Siparişler olurdu: Hem ayakkabı hem de elbise boyayabilirsiniz. Ve gerçekten çok güzel. Birkaç yıl önce Moskova'da "Dünyanın yapısı hakkında her şey" sergisi düzenlendi. Organizatörler Larisa Goncharova için bir bilgisayar resmi sipariş etti. Sonuç harika ve sıradışı bir eserdir!

Yine de yetenekli zanaatkarlar, Zhostovo tepsisini Rus kültürünün bir fenomeni olarak korumak için her şeyi yapıyorlar. Ve "Goncharov'ların Çiçekleri", ince lirizmleri ve zarif resim güzelliğiyle, günlük prangaları ellerimizden ve ayaklarımızdan koparır ve bize bir özgürlük ve neşe hissi verir!

Natalia Tsygikalo

M.: Litografi V. Tiyaev,. 39 litre Dolaşım 220 kopyadır. Kolaj tekniği kullanılarak yapılan kapakta iki çıkartma var: metin: Mirskontsa / A. Kruchenykh / V. Khlebnikov ve ortada: N. Goncharova [çiçek] tarafından renkli kağıttan yapılmış kolaj. 18,7x15 cm Tüm litograflar (mürekkep) sayfanın bir yüzüne basılmıştır. Rus fütüristlerinin taş baskılı toplu koleksiyonu. Burada Natalya Sergeevna Goncharova (1881-1962), dünyanın ilk kitap kolajının yaratıcısı olarak hareket etti. Bu litografi baskının değeri tam olarak budur.

Kapak, üst - alt metin:

Mirskonets / A. Kruchenykh / V. Khlebnikov;

merkez: N. Goncharova'nın [çiçek] renkli kağıt kolajı.

Bu koleksiyonun en ilginç yanı, ilk defa kapağa bir kolaj yerleştirilmiş olması. Natalia Goncharova, kitabın tasarımında böyle sıra dışı bir teknik kullanmış. Kapak alanına çiçek şeklinde renkli bir kağıt etiket hakimdir. Bugün bu baskının kapağının yaklaşık 12 farklı versiyonu var. Kitabın tüm kopyalarında, kolajlar önemli ölçüde farklıdır. Kabartmalı desenli ve mermer desenli, çoğunlukla siyah, yeşil veya altın olan çeşitli kağıt türleri ile dekore edilmiştir. Çiçeğin kendisi de şekil değiştirir ve yaprağın altında veya üstünde bulunur. Kolaj, sanatta teknik bir tekniktir, ondan renk ve doku bakımından farklı olan malzemeleri herhangi bir temelde yapıştırır. Kolaj da bu teknikle yapılan çalışma olarak adlandırılır. Çalışmanın dokusunun, farklı malzemelerin beklenmedik kombinasyonunun duygusal ifadesini geliştirmek adına, esas olarak grafiklerde ve posterlerde kullanılır. Resmi bir deney olarak kolaj, Kübizm, Fütürizm ve Dadaizm temsilcileri tarafından resme dahil edildi. Ve daha sonra, 20'li-40'lı yıllarda, kendini bir posterde sanatsal bir fotomontaj yöntemi olarak açıkça gösterdi.

M. Larionov. Yukarıdaki metin: Ölüleri diriltmek ne kadar zor...;

bitiş: şek. [rayonist kompozisyon];

alt: sol: Litografi / V. Tityaeva Moskova, sağ: M. Larionov

M. Larionov. [Masadaki bayan], sağ üst: Larionov

M. Larionov. [Akhmet], görüntünün solunda: AX / ME;

alt: sol: yanıyor. V. Tiyaeva / Moskova; sağda: Larionov

Metin: AHMET / ŞAŞU DERZHET...

M. Larionov. [Sokak gürültüsü], sağ üst: Larionov. M.

M. Larionov. Metin: Kara kılıçlar hwachi tarafından dövülür ...

M. Larionov. [Kişi profili ve sesler], sağ üst: Larionov;

resimde dahil harfler: 033

N. Goncharova. “Müteahhit ile” şiirinin metni (rat ta tat ...);

sağda ve metnin altında: şek. [Çiçekler]; sağ alt monogram: НГ

N. Goncharova. "Uyku" şiirinin metni (T-shirtler oturuyor ...);

sağda ve metnin altında: şek. [Çiçekler].

N. Goncharova. [Şehir manzarası], sağdaki resmin altında: Natalia Goncharova.

N. Rogovin. [İnek, kürekçi, köpek ve insan yüzü olan tekne].

N. Rogovin. [Şekiller], sağda: N Rogovin.

N. Goncharova. [Oturan, darmadağınık saçlı kadın], sol alt: Goncharova.

A. Kruchenykh. Metin: Vedalaştıklarını biliyorlar, omzuma koyardım...;

merkez: şek. N. Goncharova [geyik].

N. Goncharova. [Bir ağacın altındaki iskelet], sağ alt: Natalia Goncharova.

N. Goncharova. [Hırıldayan canavar], sol alt: N Goncharova

A. Kruchenykh. Metin: ama sonra dünya öldü ve buruştu ...;

merkez: şek. N. Goncharova [yelkenli tekneler].

N. Goncharova. [Ağacın altındaki hayvanlar], sol alt: N. Goncharova.

N. Goncharova. Metin: makası güle güle kaydet ...;

merkez: bitiş [çiçek], sağda: Goncharova;

resmin altında: iyi / iyi.

N. Rogovin. Metin: O Dostoyevski / ay; metnin solunda ve sağ altta:

pilav. [insan figürleri].

M. Larionov. [Horoz ve bıçak], şek. sayfanın kenarı boyunca: Op. 8v;

Sol üst: Larionov, şek. metin (yansıtılmış):

Cochet'imiz çok endişeli...

M. Larionov. [İnsan Figürleri],

Resmin solunda. sayfanın kenarı boyunca: Larionov,

şek. metin: Vselenochka'nın adı onun yarısını mip ...

M. Larionov. Metin: psen haidamaks'tan ...;

biten [gagasında bir dal olan uçan kuş], sağ alt: Larionov

N. Goncharova. [Askerler], sağ alt: Natalia Goncharova.

N. Goncharova. [Vila ve Leshy].

N. Goncharova. Metin: "Vila ve Lshago"dan ...;

sağda kenar boşluklarında ve resmin altında: şek. [Çiçekler]; sağ üst: NG.

N. Rogovin. Metin: Boyu dar olan bir tetikçi...; sağda kenar boşluklarında: şek. [Diana].

M. Larionov. Metin: Ostranitsa olarak zorlu olun ...;

bitiş [rayonist çizimi], sağ alt: ML

M. Larionov. Metin: SONDAN MIP ...;

Kapağın arkası, tipografın sol alt kısmında, yöntem: fiyat 70 kopek.

Bibliyografik kaynaklar:

1. Polyakov, No. 16;

2. Rus avangard kitabı / 1910-1934 (Judith Rothschild Vakfı, No. 14),R. 88-89;

3. Markov. ile birlikte. 41-42;

4. Khachaturov. ile birlikte. 88;

5. Kovtun, 2;

7. Kompton. R. 12, 19, 72-74; 90-92, sütun. pi. 2-3;

8. Rozanov, no.4881;

9. Zheverzheev, 1230;

10. Kitap. l., No. 33950;

11. Sıçan, 59;

12. Tarasenkov. ile birlikte. 197;

Rus fütüristlerinin ilk toplu litografik koleksiyonu. Çizimlere ek olarak, Khlebnikov ve Kruchenykh'in şiir ve nesir pasajları litografik bir şekilde yeniden üretildi (sayfanın sanatsal çözümünün yazarı açıklamada belirtilmiştir). Bazıları A. Kruchenykh tarafından çocuk dizgi alfabesi kullanılarak basılmıştır (açıklamada bir yıldızla işaretlenmiştir). Kalın kağıt arka kapaklar, metin sayfaları ve resimler ince, parlak kağıda basılmıştır.

N. Rogovin (Nikolay Efimovich). Ressam ve grafik sanatçısı.

Moskova'da yaşadıOstozhenka'da, evinde.

M.F.'nin çevresine yakındı. Larionov.

"Jack of Diamonds" (1910-1911) sergilerine katıldı,

"Gençlik Birliği" (1911), "Eşek Kuyruğu" (1912), "Hedef" (1913).

Sovyet döneminde ilgi alanı mimariye kaydı.

Larionov ve Rogovin'in çizimleri ilkel bir biçimde sürdürülür, özellikle ilkel ve çocuk sanatının anlatım olanaklarını kullanma girişimi (folio 5, 28, 30) dikkat çeker. Larionov, primitivist sayfalarla birlikte “Luchist” üsluptan örnekler verir (folio I, 3, 7, vb.). Tatlin'in ilk kitap resimleme deneyimi de ilginçtir. Tamamen aceleci "tehditkar" çizgiler üzerine inşa edilmiş bir kafa kesme ile bir sirk eyleminin tasviri, Khlebnikov'un ünlü "Ostranitsa gibi tehditkar ol ..." repliklerine çok başarılı bir eşdeğer olduğu ortaya çıktı. Larionov'un 9 No'lu sayfası, Larionov'un “Eşek Kuyruğu ve Hedef” (“Oz z z z z z o”, s. 140) koleksiyonunda alıntıladığı şair Lotov'un bir şiirinin satırlarına bir örnek olarak algılanıyor. En fazla çizim N. Goncharova'ya aitti. Kruchenykh'in “Dünyada Bir Yolculuk” için sayfa sayfa çizimlere ek olarak, bir sayfayı metinle “süsleyen” bir dizi süs çizimi (örneğin, folyo 10 ve 11) yarattı. Koleksiyon, Aralık ayının ilk on yılında Kitap Chronicle'da belirtildiğinden, büyük olasılıkla Kasım ayının sonunda yayınlandı. Kitabın ilk “incelemesi” de Aralık ayında [Blue Journal] yayınlandı. Her kopyanın kapağı. çizimler yerine, N. Goncharova tarafından yapılmış renkli bir kağıt çıkartma ile süslenmiştir. Üç tür kağıt vardır: çoğunlukla siyah (tanımlanan örnekte olduğu gibi), yeşil (sütun Cl. Leclanche-Boule, Paris) ve kabartma desenli altın. New York'taki Modern Sanat Müzesi'nin koleksiyonu 5 kopya içeriyor. Farklı tasarımlı bir kapağa sahip koleksiyon, bir durumda kolaj, mermer desenli kağıttan yapılmıştır. Çıkartmanın kendisi bir çiçek şeklindedir. Kaliksi, gövdeyi ve farklı yönlere bakan yaprakları açıkça gösterir. Bizim durumumuzda, “çiçek” çapraz olarak yerleştirilmiştir ve silueti bir çocuk kağıt teknesine benzemektedir (simetrik olarak yerleştirilmiş “yapraklar” tek bir kütle halinde verilmiştir), üzerinde bir başlık bulunan bir çıkartmanın altına yerleştirilmiştir. Başka bir seçenek [Kovtun, Compton] farklı bir çözüm önerir: “çiçek” kapağın üst kısmında, başlığın üzerinde bulunur ve şekli dikey olarak vurgulanır. N. Goncharova'nın 22, 24 ve 34 numaralı litografiler için bilinen üç hazırlık çizimi Moskova'da özel bir koleksiyonda bulunmaktadır. V. Bart'a ait olan nüsha Rusya Milli Kütüphanesi'ndedir. Bu koleksiyondan Goncharova ve Larionov'un bazı litografileri kalın kağıda basıldı ve “Natalia Goncharova ve Mikhail Larionov'un 16 Çizimi” koleksiyonuna dahil edildi.

Larionov ve Goncharova'nın yaratıcı ilkelerinin farklılığı, her iki sanatçının birlikte performans göstermesini engellemedi. Bu türden ilk deney onlar tarafından A. Kruchenykh ve V. Khlebnikov “Mirskonets” koleksiyonunda gerçekleştirildi. N. Rogovin ve V. Tatlin de buna katıldı, ancak çizimlerin çoğu Larionov ve Goncharova'ya aitti. Larionov'un çizimleri, en büyük üslup çeşitliliği ile ayırt edildi. Luchist “Sokak Gürültüsü” ve “Masadaki Hanım”ın yanına, “çocuksu” ilkellik ruhunda sürdürülen ünlü “Akhmet” ile, sanatçının ilkel görüntüler dünyasına maksimum yaklaşımını kanıtlayan iki kompozisyon yerleştirildi. . Her ikisi de araştırmacılar tarafından yoğun ilgi uyandırıyor ve genellikle onlar tarafından sanatçının yoğun arkeolojik çalışmalarının tartışılmaz kanıtı olarak yorumlanıyor. E. Parton'a göre, Larionov'un ilkelciliğinin gelişimini tam olarak arkeolojik çıkarlara borçludur. İlk resim, alt çenesi uzatılmış ve “033” harfleri şeklinde işaretlenmiş - ağızdan uçan sesler olan şarkı söyleyen bir kişinin ilkel olarak yorumlanmış bir profilidir. Parton, onu, içine giren ruhun etkisi altında görünüşünü değiştiren ilkel bir şamanın görüntüsü olarak okur. İkinci şekil, koşan insanları temsil eden şematik olarak yorumlanmış figürlerden oluşmaktadır. Tüm sayfa kenar boşluğu boyunca düzensiz çizilmiş şeritler, hem E. Parton hem de S. Compton tarafından kaya sanatına özgü çentiklerin bir taklidi olarak algılanıyor. Larionov'un bu eserlerinde ilkel “ikonografiye” olan güven tartışılmaz - Paleolitik sanatın tipik bir örneği olan “kesilmiş” uzuvları olan bir kadın figürünün siluetine ikinci figürde bakmak yeterlidir. Ancak öte yandan, her iki araştırmacının da yaptığı gibi, çizimlerin belirli şiirlerle ilişkilendirilen illüstrasyonlar olduğu gerçeğini tamamen görmezden gelmek imkansızdır. Yani, ilk durumda - çizim, Kruchenykh'in çizgileriyle ilişkisel olarak ilişkilidir:

Pokerler, Eski İnananların içinden ateşle vurur -"Kara kılıç yapıyorlar ..." alıntısından.

İkinci kompozisyon, başlangıcı olan küçük bir Khlebnikov parçası ile ilişkilidir:

Vselenochka'ya dünya denir, yarı çocuklar ve barış içinde yemin ederler -

sayfanın üzerine görüntünün yanına yerleştirilir. Bu satırlarda şifrelenmiş olan yaklaşan ölüm vizyonu, devamını Larionov'un çiziminde buluyor - gökten düşen yıldızlarda, kompozisyonun sol tarafında tasvir edilen “kılıçların gümbürtüsünde”, mermilerin düdüğünde, uçuşun uçuşunda. kesişen çizgiler vb. ile gösterilir. N. Goncharova, koleksiyondaki çizim sayısı bakımından ikinci sırada yer aldı. Sanatçı, Kruchenykh düzyazılı “Dünyayı Gezmek” alıntısını resimledi. Onun için geleneksel "dizide" birleştirilen sayfa çizimlerine ek olarak, aşağıdakileri içeren iki sayfa metin de belirtilmelidir: ilk durumda - bir geyiğin görüntüsü, ikincisinde - nehir boyunca yelkenli yelkenli tekneler . Aynı sayfada buluşan görüntü ve metnin birbiriyle çatıştığı "Cehennemde Oyunlar"ın aksine, burada daha uyumlu bir çözüm örneği buluyoruz. Bunun nedenlerinden biri, metinde yer alan şekillerin koyu bir arka plandan yoksun bırakılmış olması, dolayısıyla çizgilerinin metnin çizgileriyle aynı düzlemde olmasıdır. Bir bütün olarak koleksiyonun tamamı gibi çizimlerin de çizgi karakterlerini önceden belirleyen mürekkeple doldurulması da rol oynadı.

S. Krasitsky. Kruchenykh hakkında. Şanlı işlerin başında.

Kötü dil bulamacı

çığlıklarım kendine özgü

onlara önsöz yok

Ben iyiyim, hatta tacizciyim!

A. Kruchenykh kendisi hakkında

Senden örnek almak gerekirse, en inatçımız sensin.

B. Pasternak

"Rus edebiyatının Buka'sı", Rus fütürizminin "korkunç çocuk", "kelimenin fütürist Cizviti", Aleksey Kruchenykh, radikal özlemlerinde Rus avangardının kilit isimlerinden ve belki de en tutarlı figürlerinden biridir. 20. yüzyılın Rus yazarlarından hiçbirinin çağdaşları arasında böylesine istikrarlı bir yanlış anlama ile karşılaşmadığını, böyle aşağılayıcı eleştirilere ve nihayetinde Kruchenykh gibi haksız bir değerlendirmeye maruz kalmadığını söylemek güvenlidir. Üstelik, şairin faaliyetlerine açık bir ilgi ile bu yanlış anlama (ya da açık bir tanınmama), sadece anlık, hızla geçen bir tepki değildi, aynı zamanda birkaç uzun on yıl boyunca uzanıyordu ve aslında birkaç edebi dönemi kapsıyordu. Bununla birlikte, bu tür bir "reddetme tepkisi" (Sovyet döneminde olduğu gibi) yalnızca ideolojik nedenlerle açıklanamaz, fakat aynı zamanda Kruchenykh'in çalışmasının birçok içkin özelliğinden kaynaklanmaktadır, bu temelde "aşırı" konum, yarım asırdan fazla yaratıcı yolu boyunca bağlı kaldığı ... Umutsuz bir marjinalin, yorulmak bilmeyen bir grafomaniğin, karşı konulmaz bir deneycinin, çılgın bir polemikçinin itibarı, öyle görünüyordu ki, sanatta kalışını sürekli bir anlaşmazlık hali ve (genellikle mutlakiyet izlenimi veren otoritelerin devrilmesi) dışında hayal edemiyordu. bu anlaşmazlığın kendi kendine yeterliliği, tabiri caizse, bir anlaşmazlık "olarak") tüm bunlar Kruchenykhs'in konumunu çok savunmasız hale getirdi ve olduğu gibi kınama, alay etme ve reddetme amaçlıydı. Yoğun bir anlama arzusu olmadan, şairin eserinin özünü, anlamını, pathos'unu araştırın, yazarın faaliyetlerine "metodolojik güven" (P. Florensky'nin sözleriyle) olmadan, Kruchenykh'in edebi mirasına atıfta bulunurken çok gerekli olan (malzemenin istisnai özgüllüğü nedeniyle), şiirine "sadece şiir" olarak yaklaşmanın imkansız olduğunu fark etmeden, çünkü okurken birçok ek koşulu dikkate almak, böylece özel bir okuma tekniği geliştirmek - olmadan Bütün bunlar, Kruchenykh fenomeninin az çok yeterli bir şekilde algılanması gerçekten imkansızdır. Ve bu anlamda, eleştirmenlerin çoğunluğunun şairlerin (kendi kaderini tayin etme yoluyla) "en çılgın" eserlerine tepkisi tamamen doğal ve mantıklı görünüyor. Bununla birlikte, şimdi, XX yüzyılda Rus edebiyatının yolunun (veya bir kısmı, çok önemli, bir kısmının) en son eğilimlere kadar daha bütünsel bir şekilde ele alınması olasılığı ile, sadece kendi kendine yeten doğa değil, açıkça ortaya çıkıyor. Kruchenykh'in şiirsel deneylerinin belirli bir dönemin tarihsel ve kültürel bir fenomeni olarak, klasik Rus avangard döneminin, aynı zamanda kesinlikle umut verici ve bazı yönlerden faaliyetlerinin vizyoner doğası olarak. Bu aynı zamanda sonraki nesillerin şairlerinin çalışmaları üzerindeki doğrudan veya dolaylı etki ve Kruchenykh'in ilk poz verenlerden biri olduğu ve kendi yolunda tamamen yeni varoluş ilkeleri sorununu çözmeye çalıştığı gerçeği için de geçerlidir. 20. yüzyılda ortaya çıkan gerçeklikler bağlamında kelimenin sanatı olarak edebiyat. , edebiyatın diğer sanat türleri ve insan varlığının diğer alanlarıyla ilişkisi üzerine.

bükülmüş, Alexey Eliseevich 1886'da Kherson eyaletinin Vavilov volostundaki Olivskoye köyünde köylü bir ailede doğdu. Odessa Sanat Okulu'ndan mezun olduktan sonra 1906'da grafik sanatı öğretmeni olarak diploma aldı. Kruchenykhs'in gelecekteki edebi pratiği için sanat eğitimi ve profesyonel resim son derece önemli olacaktır; Birkaç yıl sonra Rus fütürizminin sıkı sıkıya bağlı bir grubu olarak ortaya çıkan Rus fütürizmi için, bu genellikle en önemli fenomen haline gelecektir, çünkü edebi pratiğin temel ilkelerinden biri olan "willlyan" ("fütüristler" kelimesinin Rusça eşanlamlısı) biridir. " V. Khlebnikov tarafından önerildi), edebiyatın Khlebnikov'un temyizinde ifade edilen modern resmin metodolojik ilkelerine yönelimi olacaktır: "Resimden sonra kelimenin cesurca gitmesini istiyoruz." Görünüşe göre, Odessa'da (yaklaşık 1904-1905) David Burliuk ile tanışma, Kruchenykhs'in yaratıcı kaderi için önemli hale geldi (gelecekteki "Rus fütürizminin babası" Vladimir Mayakovsky, Benedict Livshits ve diğer bazı katılımcılarla daha sonraki tanıdıklar. fütüristik hareket). Bu arada, 1912 baharında gerçekleşen gürültülü bir fütürist şirketin fiili oluşumundan önce, Kruchenykh "Empresyonistler" (St. Petersburg) ve "Çelenk" (Kherson) sanat sergilerine katılıyor, basılı bir sanatçı olarak hareket ediyor. , resim ve aynı zamanda kurgu üzerine bir dizi eser yayınlar. Kruchenykh'lerin ilk şiirsel çalışması, 1910'un başlarında Kherson Vestnik gazetesinde yayınlandı. "Kherson Tiyatro Ansiklopedisi" şiiri, süreli yayınlara özgü diğer birçok şiirsel feuilletondan çok farklı değildir. Ancak yazarının yaratıcı kaderini bilerek, zaten içinde Kruchenykh'in edebi konumunun bazı hatlarını görebilir: polemiklerde farkındalık ve kendini iddia etme, klişelere karşı mücadele, yaşam fenomenlerine ve sanat fenomenlerine bir bakış, yandan, kenardan, yandan, özel, beklenmedik, olağandışı bir bakış açısıydı. Bu pozisyon, her zaman doğru kalacaktır (sürekli gözlem açısını değiştirirken). On buçuk yıl sonra, Kruchenykh'in estetik inancının bu “aşırı”, “sınır çizgisini” karakterize eden B. Pasternak, ona hitap ederek şunları yazacak: “Bundaki (sanattaki) rolünüz meraklı ve öğretici. Sınırdasın. Kenara çekilin ve bunun dışında kalırsınız, yani insanların genellikle düşündüğünden daha fazla tuhaflığı olan ham darkafalı içindesiniz. Sen onun akla yatkın sınırının yaşayan bir parçasısın." Edebi "öğretmenler" Kruchenykh hakkında, çalışmalarını en çok etkileyen yazarlar hakkında konuşmak oldukça zordur. Kendisi, ne teorik ne de anılarında edebi tutkularından açıkça bahsetmedi ve bu, önceki ve modern edebiyatın neredeyse tamamını "Modernliğin Buharı'ndan" fırlatanlardan birinden beklenemezdi. Ancak, bildiğiniz gibi, mevcut eğilimlerin ve geleneklerin gelişimi, diyalektik olarak onların inkar, onlardan iğrenme ve onları aşmaya yönelik girişimlerde kendini gösterebilir. Evet ve bir şey manifestoların ve beyanların kategorik talepleri, bir diğeri edebi uygulama (sonuçta, B. Livshits anılarında o sırada “Puşkin'le yastığın altında yattığını” itiraf etti: “... yalnız mıyım? ve bir rüyada onu hiyerogliflerden daha anlaşılmaz ilan edenleri rahatsız ediyor mu? "). Rus fütüristlerinin hiçbiri gibi Kruchenykh, Rus edebiyatına sürekli yoğun ilgi ile ayırt edildi. Başka bir şey, yine ona özel, spesifik bir yaklaşım seçmesidir (örneğin, Rus yazarların "şeytan" ile mücadelesi açısından, "vardiya" veya anal erotizm açısından): bir yandan, bu, uzun süredir herkes tarafından bilinen görünüşte yeni, taze bir bakışı önerdi, ancak diğer yandan klasiklerin veya en önde gelen çağdaş yazarların (her şeyden önce - Sembolistler) ve müesses nizamın itibarını sarsmaya katkıda bulunmalıydı. en son sanatın kendisi de dahil olmak üzere willlians "). Kruchenykh söz konusu olduğunda, edebi sempatileri, görünüşe göre, yazarlardan hangisinin şiirsel ve teorik eserlerde saldırılarının nesnesi haline geldiğine göre değerlendirilebilir. Tabii ki, "tüm başlangıçların başlangıcına" özel ilgi. Ve zaten Kruchenykhs'in V. Khlebnikov ile birlikte yazdığı ilk şiir kitabında, yazarın kendisinin "popüler baskılar altında yapılan arkaik bir şeytanın ironik bir alay konusu" olarak tanımladığı "Cehennemde Bir Oyun" (1912) şiiri ", yazarların Puşkin geleneğine itirazı açıktır ( R. Jacobson da daha sonra bunun hakkında yazdı). Daha sonra Abstruse Gnig'de Kruchenykh, Eugene Onegin'in iki satırdan oluşan kendi versiyonunu sunacak; daha sonra, Puşkin, "vardiya bilimi" teorisini geliştirmede Kruchenykhs'in bir müttefiki olacaktı. Rus fütüristlerinin Gogol'un eserlerinin mantıksız, mantıksız, absürt dünyasına olan ilgisi iyi bilinmektedir. Kruchenykh Lermonts'un eserlerinde defalarca bahsedilmiştir. Çağdaşlardan Fyodor Sologub, Kruchenykh'ten en fazlasını alır (Kruchenykh - “Sologubeshka”ya göre): “uyanmış çekirge (kötü ruhlar) uykulu bir şekilde Salogub'u yakaladı ve dudaklarını çiğneyerek ona tükürdü ve ağzından buruşuk, gevşek çıktı ve traş”; “Bazı illerde öldürmek boşuna değil, mastürbasyon yapmak anlamına geliyor! Ekim 1913'te Moskova'da düzenlenen "İlk Rus Konuşmacılar Akşamında" Kruchenykh (oldukça samimi olduğu varsayılabilir) Ardalyon Peredonov'u "Küçük Şeytan" romanından Rus edebiyatındaki tek olumlu tip olarak adlandırdı, çünkü aklını kaçırdığı farklı dünyalar gördü. Ve belki de, Sologub'un etkisi (tonlama, motifler, dil - böyle karakteristik bir anlaşılmazlık), Kruchenykh'in Eski Aşk (M.,) ve Bukh Lesiny (St. Petersburg,) kitaplarında yer alan şiirlerinde algılanabilir. Bununla birlikte, daha sonra, ilk şiirsel deneylerinde “Sologubovshchina'nın petrolle çalışan bataklıklarıyla” meşgul olduğunu itiraf etti. Rus fütürizmi için, özellikle gruplarının en radikal ve militanı için - genel olarak kübo-fütüristler için, öncelikle inkar yoluyla kendini gerçekleştirmek ve iddia etmek tipikti. Nihilist, dışa dönük yıkıcı eğilimler, özellikle ilk başta, resimde, edebiyatta, teorik çalışmalarda, "budelyan" ın davranışsal pratiğinde egemen oldu. Böylece, fütüristlerin şiirindeki ana sembolist imgeler, “ölü gökyüzü”, yıldızlar-“solucanlar”, David Burliuk'un ay-“biti”, yenilmiş güneş ve Alexei Kruchenykh'in ölmekte olan dünyası, yıldızlar- ile değiştirilir. Vladimir Mayakovsky'nin “tükürenleri” ve “pantolondaki bulut”. İdeal "ebedi kadınlık" yerine - "basit şanlı" İnka veya "kırmızı yüzlü maşa" (veya genel olarak "kadınlar ve çocuklar için aşağılık hor görme" ilanı). Ve ayrıca - "domuz dosyalama" için bir özür, duvar kağıdı veya ambalaj kağıdında yayınlanan kitaplar, skandal, kışkırtıcı konuşmalar, genellikle skandallarla sona erer ve bir polis memurunun müdahalesi, bir görünüme neden olur (boyalı yüzler, ilikteki havuçlar, Mayakovsky'nin " sarı ceket" vb.). Böylece sanat, geleneksel olarak onu yaşamdan ayıran çizgiyi aşmış, yaşamın içine en kararlı biçimde girmiş, yaşamı etkilemiş, yaşamın bir parçası haline gelmiştir. Yaratıcılık, gerçekliğin kararlı, devrimci bir dönüşümü - bu, fütürizmin süper göreviydi - elbette, "Bulyanların" kendilerinin inandığı gibi, araçları haklı çıkaran bir amaç. Ve sokaktaki aşağılık adamın tepkisi ne olursa olsun (kahkahalar, tahriş, öfke, kibirli iğrenme, "yeşil eşeğin şövalyelerini" yasanın yardımıyla kısıtlamaya getirme arzusu) - asıl mesele şuydu: ki bu tepkiydi. “Messrs'ın dehşetini seviyorum. Chukovskikh, Redko ve Filosofovykh "domuz filistlerinin" önünde, - yazdı Kruchenykh. - Evet, güzelliğin ve aklın, kadın ve hayat, biz dışarı ittik, bize soyguncu, sıkıcı, holigan deyin! "Ve" Nate!" bu nedenle, birçok fütürist arasında açıkça hipertrofik olan antroposentrizm (başka bir ilke “Ben!”dir) ve bu “ilke” genellikle V. Mayakovsky'nin kişiliğiyle haklı olarak ilişkilendirilse de, şüphesiz ortaklarının çalışmalarında da temsil edildi, Kişisel nitelikler ve çözülmesi gereken görevler tarafından belirlenen çok tuhaf bir biçimde de olsa Kruchenykhs dahil ve arasında. Genel olarak, toplu olarak, "Budelyanlar" grubu, görünüşe göre, her biri - hem sanatta hem de tabiri caizse yaşamda - bireysel, zıt bir rol atanan renkli figürlerden oluşan çok etkileyici bir topluluktu. başkalarıyla ilgili olarak... Ve şimdi, şu ya da bu fütüristin konumunda, davranışında, kişisel niteliklerin gerçek, samimi bir tezahürü olduğunu ve kasıtlı veya kendiliğinden bir görüntü yaratmak için bilinçli ve amaçlı çalışmanın sonucunun ne olduğunu kesin olarak belirlemek zor. halka açık oyun, kabadayılık, taciz - ilke olarak , önemli değil ve bu halk en azından fütüristlerin "samimiyeti" sorunu hakkında endişeliydi. Çok sayıda muhabirin raporlarında, fotoğraflarında, anılarında sonsuza dek kaldılar: heybetli, tek gözlü, elinde bir lorgnette, alaycı ve kırılmaz David Burliuk; güçlü, hazır, yolundaki her şeyi ezmeye hazır, yüksek sesle, "yirmi iki yaşındaki yakışıklı" Vladimir Mayakovsky; sessiz bir deha, görünüşe göre, dünyevi her şeyden kopuk, sürekli iç dünyasında ikamet eden ve evrensel ölçekte gizemler üzerinde gergin bir şekilde mücadele eden Velimir Khlebnikov. Ve yanında (yine - yanında, yan, merkezde değil) - çevik, çevik, huzursuz, ünlü Khlebnikov'un şiirinden bir tür kurnaz "gülerek" ve hatta böyle etkileyici bir isimle - Kruchenykh . Ona "domuz düşkünü" diyorlar ve o da aynı fikirde. Ona deli diyorlar, onu bir akıl hastanesine göndermeye çağırıyorlar - kendisi memnuniyetle "Udelnaya'ya" gidiyor ve kitaplarını "aklı başında" okumayı yasaklıyor. Ancak Kruchenykh kahkahalara neden olduysa, bu genellikle gergin, gergin, bir tehlike duygusu, hatta korku ile sınırlanmıştır. Ayrıca, "Gelmekte Olan Ham" ın yüzlerinden biri olan fütürizmin gösterge kişileştirmelerinden biri olarak görüldü (D. Merezhkovsky'nin sözleriyle). Sonra onu oldukça ciddiye aldılar.

Goncharova N.S. "Tırmıklı Kadınlar" 1907 Tuval üzerine yağlı boya

"Parlak güneşte tavus kuşu" 1911 Tuval üzerine yağlı boya. 129x144 cm.
Devlet Tretyakov Galerisi

Resmin açıklaması

Sanatçı aynı tavus kuşunu 10 stilde ("Mısır" tarzında, "Rus nakışı", fütüristik, kübist vb.) "Tavus Kuşu ile ilgili Sanatsal Olasılıklar" adlı bir dizi oluşturuldu. O onun simgesiydi, sanatının simgesiydi.

Tavus kuşu, derin, bütünsel bir sembol olduğu için Goncharova'ya yakındı. Örneğin, Roma sanatında imparatorun kızlarının zaferi anlamına gelebilir. Doğu'da tavus kuşu, gücünü birlik ilkelerinden alan ruhun bir ifadesiydi. Hıristiyanlıkta tavus kuşu, ölümsüzlük ve diriliş inancının bir görüntüsü olarak kabul edildi ve "bin göz" tüyleri her şeyi bilmeyi gösterdi. Çok renkli tüyler dünyanın güzelliğini (Çin'de) ima etti ve İslam'daki yaratma eyleminin kendisi Evrenin bir sembolüdür).

Tavus kuşu, Varlığın birliğinin bir işareti olarak algılanabilir. Sembolizmi, sanatçının çok sevdiği eski senkretik kültürlerle ilişkilidir. Mısır versiyonunda, tavus kuşunun başı ve boynu profilde gösterilir ve Mısır sanatının kanonlarına göre kuyruk önden açılır. Aynı zamanda, kendine özgü tüyleri ile öne çıkan, karanlık bir arka planın düzlemine yayılmış gibi görünüyor. Tüylerle değil, parlak renklerle kaplı gibi görünüyor, izleyici üzerinde daha fizyolojik olarak hareket ediyor.

Gerçekten ilkel bir enerji, Rus halk sanatında insan duygularının benzer enkarnasyonlarını anımsatan parlak renklerde somutlaştırılmıştır. Muhtemelen bu resim, genç sanatçının renkli egzotizmi ve doğal yaşam özgürlüğü ile Gauguin'in resimlerine olan tutkusunu yansıtıyordu.

Goncharova N.S. Koyun Kırkımı 1907 Tuval üzerine yağlı boya

"Bisikletçi" 1913 Tuval üzerine yağlı boya. 78x105 cm.
Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg, Rusya

Resmin açıklaması

Resim, hareketin hızlı hızını doğru bir şekilde aktarıyor. Sokak işaretleri, hızla giden bisikletçinin yanından geçer ve tek bir bütün halinde birleşir. Tekerleklerin hızlı hareketi, birbirine yakın tekrarlanan tekrarlarıyla iletilir.

Ve direksiyon simidi üzerine eğilen adamın kendisi tabakalaşır, genel fikre - hıza tabi olur. Bunlar fütürizmin ana işaretleridir - konturların yer değiştirmesi, detayların tekrarı ve bitmemiş parçaların serpiştirilmesi. Görünür dünyanın biçimlerini ayrıştıran Goncharova, yine de, bireyin yaşamında bütünsel bir dinamik görüntü oluşturmayı başardı.

Bu resim, yirminci yüzyılın estetiğini somutlaştırıyor - bir yüzyıl teknolojik ilerleme ve hızlandırılmış bir yaşam hızı.

1905 Rus Devrimi çoktan gerçekleşti. 1914'te başlayan Birinci Dünya Savaşı'nın arifesinde, toplumdaki çalkantılı durum sanatçı tarafından ustaca ele geçirildi ve masum bir arsada ifade edildi - bisikletli bir adamın geleneksel bir figürü.

Bu, sanatçının en iyi kübo-fütüristik resimlerinden biridir. Sonraki yaratıcılık Goncharova, M. Larionov "rayonizm" tarafından icat edilen yeni stilin ruhuna girdi.

"Yuvarlak dans" 1910 Tuval üzerine yağlı boya Tarih ve Sanat Müzesi, Serpukhov, Rusya

"Başmelek Mikail" 1910 Tuval üzerine yağlı boya 129,5 x 101,6 cm

Goncharova N.S. “Litürji, St. Andrew "1914

Goncharova N.S. "Bakire ve Çocuk" Resmin açıklaması

Resim, Rus ikonografisinin ruhuyla yapılmıştır. Sanatçı geleneksel şemalar ve teknikler kullandı ve aynı zamanda herhangi bir çerçeve tarafından kısıtlanmadı.

Tanrı'nın Annesi, kahverengi kıvrımlı sarı elbiseler içinde tasvir edilmiştir. Bir bebek sağ eliyle tuttuğu sol elinde oturur. Ortodoks geleneklerinin aksine, çocuk ne ona ne de izleyiciye bakar. Düz mavi arka plan, ilkel yeşil bitkiler ve melek figürleriyle doludur. Tanrı'nın Annesi'nin yüzünün geleneksel yorumu, Rayonizmin özelliği olan geleneksel olmayan rengiyle tamamlanmaktadır.

Melek figürlerinin ve Mesih'in çocuğunun serbest plastik dönüşümü, resmi ikon boyama kanonlarından çıkaran ve benzer düşünen insanların başarıları arasında haklı yerine koyan parlak renklerin sonoritesi ile tamamlanmaktadır.

Goncharova N.S. "Pokolar" 1910

Goncharova N.S. "Hasat" 1911

Goncharova N.S. "Küçük İstasyon" 1911

"Trenin üzerindeki uçak" 1913 Tuval üzerine yağlı boya. 55x83 cm
Tataristan Cumhuriyeti Devlet Güzel Sanatlar Müzesi, Kazan, Rusya

Goncharova N.S. "Kediler" 1913

Goncharova N.S. "Köylü Dansları" 1911

Goncharova N.S. "Çiçekler" 1912

Goncharova N.S. "Çamaşırhaneler" 1911

Goncharova N.S. Dinamo Makinesi 1913

"Larionov'un Portresi" 1913 Tuval üzerine yağlı boya. Ludwig Müzesi, Köln, Almanya

Goncharova N.S. "Kaplanlı Nutbumort" 1915

Goncharova N.S. "Patates ekimi" 1908-1909

Goncharova N.S. "Keten" 1908

Goncharova N.S. "Tuz Sütunları" 1908 Resmin açıklaması

Resim, büyük mimari, karmaşıklık ve çok figürlü kompozisyon, çeşitli açılar, formların yapımında özgürlük ile karakterizedir.

Goncharov'un kompozisyonu, "pitoresk hikaye" tekniğini kullanarak, İncil'deki Lot efsanesine dayanmaktadır, ancak onu bir arasözle yeniden anlatmaktadır.

Kübist yorumun çekim noktası, batmış bir şehrin fonunda insan figürünün bir tuz kristaline dönüştüğü andır.

Goncharov'un yorumunda, sahnedeki tüm katılımcılar sütunlara dönüştü - Lot, karısı ve kızları, hatta gelecekteki çocukları.

Bir önceki "Bereket Tanrısı" tablosundan, yani yüzün yorumlanması, özellikle gözlerin çift dış hatları, burun içine geçen kaş çizgisi, omuzlara oturan kafa, ince kollar gibi birçok resimsel ve plastik teknik akmaktadır. ve bacaklar, oranların katı deformasyonları, 4-kömür formlarının hakimiyeti.

Lût'un tasvirindeki “kırlangıçkuyruğu” şeklindeki yeni bir unsur, yüzeyin ressamca gelişiminde de ana hatlarıyla belirtilmiştir. Burada henüz ne işlevsel ne de resimsel olarak yeterince tanımlanmamıştır, ancak sonraki çalışmalarda yerini bulacaktır.

Goncharova N.S. "Taş Kız" 1908

Goncharova N.S. "Köylü kadınlar" 1910

Goncharova N.S. "Çıplak siyah kadın". Resmin açıklaması

Bu resim, Goncharova'nın ilkelciliğinin açıklayıcı bir örneğidir. Doğanın hareketinin süper enerjisi ve resmin dinamizmi ile nefes alıyor. Aynı zamanda hem Picasso'ya hem de Matisse'e yakındır.

Ayakların, ellerin yorumlanmasında ve özellikle başın şekli ve duruşunda Picasso'nun Dryad ve Friendship'inin plastik yakınlığı hissedilir. Yüzdeki çizgili leke, "Peçelerle Dans" ile çağrışımlar uyandırıyor.

Matisse'in etkisi, hızlı bir dansta tasvir edilen figürün gruplandırılmasında fark edilir, bu da kişinin aynı anda farklı açılarda, renk kontrastlarında (kızıl-pembe bir arka plan üzerinde siyah bir figür), hareket ifadesinde, minimal bir alanda figürün kompaktlığı ve görüntülerin iyimserliğinde konturların süper rahatlaması.

Goncharova, kübist kesimi yumuşatır ve idollerinin tuvallerindeki figürlerin duygusal kırılmalarına kıyasla, görüntünün daha büyük bir plastisitesine ulaşır. Resmin popülaritesi, nüfusun Avrupa ülkelerini kapsayan fethedilen ülkelerden kültürel olarak genişlemesiyle kolaylaştırıldı. Avrupalı ​​meslektaşlarını takip eden Rus sanatçılar, yeni formlara olan tutkusunu yakaladılar.

Goncharova N.S. "Boşluk". Resmin açıklaması

Bu resim bir istisna ve aynı zamanda bir yeniliktir. Goncharova'nın çalışmasında, hemen hemen tüm Rus avangard resminde ilk kez, düzensiz şekilli çok renkli eşmerkezli halkalar şeklinde soyut bir yapı ortaya çıkıyor.

Biyolojik, protein formuna sahip, ana hatlarında kararsız, enine ve derinliğine küçülüp genişleyen bu yapı, bir enerji patlaması gibi bilinmeyen bir maddesel maddeye benziyor. Her zaman olduğu gibi Goncharova ile dolu, yaşamın nefesiyle, ancak farklı bir seviyedeki yaşamla - düşünmenin yaşamıyla dolu.

Yoğun pürüzsüz dokulu bir bandın değişen genişliği ile azalan boyutlardaki mavi ve beyaz halkaların ritmi ve değişimi, pitoresk bir siyah-yeşil-leylak rengi kütlesi tarafından oluşturulan bu formların içinde akan, başka bir boşlukla akan kendi alanını yaratır. mat bir dokuya sahip. Koyu mat yapının tüm ışığı absorbe etme özelliğine rağmen çevredeki boşluk geçirgen hale gelir.

Goncharova, renk fiziğini ve maddenin fiziğini ihlal eder, renklendirici pigmentlerin yarattığı birliği ve malzeme yoğunluğunu bozar, ayna yansımalarına benzeyen badanalı resimsel unsurların tanıtımı. Resmin tüm resimsel alanının düzlüğü, maddi sınırlarını kaybediyor gibi görünüyor. Ve kompozisyon onların üstesinden gelmeye hazır, adeta 4 boyutun konumunun bir örneği haline geliyor: "Resim kayıyor, 4. boyut olarak adlandırılabilecek bir his veriyor - zamansız ve ekstra uzamsal .. ".

Malzeme hacmi - boyalar, dokuları, yani. “Tamamlandı” - “boş”u gösterir: “dolu” “boş”a yol açar, hacim bir alan kategorisi haline gelir. Resim tamamen soyut görünebilir. Teosofi bilgisi hakkında düşünürseniz, merkezdeki beyaz noktanın, adeta başka bir dünyaya, hayali bir "boşluğa" giden bir tünelin tanımı olduğunu hayal edebilirsiniz. Başka bir dünyaya ait bir renktir. Mavi halkalar, bu tünelden başka bir dünyaya geçiş için bir tür basamak taşıdır.

Bu, başka bir dünyaya geçiş temasının sanatçıların eserlerinde ilk kez gündeme getirilişi değil. Benzer tüneller, diğer vizyoner sanatçıların çalışmalarında da yer aldı. Çarpıcı bir örnek, Alman romantik F.O.'nun 1808'deki "İnsan Ruhunun Doğuşu" dur. Runge.

Goncharova N.S. "Şehre Taş Fırlayan Melekler." Resmin açıklaması

"Hasat" adlı genel döngünün 9 etkileyici tablosundan biri.

Bu resimde Goncharova, dünyanın kendi dini resmini inşa ediyor. Bu dünyanın zirvesi ilahi göksel dünyadır. Yeryüzündeki her şey onun himayesi altında yapılır ve savaşçı melekler, teknoloji ve şehirciliğe karşı çıkarak ve aynı zamanda ekilebilir arazileri ve bahçeleri koruyarak dünyevi yaşama doğrudan müdahale eder. Böylece “şehir-köy” ve “doğal-teknik” karşıtlıkları inşa edilmektedir.

Ek olarak, intikam fikri, göksel ceza, kader, genel olarak, Hıristiyan sembolizmi ile ilişkili kıyamet ruh halleri güçlüdür. Resim, yaratıcı aramalar döneminde sanatçı tarafından yaratıldı: rayonizm, fütürizm - tüm bunlar öndeydi. Şimdiye kadar sadece ilkelcilik ve Jack of Diamonds'a katılım Goncharova'nın yaratıcı deneyimini oluşturdu. Dolayısıyla bu neo-primitivist tablo en iyilerden biri olarak kabul edilir.

Diğerleri gibi, bu tablo da olağanüstü dekoratif niteliklere sahiptir. Özellikle, çizgilerin ve noktaların ritmik hareketleri fark edilir, uçağa - dünyaya - doğru vurgulanan yerçekimi açıkça kendini gösterir. Bütün bunlar Goncharova'nın anıtsal formlar için çabasını vurguladı.

Goncharova N.S. "Sarı ve Yeşil Orman". Resmin açıklaması

Bir dizi "parlak manzara"dan biri. Bu resimdeki her şey, kesişen ışınların anlık görüntüleriyle bulanıklaşıyor, arkalarında ağaçların ana hatları zar zor tahmin ediliyor. Kompozisyonun merkezinde göğe doğru uzanan, masmavi ve kahverengi tonlarında 2 ağaç gövdesi yer almaktadır. Ağacın tepesinde ışınların çıktığı yoğun bir sarı leke, kalın yeşil ve koyu mavi tonları mutlak renk derinliğine ulaşır.

Ağaçların uzun taçları - hepsi kesişen ışınlarda. Toprağın yoğun kahverengi tonunda bile, ışık ışınları parlıyor. Manzaraya heyecanlı ve canlandırıcı ama gerçek dışı, neredeyse mistik bir ses getiriyor.

Bu manzaranın, P.D.'nin felsefi yapılarının basit bir örneği olduğuna inanılıyor. Uspensky “Tertium Organum. Dünyanın bilmecelerinin anahtarı." Tasavvuf ve ezoterizm, yaşam yolunda okültizm ve şifa ile iç içe geçmiştir. Filozofun zaman dahil 3 değil 4 boyutun olduğu yenilikçi Evren modeli. Ayrıca, insan yaşamının en üst düzeyde anlaşılmasına ve farkındalığına yol açan Psikoloji ve Ezoterizm sentezi fikrine dayalı dünyanın yaratılması çağrısında bulundu.

16 Ağustos 1881'de Tula bölgesindeki Ladyzhino köyünde doğdu. Natalia, bir mimarın ailesinde büyüdü. Bu aile, Goncharovların eski ailesine aitti.

Sanatla hareket eden Goncharova, çalışmalarına 1901'den 1909'a kadar süren Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'nda başladı. İlk başta, Natalya ağırlıklı olarak heykelle uğraştı ve daha sonra resimle ilgilenmeye başladı. Kalkınan sanatçının ilk akıl hocası K.A. Korovin. Aynı zamanda sanatçının heykel çalışmaları da büyük beğeni topladı.

Goncharova'nın ilk eserleri, izlenimcilik ruhundaki resimlerdi. Bu tuvaller World of Art ve Moskova Sanat Tiyatrosu sergilerinde başarıyla sergilendi. Daha sonra S.P.'den bir davet aldı. Diaghilev. Kalkınan sanatçıyı Paris'teki Sonbahar Salonuna katılmaya davet etti.

Bu dönemde, Goncharova ağırlıklı olarak eski binalarla sokakları, şehir parklarını pastel teknikle boyadı. Bu tuvallerde izlenen dünya algısının özellikleri, "Nabis" grubunun ustalarının çalışmalarının sanatçı üzerindeki etkisini açıkça göstermektedir. Bununla birlikte, erken dönemin çalışmalarını karakterize eden nazik lirizm, kısa sürede tutarlı bir neo-primitivizme yol açtı.

Goncharov okulunda okurken bile M.F. Larionov. Yakında bu tanıdık sıcak bir ilişkiye yol açacak ve Larionov sanatçının kocası olacak. Onunla birlikte Goncharova, çeşitli Rus ve Avrupa sergilerine katıldı. Genç sanatçının yaratıcı yükselişi, Goncharova'nın ilkellik ruhu içinde resimlerle uğraşmaya başladığı 1906 ile ilişkilendirildi. Sanatçı, köylü sanatının temasından etkilenir. İnsanların yaratıcılığının özünü tüm derinliklerinde bilmeye çalışır.

Daha sonra Goncharova, farklı dönemlerin geleneklerini aktif olarak kullanarak başka tarzlarda çalışacaktı. Şu anda, "Anne", "Yuvarlak Dans", "Ekmek Temizleme", "Evangelistler" resimleri ortaya çıktı.

1913'te Goncharova, S.P.'nin yayınları da dahil olmak üzere edebi eserler için illüstrasyonlar üzerinde çok çalıştı. Bobrova, A.E. Kruchenykh, V.V. Khlebnikov. Sanatçı, 1914'ten beri The Golden Cockerel gibi tiyatro gösterileri tasarlıyor. Yaratıcılığın geç döneminde Goncharova, nesnel olmayan sanat fikrini destekleyen birçok eser yaratır. Şu anda, "Radiant Lilyum", "Orkide" resimleri ortaya çıktı.

1915'te Goncharova ve kocası Fransa'ya gitti. Burada sanatçının hayatı 17 Ekim 1962'de sona erecek.

Natalya Gonçarova- Rus sanatçı, ressam, grafik sanatçısı, tiyatro sanatçısı, kitap illüstratörü. 1910'ların başındaki Rus avangardının bir temsilcisi, 20. yüzyılın en parlak set tasarımcılarından biri.

Natalya Sergeevna Goncharova, 3 Temmuz 1881'de Tula Bölgesi, Ladyzhino köyünde doğdu. Goncharov'ların eski soylu ailesine aitti, büyük bir amcanın karısıydı. Alexander Sergeyeviç Puşkin.

Sergey Mihayloviç, Natalia'nın babası, Moskova Art Nouveau'nun bir temsilcisi olan bir mimardı. anne Ekaterina İlinichna- Moskova İlahiyat Akademisi profesörünün kızı. Sanatçının çocukluğu, babasının birkaç köye ve mülke sahip olduğu Tula ilinde geçti ve bu da ona kırsal yaşam sevgisini aşıladı. Sanat tarihçileri, olgun eserinin dekoratifliğini bununla ilişkilendirir.

1891'de kız 10 yaşındayken aile Moskova'ya taşındı.

Eğitim

Moskova'da Natalia Goncharova, 1898'de gümüş madalya ile mezun olduğu kadın spor salonuna girdi.

Çizim konusundaki tutkusuna rağmen, Goncharova gençliğinde sanatçı olma fırsatını ciddi olarak düşünmedi.

1900'de tıp kurslarına girdi, ancak üç gün sonra bıraktı. Aynı yıl Kadın Yüksek Kursları Tarihi Fakültesi'nde altı ay okudu.

Sonra sanatla çok ilgilenmeye başladı ve bir yıl sonra Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'na S. Volnukhin ve P. Trubetskoy'un heykel sınıfında girdi.

1904'te çalışmaları için küçük bir gümüş madalya aldı, ancak kısa süre sonra çalışmalarını bıraktı.

Natalia Sergeevna Goncharova Fotoğraf: Commons.wikimedia.org

kocasıyla buluşma

Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'nda okurken Goncharova gelecekteki kocasıyla tanıştı: bir ressam Mihail Larionov... Onunla tanışmak kızın hayatını ve niyetlerini değiştirdi: çok yazmaya ve kendi tarzını aramaya başladı. Ona heykelle zaman kaybetmemesini ve resim yapmamasını tavsiye eden Larionov'du. "Gözlerini gözlerine aç. Renk konusunda bir yeteneğiniz var ve formdasınız” dedi.

1904'te Goncharova çalışmalarına geri döndü, ancak resim atölyesine taşındı. Konstantin Korovin... Goncharova'nın ilk eserleri, izlenimcilik ruhundaki resimlerdi. Kız heykeli terk etmedi ve 1907'de başka bir madalya aldı.

1909'da Natalya nihayet çalışmalarını bırakmaya karar verir. Öğrenim ücretini ödemeyi bırakır ve okuldan atılır.

Hayatını Mikhail Larionov ile ilişkilendirerek, özlemlerini ve sanatsal görüşlerini paylaştı. Goncharova kendini resmin birçok alanında dener: kübizm ("M. Larionov'un Portresi", 1913) ve ilkelcilik ("Tuvali yıkamak", 1910).

Şu anda, sanatçı köylü sanatının temasından etkilendi. İnsanların yaratıcılığının özünü öğrenmeye çalışır. Goncharova dekoratif ve uygulamalı sanata geri dönüyor: duvar kağıdı için çizimler yazıyor, evlerin frizlerini süslüyor.

Natalia Goncharova "Tuval Yıkama" tarafından resmin çoğaltılması. 1910 yılı. Fotoğraf: « DEA Haberleri »

1908'den 1911'e kadar ressamın sanat atölyesinde özel dersler verdi. İlya Maşkov.

gösteren

Sanatçı, fütüristler derneğinin faaliyetlerine katıldı, işbirliği yaptı. Velimir Khlebnikov ve Alexey Kruchenykh... Fütüristlerle kurduğu dostluk onu grafik kitaplarına yöneltti. 1912'de Goncharova, Kruchenykh ve Khlebnikov "Mirskonts", "Cehennemdeki Oyun" kitaplarını tasarladı. Avrupa'da kolaj tekniğini kullanan ilk kitap grafik sanatçılarından biriydi.

Sergiler

24 Mart 1910'da, Özgür Estetik Derneği'nin edebi ve sanatsal çevresinin tesislerinde Goncharova, 22 resmin sunulduğu ilk kişisel sergisini düzenledi. Sergi sadece bir gün sürdü: Sunulan "Model (mavi bir arka plana karşı)" tablosu nedeniyle Goncharova pornografiyle suçlandı, birkaç esere el konuldu. Mahkeme kısa sürede onu beraat ettirdi.

1911'de Larionov ile birlikte, 1912'de Eşek Kuyruğu - Elmas Jack sergisini düzenledi. Ayrıca - "Hedefler", "No. 4". Sanatçı, Münih Blue Rider Society'nin bir üyesiydi. Goncharova, o zamanın sayısız eylemini ve girişimini aktif olarak destekledi.

1912'de, ünlü "Eşek Kuyruğu" sergisinde Natalia Goncharova, "Evangelistler" adlı 4 resimden oluşan bir döngü sergiledi. Bu eser, azizlerin önemsiz tasviri ile sansürcüleri çileden çıkardı.

1914'te Goncharova'nın eserlerinin büyük bir kişisel sergisi gerçekleşti, 762 tuval sergilendi. Ama aynı zamanda bir skandal olmadan: 22 eser kaldırıldı, ardından sansürcüler Goncharova'yı küfürle suçlayarak mahkemeye gitti.

1915'te Goncharova'nın çalışmalarının Rusya'daki son sergisi gerçekleşti. Haziranda Diaghilev Goncharova ve Larionov'u "Rus Mevsimlerinde" kalıcı çalışmaya davet eder, Rusya'dan ayrılırlar.

göç

Goncharova ve Larionov, çiftin hayatlarının sonuna kadar kaldığı Fransa'ya geldi. Devrim onların Rusya'ya dönmesini engelledi.

Rus göçünün tüm çiçek açmasının sevdiği Paris'in Latin Mahallesi'ne yerleştiler. Goncharova ve Larionov, gelecek vadeden ressamlar için yardım baloları düzenledi. Evleri sık sık ziyaret edildi Nikolay Gumilyov ve Marina Tsvetaeva.

Goncharova Paris'te çok çalıştı, "Tavus Kuşları", "Manolyalar", "Dikenli Çiçekler" döngüleri ondan olgun bir ressam olarak bahseder. Marina Tsvetaeva şunları yazdı: “Natalia Goncharova nasıl çalışır? Birincisi, her zaman, ikincisi, her yerde, üçüncüsü, her şey. Tüm temalar, tüm boyutlar, tüm uygulama yöntemleri (yağlı boya, sulu boya, tempera, pastel, kurşun kalem, renkli kalemler, karakalem - başka ne?), Resmin tüm alanları, her zaman her şey alınır ve verir. Bir doğa fenomeni olarak aynı resim fenomeni. "

Natalia Goncharova. Parlak güneşte tavus kuşu, 1911 Fotoğraf: Commons.wikimedia.org

Ancak Goncharova, gücünün çoğunu tiyatroda çalışmaya adadı. Diaghilev'in 1929'daki ölümüne kadar, onun girişiminin önde gelen sanatçılarından biriydi. "Spanish Rhapsody" balelerini (müzik için) tasarladı. M. Ravel), "Firebird" (müziğe I. Stravinsky), "Bogatyrs" (müziğe A. Borodina), "Ölümsüz Koschey" operası (müziğe N. Rimsky-Korsakov).

Ellili yıllarda, Natalya Sergeevna, "uzay döngüsü" nün sayısız natürmortunu ve tuvalini boyadı.

Altmışlı yıllarda, Larionov ve Goncharova'nın sanatına büyük ilgi duyuldu, sergileri Avrupa ve Amerika'nın birçok ülkesinde ve şehrinde düzenlendi. 1961'de Londra'da Büyük Britanya Sanat Konseyi, Larionov ve Goncharova'nın eserlerinin büyük bir retrospektifini düzenledi.

Natalia Goncharova, 17 Ekim 1962'de Paris'te öldü. Ivry-sur-Seine'deki mezarlığa gömüldü.

Ölümünden sonra, Paris'teki Modern Sanat Müzesi ona ve Larionov'a büyük bir retrospektif ayırdı.