Rzeźby grecy autorzy i tytuły. Legendarne greckie posągi

1.1 Rzeźba w starożytnej Grecji. Warunki jej rozwoju

Wśród wszystkich sztuk pięknych starożytnych cywilizacji sztuka starożytnej Grecji, w szczególności jej rzeźba, zajmuje bardzo szczególne miejsce. Żywe ciało, zdolne do wszelkiej pracy mięśni, Grecy stawiali ponad wszystko. Brak odzieży nikogo nie szokował. Wszystko było traktowane zbyt prosto, by się czegokolwiek wstydzić. A jednocześnie, oczywiście, czystość na tym nie straciła.

1.2 Rzeźba Grecji epoki archaicznej

Okres archaiczny to okres formowania się starożytnej rzeźby greckiej. Chęć rzeźbiarza, aby przekazać piękno idealnego ludzkiego ciała, które w pełni zamanifestowało się w pracach późniejszej epoki, jest już zrozumiałe, ale wciąż zbyt trudno było artyście odejść od formy kamiennego bloku, a postacie z tego okresu są zawsze statyczne.

Pierwsze zabytki starożytnej rzeźby greckiej epoki archaicznej określa styl geometryczny (VIII wiek). Są to schematyczne figurki znalezione w Atenach, Olimpia , w Beocji. Archaiczna era rzeźby starożytnej Grecji przypada na VII-VI wiek. (wczesny archaiczny - około 650 - 580 pne; wysoki - 580 - 530; późno - 530-500/480). Początek rzeźby monumentalnej w Grecji sięga połowy VII wieku. pne NS. i charakteryzuje się orientalizacją style, z których najważniejszy był Dedal, związany z imieniem półmitycznego rzeźbiarza Dedala . Krąg rzeźby „Dedala” obejmuje posąg Artemidy z Delos oraz rzeźbę kobiecą z kreteńskiego dzieła przechowywaną w Luwrze („Pani z Auxerre”). Połowa VII wieku. pne NS. pierwsze kuro są również datowane . Z tego samego okresu pochodzi pierwsza dekoracja rzeźbiarska świątyni. - płaskorzeźby i posągi z Prinia na Krecie. W przyszłości dekoracja rzeźbiarska wypełnia pola uwydatnione w świątyni samą jej strukturą – naczółkami i metopy v Dorycka świątynia, ciągły fryz (Zophorus) - w jońskim. Najwcześniejsze kompozycje frontonów w starożytnej rzeźbie greckiej pochodzą z ateńskiego Akropolu oraz ze Świątyni Artemidy na wyspie Kerkyra (Korfu). Posągi nagrobne, dedykacyjne i kultowe są reprezentowane w archaiku przez rodzaj kouros i kory . Archaiczne płaskorzeźby zdobią podstawy posągów, naczółki i metopy świątyń (później okrągła rzeźba pojawia się w miejscu płaskorzeźb w naczółkach), stele nagrobne . Wśród słynnych zabytków archaicznej rzeźby okrągłej znajduje się głowa Hery, odnaleziona w pobliżu jej świątyni w Olimpii, posąg Kleobisa i Bitona z Delf, Moschofor („Byk”) z ateńskiego Akropolu, Hera z Samos , posągi z Didimy, Nikka Arkherma i wsp. Ostatni posąg przedstawia archaiczny schemat tzw. W rzeźbie archaicznej przyjmuje się również szereg konwencji – np. tzw. „uśmiech archaiczny” na twarzach rzeźb archaicznych.

W rzeźbach z epoki archaicznej dominują posągi szczupłych nagich młodzieńców i udrapowanych młodych dziewcząt - kuro i szczekanie. Ani dzieciństwo, ani starość nie przyciągały wówczas uwagi artystów, bo tylko w dojrzałej młodości siły witalne są w sile i równowadze. Wczesna sztuka grecka tworzy obrazy mężczyzny i kobiety w ich idealnej formie. W tamtych czasach horyzonty duchowe były niezwykle poszerzone, człowiek wydawał się stać twarzą w twarz ze wszechświatem i chciał zrozumieć jego harmonię, tajemnicę jego integralności. Umykały szczegóły, najbardziej fantastyczne były wyobrażenia o konkretnym „mechanizmie” wszechświata, ale patos całości, świadomość uniwersalnego połączenia – to była siła filozofii, poezji i sztuki archaicznej Grecji*. Tak jak filozofia, wówczas jeszcze bliska poezji, sprytnie odgadła ogólne zasady rozwoju, a poezja - istotę ludzkich namiętności, tak sztuki piękne stworzyły uogólniony ludzki wygląd. Spójrzmy na kouros lub, jak się je czasem nazywa, „archaiczny Apollo”. Nie jest tak ważne, czy artysta rzeczywiście zamierzał sportretować Apollina, bohatera czy sportowca, mężczyzna jest młody, nagi, a jego czysta nagość nie potrzebuje wstydliwych okryć. Zawsze stoi wyprostowany, jego ciało przesiąknięte chęcią ruchu. Budowa ciała jest pokazana i podkreślona z największą wyrazistością; od razu widać, że długie, muskularne nogi mogą zginać się w kolanach i biegać, mięśnie brzucha mogą się napinać, klatka piersiowa może puchnąć przy głębokim oddychaniu. Twarz nie wyraża żadnego konkretnego doświadczenia ani indywidualnych cech charakteru, ale kryją się w niej możliwości różnych przeżyć. A konwencjonalny "uśmiech" - lekko uniesione kąciki ust - tylko możliwość uśmiechu, nuta radości bycia nieodłączną od tej, jakby dopiero co stworzonej, osoby.

Posągi Kouros powstały głównie na obszarach, gdzie dominował styl dorycki, czyli na terenie Grecji kontynentalnej; posągi kobiece - szczekają - głównie w Azji Mniejszej i miastach wyspiarskich, paleniska w stylu jońskim. Piękne postacie kobiece odnaleziono podczas wykopalisk archaicznego ateńskiego Akropolu, wzniesionego w VI wieku p.n.e. e., kiedy rządził tam Peisistratus i zniszczony podczas wojny z Persami. Przez dwadzieścia pięć wieków korę marmuru grzebano w „perskich śmieciach”; w końcu zostały wyjęte, na wpół połamane, ale nie tracąc swojego niezwykłego uroku. Niektóre z nich mogły być wykonywane przez mistrzów jońskich zaproszonych przez Peisistratusa do Aten; ich sztuka wpłynęła na attycki plastik, który teraz łączy cechy doryckiej surowości z jońskim wdziękiem. W skorupie ateńskiego Akropolu ideał kobiecości wyraża się w jej nieskazitelnej czystości. Uśmiech jest jasny, spojrzenie ufne i jakby radośnie zdumione spektaklem świata, postać jest skromnie udrapowana peplosem - welonem lub lekką szatą - chitonem (w epoce archaicznej kobieta postacie, w przeciwieństwie do mężczyzn, nie były jeszcze przedstawiane nago, włosy spływały mu po ramionach w kręconych kosmykach. Kory te stały na postumentach przed świątynią Ateny, trzymając jabłko lub kwiat.

Rzeźby archaiczne (podobnie jak klasyczne) nie były tak jednolicie białe, jak je teraz sobie wyobrażamy. Wiele zachowało ślady zabarwienia. Włosy marmurowych dziewczyn były złote, policzki różowe, oczy niebieskie. Na tle bezchmurnego nieba Hellady wszystko to miało wyglądać bardzo odświętnie, ale jednocześnie surowo, dzięki wyrazistości, opanowaniu i konstruktywności form i sylwetek. Nie było nadmiernego kwiecistości i różnorodności. Poszukiwanie racjonalnych podstaw piękna, harmonii opartej na mierze i liczbie, to bardzo ważny punkt w estetyce Greków. Filozofowie pitagorejscy starali się uchwycić regularne relacje liczbowe w muzycznych współbrzmieniach i w układzie ciał niebieskich, wierząc, że harmonia muzyczna odpowiada naturze rzeczy, porządkowi kosmicznemu, „harmonii sfer”. Artyści poszukiwali matematycznie zweryfikowanych proporcji ciała ludzkiego i "ciała" architektury.Pod tym względem wczesna sztuka grecka różni się zasadniczo od obcej wszelkiej matematyce kreteńsko-mykeńskiej.

Bardzo żywa scena rodzajowa: Tak więc w epoce archaicznej położono podwaliny starożytnej rzeźby greckiej, kierunki i opcje jej rozwoju. Już wtedy główne cele rzeźby, ideały estetyczne i aspiracje starożytnych Greków były jasne. W późniejszych okresach nastąpił rozwój i doskonalenie tych ideałów oraz umiejętności starożytnych rzeźbiarzy.

1.3 Rzeźba Grecji epoki klasycznej

Okres klasyczny starożytnej rzeźby greckiej przypada na V-IV wiek p.n.e. (wczesne klasyki lub „ścisły styl” - 500/490 - 460/450 pne; wysoki - 450 - 430/420 pne; „bogaty styl” - 420 - 400/390 pne; późny klasyk - 400/390 - OK. 320 pne pne N.S.). Na przełomie dwóch epok - archaicznej i klasycznej - znajduje się dekoracja rzeźbiarska świątyni Ateny Aphaia na wyspie Egina . Rzeźby frontonu zachodniego pochodzą z fundacji świątyni (510 - 500 pne pne pne), rzeźby drugiego wschodniego, zastępujące poprzednie, - do wczesnego okresu klasycznego (490 - 480 p.n.e.). Centralnym zabytkiem starożytnej greckiej rzeźby wczesnych klasyków są frontony i metopy świątyni Zeusa w Olimpii (ok. 468 - 456 pne pne N.S.). Kolejne znaczące dzieło wczesnych klasyków - tzw. „Tron Ludovisi”, ozdobiony płaskorzeźbami. Z tego czasu sprowadzono również wiele oryginałów z brązu - "Delficki woźnica", posąg Posejdona z Przylądka Artemisium, Brąz z Riace . Najwięksi rzeźbiarze wczesnych klasyków - Pitagoras Regian, Calamidy i Myron . Prace słynnych greckich rzeźbiarzy oceniamy głównie na podstawie świadectw literackich i późniejszych kopii ich dzieł. Wysoka klasyka jest reprezentowana przez imiona Fidiasza i Polikletusa . Jej krótkotrwałe kwitnienie związane jest z pracami na ateńskim Akropolu, czyli z rzeźbiarską dekoracją Partenonu (przetrwały frontony, metopy i zofory, 447 - 432 pne). Najwyraźniej szczytem starożytnej greckiej rzeźby była chryzoelefantyna posągi Ateny Partenos i Zeus of Olympic autorstwa Fidiasza (oba nie przetrwały). „Bogaty styl” jest charakterystyczny dla dzieł Kallimacha, Alkamena, Agorakritus i inni rzeźbiarze z końca V wieku pne Jego charakterystycznymi zabytkami są płaskorzeźby balustradowe małej świątyni Nika Apteros na ateńskim Akropolu (ok. 410 pne) oraz szereg stel nagrobnych, wśród których najbardziej znana jest stela Gegeso. . Najważniejsze dzieła starożytnej rzeźby greckiej późnej klasyki – dekoracja świątyni Asklepiosa w Epidauros (około 400 - 375 pne), Świątynia Ateny Alei w Tegea (ok. 370 - 350 pne), Świątynia Artemidy w Efezie (ok. 355 - 330 p.n.e.) i Mauzoleum w Halikarnasie (ok. 350 pne), nad dekoracją rzeźbiarską, nad którą pracował Skopas, Briaxides, Tymoteusz i Leohar . To ostatnie przypisuje się również posągom Apolla Belvedere i Diana z Wersalu . Istnieje również wiele oryginałów z brązu z IV wieku. pne NS. Najwięksi rzeźbiarze późnej klasyki to Praxitel, Skopas i Lysippos, pod wieloma względami antycypowała kolejną erę hellenizmu.

Rzeźba grecka zachowała się częściowo w gruzach i fragmentach. Większość posągów jest nam znana z kopii rzymskich, które zostały wykonane w dużych ilościach, ale nie oddają piękna oryginałów. Kopiści rzymscy szorstkowali je i suszyli, a przedmioty z brązu przerabiali na marmury, szpecąc niezdarnymi rekwizytami. Wielkie postacie Ateny, Afrodyty, Hermesa, Satyra, które teraz widzimy w salach Ermitażu, są tylko bladymi powtórzeniami greckich arcydzieł. Mijasz je prawie obojętnie i nagle zatrzymujesz się przed jakąś głową ze złamanym nosem, z uszkodzonym okiem: to grecki oryginał! I niesamowita siła życia nagle wybuchnie z tego fragmentu; sam marmur jest inny niż w rzymskich posągach - nie śmiertelnie biały, ale żółtawy, przezroczysty, świetlisty (Grecy nadal nacierali go woskiem, co nadało marmurowi ciepły odcień). Tak łagodne są topniejące przejścia światłocienia, tak szlachetne jest miękkie rzeźbienie twarzy, że mimowolnie przypomina się zachwyt greckich poetów: te rzeźby naprawdę oddychają, naprawdę żyją*. W rzeźbie z pierwszej połowy wieku, kiedy toczyły się wojny z Persami, panował odważny, surowy styl. Powstała wówczas rzeźbiarska grupa tyranobójczych: dojrzały mąż i młody mężczyzna, stojąc obok siebie, wykonują gwałtowny ruch naprzód, młodszy przynosi miecz, starszy okrywa go płaszczem. Jest to pomnik postaci historycznych – Harmodiusa i Arystogeitona, którzy kilkadziesiąt lat wcześniej zabili ateńskiego tyrana Hipparcha – pierwszy polityczny pomnik w sztuce greckiej. Jest jednocześnie wyrazem heroicznego ducha oporu i umiłowania wolności, które rozgorzało w dobie wojen grecko-perskich. „Nie są śmiertelnymi niewolnikami, nikomu nie podlegają” — mówi tragedia Ajschylosa „Persowie” o Ateńczykach. Bitwy, walki, bohaterskie czyny... Sztuka wczesnych klasyków pełna jest tych wojowniczych tematów. Na frontonach Świątyni Ateny na Eginie - walka Greków z Trojanami. Na zachodnim frontonie świątyni Zeusa w Olimpii - walka Lapitów z centaurami, na metopach - wszystkie dwanaście prac Herkulesa. Innym ulubionym zestawem motywów są zawody gimnastyczne; w tamtych odległych czasach sprawność fizyczna i opanowanie ruchów ciała miały decydujące znaczenie dla wyników bitew, więc gry sportowe nie były tylko rozrywką. Tematyka walk wręcz, zawodów jeździeckich, zawodów biegowych i rzutów dyskiem nauczyła rzeźbiarzy dynamicznego przedstawiania ludzkiego ciała. Przezwyciężono archaiczną sztywność postaci. Teraz działają, poruszają się; pojawiają się złożone pozy, odważne kąty kamery, wielkie gesty. Najjaśniejszym innowatorem był rzeźbiarz ze strychu Miron. Głównym zadaniem Myrona było jak najpełniejsze i najmocniejsze wyrażenie ruchu. Metal nie pozwala na tak precyzyjną i delikatną pracę jak marmur i być może dlatego zwrócił się do znalezienia rytmu ruchu. Równowaga, dostojny „etos”, zachowany jest w klasycznej rzeźbie o surowym stylu. Ruch postaci nie jest ani chaotyczny, ani nadmiernie wzburzony, ani zbyt gwałtowny. Nawet w dynamicznych motywach walki, biegu, upadku, nie zatraca się poczucie „olimpijskiego spokoju”, integralnej plastycznej kompletności i samoizolacji.

Atena, którą wykonał na zlecenie Platajów i która drogo kosztowała to miasto, umocniła sławę młodego rzeźbiarza. Został zamówiony dla Akropolu przez kolosalny posąg patronki Ateny. Osiągnęła 60 stóp wysokości i przekroczyła wszystkie otaczające budynki; z daleka, od morza świeciła złotą gwiazdą i panowała nad całym miastem. Nie był to akrolit (kompozyt), jak Plateia, ale cały odlano z brązu. Inny posąg Akropolu, Dziewica Atena, wykonany dla Partenonu, składał się ze złota i kości słoniowej. Atena została przedstawiona w kombinezonie bojowym, w złotym hełmie z płaskorzeźbionym sfinksem i sępami po bokach. W jednej ręce trzymała włócznię, w drugiej figurę zwycięstwa. U jej stóp zwinął się wąż - strażnik Akropolu. Ten posąg jest uważany za najlepszą gwarancję Fidiasza po jego Zeusie. Służył jako oryginał dla niezliczonych kopii. Ale szczytem doskonałości wszystkich dzieł Fidiasza jest jego olimpijski Zeus. Było to największe dzieło jego życia: sami Grecy dali mu palmę. Wywarł nieodparte wrażenie na współczesnych.

Zeus został przedstawiony na tronie. W jednej ręce trzymał berło, w drugiej - obraz zwycięstwa. Ciało było z kości słoniowej, włosy złote, płaszcz złoty, emaliowany. Tron składał się z hebanu, kości i drogocennych kamieni. Ściany między nogami pomalował kuzyn Fidiasza, Panen; stopa tronu była cudem rzeźby. Podziw Greków dla piękna i mądrego ułożenia żywego ciała był tak wielki, że estetycznie myśleli o nim tylko w posągowej kompletności i kompletności, co pozwalało docenić majestat postawy, harmonię ruchów ciała. Jednak ekspresja była nie tyle w wyrazie twarzy, co w ruchach ciała. Patrząc na tajemniczo pogodną moirę Partenonu, na żwawą, rozbrykaną Nikę, która odwiązuje sandał, zapominamy niemal, że odcięto im głowy - tak wymownie jest plastyczność ich postaci.

Rzeczywiście, ciała greckich posągów są niezwykle uduchowione. Francuski rzeźbiarz Rodin powiedział o jednym z nich: „Ten młody, bezgłowy tors uśmiecha się radośnie do światła i wiosny, niż mogły to zrobić oczy i usta”. Ruch i postawa w większości przypadków są proste, naturalne i niekoniecznie kojarzą się z czymś wzniosłym. Głowy posągów greckich są z reguły bezosobowe, to znaczy mało zindywidualizowane, zredukowane do kilku odmian ogólnego typu, ale ten ogólny typ ma wysokie zdolności duchowe. W greckim typie twarzy triumfuje idea „człowieka” w swojej idealnej formie. Twarz podzielona jest na trzy równej długości części: czoło, nos i dolną część. Prawidłowy, delikatny owal. Prosta linia nosa kontynuuje linię czoła i tworzy linię prostopadłą poprowadzoną od początku nosa do ujścia ucha (prosty kąt twarzy). Podłużny odcinek dość głęboko osadzonych oczu. Małe usta, pełne wypukłe usta, górna warga jest cieńsza niż dolna i ma piękne, płynące wycięcie przypominające kupidyna. Broda jest duża i okrągła. Falowane włosy miękko i ciasno owijają się wokół głowy, nie przeszkadzając w zobaczeniu zaokrąglonego kształtu czaszki. To klasyczne piękno może wydawać się monotonne, ale będąc wyrazistym „naturalnym wyglądem ducha”, poddaje się wariacji i jest zdolne ucieleśniać różne typy antycznego ideału. Nieco więcej energii w ustach, w wystającym podbródku - przed nami surowa dziewica Atena. Większa miękkość w konturach policzków, lekko rozchylone usta, zacienione oczodoły – przed nami zmysłowa twarz Afrodyty. Owal twarzy jest bliżej kwadratu, szyja jest grubsza, usta są większe - to już wizerunek młodego sportowca. A podstawą jest wciąż ten sam ściśle proporcjonalny klasyczny wygląd.

Po wojnie… Zmienia się charakterystyczna poza stojąca postać. W epoce archaicznej posągi stały całkowicie prosto, frontalnie. Dojrzałe klasyki ożywiają je i ożywiają wyważonymi, płynnymi ruchami, zachowując równowagę i stabilność. A posągi Praksytelesa – odpoczywającego Satyra, Apolla Saurocton – z leniwą gracją opierają się o filary, bez nich musiałyby upaść. Udo jest bardzo mocno wysklepione z jednej strony, a ramię opuszczone w kierunku uda – Rodin porównuje tę pozycję ciała do harmonijki, kiedy miechy są ściśnięte z jednej strony i rozstawione z drugiej. Do zachowania równowagi wymagane jest wsparcie zewnętrzne. To senna poza spoczynkowa. Praksyteles podąża za tradycjami Polikleta, wykorzystuje odnalezione przez siebie motywy ruchów, ale rozwija je w taki sposób, aby przebijała w nich inna wewnętrzna treść. „Zraniona Amazonka” Polikletai również opiera się na półkolumnie, ale bez niej mogłaby się oprzeć, jej silne, energiczne ciało, nawet cierpiące na ranę, stoi twardo na ziemi. Apollo Praksyteles nie jest trafiony strzałą, sam celuje w jaszczurkę biegnącą po pniu drzewa - akcja, jak się wydaje, wymaga opanowania o silnej woli, jednak jego ciało jest niestabilne, jak oscylująca łodyga. I nie jest to przypadkowa osobliwość, nie kaprys rzeźbiarza, ale rodzaj nowego kanonu, w którym wyraża się zmienione spojrzenie na świat. Jednak w rzeźbie z IV wieku p.n.e. zmienił się nie tylko charakter ruchów i postaw. NS. Praksyteles ma inny krąg ulubionych tematów, odchodzi od heroicznych wątków w „światło światła Afrodyty i Erosa”. Wyrzeźbił słynny posąg Afrodyty z Knidos. Praxitel i artyści z jego kręgu nie lubili przedstawiać muskularnych torsów sportowców, pociągało ich delikatne piękno kobiecego ciała z miękkim przepływem objętości. Preferowali typ młodzieńca, wyróżniający się „pierwszą młodzieńczą urodą, zniewieściałym”. Praxitel słynął ze szczególnej miękkości rzeźbienia i mistrzostwa obróbki materiału, zdolności do przekazywania ciepła żywego ciała w zimnym marmurze2.

Jedynym zachowanym oryginałem Praksytelesa jest marmurowy posąg „Hermes z Dionizosem” znaleziony w Olimpii. Nagi Hermes, wsparty o pień drzewa, gdzie niedbale rzuci się jego płaszcz, w jednej zgiętej ręce trzyma małego Dionizosa, a w drugiej kiść winogron, do której sięga dziecko (zgubiona ręka trzymająca winogrona) . Cały urok malarskiej obróbki marmuru tkwi w tym posągu, zwłaszcza w głowie Hermesa: przejścia światła i cienia, najsubtelniejsze „sfumato” (mgiełka), które wiele wieków później zostało osiągnięte na obrazie Leonarda da Vinci . Wszystkie inne dzieła mistrza znane są jedynie z odniesień do starożytnych autorów i późniejszych kopii. Ale duch sztuki Praksytelesa wieje w IV wieku p.n.e. e., a co najlepsze, można to wyczuć nie w rzymskich kopiach, ale w małych greckich rzeźbach, w glinianych figurkach Tanager. Produkowano je w dużych ilościach pod koniec wieku, była to swego rodzaju produkcja masowa z głównym ośrodkiem w Tanagrze. (Bardzo dobra ich kolekcja jest przechowywana w Pustelni Leningradzkiej.) Niektóre figurki odtwarzają dobrze znane duże posągi, inne po prostu dają różne swobodne wariacje udrapowanej kobiecej postaci. Żywa gracja tych postaci, rozmarzona, zamyślona, ​​figlarna, jest echem sztuki Praksytelesa.

1.4 Rzeźba Grecji epoki hellenistycznej

Samo pojęcie „hellenizmu” zawiera pośrednie wskazanie zwycięstwa zasady helleńskiej. Nawet w odległych rejonach świata hellenistycznego, w Baktrii i Partii (dzisiejsza Azja Środkowa), pojawiają się osobliwie przetworzone starożytne formy sztuki. A Egipt jest trudny do rozpoznania, jego nowe miasto Aleksandria jest już prawdziwym oświeconym ośrodkiem kultury antycznej, w którym kwitną zarówno nauki ścisłe, jak i humanitarne oraz szkoły filozoficzne wywodzące się z Pitagorasa i Platona. Hellenistyczna Aleksandria dała światu wielkiego matematyka i fizyka Archimedesa, geometra Euklidesa, Arystarcha z Samos, który osiemnaście wieków przed Kopernikiem twierdził, że Ziemia krąży wokół Słońca. Gabinety słynnej Biblioteki Aleksandryjskiej, oznaczone greckimi literami, od alfa do omegi, zawierały setki tysięcy zwojów - „dzieł, które lśniły we wszystkich dziedzinach wiedzy”. Stała tam wspaniała latarnia morska Pharos, zaliczana do siedmiu cudów świata; tam powstał Museion, pałac muz - pierwowzór wszystkich przyszłych muzeów. W porównaniu z tym bogatym i bujnym miastem portowym, stolicą ptolemejskiego Egiptu, miastami greckiej metropolii, nawet Ateny wyglądały zapewne skromnie. Ale te skromne, małe miasta były głównym źródłem tych skarbów kultury, które były przechowywane i czczone w Aleksandrii, tych tradycji, za którymi nadal podążali. O ile nauka hellenistyczna wiele zawdzięczała dziedzictwu starożytnego Wschodu, to sztuki plastyczne zachowały głównie grecki charakter.

Podstawowe zasady formacyjne pochodziły z klasyków greckich, treść stała się inna. Nastąpiło zdecydowane rozgraniczenie życia publicznego i prywatnego. W monarchiach hellenistycznych ustanowiony zostaje kult jedynego władcy, utożsamiany z bóstwem, podobny do tego, jaki był w starożytnym wschodnim despotyzmie. Ale podobieństwo jest względne: „osoba prywatna”, która nie jest dotknięta przez burze polityczne lub dotyka go tylko nieznacznie, nie jest tak bezosobowa, jak w starożytnych państwach wschodnich. Ma swoje życie: jest kupcem, jest przedsiębiorcą, jest urzędnikiem, jest naukowcem. Ponadto często jest Grekiem z pochodzenia - po podbojach Aleksandra rozpoczęły się masowe przesiedlenia Greków na Wschód - nie są mu obce koncepcje godności człowieka, wychowane przez kulturę grecką. Nawet jeśli jest odsunięty od władzy i spraw publicznych, jego odizolowany świat prywatny domaga się i znajduje dla siebie wyraz artystyczny, którego podstawą są tradycje późnej klasyki greckiej, przerobione w duchu większej intymności i gatunku. A w sztuce „państwowej”, oficjalnej, w dużych budynkach użyteczności publicznej i pomnikach, te same tradycje są przetwarzane, wręcz przeciwnie, w kierunku przepychu.

Pompy i intymność to cechy przeciwstawne; Sztuka hellenistyczna pełna jest kontrastów - gigantycznych i miniaturowych, ceremonialnych i codziennych, alegorycznych i naturalnych. Świat stał się bardziej złożony, bardziej zróżnicowane potrzeby estetyczne. Główną tendencją jest odejście od uogólnionego typu ludzkiego do rozumienia osoby jako konkretnej, indywidualnej istoty, a co za tym idzie rosnąca uwaga na jego psychologię, zainteresowanie wydarzeniami i nowa czujność wobec narodowych, wiekowych, społecznych i innych przejawów osobowości . Ale ponieważ wszystko to zostało wyrażone w języku odziedziczonym po klasykach, który nie stawiał sobie takich zadań, to w innowacyjnych dziełach epoki hellenistycznej odczuwa się pewną nieorganiczność, nie osiągają one integralności i harmonii swoich wielkich poprzedników. Portretowa głowa bohaterskiego posągu Diadocha nie pasuje do jego nagiego torsu, co przypomina typ klasycznego atlety. Dramatowi wielopostaciowej grupy rzeźbiarskiej „Farnese Bull” przeczy „klasyczna” reprezentacyjność postaci, ich postawy i ruchy są zbyt piękne i płynne, by uwierzyć w prawdziwość ich doświadczeń. W licznych rzeźbach parkowych i kameralnych tradycje Praksytelesa są umniejszone: Eros, „wielki i potężny bóg”, zamienia się w figlarnego, figlarnego Kupidyna; Apollo - we zalotnym, rozpieszczonym Apollino; wzmocnienie gatunku nie jest dla nich dobre. A dobrze znanym hellenistycznym posągom starych kobiet niosących żywność, staruszki pijanej, starego rybaka o zwiotczałym ciele brakuje mocy symbolicznego uogólniania; sztuka opanowuje dla niej te nowe typy zewnętrznie, nie wnikając w głąb, ponieważ klasyczne dziedzictwo nie dało im klucza. Posąg Afrodyty, tradycyjnie nazywany Wenus z Milos, został znaleziony w 1820 roku na wyspie Melos i natychmiast stał się znany na całym świecie jako doskonałe dzieło sztuki greckiej. Tego uznania nie zachwiało wiele późniejszych znalezisk greckich oryginałów – wśród nich szczególne miejsce zajmuje Afrodyta z Milos. Wykonany podobno w II wieku p.n.e. NS. (rzeźbiarki Agesandr lub Aleksandra, jak głosi na wpół wytarty napis na cokole), niewiele przypomina rzeźby z jej czasów, przedstawiające boginię miłości. Hellenistyczne afrodyty najczęściej wracały do ​​typu Afrodyty z Cnidus Praxiteles, czyniąc ją zmysłowo uwodzicielską, a nawet nieco słodką; taka jest na przykład słynna Afrodyta Medyceuszy. Afrodyta z Milo, naga tylko do połowy, udrapowana na udach, surowa i niezwykle spokojna. Uosabia nie tyle ideał kobiecego uroku, ile ideał osoby w sensie ogólnym i najwyższym. Rosyjski pisarz Gleb Uspieński znalazł trafne wyrażenie: ideał „człowieka wyprostowanego". Posąg jest dobrze zachowany, ale ma odbite ręce. Było wiele spekulacji na temat tego, co robią te ręce: czy bogini trzymała jabłko? czy lustro? czy trzymała rąbek swojego ubrania? Nie znaleziono przekonującej rekonstrukcji, w rzeczywistości nie ma takiej potrzeby. Z czasem „bezrękojeść” Afrodyty z Milo stała się niejako jej atrybutem, w niczym nie ingeruje w jej urodę, a nawet potęguje wrażenie majestatu postaci. A ponieważ nie zachował się ani jeden nietknięty grecki posąg, to właśnie w tym, częściowo zniszczonym stanie, Afrodyta pojawia się przed nami jako „marmurowa zagadka”, wyobrażana przez starożytność, jako symbol odległej Hellady.

Innym niezwykłym zabytkiem hellenizmu (tych, którzy do nas przyszli, a ilu zniknęło!) jest ołtarz Zeusa w Pergamonie. Szkoła pergamońska bardziej niż inne skłaniała się ku patosowi i dramatowi, kontynuując tradycje Skopasa. Jej artyści nie zawsze sięgali do tematów mitologicznych, jak to czynili w epoce klasycznej. Na placu Pergamońskiego Akropolu znajdowały się rzeźbiarskie grupy, które utrwalają prawdziwe wydarzenie historyczne - zwycięstwo nad „barbarzyńcami”, plemionami Galów oblegającymi królestwo Pergamon. Pełne ekspresji i dynamiki zespoły te wyróżniają się również tym, że artyści oddają hołd pokonanym, ukazując ich zarówno walecznych, jak i cierpiących. Przedstawiają Gala zabijającego swoją żonę i siebie, aby uniknąć niewoli i niewoli; przedstawiają śmiertelnie rannego Galę leżącą na ziemi z opuszczoną głową. Z twarzy i sylwetki od razu widać, że jest to „barbarzyńca”, cudzoziemiec, ale umiera heroiczną śmiercią i to jest pokazane. W swojej sztuce Grecy nie poniżali się aż do upokorzenia swoich przeciwników; ta cecha humanizmu etycznego ujawnia się szczególnie wyraźnie, gdy przeciwnicy – ​​Galowie – przedstawieni są realistycznie. Ogólnie rzecz biorąc, po kampaniach Aleksandra wiele się zmieniło w stosunku do obcokrajowców. Jak pisze Plutarch, Aleksander uważał się za pojednawcę wszechświata, „zmuszając wszystkich do picia … z tego samego kubka przyjaźni i mieszania ze sobą życia, zwyczajów, małżeństw i form życia”. Moralność i formy życia, a także formy religii, naprawdę zaczęły się mieszać w epoce hellenizmu, ale przyjaźń nie zapanowała i pokój nie nadszedł, walki i wojny nie ustały. Wojny Pergamonu z Galami to tylko jeden epizod. Kiedy ostatecznie odniesiono zwycięstwo nad Galami, na jej cześć wzniesiono ołtarz Zeusa, ukończony budową w 180 roku p.n.e. NS. Tym razem wieloletnia wojna z „barbarzyńcami” okazała się gigantomachią – walką bogów olimpijskich z gigantami. Według starożytnego mitu giganci - giganci żyjący daleko na zachodzie, synowie Gai (Ziemia) i Urana (Niebo) - zbuntowali się przeciwko Olimpijczykom, ale zostali przez nich pokonani po zaciętej bitwie i pogrzebani pod wulkanami, w głębokie trzewia matki ziemi, stamtąd przypominają o erupcjach wulkanów i trzęsieniach ziemi. Podstawę ołtarza otaczał okazały fryz marmurowy o długości około 120 metrów, wykonany w technice płaskorzeźby. Pozostałości tej konstrukcji odkopano w latach 70. XIX wieku; dzięki żmudnej pracy konserwatorów udało się połączyć tysiące fragmentów i stworzyć dość pełny obraz ogólnej kompozycji fryzu. Potężne ciała piętrzą się, splatają jak plątanina węży, upadłych olbrzymów dręczą lwy o kudłatych grzywach, psy kopią, konie depczą pod nogami, ale giganci walczą zaciekle, ich przywódca Porfirion nie cofa się przed gromowładnym Zeusem. Matka olbrzymów, Gaja, błaga o litość dla swoich synów, ale oni jej nie słuchają. Bitwa jest straszna. W napiętych kątach kamery, w ich tytanicznej mocy i tragicznym patosie jest coś, co zapowiada Michała Anioła. Chociaż bitwy i bitwy były częstym tematem starożytnych płaskorzeźb, poczynając od archaicznych, nigdy nie były przedstawiane tak, jak na pergamońskim ołtarzu - z tak drżącym uczuciem kataklizmu, bitew na śmierć i życie, w które zaangażowane są wszystkie siły kosmiczne, wszystkie demony ziemia i niebo. Zmieniła się struktura kompozycji, straciła klasyczną klarowność, zawirowała, pomieszała. Przypomnijmy postacie Skopasa na płaskorzeźbie Mauzoleum w Halikarnasie. Przy całej swojej dynamice znajdują się w jednej płaszczyźnie przestrzennej, są oddzielone rytmicznymi interwałami, każda figura ma pewną niezależność, masy i przestrzeń są zrównoważone. Inaczej jest we fryzie pergamońskim – dla walczących tutaj jest ciasno, masowo stłumiona przestrzeń, a wszystkie postacie są tak splecione, że tworzą burzliwy bałagan ciał. A ciała są nadal klasycznie piękne, „teraz promienne, teraz budzące grozę, żywe, martwe, triumfujące, umierające postacie”, jak powiedział o nich IS Turgieniew *. Olimpijczycy są piękni, a ich wrogowie też są piękni. Ale harmonia ducha zmienia się. Wykrzywione cierpieniem twarze, głębokie cienie w orbitach oczu, serpentynowo rozrzucone włosy… Olimpijczycy wciąż triumfują nad siłami podziemnych żywiołów, ale to zwycięstwo nie trwa długo – żywiołowe początki grożą wysadzeniem w powietrze harmonijnego, harmonijnego świata. Tak jak sztuka archaizmu greckiego nie powinna być oceniana jedynie jako pierwsi prekursorzy klasyków, a Sztuki hellenistycznej jako całości nie można uznać za późne echo klasyków, nie doceniając fundamentalnie nowego, jakie przyniosła. Ta nowa rzecz wiązała się z poszerzaniem horyzontów sztuki, z jej dociekliwym zainteresowaniem osobą ludzką i konkretnymi, realnymi warunkami jej życia. Stąd przede wszystkim rozwój portretu, portretu indywidualnego, którego wysocy klasycy prawie nie znali, a późni klasycy dopiero się do niego zbliżali. Artyści hellenistyczni, wykonując nawet portrety dawno nie żyjących ludzi, podawali im interpretację psychologiczną i starali się ukazać wyjątkowość zarówno zewnętrznego, jak i wewnętrznego wyglądu. Nie współcześni, ale potomkowie pozostawili nam twarze Sokratesa, Arystotelesa, Eurypidesa, Demostenesa, a nawet legendarnego Homera, natchnionego niewidomego gawędziarza. Portret nieznanego starego filozofa zaskakuje realizmem i ekspresją – jak widać nieubłagany, namiętny polemista, którego pomarszczona twarz o ostrych rysach nie ma nic wspólnego z klasycznym typem. Wcześniej uważano go za portret Seneki, ale słynny stoik żył później niż wyrzeźbiono to popiersie z brązu.

Po raz pierwszy dziecko ze wszystkimi anatomicznymi cechami dzieciństwa iz całym właściwym mu urokiem staje się przedmiotem chirurgii plastycznej. W epoce klasycznej małe dzieci, jeśli były przedstawiane, częściej były miniaturowymi dorosłymi. Nawet u Praksytelesa w grupie Hermes z Dionizosem Dionizos nie przypomina dziecka pod względem anatomii i proporcji. Wydaje się, że dopiero teraz zauważyli, że dziecko jest bardzo wyjątkowym stworzeniem, zabawnym i przebiegłym, mającym własne szczególne nawyki; zauważono i tak ich urzekło, że sam bóg miłości, Eros, zaczął być przedstawiany jako dziecko, kładąc podwaliny pod ugruntowaną od wieków tradycję. Pulchne, kręcone włosy dzieci hellenistycznych rzeźbiarzy są zajęte różnymi sztuczkami: jeżdżą na delfinach, majstrują przy ptakach, a nawet duszą węża (to mały Herkules). Szczególnie popularny był posąg chłopca walczącego z gęsią. Takie posągi wznoszono w parkach, były ozdobą fontann, umieszczano je w sanktuariach boga uzdrawiania Asklepiosa, a niekiedy służyły jako nagrobki.

Wniosek

Badaliśmy rzeźbę starożytnej Grecji przez cały okres jej rozwoju. Widzieliśmy cały proces jej powstawania, prosperity i upadku - całe przejście od surowych, statycznych i wyidealizowanych form archaizmu, poprzez zrównoważoną harmonię rzeźby klasycznej, do dramatycznego psychologizmu posągów hellenistycznych. Rzeźba starożytnej Grecji przez wiele stuleci była słusznie uważana za wzór, ideał, kanon, a teraz nie przestaje być uznawana za arcydzieło światowej klasyki. Nic podobnego nie zostało osiągnięte ani wcześniej, ani później. Wszystkie współczesne rzeźby można uznać, w takim czy innym stopniu, za kontynuację tradycji starożytnej Grecji. Rzeźba starożytnej Grecji w swoim rozwoju przeszła trudną drogę, torując drogę do rozwoju tworzyw sztucznych kolejnych epok w różnych krajach. W późniejszym czasie tradycje starożytnej rzeźby greckiej zostały wzbogacone o nowe osiągnięcia i osiągnięcia, a kanony antyczne stanowiły niezbędną podstawę, podstawę rozwoju sztuki plastycznej we wszystkich późniejszych epokach.

Rzeźba starożytnej Grecji, podobnie jak cała sztuka starożytna, jest szczególnym przykładem, standardową umiejętnością i rodzajem ideału. Sztuka starożytnej Grecji, a zwłaszcza rzeźba starożytnej Grecji, miała bardzo istotny wpływ na rozwój kultury światowej. Był to fundament, na którym później wyrosła cywilizacja europejska. Piękne posągi greckich rzeźbiarzy były wykonane z kamienia, wapienia, brązu, marmuru, drewna i ozdobione wspaniałymi przedmiotami wykonanymi z metali szlachetnych i kamieni. Montowano je na głównych placach miast, na grobach słynnych Greków, w świątyniach, a nawet w bogatych greckich domach. Główną zasadą rzeźby w starożytnej Grecji było połączenie piękna i siły, idealizacja człowieka i jego ciała. Starożytni Grecy wierzyli, że tylko doskonała dusza może znajdować się w doskonałym, idealnym ciele.

Rozwój rzeźby w starożytnej Grecji można podzielić na trzy istotne etapy. To archaiczne - VI-VII wiek pne. Klasykę, którą z kolei można podzielić na okresy wczesny – początek V wieku p.n.e., klasykę wysoką – koniec V wieku p.n.e. i późny – VI wiek p.n.e. A ostatnim etapem jest hellenizm. Również z opisów starożytnych historyków można zrozumieć, że istniała rzeźba Grecji homeryckiej, ale do naszych czasów przetrwały jedynie małe figurki i naczynia zdobione malarstwem. Każdy z tych etapów kultury greckiej ma swoje unikalne cechy.

Okres archaiczny
W tym okresie starożytni greccy artyści dążyli do stworzenia idealnego wizerunku mężczyzny i kobiety. W rzeźbie dominowały postacie nagich młodych wojowników zwanych kuro. Musieli pokazać męstwo, zdrowie fizyczne i siłę osoby, które zostały nabyte w sporcie tamtych czasów. Drugim przykładem sztuki z tego okresu była kora. To dziewczyny odziane w długie ubrania, w których wyrażany był ideał kobiecości i pierwotnej czystości. W tym czasie pojawił się tak zwany „archaiczny uśmiech”, który inspirował twarze posągów.

Wybitnymi przykładami zachowanych rzeźb z okresu archaicznego są Kouros z Pireusu, który dziś zdobi Muzeum Ateńskie, oraz Bogini z Granatem i Bogini z Zającem, które są przechowywane w Muzeum Państwowym w Berlinie. Rzeźba braci Kleobisa i Bitona z Argos jest dość znana, co cieszy oczy miłośników sztuki greckiej w Muzeum Delfickim.

W czasach archaicznych ważne miejsce zajmuje także rzeźba monumentalna, w której główną rolę odgrywa płaskorzeźba. Są to dość duże kompozycje rzeźbiarskie, często przedstawiające wydarzenia opisane w mitach starożytnej Grecji. Na przykład na frontonie świątyni Artemidy przedstawiono wydarzenia rozgrywające się w historii Gorgony Meduzy i dzielnego Perseusza, znanego wszystkim od dzieciństwa.

Wczesne klasyki
Wraz z przejściem do epoki klasycznej bezruch, można by rzec, statyczny charakter archaicznych rzeźb, jest stopniowo zastępowany przez emocjonalne postacie uchwycone w ruchu. Pojawia się tak zwany ruch przestrzenny. Pozy postaci są na razie proste i naturalne, np. dziewczyna rozwiązuje sandał, czy biegacz przygotowujący się do startu.
Być może jednym z najsłynniejszych posągów tego okresu jest „Discobolus” autora Myrona, który wniósł bardzo znaczący wkład w sztukę wczesnych klasyków Grecji. Figura została odlana z brązu w 470 rpne i przedstawia sportowca przygotowującego się do rzucenia dyskiem. Jego ciało jest doskonałe i harmonijne, gotowe do rzutu w następnej sekundzie.

Innym wielkim rzeźbiarzem tamtych czasów był Poliklet. Najbardziej znane dziś jest jego dzieło „Dorifor”, powstałe w latach 450-440 p.n.e. To włócznik, potężny, powściągliwy i pełen godności. Jest pełen wewnętrznej siły i niejako wyraża pragnienie ówczesnego narodu greckiego wzniosłości, harmonii i pokoju. Niestety oryginały tych rzeźb starożytnej Grecji, odlane z brązu, nie zachowały się do dziś. Możemy jedynie podziwiać ich kopie wykonane z różnych materiałów.

Na początku XX wieku na dnie morza w pobliżu Przylądka Artemision odnaleziono posąg boga Posejdona z brązu. Przedstawiany jest jako majestatyczny, budzący grozę, trzymający rękę, w której trzymał trójząb. Ten posąg niejako wyznacza przejście od wczesnego do wysokiego okresu klasycznego.

Wysoka klasyka
Kierunek wysokiej klasyki dążył do podwójnego celu. Z jednej strony ukazać całe piękno ruchu w rzeźbie, az drugiej połączyć zewnętrzną bezruch postaci z wewnętrznym tchnieniem życia. Wielkiemu rzeźbiarzowi Fidiaszowi udało się połączyć w swojej pracy te dwie aspiracje. Słynie w szczególności z ozdabiania starożytnego Partenonu piękną marmurową rzeźbą.

Stworzył także wspaniałe arcydzieło „Atena Partenos”, które niestety zmarło w czasach starożytnych. W Narodowym Muzeum Archeologicznym w Atenach można zobaczyć tylko zmniejszoną kopię tego posągu.
Wielki artysta stworzył w swoim twórczym życiu o wiele więcej arcydzieł. To posąg Ateny Promachos na Akropolu, który zadziwia swoimi ogromnymi rozmiarami i wielkością oraz nie mniej kolosalna postać Zeusa w świątyni Olimpii, która później została zaliczona do jednego z siedmiu niesamowitych cudów świata .
Można gorzko przyznać, że nasza wizja rzeźby antycznej Grecji jest daleka od prawdy. Oryginały posągów z tamtego okresu są prawie niemożliwe. Wiele z nich zostało zniszczonych podczas redystrybucji świata śródziemnomorskiego. A jeszcze jedną z przyczyn zniszczenia tych największych zabytków sztuki było ich zniszczenie przez fanatycznie wierzących chrześcijan. Pozostały nam tylko ich kopie rzymskich mistrzów z I-II wieku naszej ery oraz opisy starożytnych historyków.

Późny klasyk
W czasach związanych z późną klasyką rzeźba starożytnej Grecji zaczęła charakteryzować się plastycznością ruchów i dopracowaniem najdrobniejszych detali. Postacie zaczęły wyróżniać się wdziękiem, elastycznością, zaczęły pojawiać się pierwsze nagie kobiece ciała. Jednym z uderzających przykładów tego splendoru jest posąg Afrodyty z Knidos autorstwa rzeźbiarza Praksytelesa.

Starożytny rzymski pisarz Pliniusz powiedział, że posąg ten był uważany za najpiękniejszy posąg tamtych czasów, a wielu pielgrzymów przybywało do Knidos, chcąc go zobaczyć. To pierwsza praca, w której Praxitel przedstawiał nagie kobiece ciało. Ciekawą historią stojącą za tym posągiem jest to, że rzeźba stworzyła dwie postacie - nagą i ubraną. Mieszkańcy Kos, którzy zamówili posąg Afrodyty, wybrali ubraną boginię, bojąc się zaryzykować, pomimo całego piękna tego arcydzieła. A rzeźbę aktu nabyli mieszkańcy miasta Knidos, położonego w Azji Mniejszej i dzięki temu stali się sławni.

Innym wybitnym przedstawicielem późnej klasyki był Skopas. W swoich rzeźbach starał się wyrażać gwałtowne namiętności i emocje. Wśród jego słynnych dzieł znajdują się posąg Apolla Kifareda, także Aresa z Villa Ludovisi oraz rzeźba zwana Niobidami umierającymi wokół matki.

Okres hellenistyczny
Czas hellenizmu charakteryzuje się dość silnym wpływem Wschodu na całą sztukę Grecji. Ten los nie umknął rzeźbie. Zmysłowość, orientalny temperament i emocjonalność zaczęły przenikać w majestatyczne pozy i wzniosłość klasyki. Artyści zaczęli komplikować skróty perspektywiczne, używać luksusowych draperii. Nagie kobiece piękno przestało być czymś niezwykłym, bluźnierczym i wyzywającym.

W tym czasie pojawiła się ogromna liczba różnych posągów nagiej bogini Afrodyty lub Wenus. Jednym z najsłynniejszych do dziś posągów pozostaje Wenus z Milo, stworzona przez mistrza Aleksandra około 120 roku p.n.e. Wszyscy jesteśmy przyzwyczajeni do oglądania jej wizerunków bez rąk, ale uważa się, że początkowo bogini jedną ręką trzymała spadające ubranie, a w drugiej trzymała jabłko. Jej wizerunek łączy w sobie czułość, siłę i piękno fizycznego ciała.

Również bardzo znane posągi z tego okresu to Afrodyta z Cyreny i Laokoona oraz jego synowie. Ostatnie dzieło przepełnione jest silnymi emocjami, dramaturgią i niezwykłym realizmem.
Najwyraźniej głównym tematem rzeźbiarskiego dzieła starożytnej Grecji był mężczyzna. Rzeczywiście, człowiek nie był nigdzie bardziej ceniony niż w tej bardzo starożytnej cywilizacji greckiej.

Wraz z rozwojem kultury rzeźbiarze starali się poprzez swoje prace przekazać coraz więcej ludzkich uczuć i emocji. Wszystkie te majestatyczne arcydzieła, powstałe dziesiątki setek lat temu, wciąż przyciągają uwagę ludzi i oddziałują na miłośników sztuki współczesnej w urzekający i niesamowicie imponujący sposób.

Wniosek
Trudno wyróżnić jeden okres w rozwoju kultury starożytnej Grecji i nie znaleźć w nim szybkiego rozkwitu rzeźby. Ten rodzaj sztuki stale się rozwijał i doskonalił, osiągając szczególne piękno w epoce klasycznej, ale potem nie przeminął, nadal pozostając wiodącą. Z pewnością można skorelować rzeźbę i architekturę starożytnej Grecji, ale tylko przez porównanie niedopuszczalne jest ich identyfikowanie. A to niemożliwe, bo rzeźba to nie monumentalna budowla, ale umiejętnie rzeźbione arcydzieło. Najczęściej starożytni rzeźbiarze zwracali się do wizerunku osoby.

W swoich pracach zwracali szczególną uwagę na postawy, obecność ruchu. Próbowali stworzyć żywe obrazy, jakby nie kamień przed nami, ale żywe ciało i krew. I zrobili to dobrze, głównie dzięki odpowiedzialnemu podejściu do biznesu. Znajomość anatomii i ogólne rozumienie ludzkiego charakteru pozwoliły starożytnym mistrzom greckim osiągnąć to, czego wielu współczesnych rzeźbiarzy wciąż nie jest w stanie pojąć.

Starożytna grecka rzeźba zajmuje szczególne miejsce wśród różnorodnych arcydzieł dziedzictwa kulturowego należących do tego kraju. W nim piękno ludzkiego ciała, jego ideał, jest opiewane i ucieleśniane za pomocą środków malarskich. Jednak nie tylko gładkość linii i wdzięk to cechy charakterystyczne, które charakteryzowały starożytną grecką rzeźbę. Umiejętność jego twórców była tak wielka, że ​​udało im się przekazać nawet w zimnym kamieniu gamę emocji, nadać postaciom głęboki, szczególny sens, jakby tchnął w nie życie. Każda starożytna grecka rzeźba jest obdarzona tajemnicą, która wciąż przyciąga. Twórczość wielkich mistrzów nie pozostawia nikogo obojętnym.

Podobnie jak inne kultury przeżywała różne okresy swojego rozwoju. Każdy z nich naznaczony był zmianami we wszystkich rodzajach sztuk plastycznych, w tym rzeźbie. Dlatego możliwe jest prześledzenie głównych etapów powstawania tego rodzaju sztuki poprzez krótkie opisanie cech starożytnej rzeźby greckiej w różnych okresach historycznego rozwoju tego kraju.

Okres archaiczny

Czas od VIII do VI wieku p.n.e. Rzeźba starożytnej Grecji w tym czasie miała pewną cechę charakterystyczną. Zaobserwowano to, ponieważ obrazy zawarte w pracach nie różniły się różnorodnością, były zbyt uogólnione, zwane korą, młodzieńcy - kuros).

Apollo z cienia

Posąg Apolla Cienia jest najsłynniejszą ze wszystkich postaci tej epoki, które dotarły do ​​naszych czasów. W sumie znanych jest ich już kilkadziesiąt. Wykonany jest z marmuru. Apollo jest przedstawiany jako młody człowiek z opuszczonymi rękami, z palcami zaciśniętymi w pięści. Jego oczy są szeroko otwarte, a twarz odzwierciedla archaiczny uśmiech typowy dla rzeźb z tego okresu.

Postacie kobiece

Wizerunki kobiet i dziewcząt wyróżniały się falowanymi włosami, długimi ubraniami, ale pociągała je przede wszystkim elegancja i gładkość linii, ucieleśnienie wdzięku, kobiecości.

Archaiczne rzeźby starożytnej Grecji były nieco nieproporcjonalne i schematyczne. Z drugiej strony każda praca jest atrakcyjna z powściągliwą emocjonalnością i prostotą. W tej epoce przedstawienie postaci ludzi charakteryzuje, jak już zauważyliśmy, półuśmiech, co nadaje im głębi i tajemniczości.

Dziś w berlińskim Państwowym Muzeum „Bogini z granatem” jest jedną z najlepiej zachowanych archaicznych rzeźb. Dzięki „niewłaściwym” proporcjom i zewnętrznej szorstkości obrazu, genialnie wykonane przez autora dłonie przyciągają uwagę publiczności. Wyrazisty gest sprawia, że ​​rzeźba jest szczególnie wyrazista i dynamiczna.

„Kuros z Pireusu”

Znajdujący się w Muzeum Ateńskim „Kouros z Pireusu” jest późniejszym, a więc doskonalszym dziełem, wykonanym przez starożytnego rzeźbiarza. Przed nami pojawia się młody, potężny wojownik. a lekkie przechylenie głowy świadczy o rozmowie, którą prowadzi. Zaburzone proporcje nie są już tak uderzające. Archaiczne rzeźby starożytnej Grecji, jak już wspomnieliśmy, mają uogólnione rysy twarzy. Jednak na tej figurze nie jest to tak zauważalne, jak w pracach wczesnego okresu archaicznego.

Okres klasyczny

Okres klasyczny trwa od V do IV wieku p.n.e. Prace starożytnej rzeźby greckiej w tym czasie uległy pewnym zmianom, o których teraz opowiem. Wśród rzeźbiarzy tego okresu jedną z najsłynniejszych postaci jest Pitagoras z Regii.

Cechy rzeźb Pitagorasa

Jego kreacje charakteryzują się nowatorskim wówczas realizmem i żywiołowością. Niektóre prace tego autora są uważane za nawet zbyt odważne jak na tę epokę (na przykład posąg chłopca wyjmującego drzazgę). Sprawność umysłu i niezwykły talent pozwoliły temu rzeźbiarzowi badać znaczenie harmonii za pomocą matematycznych metod kalkulacji. Prowadził je w oparciu o założoną przez siebie szkołę filozoficzno-matematyczną. Pitagoras tymi metodami badał harmonię o różnym charakterze: struktury muzycznej, architektonicznej, ludzkiego ciała. Istniała szkoła pitagorejska według zasady liczby. To było uważane za podstawę świata.

Inni rzeźbiarze okresu klasycznego

Okres klasyczny, oprócz imienia Pitagorasa, dał kulturze światowej tak znanych mistrzów jak Fidiasz, Polikletus i Myron. Dzieła starożytnej rzeźby greckiej tych autorów łączy następująca ogólna zasada - ukazanie harmonii idealnego ciała i zawartej w nim pięknej duszy. To właśnie ta zasada jest główną, która kierowała różnymi mistrzami tamtych czasów przy tworzeniu swoich dzieł. Starożytna grecka rzeźba to ideał harmonii i piękna.

Myron

Wielki wpływ na sztukę Aten V wieku pne NS. dostarczone przez dzieła Mirona (przypomnij sobie słynnego Discobolusa, wykonanego z brązu). Ten mistrz, w przeciwieństwie do Polikleta, o którym porozmawiamy później, uwielbiał przedstawiać postacie w ruchu. Na przykład w powyższym posągu Dyskobola z V wieku p.n.e. e. przedstawił przystojnego młodego mężczyznę w momencie, gdy zamachnął się, aby rzucić dyskiem. Jego ciało jest napięte i zgięte, uchwycone ruchem, jak sprężyna gotowa do rozłożenia. Wytrenowane mięśnie wybrzuszyły się pod jędrną skórą odciągniętego ramienia. Tworząc niezawodne wsparcie zeszliśmy w głąb piasku. To starożytna grecka rzeźba (Discobolus). Posąg został odlany z brązu. Jednak do nas trafiła tylko marmurowa kopia wykonana przez Rzymian z oryginału. Poniższy obrazek przedstawia posąg Minotaura autorstwa tego rzeźbiarza.

Polikleta

Starożytna grecka rzeźba Polikleta ma następującą cechę charakterystyczną - postać mężczyzny stojącego z ręką uniesioną na jednej nodze jest nieodłącznym elementem równowagi. Przykładem jej mistrzowskiego wcielenia jest posąg Dorifora włócznika. Polyclet w swoich pracach starał się łączyć idealne dane fizyczne z duchowością i pięknem. To pragnienie zainspirowało go do opublikowania traktatu „Kanon”, który niestety nie zachował się do naszych czasów.

Posągi Polikleta są pełne intensywnego życia. Uwielbiał przedstawiać sportowców w spoczynku. Na przykład „Spearman” to człowiek o potężnej budowie, który jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Jednak ten spokój nie jest statyczny, nieodłączny od starożytnych egipskich posągów. Jako człowiek łatwo i umiejętnie posługujący się własnym ciałem, włócznik lekko zgiął nogę, przenosząc ciężar ciała na drugą. Wygląda na to, że minie trochę czasu, a on odwróci głowę i zrobi krok do przodu. Przed nami pojawia się przystojny, silny mężczyzna, wolny od strachu, powściągliwy, dumny – ucieleśnienie ideałów Greków.

Fidiasza

Fidiasza słusznie można uznać za wielkiego twórcę, twórcę rzeźby, której początki sięgają V wieku p.n.e. NS. To on był w stanie opanować umiejętność odlewania od brązu do perfekcji. Fidiasz odlał 13 rzeźbiarskich figur, które stały się godną ozdobą Delfickiej Świątyni Apolla. Wśród dzieł tego mistrza znajduje się również posąg Ateny Dziewicy w Partenonie, który ma 12 metrów wysokości. Wykonany jest z kości słoniowej i czystego złota. Ta technika wykonywania posągów została nazwana chryzo-słoniem.

Rzeźby tego mistrza szczególnie odzwierciedlają fakt, że w Grecji bogowie są wizerunkami idealnej osoby. Z dzieł Fidiasza najlepiej zachowany jest 160-metrowy marmurowy pas płaskorzeźby fryzowej, przedstawiający procesję bogini Ateny w drodze do świątyni Partenonu.

Posąg Ateny

Rzeźba tej świątyni została poważnie uszkodzona. Już w czasach starożytnych zmarł Ta postać stała wewnątrz świątyni. Fidiasz go stworzył. Starożytna grecka rzeźba Ateny miała następujące cechy: jej głowa z zaokrąglonym podbródkiem i gładkim niskim czołem, ramiona i szyja były wykonane z kości słoniowej, a hełm, tarcza, ubranie i włosy z płatów złota .

Z tą postacią wiąże się wiele historii. To arcydzieło było tak sławne i wielkie, że od razu Fidiasz miał wielu zazdrosnych ludzi, którzy próbowali w każdy możliwy sposób zdenerwować rzeźbiarza, za co szukali powodów, by go o coś oskarżyć. Ten mistrz został na przykład oskarżony o rzekome ukrywanie części złota przeznaczonego na rzeźbę Ateny. Fidiasz, na dowód swojej niewinności, usunął wszystkie złote przedmioty z posągu i zważył je. Waga ta dokładnie odpowiadała podanej mu ilości złota. Następnie rzeźbiarz został oskarżony o ateizm. Powodem tego była tarcza Ateny. Przedstawiał scenę bitwy z greckimi Amazonkami. Fidiasz wśród Greków przedstawiał siebie, a także Peryklesa. Opinia publiczna w Grecji, pomimo wszystkich zasług tego mistrza, była mu jednak przeciwna. Życie tego rzeźbiarza zakończyło się okrutną egzekucją.

Osiągnięcia Fidiasza nie ograniczały się do rzeźb wykonanych w Partenonie. Stworzył więc brązową figurę Ateny Promachos, która została wzniesiona około 460 p.n.e. NS. na Akropolu.

Posąg Zeusa

Fidiasz stał się naprawdę sławny po tym, jak ten mistrz stworzył posąg Zeusa dla świątyni znajdującej się w Olimpii. Wysokość postaci wynosiła 13 metrów. Niestety wiele oryginałów nie zachowało się, do dziś zachowały się jedynie ich opisy i kopie. Pod wieloma względami było to ułatwione przez fanatyczne zniszczenie przez chrześcijan. Nie zachował się również posąg Zeusa. Można to opisać w następujący sposób: 13-metrowa postać siedziała na złotym tronie. Głowę boga zdobił wieniec z gałązek oliwnych, który był symbolem jego spokoju. Klatka piersiowa, ramiona, ramiona, twarz zostały wykonane z kości słoniowej. Płaszcz Zeusa przerzucony jest na jego lewe ramię. Broda i korona są z błyszczącego złota. Taka jest ta starożytna grecka rzeźba, krótko opisana. Wydaje się, że Bóg, jeśli wstanie i wyprostuje ramiona, nie zmieści się w tej ogromnej sali - sufit będzie dla niego niski.

Okres hellenistyczny

Etapy rozwoju starożytnej rzeźby greckiej dopełniają hellenistyczne. Okres ten to okres w historii starożytnej Grecji od IV do I wieku p.n.e. Rzeźba w tym czasie była nadal głównym celem dekoracji różnych obiektów architektonicznych. Odzwierciedlało to jednak także zmiany zachodzące w zarządzaniu państwem.

W rzeźbie, która w tym czasie była jedną z głównych form sztuki, powstało dodatkowo wiele kierunków i szkół. Istniały na Rodos, Pergamonie, Aleksandrii. Najlepsze prace prezentowane przez te szkoły odzwierciedlają problemy, które trapiły umysły ówczesnych ludzi. Obrazy te, w przeciwieństwie do klasycznej spokojnej celowości, niosą ze sobą namiętny patos, napięcie emocjonalne, dynamikę.

Późna starożytność grecka charakteryzuje się silnym wpływem Wschodu na całą sztukę w ogóle. Pojawiają się nowe cechy starożytnej rzeźby greckiej: liczne detale, wykwintne draperie, skomplikowane skróty perspektywiczne. Temperament i emocjonalność Wschodu przenika do wielkości i spokoju klasyki.

„Afrodyta z Cyreny” znajdująca się w rzymskim muzeum termalnym jest pełna zmysłowości, odrobiny kokieterii.

„Laokoon i jego synowie”

Najbardziej znaną kompozycją rzeźbiarską z tej epoki jest Laokoon i jego synowie autorstwa Agesandera z Rodos. To arcydzieło jest obecnie przechowywane w Muzeum Watykańskim. Kompozycja jest pełna dramatyzmu, a fabuła zakłada emocjonalność. Bohater i jego synowie desperacko opierają się wężom wysłanym przez Atenę, jakby rozumieli ich straszliwy los. Rzeźba ta została wykonana z niezwykłą precyzją. Postacie są realistyczne i plastikowe. Twarze bohaterów robią mocne wrażenie.

Trzech wielkich rzeźbiarzy

W twórczości rzeźbiarzy z IV wieku p.n.e. e. ideał humanistyczny zostaje zachowany, ale jednocześnie zanika jedność kolektywu obywatelskiego. Starożytne greckie rzeźby i ich twórcy tracą poczucie pełni życia i całości postrzegania świata. Wielcy mistrzowie żyjący w IV wieku p.n.e. e. tworzyć sztukę, która ujawnia nowe aspekty świata duchowego. Najdobitniej te poszukiwania wyraziło trzech autorów – Lysippos, Praksyteles i Skopas.

Skopas

Skopas stał się najwybitniejszą postacią wśród innych rzeźbiarzy pracujących w tym czasie. W jego sztuce tchnie głębokie zwątpienie, walka, niepokój, impuls i pasja. Ten rodak z wyspy Paros pracował w wielu miastach na terytorium Hellady. Umiejętność tego autora została ucieleśniona w posągu zwanym „Nika z Samotraki”. Ta nazwa została odebrana na pamiątkę zwycięstwa w 306 pne. NS. Flota Rodos. Figurka ta jest zamontowana na cokole przypominającym konstrukcyjnie dziób statku.

„Dancing Menada” Scopasa przedstawiona jest w dynamicznej, złożonej perspektywie.

Praksytel

Mieli inną zasadę twórczą, ten autor wyśpiewał zmysłowe piękno ciała i radość życia. Praksyteles cieszył się wielką sławą i był bogaty. Najbardziej znanym rzeźbiarzem był posąg Afrodyty, wykonany przez niego dla wyspy Knidos. Jako pierwsza w sztuce greckiej przedstawiła nagą boginię. Piękna Phryne, słynna hetaira, ukochana Praksytelesa, posłużyła za wzór posągu Afrodyty. Ta dziewczyna została oskarżona o bluźnierstwo, a następnie uniewinniona przez podziwiających jej urodę sędziów. Praksyteles to pieśniarka o kobiecej urodzie, czczona przez Greków. Niestety, Afrodyta z Cnidus znana jest nam tylko z kopii.

Leohar

Leochares jest ateńskim mistrzem, największym ze współczesnych Praksytelesowi. Rzeźbiarz ten, działając w różnych miastach helleńskich, tworzył sceny mitologiczne i wizerunki bogów. Wykonał kilka posągów portretowych w technice chryzo-słonia, przedstawiających członków rodziny królewskiej. Następnie został nadwornym mistrzem Aleksandra Wielkiego, jego syna. W tym czasie Leochares stworzył posąg Apolla, który był bardzo popularny w starożytności. Został zachowany w marmurowej kopii wykonanej przez Rzymian i zyskał światową sławę pod nazwą Apollo Belvedere. Leohar demonstruje mistrzowską technikę we wszystkich swoich dziełach.

Po panowaniu Aleksandra Wielkiego epoka hellenizmu stała się okresem szybkiego rozkwitu portretu. Na placach miejskich wznoszono posągi różnych mówców, poetów, filozofów, dowódców wojskowych, mężów stanu. Mistrzowie chcieli osiągnąć zewnętrzne podobieństwo, a jednocześnie podkreślić cechy wyglądu, które zmieniają portret w typowy obraz.

Inni rzeźbiarze i ich dzieła

Rzeźby klasyczne stały się przykładami różnych dzieł mistrzów, którzy pracowali w epoce hellenistycznej. W ówczesnych pracach wyraźnie widoczna jest Gigantomania, czyli chęć wcielenia upragnionego obrazu w ogromny posąg. Przejawia się to szczególnie często, gdy powstają antyczne greckie rzeźby bogów. Doskonałym tego przykładem jest posąg boga Heliosa. Został wykonany z pozłacanego brązu i stał przy wejściu do portu Rodos. Wysokość rzeźby to 32 metry. Hares, uczeń Lysippos, pracował nad nim niestrudzenie przez 12 lat. To dzieło sztuki zajęło należne mu miejsce na liście cudów świata.

Po zdobyciu starożytnej Grecji przez rzymskich zdobywców wiele posągów zostało wywiezionych z tego kraju. Ten los spotkał nie tylko rzeźby, ale także arcydzieła malarstwa, zbiory cesarskich bibliotek i inne obiekty kulturalne. Schwytano wiele osób pracujących w dziedzinie oświaty i nauki. W kulturze starożytnego Rzymu przeplatają się w ten sposób, mające znaczący wpływ na jej rozwój, różne elementy greki.

Wniosek

Oczywiście różne okresy rozwoju, przez które przechodziła starożytna Grecja, wprowadzały korekty w procesie powstawania rzeźby, ale jedno łączyło mistrzów należących do różnych epok - chęć zrozumienia przestrzenności w sztuce, zamiłowanie do ekspresji za pomocą różnych techniki plastyczne ludzkiego ciała. Starożytna grecka rzeźba, której zdjęcie przedstawiono powyżej, niestety tylko częściowo przetrwała do dziś. Marmur był często używany jako materiał na figury, pomimo jego kruchości. Tylko w ten sposób można było przekazać piękno i wdzięk ludzkiego ciała. Brąz, choć był materiałem bardziej niezawodnym i szlachetnym, był używany znacznie rzadziej.

Starożytna grecka rzeźba i malarstwo są oryginalne i ciekawe. Różne przykłady sztuki dają wyobrażenie o życiu duchowym tego kraju.

Rzeźba starożytnej Grecji jest wiodącym standardem w świecie sztuki rzeźbiarskiej, która nadal inspiruje współczesnych rzeźbiarzy do tworzenia artystycznych arcydzieł. Częstymi tematami rzeźb i kompozycji sztukatorskich przez starożytnych greckich rzeźbiarzy były bitwy wielkich bohaterów, mitologia i legendy, władcy i starogreckie bóstwa.

Rzeźba grecka została szczególnie rozwinięta w okresie od 800 do 300 pne. NS. Ta dziedzina sztuki rzeźbiarskiej czerpie wczesną inspirację z egipskiej i bliskowschodniej sztuki monumentalnej i na przestrzeni wieków przekształciła się w unikalną grecką wizję kształtu i dynamiki ludzkiego ciała.

Greccy malarze i rzeźbiarze osiągnęli szczyt artystycznej doskonałości, która uchwyciła nieuchwytne cechy człowieka i pokazała je w sposób, którego nikt inny nie był w stanie pokazać. Greccy rzeźbiarze byli szczególnie zainteresowani proporcjami, równowagą i idealną doskonałością ludzkiego ciała, a ich kamienne i brązowe figury stały się jednymi z najbardziej rozpoznawalnych dzieł sztuki, jakie kiedykolwiek powstały w jakiejkolwiek cywilizacji.

Pochodzenie rzeźby w starożytnej Grecji

Od VIII wieku p.n.e. w archaicznej Grecji nastąpił wzrost produkcji małych figurek z gliny, kości słoniowej i brązu. Niewątpliwie drewno było również materiałem szeroko stosowanym, jednak jego podatność na erozję uniemożliwiała masową produkcję wyrobów z drewna, gdyż nie wykazywały one wymaganej trwałości. Figurki z brązu, głowy ludzkie, mityczne potwory, a w szczególności gryfy, służyły jako ozdoba i uchwyty do naczyń z brązu, kotłów i misek.

W stylu greckie postacie ludzkie mają wyraziste geometryczne linie, które często można znaleźć na ówczesnej ceramice. Ciała wojowników i bogów są przedstawione z wydłużonymi kończynami i trójkątnym torsem. Również starożytne greckie twory są często ozdobione postaciami zwierząt. Wiele z nich znaleziono w całej Grecji w miejscach schronienia, takich jak Olimpia i Delfy, co wskazuje na ich wspólną funkcję jako amuletów i obiektów kultu.

Zdjęcie:

Najstarsze greckie rzeźby wapienne pochodzą z połowy VII wieku p.n.e. i zostały znalezione w Therze. W tym okresie coraz częściej pojawiają się także figury z brązu. Z punktu widzenia intencji autora wątki kompozycji rzeźbiarskich stawały się coraz bardziej złożone i ambitne i mogły już przedstawiać wojowników, sceny z bitew, atletów, rydwany, a nawet muzyków z instrumentami tego okresu.

Marmurowa rzeźba pojawia się na początku VI wieku p.n.e. Pierwsze naturalnej wielkości monumentalne marmurowe posągi służyły jako pomniki poświęcone bohaterom i osobom szlacheckim lub znajdowały się w sanktuariach, w których pełniono symboliczne nabożeństwa na rzecz bogów.

Najwcześniejsze duże kamienne figury znalezione w Grecji przedstawiały młodych mężczyzn ubranych w damskie stroje w towarzystwie krowy. Rzeźby były statyczne i chropowate, jak w egipskich posągach monumentalnych, ręce były wyprostowane po bokach, nogi były prawie razem, a oczy patrzyły prosto przed siebie bez szczególnego wyrazu twarzy. Te raczej statyczne postacie powoli ewoluowały poprzez szczegółowość obrazu. Utalentowani rzemieślnicy skupili się na najdrobniejszych szczegółach obrazu, takich jak włosy i mięśnie, dzięki czemu postacie zaczęły ożywać.

Charakterystyczną pozą dla greckich posągów była pozycja, w której ramiona są lekko zgięte, co daje im napięcie w mięśniach i żyłach, a jedna noga (zazwyczaj prawa) jest lekko wysunięta do przodu, dając wrażenie dynamicznego ruchu posągu . Tak powstały pierwsze realistyczne obrazy dynamicznego ciała ludzkiego.

Zdjęcie:

Malowanie i barwienie starożytnej greckiej rzeźby

Na początku XIX wieku systematyczne wykopaliska starożytnych zabytków greckich ujawniły wiele rzeźb ze śladami wielobarwnych powierzchni, z których niektóre były nadal widoczne. Mimo to wpływowi historycy sztuki, tacy jak Johann Joachim Winckelmann, tak mocno sprzeciwiali się idei malowanej rzeźby greckiej, że zwolenników malowanych posągów nazywano ekscentrykami, a ich poglądy były w dużej mierze tłumione przez ponad wiek.

Dopiero w opublikowanych artykułach naukowych niemieckiego archeologa Vindzenika Brinkmanna na przełomie XX i XXI wieku opisano odkrycie szeregu słynnych starożytnych greckich rzeźb. Używając lamp o dużej intensywności, światła ultrafioletowego, specjalnie zaprojektowanych kamer, odlewów gipsowych i niektórych sproszkowanych minerałów, Brinkmann udowodnił, że cały Partenon, w tym jego korpus główny, a także posągi, pomalowano na różne kolory. Następnie przeanalizował chemicznie i fizycznie pigmenty oryginalnej farby, aby określić jej skład.

Brinkmann stworzył kilka kopii posągów greckich, pomalowanych na różne kolory, które jeździły po całym świecie. W kolekcji znajdowały się kopie wielu dzieł rzeźby greckiej i rzymskiej, co dowodziło, że praktyka malowania rzeźby była normą, a nie wyjątkiem w sztuce greckiej i rzymskiej.

Muzea, w których eksponowano eksponaty, odnotowały wielki sukces wystawy wśród zwiedzających, co wynika z pewnej rozbieżności między zwykłymi śnieżnobiałymi greckimi sportowcami a tymi jasnymi posągami, którymi naprawdę byli. Lokalizacje wystawowe obejmują Muzeum Glyptotek w Monachium, Muzeum Watykańskie i Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach. Kolekcja zadebiutowała w Ameryce na Uniwersytecie Harvarda jesienią 2007 roku.

Zdjęcie:

Etapy powstawania rzeźby greckiej

Rozwój sztuki rzeźbiarskiej w Grecji przeszedł kilka znaczących etapów. Każdy z nich odbijał się na rzeźbie z własnymi charakterystycznymi cechami, zauważalnymi nawet dla laików.

Scena geometryczna

Uważa się, że najwcześniejsze wcielenie greckiej rzeźby miało formę drewnianych posągów kultowych, po raz pierwszy opisanych przez Pauzaniasza. Nie zachowały się na to żadne dowody, a ich opisy są niejasne, mimo że od setek lat były przedmiotem kultu.

Pierwszy prawdziwy dowód greckiej rzeźby został znaleziony na wyspie Eubea i datowany na 920 rpne. Był to posąg lefkandi centaur ręka nieznanej rzeźby z terakoty. Posąg został ponownie złożony kawałek po kawałku, ponieważ został celowo złamany i pochowany w dwóch oddzielnych grobach. Centaur ma wyraźną ranę na kolanie. To pozwoliło naukowcom spekulować, że posąg może przedstawiać Chirona zranionego strzałą Herkulesa. Jeśli tak, to można go uznać za najwcześniejszy znany opis mitu w historii rzeźby greckiej.

Rzeźby z okresu geometrycznego (ok. 900-700 pne) były małymi figurkami z terakoty, brązu i kości słoniowej. Typowe dzieła rzeźbiarskie tej epoki reprezentowane są przez wiele przykładów posągów konnych. Jednak repertuar fabuły nie ogranicza się do ludzi i koni, gdyż niektóre z odnalezionych przykładów posągów i stiuków z tamtego okresu przedstawiają wizerunki jeleni, ptaków, chrząszczy, zające, gryfy i lwy.

Na rzeźbie geometrycznej z wczesnego okresu nie ma żadnych napisów, aż do pojawienia się w Tebach posągu Manticlosa „Apolla” z początku VII wieku p.n.e. Rzeźba jest postacią stojącego mężczyzny z napisem u jego stóp. Napis ten jest rodzajem instrukcji, aby pomagać sobie nawzajem i odpowiadać dobrem na dobre.

Okres archaiczny

Zainspirowani monumentalną kamienną rzeźbą Egiptu i Mezopotamii, Grecy ponownie zaczęli rzeźbić w kamieniu. Poszczególne postacie łączy charakterystyczna dla modeli orientalnych twardość i frontalna postawa, ale ich formy są bardziej dynamiczne niż w rzeźbie egipskiej. Przykładami rzeźb z tego okresu są posągi Lady Auxerre i tors Hery (wczesny okres archaiczny - 660-580 p.n.e., eksponowany w paryskim Luwrze).

Zdjęcie:

Takie postacie miały w wyrazie twarzy jedną charakterystyczną cechę – archaiczny uśmiech. To wyrażenie, które nie ma żadnego szczególnego związku z przedstawianą osobą lub sytuacją, mogło być narzędziem artysty do ożywienia postaci i „ożywienia”.

W tym okresie w rzeźbie dominowały trzy typy postaci: stojąca naga młodzież, stojąca dziewczyna ubrana w tradycyjny grecki strój i siedząca kobieta. Podkreślają i podsumowują podstawowe cechy postaci ludzkiej oraz wykazują coraz dokładniejsze zrozumienie i znajomość ludzkiej anatomii.

Starożytne greckie posągi nagich młodzieńców, w szczególności słynnego Apolla, były często prezentowane w ogromnych rozmiarach, co miało pokazać siłę i męską siłę. Posągi te pokazują znacznie więcej szczegółów budowy muskulatury i szkieletu niż we wczesnych pracach geometrycznych. Ubrane dziewczyny mają szeroką gamę mimiki i postawy, jak w rzeźbach ateńskiego Akropolu. Ich draperie są rzeźbione i malowane z delikatnością i starannością charakterystyczną dla detali rzeźby tego okresu.

Grecy bardzo wcześnie uznali, że najważniejszym przedmiotem artystycznych przedsięwzięć jest postać ludzka. Wystarczy pamiętać, że ich bogowie mają wygląd ludzki, co oznacza, że ​​w sztuce nie było różnicy między sacrum a świeckim – ludzkie ciało było jednocześnie świeckie i święte. Akt męski bez związku z postacią mógł równie dobrze stać się Apollem lub Herkulesem, albo przedstawiać potężnego olimpijczyka.

Podobnie jak w przypadku ceramiki, Grecy nie produkowali rzeźby wyłącznie do celów artystycznych. Posągi były tworzone na zamówienie przez arystokratów i szlachtę lub przez państwo i służyły do ​​publicznych pomników, do dekoracji świątyń, wyroczni i sanktuariów (o czym często świadczą starożytne inskrypcje na posągach). Również Grecy używali rzeźb jako pomników na groby. Posągi w okresie archaicznym nie miały przedstawiać konkretnych osób. Były to obrazy doskonałego piękna, pobożności, honoru lub poświęcenia. Dlatego rzeźbiarze zawsze tworzyli rzeźby młodych ludzi, od wieku młodzieńczego do wczesnej dorosłości, nawet gdy umieszczano je na grobach (przypuszczalnie) seniorów.

Okres klasyczny

Okres klasyczny dokonał rewolucji w rzeźbie greckiej, kojarzonej niekiedy przez historyków z radykalnymi zmianami w życiu społecznym i politycznym – wprowadzeniem demokracji i końcem ery arystokratycznej. Okres klasyczny przyniósł zmiany w stylu i funkcji rzeźby, a także dramatyczny wzrost umiejętności technicznych greckich rzeźbiarzy w przedstawianiu realistycznych postaci ludzkich.

Zdjęcie:

Pozy stały się również bardziej naturalne i dynamiczne, zwłaszcza na początku okresu. W tym czasie greckie posągi coraz częściej przedstawiały prawdziwych ludzi, zamiast niejasnych interpretacji mitów lub całkowicie fikcyjnych postaci. Choć styl, w jakim zostały przedstawione, nie przekształcił się jeszcze w realistyczną formę portretową. Powstałe w Atenach posągi Harmodiusa i Arystogateona symbolizują obalenie arystokratycznej tyranii i według historyków stają się pierwszymi publicznymi pomnikami przedstawiającymi postacie prawdziwych ludzi.

W okresie klasycznym nastąpił również rozkwit sztuki stiukowej i wykorzystanie rzeźb do dekoracji budynków. Charakterystyczne świątynie epoki klasycznej, takie jak Partenon w Atenach i Świątynia Zeusa w Olimpii, wykorzystywały płaskorzeźby do dekoracyjnych fryzów, ścian i sufitów. Złożone wyzwanie estetyczne i techniczne, przed którym stanęli rzeźbiarze tego okresu, przyczyniło się do powstania innowacji rzeźbiarskich. Większość dzieł z tego okresu zachowała się jedynie w postaci oddzielnych fragmentów, np. sztukateryjna dekoracja Partenonu znajduje się dziś częściowo w British Museum.

Rzeźba żałobna dokonała w tym okresie ogromnego skoku - od twardych i bezosobowych posągów z okresu archaicznego do bardzo osobistych grup rodzinnych epoki klasycznej. Te pomniki są powszechnie spotykane na przedmieściach Aten, które w starożytności były cmentarzami na obrzeżach miasta. Choć niektóre z nich przedstawiają „idealne” typy ludzi (matka melancholijna, posłuszny syn), coraz częściej stają się uosobieniem prawdziwych ludzi i z reguły pokazują, że zmarły z godnością opuszcza ten świat, opuszczając rodzinę. To zauważalny wzrost poziomu emocji w stosunku do epoki archaicznej i geometrycznej.

Kolejną godną uwagi zmianą jest rozkwit twórczości utalentowanych rzeźbiarzy, których nazwiska przeszły do ​​historii. Wszystkie znane informacje o rzeźbach w epoce archaicznej i geometrycznej skupiają się na samych pracach i rzadko zwraca się uwagę na ich autorów.

Okres hellenistyczny

Przejście od okresu klasycznego do okresu hellenistycznego (lub greckiego) nastąpiło w IV wieku p.n.e. Sztuka grecka stawała się coraz bardziej różnorodna pod wpływem kultur ludów zaangażowanych w orbitę grecką, podbojów Aleksandra Wielkiego (336-332 pne). Według niektórych historyków sztuki doprowadziło to do spadku jakości i oryginalności rzeźby, jednak ówcześni ludzie mogli nie podzielać tej opinii.

Wiadomo, że wiele rzeźb, wcześniej uważanych za geniuszy epoki klasycznej, faktycznie powstało w okresie hellenistycznym. Możliwości techniczne i talent rzeźbiarzy hellenistycznych są widoczne w tak znaczących dziełach, jak Skrzydlata Zwycięstwo z Samotraki i Ołtarz Pergamoński. W Aleksandrii, Antiochii, Pergamonie i innych miastach powstały nowe ośrodki kultury greckiej, zwłaszcza rzeźby. Do II wieku p.n.e. rosnąca potęga Rzymu wchłonęła również znaczną część tradycji greckiej.

Zdjęcie:

W tym okresie rzeźba ponownie przeszła w kierunku naturalizmu. Bohaterami tworzenia rzeźb byli teraz zwykli ludzie - mężczyźni, kobiety z dziećmi, zwierzęta i sceny domowe. Wiele dzieł z tego okresu zostało zleconych przez zamożne rodziny do dekoracji swoich domów i ogrodów. Powstały realistyczne postacie mężczyzn i kobiet w każdym wieku, a rzeźbiarze nie czuli się już zobowiązani do przedstawiania ludzi jako ideałów piękna lub fizycznej doskonałości.

W tym samym czasie nowe hellenistyczne miasta, które powstały w Egipcie, Syrii i Anatolii, potrzebowały posągów przedstawiających bogów i bohaterów Grecji do swoich świątyń i miejsc publicznych. Doprowadziło to do tego, że rzeźba, podobnie jak produkcja ceramiki, stała się przemysłem z późniejszą standaryzacją i pewnym obniżeniem jakości. Dlatego do dziś przetrwało znacznie więcej dzieł hellenistycznych niż epoka okresu klasycznego.

Wraz z naturalnym przejściem w stronę naturalizmu nastąpiła również zmiana ekspresji i emocjonalnego ucieleśnienia rzeźb. Bohaterowie posągów zaczęli wyrażać więcej energii, odwagi i siły. Prostym sposobem na docenienie tej zmiany wyrazu jest porównanie najsłynniejszych dzieł powstałych w okresie hellenistycznym z tymi z okresu klasycznego. Jednym z najsłynniejszych arcydzieł okresu klasycznego jest rzeźba Delphi Carrier, która wyraża pokorę i pokorę. Jednocześnie rzeźby okresu hellenistycznego odzwierciedlają siłę i energię, co szczególnie wyraźnie wyraża się w pracy „Jockey of Artemisia”.

Najsłynniejszymi rzeźbami hellenistycznymi na świecie są Skrzydlata Zwycięstwo z Samotraki (I wiek p.n.e.) oraz posąg Afrodyty z wyspy Melos, lepiej znanej jako Wenus z Milo (połowa II w. p.n.e.). Posągi te przedstawiają klasyczne wątki i tematy, ale ich wykonanie jest znacznie bardziej zmysłowe i emocjonalne niż surowy duch epoki klasycznej i dozwolone umiejętności techniczne.

Zdjęcie:

Rzeźba hellenistyczna również uległa zwiększeniu, czego kulminacją był Kolos z Rodos (koniec III wieku), który według historyków był porównywalny rozmiarami do Statuy Wolności. Seria trzęsień ziemi i grabieży zniszczyła tę spuściznę starożytnej Grecji, podobnie jak wiele innych ważnych dzieł tego okresu, których istnienie jest opisane w dziełach literackich współczesnych.

Po podbojach Aleksandra Wielkiego kultura grecka rozprzestrzeniła się do Indii, o czym świadczą wykopaliska Ai-Khanum we wschodnim Afganistanie. Sztuka grecko-buddyjska stanowiła etap pośredni między sztuką grecką a wizualną ekspresją buddyzmu. Odkrycia dokonane od końca XIX wieku w starożytnym egipskim mieście Heraklem ujawniły pozostałości posągu Izydy z IV wieku p.n.e.

Posąg w niezwykle zmysłowy i subtelny sposób przedstawia egipską boginię. Nie jest to typowe dla rzeźbiarzy tego obszaru, ponieważ wizerunek jest szczegółowy i kobiecy, co symbolizuje połączenie form egipskich i hellenistycznych w czasie podboju Egiptu przez Aleksandra Wielkiego.

Starożytna grecka rzeźba jest protoplastą całej światowej sztuki! Do tej pory arcydzieła starożytnej Grecji przyciągają miliony turystów i miłośników sztuki, którzy chcą dotknąć piękna i talentu, na który nie ma wpływu czas.

Z reguły posągi w tym czasie były wykuwane z wapienia lub kamienia, po czym były pokrywane farbą i ozdobione pięknymi kamieniami szlachetnymi, elementami ze złota, brązu lub srebra. Jeśli figurki są małe, to zostały wykonane z terakoty, drewna lub brązu.

Starożytna grecka rzeźba

Rzeźba starożytnej Grecji w pierwszych wiekach swojego istnienia doświadczyła dość poważnego wpływu sztuki egipskiej. Prawie wszystkie dzieła starożytnej rzeźby greckiej były półnagimi mężczyznami z opuszczonymi rękami. Po pewnym czasie greckie rzeźby zaczęły trochę eksperymentować z ubraniami, postawami i zaczęły nadawać indywidualne rysy swoim twarzom.

W okresie klasycznym rzeźba osiągnęła swój szczyt. Mistrzowie nauczyli się nie tylko nadawać posągom naturalne pozy, ale nawet przedstawiać emocje, których rzekomo doświadcza dana osoba. Może to być zamyślenie, dystans, radość lub surowość, a także zabawa.

W tym okresie modne stało się przedstawianie mitycznych bohaterów i bogów, a także prawdziwych ludzi zajmujących odpowiedzialne stanowiska - mężów stanu, dowódców wojskowych, naukowców, sportowców lub po prostu bogatych ludzi, którzy przez wieki chcieli się uwiecznić.

Dużo uwagi w tamtym czasie przywiązywano do nagiego ciała, gdyż pojęcie dobra i zła istniejące wówczas i na tym obszarze interpretowano jako odzwierciedlenie duchowej doskonałości człowieka.

Rozwój rzeźby z reguły determinowany był potrzebami, a także wymaganiami estetycznymi ówczesnego społeczeństwa. Wystarczy spojrzeć na ówczesne posągi i można zrozumieć, jak barwna i żywa była wówczas sztuka.

Wielki rzeźbiarz Myron stworzył pomnik, który miał ogromny wpływ na rozwój sztuk wizualnych. To słynna statua rzucającego dyskiem - rzucającego dyskiem. Osoba zostaje schwytana w momencie, gdy jego ręka jest nieco odrzucona do tyłu, znajduje się w niej ciężki dysk, który jest gotowy rzucić na odległość.

Rzeźbiarzowi udało się uchwycić sportowca w samym punkcie kulminacyjnym, co zapowiada następną, kiedy pocisk wzniesie się wysoko w powietrze, a sportowiec się wyprostuje. W tej rzeźbie Miron opanował ruch.

Był popularny w innym czasie mistrz - Polikletus, który ustanowił równowagę postaci ludzkiej w powolnym kroku i w spoczynku... Rzeźbiarz podczas tworzenia rzeźby dąży do znalezienia idealnie prawidłowych proporcji, na jakich można zbudować ludzkie ciało. Ostatecznie powstał obraz, który stał się pewną normą, a ponadto wzorem do naśladowania.

Polyclet, tworząc swoje prace, matematycznie obliczył parametry wszystkich części ciała, a także ich wzajemne relacje. Wzrost człowieka przyjęto jako jednostkę, gdzie głowa była jedną siódmą, ręce i twarz jedną dziesiątą, a stopy jedną szóstą.

Poliklet uosabiał swój ideał sportowca w posągu młodego młodzieńca z włócznią. Obraz bardzo harmonijnie łączy idealne piękno fizyczne, a także duchowość. Rzeźbiarz bardzo obrazowo wyraził w tej kompozycji ideał tamtej epoki - zdrową, wszechstronną i pełną osobowość.

12-metrowy posąg Ateny został stworzony przez Fidiasza. Ponadto stworzył kolosalny posąg boga Zeusa dla świątyni w Olimpii.

Sztuka mistrza Skopasa tchnie impulsem i pasją, walką i niepokojem, a także głębokimi wydarzeniami. Najlepszym dziełem tego rzeźbiarza jest posąg Maenady. W tym samym czasie działał Praxitel, który w swoich kreacjach śpiewał o radości życia, a także o bardzo zmysłowym pięknie ludzkiego ciała.

Lissip stworzył około 1500 posągów z brązu, wśród których są po prostu kolosalne wizerunki bogów. Ponadto istnieją grupy, które odzwierciedlają wszystkie wyczyny Herkulesa. Wraz z wyobrażeniami mitologicznymi w rzeźbach mistrza pokazano również wydarzenia tamtych czasów, które następnie przeszły do ​​historii.