Çağa göre görsel sanatlarda bir kişinin görüntüsü. Farklı dönemlerin sanatında bir kişinin imajını tanımak

İleri geri

Dikkat! Slayt önizlemeleri yalnızca bilgi amaçlıdır ve tüm sunum seçeneklerini temsil etmeyebilir. Bu işle ilgileniyorsanız, lütfen tam sürümünü indirin.

Hedefler: bir portrenin ortaya çıkış tarihi ile farklı dönemlerin sanatında bir kişinin imajını tanımak; bir kişinin karakterinin, iç dünyasının bir portre görüntüsünde ifade edilmesi gerektiğine dair bir anlayış geliştirmek; bir kişinin iç ve dış görünümünde güzellik, uyum, güzellik bulma yeteneğini oluşturmak; Çevredeki dünyaya bilişsel ilgiyi ve öğrenme sürecine ilgiyi harekete geçirin.

ekipman: farklı dönemlerin portrelerini betimleyen resimlerin reprodüksiyonları; Leonardo da Vinci'nin “La Gioconda” tablosunun reprodüksiyonları; Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Ilya Efimovich Repin “Danıştayın ciddi toplantısı”.

Sözlük: portre.

Dersler sırasında

1. Organizasyonel an.

Selamlama.

kendimi aynada gibi görüyorum
Ama bu ayna beni gururlandırıyor ... -

Orest Adamovich Kiprensky tarafından boyanmış portresini gören Alexander Sergeevich Puşkin'i yazdı. Şair kuşkusuz kendine benziyordu: aynı uzun yüz, aynı kıvırcık saç ve canlı gözler, açık ve narin yüz hatları çizen favoriler. Ama onun doğasında var olan yaramazlık ve ironi nereye gitti? Puşkin'in önünde biraz yorgun ve üzgün, görkemli bir adaçayı belirdi. Sanatçı şairi böyle gördü. Yüz yetmiş yıl sonra Puşkin'i ve bizi tam olarak böyle hayal ediyoruz.

2. Yeni materyal öğrenmek.

Dersimizin konusu "Portre".

Bir kişiyi veya bir grup insanı tasvir etmeye adanmış bir türe portre denir. "Portre" kelimesinin kendisi Latince kelimeden gelir. "Varlık çıkarma" olarak tercüme edilebilir, yani. iç içeriğin tanımlanması. Benzer şekilde çizmek, portre ressamının ana görevinden tek ve uzak değildir. Ayrıca iç dünyayı, bir kişinin ruh halini, toplumdaki konumunu iletmesi gerekir. Ve en önemlisi, portreci, modele karşı kişisel tutumunu ifade etmelidir (bu, tasvir edilen kişinin adıdır). Ressam, tasvir edilen kişi kendini farklı şekilde sunsa bile, kendi fikrine sahip olma hakkına sahiptir.

"Portrenin ortaya çıkış tarihinden"

Portre sanatı birkaç bin yıl önce doğdu. Bu türün hayatta kalan en eski eserleri, firavunların eski Mısır hükümdarlarının taştan oyulmuş dev heykelsi görüntüleridir. Binlerce köle onları yapmak için çalıştı. Bu devasa heykellerin firavunları ulaşılmaz yüksekliklere çıkarması, onları tanrı gibi yapması gerekiyordu.

Eski Mısır'da daha küçük heykeller de vardı. Örneğin, heykeltıraş Thutmes'in atölyesinde Firavun Akhenaten, Kraliçe Nefertiti ve altı kızının portreleri yapılmıştır. Sıradan insan yüzleri görüyoruz, ancak o kadar ustaca yapılmışlar ki şu anki “yaşlarına” inanmak zor - üç buçuk bin yıl!

Heykel portre türü, insan kişiliğinin çok değerli olduğu Antik Yunan'da mükemmelliğe ulaştı. Heykeltıraşların modelleri, filozoflar, şairler, ülkeye hizmet etmiş politikacılardı. Bu nedenle, belirli bir kişiyi tasvir eden sanatçı, aynı zamanda ideal bir vatandaş imajını da yarattı.

Sanat tarihinde, portre türü sadece asla kaybolmakla kalmadı, aksine her zaman gelişti - öncelikle her zaman müşteriler olduğu için.

Antik Roma'da soylu kasaba halkı ve ailelerinin üyeleriydiler. Artık o eski zamanlarda nasıl giyindikleri, hangi saç stilleri ve takılar taktıkları, Romalı heykeltıraşların ne kadar doğru ve dürüst çalıştıkları hakkında çok şey öğrenebiliriz.

Alışılmışın yanı sıra alegorik (alegorik) bir portre de gelişti. Eski Mısır'da firavunlar, kraliçe - tanrıça İsis olan tanrı Osiris şeklinde tasvir edildi. Antik Yunanistan'da, Çar Büyük İskender, bir aslan derisi giymiş ve bir kulüp tutan masal kahramanı Herkül'ün görüntüsünde temsil edildi. Ve antik Roma'da, imparatora Jüpiter'in yüce tanrısının görünümü verildi.

Resimli portre türü daha sonra Rönesans döneminde gelişti. Sonra portre törensel ve samimi olarak bölünmeye başladı.

Tören portresi, zafer anında bir adamı tasvir ediyor. Bütün görünüşü bununla ilgili çok şey anlatıyor: nişanlı ve süslemeli yemyeşil giysiler, iddialı, gururlu bir poz. Görünüşe göre model açıkça sanatçı için poz veriyor.

Törensel olanın tam tersi bir oda portresidir. Adının kendisi, tören salonları için değil, küçük odalar için tasarlandığını gösteriyor (“oda” kelimesi Latince'de “oda” anlamına gelir). Bir oda portresi, bizi genellikle bilinmeyen bir kişinin iç dünyasıyla tanıştırır. Modelin pozu rahattır. Bu, resmedilen kişinin boyandığından şüphelenmediği izlenimini veriyor.

Portre resmi en büyük gelişimine 17. yüzyılda ulaştı. Bu çağdan beyler ve köylüler, çocuklar ve yaşlılar, krallar ve soytarıların görüntüleri bize geldi ... İnanılmaz bir şekilde, tüm bu insan çeşitliliği İspanyol sanatçı Diego Velazquez tarafından işinde somutlaştırıldı.

Uzun yıllar İspanyol krallarının sarayında ressamlık yaptı. Onun tören portreleri çok ciddi ve muhteşem. Kraliyet ailesini ve soyluları tüm dış ihtişamlarıyla temsil ederler: mücevherlerle süslenmiş, altın ve dantel işlemeli kadife ve brokardan yapılmış zarif kostümler, en verimli hayal gücünü bile şaşırtabilir.

Ancak modellerin pozları mankenleri fazlasıyla andırıyor ve gösterişli lüksün arkasında insan ruhunu göremezsiniz.

Sanatçı bu resimleri sipariş üzerine ve kendisi için kraliyet soytarıları boyadı. Başkalarının sürekli alay ettiği ucubeler, sayısız portrede açıkça görülen Velazquez'de derin bir şefkat ve sempati uyandırdı.

Sanatçı bizim için bu insanların iç güzelliğinin ve asaletinin mütevazı kıyafetlerin ve fiziksel engellerin arkasına gizlendiğini keşfetti.

Hollandalı ressam Rembrandt Harmenszoon van Rhine, oda portrelerinin parlak bir ustasıydı. Yarattığı görüntülere çeşitli duygular nüfuz ediyor: neşe, üzüntü, derin düşünce, yorgunluk, haysiyet, merak. Rembrandt'ın modelleri bizimle konuşuyor gibi görünüyor. Göz hareketleriyle, anlamlı el hareketleriyle, ifadeli duruşla “anlatılan” hikayelerinin her birini açıkça duyuyoruz… Büyük Rembrandt, hayatı boyunca otoportreler yazdı. Yaklaşık yüz tane var ve bugün onların zor kaderini takip edebiliriz.

Portre türü Rusya'ya ancak 18. yüzyılda, Büyük Peter tarafından davet edilen Avrupalı ​​sanatçılarla birlikte geldi. İlk başta, daha sonra "Parsuns" veya "kişiler" olarak adlandırılan portreler, çarın kendisini ve çevresini tasvir etti.

Daha sonra 19. yüzyılın ilk yarısında ana model kahraman, romantik kişi olur. 1812 Vatanseverlik Savaşı, aktif ve kararlı insanları ön plana çıkardı. Hafif süvari eri albay E.V. Davydov: parlak kırmızı üniforma, sıkı bakış, kendinden emin duruş.

19. yüzyılın ikinci yarısında romantizm yerini gerçekçiliğe, törensel portre ise odaya bırakmıştır.

Geziciler bunda önemli bir rol oynadı. Bu, Gezici Sergiler Derneği üyelerinin kısaltılmış adıydı. İlham kaynağı parlak portre ressamı Ivan Nikolaevich Kramskoy'du.

"Danıştay Büyük Oturumu" seksen bir model içeriyor ve hepsi bir portre resmiyle boyanıyor.

Leonardo da Vinci'nin "La Gioconda" tablosu üzerine söyleşi.

Öğretmen. Dünyadaki çok sayıda portreden, dünyadaki hemen hemen her insanın bildiği, ancak yıllar sonra bile kendi gizemini koruyan bir tane var. Sizce bu portre nedir?

La Gioconda!

Leonardo da Vinci'nin bu portresi neden bugün hala insanları şaşırtıyor? Bu resmin bilmecesi neden portreye bakan herkesi çözmeye çalışıyor ama hala çözülmemiş durumda?

(Öğrenci mesajı).

3. Sanatçının karşı karşıya olduğu görevler.

Bir sanatçı, bir kişiyi çeşitli pozisyonlarda, hareket halinde tasvir edebilmelidir. Bir insandaki en önemli şey, en etkileyici olanı görünüşü ve yüzüdür. Bu nedenle sanatçı, bir kafa çizerek bir kişiyi incelemeye başlar.

Anatomiyi incelemek gerekir, ki bu

Portre, bir kişinin sanatsal bir görüntüsüdür. İçinde doğasında olan belirli bir kişilik ve sadece onun görünüm, psikoloji, ahlaki karakter özellikleri onda hissedilmelidir. Ana şey, tasvir edilen kişinin özünü iletmektir.

4. Pratik çalışma.

Ödev: Ücretsiz bir tema çizin.

5. Dersi özetlemek.

Bibliyografya.

1. Genç Bir Sanatçının Ansiklopedik Sözlüğü. N.I tarafından derlenmiştir. Platonov, V.D. Sinyukov. - M.: Pedagogika, 1983 .-- 416 s., İl.

2. Dickins R. McCafferty J. Yüz çizmeyi öğrenme. İngilizce'den N. Vedeneeva tarafından çevrilmiştir. - M.: LLC “Yayınevi ROSMEN-PRESS”, 2002. - 64, 64 s.

3. IG Mosin. Boyama Türler ve türler. LLC - "U - Factoria", 1999

Slayt 2

hedef

Öğrencilere portre türünü tanıtın.

Slayt 3

Görevler

Güzel sanatların türleri hakkında bilgilerin pekiştirilmesi. Portre tarihi ile tanışma Portre türleri ile tanışma Güzel sanat eserlerini analiz etme becerilerinin geliştirilmesi. Güzellik duygusunu teşvik etmek.

Slayt 4

Bir portre yaratma görevi bizi bir kişiyi yeni bir şekilde görmeye, onu kendimiz keşfetmeye zorlar. İnsanların birbirine benzememesi ne kadar şaşırtıcı! Görünüşe göre her şey aynı - gözler, burun, dudaklar ve yüzlere bakarken insan bireyselliğine hayran kalıyorsunuz! Her insanın özel yaşam tarzı, görünüşünde iz bırakır.

Slayt 5

Belirli bir gerçek kişinin portre görüntüsü. Portrenin anlamı, tam olarak bireysel niteliklere sahip kişiliğiyle ilgilenmektedir.

Slayt 6

Bizim için her zaman tanınma sevinci vardır. Ancak “benzer” veya “benzer olmayan” ne anlama geliyor? Yüz detayları şekil ve oranlara göre yeniden üretilir - bu yeterli mi? Davranışının, tavrının, mizacının özelliklerini iletmek eşit derecede önemlidir. P.-P. Rubens. KAMERAİST INFANTA ISABELLA'NIN PORTRESİ. Parça. Tereyağı. Flanders. XVII yüzyıl.

Slayt 7

Sanat bize farklı dönemlerin ve halkların yüzlerini getirdi. Biz onları kendilerinin tasavvur ettikleri gibi görürüz ama bizim için her görüntü bir kişiye benzemekten daha fazlasıdır. Her görüntüde dönemin ideallerini, etrafındaki dünyayı, yaşamın doğasını görebilirsiniz. Ve bu tam olarak portrelerde özellikle takdir ettiğimiz şeydir. Sanatçının hayat anlayışı, kendimize dair anlayışımızı zenginleştirir. F. Lippi. Tapınak Resminin Parçası. Fresk. İtalya. XV yüzyıl

Slayt 8

Kahire yakınlarındaki Fayum'da yapılan kazılarda mum boyalarla yapılmış portrelerin olduğu plaketler bulundu. Şaşıran araştırmacılara, iki bin yıl önce yaşamış insanların çarpıcı gerçekçi görüntüleri sunuldu. Bakışları bize çevrilmiştir, imgelerinde ruhsal ilkenin bedensel olana üstünlüğü açıkça görülmektedir.

Slayt 9

Antik Roma'da, sanatçıların dikkati yüzün özelliklerine odaklandı - her kıvrım, kırışıklık veya yara, bir kişinin yaşam yolunu, doğasını ortaya çıkardı. Burada dış güzelliği önemsemediler, ancak her portrede ruhun gücünü, sert güveni ve eylem arzusunu vurguladılar. İmparator Philip Marble'ın portresi. Antik Roma. 1. yüzyıl

Slayt 10

Bizans İmparatoriçesi Theodora, renkli cam küplerden yapılmış bir mozaiğin titreşmesinde ortaya çıkıyor - smalt. Alayın başındaki tapınağın duvarında tasvir edilmiştir. Bu kadının çelişkili, canlı bir karakteri ve olaylı bir kaderi vardı, ancak kişisel nitelikleri, muhteşem bir yüzün, donmuş bir pozun bağımsız ifadesinde görülemez.

Slayt 11

"Portre" kelimesinin kendisi Latince kelimeden gelir. "Öz çıkarma" olarak tercüme edilebilir, yani iç içeriği ortaya çıkarır. Bu, sanatsal bir görüntü yaratmanın ana görevidir, yalnızca bu iç içeriğin anlamı değişkendir ve bu nedenle her zaman yeni sanatsal araçlar, yeni bir resimsel dil arayışı vardır.

Slayt 12

Sanatçı Jean Clouet'nin çalışmasında, ayrıntılı bir kostüm, Kral I. Francis'in yüzünü görmeyi engellemez. Asil kısıtlama ve kayıtsız görkem, zarafet ve kaba, inatçı bir bakışla birleştirilir. J. Clouet. Francis I. Petrol. Fransa. XVI yüzyıl

Slayt 13

Manevi bir özün dış görünüşle aktarılabileceği ifadesi özellikle Orta Çağ'da önem kazanmıştır. Rönesans ile birlikte, gerçek bir kişiye, kişiliğinin özgünlüğüne yeni bir ilgi geliyor. Avrupa'nın kuzeyinden sanatçılar, belirli insanları, özgünlüklerinin özgünlüğüne özellikle dikkat ederek tasvir etmeyi öğrendiler.

Slayt 14

Rus sanatında sanatçılar ilk olarak 17. yüzyılda portre oluşturmaya yöneldiler. Ve ilk başta onları simgelerle aynı şekilde boyadılar - tempera boyaları olan bir tahtada. Bu tür portrelere "kişi" kelimesinden parsun adı verildi. Peter I zamanından beri, Rusya'da portre hızla gelişmeye başladı.

Slayt 15

Slayt 16

Slayt 17

Aile portreleri genellikle asil mülklerdeki ofisleri ve oturma odalarını süsledi

Slayt 18

18. yüzyılın sonunda. Rus ressamlar mükemmel bir ustalık elde ettiler. Portreleri tören ve oda portreleri olarak ayırmak gelenekseldi.

Slayt 19

Tören portresi genellikle kahramanın sosyal statüsünü göstermeyi amaçlıyordu. Bu tür resimler iyimser, ciddi bir karaktere sahiptir. O. A. Kiprensky. E. V. Davydov'un portresi. Tereyağı. Rusya. XIX yüzyıl.

Slayt 20

Bir kişinin bireysel özelliklerine büyük önem verilen oda portresi daha az önemli değildi. Yüzü genellikle izleyiciye yakındır ve kahramanın iç dünyasını gizlice ortaya çıkarır. Bu zamanda, deneyimin ince titrek tonlarını iletmek için çok karmaşık ve ince bir yetenek özellikle takdir edildi. Maria Lopukhina'nın portresi, portrelerin en ünlüsüdür - gençliğin görüntüleri, dalgın ve aynı zamanda manzara arka planına karşı beyaz bir elbise içinde biraz oynak bir kız

Slayt 21

A.G. Venetsianov. Otoportre. Tereyağı. Rusya. XIX yüzyıl.

Slayt 22

Heykelde de olağanüstü portreler yaratılmıştır. İlk başta, heykel daha yavaş gelişti, çünkü Rusya'da heykel anıtları dikme geleneği yoktu (önemli olayların onuruna tapınaklar atıldı), ancak yavaş yavaş kendi ustaları ortaya çıktı. En çarpıcısı F.I.Shubin'di.

23. Slayt

Slayt 24

Sorular ve cevaplar

Neden bir kişinin her görüntüsüne portre denilemez? Sanatsal portrede yazarın sanatçının konumunun ortaya çıkmasını nasıl açıklayabilirsiniz? Portre benzerliği göreviyle nasıl karşılaştırılır? Bir tören portresi ile lirik bir oda portresinin birbirinden nasıl farklı olduğunu nasıl açıklarsınız?

Slayt 25

P.-P. Rubens İnfanta Isabella İmparatoriçesi Elizabeth Petrovna'nın Hizmetçisinin Portresi. K. G. Prenner'ın portresi. 1754 Tretyakov Galerisi

Tüm slaytları görüntüle

Rönesans'ın kültür ve estetiğinde neden bir kişiye bu kadar açık bir yönelim vardı? Sosyolojik bir bakış açısından, insanın bağımsızlığının nedeni, artan kendini olumlaması kentsel kültürdü. İnsan, normal, sıradan bir yaşamın erdemlerini başka hiçbir yerde olmadığı kadar şehirde keşfediyordu.

Bunun nedeni, kasaba halkının köylülerden daha bağımsız insanlar olmasıydı. Başlangıçta, şehirlerde gerçek zanaatkarlar, ustalar yaşıyordu, sonuçta, köylü ekonomisinden ayrıldıktan sonra, yalnızca zanaat becerileriyle yaşamayı umuyorlardı. Şehir sakinlerinin sayısı da girişimci insanlar tarafından dolduruldu. Gerçek koşullar onları yalnızca kendilerine güvenmeye zorladı, hayata karşı yeni bir tutum oluşturdu.

Rönesans düşünürleri ne istediklerini antik çağda gördüler. Bu nedenle Yeni-Platonculuğun bu çağda özel bir entelektüel gelişim geçirmesi tesadüf değildir. A.F. Losev, Rönesans Estetiği adlı kitabında, bu felsefi kavramın İtalyan Rönesansı döneminde özel olarak yaygın olmasının nedenlerini parlak bir şekilde göstermektedir. Antik (aslında kozmolojik) Neoplatonizm, ilahi anlamın ortaya çıkması (alay) fikri, dünyanın (kozmos) ilahi anlamla doygunluğu fikri ve son olarak, dirilişçilerin dikkatini çekmeyi başaramadı. Yaşamın ve varlığın en somut biçimi olarak Bir fikri.

Tanrı insana daha yakın olur. Panteist olarak düşünülür (Tanrı dünyayla birleşir, dünyayı tinselleştirir). Bu yüzden dünya bir insanı kendine çeker. İnsanın ilahi güzelliklerle dolu dünyayı idrak etmesi, Rönesans'ın ana ideolojik görevlerinden biri haline gelir.

Rönesans kültürünün çelişkili doğası: kendini onaylama sevinci ve dünya görüşünün trajedisi. Bu kesişen iki eğilimin varlığı (antiklik ve Katolikliğin modifikasyonu), Rönesans kültürünün ve estetiğinin çelişkili doğasını belirledi. Rönesans adamı bir yandan kendini onaylamanın sevincini biliyordu, diğer yandan varlığının tüm trajedisini kavradı. Hem biri hem de diğeri, Rönesans insanının tutumunda Tanrı ile bağlantılıdır.

Rönesans sanatçılarının yaratıcılık trajedisinin kökenleri, Rus filozof N. Berdyaev tarafından inandırıcı bir şekilde gösterilmektedir. Eski ve Hıristiyan ilkelerinin çatışması, insanın derin bir ikilemine neden olduğunu vurguladı. Rönesans'ın büyük sanatçıları, başka, aşkın bir dünyaya bir atılım yapmayı saplantı haline getirmişlerdi.

Onun rüyası zaten insana Mesih tarafından verildi. Sanatçılar farklı bir varlığın yaratılmasına yöneldiler, Yaradan'ın güçlerine benzer güçleri kendi içlerinde hissettiler; kendilerine esasen ontolojik görevler koyarlar. Ancak, bu görevler dünyevi yaşamda, kültür dünyasında kasten uygulanamazdı. Ontolojik değil, psikolojik bir doğa ile ayırt edilen sanatsal yaratıcılık, bu tür sorunları çözmez ve çözemez. Sanatçıların antik çağın başarılarına güvenmeleri ile İsa tarafından keşfedilen üst dünya için çabalamaları örtüşmez. Bu, trajik bir görünüme, bir rönesans melankoliyesine yol açar.

İtalyan Rönesansı kültürü, dünyaya dünya kültürünün hazinesini ölçülemez bir şekilde zenginleştiren parlak kişiliklerden oluşan bir galaksi verdi. Bunlar arasında ressam Giotto di Bondone (1266-1337), heykeltıraş Donatello Donato di Nicollo di Betto Bardi (1386-1466), ressam Masaccio Tommaso di Giovanni di Simone Gvidi (1401-1428) adlarını saymak gerekir. , ressam Sandro Botticelli (1445-1510 ), ressam, bilim adamı Leonardo da Vinci (1452-1519), ressam heykeltıraş, mimar Michelangelo Buonaroti (1475-1564), ressam Giorgione (1477-1510), ressam Tiziano Vecellio li Cadore (1477) -1566), ressam Raphael Santi (1484 -1520), ressam Jacopo Tintoretto (1518-1594) ve diğerleri.

Alman Rönesansındaki sanatsal etkinlik türleri arasında, İtalyan Rönesansında olduğu gibi resim öndeydi. Bu dönemin büyük ustaları arasında birincisi Hieronymus Bosch olarak adlandırılmalıdır. Çalışmaları, ortaçağ resminin başarılarını özetler ve Rönesans'a bir giriş görevi görür. Bosch'un daha çok dini konular üzerine yazdığı resimlerinde, karanlık ortaçağ fantezileri ve sembollerinin folklor unsurları ve kesin gerçekçi ayrıntılarla birleşimi dikkat çekicidir. Ve en korkunç alegoriler bile o kadar şaşırtıcı bir halk tadıyla yazılmıştır ki, yaşamı onaylayan bir izlenim bırakmaktadırlar. Tüm dünyadaki sonraki resim ustalarından hiçbiri, delilik sınırında böyle fantastik görüntüler yazmayacak.

Kuzey Rönesansının görsel sanatlardaki en büyük ustası Albrecht Durer'di. Muazzam bir miras bıraktı: resimler, grafik eserler, makaleler, yazışmalar.

Dürer'in çalışmaları İtalyan ustalardan etkilendi: İtalya'yı, özellikle Venedik'i ziyaret etmeyi severdi. Bununla birlikte, Albrecht Dürer'in dünya vizyonunun özgüllüğü, dünyayı en nesnel olarak yansıtma fırsatı arayışındadır, İtalyan idealleştirici gerçekçiliği ona yabancıydı, resim ve çizimden tam bir güvenilirlik elde etmeye çalıştı. Bu duygululuk, kendi portreleriyle, özellikle de kardeşine yazdığı mektuplardaki kurşun kalemle yaptığı portrelerle doludur ve buna annesinin ölmeden önceki portresi de dahildir.

Dürer'in gerçekten yaptığı ortaçağ sembollerini deşifre ederek grafiklerinin derinliklerini anlamaya çalışabilirsiniz. Ancak Reform döneminde bu büyüleyici görüntülere dair ipuçları aramak gerekiyor. Belki de gravürlerinin sayfaları, o zamanın insanlarının metanetini, her türlü çileyi reddetmeye hazır olmalarını, savaşın üzücü sonucuyla ilgili kederli spekülasyonlarını en canlı şekilde yansıtıyordu. Kıyametin Atlısı Melankoli'ye baktığınızda bunu düşünürsünüz.

Albrecht Durer'in eserinin zirvesi, Rönesans hümanizminin en parlak ifadelerinden biri olan, insana gerçek bir ilahi olan dört havarinin görkemli tasviriydi.

Bu çağın ve Lucas Cranach the Elder'ın çalışmalarının doğasında var. Madonna'ları ve diğer İncil kahramanları, bariz şehir sakinleri ve sanatçının çağdaşlarıdır. En iyi eserlerinden biri, yenilikçi bir şekilde yazılmış Çarmıha Gerilme'dir. Keskin asimetrik bir kompozisyon, geleneksel figürlerin olağandışı açıları, renk zenginliği, toplumsal bir karışıklığın önsezisi olan kafa karışıklığı izlenimi veriyor. Grunewald (1470-75 - 1528) olarak da bilinen Mathis Niethard, dini fantezilerin, coşkunun, yaratıcı kompozisyonun zenginliği ve parlaklığı ile şaşırtıyor. Grunewald'ın ana eseri Isenheim Sunağıdır. Meryem'in bebeğiyle görüntüsü, meleklerin onlar için müzik aletleri çaldığı çok figürlü bir şenlikli kompozisyona yazılmıştır. Bu parlak sahnenin aksine, "Çarmıha Gerilme", ​​kasvetli ve natüralist yazılmıştır. Çıplak ayakla çok yürüyen, zayıflamış, acıya yakın olan sıradan bir Mesih'in imajı, köylü savaşına katılanlarla ilişkilidir.

Gais Holbein the Young (1497-1543), bu dönemin en iyi portre ressamlarından biri olarak kabul edilebilir. Rotterdam Erasmus'u ve astronom Nicholas Kratzer, Thomas More ve Jane Seymour'un portrelerine sahip, çağdaşlarının imajlarını onurlu, bilge ve kısıtlı ruhsal güçle dolu insanlar olarak yorumluyor. Ayrıca İncil için harika illüstrasyonlar ve "Ölüm Dansı" gravürlerinden oluşan bir döngü olan "Aptallığa Övgü" yarattı.

Tuna resim okulunun başkanı Albrecht Altdorfer'in (1480-1538) eseri de kendine özgü kişiliğiyle dikkat çekti. Peyzaj türünün oluşumunda önceliğe aittir. Bununla birlikte, en ilginç resmi "Darius ile İskender Savaşı" (1529) olmaya devam ediyor. Dünya'daki savaş sahnesi, rekabet halindeki Güneş, Ay ve gökyüzündeki bulutlar tarafından yankılanır. Resim, renkli olarak rafine edilmiş, resimsel becerisinde hoş olan birçok dekoratif ayrıntıyla doludur. Ayrıca, bu, yağlı boya ile boyanmış ilk savaş sahnelerinden biridir, böylece Altdorfer başka bir resim türünün kurucusu olarak kabul edilebilir.

Hollanda'da 15. yüzyılda minyatür, yüksek bir mükemmellik derecesine ulaştı.

Dünya görüşünün sevgi dolu, çalışkan, şiirsel niyeti, Jan Van Eyck tarafından başlatılan 15. yüzyılın büyük bir tablosu tarafından minyatürden miras alındı. El yazmalarını süsleyen küçük resimler, sunakların kapılarını süsleyen büyük tablolara dönüşmüştür. Aynı zamanda, yeni sanatsal nitelikler ortaya çıktı. Minyatürde olamayacak bir şey ortaya çıktı: Aynı niyet, bir kişiye, yüzüne, gözlerinin derinliklerine odaklanmış bakış.

Ermitaj'da önde gelen Hollandalı usta Rogier van der Weyden'in “St. Luke, Madonna'yı yazıyor "(evangelist Luke, ressamların atölyesinin bir sanatçısı ve hamisi olarak kabul edildi). İçinde, Hollandalılar tarafından sevilen kompozisyonların çoğu tipiktir: köprüde iki dalgın insan figürü ile çok ince, şefkatli ve dikkatli bir şekilde boyanmış şehir ve kanal panoraması. Ancak en dikkat çekici şey, Madonna'yı "doğadan" resmeden Luke'un yüzü ve elleridir. Özel bir ifadesi var - tamamen tefekküre girmiş bir adamın ifadesini dikkatle ve endişeyle dinliyor. Eski Hollandalı ustalar doğaya böyle bakıyorlardı.

Jan van Eyck'e geri dönelim. Ağabeyi Hubert ile çalışan bir minyatürcü olarak başladı. Van Eyck kardeşler, geleneksel olarak yağlı boya tekniğinin icadıyla tanınırlardı; bu doğru değil - bitkisel yağları bağlayıcı olarak kullanma yöntemi daha önce biliniyordu, ancak Van Eycky bunu geliştirdi ve yayılmasına ivme kazandırdı. Yakında yağ yer değiştiren tempera

Van Eyck'in en ünlü eseri olan Büyük Ghent Altarpiece, Hubert tarafından başlatıldı ve ölümünden sonra devam etti ve Jan tarafından 1432'de tamamlandı. Görkemli sunağın kapıları hem iç hem de dış olmak üzere iki kat halinde boyanmıştır. Dış taraflarda - bağışçıların (müşterilerin) duyurusu ve diz çökmüş figürleri: hafta içi kapalıyken sunak böyle görünüyordu. Tatillerde kapılar ardına kadar açılır, açıldığında sunak altı kat büyür ve Van Eyck'in renklerinin tüm ışıltısı içinde, cemaatçilerin önünde, sahnelerinin bütünü içinde, tüm sahneleri içermesi gereken bir gösteri ortaya çıktı. insan günahları ve gelecekteki aydınlanma için kefaret fikri. Yukarıda merkezde, yanlarda Meryem ve Vaftizci Yahya ile tahtta Baba Tanrı olan Deesis vardır. Bu rakamlar insan büyümesinden daha büyük. Sonra çıplak Adem ve Havva insan büyümesi ve müzisyenler ve şarkı söyleyen melek grupları. Alt katta, geniş çiçekli bir manzara arasında çok daha küçük ölçekte, çok mekansal olarak çözülmüş Kuzu'ya ibadet eden kalabalık bir sahne var ve yan panellerde hacı alayları var. Kuzu'ya tapınma planı, günahkar dünyanın sona ermesinden sonra Tanrı'nın şehrinin, içinde gece olmayacağı, ancak yeryüzüne ineceği söylenen "Yuhanna'nın Vahiyinden" alınmıştır. sonsuz ışık olacak ve "kristal kadar parlak" yaşam nehri ve her ay meyve veren yaşam ağacı olacak ve şehir "şeffaf cam gibi saf altın" olacak. Kuzu, doğruları bekleyen tanrılaştırmanın mistik bir sembolüdür. Ve görünüşe göre, sanatçılar, ebediyetlerinin ve bozulmalarının altın rüyasını somutlaştırmak için, Ghent sunağının resimlerine dünyanın cazibesine, insan yüzlerine, bitkilere, ağaçlara, sulara olan tüm sevgilerini koymaya çalıştılar.

Jan van Eyck aynı zamanda olağanüstü bir portre ressamıydı. Arnolfini eşlerinin ikili portresinde, sıradan bir odada avize, gölgelik, ayna ve kucak köpeği olan sıradan bir odada, o zamanlar oldukça iddialı bir şekilde giyinmiş sıradan insanların görüntüsü bir tür harika gizem gibi görünüyor. Bir mum ışığına, elmaların kızarmasına ve dışbükey bir aynaya tapıyor gibi görünüyor; uysal karısını sanki samimi bir tören yapar gibi elinden tutan Arnolfini'nin solgun, uzun yüzünün her özelliğine aşıktır. Hem insanlar hem de nesneler - her şey ciddi bir beklenti içinde, saygılı bir ciddiyetle dondu; her şeyin gizli bir anlamı vardır, evlilik yemininin ve evin kutsallığına işaret eder.

Bu tanım Rönesans'ın İtalyanlarına uymuyor: kendilerini yüksek anlamda da olsa ortalama insanlar gibi hissetmiyorlardı. Jan van Eyck tarafından canlandırılan Arnolfini, Hollanda'da yaşayan bir İtalyandı; bir yurttaş onu çizseydi, portre muhtemelen ruhta farklı olurdu.

Kişiliğe, görünümüne ve karakterine derin bir ilgi - bu, İtalyan ve Kuzey Rönesans sanatçılarını bir araya getiriyor. Ama onunla farklı şekillerde ilgileniyorlar ve onda farklı şeyler görüyorlar. Hollandalılar, titanizm ve insan kişiliğinin her şeye gücü yetme duygusuna sahip değiller: onun değerini şehirli dürüstlüğünde, alçakgönüllülüğün ve dindarlığın en az olmadığı niteliklerde, her ne kadar evren karşısında küçüklüklerinin bilincinde olsalar da görüyorlar. Bu alçakgönüllülükte bireyin haysiyeti kaybolmaz ve hatta vurgulandığı gibi.

15. yüzyılın ortalarında ve ikinci yarısında, Hollanda'da birçok mükemmel ressam çalıştı: daha önce bahsedilen Rogier van der Weyden, Dirk Bouts, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Tot sint Jans. Sanatsal bireysellikleri, İtalyan kuatrocentistlerinkiyle aynı derecede bireysel üslup ifadesine sahip olmasa da, oldukça belirgin bir şekilde ayırt edilebilir. Esas olarak sunaklar ve portreler çizdiler ve zengin kasaba halkının emriyle şövale resimleri yaptılar. Uysal, düşünceli bir ruh hali ile dolu kompozisyonlar, onlar için özel bir çekiciliğe sahiptir. Noel sahnelerini ve bebeğe tapınmayı sevdiler, bu hikayeler onlar tarafından ince ve masum bir şekilde çözüldü. Hugo van der Goes'un "Çobanların Hayranlığı"nda, bebek her yeni doğan çocuk gibi sıska ve zavallı, etrafındakiler ona çaresiz ve çarpık, derin duygusal duygularla bakıyor, Madonna bir rahibe gibi sessiz, öyle değil mi? yukarı bakma, ama insan onun anneliğin mütevazı gururuyla dolu olduğunu hissediyor. Ve fidanlığın dışında, dolambaçlı yollar, nadir ağaçlar, kuleler, köprüler ile geniş, tepelik Hollanda manzarasını görebilirsiniz.

Burada çok fazla dokunma var, ama tatlılık yok: formların gotik açısallığı, bazılarının katılıkları dikkat çekiyor. Van der Goes'in çobanlarının yüzleri, genellikle Gotik eserlerde olduğu gibi karakteristik ve çirkindir. Melekler bile çirkindir.

Hollandalı sanatçılar nadiren güzel, düzenli yüzleri ve figürleri olan insanları tasvir eder ve bu da İtalyan olanlardan farklıdır.

Romalıların doğrudan torunları olan İtalyanların, kuzeyin solgun ve gevşek oğullarından genellikle daha güzel olduklarına dair basit bir düşünce elbette dikkate alınabilir, ancak asıl sebep yine de bu değil, aradaki fark. genel sanatsal konseptte. İtalyan hümanizmi, insanın içinde büyük olanın pathosu ve klasik biçimler için bir tutku ile doludur, Hollandalılar "ortalama insanı" şiirselleştirir, klasik güzellik ve uyumlu oranlarla pek ilgisi yoktur.

Hollandalıların detaylara tutkusu vardır. Onlar için gizli bir anlamın taşıyıcılarıdırlar. Vazoda zambak, havlu, çaydanlık, kitap - doğrudan olanın yanı sıra tüm detaylar da gizli bir anlam taşır. Şeyler sevgiyle tasvir edilir ve ruhsallaştırılmış gibi görünür.

Kendine, günlük yaşama, nesneler dünyasına saygı, dini bir bakış açısıyla kırıldı. Hollanda Rönesansının altında yer aldığı Protestan reformlarının ruhu buydu.

İtalyanlara kıyasla daha az antropomorfik algı, panteist ilkenin baskınlığı ve Gotik'ten doğrudan süreklilik, Hollanda resim stilinin tüm bileşenlerine yansır. İtalyan quattrocentists için, herhangi bir kompozisyon, ne kadar ayrıntılarla dolu olursa olsun, az ya da çok katı tektonik olma eğilimindedir. Gruplar bir kısma gibi inşa edilmiştir, yani sanatçı genellikle ana figürleri nispeten dar bir ön platforma, açıkça belirlenmiş kapalı bir alana yerleştirmeye çalışır; onları mimari olarak dengeler, ayakları üzerinde sağlam dururlar: tüm bu özellikleri zaten Giotto'da bulacağız. Hollanda'da bileşimler daha az kapalı ve daha az tektonik. Derinlik ve mesafeden etkilenirler, mekan duygusu İtalyan resminden daha canlı, daha havadar. Figürler daha tuhaf ve kararsız, tektonikleri, cübbelerin yukarıdan aşağıya ayrılan yelpaze şeklindeki, kırık kıvrımları tarafından bozuluyor. Hollandalılar çizgi oyununu severler, ancak çizgiler onlar için hacim oluşturmak için heykelsi görevlere değil, daha çok süs görevi görür.

Son olarak, hiçbir merkezin olmadığı, mekânın çok sayıda eşit grup ve sahneyle dolduğu bir yerde bir kompozisyon biçimi oluşur. Bu durumda, ana karakterler bazen kendilerini köşede bir yerde bulurlar.

Benzer kompozisyonlar 15. yüzyılın sonunda Hieronymus Bosch tarafından bulunur. Bosch son derece özgün bir sanatçıdır. Tamamen Hollandalı bir niyet ve gözlemi, alışılmadık derecede üretken bir hayal gücü ve çok karanlık bir mizahla birleştiriyor. En sevdiği konulardan biri, keşişin şeytanlar tarafından kuşatıldığı "Aziz Anthony'nin Günaha" dır. Bosch, resimlerinde küçük, sürünen, korkunç yaratıklardan oluşan lejyonlar halinde yaşıyordu. Bu canavarlarda insan vücudu parçalarını fark ettiğinizde oldukça ürkütücü oluyor. Tüm bu tuhaf iblisler dolabı, ortaçağ kimeralarından önemli ölçüde farklıdır: onlar daha büyük ve çok daha az uğursuzdu. Bosch'un demonolojisinin tanrılaştırılması, onun bir işkence bahçesine benzeyen "Müzikal cehennemi"dir: çıplak insanlar, her taraftan üzerlerine tırmanan canavarlara karışırlar, acı veren şehvetle kıvranırlar, dev müzik aletlerinin tellerinde çarmıha gerilirler, sıkılırlar ve ezilirler. gizemli cihazlarda kesilmiş, çukurlara itilmiş, yutulmuş.

Ancak, İtalyan Cinquecento'nun etkisi altında olan romantik eğilimlerden bahsetmeye değer - 16. yüzyılda Hollanda'da yayılmaya başladılar. Kimliksizlikleri çok dikkat çekicidir. İtalyanlar arasında güzel olan "klasik çıplaklık" imajı kesinlikle Hollandalılara verilmedi ve muhteşem şişkin vücutlarıyla Jan Gossart'ın "Neptün ve Amphitrite" gibi biraz komik görünüyordu. Hollandalıların da kendi taşralı "tarzları" vardı.

16. yüzyılda Hollandalı sanatçılar tarafından yapılan günlük yaşam türlerinin gelişimini ve manzara şövale resimlerini not edelim. Papalıktan ve Katolik din adamlarından nefret eden en geniş çevrelerin giderek Katoliklikten uzaklaşmaları ve kilise reformları talep etmeleri, onların gelişimini kolaylaştırdı.

Dükkanlardaki tüccarları, bürolardaki sarrafları, pazardaki köylüleri ve kart oyuncularını tasvir eden tamamen tür resimleri ortaya çıkmaya başladı. Günlük yaşamın türü, portre türünden ve manzara türünden - Hollandalı ustalara çok düşkün olan manzara arka planlarından doğdu. Arka plan büyüdü ve saf manzaraya sadece bir adım kaldı.

Güzel Sanatlar ve Resim Öğretmeni

Semyashkina Lyudmila Semyonovna

MBOU SOSH numarası 10

3 çeyrek

Bir kişiye bakmak. Görsel sanatlarda portre.

Ders 16

Bir kişinin imajı sanatın ana temasıdır.

Hedefler: bir portrenin ortaya çıkış tarihi ile farklı dönemlerin sanatında bir kişinin imajını tanımak; portre görüntüsünün bir kişinin karakterini, iç dünyasını ifade etmesi gerektiğine dair bir anlayış geliştirmek; bir kişinin iç ve dış görünümünde güzellik, uyum, güzellik bulma yeteneğini oluşturmak; Çevredeki dünyaya bilişsel ilgiyi ve öğrenme sürecine ilgiyi harekete geçirin.

Yöntem ve teknikler:

Yazılı teknikler, kısmi arama yöntemi, bilgi alıcı, BİT teknolojisi kullanımı.

Çalışma biçimleri:

bireysel, buhar odası, önden.

Ders ekipmanı:

Öğretmen için: bilgisayar, projektör, ekran.

Öğrenciler için: yaratıcı defterler, boyalar, kurşun kalemler, albümler.

Dersler sırasında

Merhaba beyler!

Günlükleri açıyoruz ve bir sonraki ihtiyacınız olacak ders için ödevleri yazıyoruz: renkli kağıt, yapışkanlı kalem, makas, keçeli kalem ve kağıt (bej, yumuşak pembe.) Beni dikkatle dinleyecek ve soruları cevaplayacak arkadaşlar, o zaman dersin sonunda sana vereceğim görevle kolayca başa çıkabilirsin.

Ve derse Nikolai Zabolotsky'nin bir şiiriyle başlayacağım.

Aşk resmi, şairler!

Sadece o, bir tek verilir

Değişken kehanetlerin ruhları

Tuvale aktarın.

Geçmişin karanlığından nasıl hatırlıyor musun,

Zar zor saten sarılmış

Yine Rokotov'un portresinden

Struyskaya bize baktı mı?

Gözleri iki sis gibi

Yarı gülümse, yarı ağla,

Gözleri iki aldatmaca gibi

Başarısızlık sisiyle kaplı.

İki bilmecenin birleşimi,

Yarı sevinç, yarı korkmuş,

Çılgın bir hassasiyet

Ölümcül işkence beklentisi.

Karanlık çöktüğünde

Ve bir fırtına geliyor

Ruhumun ışıltısının altından

Onun güzel gözleri.

Öğretmen: bu şiir ne hakkında? Buna ne isim verebilirsiniz?

çocuklar: Vesika.

Öğretmen: Sağ! Yani, muhtemelen tahmin ettiniz.

Bugünkü dersin konusu? - Vesika.

Öğretmen: Portrenin ne olduğunu kim bilebilir?

çocuklar: …

Portre, gerçekte var olan veya var olan bir kişinin veya bir grup insanın resmi veya açıklamasıdır.

Öğretmen: Beyler, bir portre yardımıyla ne gösterebilir veya iletebilirsiniz?

çocuklar: …

Öğretmen: Bir portre yardımıyla bir kişinin karakterini, iç dünyasını, yaşam değerlerini ve bu kişinin ne zaman yaşadığını gösterebilirsiniz.

Öğretmen: Arkadaşlar tanımı yazalım. Albümün sol tarafında.

Bugün derste portre türünün ortaya çıkış tarihini öğreneceksiniz.

Portre, birkaç bin yıl önce dünyamızda ortaya çıktı. Zaten eski Mısır'da heykeltıraşlar, bir kişinin dış görünümünün oldukça doğru bir görünümünü yarattı.

Öğretmen: Beyler, heykeltıraşların neden bir kişinin birebir kopyasıyla heykel yaptığını bilen var mı?

çocuklar: …

Öğretmen: heykele bir portre benzerliği verildi, böylece bir kişinin ölümünden sonra ruhu ona hareket edebildi, sahibini bulmak kolaydı. O zamanın ünlü portrelerinden biri Nefertiti'nin portresidir (MÖ 1360 dolaylarında) -Slayt 1

Öğretmen: Beyler, bakın yüz hatları nasıldı, ne kadar uzun, güzel bir boyun, bakın nasıl gururla başını tutuyor. Beyler bu bir heykel olduğuna göre onları ters çevirelim ve bir de diğer tarafından bakalım.Slayt 2.

Öğretmen: Beyler dikkat edin Kraliçe Nefertiti'nin tek gözü yok. Neden düşünüyorsun?

çocuklar: Büstün yaratıldığı anda kraliçe hala hayattaydı.

Öğretmen: Bu doğru, aferin!

Beyler, bu görüntüler hayranlık için değil, cenaze kültleri için yaratıldı. Mısırlılar ölümden sonra yaşama inanıyorlardı.

Aynı hedefler pitoresk tarafından servis edildiFayum portreleri teknikte yapılmışenkaustics ... (Mum boyama). -Slayt 3

Fayum portreleri - Roma Mısır'ında Fayum kasabasında çini tekniğinde yapılmış mezar portreleri bulundu. Bunlar, Greko-Romen etkisi altında değiştirilen yerel cenaze geleneğinin bir unsurudur: portre, geleneksel cenaze maskesini bir mumya ile değiştirir.

Antik Roma portre büstleri, doğrulukları ve doğru psikolojik özellikleriyle kendilerini ayırt ederdi. Belirli bir kişinin karakterini ve kişiliğini yansıttılar. Bir kişinin yüzünün heykel veya resimdeki görüntüsü her zaman sanatçıları cezbetmiştir. Portre türü, özellikle hümanist, aktif, insan kişiliğinin ana değer olarak benimsendiği Rönesans döneminde gelişti. (Leonardo da Vinci, Raphael, Titian)4,5,6 Slayt

Leonardo da Vinci "Monna Lisa" - Madonna Lisa çok güzeldi, o zaman portrenin resmi sırasında Leonardo da Vinci lir çalan veya şarkı söyleyen insanları tuttu ve sürekli onu neşeli tutan ve resmin genellikle yapılan portre ile verdiği melankoliyi gideren şakacılar vardı.

Öğretmen: Beyler, ama bu sadece bir varsayım ve birçoğu var.

Hümanizm, bir kişinin bir kişi olarak değerini, özgürlük, mutluluk, gelişme ve yeteneklerinin tezahürü hakkını onaylar.

Rönesans ustaları portre görüntülerinin içeriğini derinleştirir, onlara zeka, manevi uyum ve bazen de içsel drama sağlar.. Rusya'da portre türü, 18. yüzyılın başından itibaren aktif olarak gelişmeye başladı. (F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky) bir dizi muhteşem asil insan portresi yarattı. -7. Slayt Özellikle büyüleyici ve çekici, lirizm ve maneviyatla dolu bu sanatçılar tarafından boyanmış kadın resimleriydi.

D.Levitsky. Maria Alekseevna'nın Portresi , yazarın modeline duyduğu derin sempatiyle dolu. Çekicilik ve çekicilik, genç kadın birçok arkadaş edindi, şairler ona şiirler adadı.

19. yüzyılın ilk yarısında, portre kahramanı rüya gibi oldu ve aynı zamanda kahramanca bir dürtü romantik kişiliğe eğilimli oldu (O. Kiprensky, K. Bryullov'un resimlerinde) -8.9 Slayt . 20. yüzyılda, portre en çelişkili eğilimleri birleştirir - canlı gerçekçi bireysel özellikler ve modellerin soyut ifade gösterileri (P. Picasso, A. Burdel, M. Vrubel.)Slayt 10, 11.

Öğretmen: Beyler, ne tür portreler biliyorsunuz?Slayt 12.

çocuklar: …

Öğretmen:

Tören

Bölme.

Öğretmen: Arkadaşlar cephe ne demek?

çocuklar: Böyle bir portre sergilenirken, bir oda veya (mahrem) portre, yakın bir insan çevresi için tasarlanmıştır.

Tören (temsilci) portre - kural olarak, bir kişiyi tam büyüme halinde göstermeyi içerir (at üzerinde, ayakta veya otururken). Bir tören portresinde, figür genellikle mimari veya peyzaj arka planına karşı gösterilir;

Oda portresi - Bel, göğüs, omuz görüntüsü kullanılır. Şekil genellikle nötr bir arka plana karşı çizilir.

Ayrıca, bir portre ikili veya grup olabilir.

Grup - Kompozisyon, format ve renk açısından birbirleriyle tutarlıysa, farklı tuvallere boyanmış portreleri arayın. Çoğu zaman bunlar eşlerin portreleridir.

Çoğu zaman, portreler bütün toplulukları oluşturur - portre galerileri. Genellikle yaşayan aile üyeleri ve ataları da dahil olmak üzere aynı cinsin temsilcilerini tasvir ederler.Slayt 13

Bir portrede bir kişi herhangi bir tarihi, tiyatro veya edebi karakter şeklinde sunulursa, böyle bir portreye denir.Kostüm. Bu tür portrelerin adları şu kelimeleri içerir:"gibi" veya"görüntüde" örneğin (Catherine 2) Minerva olarak.)Slayt 14

Minerva, dağların ve faydalı keşiflerin ve icatların yıldırım tanrıçasıdır.

Böylece, Portrelerin bize yalnızca farklı dönemlerden insanların görüntülerini aktarmadığını, tarihin bir bölümünü yansıttığını değil, aynı zamanda sanatçının dünyayı nasıl gördüğünü, resmedilen kişiye nasıl davrandığını da anlattığını öğrendiniz.

Öğretmen: Ve şimdi beni kimin dikkatle dinlediğini kontrol edeceğim.

Şimdi portre konusunda bir bulmaca çözeceğiz. Soruları okuyacağım ve sen cevaplayacaksın.

Yakın bir insan çevresi için tasarlanmış bir portre.

(Bölme)

Bir portrede bir kişi herhangi bir tarihi, teatral veya edebi karakter şeklinde sunulursa, böyle bir portreye ne denir? (Kostüm)

Bu portrenin asıl görevi, kraliyet halkını ve çevrelerini, soyluları ve saygınları yüceltmektir. Böyle bir portre sergileniyor mu? (Tören)

Eski Mısır kraliçesinin adı neydi? (Nefertiti)

İlk boyalı balmumu portreleri nerede bulundu? (Fayum'da)

Heykelde bir kişinin göğüs altı görüntüsünün adı nedir?

(Büst)

Bunu resimden görüyorsanız

Birimiz mi izliyor, -

Ya da eski pelerinli bir prens,

Ya da cübbe giymiş bir çıngıraklı adam,

Pilot veya balerin

Veya komşunuz Kolka, -

Gerekli boyama

Portre denir.

Öğretmen: Millet, bakın, portre kelimesini aldık.

Ders özeti:

DERSTE ÖĞRENCİ ÖZ DEĞERLENDİRME FORMU:

Cümleleri tamamlamak:

2. Derste benim için zordu ____________________________

_______________________________________________________________

3. Şimdi ____________________________________

__________________________________________________________________

4. Derste başarılı oldum ______________________________________

______________________________________________________________

Ödev: Bir portre hakkında kısa bir hikaye yazın.

Öğretmen: Bugün aktiftiniz, dikkatle dinlediniz, aferin! İlginiz için teşekkürler, ders bitti. Güle güle.