Radzieccy nonkonformistyczni artyści stają się klasykami. Nonkonformizm w kulturze sowieckiej: geneza i oryginalność Nonkonformizm u artystów artystycznych

NIEMUCHIN VLADIMIR NIKOLAEVICH

Urodzony w Moskwie 12 lutego 1925 r. w rodzinie tubylca ze wsi, który został robotnikiem. Dzieciństwo spędził we wsi Priluki (region Kaługa), nad brzegiem rzeki Oka. W latach 1943-1946 studiował w moskiewskiej pracowni artystycznej Wszechzwiązkowej Centralnej Rady Związków Zawodowych. Postępował zgodnie z radą artysty P.E. Sokołowa, dzięki któremu odkrył sztukę postimpresjonizmu i kubizmu. Przez pewien czas (1952-1959) zarabiał na życie jako projektant i plakacista. Brał czynny udział w prywatnych i publicznych wystawach sztuki awangardowej, w tym skandalicznej „wystawie buldożerów” na moskiewskim opustoszałym terenie w Bielajewie. Od końca lat 60. jego malarstwo znajduje coraz większe uznanie na Zachodzie. Mieszkał w Moskwie.

Po wczesnych pejzażach Prioksky'ego w sposób tradycyjny, a także eksperymentach w duchu kubizmu i malarskiej abstrakcji, odnalazł swój styl w przypadkowym motywie map na piasku plaży.

W połowie lat 60. ten spontaniczny motyw ukształtował się w na wpół abstrakcyjnych „martwach z mapami”, które stały się niezwykle wyrazistym przejawem „nieformalnego” – specjalnego ruchu abstrakcjonistycznego opartego na połączeniu czystej ekspresji malarskiej z elementem dramatycznym i symbolicznym. . Następnie Nemuchin przez wiele lat urozmaicał swoje znalezisko, zamieniając niekiedy powierzchnię płótna w przedmiotową płaszczyznę „reliefu”, przypominającą starą ścianę lub zmarnowaną przez czas powierzchnię stołu do gry. Pisał często - niejako mieszaną techniką malarską i graficzną - i na papierze (seria Jack of Diamonds, koniec lat 60. - początek lat 70.).
Asymilacja obrazu do tematu zbliżyła jego prace z lat 80. do pop-artu. W tym okresie wielokrotnie sięgał po abstrakcje rzeźbiarsko-trójwymiarowe, biomorficzne czy geometryczne, następnie coraz częściej, wystawiając swoje prace, towarzyszył malarstwu i grafikom dużymi instalacjami.
„Dedykacja dla Bacha”

Na przełomie XIX i XX wieku. mieszkał głównie w Niemczech (Dusseldorf), stale odwiedzając Rosję, gdzie w 2000 roku jego prace zajęły poczesne miejsce w Galerii Trietiakowskiej i Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej. W 1999 roku ukazała się książka „Monologi Niemukhinskiego”.
https://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/3/37/1008877.htm

pt., 20.11.2009 - 16:58
Zebra

uczestnik

SITNIKOW, WASIL JAKOWLEWICZ

Urodzony we wsi Novo-Rakitino (rejon lebiedyański w obwodzie tambowskim) 19 sierpnia (1 września 1915 r.) w rodzinie chłopskiej, która w 1921 r. przeniosła się do Moskwy. W 1933 studiował w moskiewskiej szkole okrętowo-mechanicznej, uzależniając się od produkcji modeli żaglowców. Próba wejścia do Vkhutemas (1935) nie powiodła się. Pracował przy budowie metra, jako animator i modelarz dla reżysera A.L. Ptuszki, pokazywał przezrocza na wykładach profesorów Instytutu Artystycznego W.I.Surikowa (stąd przydomek „Wasia latarnik”). Stając się ofiarą zniesławienia, w 1941 r. został aresztowany, uznany za niepoczytalnego i skierowany na przymusowe leczenie w Kazaniu. Po powrocie do stolicy (1944) przerwały mu prace dorywcze. W czasie „odwilży” przyłączył się do „nieoficjalnego” ruchu artystycznego.
Formalnym źródłem jego pracy był tradycyjny system nauczania akademickiego, oparty na pracy aktu i drobiazgowym cieniowaniu graficznym.

U Sitnikova jednak akademicki charakter przekształcił się w surrealistyczny erotyzm, a cieniowanie w rozedrgany element powietrza, otulający formy w postaci śnieżnej mgiełki, bagiennej mgły lub lekkiej mgiełki.

Do tego dodano charakterystyczne cechy „stylu rosyjskiego” w duchu symbolizmu i secesji. Tak narodziły się jego malarsko-graficzne cykle z lat 60-70 – akt, seksowna groteska, gatunki z „klasztorem ze śnieżynkami”
,
pejzaże stepowe (często także z centralnym motywem klasztoru).
Sam jego sposób życia był swego rodzaju happeningiem, ciągłą artystyczną głupotą, poczynając od słynnego napisu „Zaraz przyjdę” na drzwiach mieszkania, w którym przechowywano cenną kolekcję zabytków kościelnych i orientalnych dywanów.
Artysta od 1951 roku aktywnie naucza, realizując swoje marzenie o „akademii domowej”.

Jego system pedagogiczny zawierał wiele szokujących paradoksów (porady, jak nauczyć się tonować, „zacieniać” zdjęcia z gazet, czy jak malować pejzaż pędzlem do podłóg z koryta z kolorowym roztworem). Wielu wybitnych mistrzów (V.G. Veisberg, Yu.A. Vedernikov, MD Sterligova, A.V. Kharitonov itp.) było związanych ze „szkołą Sitnikova” - zarówno poprzez bezpośrednie praktyki, jak i twórcze kontakty. Generalnie jednak, z pewnymi wyjątkami (jak te wymienione powyżej), szkoła ta na przestrzeni lat zdegenerowała się do produkcji „pamiątki z podziemi” malowniczego kiczu.

W 1975 roku mistrz wyemigrował przez Austrię do Stanów Zjednoczonych. Najcenniejszą część swojej kolekcji ikon przekazał do Muzeum Sztuki Staroruskiej im. Andrieja Rublowa. Jego własne rzeczy „rozsypały się” niemal bez śladu – nie licząc reprodukcji i pojedynczych prac w muzeach. Nie odniósł sukcesu za granicą.
Sitnikov zmarł w Nowym Jorku 28 listopada 1987 roku.
Od wczesnych prac w duchu akademizmu przeszedł w latach 50. (przede wszystkim w cyklu „rannych”, wyrażających bolesną pamięć wojny) do wyrazistego stylu, łączącego cechy symboliki i kubizmu z gwałtowną ekspresją .

Jego prace są zwykle odlewane z brązu, w największych kompozycjach rzeźbiarz preferuje beton.
Prace Nieznanego, ucieleśniające proces wiecznego stawania się, rodzaj „formy przepływu”, skomponowane są w duże cykle, zarówno rzeźbiarskie, jak i graficzne (a później obrazowe): Gigantomachia (od 1958), Obrazy Dostojewskiego (od 1963; w 1970 w serii „Zabytki literackie” opublikował powieść Zbrodnia i kara z jego ilustracjami).

Od 1956 artysta pracuje nad swoim głównym, najbardziej ambitnym pomysłem - Drzewem Życia
,
projekt gigantycznej rzeźby-środowiska, w której motywy korony drzewa, ludzkiego serca i „liścia Mobiusa” łączą się w dziwaczny sposób, symbolizując twórczą unię sztuki i nauki.

Nieznana osoba otrzymała duże zamówienia urzędowe (pomnik ku czci przyjaźni narodów, tzw. Kwiat Lotosu przy Zaporze Asuańskiej w Egipcie, 1971; ozdobne płaskorzeźby dla Instytutu Elektroniki w Zelenogradzie, 1974 i dawny budynek Komitet Centralny KPZR w Aszchabadzie (obecnie Izba Rządu Turkmenistanu, 1975) itd.). Po zapoznaniu się co prawda z N.S. Chruszczowem podczas skandalu na wystawie w moskiewskim ujeżdżalni wykonał następnie swój nagrobek (1974), podkreślając sprzeczność rządów Chruszczowa symbolicznymi kontrastami form. W 1976 wyemigrował, a od 1977 osiadł w Stanach Zjednoczonych, w okolicach Nowego Jorku.
TEFI

Od 1989 roku mistrz często przyjeżdżał do Rosji; tu, według jego projektów, wzniesiono pomnik ofiar łagru w Magadanie (1996) – z gigantycznym betonowym Obliczem smutku – oraz renesansową w Moskwie kompozycję (2000). W 1996 otrzymał Nagrodę Państwową.

Od 1962 r. (artykuł Odkrywanie nowego w czasopiśmie „Sztuka”), a zwłaszcza w dziesięcioleciach emigracji, wygłaszał artykuły teoretyczne i wykłady na temat symbiozy Wiary i Wiedzy w sztuce, mające na celu połączenie doświadczenia artystycznego archaiczności i awangarda. Opublikował białe wiersze w przenośni komentujące jego sztukę. W Uttersbergu (Szwecja) znajduje się Muzeum „Drzewo Życia” poświęcone twórczości Nieznanego.

https://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/0/0c/1007903.htm
Wow, co za utalentowany, a wcześniej słyszałem o nim tylko paskudne rzeczy !!!

Niedawno w centrum sztuki Puszkinskaja-10 otwarto wystawę poświęconą 40-leciu grupy artystów INAKI, w skład której wchodzą Wiktor Bogorad, Siergiej Kowalski i Borys Mitawski. Prezentowane są ich prace na przestrzeni lat. Co tu widzisz? Stare dobre prace prawdopodobnie zostały już wyprzedane, więc na dziesięć nowych (powstałych po 1991 r.) jest tylko jedna stara (przed 1991 r.). Stąd problem.

Istnieje manifest z 1973 roku, w którym artyści nalegali, aby ich prace nie były klasyfikowane jako abstrakcja lub surrealizm. Niestety nie można się bez tego obejść, przynajmniej w odniesieniu do nowych prac. Mówiąc ściślej, mamy do czynienia z surrealizmem salonowym, łatwo zrozumiałym.

W kinematografii istnieje termin „kino wyzyskujące”, gdy w filmie wykorzystuje się pewien banalny temat w celu maksymalizacji zarobków przy minimalnych nakładach inwestycyjnych. Coś podobnego widzimy na przykładzie rzeczywistego nonkonformizmu, który często angażuje się w eksploatację samych siebie, wyobrażeń wymyślonych jeszcze w Związku Radzieckim. Oczywiście zdarza się, że niektóre tematy długo nie tracą na aktualności. Ale w rzeczywistości nie ma ich tak wielu, jak sobie wyobrażają artyści.

Jednym z problemów tego pokolenia artystów był ucisk sztuki oficjalnej przez właściwe władze ZSRR. Z tego powodu będąc u szczytu swojej twórczej aktywności, nie mogli znaleźć odpowiednich warunków do rozwoju. W efekcie sztuka powstawała na użytek wewnętrzny, karmiła się tylko z otoczenia i trwało to dość długo. Trudno było się do tego nie przyzwyczaić. Do dziś trwa gra nonkonformizmu, która kończy się produkcją podobnych opowiadań Soszarta. Jest jeszcze jeden problem, o którym nie chcę mówić, ale nie można go pominąć. Alkohol. Zabił wielu artystów...

Artysta Siergiej „Afryka” Bugaev wyróżnia inny problem, bardziej globalny. Izolacja rosyjskiego, a przede wszystkim petersburskiego środowiska artystycznego, fiksacja na sobie. Nic dziwnego, że artyści są odcięci od wszystkiego, co dzieje się w sztuce światowej.

„W działalności artystycznej nie ma obiegu. Jest chwila stagnacji - mówi Bugaev. „Jednocześnie nadal mamy podział na sztukę oficjalną i nieoficjalną”. W tym sensie granice można teraz całkowicie wymazać, ponieważ dawny nonkonformizm mógł od dawna być oficjalnym przepychem.

Afryka sugeruje również, że obecnie brakuje dobrej infrastruktury wystawienniczej i muzealnej, która pozwalałaby artystom wystawiać swoje prace w innych miastach. Obiekty sztuki w stagnacji. Rzeczywiście, czas trwania wystawy to niecały miesiąc. I co wtedy? Potem obrazy wrócą na warsztaty…

Jeśli chodzi o kwestię wewnętrznej konsumpcji sztuki, jest to w istocie przejaw snobizmu w stosunku do tych, którzy „nie rozumieją”. Okazuje się, że posiadanie obiektów sztuki to przywilej „tych, którzy rozumieją” (ale nie każdy ma pieniądze na to „rozumienie”).

We współczesnym społeczeństwie sztukę ludową często traktuje się jako coś wstydliwego, nierzeczywistego. Pomimo tego, że Muzeum Rosyjskie wypełnione jest tylko dziełami sztuki ludowej.

Ale np. w Niemczech kupowanie obrazu młodego, ciekawego, odpowiedniego artysty, który w swoich pracach demonstruje sprzeciw wobec systemu, jest uważane za normalne.

Rektor Akademii Sztuk Pięknych. TJ. Repin, Siemion Michajłowski nalega, aby nie zastanawiać się nad „Puszkinską-10”, ponieważ przez długi czas ani ona jako taka, ani wszystko, co z nią związane, nie istniało. Oczywiście należy pamiętać o artystach starego pokolenia, ale czas przestać postrzegać ich twórczość jako prawdziwą sztukę. Koncepcje sztuki nonkonformistycznej są przestarzałe i jeśli jakoś pozycjonujemy się w kontekście muzeum, to odpowiednio. Nie ma sensu sztucznie marginalizować siebie, bo inaczej okaże się, że będzie to tylko próba wymyślenia konfliktu. Takie wystawy są w większości robione naprawdę dla siebie, a rynek sztuki nie jest zainteresowany samymi autorami. Dla tych, dla których „Pushkinskaya-10” jest zjawiskiem zewnętrznym, takie tematy po prostu nie są interesujące.

Czy chcesz w dzisiejszych czasach popełnić akt prawdziwego nonkonformisty, zrobić coś sprzecznego z oficjalną ideologią i nieoficjalną sztuką? Zawieś klasyczny obraz socrealizmu przedstawiający studentów podnoszących dziewiczą ziemię w domu. Miło i przeciw systemowi.

Nonkonformizm. Pod tą nazwą zwyczajowo jednoczą się przedstawiciele różnych nurtów artystycznych w sztukach wizualnych Związku Radzieckiego lat 50.-1980, którzy nie mieścili się w ramach socrealizmu - jedynego oficjalnie dozwolonego kierunku w sztuce.

Artyści nonkonformistyczni zostali faktycznie wyparci z publicznego życia artystycznego kraju: państwo udawało, że po prostu nie istnieją. Związek Artystów nie uznawał ich sztuki, pozbawiono ich możliwości pokazywania prac w salach wystawowych, krytycy o nich nie pisali, muzealnicy nie odwiedzali ich pracowni.

1. Dmitrij Pławiński „Muszla”, 1978

„Tworzenie ludzkiej myśli i rąk jest prędzej czy później wchłonięte przez odwieczny żywioł natury: Atlantydę – przez ocean, świątynie Egiptu – przez pustynny piasek, Pałac w Knossos i labirynt – przez wulkaniczną lawę, Azteków piramidy - przez pnącza z dżungli.i jej śmierć i moment narodzin kolejnego...”

Dmitrij Pławiński, artysta

2. Oscar Rabin „Martwa natura z rybami i gazetą „Prawda”, 1968

„Im dalej, tym dotkliwiej czułem, że bez malarstwa nie dam rady, dla mnie nie ma nic piękniejszego niż los artysty. Jednak patrząc na obrazy oficjalnych sowieckich artystów zupełnie nieświadomie czułem, że nigdy nie dam rady malować tak. I wcale nie dlatego, że mi się nie podobały - podziwiałem kunszt wykonania, czasami otwarcie im zazdrościłem - ale generalnie ich nie dotykali, pozostawiali ich obojętnymi. Brakowało im czegoś ważnego ”.

„Nie czułem na siebie żadnych wpływów, nie zmieniłem swojego stylu, moje kreatywne credo też pozostało niezmienione. Różnorodność rosyjskiego życia mogłem przekazać poprzez symbol – śledź na gazecie „Prawda”, butelka wódki, paszport - wszyscy to rozumieją. Albo napisałem cmentarz w Lianozowie i nazwałem obraz "Cmentarz im. Leonarda da Vinci". W mojej sztuce, moim zdaniem, nic nowego, nowomodnego, powierzchownego. To, czym byłem - pozostało takie samo, jak piosenka jest śpiewana. Nie mam własnej galerii, która karmi i kieruje moją kreatywnością. Nie chciałabym być królikiem domowym. Lubię być wolnym zającem. Biegam gdzie chcę!"

Oscar Rabin, artysta

3. Lew Kropywnycki „Kobieta i chrząszcze” 1966

„Malarstwo abstrakcyjne pozwala zbliżyć się jak najbliżej rzeczywistości, wniknąć w istotę rzeczy, zrozumieć wszystko to, co ważne, czego nie odbieramy naszymi pięcioma zmysłami. Nowoczesność odczuwałam jako połączenie dramatycznych dokonań, napięć psychicznych, intelektualne przesycenie.Próbowałem i staram się, w oparciu o doświadczenie i odczucie, stworzyć formę obrazową odpowiadającą duchowi czasu i psychologii stulecia.”

Lew Kropiwnicki, artysta.

4. Dmitrij Krasnopiewcew „Rury”, 1963

"Obraz jest też autografem, tylko bardziej złożonym, przestrzennym, wielowarstwowym. A jeśli autografem, to odręcznie określają (a nie bezskutecznie) charakter, kondycję i prawie chorobę pisarza, jeśli to odszyfrowanie nie jest zaniedbany nawet przez kryminologów, wówczas obraz daje nieporównanie więcej materiału do domysłów i wniosków co do tożsamości autora. Od dawna zauważa się, że portret malowany przez artystę jest jednocześnie jego autoportretem – to rozciąga się dalej – do do wszelkich kompozycji, pejzaży, martwych natur, do wszelkich gatunków, a także do nieobiektywnej sztuki abstrakcyjnej - do tego, co artysta przedstawia. I z jakąkolwiek jego obiektywnością, beznamiętnością, jeśli chcesz uciec od siebie, stań się bezosobowy - on nie będzie mógł się ukryć, jego dzieło, jego pismo odręczne zdradzi jego duszę, jego umysł, serce, jego twarz.”

Dmitrij Krasnopiewcew, artysta.

5. Vladimir Nemukhin „Niedokończony pasjans”, 1966

„Inwentarz elementów języka obrazkowego składa się przede wszystkim z przedmiotów. Były to wcześniej – drzewa, banki, pudła, gazety, czyli pozornie proste, rozpoznawalne przedmioty. Pod koniec lat 50. wszystko to zamieniło się w abstrakcję, a wkrótce sama ta abstrakcyjna forma zaczęła mnie męczyć.Jest to stan, który odnawia zainteresowanie tematem, a on z kolei odwzajemnia się.Uważam, że podmiot jest bardzo ważny dla widzenia, ponieważ sama wizja jest przez nią widzialna. "

„W 58 roku zacząłem tworzyć moje pierwsze prace abstrakcyjne. Czym jest sztuka abstrakcyjna? Umożliwiło to natychmiastowe zerwanie z całą tą sowiecką rzeczywistością. Stałeś się inną osobą. - nową wizją. Sztuka musi być wizją, a nie rozumowaniem ”.

Władimir Niemuchin, artysta.

6. Nikołaj Wiechtomow „Droga”, 1983

"Moje życie to tworzenie własnej przestrzeni artystycznej, którą zawsze starałem się wzbogacać i do tego bardzo się starałem. Zdałem sobie sprawę, że każdy z nas jest zawsze sam na sam z kataklizmami XX wieku."

„Żyjemy w ciemności i już się do tego przyzwyczailiśmy, całkowicie rozróżniamy przedmioty. A przecież czerpiemy stamtąd światło, z blasku zachodzącego słońca Kosmosu, to ono daje nam energię widzenia. przedmioty, które są dla mnie ważne, ale ich odbicia, bo kryją w sobie tchnienie obcego żywiołu.”

Nikołaj Wiechtomow, artysta.

7. Anatolij Zverev Portret kobiety. 1966

„Anatolij Zverev to jeden z najwybitniejszych rosyjskich portrecistów urodzonych na tej ziemi, któremu udało się wyrazić drżącą dynamikę chwili i mistyczną energię wewnętrzną ludzi, których portrety malował. Zverev jest jednym z najbardziej ekspresyjnych i spontanicznych artystów naszych czasów. Jego maniery są tak indywidualne, że w każdym z jego obrazów od razu można rozpoznać pismo autora. Kilkoma pociągnięciami osiąga ogromny efekt dramatyczny, spontaniczność i natychmiastowość. Artysta udaje się przekazać poczucie bezpośredniego związku między sobą i jego model ."

Włodzimierz Długi, artysta.

„Zwieriew jest pierwszym rosyjskim ekspresjonistą XX wieku i pośrednikiem między wczesną i późną awangardą w sztuce rosyjskiej. Uważam tego niezwykłego artystę za jednego z najbardziej utalentowanych w sowieckiej Rosji”.

Grigorij Kostaki, kolekcjoner.

8. Władimir Jankilewski „Prorok”, lata 70.

„Nonkonformizm” jest konstytutywną cechą prawdziwej sztuki, gdyż przeciwstawia się banalności i pieczęci konformizmu, dostarczając nowych informacji i tworząc nową wizję świata. Los prawdziwego artysty jest często tragiczny, niezależnie od społeczeństwa, w którym żyje. To normalne, bo los artysty to los jego wnikliwości, jego wypowiedzi o świecie, które łamią utrwalone stereotypy postrzegania i myślenia tworzone przez „kulturę masową” i intelektualny snobizm. Być twórcą i być „we właściwym czasie” kanonizowanym „bohaterem” społeczeństwa, supergwiazdą jest paradoksem prawie nie do pokonania. Próby jej przezwyciężenia to droga do kariery konformisty.”

Władimir Jankilewski, artysta.

9. Lydia Masterkova „Kompozycja”, 1967

„Cały czas, z niesłabnącą siłą w jej abstrakcyjnych kompozycjach, magiczne kolory płoną, potem błyszczą, potem migoczą dogasającym ogniem. Wydaje się, że cały czas nadchodzi z różnych stron na magiczną powierzchnię płótna. Przypomnij sobie organy Bacha akordy, a czasem zielonkawo-szare, splecione ze sobą płaszczyzny kojarzące się z formami biologicznymi, kojarzą się ze „Stworzeniem świata" Millau. Wiele mówi rysunek Masterkova. Organizuje plamy na płaszczyźnie i charakter barwnych akcentów. Jest oryginalny i bardzo wyrazisty autora.”

Lew Kropiwnicki, artysta.

10. Władimir Jakowlew „Kot z ptakiem”, 1981

„Sztuka jest sposobem na pokonanie śmierci”.

Władimir Jakowlew, artysta.

„Obrazy Władimira Jakowlewa wyglądają jak nocne niebo pełne gwiazd. W nocy nie ma światła, światło jest gwiazdą. Jest to szczególnie widoczne, gdy Jakowlew przedstawia kwiaty. Jego kwiat jest zawsze gwiazdą. radość, gdy ją kontemplujemy.obrazy".

Ilya Kabakov, artysta.

11. Ernst Nieznany „Serce Chrystusa”, 1973-1975

„Działanie artystyczne (pisarskie, muzyczne i wizualne) dzielę na dwa typy: dążenie do arcydzieła i dążenie do przepływu. Dążenie do arcydzieła to sytuacja, w której artysta staje przed pewną koncepcją piękna, którą chce ucieleśnić, stworzyć kompletną, pojemne arcydzieło.Pragnienie przepływu jest egzystencjalną potrzebą kreatywności, gdy staje się analogiczne do oddychania, bicia serca, pracy całej osobowości.Dla artystów przepływu sztuka jest zmaterializowaną egzystencją, poruszającą się w każdej sekundzie , powstające i umierające. A kiedy chcę budować swoje „Drzewo życie", mam pełną świadomość niemal klinicznej, patologicznej niemożliwości tego planu. Ale jest mi to potrzebne do działania. A mnogość mnie nie przeraża, bo to jest przypieczętowana matematyczną jednością, jest samowystarczalna.Wszystko to jest próbą połączenia kilku zasad, próbą połączenia odwiecznych podstaw sztuki i jej tymczasowej treści. Xia nieustannie i wiecznie w wierze, aby stać się szlachetnym, majestatycznym, znaczącym ”.

Ernst Nieznany, artysta.

12. Eduard Steinberg „Kompozycja z rybą”, 1967

"Nie mogę powiedzieć, że jestem na dobrej drodze. Ale co to jest prawda? To słowo, obraz. Tutaj Camus ma wspaniały" Mit Syzyfa ", kiedy artysta ciągnie kamień na górę, a potem upada, ponownie go podnosi, ponownie ciągnie - to w przybliżeniu wahadło mojego życia ”.

„Praktycznie nie odkryłem niczego nowego, po prostu dałem rosyjskiej awangardzie inną perspektywę. Którą? Raczej religijną. Swoje przestrzenne struktury geometryczne opieram na starych malowidłach katakumbowych i oczywiście na malarstwie ikon”.

Eduard Steinberg, artysta.

13. Michaił Roginsky „Czerwone drzwi”. 1965

„Zmusiłem się do odtworzenia rzeczywistości w oparciu o moje wyobrażenie o niej. To właśnie robię”.

Michaił Rogiński, artysta.

Czerwone drzwi to wybitne dzieło, które odegrało kluczową rolę w historii sztuki rosyjskiej XX wieku. Wraz z kolejnym cyklem fragmentów i detali wnętrz (ściany z gniazdkami, wyłącznikami, zdjęciami, komody, podłogi wyłożone kafelkami) praca ta położyła podwaliny pod nowy realizm tematyczny. „Dokumentaryzm” (jak Roginsky wolał nazywać jego kierunek) z góry przesądził o pojawieniu się nie tylko pop-artu, ale ogólnie nowej awangardy w sowieckiej sztuce „podziemnej”, skupionej na światowym procesie artystycznym. „Czerwone drzwi” otrzeźwiły i sprowadziły na ziemię wielu artystów radzieckich, porwanych utopijnymi i metafizycznymi poszukiwaniami, otoczonych wspólnym życiem. Ta praca skłoniła artystów do wnikliwej analizy i opisania estetycznych aspektów codziennego życia sowieckiego. To jest granica iluzji malarskiej, pomost od obrazu do obiektu.

Andrey Erofeev, kurator, krytyk sztuki

14. Oleg Tselkov „Golgota” 1977

„Teraz absolutnie nie muszę wystawiać. Za pół wieku będzie mi niezwykle ciekawie pokazywać swoje prace. Dziś otaczają mnie ci sami głupcy co ja. Oni nie rozumieją więcej niż ja. Ludzie piszą, żeby zrozumieć coś. Ręka artysty nie jest napędzana dążeniem. eksponatem i chęcią opowiedzenia o tym, czego przeżyłem. Kiedy obraz jest malowany, nie mam już nad nim władzy. Może pozostać żywy lub zginąć. Moje obrazy są moim listem w butelce wrzuconej do morza. Może nikt nigdy tej butelki nie złapie i rozbije się o skałę.”

Oleg Tselkov, artysta.

15. Hulot Sooster „Czerwone jajko”, 1964

„W jego spojrzeniu na naturę nie ma ani spontaniczności, ani zaskoczenia, ani podziwu. Jest to raczej widok naukowca dążącego do zgłębienia tajemnicy rzeczy. Artysta zdaje się szukać jakiejś idealnej formuły natury, jej centryczności, formuła tak kompletna i złożona jak jajka”.

Dni bezpłatnego wstępu do muzeum

W każdą środę wstęp na stałą wystawę „Sztuka XX wieku” i wystawy czasowe w (Krymsky Val, 10) jest bezpłatny dla zwiedzających bez oprowadzania z przewodnikiem (z wyjątkiem wystawy „Ilya Repin” i projektu „Awangarda w trzech wymiarach: Gonczarowa i Malewicz").

Prawo do bezpłatnego wstępu na wystawy w głównym budynku na pasie Ławruszyńskiego, budynku Inżynierii, Nowej Galerii Trietiakowskiej, domu-muzeum W.M. Wasniecow, AM Vasnetsov jest dostarczany w następujące dni dla niektórych kategorii obywateli:

Pierwsza i druga niedziela każdego miesiąca:

dla studentów wyższych uczelni Federacji Rosyjskiej, niezależnie od formy studiów (w tym obcokrajowców-studentów rosyjskich uczelni, doktorantów, adiunktów, rezydentów, asystentów-stażystów) po okazaniu legitymacji studenckiej (nie dotyczy osób okazanie legitymacji studenckich „student-praktykant” );

dla uczniów średnich i średnich wyspecjalizowanych instytucji edukacyjnych (od 18 lat) (obywatele Rosji i krajów WNP). Studenci posiadający karty ISIC w pierwszą i drugą niedzielę każdego miesiąca mają prawo do bezpłatnego zwiedzania wystawy „Sztuka XX wieku” Nowej Galerii Trietiakowskiej.

w każdą sobotę - dla członków rodzin wielodzietnych (obywatele Rosji i krajów WNP).

Należy pamiętać, że warunki bezpłatnego wstępu na wystawy czasowe mogą się różnić. Sprawdź informacje na stronach wystaw.

Uwaga! W kasie Galerii bilety wstępu opatrzone są nominałem „bezpłatnie” (po okazaniu odpowiednich dokumentów – dla ww. zwiedzających). Ponadto wszystkie usługi Galerii, w tym usługi wycieczek, są płatne zgodnie z ustaloną procedurą.

Zwiedzanie muzeum w wakacje

Drodzy goście!

Proszę zwrócić uwagę na godziny otwarcia Galerii Trietiakowskiej w święta. Wizyta jest płatna.

Należy pamiętać, że bilety elektroniczne są przyjmowane na zasadzie „kto pierwszy, ten lepszy”. Z regulaminem zwrotu biletów elektronicznych można zapoznać się pod adresem.

Gratulujemy nadchodzących wakacji i czekamy w salach Galerii Trietiakowskiej!

Prawo do preferencyjnych wizyt Galeria, poza przypadkami przewidzianymi odrębnym zarządzeniem dyrekcji Galerii, jest udostępniana po okazaniu dokumentów potwierdzających prawo do preferencyjnych wizyt:

• emeryci (obywatele Rosji i krajów WNP),
• pełnoprawni posiadacze „Orderu Chwały”,
• uczniowie średnich i średnich wyspecjalizowanych placówek edukacyjnych (od 18 roku życia),
• studenci wyższych uczelni Rosji, a także studenci zagraniczni studiujący na rosyjskich uniwersytetach (z wyjątkiem studentów odbywających staż),
• członkowie rodzin wielodzietnych (obywatele Rosji i krajów WNP).

Prawo wstępu za darmo Wystawy główne i czasowe Galerii, z wyjątkiem przypadków przewidzianych odrębnym zarządzeniem dyrekcji Galerii, przewidziane są dla następujących kategorii obywateli po okazaniu dokumentów potwierdzających prawo do bezpłatnego wstępu:

• osoby poniżej 18 roku życia;
• studenci wydziałów specjalizujących się w dziedzinie sztuk pięknych w szkołach średnich i wyższych w Rosji, niezależnie od formy studiów (a także studenci zagraniczni studiujący na rosyjskich uniwersytetach). Klauzula nie dotyczy osób prezentujących legitymacje studenckie dla „studentów” (w przypadku braku informacji o wydziale w legitymacji studenckiej, przedstawia się zaświadczenie z placówki oświatowej z obowiązkowym wskazaniem wydziału);
• weterani i inwalidzi Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, kombatanci, byli nieletni więźniowie obozów koncentracyjnych, gett i innych miejsc przetrzymywania tworzonych przez nazistów i ich sojuszników w czasie II wojny światowej, bezprawnie represjonowani i rehabilitowani obywatele (obywatele Rosji i krajów WNP );
• poborowi Federacji Rosyjskiej;
• Bohaterowie Związku Radzieckiego, Bohaterowie Federacji Rosyjskiej, Pełni Kawalerowie Orderu Chwały (obywatele Rosji i krajów WNP);
• osoby niepełnosprawne z grup I i ​​II, uczestnicy likwidacji skutków katastrofy w elektrowni jądrowej w Czarnobylu (obywatele Rosji i krajów WNP);
• jedna osoba towarzysząca z osobą niepełnosprawną z grupy I (obywatele Rosji i krajów WNP);
• jedno towarzyszące dziecko niepełnosprawne (obywatele Rosji i krajów WNP);
• artyści, architekci, projektanci - członkowie odpowiednich związków twórczych Rosji i jej podmiotów, krytycy sztuki - członkowie Stowarzyszenia Krytyków Sztuki Rosji i jej podmiotów, członkowie i pracownicy Rosyjskiej Akademii Sztuki;
• członkowie Międzynarodowej Rady Muzeów (ICOM);
• pracownicy muzeów ustroju Ministerstwa Kultury Federacji Rosyjskiej i odpowiednich Departamentów Kultury, pracownicy Ministerstwa Kultury Federacji Rosyjskiej i ministerstw kultury podmiotów Federacji Rosyjskiej;
• Wolontariusze muzealni - wstęp na wystawę „Sztuka XX wieku” (Krymsky Val, 10) oraz na wystawę AM. Vasnetsova (obywatele Rosji);
• przewodnicy-tłumacze posiadający legitymację akredytacyjną Stowarzyszenia Przewodników-Tłumaczy i Tour Managerów Rosji, w tym towarzyszący grupie turystów zagranicznych;
• jeden nauczyciel instytucji edukacyjnej i jedna towarzysząca grupa uczniów średnich i średnich wyspecjalizowanych placówek edukacyjnych (w obecności bonu wycieczkowego, abonamentu); jeden nauczyciel instytucji edukacyjnej, który ma państwową akredytację na działalność edukacyjną podczas uzgodnionej sesji szkoleniowej i ma specjalną odznakę (obywatele Rosji i krajów WNP);
• jedna towarzysząca grupa studentów lub grupa poborowych (w obecności vouchera na wycieczkę z przewodnikiem, abonamentu i podczas szkolenia) (obywatele Rosji).

Odwiedzający powyższe kategorie obywateli otrzymują bezpłatny bilet wstępu.

Należy pamiętać, że warunki preferencyjnego wstępu na wystawy czasowe mogą się różnić. Sprawdź informacje na stronach wystaw.