Krajina slávnych umelcov s menami. Ruskí umelci - Landscape hráči

23.06.2020

Tiež

Popis, obraz a charakteristika Mitrofan v komédii "Lady": Užitočné informácie pre písanie

Henry. Životopis O. Henry (v ruštine) O Henry Stručné údaje Spisovateľ

Esej o téme: Problém otcov a detí v Rímskej Turgeneve

) Vo svojich expresívnych zametacích prácach bola hmla transparentnosť schopná zachovať, jednoduchosť plachty, hladké trasenie lode na vlnách.

Jeho obrazy sú ovplyvnené ich hĺbkou, objemom, sýtosťou a textúrou je taká, že nie je možné odtrhnúť od nich.

Teplá jednoduchosť valentina gubareva

Priateľ primtivistu Minska Valentin Gubarev Nie je prenasledovanie pre slávu a len to, čo miluje. Jeho kreativita je šialene populárne v zahraničí, ale takmer neznámy pre svojich krajanov. V polovici 90. rokov sa Francúzi zamilovali do náčrtov domácnosti a uzavrela zmluvu s umelcom 16 rokov. Obrazy, ktoré sú zrejmé, že sú zrozumiteľné len pre nás, dopravcovia "skromného kúzla nerozvinutého socializmu", sa mi páčili európska verejnosť a začali výstavy vo Švajčiarsku, Nemecku, Veľkej Británii a ďalších krajinách.

Zmyselný realizmus Sergey Marranikov

Sergey Marshnikov 41 rok. Žije v St. Petersburg a vytvára v najlepších tradíciách klasickej ruskej školy realistickej portrétovej maľby. Heroisters jeho plátiek sa stávajú jemným a bezbranným v ich sestra. V mnohých z najznámejších obrazov zobrazených múza a manželky umelca - Natalia.

Väčšina sveta Philip Barlow

V modernej ére obrázkov s vysokým rozlíšením a rozkvapom hyperealizmu tvorivosť Philip Barlow (Philip Barlow) okamžite priťahuje pozornosť. Prehliadač si však vyžaduje určité úsilie, aby sa nútiť, aby sa pozerali na rozmazané siluety a jasné miesta na autora v plátna. Pravdepodobne, takže vidieť svet bez okuliarov a kontaktných šošoviek ľudí trpiacich myopia.

Sunny Bunnies Laurent Park

Maľovanie Laurent Parceliel je úžasný svet, v ktorom nie je smútok alebo skľúčenosť. Nebude spĺňať zamračené a daždivé maľby. Je tu veľa ľahkých, vzduchových a svetlých farieb na jeho plátno, ktoré umelec spôsobí charakteristické rozpoznateľné ťahy. Vytvára pocit, že obrazy sú tkané z tisíc slnečných zajačikov.

Dynamika mesta v dielach Jeremy Manna

Olej na drevených paneloch Americký umelec Jeremy Mann (Jeremy Mann) píše dynamické portréty modernej metropoly. "Abstraktné tvary, čiary, kontrast svetlo a tmavých škvŕn - všetko vytvára obraz, ktorý spôsobuje pocit, že človek zažíva v dave a zmätok mesta, ale môže tiež vyjadriť pokoj mysle, ktorý je získaný v uvažovaní o tichom prostredí Krása, "hovorí umelec.

Illusory World of Nile Simon

V obrazoch britského umelca Nile Simona (Neil Simone) sa na prvý pohľad nezdajú. "Pre mňa je svet okolo série krehkých a neustále sa meniacich foriem, tieňov a hraniciach," hovorí Simon. A vo svojich maľbách je všetko naozaj iluzórne a prepojené. Hranice sú umyté a grafy prúdia do seba.

Láska dráma josephartso

Talianska na pôvod moderného amerického umelca Joseph Lorasso (Joseph Lorusso) nesie pozemky na plátnoch peepovaných v každodennom živote obyčajných ľudí. Objavy a bozky, vášnivé impulzy, zápisnice z nehy a túžby naplnia svoje emocionálne obrazy.

Rustic Life Dmitry Lyowin

Dmitry Levin - uznávaný majster ruskej krajiny, ktorý sa ukázal ako talentovaný zástupca ruskej realistickej školy. Najdôležitejším zdrojom jeho umenia je náklonnosť k prírode, ktorú jemne a vášnivo miluje a jeho časť sa cíti.

Jasné východné Valery Blokhina

M. K. KLODT. Na ornej pôde. 1871.

Landscape maľba ruských umelcov XIX storočia

Na začiatku 1820s sa Venetsians stali osvetľovacími problémami v obraze. Umelec tlačený na riešenie týchto problémov umelca v roku 1820 s obrázkom F. obilia "vnútorný pohľad na Kapuchinsky kláštor v Ríme". Viac ako mesiac každý deň, umelec sedel pred ňou v hermovage, zostavený, ako sa účinok ilúzie dosiahol na obrázku. Následne bol Venetsian spomenúť, že každý potom zasiahol pocit významnosti objektov.

V obci Venetsianov, dve úžasné obrazy napísali - "Khnemno" (1821 - 1823) a "Ráno majiteľov pôdy" (1823). Prvýkrát v ruskej maľbe boli obrazy a život roľníkov prenesený pôsobivou spoľahlivosťou. Prvýkrát sa umelec pokúsil znovu vytvoriť atmosféru prostredia, v ktorej sa ľudia konajú. Venetcianov, Možno, jeden z prvých prvých realizoval obraz ako syntézu žánrov. V budúcnosti sa takáto kombinácia rôznych žánrov v jednom cele stane najdôležitejším dobytím maľby XIX storočia.
V "Humme", ako v "Ránoch vlastníkov pôdy", svetlo pomáha nielen identifikovať reliéf objektov - "Animované" a "Skutočné", ako hovorí Venetianians, a konajúci v reálnej interakcii s nimi, slúži ako prostriedok na inkarnáciu obrazového obsahu. V "Ránoch vlastníka pôdy", umelec cítil zložitosť vzťahu svetla a farby, ale doteraz sa cítil. Postoj k farbe ešte nie je mimo rámca tradičných myšlienok v každom prípade v teoretickom odôvodnení. Vorobev dodržiaval takéto názory. Vysvetlil svojim študentom: "Lepšie vidieť nadradenosť idealista nad naturalistom, je potrebné vidieť rytiny s poussa a Ryesdal, keď on a druhý sú pred nami bez farieb."

Podobný postoj k farbe bol tradičný a viedol k ich pôvodu z renesančných majstrov. Vo svojej prezentácii sa farba obsadila medziľahlé miesto medzi svetlom a tieňom. Leonardo da Vinci tvrdil, že krása farieb bez tieňov prináša slávu umelcom len z nevedomého mobilu. Tieto rozsudky nie sú vôbec, že \u200b\u200bumelci renesancie boli zlí zboliví alebo nepozorní ľudia. Na prítomnosť reflexov označil L.-B. Alberti, Leonardo patrí do známej reflexnej teorem. Ale hlavnou vecou pre nich bolo identifikovať trvalé kvality reality. Podobný postoj k svetu zodpovedal názorom tej doby.
V tom istom roku 1827, A. V. Tyranov napísal letnú krajinu "pohľad na rieku Tosno v blízkosti obce Nikolského." Maľba bola vytvorená ako v niekoľkých ruskej zime. Zobrazenie sa otvorí s vysokým pobrežím a pokrýva rozsiahle dal. Rovnako ako na obrázku Krylovu, ľudia nevykonávajú úlohu zamestnancov, ale tvoria žánrovú skupinu. Obe obrazy sú to, čo sa nazývajú čisté krajiny.
Osud typu TyRanova je do značnej miery blízko osudu Krylov. Zapojil sa aj na maľovanie, čo pomáha jeho staršiemu brat-ikonu maliara. V roku 1824 prišiel vďaka problémom Venatsian, prišiel do St. Petersburg a rok neskôr získal pomoc od spoločnosti na propagáciu umelcov. Maľba "pohľad na rieku Tosno v blízkosti obce Nikolsky" bol vytvorený devätnásťročnými mladými mužmi, ktorí urobili prvé kroky v maľovanie profesionálnych maliarskych techník. Bohužiaľ, v práci oboch umelcov, sa nevyvinula skúsenosť odvolania na lakovanie krajiny. Krídla zomreli štyri roky neskôr počas epidémie cholery, a Tyroanov dal žánru "v izbách", sľubná maľba, úspešne napísala vlastné portréty a vyhral slávu v tejto ceste.
V druhej polovici roku 1820s získal talent Sylvester Shedrin sily. Po cykle "Nový Rím" napísal plné životy krajiny, v ktorých sa podarilo preniesť prirodzenú bytosť prírody na terasách a verande. V týchto krajinách Shchedrin konečne odmietol tradíciu nerezovej distribúcie obrázkov. Ľudia žijú v neoddeliteľnej jednote s prírodou, dávajú jej nový význam. Zdraví sa vyvíjajú úspechy svojich predchodcov, Shchedrin opetectvives každodenného života talianskych ľudí.
Uskutočnenie nového obsahu umenia, novinka obrazových úloh nevyhnutne zahŕňa umelca do oblasti vyhľadávania príslušných umeleckých fondov. V prvej polovici roku 1820s, Shedrin prekonáva konveninu "múzea" sfarbenia a odmieta vybudovať priestor. Presunie sa do studenej chuti a buduje priestor s postupným vývojom v hĺbke, odmietajú úškovánia a plány. Ako obraz veľkých priestorov, Shchedrin uprednostňuje takúto atmosféru, keď sú písané plány na dlhé vzdialenosti "s hmlou". Bol to významný krok pri približovaní sa k problémom plenárneho maľby, ale maľba v pľustnosti musela prejsť významným spôsobom.
Veľa je napísané veľa o maľovaní na pľustnosti. Najčastejšie je plenager spojený s obrazom prostredia ľahkého vzduchu, ale to je len jeden z jeho prvky. A. A. Fedorov Davydov, analyzovanie cyklu "New Rome", napísal: "Shchedrin nemá záujem o volatilitu osvetlenia, ale problém svetla a vzduchu otvára problém svetla a vzduchu. Prenáša svoje pocity, ale objektívna realita a hľadá svoju lojalitu a prevodovku vzduchu. " Práca Shchedrína a Levitan spája určitú demokraciu názorov, ale rozdeľuje obdobie polstoročia rozvoja umenia. Počas tejto doby došlo k významnému rozšíreniu maliarskych príležitostí. Okrem riešenia problémov prostredia ľahkého vzduchu je schválená farebná plastová hodnota položiek samotných položiek.
Na základe toho, vs Turchin správne súvisí s krajinným maľbou romantizmu s plniacom: "Romantizmus, blížiaci sa k zajatcovi, chcel nájsť a vyjadriť malebnú farbu vzduchu, ale toto je len časť svojho bývania, ak sám plenia chápe ako Určitý systém, kde a problém "optického prostredia", kde sa všetko odráža a preniká a preniká. "

Boli pozorovania, ale neboli žiadne vedomosti. F. Engels napísal v "Dialektike prírody": "Nie sú len iné pocity, ale aj aktivity nášho myslenia na naše oko. Newton publikoval "Optika" v roku 1704. Zhrnutie mnohých rokov výskumu dospel k záveru, že fenomén farieb nastáva, keď sa konvenčné biele (solárne) svetlo štiepi. Trochu skôr, v roku 1667, Robert Boyle, slávny fyzik, sa snažil aplikovať optické vyučovanie o svetle na teóriu farieb, publikovanie v Londýne knihy "Experimenty a uvažovanie o farbách, pôvodne napísaných náhodou medzi inými skúsenosťami s priateľom a potom vydané ako začiatok experimentálnej histórie farieb. "
Po prvé, krajinci hráči upozornili na problémy stavebného priestoru. V rokoch 1820-1830 sa mnohí umelci angažujú na štúdium vyhliadok, medzi nimi, Vorobyov a Venetsianova by mali byť vyzvaní. Dojem prirodzenosti počas prenosu priestoru vo svojich dielach získava dominantnú hodnotu. Pred odchodom Vorobyova na Blízkom východe, prezident Akadémie umenia A. N. Olnin mu predstavoval dlhý "inštrukcie" z marca 1420. Okrem iných nehnuteľností si môžete prečítať nasledovné: "Budete oprávnene vyčerpaní všetkého, že Mediocr Talent je nútený niekedy vyťažiť, aby poskytli viac silových umeleckých diel. Hovorím to o ušťachov, ktoré existujú tokmo v predstavivosti, a nie v naturáliách, a používajú maliari, ktorí nevedia, ako zobraziť príroda, ako je, s touto snahou pravdy, ktorá podľa môjho názoru robí rozkošné umelecké diela " Olenin opakovane tvrdil myšlienku zblíženia umeleckých diel a prírody. V roku 1831 Napríklad napísal: "Ak je výber objektu v prírode, je vyrobený s chuťou (pocit, ktorý je tiež ťažké určiť, ako najnepríťažnejší v umení), potom hovorím, predmet bude v jeho Druh, aby bol verný správny výraz príroda. " Chuť - kategória je romantická, a nájsť elegantný v prírode sám, bez toho, aby to prinieslo zvonku, - myšlienka obsahujúca kritiku klasickej imitácie konceptu.

V rokoch 1820-1830s, v stenách Akadémie umenia, postoj k práci s prírodou bol pomerne pozitívny ako negatívny. Thilled v roku 1824, portrét Class F. G. SOLNTSEV pripomenul, že Spasiteľ na kríži bol zvyčajne natretý zo simulátora: "Po 5 minútach sa nákladové centrum začalo bledo a potom ho odstránili už vyčerpané." Po roku 1830, hlava triedy terénnej úpravy Vorobien bola vyrovnaná profesormi historického maľby a krajinové študenti mohli nahradiť triedy triedy vo výkresom práce na prírode.
To všetko naznačuje určité procesy vo vyučovacom systéme Akadémie umenia.
Napríklad V. I. GRIGOROVICH napísal v článku "Veda a umenie" (1823): "Rozlišovacie znamenie elegantného umenia pozostáva v obraze všetkých elegantných a príjemných." A ďalej: "Portrét muža napísaný z prírody, je tu obrázok, a historický obraz, ktorý sa nachádza a vykonáva podľa pravidiel chuti, je napodobňovaný." Ak predpokladáme, že krajina "musí byť portrét", krajina by mala byť považovaná za obraz, a nie imitácia. Toto ustanovenie formulované Grigorovičom, pokiaľ ide o portrét sa netieľuje s odrazmi, ak Urvanova o krajine uvedenej v rámci ošetrenia "Stručný sprievodca poznatkom o kreslení a maľovaní historického druhu, na základe tvorby a experimentov" (1793) : "Landscoraping Art sa skladá z schopnosti kopírovať v jednom druhu niekoľko položiek nejakého miesta a riadne ich čerpať, aby priniesli radosť a že tí, ktorí sa pozerajú na také oko, si myslia, že ho vidia v naturáliách." Ruská klasická teória v určitom zmysle sa teda vyžadovala krajinu a portrét podobností s prírodou. To čiastočne vysvetľuje konfliktné susedstvo klasicizmu s romantickými vyhľadávaniami v krajinných a portrétnych žánroch. V romantickom umení bolo len aktívnejšie otázkou, ako dosiahnuť túto podobnosť. Pocit prírody, maľoval ľudským vzťahom, sa prejavuje v práci menom ruskej druhovej krajinnej semien shedrína. Hoci typy Gatchina, Pavlovsk, Peterhof, napísané nimi, niesť vlastnosti niektorých ESSHI, sú naplnené pocitom úplne definovaného postoja k prírode.

V nekrológovom semenách Shchedrin Ia Akimov napísal: "Prvá ponorka jeho obrazu, najmä vzduchu a vzdialenosti, maľoval s veľkou zručnosťou a úspešne, že to bolo žiaduce za nič, a keď bol zachovaný, tá istá tvrdosť a umenie bolo konzervované. " Neskôr, Sylvester Shchedrin v obrazoch majstra klasickej krajiny F. M. Matveyeva poznamenal "hlavnú najdôležitejšiu dôstojnosť", ktorá "je v umení písať plány na dlhé vzdialenosti."
Koncom 1820s sa Shedrin obrátil na obraz krajiny s Mesiacom. Na prvý pohľad sa to môže zdá, že apelovať na tradičné romantické motívy. Romance miloval "zajchynú noc".
Do polovice 1820s sa mnohé romantické doplnky v poézii zmenilo na šablónu, pri maľovaní, obrazovo-emocionálne vlastnosti krajiny, a najmä poetics noci a hmly, boli tiež objavené.
Shchedrin napísal nočné krajiny, neopustili prácu na iných talianskych druhoch. Počas týchto rokov vytvorili nádherné obrazy: "Terasa na pobreží" a "Mergellina nábreží v Neapole" (1827), výhľad na Vico a Sorrento. Krajiny na lunárne svetlo sa objavili súčasne so slávnymi terasami, ktoré nie sú náhodou. Stali sa prirodzeným pokračovaním hľadania hĺbkového obrazu prírody, jeho mnohostranných väzieb s osobou. Toto spojenie sa prejavuje nielen vďaka ľuďom, ktorých Shedrin často a ochotne zahŕňajú do svojej krajiny, ale tiež obohatené o pocity sám umelca, ktorý oživuje každé plátno.

Veľmi často v nočných krajinách Generin používa duálne osvetlenie. Slávny v niekoľkých uskutočneniach má obrázok "Neapol na Lunárskej noci" (1829) aj dva svetelné zdroje - Mesiac a oheň. V týchto prípadoch samotné svetlo nesie rôzne farebné možnosti - najchladnejšie svetlo z Mesiaca a teplé z ohňa, a miestna farba je výrazne oslabená, pretože sa koná v noci. Obraz dvoch svetelných zdrojov prilákal mnohých umelcov. Tento motív sa vyvíja A. A. Ivanov v akvareloch "Ave Maria" (1839), I. K. Aivazovsky na obrázku "Moonlit Night" (1849), K. I. Rabus v maľbe "spasskit brány v Moskve" (1854). Pri riešení malebných úloh, motív dvojitého osvetlenia vpredu pred umelcom problém bezprostredného vzťahu svetla a objektívneho sveta.
Avšak, aby úplne stelesniť všetky bohatstvo farebného maľby sveta, jeho bezprostredná krása, krajinní hráči sa dostali z workshopov pre pruh. Po Venetianove v ruskej maľbe, jeden z prvých takýchto pokusov urobil krídla, pracoval na obrázku "Zimná krajina" (ruská zima "). Sotva však mladý umelec plne uvedomil, že úlohu smerujúca.
Najdôležitejšie objavy v žánri krajiny boli poznačené z roku 1830. Umelci sa čoraz viac odvolali na každodenné motívy. Tak, v roku 1832, MI LEBEDEV a ID SCORIKOV získal od Akadémie umeleckých strieborných medailí pre obrazy Petrovských ostrovov, budúci rok Lebedev pre maľovanie "pohľad v okolí jazera Ladoga" a Sviekov pre prácu " Pargolov zo Shuvalovského parku "dostal zlaté medaily. V roku 1834 A. Ya. Kukhevsky pre maľbu "Pargolovský vzhľad" a L. K. Plakhov pre maľbu "pohľad v blízkosti Oranienbaum" tiež získal zlaté medaily. V roku 1838 získal K. V. Krovykin Strieborná medaila pre obrázok "Night". Žiaci Vorobyov Napíšte Pargolovo (kde sa nachádzala vorobyeva chata), okolie Oranienbaum a jazera, Petrovského ostrova. Programy písania už nie sú ponúkané konkurentom. Témy sú zvolené sami. Vzorky pre kopírovanie boli zahrnuté obrázky Sylvester Shchedrin.

Vorobev, ktorý uskutočnil triedu krajinnej maľby na Akadémii umenia, tiež naďalej pracuje na zverejnení emocionálneho obsahu a prírody. Vyberá si pozemky v duchu romantickej poetiky spojenej s určitým stavom atmosféry alebo osvetlenia, ale zostáva cudzinec, aby priniesol do krajiny znaky filozofickej meditácie. Nálada krajiny "západ slnka v blízkosti St Petersburg" (1832) je vytvorená opozíciou voči jednotnému priestoru severnej neba a jeho odraz vo vode. Jasná silueta Barcase vytiahnutá na brehu zdôrazňuje neobmedzenú vzdialenosť, v ktorej je vodný prvok nepozorný s "vzduchom". Krajina s obrazom stojacom na brehu lodí nesie poetické intonáciu - oddelené od vodného prvku, loď sa stáva e-mailom metaforu prerušeného plávania, symbol niektorých nenaplnených nádejí a zámery. Tento motív bol rozšírený v obraze romantickej epochy.
Krajina, ktorú cieľom, ktorý študuje povahu stavu atmosféry, vždy priťahoval Vorobyev. Po mnoho rokov, vykonával denník meteorologických pozorovaní. V polovici roku 1830, vytvára významný cyklus nového móla vo svojich umeleckých výhod pred Akadémiou umenia, ktorý bol zdobený sfinxes priniesol z starovekej puris. Vorobyov ho zobrazoval v rôznych časoch dňa a rok.
Obrázok "Nábrežie Neva na Akadémii umení" (1835) Legged Ranged Ráno. Biela noc je nenápadné listy a svetlo nízkeho slnka, ako keby v kontakte so vzduchom nad NEVA, rozpráva náladu nálady. Na priehrady pelierov majú bielizeň práčovňu. Okolie starovekých sfingov s touto prózou naznačuje čerstvosť pohľadu umelca na javy života. Sparrow úmyselne odstraňuje reprezentatívnosť v charaktere obrazu, zdôrazňuje, že kúzlo prirodzenosti bytia. Preto je hlavná pozornosť zameraná na farbotistické riešenie krajiny, na vyjadrenie jedinečnej, ale úplne určitej nálady.

V polovici roku 1830 bol Vorobyov v Zenith jeho sláve a napriek tomu po cykle druhu móla s sfinxes, takmer opustil prácu na krajine Petrohradu - napísal hlavne vlastné práce, pri ktorom sa upevní etapy stavby Katedrály sv. Izáka, pohľad na Konštantínopol a pre seba. V letnej noci. Od roku 1838 do roku 1842 okrem oficiálneho poriadku "Zdvíhacie stĺpce na katedrále sv. Izáka", Vorobyov napísal výhradne Pargolov. To naznačuje, že stánkový umelec cítil, že je potrebné prehĺbiť svoje vedomosti o práci. Nanešťastie, výsledky týchto pripomienok nenašli odrazy v jeho práci. V roku 1842, pod dojmom smrti svojej ženy, Vorobyov napísal symbolický obraz "dubovej, zlomenej bleskom". Tento obrázok zostal jediným príkladom symbolického romantizmu vo svojej práci.
Zlaté medailisti M. I. Lebedev, I. K. Aivazovsky zohral významnú úlohu medzi absolventmi vo vývoji ruskej maľby, I. Sternberg, zosnulého dvadsiatich sedem rokov - šesť rokov po skončení Akadémie umenia.
Lebedev sa nepochybne musel stať jednou z vynikajúcich krajinných hráčov svojho času. Zapísaný v Akadémii umenia osemnásť rokov už dostal malú zlatú medailu za šesť mesiacov a budúci rok a veľký. Už v tomto období Lebedev starostlivo pozoruje prírodu a ľudí. Krajina "Vasilkovo" (1833) obsahuje určitú náladu prírody, pocit priestoru. Malé plátno "v veternom počasí" (1830s) je obdarený týmito vlastnosťami, ktoré sa neskôr stanú základom v diele umelca. Lebedev nemá záujem o obraz určitého typu, ale prenos pocitu zlého počasia, impulzu daždivého vetra. Zobrazuje prestávky oblaku, let narušených vtákov. Všeobecná hmota je daná stromy flexibilné vetrom. V popredí je napísané parave, energickými ťahmi.

V Taliansku sa Lebedev ukázal ako vynikajúci farebný a starostlivý výskumník prírody. Z Talianska napísal: "Koľko by sa mohlo pokúsiť kopírovať prírodu, venovanie pozornosti mi vždy urobil komentáre: Vzdialenosť, ľahká obloha, reliéf - resetovať príjemné hlúposti. Claude Lorren, Reydal, večné vzorky zostanú.
Určite Lebedev bol orientovaný na prácu s prírodou nielen vo fáze etudes, ale aj v procese vytvárania samotných obrazov. V roku 1830, krajinný maľba rozširuje kruh svojich pozemkov, umelci prehĺbiť pocit prírody. Nielen udalosti vo svete prírody: západ slnka, východu slnka, vetra, búrky a podobne, ale každodenné štáty čoraz viac priťahuje pozornosť krajinných hráčov.
V danej pasáži z listu sa jasne prejavuje v lebenovom pohľade v prírode, bezprostrednosť v jej vnímaní. Jeho krajiny sú výrazne blízko diváka a zriedka pokryjú veľké priestory. Umelec vidí svoju tvorivú úlohu pri zistení štruktúry priestoru, stav osvetlenia, ich väzieb s objemom predmetu - "vzdialenosť, svetlo oblohy, úľava." Tento rozsudok Lebedeva patrí na jeseň 1835, keď napísali Arichu.
Ako sa umelec Lebedev vyvíjal veľmi rýchlo, a je ťažké predpokladať, aký úspech mohol dosiahnuť, kedykoľvek jeho predčasná smrť. Vo svojich maľbách kráčal po ceste komplikácií farebných úloh, farebnej harmónie prírody a nevyhýbala sa písaniu grafov na "otvorené slnko". Lebedev napísal slobodne, odvážnejší Vorobyov, už patril k novej generácii maliarov.

Ďalší slávny študent Vorobyeva Aivazovského aj od času jeho učňovského hľadiska sa snažil písať z prírody. Vzorka pre seba považovala sylvester shchedrin. Ako študentka Akadémie, on vystúpil kópiu z obrazu Shchedrin "pohľad na Amalfi v blízkosti Neapol," a prišiel do Talianska, dvakrát bolo vzaté na písanie s prírodou v Sorrento a v Amalfiho motívoch, ktoré mu boli známe v Shchedrinovho maľbe, ale bez veľkého úspechu.
Jeho postoj k prírode Aivazovský pochádza z poetiky romantickej krajiny. Treba však poznamenať, že aivazovský mal akútnu farebnú pamäť a neustále dopĺňala jej rozpätie pozorovania prírody. Slávne morské, možno, viac ako ostatní žiakov Vorobyova, bolo blízko jej učiteľovi. Ale časy sa zmenili, a ak sú diela Vorobyova vo všetkých recenzii zaslúžené nezmenené chvály, potom aivazovsky, spolu s chválou, prijatými, prijatými a výčitkami.
Taketing Efekty pri maľovaní, Gogol ich absolútne neprijíma v literatúre. Ale pri maľovaní, proces pohybu z vonkajších účinkov už začal obraz každodenných stavov prírody.
Súčasne s Lebedev, V. I. Sternberg pracoval. Vyštudoval krajinnú triedu Akadémie umenia v roku 1838 s veľkou zlatou medailou pre maľovanie "osvetlenie PAKA v Malororosiysk Village", nefungovalo a písali z prírody. Hoci Sternberg napísal množstvo zaujímavých krajín, vo svojej práci cítil silnú túžbu pre žánru. Už v konkurenčnej práci sa pripojil k krajine s žánrovou maľbou. Takýto syncretizmus ho prináša bližšie s benátskou tradíciou a s problémami, ktoré boli vyriešené v domácom maľbe v druhej polovici XIX storočia.

Extrémne atraktívny malý obraz-etude patriaci k kefám Sternberg "v Kachanovke", panstvo S. Tarnovského ". Zobrazuje skladateľa M. I. GLINKA, historik N. A. Markevich, majiteľ Kachanovka G. S. Tarnovsky a umelca sám pre stojan. Táto žánrová kompozícia "v miestnostiach" je napísaná voľne a nažive, svetlo a farby sú prenášané akútne a presvedčivé. Mimo okna sa otvára obrovský priestor. V hotových prácach Sternbergu viac zdržanlivosti, len hádajte len obsiahnuté v umelcovi darom generalizovanej vízie a talentu farebného.
Medzi mnohými problémami, ktoré boli v centre pozornosti Alexander Ivanov, bolo dôležité miesto obsadené pomerom žánrov, nových objavov farebných možností maľby, nakoniec, spôsob práce na obrázku. Krajinné náčrty Alexander Ivanov sa stali pre ruskú maľbu otvorením zachytenia. Okolo roku 1840 IVANOV je si vedomý závislosti farby objektov a priestoru zo solárnej osvetlenia. Landscape Waterkoly tohto času a etude oleja na "Mesiáš Fenomény" svedčia o tesnosti umelca na farbu. Ivanov veľa a usilovne kopírovaných starých majstrov a musí byť prevzatý, zároveň sa prejavuje jasnejšie rozdiel medzi svetovým svetom renesančnej éry a XIX storočia. Prirodzeným dôsledkom takéhoto produkcie by mohol byť len dôkladným skúmaním prírody. Práca Alexandra Ivanov dostala praktické ukončenie evolúcie, ktorý sa konala ruská maľba z klasického systému na vyrovnanie vyrovnávania. Ivanov preskúmal dialektický vzťah svetla a farieb v mnohých etudes vyrobených z prírody, zakaždým zameranie na konkrétnu úlohu. V prvej polovici storočia XIX, takáto práca požadovaná od umelca titanického úsilia. Alexander Ivanov však rozhodol takmer celú škálu úloh súvisiacich s maľovaním na holubici v zásuvkách z roku 1840. Takéto úlohy takéto úlohy nevyriešili žiadny zo svojich súčasníkov. Ivanov preskúmal farebné pomery Zeme, kamene a vody, nahé telo na pozadí Zeme a v iných etudes - proti pozadia oblohy a priestor veľkej dĺžky, pomer zelene v blízkosti a vzdialených plánov a podobne. Čas v krajinnej zásuvke Ivanov získava špecifický význam: Toto nie je čas vôbec čas, ale určitý čas charakterizovaný týmito osvetlením.

Spôsob práce IVANOV bol zrejmé zďaleka všetkých súčasníkov. Aj v roku 1876, Jordánsko, ktorý napísal jeho spomienky, pravdepodobne úplne pochopil, že Ivanov sa zaoberal učením sa novej metódy reprodukcie reality a že naliehavým problémom tejto metódy bolo pracovať na zajatí. Príroda v očiach Ivanov mala objektívnu estetickú hodnotu, ktorá je zdrojom hlbších snímok ako vedľajšie združenia a existovanú alegóriu.
Romantickí umelci, spravidla, neboli zamerané na reprodukciu prírody v celom rozmanitosti svojho cieľa. Ako vidíme v príklade kreativity Vorobyeva, NUTRHEA prípravný materiál bol obmedzený na kresby ceruzky, čierne akvarel alebo seperia, v ktorom bola daná iba tonálna charakteristika krajiny. Niekedy bola straná etude kresba, mierne česaný akvarel na určenie vzťahu tepelného navíjania. Farebná charakteristika krajiny v očiach romantikov, a to zodpovedá klasickej tradícii maľby, by sa mal rozhodnúť ako dôsledok spoločných farebných vyhľadávaní. V prvom rade obmedzili romantikov, skutočnosť, že centrum ich pozornosti zostalo vzťah svetlo kontaminácie. Takže videl Nature Vorobiev, takže učil vidieť prírodu a jeho domáce zvieratá. Pre prvú polovicu devätnásteho storočia bola podobný vzhľad celkom prirodzený, pretože to bola zasvätená tradíciou.
V polovici 1850s sa mladý A. K. Savrasov zameriava na jeho hľadanie podobného spôsobu práce. Vďaka svojmu učiteľovi Rabus bol v blízkosti školy Vorobyva, ktorý študoval na Vorobyeva. V roku 1848 sa Savrasov kopíroval aivazovský, mal záujem o diela Lebedev a Sternbergu. Smer v krajinnom maľbe, ktorý začal Sylvester, veľkorysý a pokračujúci Lebedev, bol rozšírený do polovice XIX storočia. V tomto čase, teoreticky komplexné, ale prakticky obmedzený romantizmus nemohol mať úlohu vedúceho smeru v umení.

Nadácia, ktorá bola spustená romantikou, bola trvanlivá, ale postoj romantík k prírode vyžadoval určitý vývoj. Jeden z umelcov, ktorí vyvinuli myšlienky Venetianov o hlavnej úlohe prírody, boli G. V. Soroka. V zimnej krajine "Flygel na ostrovoch" (prvá polovica 40. rokov.) Soroka s dôverou píše farebné tiene na snehu. Tento talentovaný umelec bol odlíšený láskou bielej farby, často zaradil ľudí v krajine ľudí v bielom oblečení, videli schopnosť ahromatickej farby, ktorá sa má natretá v závislosti od osvetlenia. Skutočnosť, že štyridsať úmyselne dal farebné úlohy pred nimi, starostlivo sledoval zmeny farieb, svedčiť krajiny zobrazujúce rôzne časy dňa. Napríklad obrázok "Typ jazera Moldino" (najneskôr 1847) predstavuje stav prírody v rannom osvetlení. Umelec tvrdí farebné tiene a komplexnú farebnú hru svetla na bielom oblečení roľníkov. Na obrázku "Rybári" (druhá polovica 40. rokov.) Štyridsať veľmi správne prenesie duálne osvetlenie - teplé svetlo od nastavenia slnka a studeného svetla z modrej oblohy.
Úprimnosť umelca, jemný zmysel pre krásu každodenných prejavov prírody dávajú diela Soroki kúzla a poézie.
Kreativita Sylvester Shchedrin, M. I. LEBEDEVA, G. B. SOROKI naznačuje, že odvolanie A. A. Ivanov pracovať na PLENUEL nebol mimoriadnym výkonom jediného, \u200b\u200bale pravidelného štádia vývoja domáce maľby.
V Petersburgu, Ivanov vykazoval obraz spolu s prípravnými etkami. Bol to čas, keď Ivanov je mnoho rokov práce, ktorá vytvorila, ako povedal umelec sám, "škola", ešte sa nerozhodli plne oceniť. Príklad Ivanov bol ťažké najmä po "ponuré sedem rokov", keď boli prenasledovaní podrobené všetkým malým starom opustením hrany všeobecne akceptovaného systému. Landscape maľba nerobila výnimky. Podľa B. F. Egorova, cenzúra prekročila túto pasáž, "strach z komplexného teoretického chápania prírody a spoločnosti - nie je možné interpretovať takúto dialektu!".

Koncom roku 1840 a v roku 1850, Akadémia umenia, ktorý bol pod jurisdikciou Ministerstva Imperial Court a mal predsedov členov kráľovského priezviska, vôbec premenil na byrokratickú organizáciu. Akadémia mala monopolový zákon o ocenení umelcom strieborných a zlatých medailí na výkon konkurenčných programov. Pokusy o prevzatie takéhoto práva pre Moskovskú školu maľby a Babansko pevne odklonila. Tradície akademického umenia z Historického žánru, v ktorom boli pozemky z histórie konkurentov navrhnuté oveľa menej často ako pozemky z mytológie alebo posvätného písma. Okrem toho boli navrhnuté obrazy na splnenie podľa určitých noriem: pozemok bol zakotvený na vopred určených pravidlách kompozície, výraz tváre a gestá pôsobiacich osôb sa rozlišovali úmyselným výrazom, schopnosťou veľkolepého zápisu zápisu a tkanín.
Medzitým, v polovici roku 1840, "prírodná škola" bola jasne uvedená v literatúre, ktorá sa bojovala o česť a dôstojnosť osoby. V týchto rokoch sa Belinsky vyvíja pozrieť sa na štátnu príslušnosť v umení a približujú sa k pochopeniu štátnej príslušnosti ako fenoménu spájajúcej na jeden ľudový, národný a univerzálny. Požiadajte o myšlienkach, ktoré kŕmia presvedčenie o potrebe domorodých sociálnych transformácií v Rusku. Frontier z 1850-1860S otvoril novú, prideľovaciu fázu histórie domácej inteligencie.
Pod jeho vplyvom bol vyvinutý určitý estetický program ruského umenia. Jeho základy položené Belinsky, ďalší rozvoj bol získaný v dielach N. G. Chernyhevského a N. A. Dobrolyubov. Boj bol vykonaný pre ideologické umenie, pre takýto estetický obsah, ktorý by bol neoddeliteľný od demokratických "morálnych a politických ideálov. Belinsky videli hlavnú úlohu literatúry na displeji života. Rozvoj preskúmania Belinskej, Chernyhevského v jeho slávnej dizertačnej činnosti určuje hlavné črty demokratického umenia trochu širšie: rozmnožovanie života, vysvetlenie života, trest po živote. "Verdikt" požadoval od autora nielen určité občianske postavenie, znalosť života, ale aj zmysel pre historickú perspektívu.
V osude ruskej krajinnej maľby patrí druhá polovica storočia Savrasov osobitnej úlohe: nebol len talentovaný umelec, ale aj učiteľ. Od roku 1857, Savrasov, dvadsaťpäť rokov, zamieril do triedy krajinnej maľby v Moskve. Stále sa zameriaval na svojich učeníkov, aby pracovali z prírody, požadovali od nich, aby napísali etudes s olejom, učil hľadať krásu v najdypokojnej motíve.
Nový postoj k krajine je obsiahnutý v maľbe V. G. Schwartz "Jarný vlak Tsaritsa na Bogomol s car Aleksa Mikhailovic" (1868). Umelec sa hodí na žánrovú historickú scénu na rozsiahlu krajinu. Podobné riešenie historického obrazu prišiel v roku 1848, aivazovsky v Brig Ortur Cannut po víťazstve nad dvoma tureckými súdmi sa vyskytuje s ruskou leskou. " Plyn obrazu klesol nie je obraz bitky, ale nasledovali opatrenia rozvíjajúce sa v druhom pláne. Krajina a zobrazená udalosť vykonávajú ne-historickú jednotu, ktorú predtým nevedela historický obraz.

Krajina v ruskej maľbe sa postupne stáva čoraz dôležitejšou a najviac insistujúci ľudia hádajú cesty svojho ďalšieho rozvoja.
Do roku 1870 sa zintenzívnili interné procesy vyskytujúce sa pri maľbe. Jedným z najdôležitejších prejavov nových trendov bola tvorba partnerstva mobilných umeleckých výstav.
Diely, ktoré priniesli Repin a Vasilyev z Volga, urobili silný dojem na neho a Poleńov píše príbuzných: "Potrebujeme viac, aby sme napísali etudes od prírody, krajiny."
Počas odchodu do dôchodkového výletu do Talianska, Polénov obzvlášť poznamenáva: "Hory na obrázku a fotografiách nie sú tak ohromené ako vymazateľné ako v tomto vzduchu." O maľovaní Guido Reni píše: "Maľba Guido Reni sa nám zdá len surový výber farieb, ktorí nemajú nič spoločné so svetlom alebo na vzduch, alebo na záleží." Tieto pripomienky ešte nedodávajú na konkrétny program, ale cítia povedomie o nových cestách maľby. Mladý umelec ich videl pri prehlbovaní malebných príležitostí, v úprimnom dialógu s realitou.
Na začiatku roku 1874, ktorý vstúpil do histórie umenia, otvorenie prvej výstavy impresionistov v Ateliéri Nadar na Kapuchin Boulevard, viacschopný Insightful Kramskaya, čo odráža na osudu ruskej maľby, o jej najbližších úlohách, píše mladého Repinne: "Ako ďaleko by sme mali ešte urobiť podľa formálneho evanjeliového výrazu," kamene hovoriť. " Pre Repin je posledná fráza dôležitá, pretože tradičná úloha výkresu v ruskom obraze bola vždy vysoká. A umelec bol presvedčený, že pri jazde do zajatia, nebolo možné stratiť zrak obrazu.
Vrátenie z dôchodkového výletu, Polénov sa usadí v Moskve, kde vytvára vynikajúci precitáciu-Princiruci SETUDS na nenaplnený obraz "užívania odvzdušnej princeznej" a obrázku "Moskovsky dvorik" (1878). Painting Pushkin Garden (1878) je susedia s kompletným a malebným rozhodnutím Moskva. IT, ako aj dve ďalšie diela, "Fortyrins" a "Leto" (ako 1878), Poleńov vystavoval na výstave VII v roku 1879.
Na konci roku 1881, Cesta z Polénov na Blízkom východe, aby sa zhromaždil materiál pre maľbu. Jeho orientálne a stredomorské etudes sa vyznačujú farebnou odvahou a zručnosťami.
Od roku 1882, Poleńov nahradil Savrasov o vyučovacej práci v Moskve School maľby, tovaru a architektúry. Poleńov bol do značnej miery ovplyvnený na prácu svojich súčasníkov, predovšetkým na krajinných hráčov I. I. Levitan, I. S. Ostrukhova, S. I. Svetoslavsky, iní.

Na začiatku 1870s, Shishkin pokračuje v práci. Po zvládnutí malebnej zručnosti, bez toho, aby sa šetrí, píše veľa z prírody, dva až tri etudes denne. Veľmi si ocenil znalosti lesa Shishkin Kramskaya.
Obrázok hmlého rána, keď sa lúče slnka s ťažkosťami, robia cestu cez lístie stromov, sa stal motívom jednej z najznámejších obrazov Shishkin "ráno v borovicovom lese" (1889). Les zaberá celý priestor obrazu. Stromy sú napísané vo veľkej mieši. Medzi nimi boli medvede urovnané na nahromadenej borovice. V podobnom prístupe, niečo romantické sa uhádne na obraz krajiny, ale to nie je opakovanie minulosti ypokob nie je umelý podčiarknutie
Farba nezvyčajných štátov prírody a zhoršený pohľad na obvyklých javov prírody. Všetky tieto legendy uvádzajú, ako bol nezvyčajný maľba Queenji pre svoj čas.
Kreativita Quinji sa rýchlo vyvinula. Do určitej miery sa v sebe odrazilo etapy rozvoja, že moderná krajinná maľba prešla. Queenji vlastnil ostré farebné videnie: Kontrasty farebných vzťahov a rafinovaným zmyslom pre gradáciu farebného tónu mu dal určitú expresiviu na jeho maľby. Umelecké obrazy sú naplnené zmyslom pre život-dávať prírodu, vzduch, svetlo. Nie je náhodou, že Repin nazval Queenji umelcom svetla. Žiadne pozoruhodné motívy nie sú ničím - nekonečná púštna step, non-slávna ukrajinská dedina, osvetlenie slnka alebo mesiaca, sa zrazu stali pod kefou krásy.
Mnohí študenti Queenji významne prispeli k rozvoju domáceho umenia. K. F. BOGAEVSKY, A. A. RYLOV, V. YU. PURVIT, N. K. Roerich a ďalších umelcov, prvé kroky v odbore vykonávané pod vedením Majstra.
V čase, keď Glory Quinji dosiahol Apogee, maľba "jesenný deň. Sokolniki "(1879) debutoval I. I. LEVITAN. Kúpil ho P. M. Tretyakov pre galériu. Levitan začal písať svoju prvú krajinnú prácu pod vedením Savrasa v Moskovej škole maľby, drenáže a architektúry. Bol spojený s darom zovšeobecnenia, ktorý sa uhádne v malom etude "jesenný deň. SOKOLNIKI. " Priťahuje predovšetkým s jeho farebným rozhodnutím. Ale nielen jeseňové motívy, ktoré dali možnosť vyjadriť pocit surového vzduchu, zainteresovaný mladý umelec. V nasledujúcich rokoch píše niekoľko solárnych krajín - "dub" (1880), "Bridge" (1884), "Posledný sneh" (1884). Levitan extrahuje schopnosti farby, čo zodpovedá štátom prírody v rôznych časoch roka a v rôznych časoch dňa. Upozornenie umelca na rozhodnutie plenárnych úloh bolo ukotvených spoločnosťou Poleńov, ktorého Levitan študoval takmer dva roky. Spomínajúc si na lekcie Poleńov v Moskve School, Korovin napísal: "Začal hovoriť o čistom obraze, ako som písal, hovoril o rozmanitosti farieb." Bez rozvinutej zmyslu pre farbu, nebolo možné preniesť náladu a krásu misie krajiny. Znalosť pokroku zajatcov, jeho skúsenosti s využitím farebných príležitostí, bolo ťažké prenášať bezprostredný pocit prírody.

V roku 1886 cestoval Levitan na Krym. Iná príroda, iné osvetlenie umožnilo umelec cítiť jasnejšie cítiť zvláštnosť povahy oblasti Moskvy, kde často napísal z prírody, prehĺbil svoje myšlienky o možnostiach svetla a farby. Levitan sa vždy posunul, ktorý mal túžbu vyjadriť svoju lásku k závivnenému svetu ľuďom. V jednom z listov sa snažil vyjadriť nekonečnú krásu okolitého, skryté tajomstvo prírody v impotencii.
Pokračoval v písaní prvku mora a starého aivazovského. V roku 1881 vytvoril jeden z najlepších diel "Čierneho mora", ktoré zasiahlo publikum koncentrovaným obrazom obrazu. Tento obrázok sa prvýkrát plánoval zobraziť začiatok búrky na Čiernom mori, ale počas práce Aivazovského zmenil tematické rozhodnutie, čím sa vytvorilo "portrét" povstaleckého mora, na ktorom sa hrajú búrky drviacej sily.
Osobitné miesto je obsadené obrazmi Aivazovským, napísaným počas rusko-tureckej vojny z roku 1877-1878. Aivazovsky sa stáva kronikom moderných udalostí, ktoré sa konali v námornej rozlohe. Ale ak skôr napísal slávne činy plavby lodí, teraz si ich nahradili obrazy parníkov.
Boli založené na určitých historických udalostiach. A hoci tieto práce sú v podstate krajiny, mohli by to napísať len umelec, dokonale vlastným umením Marina. Polénov aj v roku 1877-1878 bol na divadle nepriateľských akcií, ale nepísal bitky maľby, obmedzené na kadidlo náčrty s obrazom armády a hlavného bytu. Na výstave filmového partnerstva, ktorý sa koná v roku 1878 v Moskve, bola vystavená len krajinná práca.
Silné romantické trendy pretrvávali v práci krajiny Landscape L. F. Lagorio. Podobne ako Aivazovsky napísal more, ale vo svojich dielach je menej vášeň. Umelec staršej generácie, Lagorio nemohol odmietnuť zručnosti a recepcie získané počas rokov štúdia na Akadémii umenia na M. N. Vorobyev a B. P. Villevold. Jeho obrazy často hriech s množstvom detailov, zbavených umeleckej integrity. Farbenie nie je tak veľmi spojené s identifikáciou skutočných vzťahov s farbami, koľko je dekoratívne. Boli to ozveny romantických účinkov prvej polovice XIX storočia. Obrázky Lagorio sú vyrobené s zručnosťou. V obrazoch "Batum" (1881), "ALUSHTA" (1889), v dobrej viere zobrazuje čierne morské prístavy. Bohužiaľ, umelec nedokázal rozvinúť tie malebné vlastnosti, ktoré sú viditeľné v dielach 1850s. V roku 1891, Lagorio píše niekoľko obrazov na udalostiach rusko-tureckej vojny z roku 1877-1878, ale tieto diela sú úplne ďaleko od problémov modernej krajinnej maľby.

Posledné desaťročie storočia XIX je zaznamenané pri maľovaní nových trendov. Dobyte uznanie včera mládeže. V súťažiach spoločnosti ART ART Lovís VA Serov dostal prvé ocenenie za portrét "Dievča s broskyňami" (1887), v ďalšej súťaži pre genómovú skupinu portrét "The TEACH TABE" (1888), druhá "cena Dostal Ka Korovin (prvá cena nebola udelená), potom I. I. Levitan dostal prvú cenu za krajinu "večer", a druhý - opäť K. A. Korovin pre krajinu "Zlatý jeseň". Poleńov bol charakteristický pre zhoršený zmysel pre farbu, ktorú používal nielen ako dekoratívny prvok, ale predovšetkým ako prostriedok emocionálneho nárazu na diváka.
V roku 1896 bola organizovaná všestranná umelecká a priemyselná výstava v Nižnom Novgorode. Výstavná porota odmietla panely objednané Mammothom Vrubel. Rozrušený Vrubel odmietol pokračovať v práci na paneloch Mikula Selyaninovich a princeznej Goszu. Mammoths, ktorí milovali veci na koniec, našli cestu von. Rozhodol sa vybudovať špeciálny pavilón a post panel ako exponáty: V tomto prípade sa nevyžadovalo výzdoba odbornej poroty. Ale niekto musel ukončiť panely a ona sa stala niekomu, na trvalej žiadosti Mamontov, Polénov. "Sú (panel. - V. P.) Takže talentované a zaujímavé, že som nemohol odolať," napísal Polénov. So súhlasom VRubel, práca na paneloch Polénov spolu s Konstantinom Korovinom. Na tej istej výstave, Korovin a Serov vystavovali veľa nádherných náčrtkov, ktoré boli napísané z neznámej povahy severnej povahy severnej povahy regiónu Murmansk, kde išli na žiadosť Mamononova. Z severnej krajiny Korovina prideleného "Creek of St. Trifon v Pechenegu "(1894)," Gammerfest. Severné svetlá "(1894 - 1895). Téma severu nezostala epizódou v diele Korovina. V Nižnom Novgorode boli vystavené dekoratívnych panelov uskutočnených dojmami cesty. Opäť na tému North Korovin sa vrátil do veľkého cyklu dekoratívnych panelov vytvorených pre svetovú výstavu 1900 v Paríži. Pre tieto panely, vrátane centrálnych ázijských motívov, Korovin získal striebornú medailu. Významnú úlohu zohrala krajina v práci Korovina. Hlavné vnímanie farby, optimizmus svetlák boli charakteristické pre umelca. Korovin vždy hľadal nové témy, miloval ich napísať, pretože nikto iný napísal. V roku 1894 vytvára dve krajiny: "Zima v Laponsku" a ruská zimná krajina "zima". V prvej krajine, cítime závažnosť povahy polárneho územia, bezhraničný sneh zložený z chladu. V druhej - kôň je zobrazený, privilegovaný v Sani. Sedoks niekde zanechala a tento Korovin zdôrazňuje krátkosť podujatia, jeho stručnosť. Po zimnej krajine sa umelec odvoláva na leto.
V mladých rokoch, Korovin a Serov, diametrálne odlišné v znakoch, boli neoddeliteľné, pre ktoré sa nazývali "Kravy a Serovin" v umeleckom kruhu Abrahans. Keď * Serov napísal "Dievča s broskyňami," bol dvadsaťdva roky starý, ale už odovzdal lekcie maľby z Repin, zaoberajúce sa Akadémii umenia v dielni Chistyakov. Ako jemný farebnec Serov nemohol mať osobitný záujem o žánru krajiny, ktorý bol nejakým spôsobom prítomný v mnohých jeho skutkoch. Repin, zapamätanie tried s deviatimi rokmi starými tonami (ako vlastné Serov) v Paríži, napísal: "Obdivoval som naskentný Hercules & Art. Áno, bola to príroda! "
Podľa nich je jasné, že deväťdesiatych rokov boli čas na nájdenie nových ciest vo vývoji maľby. Nebolo náhodou na približne rovnakom čase vytvorené ich najlepšie krajiny Levitan a Shishkin, uviedol v umení a talentovaných mladých umelcov.

V novembri 1891 otvorili dve osobné výstavy diel REPIN a SHISHKKKKESTNOSTI v sálach Akadémie umenia. Krajinný hráč Shishkin zahrnutý do expozície okrem obrazu v blízkosti šesťsto kresiel, čo predstavuje svoju prácu štyridsať rokov. Tiež, spolu s maľbami, ETUDES a difinové výkresy boli vystavené. Výstavy, ako keby sme sa domnievali divákovi, aby sa pozrel do dielne umelcov, pochopiť a cítiť sa zvyčajne skryté od diváka, že práca tvorivého myslenia umelca. Na jeseň roku 1892, Shishkin vydával letné etudes. To opäť potvrdilo osobitnú umeleckú úlohu etudes. Tam bolo obdobie, keď sa etude a obraz priblížil bližšie - Etude bol prepnutý na obrázok a obraz niekedy napísal ako etude na pleniaci. Dôležitým stupňom vývoja maľby bol dôležitý stupeň prírody, výjazd na plnšieho potenciálu.
Riešenie tohto problému nebolo všetko pod energiou. Na začiatku roku 1892, výstava Yu. Yu. Clover sa konala v Moskve - umelec je viditeľný naraz, nezabudnuteľný. Výstavná miestnosť bola ozdobená rezačkami stromov, vtáky plnené. Zdalo sa, že dojem, že celý les nezodpovedal do obrázkov a naďalej sa objaví. Je možné si predstaviť krajinu Levitan, Queenji, Polenovej alebo Shishkin obklopený týmto lesným panoptikom? Títo umelci stanovili cieľ na vyjadrenie neviditeľných vlastností objektov. Vnímali krajinu v interakcii senzorických pocitov a zovšeobecných úvah o prírode. B. Astafiev to nazval "Smart Vision."
Ďalší obraz, iné vzťahy človeka a prírody sú prezentované na obrázku "Vladimirk" (1892). Slovník Siberia Artist napísal nielen pod dojmom cesty Vladimir. Pripomínal piesne o tvrdom živote na Katorga, počul na týchto miestach. Farbenie obrazu prísnych a smutných. Predloženie kreatívnej vôle umelca, on nie je len Saddeal, ale spôsobuje pocit vnútornej sily, ktorá je skrytá v širokom šírení pôdy. Krajina "Vladimirka" so všetkými jeho umeleckými budovami nabáda diváka k úvahám o osude ľudí, o jeho budúcnosti, stáva sa krajinou, ktorá obklopuje historickú zovšeobecnenie.
"Na večnom mieri" nie je len filozofický obrazový obraz. V ňom chcel Levitan vyjadriť všetok svoj vnútorný obsah, alarmujúci svet umelca. Tento zámer ovplyvnil zloženie maľby a vo farebnom rozhodnutí - všetko je veľmi zdržanlivé a stručné. Široká krajinná panoráma poskytuje obraz vysokej drámy. Nebola náhodou, že dizajn obrazu bol spojený s Levitan s hrdinskou symfóniou Beethoven. Blížiacu búrku bude prechádzať a jasné vzdialené horizonty. Táto myšlienka je čítaná v zložení maľby. Porovnanie náčrtu a konečnou verziou obrazu umožňuje prezentovať priebeh myšlienok umelca. Poloha kaplnky a počasie sa nachádzalo okamžite v ľavom dolnom rohu plátna - počiatočná položka kompozície. Ďalej, predloženie náladového pohybu pobrežia, ktorý v náčeku uzatvára priestor jazera v plátna, náš pohľad je poslaný do vzdialeného horizontu. Ďalšia funkcia sa vyznačuje náčrtom: stromy v blízkosti kaplnky sú premietané ich vrcholy na opačný breh, a to pripája určitú hodnotu celej kompozície - existuje rovnocenné porovnanie opusteného cintorína a uzavretého pobrežia jazera . Ale Levitan nechcel, zrejme, toto rovnaké porovnanie. V konečnej verzii oddeľuje kaplnku a cintorín zo všeobecnej panorámy krajiny, pričom ich umiestni na mys, ide do jazera: Teraz motív cintorína sa stáva len východiskovým bodom kompozície, začiatok Odraz, potom naša pozornosť sa prepne na kontempláciu z úniku jazera, vzdialený breh a rýchly pohyb oblakov s nimi.
Všeobecne platí, že kompozícia nie je druh obrazu. Narodila sa fikcia umelca. Ale to nie je abstraktná konštrukcia krásneho výhľadu a hľadanie najpresnejšieho umeleckého obrazu. V tejto práci Levitan použil svoju hlbokú znalosť krajiny, ETUDES vykonávané priamo z prírody. Umelec vytvoril syntetickú krajinu, rovnako ako bola prijatá v klasickom maľbe. Ale toto nie je refundácia: Levitan pred ním úplne odlišné úlohy, vyriešiť ich na iných malebných princípoch. Slávny sovietsky umelecký kritik A. A. Fedorov-Davydov napísal o tejto krajine: "Jeho syntetická univerzálnosť je reprezentovaná ako prirodzená bytosť prírody a" filozofický "obsah nepochádza z krajiny, akoby daný divákom samotným. Tu, ako v "Vladimirku", Levitan sa vyhýbať predchádzajúcej myšlienke s obrazovým vnímaním, to znamená, že "ilustračné". Filozofická reflexia pôsobí v čisto emocionálnej forme, ako prirodzený život, ako "stav prírody", ako je "náladová scenéria". Raz, Levitan, od roku 1898, učil v Moskve Škola maľby, drenáže a architektúry, ponúkol jedného z učeníkov, aby odstránili jasne zelené kríky z ETUD. Na otázku: "Takže môžete opraviť prírodu?" - Levitan odpovedal, že príroda by nemala byť opravená, ale premýšľať.
Porovnanie veľkých priestorov neba a veľkého vodného priestoru dal umelec možnosť využiť širokú škálu farieb a tonálnych vzťahov. Často aj s uspokojením zobrazoval povrch vody.
Práca umelca na scenériu opernej M. P. MUSORGSKY "HOVHANSHCHINA" pre Divadlo S. I. MAMONTOV bolo zohralo významnú úlohu v epic-tvare tonality týchto krajín. "Stará Moskva. Street v Číne City Cance XVII storočia, "" za úsvitu v bráne vzkriesenia "(1900) a mnoho ďalších prác sa vyznačujú pravdivým obrazom krajiny, ktorá nie je prekvapujúce, pre ich autor je krajinný hráč . Mnohé roky Vasnetsov učil krajinnú maľbu v Moskve školu maľby, drenáže a architektúry.

Narodil sa v Yoshkar-Ola v roku 1964. Vyštudoval Kazan Aviation Institute, zatiaľ čo študoval, v ktorom sa naďalej zapojil do maľby - jej milovaný od detstva.

Bez oficiálnych diplomov o umeleckom vzdelávaní, Sergey lešili svoje zručnosti nezávisle. Teraz diela Basova - želaní hostia v slávnej metropolitnej galérii Valentina Ryabov a nenahraditeľných účastníkov medzinárodných umeleckých obchodov v centrálnom dome umelcov a umenia maneza. Umelec pokračuje v tradícii ruskej klasickej krajiny obrazu XIX storočia. Art Historici nazývajú Sergey Basov jeden z najlepších predstaviteľov moderného ruského realizmu, zaznamenaním jeho bezchybnej chuti, úžasné poetické vnímanie sveta a dokonalú malebnú techniku. Je členom Medzinárodného umeleckého fondu a odbornou úniou umelcov.

Jeho diela neexistujú žiadne impresionistické toky a avantgardy. Tam je len jedna očarujúca jednoduchosť, zrozumiteľná a cenná a cenná. Kritikus považujú basov jeden z najlepších predstaviteľov moderného ruského realizmu.

Jeho krajiny sa nazývajú "malebné elegancie". V najčastejších a geniálnych pozemkoch - rebrík v lesoch jazera, bezmenná rieka, háj na okraji poľa - je schopný otvoriť celý svet, bohatý na emócie a zmyslové pocity. Sergey Basov však už dávno, zrelý maliar, ktorý má jednotlivca, pôvodný list písania a pozorný, znepokojený svetom, pozorovaniami nad rámec toho, ktorý je veľkoryso zdieľajúci s ostatnými.

"... jeden z najlepších predstaviteľov moderného ruského realizmu, Sergejské Basov aktívne pracuje od začiatku 90. rokov minulého storočia. Dokonale vlastniť malebnú techniku, ktorá má bezchybnú chuť a zmysel pre štýl, vytvára prekvapivo poetické práce, vždy, ktorí majú pociťujú reakciu v srdciach vďační divákov, sú ľudia rôznych chutí a názorov, veľmi odlišné od seba vo svojej globality a znakový sklad. Obrazový svet, ktorý vytvára umelec a v ktorom ho žije, predovšetkým príroda okolo nás. Probluvné a dokonca aj každodenné motívy, zvolené umelcom, nejako lesných jazerách a rúcha, rokliny, lesné cesty a kapitán, sú transformované na veľmi tenké, trepidné práce, zvláštne malebné elegancie. Na mnohých výstavách umenia v metropolitných a provinčných mestách môžete vidieť vynikajúce práce realistickým a akademickým spôsobom. A samozrejme, existuje hlboký vnútorný vzťah medzi pozitívnymi javmi v modernom ruskom umení a oživením krajiny. Umelec Sergey Basov vstúpi do tohto ušľachtilého prípadu jeho hodný lip. Majster krajiny sú cenné exponáty mnohých súkromných a korporátnych zbierok v Rusku av zahraničí ... "Mnohí z našich krajanov na dlhú dobu odchádzajúc zo zahraničia, vzlietnuť ako dar pre zahraničných priateľov alebo len svoju vlastnú časť Ruska, zachytená v krajine Basov . Nevysvetliteľné kúzlo rohov ruskej povahy stredného prúžku, umelec prenáša na jeho plátna v tenkej, lyný, s úžasným teplom a láskou.

Chlapci, dali sme dušu na stránke. Tak
to, čo otvoríte túto krásu. Ďakujeme za inšpiráciu a goosebumps.
Pridajte sa k nám Facebook. a V kontakte s

Existujú miesta a pocity, ktoré nepopisujú slová. Ale tieto miesta je možné čerpať. So všetkou penetráciou, svetlými farbami, najviac zvonenia pocity. internetová stránka Vyzdvihnúť pre vás obrázky o lese. O slnku cez lístie, o zarastených chodníkoch. Veľkosť a citlivosť, krása a mier. Vaša pozornosť je 10 umelcov - spevákov magickej povahy, schopné ponorenie diváka v hustom a dobré lesné chlad. Užite si to!

Victor Aleksandrovich Bykov je slávny ruský kraj krajinný systém, očarujúce krásu a texty ruskej prírody. Jeho obrazy sú realistické a zároveň báječne vzduch. Čisté farby, transparentný vzduch, svetlosť a sviežosť - obrazy Victor Bykov sú veľmi obľúbené u súkromných kolektorov z Ruska a ďaleko do zahraničia.

Peter Mörk Mönsted je dánsky realistický umelec, uznávaná hlavná krajina. Napriek početným výletom do sveta, P. Mönsteda Cannuts sú napísané hlavne v Dánsku a zobrazuje severnú nedotknutú krajinu. Práca umelcov zdobia zbierky múzeí Aalborg, Bautzen, Randers a mnohých súkromných zbierok.

Michael O'toull pochádza z Vancouver, Západné pobrežie Kanady. Vzrástol v atmosfére kreativity, pretože jeho matka Nancy O'toule bola pomerne slávnym umelcom. Svetlé farby, kontrast a čisté tóny v krajine Michaela O'TULE Mič ľudia zanechávajú ľahostajnosť. Michael pracuje prevažne akryl, je to mocná, s dôverou a šťavnatými používa farbu, hrá kontrasty.

Roland Palmmers sa narodil v Belgicku, v Bruseli. Pracoval ako dizajnér a ilustrátor a súbežne sa zúčastnili výstav. Výstavy sa ukázali byť tak úspešné, že Palmmers sa úplne venovali na maľovanie a vyučovanie. On je autorom niekoľkých tutoriálov na maľbe. Je členom kanadskej spoločnosti maľby akvarel, Európskeho inštitútu akvarely a bol prezidentom Inštitútu obrazového umenia päť rokov.

Ilya sa narodil v Moskve. Je členom Únie umelcov Ruska. Známy ako umelec-keramista, tiež nádherne vlastní akvarel. Jeho výtvory, jemné, tenké. Vo svojich lesoch visí teplý hml, nasiaknutý v mäkkom slnku. Mnohé z jeho diel sú v ruských múzeách.

Petras Lukosius - Litovský umelec. Jeho viacvrstvová maľba je prenikaná svetlom, potoky slnka sú hojne naliate na svoje mystické lesy, svetlo jemne obklopuje každú vetvičku. Patrie maľby nájdete na celom svete, vrátane Nemecka, Anglicka, Španielska a Švédska.

Medzi ruskými umelcami je mnoho talentovaných osobností. Ich kreativita je vysoko cenená po celom svete a robí hodnú konkurenciu na takýchto svetových majstrov ako Rubens, Michelangelo, Van Gogh a Picasso. V tomto článku sme zozbierali 10 najznámejších ruských umelcov.

1. Ivan Aivazovsky

Ivan Aivazovsky je jedným z najznámejších ruských umelcov. Narodil sa v Feodosii. Od detstva Aivazovsky ukázal svoje neuveriteľné kreatívne schopnosti: zbožňoval, aby sa naučil a naučil sa na husle.

Vo veku 12 rokov sa mladý talent začal študovať v Simferopole na Akadémii maľby. Tu sa naučil kopírovať rytiny a písať obrázky z prírody. O rok neskôr sa podarilo vstúpiť do Petrohradu Imperial Academy, aj keď nedosiahol vek 14 rokov.

Dlho, umelec cestoval v Európe a žil v Taliansku, kde boli jeho obrazy uznané aj v dôstojnosti. Takže mladý umelec z Feodosia sa stal pomerne slávnym a bohatým človekom.

Neskôr sa Aivazovsky vrátil do svojej vlasti, kde dostal jednotnú námornú službu a názov akademika. Aj umelec navštívil Egypt a zúčastnil sa, keď bol otvorený nový SUEZ kanál. Umelec opísal všetky svoje dojmy v obrazoch. Do tejto doby už vyvinul svoj jedinečný štýl a schopnosť písať v pamäti. Sofistikované prvky Aivazovsky načrtnuté v notebooku, aby ich neskôr presunul na plátno. Na celom svete priniesol maľby "Odessa", "deviaty Val" a "Čierne more".

Posledné roky života, umelec strávený v Feodosii, kde postavil dom v talianskom štýle. O niečo neskôr Aivazovsky pripojil malú galériu smerom k nemu, aby si každý mohol slobodne vychutnať svoje úžasné obrazy a utopiť sa v oceáne farieb. Dnes, toto kaštieľ, všetko slúži aj ako múzeum a mnohí návštevníci prichádzajú každý deň, aby sa videli majstrovstvo marinistu, ktorý žil dlhý a šťastný život.

2. Victor Vasnetsov

Pokračuje v zozname najznámejších ruských umelcov Viktor Vasnetsov. Narodil sa na jar roku 1848 v rodine kňaza v malej dedine Lopal. Tvrdý na maľovanie sa na neho vo veľmi ranom veku zobudil, ale rodičia mu nemohli dať správnemu vzdelaniu kvôli nedostatku peňazí. Vo veku 10 rokov sa Victor začal študovať v bezplatnom duchovnom seminári.

V roku 1866, takmer bez peňazí, išiel do Petrohrade. Vasnetsov sa ľahko vyrovnal so vstupnou skúškou a vstúpil do Akadémie umenia. Tu jeho priateľstvo začalo s slávnym repinovým umelcom, s ktorým neskôr išiel do Paríža. Po návrate do St. Petersburg, Vasnetsov začína písať svoje najznámejšie maľby: "Traja hrdinovia", "Snow Maiden" a "Boh Savaof."

Umelec bol schopný plne odhaliť svoj talent len \u200b\u200bpo presťahovaní do Moskvy. Tu je útulný a pohodlný a každý nasledujúci obraz je lepší ako predchádzajúci. Bolo to v Moskve, že Vasnetsov napísal také obrazy ako "Alyonushka", "Ivan Tsarevich a šedý vlk" a "Nestor Chronicler".

3. Karl Brullov

Tento slávny ruský umelec sa narodil v roku 1799. Otec Carl bol slávnym maliarom a profesorom Petrohrade Akadémia umenia. Preto bol osud chlapca vopred určený. Carlo Bhorryov sa našťastie podarilo zdediť od otca talentov umelca.

Štúdia bola daná mladým umelcom veľmi jednoduchým. Má mnohokrát nadradený zvyšku študentov vo svojej triede a vyštudoval Akadémiu umení s vyznamenaním. Potom Karl išiel cestovať po Európe, zastavil sa len v Taliansku na dlhú dobu. Bolo to tu, že vytvoril svoje majstrovské dielo - "Posledný deň Pompeii", výdavky na jeho písanie asi šesť rokov.

Po návrate do St. Petersburg, Charles Bryullov čakal na slávu a slávu. Bol rád, že vidím všade a určite ho obdivoval nových obrázkov. Počas tohto obdobia umelec vytvára niekoľko svojich nesmrteľných látok: "Horseman", "Osad Pskov", "Narcissus" a ďalšie.

4. Ivan Shishkin

Ivan Shishkin je jedným z najznámejších ruských krajinných umelcov, ktorí mohli prezentovať akúkoľvek nenápadnú krajinu vo svojich maľbách. Zdá sa, že príroda sám hrá na plátna tohto umelca so živými farbami.

Ivan Shishkin sa narodil v roku 1832 v Elabugu, ktorý sa dnes vzťahuje na Tatarstan. Otec chcel, aby sa Syna s časom zaujal miesto mestského úradníka, ale Ivan bol natretý. Vo veku 20 rokov šiel do Moskvy študovať maľovanie. Po úspešnom konci Moskvy umeleckých škôl, Shishkin vstúpil do Imperial Academy v Petrohrade.

Neskôr cestoval na dlhú dobu v Európe, načrtnuté úžasné krajiny. V tom čase vytvoril obrázok "View v blízkosti Düsseldorf", ktorý mu priniesol obrovskú slávu. Po návrate do Ruska pokračuje Shishkin s dvojitou energiou. Podľa neho ruská povaha je o niekoľko stokrát vyšších ako európska krajina.

Ivan Shishkin pre jeho život napísal veľa úžasných obrazov: "Ráno v borovicovom lese", "prvý sneh", "borovica" a ďalšie. Dokonca aj smrť vypuknutia tohto maliara priamo za stánkom.

5. ISAAC LEVITAN

Tento veľký ruský majster krajiny sa narodil v Litve, ale celý život žil v Rusku. Opakovane mu jeho židovský pôvod spôsobil veľa poníženia, ale to neurobilo to urazenú túto krajinu, ktorú idolizoval a chválil v jeho maľbách.

Už prvá krajina Levitan dostali vysoké odhady Perov a Savrašov, a Treciakov sám si dokonca kúpil svoj obraz "jesenný deň v Sokolniki". Ale v roku 1879, Isaac Levitan, spolu so všetkými Židmi, vystavcami z Moskvy. Iba obrovské úsilie priateľov a učiteľov sa mu podarilo vrátiť do mesta.

V roku 1880, umelec napísal veľa úžasných obrazov, ktoré to veľmi slávne. Boli to "borovice", "jeseň" a "prvý sneh". Ale ďalšia poníženie prinútila autora opäť opustiť Moskvu a ísť na Krym. Na polostrove, umelec píše niekoľko úžasných diel a výrazne zlepšuje svoju finančnú podmienku. To mu umožňuje cestovať v Európe a zoznámiť sa s prácou svetových majstrov. Vertex tvorivosti Levitan sa stal jeho obrazom "nad večným regiónom".

6. Vasily tropinín

Úžasný osud bol medzi veľký ruský bielizeň-portrétista vasily tropinin. Narodil sa v rodine Fortress Count Markov v roku 1780 a len vo veku 47 rokov dostal právo byť slobodnou osobou. Ako dieťa bola pozorovaná tendencia na kreslenie pre malé vasily, ale počet ho dal na štúdium. Neskôr sa stále dáva Imperial Academy, kde prejavuje svoj talent v celej svojej kráse. Pre jeho portréty, "LA View" a "žobrák starý muž" Vasily Tropinin získal názov akademika.

7. Petrov-Vodkin Kuzma

Bohaté dedičstvo vo svetovom maľbe sa podarilo opustiť slávny ruský umelec Petrov-Vodkin. Narodil sa v roku 1878 v Hurlamski a na jeho mladých rokoch sa stal železničnou dopravou. Avšak, osud z neho urobil svetoznámy maliar.

8. Alexey Savrasov

Obrazy tohto ruského umelca boli už dobre predané, sotva mal 12 rokov. O niečo neskôr vstúpil do Moskvy maľby a okamžite sa stala jedným z najlepších učeníkov. Výlet na Ukrajinu pomohol Savrasov pred plánom dokončiť školu a získať titul umelca.

Obrázky "Kameň v lese" a "Moskva Kremlin" vyrobený z tohto maliara akademik o 24 rokov! Mladý talent sa zaujíma o kráľovskú rodinu a Tretyakovov sám nakupuje mnoho svojich diel pre medzinárodné výstavy. Medzi nimi boli "zima", "Graci letel", "Rasolota" a ďalšie.

Smrť dvoch dcér a následná rozvod silno ovplyvňuje Savrasov. Pije veľa a čoskoro zomrie v nemocnici pre chudobných.

9. ANDREI RUBLEV

Andrei Roblev je najslávnejší ruský maliar ikony. Narodil sa v XV storočí a zanechal za veľkým dedičstvom vo forme ikony "Trinity", "Zvestovanie", "krst Pána". Andrei Roblev spolu s Danielom Black zdobené freskami mnoho chrámov, a napísal ikony pre ikonostasis.

10. MIKHHAIL VRUBEL

Dokončil náš zoznam najslávnejších ruských umelcov Michail Vrubel, ktorý za svoj život vytvoril mnoho majstrovských diel v rôznych témach. On bol zapojený do maľby chrámu Kyjeva a neskôr v Moskve začal vytvoriť jeho slávnu sériu "démonických" obrazov. Kreatívne hádzanie tohto umelca nenašiel správne pochopenie svojich súčasníkov. Iba niekoľko desaťročí po smrti Michail Vrubel, udelil mu umelecký historici a Cirkev súhlasil s jeho interpretáciami biblických udalostí.

Bohužiaľ, osobný život umelca bol príčinou rozvoja vážnej formy duševných porúch. Rank akademika ho predbehol v dome za blázon, odkiaľ už nebol posudzovaný. Mikhail Vrubel sa však podarilo vytvoriť veľa úžasných umeleckých diel, ktoré sú hodné skutočného obdivu. Medzi nimi, to stojí najmä za zvýraznenie obrázkov "démon sedí", "Tsarevna-Swan" a "Faust".