1.Kleopatra

Możesz pomyśleć, że czegoś o niej nie wiesz. Cóż, załóżmy, że spadłeś z księżyca, a my ci powiemy. Mieszkał w I wieku pne. mi. Pani Egiptu. Mistrzyni Cezara i Marka Antoniusza. Uwielbiana za swoją urodę, miłośniczka mlecznych kąpieli i docierania z rozpuszczonych pereł. Zmarła z powodu problemów technicznych z wężem. Nawiasem mówiąc, wizerunki na monetach to jedyne w 100% sprawdzone portrety królowej. I wszystkie wyglądają mniej więcej tak.

2.Lina Cavalieri

Śpiewak operowy. Żyła na przełomie XIX i XX wieku. Była uważana za jedną z najpiękniejszych kobiet epoki. Pocztówki z jej wizerunkami były sprzedawane w milionach egzemplarzy, a każde mydło uważało za obowiązek ozdobienie reklamy słynną postacią „godziny piaskowej” cycatej piosenkarki, która słynęła z umiejętności zaciśnięcia gorsetu tak, aby pasowała nie przekracza 30 centymetrów.

3.Phryne

Hetaja ateńska, która żyła w IV wieku pne, jest ulubionym modelem wielu rzeźbiarzy i malarzy, w tym Praksytelesa. Zasłynęła urodą i ogromnymi pieniędzmi – żądała ich od tych panów, których nie lubiła.

4.Cleo de Merode

Francuska tancerka, która urodziła się pod koniec XIX wieku i dzięki swojej urodzie stała się jedną z najbardziej znanych kobiet na świecie. Otrzymała tytuł „Królowej Piękna” przez francuski magazyn „Illustcion”, który dokonał pierwszej na świecie oceny światowych piękności w 1896 roku.

5.Ninon de Lanclos

Francuska kurtyzana i pisarka z XVII wieku, jedna z najbardziej swobodnie myślących kobiet swojej epoki. Pisaliśmy - XVII wiek? Trzeba dodać: cały XVII wiek. Udało jej się również uchwycić krawędź osiemnastego, stając się absolutną rekordzistką wśród weteranów ruchu kurtyzańskiego.

6.Praskovya Zhemczugova

Rzadkim Kopciuszkom w rzeczywistości udaje się dzwonić do książąt, ale jest przynajmniej jeden przypadek w historii, kiedy hrabia, milioner i najbardziej olśniewająca szlachta swoich czasów, poślubił własnego niewolnika. Pod koniec XVIII wieku Parasha Zhemchugova, aktorka pańszczyźniana hrabiego Szeremietiewa, została żoną swojego pana, gorsząc społeczeństwo rosyjskie.

7.Diane de Poitiers

XVI-wieczny faworyt Henryka II, dla którego król faktycznie zrujnował swoich poddanych. Król był znacznie młodszy od swojej ukochanej, zakochał się w Dianie już w dzieciństwie i przez całe życie pozostał jej wierny, jeśli nie fizycznie, to przynajmniej psychicznie. Jak pisali współcześni, „przy całej nienawiści ludzi do Diany, ta nienawiść jest wciąż mniejsza niż miłość króla do niej”.

8.Anna Bolein

Angielska krótkoterminowa królowa z XVI wieku, druga żona Henryka VIII, dzięki której Brytyjczycy stali się protestantami. Matka Elżbieta Wielka znana była ze swojej urody i frywolności i zakończyła swoje życie na szafocie, oskarżona przez męża o liczne zdrady wobec niego i Anglii.

9.Messalina

Żyła na początku I wieku naszej ery. e, była żoną cesarza Klaudiusza i cieszyła się opinią najbardziej pożądliwej kobiety w Rzymie, według zeznań Tacyta, Swetoniusza i Juwenala.

10.Cesarzowa Teodora

W VI wieku naszej ery mi. Teodora została żoną następcy tronu cesarskiego, a następnie cesarza Bizancjum Justyniana. Zanim jednak została pobożną i czcigodną królową, Teodora przez wiele lat ćwiczyła w cyrku pantomimę i akrobatykę, jednocześnie sprzedając się trochę szczególnie cenionym koneserom sztuki cyrkowej.

11.Barbara Radziwiłła

Młoda litewska wdowa, która w XVI wieku została sekretną żoną przyszłego króla Litwy i Polski Zygmunta Augusta. Była uważana za najpiękniejszą kobietę w królestwie.

12.Simonetta Vespucci

Jeśli widzieliście obraz „Narodziny Wenus” Botticellego, to doskonale znacie ten słynny florencki model z XV wieku. Łatwiej jest wymienić, który z artystów tamtej epoki nie namalował rudowłosej Simonetty. A książęta Medyceuszy (z niektórymi z nich modelka pozostawała w relacji opartej na zaufaniu) zostali oficjalnie zobowiązani do oznaczenia jej w dokumentach jako „Niezrównana Simonetta Vespucci”.

13.Agnes Sorel

Francuska mademoiselle z XV wieku, wieloletnia faworytka Karola VII, która urodziła królowi córki, zbawiennie według współczesnych wpłynęła na jego politykę, a w wolnych chwilach pozowała artystom - na przykład Fouquet, gdy przedstawiany Madonny dla kościołów i klientów prywatnych.

14.Nefertiti

Główna żona faraona Ehanatona, który rządził w Egipcie w XIV wieku p.n.e. mi. Zachowały się liczne popiersia i posągi pięknej Nefretete. Ale mumii królowej jeszcze nie znaleziono, więc nie wiadomo, jak bardzo przypominała jej bardzo atrakcyjne portrety, które dosłownie doprowadzały wielu poetów i pisarzy z początku XX wieku, którzy widzieli te dzieła w europejskich muzeach do szaleństwa.

15.markiza de Mentenon

Młoda wdowa po poecie Scarronie została zaproszona na dwór Ludwika XIV przez ulubienicę króla, Madame de Montespan, aby biedny Scarron zajął się edukacją królewskich bękartów. Król był tak zachwycony jej technikami pedagogicznymi, że chciał je wypróbować na sobie. Ku wielkiemu oburzeniu całego dworu nie tylko uczynił nową kochankę markizem Mentenon, ale także potajemnie ją poślubił.

16.markiza de Montespan

Ulubienica Ludwika XIV, która żyła w XVII wieku, sama pochodziła ze szlacheckiej rodziny książęcej, więc dwór francuski chętnie tolerował w pobliżu króla tak wysoką kochankę. Co więcej, markiza była ładna (przynajmniej jak na ówczesne standardy) i wystarczająco bystra, by nie angażować się zbytnio w sprawy państwowe.

17.Zinaida Jusupowa

Najbogatsza i najpiękniejsza kobieta Imperium Rosyjskiego w XIX wieku. Co więcej, będąc jedyną spadkobierczynią całej rodziny książąt Jusupowa, na specjalne zamówienie cara, oprócz wielomilionowego posagu, przyniosła mężowi tytuł księcia Jusupowa. Jak myślisz, ilu fanów miała? Zwycięzcą tego męczącego wyścigu został hrabia Sumarokov-Elston – generał, odważny człowiek z dużym wąsem.

18.Wallis Simpson

Każdy z nas zastanawia się czasem, ile jest wart w tym życiu. Wallis Simpson, dwukrotnie rozwiedziona Amerykanka, znała odpowiedź na to pytanie. Kosztuje trochę więcej niż Imperium Brytyjskie. Taka jest przynajmniej decyzja króla Wielkiej Brytanii Edwarda VIII, który abdykował w 1936 roku, aby poślubić Wallisa: podczas zajmowania tronu nie miał prawa poślubić rozwiedzionej kobiety.

19.Madame Recamier

Pięćdziesięcioletni bankier Jean Recamier, który w 1793 roku poślubił szesnastoletnią Julie, wiedział, co robi. Nie podchodził do swojej urody z wulgarnym seksem, ale zapraszał do niej najlepszych nauczycieli, których można było znaleźć tylko w rewolucyjnej Francji. Kilka lat później hojnie sfinansował jej dom, stroje i życie towarzyskie, zachęcając młodą żonę do przyciągania rzeszy przyjaciół i fanów z ówczesnej elity. Dzięki słynnemu salonowi politycznemu, literackiemu i naukowemu Madame Recamier, bankierka stała się jedną z najbardziej wpływowych osób w Europie.

20.Yang guifei

Cenna żona chińskiego cesarza Ming Huanga, lepiej znanego pod pośmiertnym imieniem Xuanzong (panujący w VIII wieku). Żebraczka z chłopskiej rodziny Yang doprowadziła cesarza do szaleństwa do tego stopnia, że ​​oddał on praktycznie całą władzę w państwie w ręce jej licznych krewnych, a on sam zabawiał się Yang-guifei jedząc razem uprawiane pomarańcze i inne chińskie wyrafinowanie. Naturalnym skutkiem był zamach stanu i wojna domowa.

21.Weronika Franco

W XVI wieku w Wenecji było wielu turystów. Nie tyle weneckie kanały przyciągały do ​​tego miasta panów z odległych krajów, ile raczej „pobożne kurtyzany” – tak oficjalnie nazywano najbardziej wytworne skorumpowane kobiety miasta, wyrafinowane, wykształcone, wolne w komunikacji i zrujnowane ich kawalerzyści w najszlachetniejszy sposób. Jedną z najsłynniejszych pobożnych kurtyzan była Veronica Franco.

22.Aspazja

Ateńska hetaira, która została żoną władcy Aten Peryklesa (V wiek p.n.e.). Hetero w żonach władcy była sama w sobie ciekawostką, ale kolejną cechą Aspazi było to, że wielu autorów nie wspomniało ani słowa o jej urodzie czy seksowności. Nie, wszyscy zgodnie chwalą jej wybitną inteligencję. Wiadomo na przykład, że sam Sokrates bardzo lubił odwiedzać Aspazję i przysłuchiwać się jej dyskursom filozoficznym.

23.Isadora Duncan

Gwiazda początku XX wieku, amerykańska tancerka, która wprowadziła tradycję „naturalnego” tańca na przekór oficjalnym baletom na temat pointe i innych klasycznych horrorów. Naturalność wymagała również naturalnego stroju, więc Isadora tańczyła zwykle boso, niedbale owinięta w różne trzepoczące prześcieradła, które nie przeszkadzały publiczności śledzić ruchów jej ciała. Była żoną rosyjskiego poety Siergieja Jesienina.

24.Kotek rybak

Najdroższa kurtyzana w Wielkiej Brytanii w XVIII wieku: noc z nią kosztowała co najmniej sto gwinei (za tę kwotę można było kupić dziesięć koni pełnej krwi). W tym samym czasie Kitty wzięła dziesięć razy więcej pieniędzy od mężczyzn, których nie lubiła. Jej wielkiej miłości do pieniędzy towarzyszyła straszna ekstrawagancja. Symbolem Kitty był wizerunek kociaka łowiącego złotą rybkę z akwarium - odgrywano w nim jednocześnie jej imię, nazwisko i postać.

25.Harriett Wilson

W pierwszej połowie XIX wieku skandaliczne życie Londynu istniało głównie dzięki sześciu siostrom Wilson, które zajmowały się prostytucją z wyższych sfer. Największym sukcesem z nich była Sophia, której udało się poślubić lorda Berwicka, a najbardziej znaną była Harriett. Trudno znaleźć sławnego polityka tamtej epoki, któremu udało się nie wylądować w łóżku Harriett. Przyszły król Jerzy IV, lord kanclerz, premier, książę Wellington – wszyscy mieli bliskie relacje z Harriett. Oficjalnie uważano ją za pisarkę: na własny koszt publikowała potwornie niepopularne i nudne powieści gotyckie.

26.Mata Hari

Holenderska młoda dama Margarita Gertrude Zelle przyjęła dla siebie pseudonim Mata Hari po tym, jak żyła w nieudanym małżeństwie ze swoim pierwszym mężem w Indonezji, uciekła od męża i zaczęła uprawiać striptiz. Oficjalnie striptiz Maty został nazwany „mistycznym tańcem orientalnym, przyjemnym dla Shivy”. W czasie I wojny światowej była szpiegiem, podwójnym agentem Francji i Niemiec, po czym została nieprzyzwoicie pospiesznie zastrzelona przez Francuzów w 1917 roku. Nadal obowiązuje wersja, że ​​w ten sposób niektórzy wysocy urzędnicy Francji próbowali ukryć swój związek z Matą i własnymi zbrodniami wojennymi.

27.Tullia d'Aragona

Włoska kurtyzana z XVI wieku, która na przemian szokowała Rzym, Florencję i Wenecję. Oprócz własnych zwycięstw seksualnych nad najwybitniejszymi talentami i umysłami włoskiego renesansu Tullia zasłynęła jako poetka, pisarka i filozof. Na przykład jej „Dialogi o nieskończoności miłości” były jednym z najpopularniejszych dzieł stulecia.

28.Karolina Otero

Francuska tancerka i piosenkarka z końca XIX wieku, udająca Cygankę, choć w rzeczywistości była rasową Hiszpanką (ale wtedy nie było to modne). Cieszył się dużym powodzeniem wśród osób koronowanych. Co najmniej siedmiu królów i cesarzy było jej sekretnymi kochankami. Wiadomo między innymi, że rosyjski cesarz Mikołaj II był wyjątkowo stronniczy w stosunku do Karoliny.

29.Liana de Pugy

Francuska tancerka i pisarka przełomu XIX i XX wieku, która też nieznacznie przehandlowała się za niezwykle dużą nagrodę (sama Liana bardziej lubiła dziewczyny, więc miała romanse głównie ze swoimi pięknymi koleżankami). Marcel Proust skopiował jedną ze swoich bohaterek z Liany – Odette de Crécy. Mademoiselle de Pougy przyjaźniła się z prawie wszystkimi intelektualistami swojej epoki. Po ślubie z rumuńską arystokratką została księżniczką i przeszła na emeryturę.

30.Hrabina di Castiglione

Urodzona w 1837 roku Włoszka Virginia Aldoini została pierwszą na świecie topową modelką. Przetrwało ponad 400 jego dagerotypów. Będąc szlachcianką ze starej rodziny, poślubiła hrabiego Castiglione w wieku 16 lat, ale wolała los kurtyzany i polityka z wyższych sfer od spokojnego życia rodzinnego. Była kochanką Napoleona III.

31.Ono nie Komachi

IX-wieczna japońska poetka i dama dworu, wpisana na listę „36 największych poetów Japonii”. Hieroglify oznaczające jej imię stały się synonimem wyrażenia „piękna kobieta”. Jednocześnie Ono no Komachi było symbolem chłodu i okrucieństwa. Wiadomo na przykład, że zimą kazała swoim kochankom stać przed jej drzwiami w jasnych ubraniach całą noc, po czym układała smutne wiersze o ich przedwczesnej śmierci z zimna.

32.Cesarzowa Xi Shi

W VI wieku p.n.e. mi. Władcy chińskiego królestwa Wu, Fuchai, nieszczęśnicy z sąsiednich królestw wysłali prezent - niesamowitą piękność Xi Shi w towarzystwie orszaku pięknych pokojówek. Na widok Xi Shi, umysł Fuchaia przeszedł nad jego umysłem. Kazał stworzyć dla niej park z pałacem i przesiadywał w tym pałacu całymi dniami i nocami. Oczywiście jego królestwo wkrótce zostało podbite przez łajdaków, którzy wpadli na ten sprytny plan.

Piotr Fiodorowicz Sokołow (1791-1848)

Ogromne przestrzenie Rosji, różnorodność przyrody i różnorodność ludów, które ją zamieszkiwały, zrodziły szczególne, różnorodne typy kobiecego piękna. Wszystko wchłonęła Rosja i południowa krew turecka, i zachodnie Niemcy, i północna Polska... Jakich piękności nie znajdziesz w jego ogromie...

„Portret nieznanej kobiety w czerwonym berecie”

Sokołow - twórca gatunku rosyjskiego portretu akwarelowego z życia, który wyparł w latach 1820-40. miniatura portretowa. Jego akwarelowe portrety to okna w przeszłość, przez które świeckie piękności, które dawno opuściły świat, spoglądają w XXI wiek. Piękno mdłego koloru, urok tkwiący w obrazach sprawiają, że nawet teraz, po ponad półtora roku, bardzo doceniamy jego sztukę.

„Portret dziewczyny w czerwonej sukience”

Piotr Fiodorowicz ukończył Akademię Sztuk Pięknych w 1809 r. na wydziale malarstwa historycznego. Za „Lament Andromachy nad ciałem Hektora” otrzymał drugi (mniejszy) złoty medal. Początkowo był biedny, ale wkrótce zaczął dawać lekcje malarstwa i zaczął uczyć się akwareli, co odniosło wielki sukces ze względu na szybkość wykonania, umiejętność pisania bez męczącego pozowania. Posiadanie domowej kolekcji akwareli przed 1917 r. uważano za oznakę dobrego smaku i bogactwa. Ale tworząc piękne portrety, artysta faktycznie zabił się myślą, że nie napisał dużych płócien fabularnych, które powinny go uwiecznić ...

„Portret I. G. Polettiki” II poł

Idalia Grigorievna Poletika (1807-1890), nieślubna córka hrabiego GA Stroganowa. W wieku 19 lat poślubiła strażnika kawalerii A.M. Poletik i przez lata stała się dość wybitną damą świata petersburskiego. Uosabiała typ uroczej kobiety nie tyle o ładnej twarzy, co o błyskotliwym umyśle, pogodzie ducha i żywiołowości charakteru, które wszędzie przynosiły jej nieustanny, niewątpliwy sukces. Odegrał tragiczną rolę w przedpremierowej historii A.S. Puszkina, był jego największym wrogiem.

„Portret A.S. Glinki-Mavriny”

Alexandra Semyonovna Glinka-Mavrina (1825-1885) - żona Borysa Grigorievicha Glinki, kawalera Andreevsky'ego, adiutanta generalnego, bratanka V.K. Kuchelbeckera. W 1830 Glinka pośredniczyła między Puszkinem a Küchelbeckerem w próbie publikacji dzieł. Puszkin znał swoją żonę.

„Portret PN Ryumina” 1847

Praskovya Nikolaevna Riumina (1821-1897). Portret został zamówiony na ślub. VA Sollogub napisał, że pan młody „zastawia się na najbardziej absurdalną ekstrawagancję… Będą niezbędne prezenty. Portret namalowany przez Sokołowa, czuła bransoletka, turecki szal…”

„Portret S.A. Urusowej” 1827

Księżniczka Zofia Aleksandrowna Urusowa (1804-1889) „... Córki księcia Urusowa słusznie uważano wówczas za ozdobę moskiewskiego społeczeństwa” – napisał francuski historyk Mark Runier. Wiosną 1827 r. Puszkin często odwiedzał dom Urusowów;

„Portret wielkiej księżnej Aleksandry Fiodorownej” 1821

Wielka księżna Aleksandra Fiodorowna (1798-1860) od 1817 r. była żoną wielkiego księcia Mikołaja Pawłowicza, przyszłego cesarza Mikołaja I. Stała się idolem całego pokolenia, wielu poetów epoki Puszkina poświęciło jej swoje wiersze.

Ten portret to jedno z niewątpliwych arcydzieł. Mistrzowsko malowany zwiewny perłowo-perłowy strój dostojnej osoby kontrastuje z zimnym spojrzeniem jej oczu, tworząc bardzo niejednoznaczny obraz.

„Portret E.K. Woroncowej” około 1823 r.

Ten portret jest jednym z arcydzieł Sokołowa. Słynne piękno Petersburga zostało namalowane przez wielu artystów, ale nikt nie przedstawił jej jako uroczej i kobiecej. Artysta wykorzystuje w obrazie powierzchnię białego papieru, tworząc przewiewne tło z lekkim akwarelowym wypełnieniem. Portret Woroncowej zachwyca perfekcją filigranowego wykończenia, wyrafinowaniem subtelnych zestawień kolorystycznych.

„Portret YP Sokolovej” około 1827 r.

Julia Pavlovna Sokolova (1804-1877), od 1820 r. żona P.F. Sokolova. „Żywa, zalotna, prawie dziecko, nigdy za nim nie tęskniła. Kochała życie świeckie, a jej mąż, który był w niej zakochany w uwielbieniu, najwyraźniej w pełni podzielał jej gusta ”- wspominała ich wnuczka AA Isakova. Ten jeden z najbardziej serdecznych portretów powstał „w jednej sesji, w jeden poranek”.

"Portret AO Smirnova - Rosseti"

Aleksandra Osipovna Smirnova (1809-1882), przyjaciółka Puszkina, Gogola, Żukowskiego, Wiazemskiego, Aksakowa ... Prawie wszyscy poeci epoki Puszkina poświęcili jej poezję. Gogol jako pierwszy przeczytał jej rozdziały drugiego tomu Dead Souls. Pozostawiła po sobie najciekawsze wspomnienia z życia świeckiego, literackiego i duchowego XIX wieku.

„Portret EM Khitrovo”

Elizaveta Michajłowna Khitrow (1783-1839), córka MI Goleniszchowa-Kutuzowa. Wykształcona w Europie Elizaveta Michajłowna była jednocześnie szczerą patriotką, oddaną strażniczką chwały ojca, zagorzałą wielbicielką literatury rosyjskiej i entuzjastyczną wielbicielką geniuszu Puszkina. Artystce udało się przekazać na portrecie wielką duchową hojność, dobroć i szlachetność natury tej niezwykłej kobiety. Portret został namalowany na rok przed śmiercią Elżbiety Michajłownej.

„Portret MT Pashkova z córką Aleksandrą”

„Portret nieznanej kobiety w błękitnej pelerynie z gronostajem” 1843

„Portret kobiety” 1847

„Portret hrabiny A.P. Mordvinovej”

„Portret hrabiny Szuwałowej”

„Portret EG Chertkovej”

Chertkova Elena Grigorievna (1800-1832), z domu hrabina Stroganov. Siostra ze strony ojca I.G. Loty.

„Portret kobiety” 1830

Portret Aleksandry Grigorievna Muravyova (1804-1832)

„Portret cesarzowej Aleksandry Fiodorownej”

„Księżniczka Golicyna Aleksandra Aleksandrowna” lata czterdzieste XIX wieku

„Portret S.F. Tołstoja”

Sarah Fiodorovna (1821-1838) - córka hrabiego Fiodora Iwanowicza Tołstoja. Dziewczyna znana była z niezwykłego talentu poetyckiego.

„Portret hrabiny NL Sologub”

Sologub Nadieżda Lwowna (1815-1903) Hrabina, druhna.

„Portret hrabiny O. A. Orłowej” 1829

Hrabina Olga Aleksandrowna Orłowa (1807-1880) W 1826 r. wyszła za mąż za hrabiego A.F. Orłowa. W 1847 otrzymała tytuł pani stanu

Muzyka: DiDuLya „Tajemnica”

Opublikowano: 17 marca 2011

Portret kobiety pod koniec XIX wieku w Rosji

Historia rosyjskiego malarstwa portretowego jest zjawiskiem wyjątkowym w dziejach kultury światowej jako całości, ponieważ ma swoje korzenie w prawosławnym malarstwie ikon i żywi się żyzną glebą głęboko religijnej duchowości. Jeśli w Europie Zachodniej sztuka portretowania sięga grecko-rzymskich wzorców antycznych, czyli w czasach przedchrześcijańskich, to w Rosji zasady malowania ikon były pierwotnie wzorami do tworzenia portretów.

Tutaj można oczywiście argumentować, w końcu rosyjscy portreciści byli dobrze zaznajomieni z kulturą starożytną, kopiowali liczne „starożytności” - studiowali rysunek, przedstawiający greckie i rzymskie portrety rzeźbiarskie i posągi starożytnych bóstw. Ale szlifując swoje mistrzostwo w technicznych technikach malowania według wzorca zachodniego, w swej wewnętrznej treści artyści pozostali przy wszystkich wątkach związanych z duchowością prawosławną, a fizyczność obrazów, tak charakterystyczna dla europejskich arcydzieł malarstwa, zeszła na dalszy plan. Pierwsze portrety w historii malarstwa rosyjskiego pojawiły się stosunkowo (w perspektywie historycznej) niedawno - w XVII wieku. Dostali nazwę - „parsuna”. Jeden z pierwszych „Parsunów” – „Portret cara Fiodora Ioannovicha” z początku XVII wieku, ze zbiorów Państwowego Muzeum Historycznego w Moskwie. Jak można się domyślić, nazwa „parsuna” pochodzi od słowa „osoba”. Wtedy była to bezprecedensowa innowacja – przedstawiano prawdziwych ludzi, a nie ikonograficzne obrazy i sceny biblijne.

W dawnych czasach przedstawianie współczesnych uważano za niedopuszczalny egoizm. Nie jest jednak przypadkiem, że wśród artystów panuje opinia, że ​​każdy obraz to autoportret. Bez względu na to, jak artysta chce być obiektywny, wyrzec się swojego „ja” w imię czystości obrazów, jednak w każdym dziele, w którym się wyraża, wszystko uduchowia własną duchową energią. W sztuce portretu rosyjskiego zasada autora splata się z penetracją artysty w głąb wewnętrznego świata i pragnieniem wyrażenia iskry Bożej, która pierwotnie tkwiła w każdym człowieku. Widać to już w tych bardzo podobnych do tradycyjnych ikon „Parsuns”, których nazwiska autorów niestety odeszły w niepamięć. A w następnych stuleciach, kiedy w sztuce rosyjskiej zaczęły dominować zachodnioeuropejskie zasady akademickie, a następnie tendencje romantyzmu i realizmu, portrety rosyjskie nie straciły swojej prawosławnej podstawy w głębi wewnętrznej treści obrazów. Przejawiało się to zwłaszcza w pragnieniu ujrzenia „światła Bożego” w ciemności ludzkiej duszy, w której z pewnością ziemskie, cielesne i świeckie rozświetla się żywą duchowością. Idee poszukiwania „iskry Bożej” w świecie ziemskim zawsze były bliskie kulturze prawosławnej, ale osiągnęły swoją kulminację w drugiej połowie XIX wieku, kiedy stały się kluczowym aspektem w poszukiwaniach inteligencji twórczej - przypomnijmy wybitne dzieła FMDostojewskiego i LN Tołstoja.

Wizerunki kobiet tworzone przez artystki końca XIX wieku jawią się nam jako jaskrawe, oryginalne, czasem uderzające wewnętrzną siłą, czasem wzruszające swoją wrażliwością, czasem zaskakującą ekstrawagancją. Być może, przy całej różnorodności charakterów, temperamentów, zewnętrznych cech kobiet przedstawionych na portretach, główną ich cechę, która je łączy, można nazwać słowem „marinizm”, czyli w każdej kobiecie artysta (świadomie lub nie) wyraża coś, co upodabnia ją do biblijnej Marii... Tylko z którą - Marią Dziewicą lub Marią Magdaleną, uważny czytelnik zapyta i będzie miał absolutną rację. Ale nie ma na to jednoznacznej odpowiedzi – w końcu esencje obu splatają się w kobiecej naturze. Tak, a skoro sztuka końca XIX wieku skłania się ku realizmowi, to własność „mari” jest odzwierciedleniem zarówno zasad, jak i tajemniczej czystości, czystości i grzeszności, doczesnej słabości, którą odkupuje władza Bożego przebaczenia i miłosierdzia. Dylemat między wizerunkami Matki Boskiej i Marii Magdaleny jest utajony w kobiecych obrazach stworzonych przez mistrzów słowa - na przykład podręcznik Sonechka Marmeladova. Pamiętaj, ile brudu grzechu ziemskiego jest w jej życiu i ile siły poświęcenia! Albo Nastazja Filipowna jest albo demoniczną kobietą, albo ucieleśnieniem współczucia, miłosierdzia i wrażliwości. W sztuce portretowej, zwłaszcza w obrazach kobiecych powstałych pod koniec XIX wieku, zasady realistyczne nie sprowadzają się do kopiowania natury i eksponowania cech psychologicznych, są ściśle związane z całą złożonością poszukiwań filozoficznych, religijnych i intelektualnych panujących wówczas wśród twórcza inteligencja.

Obraz tajemniczego nieznajomego, śpiewany przez Aleksandra Błoka w 1906 roku, zdawał się wyprzedzać I.N. Kramskoya na jego obrazie z 1883 roku z jego obrazem. Czy to nie ona - "powoli, przechodząc między pijanymi, zawsze bez towarzystwa, sama, oddychając duchami i mgłą, siada przy oknie". Jak deja vu, oglądając słynny obraz I.N. Kramskoya, przypomina się wiersz z wiersza A. Błoka.

Kobieta z portretu spogląda nieco arogancko na widza z wysokości powozu. Kim ona jest i dokąd zmierza? Możemy tylko zgadywać, budować własne wnioski i założenia. Może jest panią półmroku, spieszącą na bal, a może panną młodą lub żoną jakiegoś urzędnika lub kupca. Tak czy inaczej jej pozycja społeczna nie powinna, zdaniem artystki, interesować widza. Jeśli w XVIII wieku pokazanie statusu społecznego w jakimkolwiek portrecie uważano za absolutnie konieczne, to pod koniec XIX wieku na pierwszym planie jest osobowość, z całą złożonością wewnętrznego życia duchowego i wyjątkowością indywidualnych cech wyglądu. A sam I. N. Kramskoy na początku swojej kariery starał się przekazać pozycję społeczną, niemniej jednak we wczesnych portretach kobiecych dominowała uduchowiona refleksja nad indywidualnością i wyjątkowością kobiecego piękna.

Za każdym razem model wydawał się dyktować artyście nowe podejście, a mistrz musiał szukać odpowiedniego języka artystycznego dla prawdziwego ucieleśnienia wizerunku portretowego i osiągnięcia głębi wnikania w świat duchowy modela.

Tak więc w portrecie EA Vasilchikovej (1867) artysta przekazuje urok kobiecości, czystość młodości, inspirującą energię piękna i wewnętrznej duchowej harmonii.

Stonowane odcienie burgundowego i brązowego tła przywołują na myśl prace dawnych mistrzów, ale spontaniczność i naturalność jej figury, pełne wdzięku zaniedbanie jej gestu, wyrazista wnikliwość spojrzenia – wszystko to mówi o nowych, realistycznych trendach w sztuce. na ten czas.

W portrecie „Nieznajomego” realistyczne zasady są nieco rozpuszczone i inspirowane echami neoromantycznych trendów i poetyckiej tajemnicy. Przywiązanie I. N. Kramskoya do realistycznego nurtu w malarstwie (a był on wybitnym przedstawicielem słynnego Stowarzyszenia Wędrownych Wystaw Artystycznych) przejawia się tutaj w absolutnej dokładności kompozycji, w której wszystko podporządkowane jest stworzeniu wzniośle zamkniętego obrazu. Gładka linia sylwetki nieznajomego, poprawny owal jej twarzy skupiają na sobie uwagę widza, a wyraźnie wytyczona przestrzeń, zamknięta tyłem powozu, jest nierozerwalnie związana z plastyczno-wolumetrycznym modelowaniem.

Wprawdzie mamy przed sobą uogólniony obraz „obcej”, ale jakże uderzająco indywidualne są rysy jej twarzy. W jej spojrzeniu albo pogarda, albo współczucie, albo smutek, albo chłód są tajemnicą. Kolorystyka obrazu jest po mistrzowsku rozwiązana, pomagając nam - nie, nie rozwiązać tej zagadki, ale bez końca podziwiać niemożność jej rozwiązania. Ciemnoniebieski aksamit i jedwab jej ubrań - jako zapowiedź sąsiedztwa w jej obrazie aksamitnej czułości i chłodu jedwabiu - podkreślają szlachetną bladość skóry i naturalne piękno różu. Złoty tył otwartego powozu dodaje obrazowi ciepła, ale blaski i refleksy zdają się tłumić ciepłe odcienie, podkreślając zarówno zimną pogodę, jak i dziwny wewnętrzny chłód modelki spowodowany powierzchownymi wpływami świeckiej mody lub jakiejś głęboko osobistej. doświadczenie. Postać kobiety wyraźnie wyróżnia się na tle zasypanego śniegiem miasta, a tylko białe pióra na kapeluszu wizualnie łączą ją z otaczającą przestrzenią. W jej wizerunku prześwituje tęsknota za samotnością, jest ideałem, któremu świat śmiertelników jest obcy, a jednocześnie jest kątem oka podglądanym obrazem współczesności artystki. IN Kramskoy przekazuje nam w tej pracy swój smutek, odwieczną tęsknotę artysty za ideałem i perfekcją - jakby inspiracją, perfekcją, subtelnością, ulotnością. Jeszcze chwila, a niewidzialny woźnica pogoni za końmi, a powóz, wiozący nieznajomego w nieznane, roztopi się i zniknie pod warstwą śniegu… Tak, piękno zniknie, ale sen pozostanie odciśnięty wieki przez wrażliwy pędzel mistrza.

Nie należy jednak sądzić, że w drugiej połowie XIX wieku artystom inspirował się jedynie obraz obcych, tajemnica kobiecej duszy, tajemnica wewnętrzna. W tym okresie bardzo aktywnie przejawiała się również przeciwna tendencja - wizerunek kobiet aktywnych społecznie, aktywnych, silnych, a nawet odważnych i nieco niegrzecznych. Po zniesieniu pańszczyzny i całej serii reform rola kobiet w życiu publicznym zaczęła gwałtownie wzrastać. A artyści tego okresu po mistrzowsku przekazują nam obrazy kobiet, pełnych poczucia własnej godności, znaczenia, dumy, siły i niezależności.

Tak więc na obrazie K. E. Makovsky'ego z 1879 roku mamy przed sobą właściciela starego majątku Kachanovka, położonego na granicy prowincji Połtawa i Czernigow. Sofia Vasilievna Tarnovskaya jest żoną bardzo wpływowego ukraińskiego filantropa i kolekcjonera Wasilija Tarnowskiego, namiętnego miłośnika sztuki, pasjonata muzyki (miał nawet własną orkiestrę i teatr) oraz literatury i oczywiście malarstwa. Zaprosił artystę do odwiedzenia jego posiadłości, a jednocześnie - do namalowania dla niego szeregu obrazów, w tym portretu ukochanej żony, która aktywnie wspierała działalność męża i dzieliła jego zainteresowania. Artysta odkrywa przed widzami ukryte cechy charakteru modelki.

K. E. Makowski. Portret S. W. Tarnowskiej. 1879 gr.

Portret przedstawia dostojną już w średnim wieku kobietę o silnej woli. W jej spojrzeniu pewna arogancja łączy się z duchową miękkością tkwiącą w prowincjonalnych kobietach, nie zahartowaną przez wykastrowaną świecką krzątaninę stolic. Ciemno bordowa tkanina służąca jako tło przypomina teatralne kulisy - całkiem możliwe, że S.V. Tarnovskaya pozowała artystce w pomieszczeniach teatru osiedlowego. A artysta z kolei przypomina widzom, jak bardzo nasza codzienność jest podobna do występu na scenie. W niektórych miejscach artysta doprowadza ciemnozielony kolor tkaniny odzieży do głębokiej czerni, podkreślając w ten sposób ostrość padającego cienia i ożywiając ogólne czarno-białe modelowanie rozwiązań wolumetrycznych przestrzennych. W tym ujęciu wyczuwa się inspirację mistrza arcydziełami Rembrandta. A pod względem wrażliwego psychologii KE Makovsky jest bliski słynnemu holenderskiemu malarzowi. W pogodzie gestów i stateczności postawy odczuwa się wewnętrzną pewność siebie i szczególną naturalną, a nie udawaną szlachetność duszy. Lekko zadarty nos wskazuje na przejaw kapryśności, ale w ogólnej miękkości rysów twarzy odczytuje się prostotę i spokój.

Uderzającym przykładem realistycznego portretu kobiecego z rozważanego okresu jest „Portret Olgi Siergiejewny Aleksandrowej-Gaines”, stworzony przez IE Repina w 1890 r. Artystkę wyraźnie interesuje obraz tej kobiety, jakby ucieleśniająca nowe realia społeczne tamtych czasów: przed nami kobieta aktywna, o silnej woli, silna, nawet do pewnego stopnia surowa, świadoma swojej wagi i nie wątpię, dumny z tego. IE Repin, przedstawiciel postępowego Stowarzyszenia Wędrownych Wystaw Artystycznych, w swoich pracach skłaniał się ku gatunkowi. W tworzonych przez siebie portretach praktycznie nie ma neutralnego tła - przedstawia modelkę w typowym dla niej środowisku, aby głębiej odsłonić jej wewnętrzny świat, pokazać widzowi atmosferę, środowisko, z którym model jest nierozerwalnie związany . Tutaj tło zostało opracowane przez I.E. Repina tak szczegółowo, jak to możliwe.

Złocona rama obrazu, obrusy i dywany haftowane złotą nicią, złocone oprawy książek na stole - wszystko to tworzy atmosferę luksusu, orientalnego szyku, tak bliskiego gustowi córki kazańskiego kupca S.E. Aleksandrowa. Artysta z wielką uwagą ukazuje piękno życia zamożnego kupca. Jego dociekliwe spojrzenie nie traci z oczu rzeczy przywiezionych z odległych krajów. Naszą uwagę przykuwa np. gigantyczna ozdobna muszla z masy perłowej na ścianie, prawdopodobnie z Azji Południowo-Wschodniej, czy piękny irański dywan, przypominający wyrafinowanie perskich miniatur. Będąc mężem inżyniera wojskowego, generalnego gubernatora Kazania AK Gainesa, Olga Siergiejewna była aktywnie zaangażowana w działalność charytatywną oraz zbieranie obrazów i grafik artystów rosyjskich i zagranicznych. Wyróżnia się prace I.E. Repina, co łatwo zauważyć na rozważanym tutaj przykładzie, zdolność widzenia osoby w całej złożoności jego wewnętrznego świata i oryginalność jego wyglądu zewnętrznego.

W kolorystycznym rozwiązaniu tego portretu szczególnie zadziwia nas obfitość różnych złotych odcieni, teraz „krzyczących”, jakby migających w świetle, to spokojnie migoczących, to stłumionych i ledwo dostrzegalnych, płynnie przechodzących w inne tony. Czarna aksamitna sukienka nie tylko sprytnie ukrywa pełnię kobiecej sylwetki, ale także sprawia, że ​​jej sylwetka jest czytelna w kontekście misternie zabudowanej artystycznej przestrzeni tła. Dynamika malarskiego pisma wyraźnie ujawnia się w przekazywaniu ornamentów – IE Repin nie oddaje ich dokładnie, nie upodabnia się do autorów antycznych miniatur perskich, ale dużymi pociągnięciami zarysowuje załamania linii ornamentalnych, przekazując widzowi nie graficzny charakter ich wizerunku, ale szczególną ruchliwość i wyrazistość, muzykalność i poezję, nawiązującą do wyrafinowanego rytmu poezji orientalnej.

Linie ornamentalne ornamentów na obrusie, dywanie, oprawach książek tworzą poruszający się odmierzony rytm, a linia sylwetki zdaje się ten rytm tłumić, skupiając uwagę widza. Kostium bohaterki wydaje się nieodpowiednio surowy na tak jasnym i starannie zaprojektowanym tle, które urzeka różnorodnością wzorów i spektakularnym luksusem. Jednak złożoność koronkowych wzorów kołnierzyka i rękawów zdaje się przypominać linie zdobień tak bogatych w tle. Warto zwrócić uwagę na sformułowanie sylwetki. Poza wyraża wewnętrzną siłę charakteru, pewność siebie, spokój i samozadowolenie. Przed nami silna wola, niezależna, nieco niegrzeczna, ale twórcza natura. Wygląda na to, że była leworęczna – wszak wiatraczek trzyma w lewej ręce. A to też znak oryginalności, niezależności i kreatywności. Prawą ręką Olga Siergiejewna podpiera głowę, jakby obciążoną wieloma odbiciami, a lewą ręką, ręką osoby przyzwyczajonej do wydawania poleceń, trzyma złożony wachlarz, opuszczony. Olga Siergiejewna wydawała się zastanowić przez kilka minut, usiadła, by odpocząć, ale jeszcze przez chwilę - i machała wachlarzem, nie kierując twarzą zalotnym gestem jak salonowa młoda dama, ale by wydawać rozkazy w jej posiadłości, używając jej jako wskazówki i podkreślając wagę i emocjonalną ekspresję ich słów.

Na pierwszy rzut oka rysy twarzy mogą wydawać się szorstkie. Jednak przy bliższym przyjrzeniu się zauważymy nie tylko silny intelekt, kupiecką roztropność, siłę woli, ale także lekki smutek i zmęczenie w oczach. Duma, arogancja i odrobina chłodu nie przesłaniają naturalnej kobiecości, ale nadają jej wyjątkowego smaku. Ta kobiecość tkwi w schludności fryzury, w blasku oczu, w lekko uniesionych łukach brwi, w obrzęku ust i w ledwie wyczuwalnym rumieńcu policzków. Za zimną i wyrachowaną gospodynią IE Repin był w stanie dostrzec wrażliwą kobiecą duszę, oczywiście miękką i wrażliwą, ale umiejętnie zamaskowaną surowością, nieelastycznością i celową skutecznością. Portret Olgi Siergiejewny, stworzony przez wybitną rosyjską malarkę, wyróżnia ludzkość, poetycka, a jednocześnie realistyczna głębia wyrazu, niezrównane umiejętności i niesamowita siła talentu.

Liryczny i tajemniczy świat uczuć i przeżyć kobiety odzwierciedla w swojej twórczości V.A. przekonywalność tworzonych obrazów. Świetlno-powietrzne otoczenie w jego portretach tworzy bogatą emocjonalnie przestrzeń, harmonijnie współgrającą z wewnętrznym światem modela. W portretach, które tutaj rozważamy, bez trudu dostrzeżemy wszystko, co przenika światło, jasne i srebrzyste, łagodząc plastyczną formę i wzbogacając paletę różnorodnością odcieni. Podobnie jak francuscy impresjoniści, V.A.Serov nasyca każde pociągnięcie pędzla świetlistą mocą. W portrecie ZV Moritza, napisanym w 1892 roku, VA Sierow wydaje się „ocieplać” światłem o generalnie zimnej barwie. Kolor fioletowy w gamie uważany jest za najzimniejszy, w przeciwieństwie do czerwonego - "najcieplejszego", parzystego - "gorącego". Ale zimne fioletowe tło nasycone jest wieloma refleksami, tzw. „refleksami”, które wprowadzają durowe nuty w ogólną melancholię minorową, przesyconą subtelnym lirycznym smutkiem, brzmieniem koloru. Kolory widzi artysta w ich zmienności, impresjonistycznej iluzji. Uczucie niespokojnej mobilności potęgują impulsywnie pisane pióra szala, jakby drżące na zimnym wietrze.

Emocjonalności wizerunkowi ZV Moritza nadaje zarówno rozwiązanie odcięcia, jak i specjalne sformułowanie postaci, lekki obrót głowy i lekko uniesiony podbródek. Odchyla się na krześle, patrzy twarzą do widza. Ten moment komunikacji z widzem jest na ogół cechą wielu portretów V. A. Serova. Portret zachwyca dokładnością obrazu, ostrością oka artysty, improwizacyjną lekkością, którą z powodzeniem łączy się z wysokim profesjonalizmem i mistrzowską przemyślaną decyzją kolorystyczną i kompozycyjną. Gra świateł na naszyjniku delikatnie podkreśla arystokratyczną biel skóry. Proste i typowe rysy twarzy artysta przekształca - inspiruje wewnętrzną koncentracją, poezją, w zgodzie z ogólnym nastrojem panującym w obrazie.

VA Serov w każdej swojej pracy stosuje zasady malarstwa plenerowego, podkreślając tym samym naturalność i szczególną wdzięczną lekkość obrazów, a także ścisłe powiązanie modela z otaczającą go przestrzenią. Swoją pracą potwierdza własne rozumienie wizerunku kobiety i środków jego obrazowego ucieleśnienia. Natychmiastowa i oddychająca pięknem młodości dziewczyna pojawia się na obrazie „Dziewczyna w słońcu”.

Modelka nie wydaje się pozować, ale mieszkać w tej malowniczej przestrzeni. Kolor obrazu opiera się na harmonijnym porównaniu najbliższych złoto-zielonych, brązowawych odcieni w letnim naturze, różowawych tonów na twarzy i bladożółtych, a także niebieskich w ubraniach. Biały kolor dziewczęcej bluzki zmienia się dzięki grze refleksów świetlnych, wszystkie odcienie refleksów słonecznych przebijających się przez liście potężnego drzewa wydają się tęczą. Portret ma też wyrazistą sylwetkę. Twarz zarysowana jest płynną, wyrazistą plastycznie linią, płynącą, przechodzącą w ogólną linię sylwetki postaci. Odnajdujemy tu temperament pisma, dźwięczność skali barwnej, poetycką zmysłowość.

Portret został namalowany przez mistrza jakby jednym tchem, choć artysta pracował nad nim przez całe lato, zmuszając cierpliwą kuzynkę do pozowania niemal codziennie. Widoczną artystyczną lekkość i naturalność artystka osiągnęła dzięki wrażliwości i umiejętnościom, obserwacji oraz umiejętności widzenia, odczuwania i zaskakująco subtelnego urzeczywistniania zarówno wizualnych wrażeń z otaczającego świata, jak i wewnętrznego duchowego świata przedstawionej modelki.

Uważne studiowanie i przemyślana refleksja w twórczości wielu ówczesnych artystów i pisarzy, życiu ludzi, życiu codziennym i obyczajach, stawia gatunek społeczny na jednym z pierwszych miejsc w ówczesnym środowisku artystycznym. Zauważalnym trendem w malarstwie portretu kobiecego badanego okresu było zainteresowanie artystów wizerunkami kobiet z ludu, a nie tylko „świeckimi lwicami”, zamożnymi klientkami czy pięknymi nieznajomymi. W rzeczywistości obrazy te można również nazwać swego rodzaju „obcymi” – artyści nie pozostawili swoich nazwisk dla historii, starali się stworzyć uogólniony obraz swoich współczesnych, przedstawicieli różnych warstw społecznych. Takie „portrety” to nie tylko „portrety” w klasycznym sensie. Są to „portrety – obrazy”, bliskie gatunkowi życia codziennego, który do tego czasu osiągnął szczyt swojej popularności. Tworząc takie prace, artyści wydają się balansować na cienkiej granicy pomiędzy różnymi gatunkami - portretem i codziennością.

Wizerunek sprzedawczyni kwiatów uchwycony pędzlem N.K.

Połączenie jasnoniebieskiego odcienia ubioru ze szmaragdową zielenią liści lilii i ich śnieżnobiałych kwiatów, efekt równomiernego światła słonecznego to środki, które pomagają odsłonić ludzki wizerunek. Tłem jest ruch uliczny zalany promieniami słońca, przestrzeń artystyczna rozwija się w głąb po przekątnej, podkreślona linią chodnika i szeregiem domów stojących w rzędzie, potęgującym wrażenie ruchu spieszących się postaci o ich interesach lub bezczynnie chodzących przechodniach. Różana i zwietrzała twarz młodej dziewczyny przyciąga wzrok widza swoją otwartością i prostotą, iskrzącym się i naturalnym uśmiechem, wyrazistym spojrzeniem. Sprytnie sprzedaje białe lilie, jakby symbolizując w tym kontekście kwitnienie i czystość młodości. Wrażenie świeżości, bezpośredniość narodzin obrazu urzeka nasze oczy i pozostaje na zawsze w naszej pamięci wzrokowej i mentalnej.

W takich pracach manifestują się humanistyczne ideały, żywe zainteresowanie inteligencji twórczej losem mieszkańców ich ojczyzny. Zbliżony do malarstwa ikonowego, a jednocześnie głęboko realistyczny i nowoczesny, kobiecy wizerunek ucieleśnia N. A. Yaroshenko w portrecie siostry miłosierdzia. Ściśle zarysowana postać na ciemnym tle, ascetyczne rysy twarzy dziewczyny, pewna płaskość i wewnętrzna izolacja obrazu – wszystko to przywodzi na myśl wizerunki prawosławnych ikon. Kolory łączą się w spokojny, harmonijny współbrzmienie. Artysta podkreśla „ikonografię” stworzonego obrazu wykwintną barwą, niemal monochromatyczną gamą brązowo-szarych i bladozłotych tonów.

Pojawienie się siostry miłosierdzia nosi cechy wizerunku zbiorowego, typowego. Ciemna przestrzeń zostaje rozświetlona jakby nagłym rozbłyskiem światła. Światło jest tu wyrazistą i czytelną metaforą - podobnie jak światło słoneczne, sprawy tej młodej, kruchej dziewczyny oświetlają życie wielu osób, którym pomaga. W przepięknie wyblakłej skali portretu stonowane brązy i szarawe odcienie ubrań, jaskrawoczerwony krzyż i żółtość odbić światła są zestawione w zamyśleniu. Ręce artystki są znakomicie pomalowane - zmęczone i kruche, są ucieleśnieniem kobiecości, ciepła, troski, czułości... Jest jak święta na cudownej ikonie - wszak cud, to nie tylko coś mistycznego, to może zrobić każda osoba obdarzona życzliwością duszy i pragnieniem czynienia dobra... Każdego dnia swojego życia dokonuje cudu - swoją pomocą, dobrocią duszy i wartością swojej pracy ogrzewa świat.

Pod sam koniec XIX wieku, na niepokojącym przełomie burzliwych i dramatycznych wieków dla historii Rosji, w 1900 roku w portrecie kobiecym nasiliły się tendencje symboliczne, a realizm zniknął na dalszy plan, zastąpiono epokę i nową w malarstwie pojawiły się priorytety, chęć ujawnienia innych możliwości języka artystycznego. To naturalne – w końcu ścieżka twórczych poszukiwań jest niewyczerpana, mobilna i nieskończona. Coraz intensywniejsze staje się pragnienie dekoracyjnej i symbolicznej ekspresji koloru, artyzmu, zabawy z wyobraźnią widza. Ekspresja figuratywna nie ma na celu przekazywania żywych doznań i obserwacji, ale skupia się na osiągnięciu subtelnej emocjonalnej i intelektualnej przyjemności, poezji i alegorii, pewnej konwencjonalności i poetyckiego rytmu, które upodabniają malarstwo do muzyki i słowa.

Wyrafinowany i tajemniczy wizerunek pięknej damy, wyidealizowany i pełen poetyckiej harmonii, stworzył K. A. Somov w swoim słynnym dziele „Dama w niebieskiej sukience”. To już nie jest nieznajomy Kramskoy, który wydawał nam się tak naturalny i żywy, jakby pojawił się przed nami na kilka chwil z cienia stuleci. Nieznajomy KA Somov to raczej portret aktorki grającej rolę, zakładającej maskę i zastanawiającej się nad przeczytanym niedawno wierszem. W rzeczywistości jest to portret artysty E.M. Martynova.

Subtelna gra półtonów tworzy liryczny nastrój. Subtelność kolorystycznego smaku przejawia się w malowniczej fakturze - wyblakły, matowy kolor, płynne pociągnięcie pędzla, które nawiązuje do gładkiej linii konturu. Precyzja rysunku i giętkość kreski nadają nieco suchości i dekoracyjności, podkreślając kunszt przedstawionej damy. Konwencjonalny, stylizowany pejzaż jest umiejętnie zagrany jako tło, ponownie wywołując skojarzenie nie tyle z pejzażem realnym, co z teatralnym zapleczem. Tego rodzaju chęć odtworzenia świata fikcyjnego – odejście od zubożałej duchowo rzeczywistości i całkowite zanurzenie się w świecie twórczości, w pełni odpowiada nowym wymogom estetycznym epoki. Ten paradygmat przejawia się w wielu pracach mistrzów stowarzyszenia twórczego „World of Art”, do którego należał KA Somov.

Chyba najbardziej skłonny do teatralizacji obrazów, fantasmagorii i mistycyzmu był M.A.Vrubel - jego malarstwo wydaje się być tajemniczym, ezoterycznym objawieniem kolorystycznym. Dążył do ucieleśnienia piękna i dostrzeżenia jego wewnętrznej tajemnicy, do otwarcia nieco zasłony tajemnicy samej istoty piękna. Idea takich poszukiwań jest zbliżona do nowych trendów epoki i wyraźnie nawiązuje do tego, co możemy zaobserwować w ówczesnej poezji, w muzyce, w teatrze. Wystarczy przypomnieć wersety Iwana Bunina z 1901 roku:

szukam kombinacji na tym świecie,

Piękne i tajemnicze, jak marzenie...

Nie jest to oczywiście ani credo, ani apel, ale jasne i trafne sformułowanie paradygmatu twórczego środowiska literacko-artystycznego przełomu wieków.

MA Vrubel stawia na bardzo oryginalny i niepowtarzalny styl pisania. Pisze nie formami, nie tomami, ale miażdżącymi małymi płaszczyznami, jak mieniąca się w ciemności mozaika…

Często tworzył portrety swojej żony NI Zabeli-Vrubel, która gra w przedstawieniach teatralnych, w obrazach różnych postaci - albo pojawia się na obrazie Małgosi, potem na obrazie Księżniczki Łabędzia z opery NARimskiego-Korsakowa na podstawie opowieści o carze Saltanie.

Obraz-portret Księżniczki Łabędziej powstał na samym przełomie wieków, w tych niespokojnych czasach, które zapowiadały szereg dramatycznych zmian.

mgr Vrubel. Księżniczka Łabędzia. 1900 gr.

Wrażenie drgającego ruchu doskonale oddaje rozwiązanie kolorystyczne. Liliowe i zimne granatowe refleksy zdają się wchodzić w dramatyczną konfrontację z dużymi różowawymi i żółtawymi rozbłyskami refleksów świetlnych, pogłębiając głębię brzmiącego dysonansu, który kolorami opowiada o sprzeczności między snem a rzeczywistością, niebiańską i ziemską, duchową i światową, wzniosłe i przyziemne. Porywająca tajemnicą postać ukazana jest w burzliwym ruchu, jakby z całej siły trzepotała śnieżnobiałymi skrzydłami, próbując z całych sił wystartować na oczach zdziwionych widzów. W ogromnych, szeroko otwartych oczach jakby zamarzły duże krople łez, błyszcząc zgodnie z blaskiem zachodzącego słońca płomienia, łącząc kolory obrazu w tak złożoną kolorystycznie jedność. Co to jest - nierozwiązany symbol lub mistrzowsko zagrana rola, a może odbicie wewnętrznych, subtelnych ruchów duszy artysty, wypełnione wzniosłą poezją? Być może każdy widz sam musi znaleźć odpowiedź, albo lepiej po prostu nie myśleć o tym, ale cieszyć się iskrzącym pięknem, które dotyka ukrytych strun ludzkiej duszy, budząc bajkę w głębi serca.

Artystki wszystkich czasów inspirowały się wizerunkami kobiet - silnych i upartych lub kruchych i wrażliwych, prostych i skromnych lub ekstrawaganckich i odważnych, dojrzałych i pełnych brzemienia codziennych trosk, lub młodych i naiwnych, naturalnych i ziemskich, czy wyrafinowane i zmanierowane… W serii portretów kobiecych tworzonych przez najzdolniejszych rosyjskich mistrzów pod koniec XIX wieku odzwierciedlało nowe, jak na tamte czasy, rozumienie kobiet, bardziej wyzwolonych, wolnych od odwiecznych uprzedzeń i, jak się wydaje , niekiedy kwestionujące tradycje, ale jednocześnie ściśle związane z duchowością prawosławną i filozoficznymi poszukiwaniami intelektualnymi ówczesnej inteligencji twórczej. Po rozważeniu tylko kilku przykładów w tym artykule mogliśmy zobaczyć, jak uważni mistrzowie pędzli są na indywidualne cechy modelek, jak wrażliwi są na naturę kobiecej duszy i jak szczerze podziwiają kobiece piękno!

Sztuka zawsze pomaga nam głębiej zrozumieć siebie, spojrzeć świeżym okiem na własne życie i otaczający nas świat. A może, patrząc na piękne kreacje artystów, współczesne kobiety, pochłonięte serią codziennych zamieszań, będą pamiętać, że mieszka w nich też piękna tajemnicza nieznajoma…

Łukaszewska Jana Naumowna, krytyk sztuki, niezależny krytyk sztuki, kurator wystaw, 2011, strona internetowa.

Od: Lukashevskaya Yana Naumovna i nbsp35729 wyświetleń

Publikacje w dziale Muzea

Tatiana przed i po Puszkinie: portrety z trzech stuleci

Czyta się, że imię Tatiana stało się popularne po opublikowaniu powieści „Eugeniusz Oniegin”. Jednak nawet wcześniej nazwa ta nie była rzadkością wśród szlachty. Wspominamy portrety Tatianów od XVIII do XX wieku razem z Sofią Bagdasarową.

A. Antropow. Portret księżniczki Tatiany Alekseevna Trubetskoy. 1761. Galeria Tretiakowska

A. Peng. Portret księżniczki Tatiany Borisovny Kurakiny. 1 piętro XVIII wiek, GE

Nieznany artysta. Portret Anastazji Naryszkiny z córkami Tatianą i Aleksandrą. Wczesne lata 1710, Galeria Tretiakowska

Dziewczęta z rodziny Romanowów zostały ochrzczone przez Tatianę już w XVII wieku: tak na przykład miała na imię siostra pierwszego cara Michaiła Fiodorowicza i jego najmłodsza córka. Wtedy to imię zniknęło z dynastii królewskiej, a kolejna Tatiana pojawiła się w rodzinie cesarskiej w latach 90. XIX wieku. Jednak w rodzinach szlacheckich z XVII i XVIII wieku nazwa pozostała popularna. Jednym z najbardziej znanych Tatianów jest Tatiana Shuvalova. Jej syn, ulubieniec cesarzowej Elżbiety Iwan Szuwałowa, wybrał urodziny matki, aby podpisać dekret o utworzeniu Uniwersytetu Moskiewskiego. Tak więc dzień Tatiany stał się Dniem Studenta. Portret Tatiany Szuwałowej nie zachował się.

Najstarszym rosyjskim portretem z Tatianą był najwyraźniej portret rodzinny Naryszkinów z lat 1710. Przedstawia córkę pierwszego komendanta Petersburga, gubernatora moskiewskiego Kiryła Naryszkina z matką i siostrą. Nieznany artysta nie działał zbyt dobrze na twarzach, ale starannie namalował wzory na tkaninie i modnej koronkowej fontannie (nakryciu głowy) matki.

Nadworny malarz króla pruskiego Antoine Pen został zaproszony do namalowania portretu córki księcia Borisa Kurakina - i siostrzenicy królowej Evdokii Lopukhiny. Dyrektor berlińskiej Akademii Sztuk, w tradycji klasycyzmu, wykonał światłocienie, fałdy ubrań, a nawet przekazał najwspanialszą grę drogiego materiału na ramionach księżniczki Tatiany Kurakiny.

Księżniczka Tatiana Trubetskaya, siostra poety Fiodora Kozłowskiego, wygląda jasno na portrecie z 1761 roku: artysta Aleksiej Antropow przedstawił ją w sukience ozdobionej czerwonymi i zielonymi kokardkami i kwiatami. Księżniczka z pełnym makijażem: w tamtych latach modne było nie tylko pudrowanie, ale także nakładanie różu, rysowanie brwi.

D. Lewickiego. Portret Tatiany Pietrownej Raznatowskiej. 1781. Państwowe Muzeum Sztuki Białorusi

N. Argunow. Portret baletnicy Tatiany Wasiliewnej Shlykovej-Granatowej. 1789. Kuskowo

E. Vigee-Lebrun. Portret Tatiany Wasiliewnej Engelhardt. 1797. Muzeum Fuji, Tokio

Dwadzieścia lat później Dmitrij Lewicki napisał Tatianę Raznatowską. Młoda kobieta o dumnej postawie wygląda szlachetnie i wytwornie. Jej jasnoniebieska sukienka i biała jedwabna peleryna kontrastują z głębokim, ciemnym tłem w tradycji malarskiej tamtych lat.

Jedna z najbogatszych kobiet w Rosji, siostrzenica księcia Potiomkina, Tatiana Engelhardt, wyszła za mąż za jednego z Jusupowów i przyniosła swojej rodzinie gigantyczną fortunę i dziedziczne imię Tatiana. Na portrecie odwiedzającej go francuskiej portrecistki Vigee-Lebrun Tatiana Engelhardt tka wieniec z róż i jest ubrana zgodnie z nową modą - w sukienkę z wysokim stanem.

Badacze uważają, że imię Tatiana było trzykrotnie bardziej popularne wśród chłopów w XVIII-XIX wieku niż wśród szlachty. Artysta pańszczyźniany Nikołaj Argunow z Szeremietiewów przedstawił chłopkę Tatianę Szłykową, aktorkę teatru pańszczyźnianego, w eleganckim kostiumie scenicznym. Później hrabia podniósł „cenne” nazwiska dla swoich pięknych aktorek. Shlykova została Granatova, a jej „kolegami” zostali Zhemchugova i Turkus.

A. Bryułłowa. Portret Tatiany Borisovny Potiomkiny. 1830. VMP

V. Tropinina. Portret Tatiany Siergiejewny Karpakowej. 1818. Muzeum Sztuk Pięknych Republiki Tatarstanu

K. Reichela. Portret Tatiany Wasiliewnej Golicyny. 1816, RM

Wśród Tatian są inne aktorki uwiecznione na płótnach. W 1818 Wasilij Tropinin wcielił się w młodą tancerkę Karpakową. Jej rodzice grali w teatrach cesarskich, a ona sama lubiła balet od dzieciństwa. Tatyana Karpakova tańczy na scenie Teatru Bolszoj od 12 roku życia, jej współcześni podziwiali jej wyrazistą mimikę, łatwość tańca i nienaganną technikę.

W tym samym roku powstał portret księżnej Tatiany Golicyny. Synowa Natalii Golicyny, pierwowzór Damy pikowej Puszkina, przedstawiona jest w czarnym berecie. W pierwszej połowie XIX wieku te nakrycia głowy były tradycyjnie noszone przez mężatki. To prawda, że ​​częściej kobiety mody preferowały jasne kolory - szkarłatny, zielony, szkarłatny.

„Szerokość beretu sięga dwunastu werszoków; górna część to jeden, dolna część innego koloru. Różne są również materiały, z których wykonane są takie berety: satyna i aksamit. Te berety są zakładane na głowę tak krzywo, że jedna krawędź prawie dotyka ramienia.”

Fragment z XIX-wiecznego magazynu o modzie

Tatiana Potemkina jest przedstawiona w akwarelach Aleksandra Bryulłowa z lat 30. XIX wieku. Na niej modelka ubrana jest w strój, który zakrywa nie tylko ramiona, ale także szyję, uszy i włosy księżniczki: Potiomkina była bardzo religijna. Stając się duchową córką św. Ignacego (Brianczaninowa), dbała o szerzenie prawosławia, budowała kościoły, przekazała ogromne sumy pieniędzy na cele charytatywne i oczywiście nie pozwoliła sobie na noszenie dekoltu.

W. Wasniecow. Portret Tatiany Anatolijewnej Mamontowej (1884, Galeria Tretiakowska)

I. Odp. Portret Tatiany Lwownej Tołstoj (1893, Jasna Polana)

F. Winterhaltera. Portret Tatiany Aleksandrownej Jusupowej (1858, Państwowy Ermitaż)

W latach 1825-1837 ukazał się częściowo „Eugeniusz Oniegin” Aleksandra Puszkina. Tatiana Larina stała się „pierwszą Tatianą” literatury rosyjskiej - wcześniej pisarze woleli inne imiona. Po wydaniu powieści nazwa stała się znacznie bardziej popularna - wielu nazwało swoje córki imieniem romantycznej i cnotliwej bohaterki Puszkina.

Ale nie ma tak wielu portretów Tatian z tych lat. Wśród nich jest płótno, na którym modny malarz portretowy Franz Xaver Winterhalter przedstawił Tatianę Jusupową. Bohaterka portretu odziedziczyła go po babci Tatiany Engelhardt, a Jusupowa nazwała również jedną ze swoich córek.

Portrety córek Lwa Tołstoja i Anatolija Mamontowa powstały w latach 1880-90, namalował je B. Kustodiev. Portret Tatiany Nikołajewnej Czyżowej. 1924. Regionalne Muzeum Sztuki w Iwanowie

Pan Vrubel. Portret Tatiany Spiridonovna Lyubatovich jako Carmen. 1890. Państwowa Galeria Tretiakowska

Na początku XX wieku w Moskwie i prowincji moskiewskiej imię Tatiana stało się piątym najpopularniejszym po Marii, Annie, Katarzynie i Aleksandrze.

Portret jednego z Tatian należy do pędzla Michaiła Vrubela. Śpiewaczka operowa Tatiana Lubatowicz jest przedstawiana jako Carmen - na początku XX wieku był to bardzo popularny wizerunek wśród artystów i bohaterek ich płócien.

W 1908 r. Saratowski artysta Aleksander Sawinow namalował płótno „Harfista”. Jego bohaterką była żona słynnego filozofa Siemiona Franka, Tatiany Frank (z domu Bartseva). Savinov stworzył ozdobny portret o fakturowanym tonie i stonowanych barwach w tradycji zyskującego na sile nowego stylu - modernizmu.

W tym kręgu artystycznym Tatiana „Portret artystki Tatiany Cziżowej” jest niezwykły, Boris Kustodiew napisał go w 1924 roku. W tytule obrazu jest nieścisłość. Po śmierci Kustodiewa portret został przeniesiony do Muzeum Rosyjskiego, a skrót w podpisie „łuk”. dekodowany jako „artysta”. W rzeczywistości Tatiana Chizhova była archeologiem. Na portrecie jest przedstawiona w ulubionej sukience iz pierścionkiem babci na palcu.

Marzec, uważany za miesiąc historii kobiet, dobiega końca. I na jego cześć oto taki wybór. 10 z wielu rewolucyjnych artystek, które dzięki swojej kreatywności uczyniły świat piękniejszym i równym dla połowy ludzkości.

Są to artystki, które ucieleśniały ideę sztuki feministycznej na długo przed ukuciem tego terminu. Niezależnie od tego, czy zajmowały się sztuką we włoskim renesansie, czy w XIX-wiecznym Nowym Jorku, ich prace udowadniają, że kobiety zawsze są w stanie wnieść znaczący wkład do skarbca sztuki na świecie.
Na pierwszej reprodukcji Portret Alice Liddell autorstwa Cameron

1. Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron miała 48 lat, kiedy aparat po raz pierwszy wpadł jej w ręce. To było w przedostatnim stuleciu, w 1868 roku. Ale w ciągu krótkich 11 lat swojej kariery fotograficznej Julia osiągnęła bardzo wiele.

Wydaje się, że jej senne portrety celowo upajają się niedoskonałościami fotografii, rozmyciem i mgłą wyczarowuje widzom wyraźną esencję osoby ponad mimetycznym (greccy mimety - naśladowca). Myślę, że gdyby ktoś z tej listy był kochany przez Instagram, byłby to Cameron.

2. Własność De Rossi

Property de Rossi (1491-1530) urodziła się w Bolonii i tam pracowała przez całe życie.

Musiała byćPPierwsza kobieta, która zniszczyła stereotypy społeczeństwa renesansowego. Boloński artysta i rzeźbiarz, który nie oglądając się na przeszłość i teraźniejszość zajmował się prawdziwie męskim zajęciem – rzeźbieniem w kamieniu, obróbką marmuru, a także grawerowaniem.

Jako dziewczynka rozpoczęła swoją podróż od rzeźbienia pestek brzoskwini, co wydawało się niesamowitym cudem w subtelności pracy i eleganckiej manierze.
Na tak maleńkiej kości Rossi zdołał przekazać wszystkie namiętności Chrystusa, wykonane z najpiękniejszych rzeźb z niezliczonymi postaciami.

3. Elisabetta Sirani

Urodziła się w 1638 roku. Chociaż zmarła w młodym wieku 27 lat, w ciągu swojego życia Sirani stworzyła ponad 200 obrazów, łącząc dramatyczne ciemne tła z ostrymi, żywymi kolorami i przedstawieniami potężnych bohaterek.

Córka malarza szkoły bolońskiej Giovanniego Andrei Sirani, jednego z najbliższych uczniów i współpracowników Guido Reniego.Zaczęła malować w wieku 12 lat pod wpływem konesera i historyka sztuki Carlo Cesare Malvasia, który później umieścił jej biografię - jedynej kobiety - w swojej słynnej książce o malarzach bolońskich (1678).

Ojciec początkowo był sceptycznie nastawiony do tych działań, ale rok później przyjął córkę do warsztatu. W wieku 17 lat stała się w pełni rozwiniętą malarką i grawerką, od tego czasu prowadziła zeszyt, w którym zapisywała wszystkie swoje prace.

Jej styl jest zbliżony do Guido Reniego, ich prace były kilkakrotnie mylone: ​​tak przez długi czas przypisywano Reni słynny rzekomy portret Beatrice Cenci autorstwa Sirani.

4. Edmonia Lewis

Afroamerykańska Indianka-rzeźbiarka

Urodziła się w Albany w 1844 roku. Ojciec jest Afroamerykaninem, matka pochodzi z plemienia Indian Chippewa. Oboje rodzice zmarli, gdy była dzieckiem. Edmonia mieszkała ze starszym bratem w rodzinie krewnych matki w Niagara Flos. Trzy lata później jej brat zaproponował, by rzuciła pracę w domu i poszła do szkoły.

Uczęszczała do Oberlin Preparatory College w Ohio - jednej z pierwszych instytucji edukacyjnych w Stanach Zjednoczonych, gdzie przyjmowano kobiety różnych ras. To tam Edmonia zainteresowała się rzeźbą i rozpoczęła karierę artystyczną.

Jednak przez całą edukację spotyka się z dyskryminacją - w​​ w tym została pobita i oskarżona o otrucie koleżanki z klasyv. Po ukończeniu studiów przeniosła się do Bostonu, aby kontynuować swoją pracę, a mianowicie odtwarzać abolicjonistów i bohaterów wojny secesyjnej.

Ostatecznie większość swojej kariery artystycznej spędziła w Rzymie, gdzie tworzyła piękne marmurowe rzeźby w tradycji neoklasycznej. Najbardziej znana z marmurowej rzeźby „Śmierć Kleopatry” i wiemy, dlaczego. Forma ma cały dramat Michała Anioła.

5. Judith Leyster

Urodzona w 1609 roku w Haarlemie w Holandii, została pierwszą artystką zarejestrowaną w Haarlem Guild of Saint Luke.
Najbardziej znana jest z „Autoportretu”. Słynie z żartobliwej płynności w czasach, gdy większość portretów kobiet była twarda i poważna.

6. Sofonisba Angissola

Urodziła się w 1532 roku.
Anguissola, najstarsza z siedmiorga dzieci, jest szlachetnie urodzona, a jej ojciec zapewnił ją, że otrzyma najlepsze wykształcenie w wybranym przez siebie kierunku.

Najwyraźniej dotrzymał słowa, a Michał Anioł stał się nieoficjalnym mentorem Anguissoli. Otrzymała wielkie możliwości ze względu na bogactwo i status, ale wciąż była pozbawiona wielu możliwości jako artystka, ponieważ była kobietą.
Na przykład dlatego, że uważano, że kobiety nie powinny patrzeć na nagie modelki.

W ostatnich latach życia Angissola malowała nie tylko portrety, ale także płótna o tematyce religijnej, jak za młodości. Jednak wiele z jej obrazów zaginęło później.
Udany handel męża i hojna emerytura od Filipa II pozwoliły jej swobodnie malować i wygodnie żyć. Była czołową portrecistką w Genui, dopóki nie przeniosła się do Palermo w późniejszych latach. W 1620 stworzyła swój ostatni autoportret.

7. Święta Katarzyna z Bolonii

Urodzony w 1413 Artysta, zakonnica i, jak się domyślacie, święta. Dorastała dobrze wyszkolona w rysunku i wykształcona jako córka arystokratki, służyła jako druhna, dopóki nie wstąpiła do klasztoru.
Teraz jest uważana za patronkę artystów.
Wielu artystów przyjeżdżało do niej, aby studiować i dzielić się swoimi poglądami na trendy w rozwoju sztuki.
Stworzyła własny styl, który wielu artystów starało się naśladować.
Jej sukces utorował drogę innym artystkom renesansu, takim jak Lavinia Fontana, Barbara Longhi, Fede Galizia i Artemisia Gentileschi.

8. Levina Teerlink

Urodziła się w 1593 roku.
Córka artystki, Gentileschi, dorastała jako dziecko w pracowni ojca.
W wieku 18 lat została zgwałcona przez artystę Agostino Tassi, która pracuje z ojcem, była przesłuchiwana, poniżana, a nawet torturowana, chcąc uzyskać skazanie przestępcy.

Po siedmiomiesięcznym procesie tortur dla Artemizji Tassi został uznany za winnego i skazany na rok więzienia.

Po ślubie z artystą Pierantonio Stiattesi (małżeństwo zaaranżował jej ojciec), Artemisia przeniosła się do Florencji w tym samym 1612 roku.

Feministyczna praca Gentileschi jest wypełniona bohaterskimi kobietami. Jej estetyka jest równie śmiała i silna, unika tradycyjnych wyobrażeń o kobiecej słabości.
Często jej płótna łączą seksualność i przemoc, na przykład „Judith zabija Holofernesa”.