V. Wyniki gitary w Rosji

Dodatkowy preformy program edukacji ogólnej w dziedzinie sztuki muzycznej "Folk Instruments" Gitara. Region tematu w str.00. Wariative Crab Do.03.up.Historia egzekucji na gitarze Cassic.Termin realizacji wynosi 1 rok. Program zawiera wszystkie niezbędne sekcje: Uwaga wyjaśniająca, zawartość przedmiotu badanego, program nauczania, wymogi dotyczące poziomu szkolenia uczniów, formularzy i metod kontroli, systemów oceny, metodyczne wsparcie procesu edukacyjnego, listy referencyjnej.

Ściągnij:

Zapowiedź:

Miejska instytucja edukacyjna budżetowa

dodatkowa edukacja dzieci

Szkoła Sztuki Dzieci P. Nowosawid

Dodatkowy prefektowanie

Program dodatowy w polu

Muzyka art.

"Folk Tools"

GITARA

Tematyka

Over.00. Wariative Crab

Do.03.up. Historia wykonania na gitarze Cassic

W przypadku rozwoju muzycznego w systemie dodatkowej edukacji dzieci szkół muzycznych dla dzieci i działów muzycznych

sztuki dziecięce

Kompilator: Bensman Vera Igorevna,

Wykładowca MBou Drish

P. Nowosavidovsky.

P. Nowosawid 2014.

Program zatwierdzony zatwierdzony

rada pedagogiczna ________________ Saperovi I.g.

Dyrektor Direrier MBou MBou Dod DShi

P. Novozavida n. Nowosawid,

Protokół nr 2 z 30.10.2014. Okręg Konakovsky.

Region Twer.

Kompilator: Wykładowca Bensman Vera Igorevna

Recenzent: Nauczyciel wyższej kategorii Bensman L.I.

1. Uwaga wyjaśniająca.

Charakterystyka przedmiotu edukacyjnego, jego miejsce i rola w procesie edukacyjnym;

Termin realizacji przedmiotu edukacyjnego;

Ilość czasów akademickich określonych przez program nauczania do realizacji wygenerowanego przedmiotu;

Forma klas kontroli szkoleniowych;

Cel i zadania tematu edukacyjnego;

Struktura programu tematyki szkoleniowej;

Metody nauczania;

Opis materiałów i warunków technicznych do wdrożenia przedmiotu edukacyjnego;

Informacje o kosztach czasu nauki;

Konspekt.

3. Wymagania dotyczące poziomu szkolenia studentów.

4. Formy i metody kontroli, system oceny:

Certyfikacja: cele, gatunki, kształt, treść; Egzamin końcowy;

Kryteria oceny.

5. Zgromadzenie zapewniające proces edukacyjny.

6. Odniesienia.

Notatka wyjaśniająca

Gitara jest jednym z popularnych instrumentów muzycznych stosowanych w profesjonalnych i w praktyce amatorskiej. Różnorodny repertuar gitarowy obejmuje muzykę różnych stylów i epok, w tym klasycznego, popularnego jazzu.

Gitara jest nie tylko akompaniamentem i solowym instrumentem muzycznym, jest to cały świat: wykonawcy, kompozytorów, aranżatorów, nauczycieli, mistrzów gitarowych, historycy, kolekcjonerów, entuzjastów, wielbiciele, gitarzyści - miłośnicy ... to przyzwoita część świata Kultura, której badanie będą zainteresowane wieloma.

Gitara była przeznaczona na muzykę, obrazy, piosenki, badania, prozę, nauczanie i master talent, dzieła historyczne, wersety. Była poświęcona podziwionemu linie M.yu. Lermontov:

Jakie dźwięki! Mustro Emalia.

Słodki brzmi mi.

Zapomniałem nieba, wieczności, ziemi,

Samego siebie ...

Charakterystyka przedmiotu edukacyjnego, jego miejsce i rola w procesie edukacyjnym;

W szkołach dziecięcych w dziedzinie sztuki, w procesie uczenia się uczniów departamentów instrumentalnych, nie jest wystarczająca uwaga, jest wpłacana dla najważniejszego składnika edukacji muzycznej jako historii wykonania instrumentalnego.

W lekcjach literatury muzycznej badana jest praca kompozytorów oraz o wykonawców - tylko wymienione. Bardzo mało oświetlony temat instrumentów ludowych, a zwłaszcza narzędzie gitarowe. Praca pozalekcyjna prowadzona przez nauczycieli, zróżnicowana i częściowo wypełnia tę wadę. Ale to nie wystarczy.

Uczenie się DEHS musi mieć bardziej obszerną i systematyczną wiedzę w historii rozwoju instrumentu i egzekucji muzycznej (szkoły krajowe i zagraniczne).

Wprowadzenie z zastrzeżeniem programu ogólnego rozwoju programów edukacyjnych DSHS ma znaczenie w obecnym etapie, w szczególności związanych z programami preferowanymi.

Przedmiot zakłada zasięg głównych etapów rozwoju narzędzia gitarowego, przegląd kreatywności wybitnych wykonawców, kompozytorów, zapoznania się z pracami muzycznymi stworzonymi do tego narzędzia, słuchając i oglądanie zapisów wykonawców na gitarze , Laureaci i konkursy konkurencji (w tym dla dzieci, młodzieży)

Temat "Historia zatrudnienia na gitarze klasycznej" jest zaproszona do wejścia do sekcji "Część wariatyczna" dodatkowego prefulatora ogólnego programu w dziedzinie sztuki muzycznej "Instrumental Art", "Folk Tools", "Gitara". Również temat można wprowadzić do programów nauczania ogólnych programów prowadzonych w danym dziecku.

Program autora przedmiotu edukacyjnego "Historia zatrudnienia na gitarze klasycznej" została opracowana na podstawie wymogów państwowych federalnych w celu uzyskania dodatkowego programu edukacji ogólnej w dziedzinie sztuki muzycznej. (2012) Program jest częścią programu nauczania wydajności instrumentalnej. Gitara "Folk Instruments".

W przygotowaniu programu stosowano materiały:

Edukacyjny i metodyczny kompleks "Istria Performance na instrumentach ludowych" Specjalnością 071301 "Kreatywność artystyczna". Opracowany przez Zhdanov Ta, profesor Departamentu Wózka orkiestrowego i instrumentów ludowych Akademii Kultury Tiumeńskiej Kultury i Sztuki oraz technologii społecznych. Tyumen, 2011.

Chupachina T.i. "Przebieg wykładów na temat historii wykonania na instrumentach ludowych". Omsk.2004.

Charles Dukkart "Szkoła Gitary".

Termin badania Temat:

Termin realizacji tego tematu wynosi 1 rok (35 tygodni)

Na 5 (6) czasu uczenia się - w klasie 5.

W 8 (9) czasu uczenia się - w klasie 8.

Ilość czasów akademickich określonych przez program nauczania:

Całkowite uwzględnienie obiektu badanego wynosi 70 godzin.

Spośród nich: 35 godzin - klasy audytu, 35 godzin - niezależna praca.

Liczba godzin na zajęcia audytu wynosi 1 godzinę tygodniowo.

Liczba godzin na niezależną pracę (obciążenie pozalekcyjne) wynosi 1 godzinę tygodniowo.

Forma prowadzenia klas audytu edukacyjnego.

Cele i zadania tematu edukacyjnego.

Temat "Historia zatrudnienia na gitarze klasycznej" jest integralną częścią przygotowania absolwenta DSHI w klasie gitary. Sztuka gitarowa jest częścią kultury świata artystycznej. Może być śledzony z głębokiej starożytności do dnia dzisiejszego i jest organicznie związany z kulturą instrumentalną repertuarową. Staje się jasno, jak szeroki zakres zagadnień obejmuje badanie historii egzekucji.

• Celem tego tematu jest pokazanie historycznej warunkowości i spójność rozwoju sztuki wykonania, zrozumienie procesu rozwoju i tworzenia narzędzia gitary; Zbadaj historyczne wzorce formacji i głównych cech repertuaru, cechy wykonawców na gitarze.
• Celem przedmiotu edukacyjnego jest również zapewnienie rozwoju umiejętności twórczych i indywidualności studentów, zrównoważonego zainteresowania niezależnymi działaniami w dziedzinie sztuki muzycznej.
• Wzrost od ucznia musi się nauczyć, badać, słuchać i analizować.
• Osiągnięcie poziomu edukacji, która pozwala absolwentowi niezależnie poruszać się w światowej kulturze muzycznej;

Cele przedmiotu:

• Jednym z głównych zadań studiowania tego tematu jest zachęcenie studentów do zrozumienia historii i teorii rozwoju instrumentu, gry, na której się uczą;
• Nabycie wiedzy w dziedzinie historii kultury muzycznej, rozszerzając artystyczny horyzont studentów, a także rozwój ich zdolności do poruszania się w różnych aspektach sztuki gitarowej, stylów muzycznych i kierunków.
• Wyposażenie systemu wiedzy, umiejętności i metod aktywności muzycznej, zapewniając swoją bazę całkowitą do dalszej niezależnej komunikacji z muzyką, muzyczną edukacją i samokształceniem.
• tworzenie najlepszych absolwentów świadomej motywacji do kontynuowania szkolenia zawodowego i przygotowuje je do egzaminów wstępnych w profesjonalnej instytucji edukacyjnej.

Struktury programu tematu szkolenia.

Problemy objęte w tym programie są brane pod uwagę w kontekście rozwoju sztuki gitarowej, biorąc pod uwagę zasadę historycyzmu i okresowością chronologiczną.

Program zawiera następujące sekcje:

Informacje o kosztach czasu nauki;

Konspekt;

Wymagania dotyczące poziomu szkolenia;

Formy i metody kontroli, systemu oceny, certyfikat końcowy;

Metodyczne wsparcie procesu edukacyjnego;

Zgodnie z tymi obszarami, główna sekcja programu "Zawartość obiektu szkolenia" jest budowana.

Metody nauczania.

Aby osiągnąć cel i wdrażanie celów obiektu, stosuje się następujące metody uczenia się:

Spałem: wykład, historia, rozmowa.

Włosiony: Pokaż, ilustracja, materiał do słuchania.

Praktyczne: Praca z materiałami audio i wideo. Pisanie raportów, abstrakty. Przygotowanie prezentacji.

Emocjonalne: artystyczne wrażenia.

Opis materiałów i warunków technicznych do wdrożenia przedmiotu edukacyjnego.

Zapewnienie nauczania tego tematu: dostępność publiczności odpowiadających standardom sanitarnym i wymaganiom bezpieczeństwa pożarowym. Komputer lub laptop, telewizor, centrum muzyczne, projektor multimedialny + ekran demonstracyjny - najlepiej. Zdjęcie, audio, materiały wideo o aktywnym zaangażowaniu zasobów internetowych.

Fundusz biblioteki jest wyposażony w wydrukowane, elektroniczne publikacje, literatura edukacyjna i metodyczna

Każdy uczeń ma dostęp do funduszy bibliotecznych i funduszy audio oraz wideo oraz wideo. Podczas niezależnej pracy uczniowie korzystają z Internetu do zbierania dodatkowego materiału na badaniu proponowanych tematów.

Informacje o kosztach czasu nauki;

Tabela 1

1. Tabela 2

Tabela 3.

1. Tabela 4.

KONSPEKT

3. Wymagania dotyczące poziomu szkolenia studentów.

Poziom szkolenia studentów jest wynikiem rozwoju programu szkolenia "Historia zatrudnienia na gitarze klasycznej", która wiąże się z tworzeniem następującej wiedzy, umiejętności, umiejętności, takich jak:

* Dostępność uczenia się zainteresowania historią egzekucji muzycznej;

* możliwość poruszania się w różnych aspektach sztuki gitarowej, stylów muzycznych i kierunków;

* uformowany kompleks wiedzy, umiejętności i umiejętności, umożliwiających ocenę, scharakteryzowanie słuchanej pracy, stylu i sposobu artysty;

* Wiedza, umożliwiając niezależnie korzystanie z zasobów internetowych.

* Absolwent powinien znać główne tematy kursu

4. Formy i metody kontroli, systemu oceny.

• Certyfikacja: cele, gatunki, kształt, treść;

Kryteria oceny;

Kontrola wiedzy, umiejętności, umiejętności uczenia się zapewnia zarządzanie operacyjne procesu uczenia się i wykonuje szkolenia, weryfikację, funkcje edukacyjne i naprawcze. Różnorodność form monitorowania wydajności studenckiej umożliwiają obiektywnie ocenianie sukcesu i jakości procesu edukacyjnego. Główne typy Superimp Sterowanie

"Historia wykonania na gitarze klasycznej" to: kontrola bieżąca, pośrednia certyfikacja. Egzamin końcowy.

Aktualna certyfikacja Jest przeprowadzany w celu kontrolowania jakości rozwoju sekcji materiałów edukacyjnych i ma na celu określenie postaw wobec przedmiotu, do odpowiedzialnej organizacji sesji krajowych i stymuluje. Obecna certyfikacja odbywa się w formie badania, rozmowy na temat przygotowanego motywu edukacyjnego, omawiając słuchane egzekucje. Możliwe są zadania kontrolne prądu w postaci testów, jak również quizy muzyczne.

Zajęcia w "Historia Wydajności instrumentalnej" są przeprowadzane w formie wykładu nauczyciela, rozmowy ze studentami na temat przygotowanego tematu, badanie studentów;

Świetne miejsce w pracy jest podawane przez ilustracje muzyczne, słuchanie, a także oglądanie odpowiednich materiałów. Zaleca się prowadzenie warsztatów na temat wybranych przez nauczyciela lub uczniów. Możliwe są zadania kontrolne prądu w postaci testów, jak również quizy muzyczne. W oparciu o wyniki bieżącej kontroli pochodzą czwarte oceny.

Certyfikacja pośrednia (Oferowane pod koniec pierwszej i drugiej połowy roku) określa sukces rozwoju studentów i stopnia rozwoju zadań edukacyjnych na tym etapie. Formy certyfikacji pośredniej: lekcje sterowania, świadectwa, raporty, abstrakty, prezentacje.

Egzamin końcowy

Podając ostateczną certyfikację, absolwent musi wykazać wiedzę, umiejętności i umiejętności zgodnie z wymaganiami oprogramowania. Formularze i treść ostatecznej certyfikacji na temat szkolenia "Historia zatrudnienia na gitarze klasycznej" ustanawia przez organizację niezależnie (w sugestii nauczyciela). Zalecane formy: stoisko z oceną lub egzaminem na piśmie lub ustne w formie odpowiedzi na przygotowane pytania.

W celu certyfikacji studentów tworzone są fundusze fundusze, które obejmują metody kontroli, które umożliwiają ocenę nabytych wiedzy, umiejętności i umiejętności.

Kryteria oceny

5 ("Doskonały");

4 ("dobry");

3 ("zadowalający).

Ocena - "niezadowalający" w tym temacie jest niepożądany, ponieważ niezależnie od poziomu rozwoju studentów, nauczyciel ma możliwość znalezienia indywidualnego podejścia do każdego ucznia i ujawnienie swoich zdolności twórczych.

5. Metodyczne wsparcie procesu edukacyjnego

Ten przedmiot prowadzi nauczyciel w klasie gitary.

Oczywiście nie możemy usłyszeć zapisów wielkich wykonawców przeszłości. Ta funkcja daje nam XX wieku. Możemy porozmawiać o tradycjach i ciągłości spełnienia muzyki różnych epok poprzez uczniów i zwolenników. (Na przykład: F.tarrega, Segovia, a.m.ivanov- Kramskaya, A. Frauchi ..........).

Formy przeprowadzania lekcji są zróżnicowane, ale z obowiązkowym włączeniem całej grupy. Wspólne słuchanie i oglądanie rekordów, zadania kreatywne - raporty, abstrakty, wrażenia słuchanych rekordów w klasie i niezależnie. Dostawa materiałów zapewnia: wykład nauczy nauczyciela słuchając i oglądanie materiałów audio i wideo; Wyniki specyficznej pracy domowej w ramach materiału badanego przez wszystkich studentów z kolejnymi dyskusjami. Świetne miejsce w pracy jest podawane przez ilustracje muzyczne, słuchanie, a także oglądanie odpowiednich materiałów.Dla nauczyciela ważne jest dokładne wybranie zróżnicowanego materiału muzycznego do słuchania i umieszczenia konkretnych zadań z celem: Aby uczyć stężenia uwagi, aby aktywować plotkę, myślenie, aby zwrócić uwagę na szczegóły, sposób wykonywania i przykład wykonania planu kompozytora przez wykonawcę. Rozwija także swój własny smak studentów i zmusza ich świadomie podejść do wykonania prac.

Zaleca się przeprowadzenie w formie seminariów, raportów, abstraktów, krótkich odniesień, które studenci mogą działać niezależnie za pomocą zasobów internetowych. A jako praca domowa studenci mogą słuchać pracy w różnych wersjach i dokonują analizy porównawczej słuchanej, tj. Wykonaj twórcze zadanie.

Również kreatywna forma pracy w tym kierunku jest joint Trips (jeśli istnieje taka szansa) studenci z nauczycielami, rodziców na koncerty muzyczne instrumentalne, a następnie dyskusję na lekcjach. (W naszej szkole takie wydarzenia są regularnie organizowane ze względu na dogodną lokalizację miejscowości do organizacji koncertowych Tver, Kholna, Moskwa. Przyjdź również do nas wykonawców z Tver)

Szkolenie nauczyciela i studiowanie zajęć zajmuje wspaniałe miejsce. Jest to czasochłonny i twórczy proces. Musisz ciężko pracować z materiałami tekstowymi, audio, wideo, zasobami internetowymi. Konieczne jest zachęcenie studentów przez co najmniej godzinę. Z regularnym niezależnymzajęcia pojawiają się rosnące zainteresowanie nie tylko do tego tematu, ale także potrzeba niezależnej pracy o kontekstowej pracy z gitarą specjalistyczną.

1. Averin V.a. Historia egzekucji na rosyjskich instrumentach ludowych. Krasnojarsk, 2002.
2. Agafoshin P.S. Nowa gitara. M.,
3. Bendery L. Strony historii wykonania na instrumentach ludowych. Sverdlovsk, 1983.
4. Weissboard K. Andres Segowia. M., Muzyka, 1980.
5. Weissboard M. Andrei Segovia i Gitara Sztuka XX wieku: Eseje życia i kreatywność. - m.: Ov. Kompozytor, 1989.- 208 e.: Il.
6. Weissboard M. Andrei Segovia. - M.: Muzyka, 1981. - 126с. Z Il.
7. Weissboard Ma. Andres Segovia i sztuka na gitarze XX wieku: eseje życia i kreatywność. M., 1989.
8. Peissboard. Andrei Segovia i Gitara Sztuka XX wieku. -M., Radziecki kompozytor, 1989.
9. Vasilenko S. strony wspomnień., M., L., 1948.
10. Vasilyev Yu. Shirokov A. Historie o rosyjskich instrumentach ludowych. M., Radziecki kompozytor, 1976.
11. Vertkov K. Rosyjskie instrumenty ludowe. L., Muzyka, 1975.
12. Merkov K., Grób G., Yarovitskaya E. Atlas instrumentów muzycznych ZSRR. M., 1975.
13. Vidal r.zh. Uwagi na temat gitary / za. Z ks. L. Beerekashvili. - m.: Muzyka, 1990.-32c.
14. Gitara Wolman bl .. M., Muzyka, 1972.
15. Wolman B. Gitara w Rosji. L., Muzgiz, 1980.
16. Wolman B. Gitara. 2. edycja. M., 1980.
17. Wolman B.L. Gitara w Rosji. L., 1961.
18. Wolman B.L. Gitara i gitarzyści. Esej historia gitary sześciowej. - L.: Muzyka, 1968.-188с.
19. Wolman. B.l.gitar w Rosji. L., Muzgiz, 1961.
20. VOLOS B.L. Gitara i gitarzyści. L., 1968.
21. VOLOS B.L. Gitara. M., 1972.
22. Kwestie metodologii i teorii egzekucji na instrumentach ludowych. Kolekcja artykułów, numer numer 2. Sverdlovsk, 1990.
23. Gazaryan S. w świecie instrumentów muzycznych. M., Oświecenie, 1985.
24. Gazaryan S. opowieść o gitarze. M., 1987.
25. Gazaryan S. opowieść o gitarze. Moskwa, 1988.
26. Herzman E. Bizantyjska muzyka. - L.: Muzyka, 1988. -256c.
27. Gitara i gitarzyści: miesięczny magazyn literacki - Grozny: M.Pinchenkov, 1925; № 1-11.
28. Gitara i gitarzyści: miesięczny dziennik literacki. - Grozny: M.Panchkov, 1925; № 11-12.
29. Gitara: Muzyczny almanach. - Vol. 1. M., 1986; Obłon. 2., 1990.
30. Gitarzysta: muzyka i dziennik literacki. - M., 1993. - №1; 1994. - №2; 1998. - №3; 1999. - №4; 2000. - №3; 2001. - №1,2,3,4; 2002. - №1,2,3,4; 2003. - №1,2,3,4; 2004. - №1.
31. Grigoriev G. Tirando. M., 1999.
32. Dmitrievsky Yu, Kolesnik S., Manilaov V. Gitara z bluesa do jazzowej skały.
33. Dukart o.n.zhurnal "gitarzysta" №1,1993; 4. - II - №2, 1994; 5. - II - №3, 1997; 6. - II - №1, 1998; 7. - II - №1, 1999; 8. - II - №1, 2002;
34. Ivanov M. Rosyjska siedmiokrotna gitara. M. - L., 1948
35. Ivanov M. Rosyjska siedmiokrotna gitara. M., L., MUZ MUSIG, 1948.
36. Ivanova-Kramskaya N.a. "Historia gitary, romans i piosenek".
37. Ilyukhin A. Materiały w trakcie historii i teorii egzekucji na rosyjskich instrumentach ludowych. Wydanie 1. M., 1969, wydanie 2. M., 1971.
38. sztuka, 2002. - 18 p.
39. Historia rosyjskiej radzieckiej muzyki. TT.1.2. M., 1959. Kiew, Muzichna Ukraina, 1986. - 96 p.
40. Klasa zespołu jazzowego. Przykładowy program dla specjalności 070109
41. Kuznetsov. Gitara w jazzie. // Muzeal Almanach. Wydanie 1. Gitara. M., 1989.
42. Larichev. .E.d.shestr Guitar. W SAT. "Muzyczny almanach", M.1, M., Muzyka, 1989.
43. MANILOV V.A. Twoja przyjaciółka na gitarze. Kijów: Muzyka. Ukraina, 2006. - 208С.: Il.
44. M.: Gitarzysta Afroeyev: magazyn muzyczny z Il., Uwagi. Arr. - 1905; №1-12.
45. M.: Gitarzysta Afroeyev: magazyn muzyczny z Il., Uwagi. Arr. - 1906; №1, Gitarzysta: Dziennik muzyczny z Il., Uwagi. Arr. ., 1999; №1- C16. Gitarzysta: magazyn muzyczny z IL., Uwagi. Arr. - 1999; №1- S.56-63., Gitarzysta: magazyn muzyczny z IL., Uwagi. Arr. - M., 2002; №1 - str.52-53.
46. M.: Toropov, gitara i mistrz: Magazyn muzyczny z Il., Uwagi. Ass. - 1999. M.: Gitarzysta Afroeev: Dziennik muzyczny z IL., Uwagi. Arr. - 1904; №1-12.
47. Mikhailenko N.P i Fan Tana "Podręcznik gitarzysty",
48. Mikhaylenko N.P. Metody nauczania gier na gitarze sześciowej. Kijów, 2003.
49. Mikhaylenko n.P.i Fam Din Tang. Katalog gitarzysty. Kijów, 1997.
50. Muzyka Almanac "Gitara". Wydanie.1, Moskwa "Muzyka", 1989.
51. Muzyka Almanac "Gitara". VOL.2, Moskwa "Muzyka", 1990.
52. szkoły muzyczne (SPECJALIZACJA POP). MIESZKA Orkiestra. - UFA, 2000. - z. 24-25.
53. "Sztuka muzyczna Estrada" Specjalizacja "Narzędzia Pop

Orkiestra. " - M., State Music School of Psare-Jazz Department

1. Oteugova T., Galbo A., Gurkov I. Narodziny instrumentów muzycznych. L., 1986.
2. Rapatskaya. L.A.Preodolian Guitar Stereotypes (Uwagi dotyczące pracy Igor Rehina). W czasopiśmie "Gitarzysta", № 3, 1997.
3. Rusanov V.a. Gitara i gitarzyści. VOL.2. M., 1901.
4. Sharnse. Sześć-strunowa gitara. Ze źródeł do dziś. M., Muzyka, 1991.
5. Shevchenko. Gitara Flamenco. Kijów, muzyka Ukraina, 1988.
6. Wiersz A.V Shiryalin o gitarze. -M., "Youth Estrada", Rhyme, 1994.
7. Shiryalin A.v. Wiersz o gitarze. M., 2000.
8. Evers R. Niektóre cechy nowoczesnej sztuki Guitar Art // Guitar Classical: Nowoczesne wykonanie i nauczanie: tez. II Międzynarodowy. naukowe badanie. . 12-13 kwietnia 2007 / Tabb. Stan Muz.-ped. W niej. S.v. Rachmaninova. - TamBov, 2007. - P. 3-6.
9. Ewolucja gitary opartej na analizie tradycyjnych i nowoczesnych gier szkolnych na gitarze
10. Gitarzysta encyklopedii. Harmonia w bluesach. Mińsk, 1998.
11. Zatwierdzić M.S. Klasyczna gitara w Rosji i ZSRR. Tyumen - Ekaterinburg, 1992 Holding of tom
12. Yablokova M.S. "Gitara klasyczna w Rosji i ZSRR"

Gitara występująca w Rosji ma swoją wyjątkową historię. Jednak w pracy Dike rozważymy tylko te strony, które są bezpośrednio związane z praktyką gry na gitarze siedmiokrotną i wpływają na funkcje leżące u podstaw formowania rosyjskiego stylu gitarowego.
Rosyjska szkoła gitarowa została złożona w tym okresie, gdy gitara klasyczna zadeklarowała już w Europie Zachodniej jako niezależny narzędzie do koncertu. Lubiła się specjalnie popularna we Włoszech. Hiszpania. Pojawiła się wiele wykonawców i kompozytorów. Tworzenie nowego, który stał się klasycznym repertuarem. Najbardziej znany z nich jest. Aguado. M. Juliani. F. Karully, M.Karkassi. Później, takich wspaniałych muzyków, jak Franz Schubert, Niccolo Paganini, Karl Weber, a inni napisano również do Piara.

Główna różnica między gitarą rosyjską z klasycznego w Europie, liczba ciągów (siedem, a nie sześć) i zasada ich konfiguracji stała się klasyczna. To była kwestia budynku, która była zawsze kamieniem węgielnym w wiecznej kontrowersji na temat zalet sześcio-siedmiakrężnej gitary. Zrozumienie szczególnego znaczenia tego problemu uważamy, że konieczne jest powrót do tematu pochodzenia gitary siedmiokrętowej i wyglądu go w Rosji.
Pod koniec XVIII wieku. W Europie było kilka rodzajów gitary różnych wzorów, rozmiarów, o różnych ilościach ciąży i wiele sposobów na skonfigurowanie ich ustawień (wystarczy wspomnieć, że liczba ciągów wahała się od pięciu do dwunastu). Duża grupa gitar w połączeniu z zasady dostosowania strun w kwartach z jedną główną polityką w środku (dla wygody zadzwonimy do tego systemu Quarthouse). Te narzędzia były rozpowszechnione we Włoszech. Hiszpania. Francja.
W Wielkiej Brytanii, Niemczech, Portugalii i Europie Środkowej, była grupa instrumentów o gazowym systemie, w którym, podczas ustawiania strun głosowych przewaga została przyznana do końcówek (na przykład, dwa duże Tercinę rozdzielono przez kwartych).
Oba te grupy narzędziowe zjednoczeni, co muzyka napisana dla tego samego budynku może być wykonana przy użyciu małego układu na narzędzia innego budynku.
Dla nas interes gitary z czterema podwójnymi strunami, które pochodzą z Anglii do Europy, a z Europy do Rosji (Petersburg). System tego gitary miał dwa typy: Quart i Terry. Ten ostatni różnił się od siedmiu czasu rosyjskiej gitary z wymiarami (była znacznie mniejsza), ale praktycznie przewidywali zasady ustalania na rozwiniętym znacznikowym trzeźwym (G, E, C, G, F, C, G). Ten fakt jest dla nas bardzo ważny.

Brak historycznych certyfikatów transformacji korpusu gitarowego, jego wielkość i ogólny łańcuch menzure umożliwia przyjęcie ich opcji rozwoju. Najprawdopodobniej wymiarami gitarowej Guita zostały wykonane przez wygodę gry, a napięcie ciągów, ich ustawienie, odpowiadały tessurom głosu śpiewu. Być może ulepszenia doprowadziły do \u200b\u200bwzrostu obudowy, zastępując strażnicze metalowe do opieki, zatem zmniejszenie "zaufania dźwięku", poślizganie się "generalnego budynku w dół.
Nie ma wiarygodnych informacji potwierdzających, że to była ta gitara, która służyła jako prototyp rosyjskiego "Sevencrews", ale ich związek jest oczywisty. Historia podmiotów gitarowych w Rosji wiąże się z wyglądem podczas panowania Catherine Great (1780-90) obcych gitarzystów, którzy grali w Gitar Terchan i Kwarty. Wśród nich Giuseppe Sarti, Jean-Batist Gengeteza. Istnieją publikacje sztuk dla gitary 5-6 string, magazyny gitarowe.
Ignatz von Held (Ignatius von Göld) Pierwszy publikuje korzyści o nazwie "Łatwa metoda gry szkoleniowej na ciężkiej gitarze bez nauczyciela". Niestety, nie został zachowany przez jedną kopię tej pierwszej rosyjskiej szkoły grającego na gitarze, a także informacje o metodzie nauczania jej autora, o rodzaju gitary, metody jego ustawienia. Istnieją tylko dowody współczesnych. Geld był wspaniałym wykonawcą na gitarze angielskiej.
Ale stałem się Moskwą pod koniec XVIII wieku w późnym XVIII wieku, prawdziwy założyciel rosyjskiej szkoły gitary. Wykształcony muzyk, wspaniały harfista Andrei Osipovich Sira. To był ten, który wprowadził do praktycznego musituzji siedmiuście gitary z rutynową d, h, g, d, h, g, d, dla której nazwa została następnie stała - rosyjska.

Nie możemy wiedzieć, ile A. Sihra znalazł europejskie eksperymenty, aby stworzyć gitarę z różnymi ilościami strun i sposobów na ich skonfigurowanie, niezależnie od tego, czy cieszy się ich wynikami w pracy na "poprawie" (ale jego własnym wyrazem) klasycznych sześciu gitara strunowa. To nie jest tak istotne.
Ważne jest, aby A. Sira. Będąc gorącym fanem Executive Guitar, genialny nauczyciela i kompetentny popularyzator jego pomysłów, pozostawił jasny ślad w historii rozwoju rosyjskiego wykonania instrumentalnego. Korzystając z najlepszych osiągnięć klasycznej hiszpańskiej szkoły gitarowej, opracował metodę nauki gry na gitarze siedmiokrota, prezentując ją później wydaną w 1832 i 1840 roku. "Szkoła". Korzystanie z klasycznych kształtów i gatunków. Sihra stworzyła nowy repertuar specjalnie dla gitary rosyjskiej i wychowała genialną gardę uczniów.

Dzięki działalności AO SIRARA i jego towarzyszy, siedmiak terenowa gitara nabyła niezwykłą popularność wśród przedstawicieli różnych klas: była zafascynowana przez rosyjską inteligencję i przedstawiciele klas średnich, muzyków i kochanków i miłośników muzyków domowych byli traktowani : Współcześni zaczęły związać go z najważniejszą muzyką ludową rosyjską. Opis uroczego dźwięku gitary z siedmiurerainowej można znaleźć w filcowych rzędach Puszkina. LERMONTOV, TURGENEV. Czechow, Tolstoy i wielu innych poetów i pisarzy. Gitara zaczęła postrzegać jako naturalną część rosyjskiej kultury muzycznej.
Przypomnijmy, że gitara A. Sihera pojawiła się w Rosji w warunkach, gdy siedmiakolona gitara nie widziała prawie wszędzie, nie można go kupić go ani w sklepach, bez manier. Teraz możesz być zaskoczony, jak szybko (w ciągu 2-3 dekad) tych mistrzów, wśród których były największe Treble, byli w stanie ustalić produkcję rosyjskiej gitary. To jest Ivan Batov, Ivan Archusen. Ivan Krasnashkov. Jedną z najlepszych była gitara Wiedeńskiego Mistrza I. Szerecznika. Według świadectwa współczesnych gitary F. Savitsky, Eoshkin, F. Persubski, była wyraźna indywidualność. Ale teraz nie zatrzymamy się tego, ponieważ zasługuje na osobną rozmowę.

Krajowy smak gitary z siedmiu-terenowym otrzymał ustalenia zapisane dla niej na tematy rosyjskich piosenek ludowych. "Wpływ muzyki ludzi na sztukę muzyczną rozpocznie się oczywiście część tradycji wielu narodów. Jednak w Rosji muzyka ludowa stada jest przedmiotem najbardziej szalonego hobby ludzi z własną muzyką, może jedną z najbardziej niezwykłych ruchów rosyjskiej duszy ".
Sprawiedliwość ze względu na wyzwanie. Że dzieła A. Sherera na rosyjskich tematach zostały napisane w stylu klasycznych odmian i nie miały takiego charakterystycznego, czystego rosyjskiego koloru, który odróżnia układy innych rosyjskich gitarzystów. W szczególności Mikhail Timofeevich Vysotsky, Michofeevich Vysotsky, Michaila Timofeevich Vysotsky, stworzył ogromny wkład w kształtowanie rosyjskiej szkoły gitarowej jako oryginalnego zjawiska narodowego - twórcy licznych eseju na tematy rosyjskie piosenki ludowe. M. Vysotsky dorastał w C, Ochakovo (12 km od Moskwy) w posiadłości Poet M. Heraskov, rektor Uniwersytetu Moskwy, w atmosferze miłości i starannej stosunku do rosyjskich tradycyjnych tradycji. Chłopiec może słuchać wspaniałych śpiewaków ludowych, biorąc udział w obrzędach ludowych. Będąc synem serfa. Misha mogła zdobyć wykształcenie, uczestnicząc tylko w kolekcjach kreatywnych inteligencji i domu żydowskich, słuchania wierszy, sporów, improwizowanych występów wykształconych gości.

Wśród nich był główny nauczyciel M. Vysotsky - Semen Nikolayevich Aksenov. Zauważył prezentę chłopca i zaczął dać mu lekcje gry na gitarze rosyjskiej. I chociaż klasy te nie noszą systematycznego natury, chłopiec miał znaczący postęp. To dzięki wysiłkom S. Aksenov M. Vysotsky w 1813 roku otrzymały bezpłatnie i przeniósł się do Moskwy do dalszego szkolenia. Później znaczącą pomoc w rozwoju dyscyplin muzycznych i teoretycznych zapewniła Vysotsky słynny muzyk, kompozytora A. Dubyuk.

M. Vysotsky stał się wspaniałym gitarzystą - improwizatorem, kompozytorem. Wkrótce sława niezrównanego gitarzysty - przyszła do niego wirtuoz. Według świadectw współczesnych gra Vysotsky uderzyła nie na niezwykłą technikę jego, ale jego inspiracji, bogactwa muzycznego fantazji. On, jak to było połączone z gitarą: była ekspresyjnym człowiekiem jego mentalnego nastroju, jego myśli.
W ten sposób gra Vysotsky'ego jego studenta i jego kolegi Gitarzysta I. E. Lyakhov: - Jego gra była niezrozumiała, nieopisana i pozostawiła takie wrażenie, które nie mogły przejść żadnych notatek i słów. Oto skarga, delikatnie, niestety zabrzmiał przed wampioną piosenki prosto; Little Fermato - a jakby wszystko przemówiła do niej w odpowiedzi: mówią, wzdychając, bas, odpowiadają one płacząc głosów o daleni, a cały ten refren jest pokryty bogatymi akordami pojednania; Ale tutaj są dźwięki, jak zmęczone umysły, idą w parzyste triody, temat prawie znika, jakby piosenkarz pomyślał o czymś innym; Ale nie, znowu wraca do tematu, do swojej Dumy, a ona brzmi uroczyste i płynnie, poruszając się w modlitwie Adagio. Słyszysz rosyjski pies ", wzniesiony w świętych (nagłe. Wszystko jest tak piękne i naturalnie, tak głęboko szczere i musical, jak rzadko spotkasz się w innych kompozycjach na rosyjskich piosenkach. Tutaj nie pamiętasz nic takiego: wszystko jest nowe i oryginał. Przed nami jest inspirowanym rosyjskim muzykiem, przed tobą - Vysotsky.

Charakterystyczną cechą kreatywności Vysotsky był wsparcie dla potężnych warstw rosyjskiej piosenki ludowej i częściowo instrumentalnej kreatywności. To było to, co określiło rozwój rosyjskiej szkoły gitarowej, jej gałęzi Moskwy. M. Vysotsky, może być w mniejszym stopniu zaangażowany w systematyzację zaleceń dotyczących nauki gry na gitarze siedmiokrotnej, chociaż dał dużą liczbę lekcji. Ale w swojej pracy rosyjska siedmiokrotna gitara była naprawdę krajowym instrumentem ze specjalnym repertuarem, specjalnymi technikami technicznymi i wyróżnieniami stylistycznymi, spełniającym wzorce rozwoju w formach muzycznych (mamy na myśli relację poetyckiej zawartości Piosenka z procesem wariantu rozwoju w składzie muzycznym). W tym względzie M. Vysotsky dla nas. Prawdopodobnie jest najważniejszą postacią rosyjskich podmiotów gitarowych. W swojej pracy znajduje się podstawa oryginalnej gry w grze, a zasada uzyskiwania melodycznego dźwięku i przyjęć związanych z nim są wskazane. Ale o tej rozmowie pójdzie później.

Zatem, z nazwami A. Sihera i M. Vysotsky, a także najlepsi studenci, pojawienie się oryginalnej szkoły gitarowej w Rosji.
Podsumowując, chciałbym powiedzieć, że powszechna gitara w Rosji w krótkim okresie historycznym nie może być wypadkiem. Jest to raczej dobry dowód na nalegielnie instrumentu. Jest wystarczająco dużo powodu, aby być dumnym z osiągnięć rosyjskiej szkoły gitarowej. Można jednak stwierdzić, że nie znamy całej prawdy o twoim instrumencie i dziedzictwie stworzonym dla niego. Ważne jest, aby dzisiaj wiedzieć i rozumieć, gdy prawie wszystko jest zniszczone przed fundamentem niż Rosja była dumna w przeszłości, a w zamian nic nie stworzył. Może nadszedł czas, aby odwrócić się do rosyjskiego dziedzictwa gitary?! Sprawia, że \u200b\u200bzwiązki, techniki i repertuar ludzi edukacyjnych ich czasu. Oto kilka nazw: M. Stakhovich-Dvolyanin, historyk, pisarz; A. Golikov - Szlachcica, przepraszam rejestrator; V. Sarenko - Lekarz Nauk Medycznych; F. Zimmerman - Szlachcica, właściciel ziemski; I. Makarov - właściciel ziemski, główny bibliograf; V. Morkov - Szlachcica, ważny doradca statystyki: V. Rusanov - Szlachada, dyrygent, wybitny edytor.

Wyślij dobrą pracę w bazie wiedzy jest proste. Użyj poniższego formularza

Studenci, studiach studentów, młodych naukowców, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich badaniach i pracach, będą ci bardzo wdzięczni.

Wysłane przez http://www.allbest.ru/

Wysłane przez http://www.allbest.ru/

Ministerstwo Kultury Ukrainy

Kharkiv State Academy of Culture

w celu dopuszczenia do szkolenia w celu uzyskania kroku "Master"

Sztuka gitary jako historyczna fenomen kultury muzycznej

Pihulu Taras Olegovich.

Charkow 2015.

Plan

Wprowadzenie

1. Wymagania wstępne do formacji i rozwoju gry na gitarze klasycznej

1.1 Historia powstania, rozwoju i poprawy gitary

1.2 Formacja sztuki gitarowej w ZSRR i Rosji

2. Historia powstania i ewolucji kierunków pop-jazzowych w sztuce

2.1 Odmiany gitar używanych w sztuce pop-jazzowej

2.2 Główne kierunki wydajności pop-jazzowej 60-70.

Bibliografia

Wkonserwacja

Sztuka muzyczna XX wieku. Rozwinęły się szybko i szybko. Głównymi cechami cechami tego rozwoju były asymilacja różnych stylów i kierunków, krystalizacja nowego języka muzycznego, nowe zasady składu, tworzenia, tworzenia różnych platform estetycznych. W tym procesie, nie tylko kompozytorzy, wykonawcy, historycy sztuki, ale także miliony słuchaczy, dla których są również tworzone przez prace muzyczne, są zaangażowane w ten proces.

Znaczenie tematycznego wynika z uwzględnienia klasycznej i pop-jazzowej muzyki instrumentalnej z punktu widzenia ewolucyjnego rozwoju sztuki gitarowej, czyli tworzenie nowych gatunków i trendów.

Celem badania jest uwzględnienie klasycznej i pop-jazzowej muzyki instrumentalnej. Ich wpływ na tworzenie nowych stylów, wykonywania umiejętności i kultury gitarowej jako całości.

Zadania badawcze:

1) Rozważ historię powstania, rozwoju i tworzenia kultury gitarowej w Europie, Rosji, ZSRR.

2) Rozważ początki, pochodzenie i formację nowych stylów w sztuce pop-jazzowej.

Przedmiotem badań jest tworzenie muzyki instrumentalnej klasycznej i pop-jazzowej.

Podstawa metodologiczna metody pracy analizy intonacji, zorientowana na jedność muzycznej i mowy rozpoczęła się jako podstawa europejskich, afrykańskich i rosyjskich tradycji artystycznych.

Nowość naukową pracy jest to, że praca prowadzona jest w pracach tworzenia i ewolucji sztuki gitarowej i jego wpływ na tworzenie kultury gitarowej.

Praktyczna wartość pracy polega na możliwości wykorzystania swoich materiałów w procesie studiowania historycznych i teoretycznych dyscyplin muzycznych.

1. Wymagania wstępne.tworzenieirozwójgrynaklasycznygitara.

1.1 Historia powstania, rozwoju i poprawy gitary

Historia powstania, rozwoju i poprawy tego instrumentu muzycznego jest tak niesamowita i tajemnicza, że \u200b\u200braczej przypomina ekscytujący detektyw. Pierwsze informacje o gitarze odnoszą się do głębokiej starożytności. Na egipskich pomnikach tysięcy lat znaleziono obrazy instrumentu muzycznego - "nabilla", pojawienie się gitary przypominającej. Gitara została dystrybuowana w Azji, która potwierdzi obrazy na zabytkach architektonicznych Asyrii, Babilonu i Fenicia. W XIII wieku Arabowie przynoszą go do Hiszpanii, gdzie wkrótce dostała pełne uznanie. W późnym XV wieku, bogate rodziny Hiszpanii zaczynają konkurować między sobą na patroncie nauki i sztuki. Gitara jest wraz z lutnymi, a inne narzędzia dociskowe stają się ulubionym narzędziem na dziedzińców. W życiu kulturalnym Hiszpanii, począwszy od XVI wieku, liczne stowarzyszenia, akademia, kółko i spotkania - "Salony" regularnie odgrywa dużą rolę. Od tego samego czasu pasja narzędzi hydraulicznych przenika do szerokich mas, tworzą specjalną literaturę muzyczną. Nazwiska kompozytorów reprezentujących, które stanowią długie pasek: Mediolan, Corbetto, Fuenillaan, Marin-I-Garcia, Sanz i wiele innych.

Mając wielki sposób rozwoju, gitara przyjęła nowoczesny wygląd. Do XVIII wieku było mniejsze, a jej ciało było dość wąskie i wydłużone. Początkowo zainstalowano pięć strun skonfigurowanych przez kwarty na narzędzia, jak na zapaleniu. Później gitara stała się sześcioma ciągami, z systemem wygodniejszym dla gry w otwartych pozycjach, aby uzyskać pełniejsze korzystanie z dźwięku otwartego ciągu. Tak więc przez środek XIX, gitara zdobyła ostateczną formę. Wyglądało na sześć strun z budynkiem: MI, SI, Salt, Re La, MI.

Gitara wygrała dużą popularność w Europie i został przywieziony do krajów Ameryki Północnej i Południowej. Co wyjaśnia takiej szerokiej gitarze? Najważniejsze jest to, że ma wielkie możliwości: można go odtwarzać solo, towarzyszyć głosowi, skrzypiec, wiolonczeli, flecie, można go znaleźć w różnych orkiestrach i zespołach. Małe wymiary i możliwość łatwego ruchu w przestrzeni i, co najważniejsze, niezwykle śpiewaków, głębokie, a jednocześnie przezroczysty dźwięk - uzasadnia miłość tego uniwersalnego instrumentu muzycznego z szeroką gamą wielbicieli od romantycznych turystów do profesjonalnych muzyków.

Pod koniec XVIII wieku kompozytorzy i wirtuozos pojawiają się w Hiszpanii

F. SOR i D. Aguado, w tym samym czasie we Włoszech - M. Juliani. L. Lenini, F. Karully, M. Carcassi i inni. Tworzą bogaty repertuar koncertowy na gitarę, począwszy od małych sztuk i kończących z sonatopami i koncertami z orkiestrą, a także wspaniałą "szkołą szkołą szkolną", rozległą repertuar nauczania i konstruktywną. Chociaż od momentu pierwszych publikacji tej literatury pedagogicznej przeszedł prawie dwieście lat, jest nadal cennym dziedzictwem dla nauczycieli, a dla studentów.

Kompozytor SOR z ogromnymi koncertami sukcesów w miastach Europy Zachodniej i Rosji. Jego balety "Kopciuszek", "Lubcheli jako malarz", "Hercules i Omfal", a także opera "Telemakh" wytrzymują wiele pomysłów na sceny Petersburga, Moskwy i głównych miast w Europie Zachodniej. Styl polifoniczny, najbogatsza fantazja i głębokość treści charakteryzują kreatywność Sora. Jest to wykształcony muzyk kompozytora, gitarzysta wirtuozowy, uderzający w głębi jego wydajności i blasku. Jego pisma mocno wszedł do repertuaru gitarzyści. Włoski Juliani jest jednym z założycieli Włoskiej Szkoły Guitarowej. Był genialnym gitarzystą, a także doskonale własnością skrzypiec. Kiedy w 1813 r. W Wiedniu siódma Symfonia Beethovena pod kontrolą autora, Juliani wzięło udział w egzekucji jako skrzypek. Beethoven bardzo docenił Juliani jako kompozytor i muzyk. Jego Sonata, koncerty z orkiestrą są wykonywane przez nowoczesnych gitarzystów, a literatura pedagogiczna jest cennym dziedzictwem dla nauczycieli i dla studentów.

Szczególnie chciałbym pozostać na najbardziej znanych i najczęściej opublikowanych w naszym kraju "Szkoła Gry na gitarze sześcio-ulicy" słynnego nauczyciela włoskiego nauczyciela, kompozytora M. Carcassi. W przedmowach do "szkoły" autor mówi: "... Nie miałem zamiaru pisać pracę naukową. Chciałem tylko zrobić bardziej łatwą gitarę, wykupując plan, który mógłby pozwolić Ci uzyskać bardziej zapoznanie się ze wszystkimi funkcjami tego narzędzia. " W przypadku tych słów jasne jest jasne, że M. Carcassi nie ustawił sobie zadania stworzenia uniwersalnego zasiłku nauk gitarowy i jest mało prawdopodobne możliwe. W "szkole" wielu cennych instrukcji na temat techniki lewej i prawej ręki, różne charakterystyczne praktyki gitary gry, gry w różnych pozycjach i tonetach. Przykłady muzyczne i bawiące są konsekwentnie, w kolejności rosnących trudności, są napisane z wielkim opanowaniem kompozytora i nauczyciela i nadal stanowią wiele wartości jako materiał szkoleniowy.

Chociaż z nowoczesnego punktu widzenia ta "szkoła" ma wiele poważnych wad. Na przykład jest to znacznie wypłacane do tak ważnego przyjęcia ropy gry, jak apanyandzko (gra z wsparciem); język muzyczny oparty na muzyce z zachodniej europejskiej tradycji XVIII wieku, nieco monotonny; Rozwój zastosowania, Melody Harmoniczne myślenie jest praktycznie nie dotknięte, rozmawiamy tylko o prawidłowym rozmieszczeniu palców lewej i prawej strony, co pozwala osiągnąć zgodę na wiele trudności technicznych wydajności, ulepszonego dźwięku, fraz itd.

W drugiej połowie XIX wieku, w historii gitary pojawiła się nowa jasna nazwa hiszpańskiego kompozytora, solista-wirtuozowego i nauczyciela Francisco Tarrega. Tworzy swój styl literowy. W jego rękach gitara zamienia się w małą orkiestrę.

Praca wykonawcza tego wspaniałego muzyka miała wpływ na pracę swoich przyjaciół - kompozytorów: Albehenis, Greados, De Fali i innych. W ich fortepianie dzieje często słyszysz gitara imitację. Słabe zdrowie nie dały możliwości Tarrega na koncert, więc poświęcił się działalności pedagogiczną. Możemy bezpiecznie powiedzieć, że Tarrega stworzyła swoją szkołę gier gier. Jego najlepsi studenci obejmują szrodki Miguelskie, Emelio Pukhol, Dominiko Prat, Daniel Fortua, Ilarion Leback i inne znane koncerty. Do tej pory "Szkoły" E. Pukhol, D. Fortea, D. Prata, I. Leback, I. Arenza i P. Rocha, na podstawie metody treningu Tarrega. Przeczytaj więcej. Rozważ tę metodę przy użyciu przykładu School of Games na sześciu silnej gitarze. Słynny hiszpański gitarzysta, nauczyciel i muzykolog E. Poohol. Charakterystyczną cechą "szkoły" jest hojną, szczegółową prezentacją wszystkich głównych "tajemnic" wydajności na gitarze klasycznej. Najbardziej pożądane kwestie technik gitarowych są starannie rozwijane: pozycja rąk, narzędzia, metody usuwania dźwięku, techniki gier itp. Sekwencja lokalizacji materiału przyczynia się do systematycznego szkolenia technicznego i artystycznego gitarzystę. "Szkoła" jest całkowicie zbudowana na oryginalnym materiale muzycznym: Prawie wszystkie eteryki i ćwiczenia są składane przez autora (biorąc pod uwagę technikę F. Tarrega) specjalnie dla odpowiednich sekcji.

Szczególnie cenne jest to, że w tej publikacji edukacyjnej nie tylko szczegółowe trudności z grą na gitarze, ale także opisuje szczegółowo sposoby ich przezwyciężenia. W szczególności wiele uwagi jest wypłacana problemem przy użyciu prawidłowego zastosowania podczas odtwarzania po prawej i lewej ręce, a przyjęcia gry w różnych pozycjach, różne ruchy, przesunięcie lewej ręki, która z pewnością przyczynia się do Rozwój myślenia brodzenia. Skuteczność "szkoły" jest potwierdzona w szczególności praktyka jego stosowania w wielu instytucjach edukacyjnych naszego kraju, Europy i Ameryki.

Kreatywna aktywność największego hiszpańskiego gitarzysty XX wieku miała ogromne znaczenie dla rozwoju świata na gitarze. Andres Segovia. Wyjątkowe znaczenie jego roli w historii rozwoju instrumentu było nie tylko jego wykonywanie i pedagogiczne randki, ale także zdolność organizatora i propagandy. Badacz M. Weissboard pisze: "... Aby zatwierdzić gitarę jako narzędzie koncertowe, brakowało mu tego, co posiadało, na przykład pianino lub skrzypce - wysoce artystyczny repertuar. Historyczne zasługa Andres Segovii i składa się przede wszystkim w tworzeniu takiego repertuaru ... ". I dalej: "Dla Segovii zaczęli pisać M. Ponce (Meksyk), M.K. Tedesco (Włochy), J. Iber, A. Russel (Francja) K. Pedrel (Argentyna), A. Tancel (Polska) i D. Drart (Anglia), R. Smith (Szwecja) ... ". Z tego małego i daleko z pełnej listy kompozytorów jasne jest, że dzięki A. Segovii, że geografia profesjonalnych pism na gitarę klasyczną była szybko rozszerzona, a w czasie, to narzędzie zwróciło uwagę na wielu wybitnych artystów - e . Vila Lobos, B. Britten. Z drugiej strony istnieją całe konstelacje utalentowanych kompozytorów, które są jednocześnie profesjonalnymi wykonawcami - A. Barrios, L. Brater, R. Dieens, N. Koshkin itp.

1. 2 Tworzeniegitariusze.sztukawZSRR.iRosja

Dziś pomyślnie zwiedziłem wiele krajów świata, w tym ZSRR (1926 i 1935, 1936) odwiedził cztery razy (1926 i 1935). Kompozytorzy: Turyn, Toroba, Tansman, Castelnovo-Tedesco i inni kompozytorzy. Segovia odbyła wiele spotkań z radziecmi gitarzystami, których pytania, które odpowiedział. W rozmowach o sprzęcie Georgian Game Game, Segovia wskazała szczególne znaczenie nie tylko obchodzenia się z rąk, ale także właściwego korzystania z aplikacji. Gitara pozostała jasny szlak w sztuce muzycznej Rosji. Academic Ya. Shanin, który mieszkał w Moskwie od 1735 do 1785 r., Napisał, że gitara w Rosji rozprzestrzeniła się powoli, ale wraz z pojawieniem się Tsani De Ferrranti Guitar, F. Sora, M. Giuliani i inni to narzędzie podbijają sympatie i uzyskuje się szeroko rozpowszechnione .

Pozyskiwanie w Rosji Od drugiej połowy XVIII wieku oryginalna siedmiokrotna różnorodność z ustawianiem dźwięków soli-major trzeźwy i podwoił się przez dolny ciąg, gitara okazała się optymalnie istotna dla akompaniamentu sądowego Piosenka miejska i romans.

Prawdziwe kwitnące profesjonalnej egzekucji na tym instrumencie zaczyna się dzięki twórczej aktywności wybitnego nauczyciela-gitarzysty Andrei Osipovich Sirra (1773-1850). Będąc na formacji harfisty, poświęcił całe życie w promowaniu gitary z siedmiakolatury - był zaangażowany w zajęcia koncertowe w swojej młodości, a następnie pedagogikę i oświecenie. W 1802 roku "Magazyn na siedmiak-terenowy gitarę A. Sherery" zaczął publikować w Petersburgu z zabiegami na rosyjskie piosenki ludowe, aranżacje klasyki muzycznej. W następnych dziesięcioleciach do 1838 r. Muzyk publikuje wiele podobnych czasopism, które przyczyniły się do znacznego wzrostu popularności instrumentu, a.o. Sihra wywołała ogromną liczbę studentów, stymulując swoje zainteresowanie kompozycją muzyki na gitarze, w szczególności odmian na tematy melodii piosenek ludzi. Najbardziej znany od uczniów - S.N. Aksenov, V.I. Morkov, vs. Sarenko, F.M. Zimmerman i inni - pozostawili wiele sztuk i zabiegów na rosyjskie piosenki. Michaił Timofeevich Vysotsky (1791-1837) miał ogromne znaczenie w formacji zawodowej i akademickiej rosyjskiej gitary. Pierwszy, który przedstawił go na gitarze, był S.N. Aksenov, również został jego mentorem.

Od około 1813 Nazwa M.t. Vysotsky stał się szeroko popularny. Jego gra wyróżniała się charakterystycznym stylem improwizacyjnym, dzielny lot kreatywnej fantazji w różnym tle Melodie piosenki Ludowej. M.t. Vysotsky - przedstawiciel improwizacyjnego sposobu słuchowego egzekucji - w tym jest blisko tradycyjnego rosyjskiego ludowego Musice. Dużo można powiedzieć i o innych przedstawicielach rosyjskich podmiotów gitarowych, którzy przyczynili się do rozwoju Krajowej Szkoły Wykonawczej, ale jest to osobny czas. Prawdziwej Rosyjskiej Szkoła wyróżniała się takimi cechami: jasność artykulacji, pięknego tonu muzycznego, orientację możliwości melodycznych instrumentu i tworzenie konkretnego repertuaru, pod wieloma względami unikalnej, progresywnej metody korzystania ze specjalnego opłacia "Półki", próbki i kątnicy, które ujawniają możliwości instrumentu.

System gry instrumentu obejmował grę funkcji muzycznych, intonacji i ich odwołach, które zostały zapamiętane oddzielnie w każdej tonalności i miał nieprzewidywalny ruch głosów. Często niektóre takie sklasyfikowane, melodia-harmoniczne "puste" były zazdrośnie martwione i przekazywały tylko najlepszych uczniów. Improwizacja nie była specjalnie badana, była to konsekwencja wspólnej bazy technicznej, a dobry gitarzysta wiedział, jak łączyć znane wewnętrzne piosenki z sekwencją harmonizującą. Zestaw różnych kadów często otoczył muzyczny frazę i dał rodzaj malowania tkaniny muzycznej. Podobna metoda treningu zdawała się być czysto rosyjskiemu odkryciem i nigdzie w tym czasie znaleziono. Niestety tradycja rosyjskiej gitary działającej stuleci XVIII-XIX. Były niesprawiedliwie zapomniane, a tylko dzięki wysiłkom entuzjastów, stanowisko spraw w tym kierunku zmienia się na lepsze.

Sztuka gitarowa rozwinęła się w czasach sowieckich, chociaż postawa władzy rozwoju tego instrumentu muzycznego była, aby umieścić go lekko, fajnie. Trudno jest przecenić rolę wybitnego nauczyciela, wykonawcy i kompozytora A.m. Ivanova-Kramsky. Jego szkoła gier, jak gitarzysta szkolna i nauczyciel P.A. Agafoshina to niezbędna instrukcja nauki dla młodych gitarzystów. Działalność ta jest genialnie kontynuowana przez ich licznych studentów i zwolenników: E. Larichev, N. Comoluj, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (Gitara Klasyczna w Jazzie), S. Rudnene (Gitara klasyczna w języku rosyjskim styl) i wielu innych.

gitara Classic Pop Jazz

2. Historiawystępowanieiewolucjaestadowany jazz.kierunkiwsztuka

2.1 Odmiany gitar używanych w sztuce pop-jazzowej

W nowoczesnej muzyce popu używana jest cztery odmiany gitarów:

1. Płaski górny (płaski górny) jest zwykłą gitarą ludową z metalowymi ciągami.

2. Klasyczna (klasyczna) jest klasyczną gitarą z ciąży nylonowej.

3. Arch Top (Arch Top) to gitara jazzowa, w kształcie przypominającego powiększone skrzypce z "Efami" na krawędziach pokładu.

4. Gitara elektryczna - gitara z przetwornikami elektromagnetycznymi i monolitycznym drewnianym pokładzie (bar).

Kolejne 120-130 lat temu tylko jeden rodzaj gitar był popularny w Europie i Ameryce. Różne kraje stosowano różne ustawienia, a coś nawet zmieniło liczbę ciągów (w Rosji, na przykład struny były siedem, a nie sześć). Ale w formie wszystkie gitary były bardzo podobne - stosunkowo symetryczne górne i dolne części pokładu, które zbiega się w sępie 12 LADA.

Małe rozmiary, dłoń szczelinowa, szeroka szyja, wentylatorowe mocowanie sprężyn itp. - Wszystko to charakteryzowało tego typu gitary. W rzeczywistości opisane powyżej narzędzie w formie i treści przypomina dzisiejszą gitarę klasyczną. A forma dzisiejszej klasycznej gitary należy do hiszpańskich Mistrzów Torres (Torres), który właśnie żył około 120 lat temu.

Pod koniec ostatniego stulecia gitara zaczęła dramatycznie zyskać popularność. Jeśli wcześniej gitary były grane tylko w prywatnych domach i salonach, wtedy pod koniec ubiegłego wieku, gitara zaczęła iść na scenę. Istnieje potrzeba poprawy dźwięku. Potem istniała wyraźniejsza separacja między klasykami a faktem, że obecnie najczęściej nazywana jest gitarą ludową lub zachodnią. Technologia może wykonać metalowe struny, które brzmiały głośniej.

Ponadto sama obudowa wzrosła w rozmiarze, co pozwoliło dźwiękowi być głębiej i głośniej. Pozostał jeden poważny problem - silne napięcie metalowych strun faktycznie zabiło górną pokład, a zagęszczanie ścian skorupy, w końcu zabił wibracje, a z nim i dźwiękiem. A następnie wymyślono słynne mocowanie sprężyn. Sprężyny utknęły w skrócie, zwiększając tym samym siłę górnej pokładu, ale pozwalając na wibrować.

W ten sposób wystąpił wyraźny podział - klasyczna gitara, która prawie się zmieniła od tego czasu (tylko łańcuchy zaczęły robić z syntetyki, a nie od żył, jak wcześniej), a gitara folk-zachodnia, która miała kilka form, ale prawie zawsze poszedł Mocowanie w kształcie x sprężyny, strun metalowych, powiększonego ciała i tak dalej.

Jednocześnie rozwinęło się inny rodzaj gitar - "Arch Top" (Arch Top). Co to jest? Podczas gdy firmy takie jak Martin (Martin) rozwiązały problem wzmocnienia dźwięku ze względu na mocowanie sprężyn, spółki, takie jak Gibson (Gibson) poszedł do innych - stworzyli gitary, w kształcie i konstrukcji przypominających skrzypce. Takie narzędzia charakteryzowały się przyspieszonym górnym pokładem, tarłem, który był jak podwójny bas i striptizerka. Z reguły te narzędzia miały skrzypce obcięte wzdłuż krawędzi talii zamiast tradycyjnego okrągłego otworu w centrum. Te gitary charakteryzowały się dźwiękiem, który nie był ciepły i głęboki, ale zrównoważony i ostry. Taka gitara była dobrze słyszalna każda notatka, a jazzmen szybko rozumiali, co pojawił się "ciemny koń" w swojej dziedzinie widzenia. To jest jazzowe "łukowe topy" i są zobowiązani do bycia popularnym, za które nazywali się gitarami jazzowymi. W latach 30. i 40 lat sytuacja zaczęła się zmieniać - głównie z powodu pojawienia się mikrofonów wysokiej jakości i przetworników. Ponadto nowy popularny styl muzyczny przybył na arenę i natychmiast wygrał świat - bluesa. Jak wiesz, blues opracowany, głównie ze względu na wysiłki biednych czarnych muzyków. Grali go w każdym palcach, mediatorach, a nawet butelkach z piwa (butelki szyi z piwem były proste przodniki nowoczesnych zjeżdżalni). Ci ludzie nie mieli pieniędzy na drogich narzędzi, nie zawsze mieli okazję kupić nowe struny, jakie są gitary jazzowe? I grali, na których będą mieli głównie w bardziej wspólnych narzędziach - Westerns. W latach, z wyjątkiem drogiego "Archtopowa", Gibson nadal wyprodukował dużą gamę "splecionych" ludowych gitar. Sytuacja rynkowa była taka, że \u200b\u200bGibson był prawie jedyną firmą produkującą tanie, ale wysokiej jakości gitary ludowe. Logiczne jest, że większość bluesmenów za brak pieniędzy na coś bardziej idealnego i wziął w ręce "Gibsons". Więc nadal nie rozstają się z nimi.

Co stało się z gitarami jazzowymi? Wraz z pojawieniem się pickupów okazało się, że zrównoważony i wyraźny dźwięk tego typu narzędzi najlepiej nadaje się do systemu amplifikacji. Chociaż gitara jazzowa jest absolutnie nie podobna do nowoczesnego "błotnika" (błotnika) lub "Ibanez" (Ibanez), ale Leo Firander (LEO Fender) nigdy nie stworzyłby swoich "częstotliwości telewizyjnych" i "Stratocaster" (Stratocaster), gdyby pierwszy Nie eksperymentuj z gitarami jazzowymi i pickupami. Nawiasem mówiąc, późniejszy elektryczny blues również grał i grał na narzędziach jazzowych z pickupami, tylko grubość obudowy w nich jest zmniejszona. Żywy przykład tego jest BI BI KING (B.B. KING) i jego słynna gitara "Lusseil" (Lussil), który wiele dzisiaj rozważy na gitarze elektrycznej do bluesa.

Pierwsze znane eksperymenty ze wzrostem dźwięku gitarowego za pomocą energii elektrycznej, należą do 1923 r. - Gdy inżynier i wynalazca Lloyd Lor (Lloyd Loar) wymyślili odbiór elektrostatyczny, ustalił oscylacje pola rezonatora narzędzi łańcuchowych.

W 1931 r. George Beauchamp i Adolph Rickenbacker (Adolph Rickenbacker) wymyślił pickup elektromagnetyczny, w którym puls elektryczny przebiegał nad uzwojeniem magnesu, tworząc pole elektromagnetyczne, w którym sygnał z ciągłego ciągu został wzmocniony. Pod koniec lat 30. XX wieku licznych eksperymentatorów zaczęło osadzić przetworniki na bardziej tradycyjnie wyglądające hiszpańskie gitary z pustymi obudowach. Cóż, najbardziej radykalna opcja sugerowała gitarzysta i les inżyniera Paul (Les Paul) - właśnie zrobił pokład na monolityczną gitarę.

Został wykonany z drewna i został nazwany po prostu - "Bar" (dziennik). Inni inżynierowie zaczęli eksperymentować inaczej lub prawie stały kawałek. Od lat 40. XX wieku poszczególni entuzjasta i duże firmy są w tym pomyślnie zaangażowane.

Rynek producentów gitarowych nadal aktywnie rozwija się, stale rozszerza zakres modelu. A jeśli Amerykanie byli wykonywali wyjątkowo do "Moda prawodawców", teraz "Yamaha" (Yamaha), Ibanez (Ibanez) i inne japońskie firmy są mocno zajęte przez wiodące pozycje, wśród liderów produkujących zarówno własne modele, jak i doskonałe kopie słynnych gitar .

Gitara zajmuje specjalne miejsce - i przede wszystkim zelektryfikowano - w muzyce rockowej. Jednak prawie wszyscy najlepsi gitarzystów rockowych wykraczają poza granice stylistyki muzyki rockowej, dając wielki hołd jazzowi, a niektórzy muzycy całkowicie pękli ze skałą. Nie ma tego nic zaskakującego, ponieważ najlepsze tradycje podmiotów gitarowych skoncentrowali się w jazzie.

W bardzo ważnym punkcie Joe Pass przyciąga uwagę, która w jego szeroko znanej szkole jazzowej pisze: "Klasyczni gitarzyści mieli kilka wieków w celu opracowania organicznego, spójnego podejścia do metody" prawej ". Gitara jazzowa, gitara Plektrik, pojawiła się tylko w naszym stuleciu, a gitara elektryczna jest nadal tak nowa fenomen, że po prostu zaczynamy rozumieć jego możliwości jako pełny instrument muzyczny. " W takich warunkach już skumulowane doświadczenie ma szczególne znaczenie, tradycje jazzowe umiejętności gitary.

Już we wczesnej formie bluesa, "archaiczny" lub "wiejscy", często nazywany angielskim terminem "bluesa kraju" (kraj bluesa), utworzyła główne elementy technik gitary, które ustaliły jego dalszy rozwój. Odrębne techniki gitarzystów bluesowych później stały się podstawą tworzenia kolejnych stylów.

Najwcześniejsze rekordy bluesa należą do połowy 20s, ale każdy powód, by założyć, że w istocie prawie nie różni się od tego oryginalnego stylu, który powstał w środowisku Murzynów Stanów Południowych ( Teksas, Luizjana, Alabama itp.) W latach 70. i 80. XIX wieku.

Wśród wybitnych śpiewaków tego stylu - ślepy cytrynowy Jefferson, 1897-1930), który miał zauważalny wpływ na wielu muzyków w późniejszym okresie, a nie tylko bluesa błyskotliwego reżimu gitarowego i bluesa była ślepym blake (Blind Blake , 1895 -1931), których dzisiejsza technika ma doskonałą technikę i pomysłowość improwizacji. Blake dość uważa jednego z inicjatorów korzystania z gitary jako narzędzia solowego. Huddy Lidbetter, powszechnie znany pod nazwą Lidbelli (Huddie Leadbetter, "Leadbelly", 1888-1949), kiedyś nazwał "King of the Time-Time Guitar". Czasami grał w duecie z Jeffersonem, choć był gorszy od niego jako wykonawca. Lidbelli wprowadziła charakterystyczne postacie basowe do akompaniamentu - "Wandering Bass", który później będzie szeroko stosowany w jazzu.

Przydzielono wśród hrabstwa blues gitarzyści Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970), wirtuozowy muzyk, bardzo blisko jazzu. Zostały one nagrane doskonałe bluesy bez wokalu, a często był już grany przez mediatora, wykazując nie tylko doskonałą technikę, ale także niezwykłą umiejętność improwizacji.

Jedną z cech okresu Chicago w rozwoju tradycyjnego jazzu, który stał się przejście do świni, zastąpił narzędzia: zamiast kornetu, rurki, podwójnego basu i gitary zostały przedstawione na pierwszy plan.

Wśród powodów tego był wygląd mikrofonów i elektromechanicznej metody nagrywania dźwięku: Gitara została ostatecznie podświetlona na płytach. Ważną cechą Chicago Jazz była zwiększoną rolą improwizacji solowej. Było tutaj, że istniał znaczny zwrot w losu na gitarze: staje się pełnoprawnym narzędziem doładowania.

Wynika to z nazwy Eddie Lang (Eddie Lang, prawdziwa nazwa - Salvador Massuro), który wprowadził gitarę wiele technik jazzowych typowych dla innych narzędzi, w szczególności charakterystycznych narzędzi lutowniczych. Eddie Lang stworzył styl jazzowy gry przez mediatora, który w przyszłości stał się dominującym. Po raz pierwszy użył gitary Plektrik - specjalna gitara do gry jazzu, wyróżniała się ze zwykłego hiszpańskiego braku okrężnego wylotu. Zamiast jej na pokładzie było EPhs jak skrzypce, a wymienna osłona panelowa, która chroni mediator przed ciosami. Gra Eddie Langa w zespole wyróżniała się silnym odzyskaniem dźwięku. Często używał przechodzących dźwięków, sekwencji chromatycznych; Czasami zmienił kąt tabutki w stosunku do sępa, szukając tego konkretnego dźwięku.

Charakterystyczne dla akordów Langa z wyciszonymi strunami, sztywnymi akcentami, równoległymi nonaksorkami, starszymi gamutsami, osobliwym Glissando, sztuczne flagi, sekwencje powiększonych akordów i charakterystyki frazujące instrumentów wiatrowych. Można powiedzieć, że jest pod wpływem Eddiego Langu, wielu gitarzystów zaczęło zwracać większą uwagę na notatki basowe w akordach i, jeśli to możliwe, szukaj lepszego głosu. Wynalezienie gitary elektrycznej był impulsem do pojawienia się nowych szkół i kierunków gitarowych. Założyciele byli dwoma gitarzystami jazzowymi: Charlie Christian (Charlie Christian) w Ameryce i Dżhango Reinhardt

(Django Reinhardt) w Europie

W swojej książce "Od Rag do Rock", słynny niemiecki krytyk I. Berentte pisze: "Dla nowoczesnego muzyka jazzowego, historia gitary zaczyna się od Charliego Christian. Przez dwa lata, trzymane przez niego na scenie jazzowej, zrobił zamach w grze gitarowej. Oczywiście byli przed nim gitarzystów, ale jest to stworzone, jednak wrażenie, że gitara, która była grana chrześcijaninem, i że brzmiał po nim, to dwa różne narzędzia.

Charlie grał z wirtuoziem, który wydawał się być jego współczesnością po prostu niedostępny. Z jego gitarą przybycia stała się równym członkiem zespołu jazzowego. Po raz pierwszy wprowadził solo na gitarze jako trzeci głos w zespole z rurą i saksofonem Tenor, uwalniając instrument z funkcji czysto rytmicznych w orkiestrze. Wcześniej inni C. Christian zdał sobie sprawę, że technika gry na gitarze elektrycznej jest w dużej mierze różni się od przyjęć gry na akustycznym. W harmonii eksperymentował z powiększonymi i obniżonymi akordami, wynalazł nowe rytmiczne rysunki do najlepszych melodii jazzowych (Evergrinam). W fragmencie nadbudowa była często używana do Septakordam, uderzającym słuchaczy pomysłowości melodycznej i rytmicznej. Po raz pierwszy zaczął rozwijać swoją improwizację, opierając się nie do harmonii motywów, a na przechodzących akordach, które zamieszczał między głównym. W kulach melodyjnych charakteryzuje się stosowaniem Legato zamiast sztywnego staccato.

Wykonanie C. Christian zawsze został wyróżniony przez niezwykłą ekspresyjną siłę w połączeniu z intensywnym huśtawką. Teoretycy Jazzu twierdzą, że przewidywał swoją grę na pojawienie się nowego bibopa stylu jazzowego (BOP) i pojawił się jednym ze swoich twórców.

Jednocześnie z chrześcijaninem w Paryżu, nie świecił nie mniej wyjątkowego gitarzysty jazzowego DZHANGO Reinhardt. Charlie Christian, wciąż mówiąc w klubach Oklahomy, podziwiany Django i często notatka w notatce powtórzono jego solo nagrany na płytkach, chociaż ci muzycy różniły się w stylu gry. Wielu słynnych muzyków i artystów jazzów rozmawiał o depozytie DZHazo w rozwoju stylu jazzowego gry na gitarze i jego umiejętnościach. Według D. Ellington "Django - Supertysta. Każda notatka wykonana przez niego jest skarbem, każdy akord jest dowodem jego niezachwianego smaku. "

Od innych gitarzystów Django wyróżniała się ekspresyjnym, bogatym dźwiękiem i rodzaj sposobu gry, z długoterminowymi kantentami przez kilka zegarów, nagłe szybkie fragmenty, stabilne i ostro akcentowane rytm. W chwilach kulminacji często grał Otacas.

Ten rodzaj technologii pożyczył C. Christian i dwanaście lat później - W. Montgomery. W szybkich grach wiedział, jak stworzyć taki ogień i głowę, który wcześniej spotkał tylko na instrumentach wiatrowych. Wolniejszy był skłonny do klejenia i gwałtowne, w pobliżu Murzyn. Django był nie tylko doskonałą solistą wirtuozą, ale także wspaniałym towarzyszeniem. Wyprzewaczył wielu swoich współczesnych w stosowaniu małego sepkarem, zmniejszonego, powiększonego i innych akordów. Wielka uwaga Ganggo została zwrócona na harmonię schematów harmonicznych sztuk, często podkreślając, że jeśli w sekwencji akordów wszystko jest prawdziwe i logiczne, melodia jest wylewana sama.

Informujący, często używał akordów, które naśladując dźwięk sekcji mosiężnej miedzi. Wkład Charliego Christian i Dżhango Reinhardta w historii nieocenionej gitary jazzowej. Ci dwaj wybitni muzycy, które pokazują niewyczerpane możliwości swojego instrumentu nie tylko w akompaniamencie, ale także w improwizacji solo, z góry określono główne kierunki rozwoju sprzętu na gitarze elektrycznej przez wiele lat przed sobą.

Zwiększona rola na gitarze jako instrument solowy doprowadził do wykonawców do gry w małych kompozycjach (Combo). Tutaj gitarzysta czuła się jak pełny uczestnik zespołu, wykonywania funkcji i akcesoriów oraz solistą. Popularność gitary dorasta codziennie, pojawiły się wszystkie nowe i nowe imiona utalentowanych gitarzystów jazzowych, a liczba Bandov pozostała ograniczona. Ponadto wielu liderów i aranżatorów dużych orkiestry nie zawsze wprowadziło gitary w sekcję rytmiczną. Na przykład na przykład, aby zadzwonić

Książę Ellington, który nie lubił połączyć dźwięk gitary i fortepianu w akompaniamencie. Jednak czasami "mechaniczna" praca, służąc do utrzymania rytmu w wielkim zespole, zamienia się w prawdziwą sztukę jazzową. Mówimy o jednym z wiodących przedstawicieli gry w stylu Adddie na Gitarie Freddie (Freddie Green).

Wyposażenie Chord Virtuoso, wspaniałe uczucie huśtawki, cienki muzyczny smak wyróżnia się jego grą. Prawie nigdy nie grał w solo, ale jednocześnie był często w porównaniu z holem, pociąga za sobą całą orkiestrę.

Jest w dużej mierze Freddie Green, Big Bend Count Basey jest zobowiązany do niezwykłej zwartości sekcji rytmicznej, wyzwolenia i lakonicznego gry. Ten mistrz miał ogromny wpływ na gitarzystów, którzy preferują akompaniament i akord improwizacji do gry o długotrwałych fragmentach i uniwersalnych improwizacji. Kreatywność Charlie Christian, Dzhango i Freddie Zielone formy aż do trzech gałęzi drzewa genealogicznego gitary jazzowej. Należy jednak wspomnieć o innym kierunku, który stał nieco od siebie, ale w naszych czasach, zdobywając rosnące rozpoznawanie i dystrybucję.

Faktem jest, że nie dla wszystkich gitarzystów okazało się być akceptowalnym stylem Ch. Christian, w których rękach gitara nabyła dźwięk instrumentów wiatrowych (nie przez przypadek, wielu, słuchania zapisów Charliego Christiana, wziął głos jego gitara na saksofonie). Przede wszystkim niemożliwe było być jego sposobem dla tych, którzy grali palcami na gitary akustyczne.

Wiele technik technicznych opracowanych przez C. Christian (przedłużony Lego, Długie Linie improwizacyjne bez wsparcia harmonicznego, zauważa, wygięte, rzadkie stosowanie otwartych sznurków itp.), Były dla nich nieskuteczne, zwłaszcza podczas gry z ciąży nylonowej. Ponadto pojawili się gitarzystów, jednocząc klasyk w ich twórczym sposobie, grając na gitarze, flamenco i elementy muzyki Ameryki Łacińskiej z jazzem. Obejmują one dwóm wybitnym muzykom jazzowym: Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) i Charlie Bird (Charlie Byrd), których prace wpłynęły na wielu klasycznych gitarzystów stylów, demonstrujących w praktyce nieograniczone możliwości gitary akustycznej. Z całkowitą bazą można je uznać za założycieli w stylu "Klasyczna gitara w jazzu".

Gitarzysta Negro Wes John Leslie Montgomery - jeden z najjaśniejszych muzyków pojawiających się na scenie jazzowej po C. Christian. Urodził się w 1925 r. W Indianapolis; Gitara została przeniesiona dopiero o 19 lat pod wpływem płyt Charliego Christiana i fascynacji swoich Brothers Brotów i Monka, który grał na fortepianie i podwójnym basie w orkiestrze słynnej wibroszonu Lionel Hampton. Udało mu się osiągnąć niezwykle ciepły, "aksamitny" dźwięk (przy użyciu dużego palca prawej ręki zamiast mediatora) i do opracowania techniki oktawy, że był niesamowity z niesamowitą łatwością i czystością wykonywaną całą improwizacyjną chorągą Chorusa, często dość szybki tempo. Jego umiejętności tak uderzają partnerzy, że żartowczo nazywali Wess Mister Oktawą. Pierwszy rekord z zapisem W. Montgomery wyszedł w 1959 r. I natychmiast przyniósł gitarzysta sukces i powszechne rozpoznawanie. Miłośnicy jazzu zszokowali wirtuozerozę swojej gry, wyrafinowanej i powściągliwej artykulacji, melodialności improwizacji, ciągłe uczucie bluesa intonacji i jasnym poczuciem rozebranego rytmu. Bardzo ciekawe w Wes Montgomery, połączenie solingu gitary elektrycznej z dźwiękiem dużej orkiestry, która zawiera grupę łańcuchową.

Większość kolejnych gitarzystów jazzowych-- wliczył takich znanych muzyków takich jak Jim Hall, Joe Pass, John McLuffly, George Benson, Larry Coriyll, - rozpoznał wielki wpływ WES Montgomery na ich kreatywność. Już w latach 40. standardy opracowane przez huśtawkę przestały zadowolić wielu muzyków. Ustalone znaczki w harmonii formy piosenek, słownictwa, które często zbiegły się z bezpośrednim cytowaniem wybitnych mistrzów jazzowych, rytmicznej monotonii i wykorzystania huśtawki w muzyce handlowej stały się hamulcem na ścieżce dalszego rozwoju gatunek muzyczny. Po "złotym okresie" huśtawka przychodzi wyszukiwanie nowych, bardziej zaawansowanych formularzy. Występują wszystkie nowe i nowe kierunki, które z reguły są łączone ze wspólnym tytułem - nowoczesnym jazzem (nowoczesnym jazzem). Obejmuje bobop ("jazz-stakkato"), twardy bop, progresywny, kul, trzeci kurs, boss novu i afro-kubański jazz, modal jazz, jazzowa skała, bezpłatny jazz, fuzja i inne: taka różnorodność, wzajemny wpływ I INTERPenetretation Różne prądy komplikuje analizę pracy indywidualnych muzyków, zwłaszcza, że \u200b\u200bwielu z nich grało w różnych manierach jednocześnie. Tak więc, na przykład w rekordach CH. Burda, można również znaleźć szefów Novu i Blues oraz wysokie tematy oraz przetwarzanie klasyki i rock, a wiele więcej. W grze B. Kessel - Huśtawka, Bibop, Boss Novu, Elementy Modal Jazz P.P. Charakterystyczne jest, że gitarzystów jazzowych często reagują na próby sklasyfikowania ich do jednego lub innego kierunku jazzowego, biorąc pod uwagę prymitywne podejście do oceny ich kreatywności. Takie stwierdzenia można znaleźć w Larrym Coriosa, Joe Pass, John Mak-Laphlin i innych.

2 .2 Konserwacjakierunkiestadowany jazz.wykonawczy60-70 - h.rok

A jednak, według jednego z krytyków jazzowych I. Berentte, na skraju 60-0-tych w nowoczesnej dyrektorowej gitarie utworzono cztery główne kierunki: 1) główny przepływ (przepływ główny); 2) jazzowa skała; 3) kierunek bluesa; 4) Rock. Jim Hall, Kenny Barrell i Joe Pass można uznać za najbardziej żywych przedstawicieli głównego nurtu. Jim Hall (Jim Hall) - "Poeta Jazz", jak często nazywają się, - cieszy się sławą i miłością od publiczności od końca 50 lat i do dnia dzisiejszego.

"Gitara Virtuoso Jazz" nazywa się Joe Pass (Joe Pass, pełne imię Józefa Anthony Jacobi Passalakua). Krytycy umieścili go w jednym rzędzie z takimi muzykami, takimi jak Oscar Peterson, Ella Fitzgerald i Barney Kessel. Jego talerze z rekordami duetów z Ella Fitzgerald i Herb Ellis, Trio i Oscar Pragnikami i basistami Nils Pederson, ciesząc się wielkim sukcesem, a zwłaszcza jego dyski solowe "Joe Pass - Virtuoso". Joe Pass był jednym z najbardziej interesujących i uniwersalnych gitarzystów jazzowych, którzy kontynuują tradycje Dzhakgo Reinhardt, Charliego Christian i Wes Montgomery. Jego kreatywność jest niewielka z zastrzeżeniem wpływu nowych trendów nowoczesnego jazzu: Wolał bekope. Wraz z działalnością koncertową Joe Pass i pomyślnie nauczał, opublikowane metodyczne prace, wśród których jego szkoła "Joe Pass Guitar Style" "2e zajmuje specjalne miejsce

Jednak ani wszyscy gitarzystów jazzowych, tak poświęcony "głównym kierunku". Wśród wybitnych muzyków, którzy są nowe w rozwoju jazzu, należy zauważyć George'a Bensona, Carlosa Santana, Ola Di Meolu. Meksykański muzyk Carlos Santana (Carlos Santana, Urodzony w 1947 r.) Odgrywa w stylu latin-rocka, na podstawie wykonania w śmiertelnym sposobie rytmów Ameryki Łacińskiej (Samba, Rumba, Salsa itp.) W połączeniu z elementami flamenco.

George Benson urodził się w 1943 roku w mieście Pittsburgh i już śpiewał bluesa i grał na gitarze i banjo. W wieku 15 lat George otrzymał małą gitarę elektryczną jako prezent, a na 17, absolwent ze szkoły, utworzył małą grupę skalną i rolkę, w której śpiewał i grał. Rok później Jazz Orgalist Jack McDuff przybył do Pittsburgha. Dziś niektórzy eksperci uważają Bensona najlepiej omówić, że są pierwszymi rekordami z Jack McDiff. Wielki wpływ na Benson był dziełem Django Rainhardt i Wes Montgomery, zwłaszcza techniki tego ostatniego.

Wśród gitarzystów nowej generacji, grając w skałę jazzową i rozwijając stosunkowo nowy styl jazzowy - Fusion, wyróżnia się Ol Di Meola (Ai di Meola). Pasja dla młodej muzykiej gitary jazzowej zaczęła się od słuchania wejścia Trio z udziałem Larry Coriosa (który przez zbieg okoliczności, Ol Di Meola zastąpiony w tej samej kompozycji). Już w wieku 17 lat uczestniczy w rekordach z Chiki Koria. Ol di Meola Virtuoso posiada gitarę gry - zarówno palce, jak i mediator. Podręcznik napisany przez nich "charakterystyczne metody gry na gitarze przez mediatora" otrzymały wysoką ocenę specjalistów.

Istnieją również utalentowany gitarzysta Larry Koriotl, utalentowany gitarzysta Larry Coriyll, który minął złożony kreatywny sposób - od hobby Rock i Roll do najnowszych trendów nowoczesnej muzyki jazzowej.

W rzeczywistości, po Dzhango, tylko jeden europejski gitarzysta osiągnął bezwarunkowy uznanie na całym świecie i wpłynął na rozwój Jazzu jako całego Anglika Johna Mclaughlin. Kwitnących talentów spada na pierwszą połowę lat 70. XX wieku - okres, w którym jazz szybko rozszerzył swoje granice stylistyczne, zmyte z muzyką rockową, eksperymentami w elektronicznej i awangardowej muzyce, różne ludowe tradycje muzyczne. Nie jest przypadkiem, że McLaughlin rozważy nie tylko fanów jazzowych: znajdziemy jego imię w każdej encyklopedii muzyki rockowej. Na początku lat 70. Maclaflin zorganizował orkiestrę "Mahavishnu" ("Wielki Vishnu"). Oprócz klawiatur, gitar, bębnów i basu, wprowadził skrzypce do swojej kompozycji. Dzięki tej orkiestrze gitarzysta nagrał szereg rekordów, które z radością zostały przyjęte przez publiczność. Recenzenci odnotowują wirtuozatę maku latle, innowacji w układzie, świeżości dźwięku ze względu na wykorzystanie elementów muzyki indyjskiej. Ale główną rzeczą jest pojawienie się tych dysków oznacza zatwierdzenie i rozwój nowego kierunku jazzowego: jazz-rock.

Obecnie istnieje wiele wybitnych gitarzystów, którzy kontynuują i przynoszą tradycje mistrzów przeszłości. Prace najsłynniejszego ucznia Jimma Hall jest wielką wagą Mattiniego dla World Pop-Jazz Culture - Pat Mattinie. Jego innowacyjne pomysły znacząco wzbogacali harmonijny język melodii nowoczesnej muzyki pop. Chcę również zwrócić uwagę na genialne działalność i pedagogiczna działalność T-shirt Stern, Frank Gembel, Joe Satriani, Steve Vaja, student Joe Pass Lee Rentura i wielu innych.

Jeśli chodzi o rozwój sztuki gry na gitarę pop-jazzową (elektryczną i akustyczną) w naszym kraju, nie byłoby to niemożliwe bez wieloletnich i sortowanych prac edukacyjnych i edukacyjnych V. Manilova, V. Molotkova, A. Kuznetsova . Vinitsky, a także ich zwolennicy S. Popova, I. Boyko i inni. Działania koncertowe takich muzyków, jak: A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Thurspen, T. Qutitelshvili, A. Chumakov, V. Zinchuk i wielu innych. Mając ścieżkę z bluesa do jazzowej skały, gitara nie tylko nie wyczerpała swoich możliwości, ale wręcz przeciwnie, wygrał prowadzenie w wielu nowych kierunkach jazzu. Osiągnięcia w dziedzinie sprzętu gry na gitarze akustycznej i zelektryfikowanej, stosowanie elektroniki, włączenie elementów flamenco, styl klasyczny itp daje podstawy do rozważenia gitary jednego z wiodących narzędzi tego rodzaju muzyki. Dlatego ważne jest dla muzyków nowej generacji, badaniem doświadczenia ich poprzedników - gitarzystów jazzowych. Dopiero na tej podstawie możliwe jest poszukiwanie indywidualnych sposobów wykonawczych gry, ścieżki samozwolency i dalszy rozwój gitary pop-jazzowej

wnioski

Obecnie temat rozwoju umiejętności wykonywania na gitarze 6-strunowej pozostaje pilne, ponieważ obecnie istnieje wiele szkół i systemów uczenia się. Obejmują one różne kierunki, z klasycznej gry szkolnej, do jazz, łacińskich, bluesowych szkół.

W rozwoju stylu jazzowego konkretna technika instrumentalna odgrywa bardzo znaczącą rolę, charakterystyczną dla wykorzystania jazzowego instrumentu i jego ekspresyjnych możliwości - melodyczne, intonational, rytmiczne, harmoniczne itp. Nadsze znaczenie dla formacji jazzu miał bluesa. Z kolei "Jednym z decydujących czynników krystalizacji bluesa z wcześniejszych i mniej zdobionych typów Negro Folklor był" otwarciem "gitary w tej sprawie".

Historia Sztuki Gitarowej zna wiele nazw nauczycieli, kompozytorów i wykonawców, którzy stworzyli liczne prowadzenie nauk gitarowych, wielu z nich bezpośrednio lub pośrednio zainteresowanych problemem opracowywania zastosowanych myślenia.

W końcu, koncepcja gitarzysta obejmuje opanowanie zarówno głównego przyjęcia klasycznego, zarówno podstawy, jak i umiejętności i zrozumienia stylizacji, funkcji towarzyszącej, możliwość grania i improwizacji na cyfrach, wszystkie subtelności i cechy bluesa i myślenie jazzowe.

Niestety, niedawno media płaci bardzo niewielki wpływ nie tylko poważnie klasyczny, ale nie handlowe typy muzyki pop-jazzowej

Listaużywanyliteratura

1. Bakhmin A.a. Samouczek gra na gitarze Sześć sznurów / A.a. Bakhmin. M.: Ass-Center, 1999.-80 s.

2. bojko I.a. Improwizacja na gitarze elektrycznej. Część 2 "Podstawy technologii Accord" - m.; Centrum Hobby, 2000-96 p.;

3. bojko I.a. Improwizacja na gitarze elektrycznej. Część 3 "Progresywna metoda improwizacji" - m.; Centrum Hobby, 2001-86 p.

4. bojko I.a. Improwizacja na gitarze elektrycznej. Część 4 "pentatonika i jego ekspresyjne możliwości" - m.; Centrum Hobby, 2001 - 98 p.; Il.

5. Brandt V.K. Podstawy sprzętu gitarzysta z podręcznika Ensemble / edukacyjnego i metodycznego dla szkół muzycznych - M. 1984 - 56 p.

6. Dmitrievsky Yu.v. Gitara z bluesa do jazzowej rocka / yu.v. Dmitrievsky - M.: Muzichna Ukraina, 1986. - 96 p.

7. Ivanov-Kramskaya A.m. School of Games na gitarze sześciowej / A.m. Ivanov Kramskaya. - m.: Ov. Kompozytor, 1975. - 120 s.

8. Manilaov V.a uczy się towarzyszy na gitarze / v.a. Manilov. - K.: Muzichna Ukraina, 1986. - 105 p.

9. Pass, D. Styl gitarowy Joe Pass / Joe Pass, Bill Tresher / Sost: "Guitar College" - M.: Guitar College, 2002 - 64 s.; Il.

10. POPOV, S. Podstawa / sost; "Guitar College" - M.; "Guitar College", 2003 - 127С.;

11. Poohol M. School of Games w gitarze sześciowej / trans. i redaktorów N. PolyCarpova - M.; Sowy. Kompozytor, 1987 - 184 p.

12. El di Meall "Mechinery Game Mediator"; Za. / Sost; Gidinform.

13. Yaloviec A. Dzhango Reyhard - "Combine", m.; 1971 №10 - s. 20-31.

Wysłany na Allbest.ru.

Podobne dokumenty

Rozwój i wykorzystanie harmonii i muzyki jazzowej meloduje w nowoczesnych wykonawcach pop-jazzowych i pedagogikach. Jazzowa melodia w stylu Bi-Boba. Praktyczne zalecenia dotyczące optymalizacji pracy wokalisty popu nad repertuarem jazzowym.

teza, dodano 07.07.2017


Cechy pisania, wydajność topnienia w różnych tymczasowych epokach, przyczyny melixamice. Wykorzystanie przyjęcia muzycznego do wokalnej wydajności pop-jazzowej. Ćwiczenia na rozwój małej technologii wokalnej w wokalistach.

teza, dodano 11/18/2013


Charakterystyczne cechy kultury muzycznej renesansu: pojawienie się form piosenek (Madrigal, Wiliansiko, Frottol) i muzyki instrumentalnej, narodziny nowych gatunków (piosenki solowe, kantata, oratoria, oper). Koncepcja i główne typy tekstury muzycznej.

abstrakcyjny, dodany 01/18/2012


Tworzenie muzyki jako rodzaj sztuki. Historyczne etapy tworzenia muzyki. Historia tworzenia muzyki w pomysłach teatralnych. Koncepcja "gatunku muzycznego". Muzyczne funkcje dramaturalne i główne typy charakterystyk muzycznych.

abstrakcyjny, dodany 05/23/2015


Mechanizm tworzenia muzyki klasycznej. Rosnąca muzyka klasyczna z systemu wypowiedzi muzycznych mowy (wyrażenia), ich formacja w gatunkach sztuki muzycznej (Choralches, Cantata, Opera). Muzyka jako nowa komunikacja oficera funkcji.

abstract, dodał 03/25/2010


Narodziny światowej kultury rockowej: "kraj", "rytm i rolki", "rock and roll". Dawn chwały skały i rolki i jej zachód słońca. Wygląd stylu "skały". Historia legendarnej grupy "The Beatles". Legendarni przedstawiciele Rock Pop. Gitary królów, tworzenie twardej skały.

streszczenie, dodany 08.06.2010


Tradycje kultury ludowej w edukacji muzycznej i edukacji dzieci. Gra na instrumentach muzycznych jako rodzaj muzycznej aktywności przedszkolaków. Zalecenia dotyczące wykorzystania kultury instrumentalnej dla rozwoju umiejętności muzycznych dzieci.

teza, dodano 08.05.2010


Miejsce muzyki rockowej w masowej kultury muzycznej XX wieku, jego emocjonalny i ideologiczny wpływ na publiczność młodzieżową. Obecna pozycja rosyjskiej skały na przykładzie kreatywności V. TSOI: osobowość i kreatywność, zagadka zjawiska kulturowego.

praca kursu, dodano 12/26/2010


Cechy nowoczesnej sytuacji socjokulturowej wpływającej na proces tworzenia muzycznej i estetycznej kultury uczniów, technologii jego rozwoju w lekcjach muzyki. Skuteczne metody, które przyczyniają się do wychowania u młodzieży kultury muzycznej.

teza dodana 12.07.2009


Synteza kultur i tradycji afrykańskich i europejskich. Rozwój jazzu, mastering muzyków jazzowych i kompozytorów nowych modeli rytmicznych i harmonicznych. Jazz w nowym świetle. Gatunki muzyki jazzowej i jej głównych cech. Muzycy jazzowe Rosji.

Historia powstania, rozwoju i poprawy tego instrumentu muzycznego jest tak niesamowita i tajemnicza, że \u200b\u200braczej przypomina ekscytujący detektyw. Pierwsze informacje o gitarze odnoszą się do głębokiej starożytności. Na egipskich pomnikach tysięcy lat znaleziono obrazy instrumentu muzycznego - "nabilla", pojawienie się gitary przypominającej. Gitara została dystrybuowana w Azji, która potwierdzi obrazy na zabytkach architektonicznych Asyrii, Babilonu i Fenicia. W XIII wieku Arabowie przynoszą go do Hiszpanii, gdzie wkrótce dostała pełne uznanie. W późnym XV wieku, bogate rodziny Hiszpanii zaczynają konkurować między sobą na patroncie nauki i sztuki. Gitara jest wraz z lutnymi, a inne narzędzia dociskowe stają się ulubionym narzędziem na dziedzińców. W życiu kulturalnym Hiszpanii, począwszy od XVI wieku, liczne stowarzyszenia, akademia, kółko i spotkania - "Salony" regularnie odgrywa dużą rolę. Od tego samego czasu pasja narzędzi hydraulicznych przenika do szerokich mas, tworzą specjalną literaturę muzyczną. Nazwiska kompozytorów reprezentujących, które stanowią długie pasek: Mediolan, Corbetto, Fuenillaan, Marin-I-Garcia, Sanz i wiele innych.

Mając wielki sposób rozwoju, gitara przyjęła nowoczesny wygląd. Do XVIII wieku było mniejsze, a jej ciało było dość wąskie i wydłużone. Początkowo zainstalowano pięć strun skonfigurowanych przez kwarty na narzędzia, jak na zapaleniu. Później gitara stała się sześcioma ciągami, z systemem wygodniejszym dla gry w otwartych pozycjach, aby uzyskać pełniejsze korzystanie z dźwięku otwartego ciągu. Tak więc przez środek XIX, gitara zdobyła ostateczną formę. Wyglądało na sześć strun z budynkiem: MI, SI, Salt, Re La, MI.

Gitara wygrała dużą popularność w Europie i został przywieziony do krajów Ameryki Północnej i Południowej. Co wyjaśnia takiej szerokiej gitarze? Najważniejsze jest to, że ma wielkie możliwości: można go odtwarzać solo, towarzyszyć głosowi, skrzypiec, wiolonczeli, flecie, można go znaleźć w różnych orkiestrach i zespołach. Małe wymiary i możliwość łatwego ruchu w przestrzeni i, co najważniejsze, niezwykle śpiewaków, głębokie, a jednocześnie przezroczysty dźwięk - uzasadnia miłość tego uniwersalnego instrumentu muzycznego z szeroką gamą wielbicieli od romantycznych turystów do profesjonalnych muzyków.

Pod koniec XVIII wieku kompozytorzy i wirtuozos pojawiają się w Hiszpanii

F. SOR i D. Aguado, w tym samym czasie we Włoszech - M. Juliani. L. Lenini, F. Karully, M. Carcassi i inni. Tworzą bogaty repertuar koncertowy na gitarę, począwszy od małych sztuk i kończących z sonatopami i koncertami z orkiestrą, a także wspaniałą "szkołą szkołą szkolną", rozległą repertuar nauczania i konstruktywną. Chociaż od momentu pierwszych publikacji tej literatury pedagogicznej przeszedł prawie dwieście lat, jest nadal cennym dziedzictwem dla nauczycieli, a dla studentów.

Kompozytor SOR z ogromnymi koncertami sukcesów w miastach Europy Zachodniej i Rosji. Jego balety "Kopciuszek", "Lubcheli jako malarz", "Hercules i Omfal", a także opera "Telemakh" wytrzymują wiele pomysłów na sceny Petersburga, Moskwy i głównych miast w Europie Zachodniej. Styl polifoniczny, najbogatsza fantazja i głębokość treści charakteryzują kreatywność Sora. Jest to wykształcony muzyk kompozytora, gitarzysta wirtuozowy, uderzający w głębi jego wydajności i blasku. Jego pisma mocno wszedł do repertuaru gitarzyści. Włoski Juliani jest jednym z założycieli Włoskiej Szkoły Guitarowej. Był genialnym gitarzystą, a także doskonale własnością skrzypiec. Kiedy w 1813 r. W Wiedniu siódma Symfonia Beethovena pod kontrolą autora, Juliani wzięło udział w egzekucji jako skrzypek. Beethoven bardzo docenił Juliani jako kompozytor i muzyk. Jego Sonata, koncerty z orkiestrą są wykonywane przez nowoczesnych gitarzystów, a literatura pedagogiczna jest cennym dziedzictwem dla nauczycieli i dla studentów.

Szczególnie chciałbym pozostać na najbardziej znanych i najczęściej opublikowanych w naszym kraju "Szkoła Gry na gitarze sześcio-ulicy" słynnego nauczyciela włoskiego nauczyciela, kompozytora M. Carcassi. W przedmowach do "szkoły" autor mówi: "... Nie miałem zamiaru pisać pracę naukową. Chciałem tylko zrobić bardziej łatwą gitarę, wykupując plan, który mógłby pozwolić Ci uzyskać bardziej zapoznanie się ze wszystkimi funkcjami tego narzędzia. " W przypadku tych słów jasne jest jasne, że M. Carcassi nie ustawił sobie zadania stworzenia uniwersalnego zasiłku nauk gitarowy i jest mało prawdopodobne możliwe. W "szkole" wielu cennych instrukcji na temat techniki lewej i prawej ręki, różne charakterystyczne praktyki gitary gry, gry w różnych pozycjach i tonetach. Przykłady muzyczne i bawiące są konsekwentnie, w kolejności rosnących trudności, są napisane z wielkim opanowaniem kompozytora i nauczyciela i nadal stanowią wiele wartości jako materiał szkoleniowy.

Chociaż z nowoczesnego punktu widzenia ta "szkoła" ma wiele poważnych wad. Na przykład jest to znacznie wypłacane do tak ważnego przyjęcia ropy gry, jak apanyandzko (gra z wsparciem); język muzyczny oparty na muzyce z zachodniej europejskiej tradycji XVIII wieku, nieco monotonny; Rozwój zastosowania, Melody Harmoniczne myślenie jest praktycznie nie dotknięte, rozmawiamy tylko o prawidłowym rozmieszczeniu palców lewej i prawej strony, co pozwala osiągnąć zgodę na wiele trudności technicznych wydajności, ulepszonego dźwięku, fraz itd.

W drugiej połowie XIX wieku, w historii gitary pojawiła się nowa jasna nazwa hiszpańskiego kompozytora, solista-wirtuozowego i nauczyciela Francisco Tarrega. Tworzy swój styl literowy. W jego rękach gitara zamienia się w małą orkiestrę.

Praca wykonawcza tego wspaniałego muzyka miała wpływ na pracę swoich przyjaciół - kompozytorów: Albehenis, Greados, De Fali i innych. W ich fortepianie dzieje często słyszysz gitara imitację. Słabe zdrowie nie dały możliwości Tarrega na koncert, więc poświęcił się działalności pedagogiczną. Możemy bezpiecznie powiedzieć, że Tarrega stworzyła swoją szkołę gier gier. Jego najlepsi studenci obejmują szrodki Miguelskie, Emelio Pukhol, Dominiko Prat, Daniel Fortua, Ilarion Leback i inne znane koncerty. Do tej pory "Szkoły" E. Pukhol, D. Fortea, D. Prata, I. Leback, I. Arenza i P. Rocha, na podstawie metody treningu Tarrega. Przeczytaj więcej. Rozważ tę metodę przy użyciu przykładu School of Games na sześciu silnej gitarze. Słynny hiszpański gitarzysta, nauczyciel i muzykolog E. Poohol. Charakterystyczną cechą "szkoły" jest hojną, szczegółową prezentacją wszystkich głównych "tajemnic" wydajności na gitarze klasycznej. Najbardziej pożądane kwestie technik gitarowych są starannie rozwijane: pozycja rąk, narzędzia, metody usuwania dźwięku, techniki gier itp. Sekwencja lokalizacji materiału przyczynia się do systematycznego szkolenia technicznego i artystycznego gitarzystę. "Szkoła" jest całkowicie zbudowana na oryginalnym materiale muzycznym: Prawie wszystkie eteryki i ćwiczenia są składane przez autora (biorąc pod uwagę technikę F. Tarrega) specjalnie dla odpowiednich sekcji.

Szczególnie cenne jest to, że w tej publikacji edukacyjnej nie tylko szczegółowe trudności z grą na gitarze, ale także opisuje szczegółowo sposoby ich przezwyciężenia. W szczególności wiele uwagi jest wypłacana problemem przy użyciu prawidłowego zastosowania podczas odtwarzania po prawej i lewej ręce, a przyjęcia gry w różnych pozycjach, różne ruchy, przesunięcie lewej ręki, która z pewnością przyczynia się do Rozwój myślenia brodzenia. Skuteczność "szkoły" jest potwierdzona w szczególności praktyka jego stosowania w wielu instytucjach edukacyjnych naszego kraju, Europy i Ameryki.

Kreatywna aktywność największego hiszpańskiego gitarzysty XX wieku miała ogromne znaczenie dla rozwoju świata na gitarze. Andres Segovia. Wyjątkowe znaczenie jego roli w historii rozwoju instrumentu było nie tylko jego wykonywanie i pedagogiczne randki, ale także zdolność organizatora i propagandy. Badacz M. Weissboard pisze: "... Aby zatwierdzić gitarę jako narzędzie koncertowe, brakowało mu tego, co posiadało, na przykład pianino lub skrzypce - wysoce artystyczny repertuar. Historyczne zasługa Andres Segovii i składa się przede wszystkim w tworzeniu takiego repertuaru ... ". I dalej: "Dla Segovii zaczęli pisać M. Ponce (Meksyk), M.K. Tedesco (Włochy), J. Iber, A. Russel (Francja) K. Pedrel (Argentyna), A. Tancel (Polska) i D. Drart (Anglia), R. Smith (Szwecja) ... ". Z tego małego i daleko z pełnej listy kompozytorów jasne jest, że dzięki A. Segovii, że geografia profesjonalnych pism na gitarę klasyczną była szybko rozszerzona, a w czasie, to narzędzie zwróciło uwagę na wielu wybitnych artystów - e . Vila Lobos, B. Britten. Z drugiej strony istnieją całe konstelacje utalentowanych kompozytorów, które są jednocześnie profesjonalnymi wykonawcami - A. Barrios, L. Brater, R. Dieens, N. Koshkin itp.