Orta Çağ Müziği. Giriş Ortaçağ Müzisyeni

Ortaçağ müzisyenleri. MS 5. yüzyıldan 14. yüzyıla kadar olan dönemi kapsayan, müzik kültürünün gelişim dönemi olan Orta Çağ Müziği 13. yüzyıla ait el yazması ... Wikipedia

Halk, popüler, pop ve klasik müziğin çeşitli canlı ve tarihi türlerini içerir. Karnataka ve Hindustani gelenekleri tarafından temsil edilen Hint klasik müziği, Sama Veda'ya kadar uzanır ve karmaşık ve çeşitli olarak tanımlanır ... Wikipedia

Montmartre Fransız müziğindeki bir grup müzisyen, kökenlerini ... Wikipedia'dan alan en ilginç ve etkili Avrupa müzik kültürlerinden biridir.

İçindekiler 1 Halk müziği 2 Klasik müzik, opera ve bale 3 Popüler müzik ... Wikipedia

Bu makale müzik tarzı ile ilgili. Bir grup felsefi görüş için, New Age makalesine bakın: New Age Music New Age (new age) kategorisine de bakın Yön: Elektronik müzik Kökenler: caz, etnik köken, minimalizm, klasik müzik, özel müzik ... Wikipedia

I Müzik (Yunanca musikten, kelimenin tam anlamıyla muses sanatı), gerçekliği yansıtan ve ağırlıklı olarak tonlardan oluşan anlamlı ve özel olarak organize edilmiş ses dizileri aracılığıyla kişiyi etkileyen bir sanat biçimidir ... ... Büyük Sovyet Ansiklopedisi

- (Yunanca moysikn, mousa muse'dan) esas olarak tonlardan oluşan, perde ve zaman ses dizilerinde anlamlı ve özel olarak düzenlenmiş, gerçekliği yansıtan ve kişiyi etkileyen bir sanat türü ... ... müzik ansiklopedisi

Hırvatlar hakkında bir dizi makale ... Wikipedia

Belçika müziği, kökenlerini ülkenin kuzeyinde yaşayan Flamanların müzik geleneklerinden ve güneyde yaşayan ve Fransız geleneklerinden etkilenen Valonların geleneklerinden alır. Belçika müziğinin oluşumu karmaşık tarihsel süreçte gerçekleşti ... ... Wikipedia

Kitabın

• Resimli sanat tarihi. Mimarlık, heykel, resim, müzik, V. Lubke. Ömür boyu baskı. Petersburg, 1884. A.S.Suvorin tarafından yayınlanmıştır. 134 rakamlı baskı. Sahibine ait deri sırt ve köşeler ile ciltleme. Bandaj omurga. Koruma iyidir....
• Resimli sanat tarihi. Mimarlık, heykel, resim, müzik (okullar, bireysel çalışma ve bilgi için), Lubke. Ömür boyu baskı. Petersburg, 1884. A.S.Suvorin tarafından yayınlanmıştır. 134 çizim içeren kitap. Tipografik kapak. Koruma iyidir. Kapakta küçük gözyaşları. Zengin resimli...

Orta Çağ'ın müzik sanatı 1000 yılı aşkın bir süredir gelişmektedir. Bu, müzikal düşüncenin evriminde - monodiden (monofoni) en karmaşık polifoniye kadar gergin ve çelişkili bir aşamadır. Orta Çağ boyunca, birçok Avrupa müzik aleti gelişti, hem kilise hem de laik müzik türleri oluşturuldu, Avrupa'nın tanınmış müzik okulları kuruldu: Hollandaca, Fransızca, Almanca, İtalyanca, İspanyolca, vb.

Orta Çağ'da müziğin gelişiminde iki ana yön vardı: kutsal müzik ve laik, eğlenceli. Aynı zamanda, laik müzik din tarafından kınandı, "şeytani bir saplantı" olarak kabul edildi.

Müzik, dinin araçlarından biriydi, kilisenin amaçlarına hizmet eden "kullanışlı" bir araç olduğu kadar kesin bilimlerden biriydi. Müzik, matematik, retorik, mantık, geometri, astronomi ve gramer ile birlikte icra edildi. Kilise, sayısal müzik estetiğine vurgu yaparak şarkı söyleme ve beste okulları geliştirdi (o dönemin bilginleri için müzik, sayının ses maddesine yansımasıydı). Bu aynı zamanda geç Helenizm'in, Pisagor ve Platon'un fikirlerinin de etkisiydi. Bu yaklaşımla müziğin bağımsız bir anlamı yoktu, en yüksek, ilahi müziğin bir alegorisiydi.

Böylece, müzik 3 türe ayrıldı:

• Dünya müziği kürelerin, gezegenlerin müziğidir. Orta Çağ'ın müzikal-sayısal estetiğine göre, güneş sisteminin her gezegeni kendi sesine, tonuna sahipti ve gezegenlerin hareketi göksel müziği yarattı. Gezegenlere ek olarak, mevsimlere de kendi tonları verildi.
• İnsan müziği - her organ, vücut parçası, insan ruhu, uyumlu bir uyum oluşturan kendi sesiyle donatıldı.
• Enstrümantal müzik, enstrüman çalma sanatıdır, eğlence için müzik, hiyerarşinin en alt türü.

Kutsal müzik vokal, koroydu ve laik müzik enstrümantal-vokaldi. Enstrümantal müzik hafif, anlamsız olarak kabul edildi ve o dönemin müzik teorisyenleri onu ciddiye almadı. Âşık sanatı, müzisyenlerden büyük performans becerileri talep etmesine rağmen.

Avrupa'da Orta Çağ'dan modern çağa neredeyse iki buçuk asır süren geçiş dönemi. Bu dönemde hayatın birçok alanında önemli değişiklikler meydana geldi; Bilim ve sanat gelişti. Rönesans dönemi birçok bileşene ve gelişim aşamasına ayrılmıştır. Aynı zamanda çeşitli batıl inançlarla da ilişkilidir, o kadar derinlere kök salmıştır ki, bugün bile onları çürütmek çok çaba gerektirir.

• İlk ve muhtemelen ana yanılsama (Rönesans'ın birçok ideologu gibi) Canlanmayı tam olarak uzun bir barbar "Orta Çağ" döneminden sonra gelen kültür ve medeniyetin yeniden dirilişi, karanlık bir zaman, bir kültürün gelişmesinde kırılma dönemi. Bu önyargı, Orta Çağ'ın tamamen cehaletine ve onunla Rönesans arasındaki yakın bağlantıya dayanmaktadır; örnek olarak, birbirinden tamamen farklı iki alanı - şiir ve ekonomik hayat - adlandırmak yeterli olacaktır. Dante 13. yüzyılda yaşadı, yani. Orta Çağ'ın zirvesinde Petrarch - XIV'te. Ekonomik hayata gelince, gerçek rönesansı, ticaretin ve bankacılığın hızla geliştiği bir dönem olan 13. yüzyıla denk geliyor. Eski yazarların yeniden keşfini Rönesans'a borçlu olduğumuzu söylüyorlar, ama bu aynı zamanda batıl inançtır. Bu dönemde sadece iki antik Yunan el yazmasının keşfedildiği, geri kalanının Batı'da (esas olarak Fransa'da) zaten mevcut olduğu bilinmektedir, çünkü Batı Avrupa, 12. ve 13. yüzyıllarda insan ve doğaya olan ilgiyle bağlantılı olarak antik çağa geri dönüş yaşamıştır. yüzyıllar.
• İkinci batıl inanç, Rönesans'ın birbirine zıt iki bileşeninin, yani hümanizm ve yeni doğa biliminin karıştırılmasıyla ilişkilidir. Hümanizm, yazar, retorikçi, politikacı olarak adlandırılan kültürlü bir kişiye "mekanik" emeğin layık olmadığını düşündüğü herhangi bir mantığa, herhangi bir akla, herhangi bir doğa bilimine düşmandır. Hem Rotterdam'lı Erasmus'u hem de Galileo'yu aynı anda birleştiren Rönesans adamı figürü efsanevidir ve Rönesans'ın doğasında bulunan tek bir dünya görüntüsüne olan inanç, batıl inançtan başka bir şey değildir.
• Üçüncü önyargı, Rönesans felsefesini, kendisinden önceki skolastisizmle karşılaştırıldığında "büyük" olarak övmektir.

Aslında, Kuzansky'nin Nicholas'ı (Rönesans ruhundan uzak) ve Galileo (Rönesans'ın sonunda yaşayan) dışında, Kristeller'e göre Rönesans filozofları ne iyi ne de kötüydü - onlar filozoflar hiç değil. Birçoğu seçkin yazarlar, bilim adamları, eski metinlerin uzmanlarıydı, alaycı ve keskin zihinleri, edebi becerileri ile ünlüydü. Ama felsefeyle neredeyse hiçbir ilgileri yoktu. Dolayısıyla onları Orta Çağ düşünürlerinin karşısına koymak saf bir hurafedir.

• • Bir başka yanılgı da Rönesans'ı fırtınalı bir devrim, geçmişten tam bir kopuş olarak düşünmektir. Gerçekten de, bu dönemde derin değişiklikler meydana gelir, ancak bunların hepsi organik olarak geçmişle bağlantılıdır ve her durumda, kökenleri Orta Çağ'da bulunabilir. Bu değişiklikler geçmişte o kadar derinlere kök salmıştır ki, Rönesans'ın en büyük uzmanlarından biri olan Huizinga, bu dönemi "Orta Çağ'ın düşüşü" olarak adlandırmak için her türlü nedene sahipti.

Son olarak, bir batıl inanç, Rönesans'ta yaşayan insanların, en azından çoğunun, ruhen Protestan, monist, ateist veya rasyonalist olduğu görüşüdür. Aslında, Rönesans'ın ünlü temsilcilerinin büyük çoğunluğu ve felsefe alanında, Leonardo ve Ficino'dan Galileo ve Campanella'ya kadar neredeyse herkes, Katolik inancının gayretli destekçileri ve savunucuları olan Katoliklerdi. Böylece, Marsilio Ficino, 40 yaşında Hıristiyan inancını benimsedi ve Yeni Çağ için bir Katolik özür diledi.

Orta Çağ müzik teorisyeni Guido Aretinsky (10. yüzyılın sonları) müziği şöyle tanımlar:

"Müzik, vokal seslerin hareketidir."

Bu tanımda, ortaçağ müzik teorisyeni, o dönemin tüm Avrupa müzik kültürünün müziğe karşı tutumunu dile getirdi.

Kilise ve laik müziğin müzik türleri.

Ortaçağın kutsal müziğinin kaynağı manastır ortamıydı. İlahiler şan okullarında kulaktan kulağa öğrenildi ve kilise ortamında yayıldı. Çok çeşitli ilahilerin ortaya çıkması nedeniyle, Katolik Kilisesi, Hıristiyan doktrininin birliğini yansıtan ilahileri kanonlaştırmaya ve düzenlemeye karar verdi.

Böylece, kilise müzik geleneğinin kişileşmesi haline gelen koral ortaya çıktı. Temelinde, belirli tatiller ve ilahi hizmetler için özel olarak yaratılmış diğer türler gelişmiştir.

Orta Çağ'ın kutsal müziği aşağıdaki türlerle temsil edilir: Koral, Gregoryen ilahi - Latince monofonik dini ilahi, açıkça düzenlenmiş, koro tarafından gerçekleştirilen, bazı bölümler - solist tarafından

• • • Kitle, 5 istikrarlı bölümden (ordinarium) oluşan Katolik Kilisesi'nin ana ilahi hizmetidir - I. Kyrie eleison (Rab, merhamet et), II. Gloria (şan), III. Credo (inanıyorum), IV. Sanctus (kutsal), V. Agnus Dei (Tanrı'nın kuzusu).
    • Ayin, ayin draması - Gregoryen ilahilerinin kanonlaştırılmamış mecaz melodileriyle değiştiği Paskalya veya Noel servisi, ayinlerin bir koro tarafından gerçekleştirildiği, karakterlerin bölümleri (Mary, Evangelist) solistti, bazen bazı kostümler ortaya çıktı
    • Gizem, ayrıntılı bir sahne eylemi, kostümler içeren ayinle ilgili bir dramadır.
    • Rondel (rondo, ru), yazarın melodisine dayanan (kanonize koralin aksine) olgun ve geç Orta Çağ'ın çok sesli bir türüdür ve sırayla solistlerin doğaçlama bir şekilde icra ettiği (erken bir tür. kanon)
    • Proprium, kilise takvimine bağlı olarak değişen kitle türünün bir parçasıdır (kütlenin değişmeyen parçası olan ordinarium'un aksine)
    • Antiphones, bölümlerin iki koro grubu tarafından değiştirilmesine dayanan en eski kilise koro müziği türüdür.

Kilise müziği örnekleri:

1) kyrie eleyson ilahisi

2) Sıra kurbanı Pashali

Orta Çağ'ın laik müziği, esas olarak gezgin müzisyenlerin müziğiydi ve özgürlük, bireyselleşme ve duygusallık ile ayırt edildi. Ayrıca, laik müzik, feodal beylerin saraylı, şövalye kültürünün bir parçasıydı. Kanun, şövalyeye ince görgü kurallarını, cömertliği, cömertliği, Güzel Leydi'ye hizmet etme görevlerini öngördüğünden, bu partiler, ozanların ve madencilerin şarkılarında yansımalarını bulamadılar.

Laik müzik, pandomimciler, hokkabazlar, ozanlar veya trouvers, âşıklar (Fransa'da), minnesingerler, spielmanlar (Germen ülkelerinde), hohlarlar (İspanya'da), soytarılar (Rusya'da) tarafından icra edildi. Bu sanatçılar sadece şarkı söyleyebilmek, oyun oynayabilmek ve dans edebilmekle kalmamalı, aynı zamanda sirk gösterileri, sihir oyunları, tiyatro sahneleri de gösterebilmeli ve seyirciyi başka şekillerde mümkün olan her şekilde eğlendirmeliydi.
Müziğin bir ilim olması ve üniversitelerde okutulması nedeniyle, eğitim almış feodal beyler ve soylular bilgilerini sanatta uygulayabilmişlerdir.
Böylece mahkeme ortamında da müzik gelişti. Hıristiyan çileciliğinin aksine, şövalye müziği şehvetli aşkı ve Güzel Hanım'ın idealini övdü. Asalet arasında müzisyenler olarak biliniyordu - Guillaume - VII, Poitiers Kontu, Aquitaine Dükü, Jean Brienne - Kudüs Kralı, Pierre Moclair - Brittany Dükü, Thibaut Champagne - Navarre Kralı.

Orta Çağ'ın laik müziğinin temel özellikleri ve özellikleri:

• • • folklora dayalı, Latince değil, ana dil lehçelerinde gerçekleştirilen,
    • gezici sanatçılar arasında notasyon kullanılmaz, müzik sözlü bir gelenektir (daha sonra, mahkeme ortamında geliştirilen müzikal yazı)
    • ana tema, dünyevi yaşamının tüm çeşitliliğinde bir kişinin imajı, idealize edilmiş şehvetli aşk
    • monofoni - bireysel duyguları şiirsel ve şarkı biçiminde ifade etmenin bir yolu olarak
    • vokal ve enstrümantal performans, enstrümanların rolü henüz çok yüksek değil, enstrümantal ağırlıklı olarak tanıtımlar, aralar ve kodlardı.
    • melodi çeşitliydi, ancak ritim aynı zamanda - kanonlaştırıldı - bu kilise müziğinin etkisiydi, sadece 6 çeşit ritim (ritmik mod) vardı ve her birinin kesinlikle figüratif bir içeriği vardı

Nazik şövalye müziği çalan Trouvers, troubadours ve minnesingers kendi orijinal türlerini yarattı:

• • • "Dokuma" ve "Mayıs" şarkıları
    • Rondo - tekrar eden bir nakarat üzerine kurulu bir form
    • Ballad - metin-müzikal şarkı formu
    • Virele - Üç satırlık dörtlük (üçüncü satır kısaltılmış), aynı kafiye ve koro ile eski Fransız şiirsel formu
    • Kahramanlık destanı ("Roland'ın Şarkısı", "Nibelungların Şarkısı")
    • Haçlıların Şarkıları (Filistin Şarkıları)
    • Canzona (minnesingers tarafından denir - alba) - aşk, lirik şarkı

X - XI yüzyıllarda kentsel kültürün gelişimi sayesinde. laik sanat daha aktif bir şekilde gelişmeye başladı. Gezici müzisyenler, tüm şehir bloklarını doldurarak giderek daha yerleşik bir yaşam tarzı seçiyor.

XII - XIII yüzyıllarda dolaşan müzisyenler ilginçtir. manevi konulara dön. Latince'den yerel dillere geçiş ve bu sanatçıların muazzam popülaritesi, Strasbourg, Rouen, Reims katedrallerinde manevi performanslarda yer almalarına izin verdi. Cambrai. Zamanla, bazı gezgin müzisyenler, soyluların kalelerinde ve Fransa, İngiltere, Sicilya ve diğer ülkelerin mahkemelerinde performanslar düzenleme hakkını elde ettiler.

XII-XIII yüzyıllarda, dolaşan müzisyenler arasında kaçak keşişler, gezgin bilginler ve alt din adamlarının torunları - Vagants ve Goliards - ortaya çıktı.

Yerleşik müzisyenler, ortaçağ şehirlerinde tüm müzik atölyelerini oluşturur - “Saint Julien Kardeşliği” (Paris, 1321), “Aziz Nicholas Kardeşliği” (Viyana, 1288). Bu derneklerin amacı müzisyenlerin haklarını korumak, profesyonel gelenekleri korumak ve aktarmaktı.

XIII - XVI yüzyıllarda. Ars Nova döneminde daha da gelişen yeni türler oluşuyor:

• • • Motet (Fransızca'dan - "kelime"), farklı metinleri aynı anda, hatta bazen farklı dillerde tonlayan seslerin melodik farklılığı ile ayırt edilen çok sesli bir türdür, hem laik içerik hem de manevi olabilir.
    • Madrigal (İtalyanca'dan - "ana dilde şarkı", yani İtalyanca) - aşk lirik, pastoral şarkılar,
    • Caccia (İtalyanca - "avcılık"), avcılık konulu bir vokal parçadır.

Troubadours ve profesyonel besteciler tarafından laik müzik.

Ek bilgi:

Bilgi çağımızda, yüksek teknolojiler çağında, kalıcı manevi değerleri çoğu zaman unutuyoruz. Bu değerlerden biri de atalarımızın manevi mirası olan klasik müziktir. Klasik müzik nedir, modern bir insan neden buna ihtiyaç duyar? Neden birçok insan bunun çok sıkıcı olduğunu düşünüyor? Bu zor konuları anlamaya çalışalım.Klasik müziğin güya çok uzun zaman önce yazılmış olduğu fikrini sık sık duyabilirsiniz. Bu böyle değildir, çünkü bu kavram, insan uygarlığının tüm varlığı boyunca müzik dünyasında yaratılmış en iyi şey anlamına gelir. Beethoven'ın 18. yüzyılda yaratılan sonatları ve Sviridov'un 40 yıl önce yazılmış romantizmi birer klasik! Ana şey, bu müziğin zamana direnmiş olmasıdır. Ve Beethoven günlerinde ve şimdi düşük kaliteli bir müzik ürünü üreten sanat tüccarları var. Bu ürün çok çabuk bozuluyor ve gerçek sanat her geçen gün daha da güzelleşiyor.

Notların görünümü

İnsanoğlunun büyük icadı olan yazı, düşünce, fikir ve izlenimlerin biriktirilmesini ve gelecek nesillere aktarılmasını mümkün kılmıştır. Daha az büyük olmayan başka bir buluş, müzik notasyonu, sesleri ve müziği torunlara iletmeyi mümkün kıldı. Notalardan önce, Avrupa müziğinde özel işaretler kullanıldı - neuma.

Modern müzik nota sisteminin mucidi Benediktin keşişi Guido Aretinsky'dir (Guido d'Arezzo) (990-1050). Arezzo, Toskana'da, Floransa'dan çok uzakta olmayan küçük bir kasabadır. Yerel manastırda birader Guido, koro üyelerine kilise ilahilerinin nasıl söyleneceğini öğretti. Bu iş kolay ve uzun sürmedi. Tüm bilgi ve beceriler doğrudan iletişimde sözlü olarak aktarıldı. Şarkıcılar, öğretmenin rehberliğinde ve onun sesinden sürekli olarak Katolik Ayininin her ilahisini ve her ilahisini öğrendiler. Bu nedenle, tam "çalışma kursu" yaklaşık 10 yıl sürdü.

Guido Aretinsky, sesleri notlarla işaretlemeye başladı (Latince nota - işaretinden). Gölgeli kareler olan notalar, dört paralel çizgiden oluşan çıta üzerine yerleştirildi. Şimdi bu satırlardan beş tane var ve notlar daireler halinde gösteriliyor, ancak Guido'nun getirdiği ilke değişmedi. Daha yüksek notlar, daha yüksek bir cetvelde görüntülenir. Yedi nota vardır, bir oktav oluştururlar.

Guido, oktavın yedi notasının her birine bir isim verdi: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Bunlar Aziz John ilahisinin ilk heceleridir. John. Bu ilahinin her satırı bir öncekinden daha yüksek bir tonda söylenir.

Bir sonraki oktavın notaları aynı şekilde adlandırılır, ancak daha yüksek veya daha düşük bir sesle söylenir. Bir oktavdan diğerine geçildiğinde, aynı notanın gösterdiği sesin frekansı yarı yarıya artar veya azalır. Örneğin, müzik aletleri ilk oktavın A notasına ayarlanmıştır. Bu not 440 Hz'lik bir frekansa karşılık gelir. Bir sonraki, ikinci oktavın notası, 880 Hz'lik bir frekansa karşılık gelecektir.

İlki hariç tüm notaların isimleri sesli harfle biter, şarkı söylemeye uygundur. ut hecesi kapalıdır ve diğerleri gibi söylenmesi imkansızdır. Bu nedenle, oktavın ilk notasının adı olan ut, on altıncı yüzyılda yapılacak şekilde değiştirildi (büyük olasılıkla Latince Dominus - Lord kelimesinden). Oktavın son notası olan si, ilahinin son satırındaki iki kelimenin kısaltılmış halidir, Sancte Ioannes. İngilizce konuşulan ülkelerde "si" notasının adı, müzik notasyonunda da kullanılan C harfiyle karıştırılmaması için "ti" ile değiştirildi.

Notaları icat eden Guido, şarkıcılara bu tuhaf alfabeyi öğretti ve onlara notalardan şarkı söylemeyi de öğretti. Yani, modern müzik okullarında solfej denilen şey. Şimdi tüm kütleyi notalara yazmak yeterliydi ve şarkıcılar gerekli melodiyi zaten kendileri söyleyebilirdi. Artık her şarkıyı kişisel olarak öğretmeye gerek yok. Guido'nun sadece süreci kontrol etmesi gerekiyordu. Şarkıcılar için eğitim süresi beş kat azaltıldı. On yıl yerine - iki yıl.!

Arezzo'daki Via Ricasolli'deki Guido'nun doğduğu evin üzerindeki anıt plaket. Kare notaları gösterir.

İşaretleri kullanarak müzik kaydetme fikrini ilk ortaya atan kişinin Arezzo keşişi Guido olmadığı söylenmelidir. Ondan önce, Batı Avrupa'da, şarkının tonunun yükselişini veya düşüşünü belirtmek için mezmur metninin üzerine yapıştırılmış işaretler (Yunanca "pneumo" - nefes alma kelimesinden) zaten bir neumas sistemi vardı. Rusya'da aynı amaç için kendi "kanca" veya "afiş" sistemlerini kullandılar.

Guido Aretinsky'nin kadronun dört satırına yerleştirilmiş kare notaları, müzik kaydetmek için en basit ve en uygun sistem olduğu ortaya çıktı. Onun sayesinde müzik notaları tüm dünyaya yayıldı. Müzik kiliseyi terk etti ve önce hükümdarların ve soyluların saraylarına, ardından tiyatrolara, konser salonlarına ve şehir meydanlarına giderek ortak mülk haline geldi.

fret nedir.

Perdeler, müzik teorisindeki merkezi terimlerden biridir. Nasıl oluşturulduklarını anlamak ve bunları ustaca kullanmak, müzisyen için sınırsız olanaklar sunar. Ve belirli bir kompozisyonda ilginç bir geçişin nasıl yaratıldığını tam olarak açıklamak genellikle imkansızdır - eğer bir kişi bir uyumun ne olduğunu anlamıyorsa. Ancak bir püf noktası var: Müzisyenlerin kendileri, çoğu zaman aynı anlama gelmeyen "uyum" terimini kullanıyorlar. Nedenmiş? Ve bu nedir? Karışıklık, bu kelimeye farklı dönemlerde çok farklı anlamlar yüklenmesinden kaynaklanmıştır.

Algımızın ne kadar büyütüldüğünü ve klasik müziğe bağlı olduğunun farkında değiliz. ("Modern müzik" kavramı ise klasik ilkelerden bir kopuştur). Klasisizm çağı, insanın dünyayı algılayışında büyük bir tarihsel çöküştür. Orta Çağ'dan sonra insanlar antik sanatı keşfetti ve büyülendi. Herhangi bir klasisizm eseri katı kurallar üzerine kuruludur, böylece evrenin kendisinin uyumunu ve tutarlılığını ortaya çıkarır. Klasisizm yapısal bir düzen yarattı - en yüksek ve en düşük, ana ve ikincil, merkezi ve alt olanın net bir hiyerarşisi. Bu nedenle, örneğin, Viyana klasikleri ve romantik müzikle başlayarak, sistem içinde düşünüyoruz - "majör-minör". Nedir ve algımızı nasıl etkiler?

Majör ve minör ton gamlarıdır. Tonal mod, tonlar arasındaki belirli bir ilişkiler sistemidir. Bunun anlamı ne? ton nedir? Anlamaya çalışalım. Diyelim ki önünüzde bir piyano var: klavyeye bakın: her zamanki do-re-mi-fa-sol-la-si, 7 beyaz tuş ve aralarında 5 siyah tuş daha, toplam 12. iki tanesi yarım tondur. Bitişik siyah ve beyaz arasında her zaman bir yarım ton vardır. Bitişik beyazlar arasında bir ton vardır (mi-fa istisnaları vardır ve si-do bir yarım tondur).

Herhangi bir ton ve yarım ton seti bir ölçektir. Klasisizm çağında, tüm tonların toniğe - ana tona sıkı bir şekilde tabi tutulmasıyla inşa etmeye başladılar. Bu majör veya minör ölçektir. Tüm tonal müzikler (tüm klasikler), tam olarak ana ve alt ünsüzler arasındaki ilişki üzerine kuruludur. Kulaktan, majör ve minör renklerine göre sezgisel olarak ayırt ederiz - "neşeli" veya "üzgün". Değişken mod, bir parçanın aynı anda hem ana hem de küçük özellikleri içermesidir. Ancak ortak bir prensipleri var - tonal.

Ancak, bu ilke mümkün olan tek ilke değildir. Klasisizm çağından önce, her şey sonunda uyumlu bir tonaliteler sistemine göre düzenlendiğinde, müzikal düşünce farklıydı. Ionian, Dorian, Phryg, Lydia, Mixolydian, Aiolian, Locrian... Bunlar Yunanlıların oktav modlarıdır. Ve sonra Gregoryen müziğinin kilise modları vardı. Bunların hepsi mod modlarıdır. Antik çağda, Orta Çağ'da müzik bestelediler, doğu müzik geleneği modal (örneğin Hint ragaları veya Arap makamları). Modalite, Rönesans Avrupa'sının müziğinde de hüküm sürdü.

Alıştığımız tonal görünümden temel fark nedir? Tonal modlarda, ana akorların ve akorların işlevlerinin katı bir tanımı vardır ve modal müzikte bunlar çok daha bulanıktır. Modal dizi için, ölçeğin kendisi bir bütün olarak önemlidir - ve müziğe getirebileceği anlamlar ve renkler. Bu nedenle, Hint müziğini orta çağ korolarından kulak yoluyla - belirli ünsüzlere ve müzikal hareketlere göre - kolayca ayırt edebiliriz.

Yirminci yüzyıla gelindiğinde, besteciler tonal müzik içinde her türlü sesi denemiş görünüyorlar. “Sıkıldım, şeytan!” Dediler ve yeni renkler arayışında eski modaya döndüler - modal dönüşler ve hareketler. Böylece yeni bir modalite ortaya çıktı. Modern müzikte yeni modlar ortaya çıktı - örneğin blues. Dahası, özel bir tür ortaya çıktı - modal caz. Örneğin Miles Davis, modal müziği "her notanın odak dışında göründüğü normal yedi notalı ölçekten bir sapma" olarak adlandırdı. Ve "bu yöne gidersen, sonsuza gidersin" dedi. Sonuç olarak, tonal ve modal ilkelerin birbirini dışlamadığıdır. Tek parça halinde, işaretleri karıştırılabilir. Modalite, alıştığımız "majör / minör" üzerine bindirilen başka bir katmandır. Ve farklı mod modlarının kullanılması müziğin rengini değiştirir: örneğin, frig perde dönüşleri kasvetlidir, çünkü ölçeği esas olarak düşük derecelerden oluşur. Bu mod özelliklerini bilmek, müzik yazarken ilginç sesler elde etmenize yardımcı olabilir.

Renk, ruh hali, karakter - bunlar duyduğumuz, ancak çoğu zaman farkında olmadığımız uyum işaretleridir. Şarkılarda genellikle modal dönüşler bizi cezbeder - çünkü bunlar olağandışıdır. Klasik müzikle yetişen işitme, bu ayrılığı günlük hayattan uzaklaştırır. Bütün bunlar ve çok daha fazlası, müziğin dilini anladığınızda ortaya çıkıyor.

Orta Çağ Müziği, M.S. 5. yüzyıldan 14. yüzyıla kadar olan bir zaman dilimini kapsayan, müzik kültürünün bir gelişim dönemidir.

Ortaçağ, insanlık tarihinde büyük bir dönem, feodal sistemin egemen olduğu dönemdir.

Kültürün periyodizasyonu:

Erken Orta Çağ - V - X yüzyıllar

Olgun Orta Çağ - XI - XIV yüzyıllar

395 yılında Roma İmparatorluğu Batı ve Doğu olmak üzere ikiye ayrıldı. Batı kesiminde, 5.-9. yüzyıllarda Roma'nın yıkıntıları üzerinde barbar devletler vardı: Ostrogotlar, Vizigotlar, Franklar, vb. 9. yüzyılda, Şarlman imparatorluğunun çöküşü sonucunda üç devlet kuruldu. burada: Fransa, Almanya, İtalya. Doğu kesiminin başkenti, İmparator Konstantin tarafından Bizans'ın Yunan kolonisinin bulunduğu yerde kurulan Konstantinopolis'ti - dolayısıyla devletin adı.

Orta Çağ'da, Avrupa'da yeni bir tür müzik kültürü ortaya çıkıyor - feodal, profesyonel sanat, amatör müzik yapımı ve folkloru birleştiriyor. Kilise, manevi hayatın tüm alanlarına hakim olduğundan, profesyonel müzik sanatının temeli, müzisyenlerin tapınak ve manastırlardaki faaliyetleridir. Laik profesyonel sanat, başlangıçta yalnızca sarayda, soyluların evlerinde, savaşçılar arasında vb. (ozanlar, skalds, vb.) destansı masallar yaratan ve gerçekleştiren şarkıcılar tarafından temsil edilir. Zamanla, amatör ve yarı profesyonel şövalyelik müzik yapım biçimleri gelişir: Fransa'da - ozan ve trouvers sanatı (Adam de la Hal, XIII yüzyıl), Almanya'da - Minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII yüzyıllar) ve ayrıca kentsel zanaatkarlar. Feodal kalelerde ve şehirlerde (epik, "şafak", rondo, le, viirele, baladlar, canzones, laudas, vb.) Şarkıların her türlü türü, türü ve biçimi yetiştirilir.

Doğu'dan gelenler (viyola, ud vb.) dahil olmak üzere yeni müzik aletleri günlük hayata giriyor, topluluklar (kararsız kompozisyonlar) ortaya çıkıyor. Köylü ortamında folklor gelişir. Oyunculuk yapan “halk profesyonelleri” de vardır: hikaye anlatıcıları, gezgin sentetik sanatçılar (hokkabazlar, pandomimciler, ozanlar, shpilmanlar, soytarılar). Müzik yine esas olarak uygulamalı ve manevi-pratik işlevleri yerine getirir. Yaratıcılık, performansla birlik içinde ortaya çıkar (genellikle bir kişide).

Yavaş yavaş da olsa müziğin içeriği, türleri, biçimleri, ifade biçimleri zenginleşiyor. 6-7 yüzyıllardan Batı Avrupa'da. diatonik modlara (Gregoryen şarkı söyleme) dayanan, okuma (mezmur) ve şarkı söylemeyi (ilahiler) birleştiren katı bir şekilde düzenlenmiş monofonik (monodik) kilise müziği sistemi oluşturuldu. 1. ve 2. bin yılın başında polifoni doğar. Yeni vokal (koro) ve vokal-enstrümantal (koro ve organ) türleri oluşturuluyor: organum, motet, iletim, ardından kitle. Fransa'da, XII yüzyılda, ilk beste (yaratıcı) okul Notre Dame Katedrali'nde (Leonin, Perotin) kuruldu. Profesyonel müzikte Rönesans'ın (Fransa ve İtalya'daki ars nova tarzı, XIV yüzyıl) başında, monofoni polifoni ile değiştirilir, müzik yavaş yavaş kendini tamamen pratik işlevlerden (kilise ayinlerine hizmet etme), laik türlerin öneminden kurtarmaya başlar. , şarkı türleri de dahil olmak üzere artar (Guillaume de Machaut).

Ortaçağın maddi temeli feodal ilişkilerden oluşuyordu. Ortaçağ kültürü, kırsal bir mülk koşullarında oluşur. Gelecekte, kentsel çevre - kasabalılar - kültürün sosyal temeli haline gelir. Devletlerin oluşumuyla birlikte ana mülkler oluşur: din adamları, soylular, insanlar.

Ortaçağ sanatı kilise ile yakından bağlantılıdır. Hıristiyan inancı, felsefenin, ahlakın, estetiğin ve bu zamanın tüm manevi yaşamının temelidir. Dini sembolizmle dolu sanat, dünyevi, geçici olandan manevi, ebedi olana yönlendirilir.

Resmi kilise kültürü (yüksek) ile birlikte laik bir kültür (taban) vardı - halk (alt sosyal tabakalar) ve şövalye (mahkeme).

Orta Çağ'ın başlarındaki profesyonel müziğin ana merkezleri, o zamanın tek eğitim merkezi olan katedraller, onlarla birlikte ilahi söyleyen okullar, manastırlardı. Yunanca ve Latince, aritmetik ve müzik okudular.

Roma, Orta Çağ boyunca Batı Avrupa'daki kilise müziğinin ana merkeziydi. 6. yüzyılın sonunda - 7. yüzyılın başında. Batı Avrupa kilise müziğinin ana çeşitliliği oluşuyor - kilise şarkı söyleme reformunu gerçekleştiren, çeşitli kilise ilahilerini bir araya getiren ve sipariş eden Papa I. Gregory'nin adını taşıyan Gregoryen ilahisi. Gregoryen ilahisi, çeşitli Orta Doğu ve Avrupa halklarının (Suriyeliler, Yahudiler, Yunanlılar, Romalılar, vb.) yüzyıllara dayanan şarkı söyleme geleneklerinin birleştiği tek sesli bir Katolik ilahisidir. Tek bir iradeyi kişileştirmeye çağrılan şey, kesinlikle tek bir melodinin pürüzsüz monofonik açılımıydı, Katolikliğin dogmalarına göre cemaatçilerin dikkatiydi. Müziğin karakteri katıdır, kişisel değildir. Koral, bir koro (adından dolayı) tarafından, bazı bölümleri ise bir solist tarafından icra edildi. Diyatonik modlar temelinde ileri hareket hakimdir. Gregoryen şarkı, ciddi derecede yavaş bir koro mezmurundan yıldönümlerine (bir hecenin melismatik ilahisi) kadar değişen ve performansları için virtüöz vokal becerisi gerektiren birçok derecelendirmeye izin verdi.

Gregoryen ilahi, dinleyiciyi gerçeklikten uzaklaştırır, alçakgönüllülüğü uyandırır, tefekküre, mistik kopmaya yol açar. Bu etki, aynı zamanda, cemaatçilerin çoğunluğu tarafından anlaşılmayan Latince metin tarafından da kolaylaştırılmıştır. Şarkının ritmi metin tarafından belirlendi. Metnin bildirisindeki vurguların doğası gereği belirsizdir, belirsizdir.

Çeşitli Gregoryen ilahileri, Katolik Kilisesi'nin ana ibadeti olan Kitle'de bir araya getirildi ve burada beş istikrarlı bölüm kuruldu:

Kyrie eleison (Rab merhamet etsin)

Gloria (zafer)

Credo (inanıyorum)

Sanctus (kutsal)

Agnus Dei (Tanrı Kuzusu).

Zamanla, halk müziği unsurları ilahiler, sekanslar ve mecazlar aracılığıyla Gregoryen ilahiye sızmaya başlar. Mezmurlar, şarkıcılar ve din adamlarından oluşan profesyonel bir koro tarafından icra edildiyse, ilahiler ilk başta cemaatçiler tarafından icra edildi. Resmi tapınma ekleriydiler (halk müziği özelliklerine sahiptiler). Ancak kısa süre sonra, ilahi parçaları, çok sesli kütlenin ortaya çıkmasına neden olan mezmurların yerini almaya başladı.

İlk sekanslar, yıldönümü melodisinin bir alt metniydi, böylece melodinin bir sesinin ayrı bir hecesi olacaktı. Sıralama yaygın bir tür haline geliyor (en popülerleri "Veni, sancte spiritus", "Dies irae", "Stabat mater"). "Dies irae" Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninoff (çoğu zaman ölümün sembolü olarak) tarafından kullanılmıştır.

İlk polifoni örnekleri manastırlardan gelir - organum (paralel beşte veya dörtte hareket), gimel, foburdon (paralel altıncı akorlar), davranış. Besteciler: Leonin ve Perotin (12-13 yüzyıl - Notre Dame Katedrali).

Orta Çağ'da laik halk müziğinin taşıyıcıları, Fransa'da pandomimciler, hokkabazlar, âşıklar, Alman kültür ülkelerinde spielmanlar, İspanya'da hohlarlar, Rusya'da soytarılardı. Bu gezgin sanatçılar çok yönlü ustalardı: şarkı söylemeyi, dans etmeyi, çeşitli enstrümanları sihirle, sirk sanatıyla ve kuklacılıkla birleştirdiler.

Seküler kültürün diğer yanı, şövalye (mahremiyet) kültürüydü (laik feodal beylerin kültürü). Neredeyse tüm asil insanlar şövalyeydi - fakir savaşçılardan krallara. Özel bir şövalye kodu oluşturuluyor, buna göre şövalye, cesaret ve cesaretle birlikte zarif davranışlara sahip olmalı, eğitimli, cömert, cömert, Güzel Leydi'ye sadakatle hizmet etmeli. Şövalye hayatının tüm yönleri, ozanların (Provence - güney Fransa), trouvers'in (kuzey Fransa), minnesingerlerin (Almanya) müzikal ve şiirsel sanatına yansır. Troubadours sanatı öncelikle aşk sözleriyle ilişkilidir. Aşk sözlerinin en popüler türü canzona idi (minnesingerler arasında - "Sabah Şarkıları" - Albs).

Troubadourların deneyimlerinden geniş ölçüde yararlanan Truvers, kendi özgün türlerini yarattı: "dokuma şarkıları", "Mayıs şarkıları". Troubadours, trouvers ve minnesingerlerin müzik türlerinin önemli bir alanı şarkı ve dans türleriydi: rondo, ballad, viirele (nakarat formları) ve ayrıca kahramanlık destanı (Fransız destanı "Roland'ın Şarkısı", Almanca - "Şarkının Şarkısı". Nibelungs"). Minnesingciler arasında Haçlı şarkıları yaygındı.

Troubadours, trouvers ve minnesingers sanatının karakteristik özellikleri:

Monofoni, melodi ile şiirsel metin arasındaki, müzikal ve şiirsel sanatın özünden kaynaklanan ayrılmaz bağlantının bir sonucudur. Tek seslilik aynı zamanda kişinin kendi deneyimlerinin bireyselleştirilmiş bir ifadesi, bir ifadenin içeriğinin kişisel bir değerlendirmesi (genellikle kişisel deneyimlerin ifadesi, doğa resimlerinin ana hatları çizilerek çerçevelenirdi) ortamına da tekabül ediyordu.

Ağırlıklı olarak vokal performansı. Enstrümanların rolü önemli değildi: vokal melodiyi çerçeveleyen tanıtımların, araların ve sonların performansına indirgendi.

Şövalye sanatından profesyonel olarak bahsetmek hala imkansızdır, ancak laik müzik yapma koşullarında ilk kez, gelişmiş bir ifade araçları kompleksi ve nispeten mükemmel bir müzikal yazı ile güçlü bir müzikal ve şiirsel eğilim yaratıldı.

X-XI yüzyıllardan başlayarak olgunlaşmış Orta Çağların önemli başarılarından biri, şehirlerin gelişmesiydi (burgher kültürü). Kent kültürünün ana özellikleri, kilise karşıtı, özgürlüğü seven yönelim, folklorla bağlantı, kahkaha ve karnaval karakteriydi. Gotik mimari tarzı gelişiyor. Yeni polifonik türler oluştu: 13-14. yüzyıldan 16. yüzyıla. - motet (Fransızca'dan - “kelime”. Bir motet için, aynı anda farklı metinleri tonlayan seslerin tipik melodik farklılığı - çoğu zaman farklı dillerde), madrigal (İtalyanca'dan - “ana dilde şarkı”, yani İtalyanca. Metinler aşk-lirik, pastoral), kachcha (İtalyanca'dan - "av" - avlanmayı betimleyen metinde sesli bir parça).

Gezici halk müzisyenleri, göçebe bir yaşam tarzından yerleşik bir yaşam tarzına geçer, tüm şehir bloklarını doldurur ve bir tür "müzisyen atölyeleri" oluşturur. 12. yüzyıldan itibaren, farklı sınıflardan (okul çocukları, kaçak keşişler, gezgin din adamları) insanları sınıflandıran Vagants ve Goliards, halk müzisyenlerine katıldı. Okuma yazma bilmeyen hokkabazların aksine - sözlü gelenek sanatının tipik temsilcileri - serseriler ve goliardlar okuryazardı: Latince ve klasik şiir kurallarını biliyorlardı, müzik bestelediler - şarkılar (görüntü çemberi okul bilimi ve öğrenci ile ilişkilidir) hayat) ve hatta davranış ve motifler gibi karmaşık kompozisyonlar ...

Üniversiteler önemli bir müzik kültürü merkezi haline gelmiştir. Astronomi, matematik, fizik ile birlikte müzik veya daha doğrusu müzikal akustik, kuadriuma girdi, yani. üniversitelerde okutulan dört disiplinden oluşan bir döngü.

Böylece, ortaçağ kentinde farklı doğa ve sosyal yönelime sahip müzik kültürü merkezleri vardı: halk müzisyenleri dernekleri, saray müziği, manastır ve katedral müziği, üniversite müzik pratiği.

Orta Çağ'ın müzik teorisi, teoloji ile yakından ilişkiliydi. Bize ulaşan birkaç müzikal-teorik incelemede, müzik "kilisenin hizmetkarı" olarak görülüyordu. Erken Orta Çağ'ın önde gelen incelemeleri arasında Augustine'nin "Müzik Üzerine" 6 kitabı, Boethius'un "Müziğin Kurulması Üzerine" ve diğerleri tarafından yazılan 5 kitap öne çıkıyor. müziğin kozmik rolü vb.

Ortaçağ perde sistemi, kilise profesyonel müzik sanatının temsilcileri tarafından geliştirildi - bu nedenle, ortaçağ perdelerine "kilise perdeleri" adı verildi. Ana modlar olarak İonia ve Aeolian kuruldu.

Ortaçağ'ın müzik teorisi, altı kord doktrinini ortaya koydu. Her perdede pratikte 6 derece kullanılmıştır (örneğin: do, re, mi, fa, sol, la). X daha sonra kaçınıldı çünkü fa ile birlikte, çok ahenksiz kabul edilen ve mecazi olarak "müziğin şeytanı" olarak adlandırılan genişletilmiş bir dördüncüyü oluşturdu.

Geçersiz kayıt yaygın olarak kullanıldı. Guido Aretinsky müzik nota sistemini geliştirdi. Reformunun özü şuydu: dört satırın varlığı, bireysel satırlar arasındaki üçüncü oran, bir anahtar işaret (başlangıçta alfabetik) veya çizgi renklendirme. Ayrıca, ölçeğin ilk altı derecesi için hecesel tanımlamalar yaptı: ut, re, mi, fa, sol, la.

Her notaya belirli bir ritmik ölçünün atandığı (Latin mensura - ölçü, ölçüm) mensural notasyon tanıtıldı. Sürelerin adı: maxim, longa, brevis, vb.

XIV yüzyıl - Orta Çağ ve Rönesans arasında bir geçiş dönemi. XIV yüzyılın Fransa ve İtalya'sının sanatı "Ars nova" (Latince - yeni sanattan) adını aldı ve İtalya'da erken Rönesans'ın tüm özelliklerine sahipti. Ana özellikler: münhasıran kilise müziği türlerini kullanmayı reddetme ve laik vokal ve enstrümantal oda türlerine (ballad, kaccha, madrigal) hitap etme, günlük şarkı yazma ile yakınlaşma, çeşitli müzik aletlerinin kullanımı. Ars nova sözde tersidir. ars antiqua (lat. ars antiqua - eski sanat), XIV yüzyılın başlangıcından önce müzik sanatı anlamına gelir. Ar nova'nın en büyük temsilcileri Guillaume de Machaut (14. yüzyıl, Fransa) ve Francesco Landino (14. yüzyıl, İtalya) idi.

Böylece, Orta Çağ müzik kültürü, görece sınırlı araçlara rağmen, Eski Dünya müziğine kıyasla daha yüksek bir seviyeyi temsil eder ve Rönesans'ta müzik sanatının muhteşem bir şekilde gelişmesi için ön koşulları içerir.

müzik orta çağ gregor ozan

Orta Çağ Müziği

Orta Çağ'ın müzik kültürü, antik çağ ile Rönesans arasında kronolojik olarak yer alan son derece hacimli ve çok yönlü bir tarihsel fenomendir. Farklı ülkelerde sanatın gelişimi kendi özel yollarıyla ilerlediğinden, bunu tek bir dönem olarak hayal etmek zordur.

O zamanlar insan yaşamının tüm alanlarında iz bırakan Orta Çağ'ın belirli bir özelliği, kilisenin siyaset, etik, sanat vb. alanlardaki öncü rolüydü. Müzik de bu kaderden kaçmadı: henüz değildi. dinden ayrılmış ve esas olarak manevi işleve sahipti. İçeriği, imgesi, tüm estetik özü, ölümden sonra ödül uğruna dünyevi yaşamın değerlerinin inkarını, çileciliğin vaazını, dış faydalardan kopmayı somutlaştırdı. Pagan inançlarının izlerini taşımaya devam eden halk sanatı, genellikle Katolik Kilisesi'nin "resmi" sanatı tarafından saldırıya uğradı.

İlk dönem - erken Orta Çağ - genellikle Roma İmparatorluğu'nun çöküşünden hemen sonra gelen dönemden, yani MS VI. Yüzyıldan itibaren hesaplanır. NS. Şu anda, tarihsel gelişimin farklı aşamalarında birçok kabile ve halk, Avrupa topraklarında var olmuş ve göç etmiştir. Bununla birlikte, bu dönemin müzik sanatının hayatta kalan anıtları, bir yandan Roma İmparatorluğu'nun kültürünü, diğer yandan Doğu müziğini miras alan yalnızca Hıristiyan kilisesinin müziğidir (esas olarak daha sonraki bir notasyonda). (Yahudiye, Suriye, Ermenistan, Mısır). Hıristiyan şarkı söyleme geleneklerinin - antiphon (iki koro grubunun yan yana gelmesi) ve responsory (solo şarkı söyleme ve koronun "cevapları" değişimi) - oryantal örnekler temelinde oluşturulduğu varsayılmaktadır.

8. yüzyılda, temeli Gregoryen ilahisi olan Avrupa ülkelerinde yavaş yavaş bir ayinle şarkı söyleme geleneği oluşuyordu - Papa Gregory I tarafından sistematize edilmiş tek parçalı koro ilahileri koleksiyonu. Burada, figürünün tarihteki önemi sayesinde Büyük unvanını alan Gregory'nin kişiliği üzerinde daha ayrıntılı olarak durmak gerekiyor.

540 yılında Roma'da soylu bir ailede doğdu, maddi sıkıntı yaşamadı. Ebeveynlerinin ölümünden sonra, Gregory zengin bir miras aldı ve atalarının evinde Sicilya'da ve Roma'da Caelian Tepesi'nde birkaç manastır kurabildi. Havari Aziz Andrew manastırı olarak adlandırılan son manastır, yaşamak için bir yer olarak seçti.

577'de Gregory'ye deacon atandı, 585'te kurduğu manastırın başrahibi seçildi, 590'da Roma Senatosu'nun, din adamlarının ve halkının oybirliğiyle aldığı kararla ölümüne kadar elinde tuttuğu papalık tahtına seçildi, 604'te takip etti ...

Gregory, yaşamı boyunca bile Batı'da büyük saygı gördü ve ölümünden sonra bile onu unutmadılar. Onun tarafından gerçekleştirilen birçok mucize hikayesi var. Aynı zamanda bir yazar olarak da ün kazandı: biyografi yazarları onu bu açıdan büyük filozoflar ve bilgelerle eşitler. Ayrıca Büyük Gregory, kilise müziğinin gelişmesinde en önemli figürlerden biridir. Amb-Rosian modları sistemini genişletmekle ve cantus gregorianus adlı özel bir şarkı söyleme okulu yaratmakla tanınır.

Uzun yıllar boyunca Gregory çeşitli Hıristiyan kiliselerinden ezgiler topladı, daha sonra bunlardan Hıristiyan şarkı söyleme örneği olarak Roma'daki Aziz Petrus Kilisesi'nin sunağına zincirlenen "Antiphonarius" adlı bir koleksiyon yaptı.

Papa, Yunan dörtlü sisteminin yerini almak için oktav sistemini tanıttı ve daha önce Yunanca olan tonların adları Latin harfleri A, B, C, vb. ile belirlendi ve sekizinci ton yine ilkinin adını aldı. . Büyük Gregory'nin tüm ölçeği 14 tondan oluşuyordu: A, B, c, d, e, f, g, a, b, c 1, d 1, e 1, f 1, g 1. B (b) harfinin çift anlamı vardı: B yuvarlak (B rotundum) ve B kare (B quadratum), yani uygun şekilde B-düz ve B-bekar.

Ancak, diğer şeylerin yanı sıra, Roma'daki şarkı söyleme okulunun kurucusu olan Papa Gregory'ye geri dönelim, öğretimi gayretle takip etti ve hatta kendi kendine öğretti, öğrencileri ihmal ve tembellik için ciddi şekilde cezalandırdı.

Yavaş yavaş, iki tür ilahiden oluşan Gregoryen ilahisinin - mezmurlar (Kutsal Yazılar metninin, esas olarak melodinin bir notunun metnin bir hecesine düştüğü bir ses perdesinde ölçülen okunuşu) not edilmelidir. ve jübile ilahileri ("Hallelujah" kelimesinin hecelerinin ücretsiz ilahileri), Ambrosian şarkısını kiliseden çıkardı. İkincisinden farklıydı, çünkü metinden bağımsızdı. Bu da melodinin doğal ve akıcı bir şekilde akmasını sağladı ve müzik tarihinin en önemli olayı olan müzik ritmi bundan böyle bağımsızlaştı.

Koro şarkılarının cemaatçiler üzerindeki etkisi, yüksek tonozlu, sesi yansıtan ve ilahi varlığın etkisini yaratan kiliselerin akustik yetenekleriyle arttırıldı.

Sonraki yüzyıllarda, Roma Kilisesi'nin etkisinin yayılmasıyla, Gregoryen ilahisi neredeyse tüm Avrupa ülkelerinin ilahi hizmetlerinde tanıtıldı (bazen zorla implante edildi). Sonuç olarak, 11. yüzyılın sonunda, tüm Katolik Kilisesi ortak ibadet biçimleriyle birleşti.

Bu zamanda müzik bilimi, manastır kültürüyle yakın bağlantılı olarak gelişti. 8. - 9. yüzyıllarda, Gregoryen ilahisi temelinde bir ortaçağ kilise modları sistemi kuruldu. Bu sistem monodili bir monofonik müzik deposu ile ilişkilidir ve her biri ortaçağ teorisyenleri ve uygulayıcıları tarafından bir kombinasyon olarak algılanan sekiz diyatonik gamı ​​(Dorian, Hypodorian, Phrygian, Hypophrygian, Lydian, Hypolydian, Mixolydian, Hypomixolydian) temsil eder. belirli ifade olasılıkları (ilk uyum - "ustaca", ikincisi - "ciddi", üçüncü - "aceleci", vb.).

Aynı dönemde, ilk başta nevmalar olarak adlandırılan - melodinin yukarı veya aşağı hareketini açıkça gösteren simgelerle temsil edilen notasyon oluşmaya başladı. Not işaretleri daha sonra neums'tan geliştirildi. Müzik notasyonu reformu, 11. yüzyılın ikinci çeyreğinde 990 doğumlu İtalyan müzisyen Guido D'Arezzo tarafından gerçekleştirildi. Çocukluğu hakkında çok az şey biliniyor. Yetişkinliğe ulaşan Guido, Ravenna yakınlarındaki Pomposa Benedictine manastırında keşiş oldu.

Guido D'Arezzo

Doğa ona cömertçe çeşitli yetenekler verdi, bu da ona yoldaşlarını kolayca aşmayı öğretme fırsatı verdi. İkincisi, başarısını ve Guido'nun kendini şarkı söyleme öğretmeni olarak ne kadar iyi gösterdiğini kıskanıyordu. Bütün bunlar, etrafındakilerin Guido'ya karşı keskin bir şekilde olumsuz ve hatta kısmen düşmanca bir tavrını gerektirdi ve sonunda başka bir manastıra taşınmak zorunda kaldı - adından Arensky takma adını aldığı Arezzo'da.

Böylece Guido, zamanının seçkin müzisyenlerinden biriydi ve kutsal şarkı söylemeyi öğretme alanındaki yenilikleri parlak sonuçlar verdi. Notaya dikkat çekti ve üzerine yarı tonların yerini tam olarak belirlediği dört satırlı bir sistem icat etti (bir veya başka perdenin karakteristik özellikleri ve bu perdeye dayanan melodi, bunlara bağlıydı ve bunlara bağlıydı). Gregoryen modlarının adımları arasında).

Melodiyi mümkün olduğu kadar doğru bir şekilde kaydetmek için Guido, tonlar için yeni isimlerle karmaşık ve karmaşık bir sistem haline getirdiği çeşitli kurallar buldu: ut, re, mi, fa, sol, la. Böyle bir sistemin kullanılmasının getirdiği çeşitli zorluklara rağmen, çok uzun bir süre varlığını sürdürdü ve izleri 18. yüzyıl teorisyenleri arasında bulundu.

İlginç bir şekilde, ilk başta Guido D'Arezzo yenilikleri nedeniyle zulme uğradı. Ancak yetenekli bir müzisyenin sistemi melodilerin kaydedilmesini ve okunmasını büyük ölçüde kolaylaştırdığından, Papa onu onurla Guido D'Arezzo'nun ölümüne kadar, yani 1050'ye kadar yaşadığı Pomposa manastırına geri verdi.

XI-XII yüzyıllarda, yeni sosyo-tarihsel süreçler (şehirlerin büyümesi, Haçlı Seferleri, şövalyelik de dahil olmak üzere yeni sosyal tabakaların ilerlemesi, şövalyelik, laik kültürün ilk merkezlerinin oluşumu vb.). Yeni kültürel fenomenler Avrupa'da yayılıyor. Ortaçağ romanının katlanması ve yayılması, mimaride Gotik üslup, çok sesli yazının gelişimi, seküler müzikal ve şiirsel şarkı sözlerinin oluşumu.

Bu dönemde müzik sanatının gelişiminin ana özelliği, Gregoryen ilahisine dayanan çok sesliliğin onaylanması ve geliştirilmesiydi: şarkıcılar ana kilise melodisine ikinci bir ses eklediler. 9-11. yüzyıl müzik örneklerinde kaydedilen iki parçalı ilk örneklerde, sesler tek bir ritimde (dördüncü, beşinci veya oktavlık aralıklarla) paralel olarak hareket eder. Daha sonra, seslerin paralel olmayan hareketinin örnekleri ortaya çıkar ("Bir şarkıcı ana melodiyi yönetir, diğeri ustaca diğer seslerin üzerinde gezinir" diye yazar teorisyen Guido D'Arezzo). Bu tür ikili ve polifoniye bağlı sesin adına organum denir. Daha sonra eklenen ses melismalarla süslenmeye başlandı, ritmik açıdan daha özgür hareket etmeye başladı.

Yeni polifoni biçimlerinin gelişimi, XII-XIII yüzyıllarda özellikle Paris ve Limoges'de etkindi. Bu dönem müzik kültürü tarihine "Notre Dame dönemi" olarak girmiştir (koro şapelinin çalıştığı dünyaca ünlü mimari anıtın adından sonra). İsimleri tarih tarafından korunan yazarlar arasında Leonin ve Perotin, organumların ve diğer çok sesli eserlerin bestecileri bulunmaktadır. Leonin, kilise şarkılarının yıllık çemberi için tasarlanmış "Big Book of Organums"u yarattı. Perotin'in adı, üç ve dört sese geçiş, melodik yazının daha da zenginleşmesi ile ilişkilidir. Notre Dame okulunun öneminin sadece Fransa için değil, o zamanın tüm Avrupa sanatı için de önemli olduğunu belirtmek gerekir.

Bu dönemde laik türlerin oluşumu, gezgin halk müzisyenlerinin - hokkabazlar, âşıklar ve shpielmans - çalışmalarıyla hazırlandı. Resmi kilise tarafından reddedilen ve hatta zulme uğrayan gezgin müzisyenler, laik şarkı sözlerinin yanı sıra tamamen enstrümantal bir geleneğin ilk taşıyıcılarıydı (çeşitli nefesli ve yaylı çalgılar, arp vb. kullandılar).

O zamanlar sanatçılar aktörler, sirk sanatçıları, şarkıcılar ve çalgıcılar hepsi bir aradaydı. Şehirden şehre seyahat ettiler, mahkemelerde, kalelerde, panayır alanlarında vb. festivallerde sahne aldılar. Serseriler ve goliardlar, şanssız öğrenciler ve kaçak keşişler, hokkabazlara, spielmanlara ve âşıklara da katıldılar - şanssız öğrenciler ve kaçak keşişler sayesinde yayıldılar. "sanatsal" çevre, okuryazarlık. Yavaş yavaş, bu çevrelerde uzmanlaşma ana hatlarıyla belirlendi, gezgin sanatçılar atölyeler kurmaya, şehirlere yerleşmeye başladı.

Aynı dönemde, bir tür "entelijansiya" tabakası ortaya çıktı - aralarında (ateşkes dönemlerinde) sanata olan ilginin de alevlendiği şövalyelik. XII yüzyılda, özel bir yaratıcı hareketin temeli haline gelen Provence'ta ozan sanatı doğdu. Ozanlar çoğunlukla en yüksek soylulardan geliyordu, müzik okuryazarlığına sahipti. Dünyevi sevinçleri, Haçlı Seferlerinin kahramanlığını vb. Söyledikleri karmaşık biçimde müzikal ve şiirsel eserler yarattılar.

Troubadour öncelikle bir şairdi, ancak melodi genellikle onun tarafından günlük yaşamdan ödünç alındı ​​ve yaratıcı bir şekilde yeniden düşünüldü. Bazen ozanlar şarkı söylemelerine enstrümantal eşlik etmeleri için ozanları işe aldılar, müzik icra etmeleri ve beste yapmaları için hokkabazları cezbettiler. İsimleri yüzyıllar boyunca bize ulaşan ozanlar arasında Juafre Ruedel, Bernart de Ventadorn, Bertrand de Born, Rambout de Vakeiras ve diğerleri var.

Troubadourların şiirlerinin, çoğu kasaba halkından olduğu için daha demokratik olan Trouvers çalışmalarının oluşumunda doğrudan etkisi oldu. Bazı pantolonlar sipariş üzerine işler yarattı. Bunların en ünlüsü, 13. yüzyılın ikinci yarısının Fransız şairi, bestecisi, oyun yazarı Arras'ın yerlisi Adam de la Hal'dı.

Ozan ve ozan sanatı Avrupa'ya yayıldı. Almanya'daki etkisi altında bir yüzyıl sonra (XIII yüzyıl), temsilcileri, yetenekli müzisyenler ve besteciler ağırlıklı olarak mahkemelerde görev yapan minnesinger okulunun gelenekleri gelişti.

14. yüzyıl, Rönesans'a bir tür geçiş olarak kabul edilebilir. Fransız müziğiyle ilgili bu dönem, genellikle Parisli teorisyen ve besteci Philippe de Vitry tarafından 1320 civarında yaratılan bilimsel bir çalışmanın başlığından sonra "Ars Nova" ("Yeni Sanat") olarak adlandırılır.

Belirtilen zamanda, sanatta temelde yeni unsurların ortaya çıktığı belirtilmelidir: örneğin, yeni ritmik bölme ve ses yönlendirme ilkeleri, yeni modal sistemler (özellikle, değişiklikler) hakkında bir iddia (teorik düzeyde dahil) vardır. ve ton ağırlıkları - yani "Keskin" ve "daireler"), yeni türler, yeni bir profesyonel beceri düzeyine ulaşıyor.

Kendi metinlerine dayanarak motetler yaratan Philippe de Vitry'ye ek olarak, 1300 civarında Champagne'deki Machaut şehrinde doğan Guillaume de Machaut, XIV. Philippe de Vitry'ye ek olarak.

Guillaume de Machaut bir zamanlar Adil Philip'in karısı Navarre John'un mahkemesinde görev yaptı, daha sonra Bohemya Lüksemburg Kralı John'un kişisel sekreteri oldu ve hayatının sonunda Fransa'nın Charles V mahkemesindeydi. Çağdaşlar, olağanüstü müzik yeteneğine saygı duydular, bu sayede sadece mükemmel bir sanatçı değil, aynı zamanda çok sayıda eser bırakan mükemmel bir besteciydi: motifleri, baladları, rondoları, kanonları ve diğer şarkı (şarkı ve dans) formları bize düştüler.

Guillaume de Machaut'un müziği, rafine ifade, zarafet ile ayırt edilir ve araştırmacılara göre “Ars Nova” döneminin ruhunun bir ifadesidir. Bestecinin ana değeri, Charles V tahtına katılım vesilesiyle tarihte ilk yazarın Kütlesini yazmasıdır.