Muzyka średniowiecza. Wprowadzenie średniowiecznego muzyka

Średniowieczni muzycy. Muzeum Muzyki Manuskryptu XIII wieku w średnim wieku okres rozwoju kultury muzycznej, obejmującym okres od około V do AD XIV AD ... Wikipedia

Obejmuje różne żywe i historyczne gatunki ludowej, popularnej, pop i muzyki klasycznej. Indyjska muzyka klasyczna, przedstawiona przez tradycje Carnataka i Hindustani, wraca do "Veda" i jest opisana jako złożona i różnorodna ... Wikipedia

Grupa muzyków na Montmartre Francuski muzyka jest jednym z najciekawszych i wpływowych europejskich kultur muzycznych, co przyciąga początki ... Wikipedia

Spis treści 1 Muzyka ludowa 2 Muzyka klasyczna, Opera i balet 3 Popularna muzyka ... Wikipedia

Jest to artykuł o stylu muzycznym. Dla grupy widoków filozoficznych, zobacz nowy artykuł Wieku. Zobacz także Kategoria: Muzyka Nowy Wiek Nowy Wiek (Nowy Wiek) Kierunek: Muzyka elektroniczna Odpoczynek: Jazz, Etnicy, Minimalizm, Muzyka klasyczna, Klasyczna muzyka ... Wikipedia

I Muzyka (z greckiego. Musik, dosłownie sztuka muzyka) typ sztuki, który odzwierciedla rzeczywistość i wpływa na osobę za pomocą znaczących i specjalnie zorganizowanych sekwencji dźwięków składających się głównie z tonów ... ... Świetna radziecka encyklopedia

- (Grecki. Moysikn, z Mousa Muse) Wygląd roszczenia, do żyta odzwierciedla rzeczywistość i wpływa na osobę za pomocą znaczącej i specjalnie zorganizowanej wysokości i w czasie sekwencji dźwiękowych składających się głównie z tonów ... ... Encyklopedia muzyczna.

Artykuły krokowe ... Wikipedia

Muzyka belgijska czerpie swoje pochodzenie z muzycznych tradycji flamis, zamieszkane na północy kraju, a tradycje Wallonowa, które mieszkały na południu i doświadczyli wpływu tradycji francuskich. Tworzenie muzyki belgijskiej prowadzonej w złożonym historycznym ... ... Wikipedia

Książki

• Ilustrowana historia sztuki. Architektura, rzeźba, malarstwo, muzyka, sympatia w .. Edycja podnoszenia. Petersburg, 1884. Wydanie A. S. Suvorin. Wydanie z 134 rysunkami. Właścicielem wiązania ze skórzanym korzeniem i narożnikami. Futro bintovaya. Konserwacja jest dobra. ...
• Ilustrowana historia sztuki. Architektura, rzeźba, malarstwo, muzyka (dla szkół, samokształcenia i odniesień), Lyubka. Edycja podnoszenia. Petersburg, 1884. Wydanie A. S. Suvorin. Zarezerwuj z 134 rysunkami. Pokrywa typograficzna. Bezpieczeństwo jest dobre. Małe otwory na okładce. Ozdobny ilustrowany ...

Ponad 1000 lat opracowano sztukę muzyczną średniowiecza. Jest to stresujący i kontrowersyjny etap ewolucji myślenia muzycznego - od monomentu (jeden-s) do najbardziej złożonej polifonii. Wiele europejskich instrumentów muzycznych zostało ulepszonych w epoce w średniowieczu, powstały gatunki zarówno muzyki kościoła, jak i świeckiej muzyki, powstały słynne szkoły muzyczne Europy: Holandia, francuski, niemiecki, włoski, hiszpański itp.

W średniowieczu były dwa główne kierunki rozwoju muzyki: muzyki duchowej i świeckich, zabawnych. Jednocześnie uważano, że muzyka świecka była uważana za religią, uważano za "diabelską nawigację".

Muzyka była jednym z narzędzi religii, "w podziale" oznacza, że \u200b\u200bsłużyły cele Kościoła, a także jednego z dokładnych nauk. Muzyka została umieszczona wraz z matematyką, retoryczną, logiką, geometrią, astronomią i gramatyką. Kościół rozwinęli śpiewacy i szkoły kompozytorskie z koncentracją na estetyki muzycznej numerycznej (dla naukowców tej epoki muzyka była projekcją liczby w sprawie dźwięku). Był to wpływ późnego hellelizmu, pomysłów Pythagóry i Platona. W tym podejściu muzyka nie miała niezależnej wartości, była to alegoria wyższej, boskiej muzyki.

Muzyka została podzielona na 3 typy:

• Muzyka świata to sfery muzyczne, planety. Według muzycznych i numerycznych estetyki średniowiecza każda planeta układu słonecznego była obdarzona swoim dźwiękiem, tonem, a ruch planet stworzył niebiańską muzykę. Oprócz planet, pory roku obdarzono jego tonem.
• Muzyka ludzka - każdy organ, część ciała, dusza osoby była obdarzona z ich dźwiękiem, które były w harmonijnej konsonance.
• Muzyka instrumentalna - sztuka narzędzi do gry, muzyka do koperty, niższy rodzaj hierarchii.

Muzyka duchowa była wokal wokalny, chóralny i świecki - instrumentalny. Muzyka instrumentalna była uważana za światło, frywolne, a teoretycy muzyczne tej epoki nie dostrzegają tego poważnie. Chociaż rzemiosło Minstrela wymagało muzyków o wspaniałych umiejętnościach.

Okres przejściowy od średniowiecza do ery nowego czasu w Europie, który trwał prawie dwa i pół wieku. W tym okresie znaczące zmiany miały miejsce w wielu dziedzinach życia; Burzliwe kwitnące przetrwały nauki i sztukę. Okres odrodzenia podzielony jest na wiele części składowych i faz rozwoju. Różne przesądzenia są również związane z nim, zakorzenione tak mocno, że nawet dzisiaj istnieją znaczne wysiłki, aby je obalić.

• Pierwszy, prawdopodobnie, główne nieporozumienie ma być brane pod uwagę (jak wielu ideologów renesansowych) ożywieniu ożywienia, zmartwychwstania kultury i cywilizacji, która przyszła po długim okresie barbarzyńskiego "średniowiecza" , ponury czas, okres przerwy w rozwoju kultury. To uprzedzenie opiera się na pełnej ignorancji średniowiecza i ścisłego połączenia między nim a ożywieniem; Jako przykład, będzie wystarczająco dużo zupełnie różnych obszarów - poezji i życia gospodarczego. Dante mieszkał w XIII wieku, tj. W kulmnach średniowiecza Petrarka - w XIV. Jeśli chodzi o życie gospodarcze, jego autentyczne renesansuje również na XIII wieku, czas szybkiego rozwoju handlu i bankowości. Mówi się, że jesteśmy zobowiązani do ożywiania starożytnych autorów, ale to także przesąd. Wiadomo, że w tym okresie odkryto tylko dwa starożytne greckie manuskrypty, reszta była już na Zachodzie (głównie we Francji), ponieważ powrót do starożytności związanej z zainteresowaniem osobą i przyrodą, zachodnia Europa przetrwała w XII i XIII stulecia.
• Druga zabronia jest związana z mieszaniem dwóch elementów ożywienia przeciwieństw do siebie, a mianowicie tzw. Humanizm i nowej nauki przyrodniczej. Humanizm jest wrogi do dowolnej logiki, każdy powód, wszelkie przyrodnicze nauki, które uważa, że \u200b\u200b"mechaniczna" praca, niegodna osoba kulturalna, zaprojektowana jako pisarz, pion, polityk. Figura renesansu, która łączy w sobie erasę Rotterdamu i Galilei w tym samym czasie, jest mithical i wiara w pewną nieodłączną w erze ożywienia wizerunku świata - nic poza przesądem.
• Trzecia uprzedzeń polega na przewyższaniu filozofii wieku renesansu jako "wielki" w porównaniu do scholastycznego przed nim.

W rzeczywistości, z wyjątkiem Nicholas Kuzansky (odległe od Ducha Renaissance) i Galilejskiej (którzy mieszkali w renesansie, renesansowych filozofów, zgodnie z targową zgodą Kristencher, nie były ani dobre, ani złe, nie byli filozofami wszystko. Wielu z nich było wybitni pisarzy, naukowcy, koneserzy starożytnych tekstów, słynęli z kpiną i ostrej inteligencji, umiejętności literackie. Ale nie mieli prawie żadnego związku z filozofią. Tak więc sprzeciwiaj się tym do myślicieli w średniowieczu - czystej przesądów.

• • Kolejnym nieporozumieniem jest rozważenie odrodzenia burzliwej rewolucji, całkowitą lukę z przeszłością. Rzeczywiście, w tym okresie znajdują się głębokie zmiany, ale wszystkie są organicznie związane z przeszłością, aw każdym razie ich pochodzenie można znaleźć w średniowieczu. Zmiany te mają w przeszłości tak głębokie korzenie, które jedna z największych specjalistów na temat epoki renesansowej, miała wszelkie powody, by wymienić tę erę "Jesienne średniowiecze".

Wreszcie przesąd jest opinią, że ludzie, którzy mieszkali w epoce renesansowej, przynajmniej większość z nich, w duchu ich protestantów, monistów, ateistów albo racjonalistów. W rzeczywistości przytłaczająca większość znanych przedstawicieli renesansu, aw dziedzinie filozofii prawie wszystko, z Leonardo i Ficino do Galilia i Campennel, byli katolicy, współczynnikom częstotliwości i obrońcy34 wiara katolicka. Więc, Martilyo Ficyno w 40. roku życia wziął wiarę chrześcijańską i stworzył katolickie apologetyki nowego czasu.

Teoretyk muzyki średniowiecy Guido Aretinsky (koniec XV wieku) daje następującą definicję muzyki:

"Muzyka jest ruchem dźwięków głosowych".

W tej definicji średniowieczny teoretyk muzyczny wyraził stosunek muzyki całej europejskiej kultury muzycznej tej epoki.

Gatunki muzyczne kościoła i muzyki świeckiej.

Źródłem muzyki duchowej średniowiecza było środowisko klasztorne. Chanty zostały uwięzione w śpiewaniu szkołach słuchu i rozpowszechniane w środowisku kościelnym. W świetle pojawienia się dużego kolektora Kościół katolicki postanowił kanonizować i regulować śpiewy odbijające jedność doktryny chrześcijańskiej.

Tak więc pojawił się chóror, który stał się personifikacją tradycji muzycznej Kościoła. Opiera się na innych genresach stworzonych specjalnie dla niektórych wakacji, kultu.

Muzyka duchowa średniowiecza jest reprezentowana przez następujące gatunki: · Chóralna, Grigorian Chóralna - jednowłosy śpiewak religijny na łacińskich, wyraźnie regulowanych, przeprowadzono przez chór, niektóre sekcje - solista

• • • Msza jest głównym kultem Kościoła katolickiego, składającego się z 5 zrównoważonych części (Ordarden) - I. Kyrie Eleison (Pana, Pomemui), II. Gloria (Glory), III. Credo (wierzyć), IV. Sanctus (Holy), V. Agnus Dei (Lamb of Boga).
    • Liturgia, dramat liturgiczny - wielkanocny lub świąteczny kult, w którym Gregorian Choralas na przemian z niekonanonizowanymi melodii szlaków, liturgii przeprowadzono przez chór, imprezę postaci (Mary, Ewangelisty) - soliści, czasami pojawili się jakieś kostiumy
    • Tajemnica - dramat liturgiczny o szczegółowej akcji scenicznej, kostiumów
    • Rondel (Rondo, RU) jest wielostronnym gatunkiem dojrzałych i późnych średniowiecznych, polegał na melodii autora (w przeciwieństwie do cholacji kanonizowanej), która została wykonana w sposób improwizacji przez solistów, którzy dołączą do włączenia (wczesny formularz Canon)
    • Proprium - część masy gatunku, zmienna w zależności od kalendarza kościelnego (w przeciwieństwie do stałej części masy - Ordarium)
    • Antyfikacja - najbardziej starożytnym gatunku muzyki chóralnej, opartego na stronach przemiennych przez dwie grupy chóralne

Próbki muzyki kościelnej:

1) Kyrie Eleyson

2) Wistiga Pashali

Świąteczna muzyka w średnim wieku była, głównie muzyka bezpańskich muzyków i wyróżniała się wolnością, zindywidualizowaną i emocjonalizmową. Ponadto muzyka świecka była częścią dziedzinie, kultury rycerskiej feudalnej. Ponieważ kod przepisał rycerza wykwintnych sposobów, hojności, hojności, obowiązków, aby służyć jako piękna pani, te strony nie mogły znaleźć ich odbicia w piosenkach z Troubadur i Minnesinger.

Wykonali świecką muzykę mimów, żonglerzy, trwałe lub rur, minstrels (we Francji), Minnesinger, Spielmen (w krajach niemieckich), chruprzy (w Hiszpanii), okruchy (w Rosji). Artyści musieli nie tylko być w stanie śpiewać, bawić się i tańczyć, ale także być w stanie pokazać występy cyrkowe, sztuczki, sceny teatralne i powinny być w inny sposób bawić się publiczności.
Ze względu na fakt, że muzyka była jednym z nauk i była nauczana na uniwersytetach, feudalnych i szlachetnych ludzi, którzy otrzymali edukację, może zastosować swoją wiedzę i sztukę.
Tak więc muzyka opracowana w medium sądowym. W przeciwieństwie do chrześcijańskiego ascecezmu, muzyka rycerska kwestionowała zmysłową miłość i ideał doskonałej pani. Wśród szlachty, gdy muzycy byli znani - Guyom - VII, hrabia Poitiers, Duke Aquitania, Jean Brinesky - Król Jerozolimy, Pierre Moklar - Książę Bretanii, Tibo Szampan - King Navarre.

Główne cechy i cechy średniowiecza:

• • • opiera się na folklor, nie jest wykonywany na łacinie, ale w dialektach języków ojczystym,
    • wśród bezpańskich artystów nie jest używany, muzyka jest tradycją doustną (w dalszej części środowiska sądowego rozwija się muzyczne pismo)
    • głównym tematem jest wizerunek osoby na całym kolektorze jego ziemskiej życia, wyidealizowana zmysłowa miłość
    • w jedną stronę - jako sposób wyrażania indywidualnych uczuć w wierszach i formie piosenki
    • wykonanie wokalne i instrumentalne, rola narzędzi nie jest bardzo wysoka, instrumentalny był głównie wejście, pośrednie i kody
    • melodia była zróżnicowana, ale rytmiczna w tym samym czasie - kanonizowana, "Wpływ muzyki kościelnej, odmian rytmicznych (tryby rytmiczne), było tylko 6, a każdy z nich miała ściśle ukształtowaną treść.

Trąbki, Trubadry i Minnesingownicy, grając na trąbkę Muzyka Knight, stworzyła swoje oryginalne gatunki:

• • • "Weavky" i "maj" piosenki
    • Rondo - formularz oparty na powtarzającym się refrene
    • Ballada - piosenka tekstowa
    • Virlael - Wiersze Starofronuzuz z trójkątną stanza (trzecia linia jest skrócona), ten sam rym i chór
    • Heroic EPOS ("Piosenka Rolanda", "Piosenka Nibelunga")
    • Krzyżowodziele piosenki (Palestyn Songs)
    • Kanzona (w Minnesinger została nazwana - Alba) - Love, Lyrical Song

Dzięki rozwojowi kultury miejskiej w XI-XI stuleci. Sztuka świecka stała się bardziej aktywna. Oglądanie muzyków coraz częściej wybierają styl osadniczy, wypełnionych całych bloków miejskich.

Co ciekawe, bezpańskie muzycy przez XII - XIII stuleci. Wróć do motywu duchowego. Przejście od łacina do lokalnych języków i ogromną popularność tych wykonawców pozwoliła im wziąć udział w duchowych pomysłach w katedrach Strasburga, Rouen, Reims. Kambon. Z czasem niektórzy z wędrujących muzyków otrzymali prawo do organizowania występów w zamkach szlachty i na dziedzińcach Francji, Anglii, Sycylii i innych krajów.

W XII - XIII wieku, uciekł mnichów, wędrujące szkoły pojawiają się wśród bezpańskich muzyków, a niższe warstwy duchowieństwa - Vagant i Goliadę.

Skacił muzyków tworzą się w średniowiecznych miastach całych sklepów muzycznych - "Bractwo St. Julien" (Paryż, 1321), "Bractwo św. Mikołaja" (Wiedeń, 1288). Celem tych stowarzyszeń były ochronę praw muzyków, zachowania i transferu tradycji zawodowych.

W XIII - XVI stuleci. Uformowane są nowe gatunki, które dalsze rozwijają się już w Epoch ARS Nova:

• • • Motets (z Franza. - "Word") - gatunek wielokrotny, wyróżniający się melodycznym pielęgniarstwem głosów, które w tym samym czasie nietkoczyło różne teksty, czasami nawet w różnych językach, może być zarówno świecką, jak i duchową
    • Madrigal (z Ital. - "Piosenka w języku ojczystym", I.e. Włoski) - piosenki Lyric, pasterskie,
    • Kachche (z Ital. - "Hunting") - gra wokalna na temat polowania.

Świecka muzyka sprzyjarek i profesjonalnych kompozytorów.

Dodatkowe informacje:

W naszym informacji wiek, wiek wysokich technologii często zapominamy o nieodwracalnych wartościach duchowych. Jedną z tych wartości jest muzyka klasyczna - duchowe dziedzictwo naszych przodków. Jaka jest muzyka klasyczna, dlaczego potrzebna jest przez nowoczesną osobę? Dlaczego wielu wierzy, że jest to bardzo nudne? Spróbujmy wymyślić te trudne pytania. Możesz usłyszeć opinię, że muzyka klasyczna jest podobno ta, która została napisana dawno temu. Tak nie jest, ponieważ ta koncepcja oznacza wszystkie najlepsze, które powstały w świecie muzyki od istnienia ludzkiej cywilizacji. Sonata Beethoven, stworzony w XVIII wieku i Romance Sviridova, dodał 40 lat temu - wszystko to jest klasyk! Najważniejsze jest to, że ta muzyka przeszła próbę czasu. I w czasie Beethovena, a teraz istnieją odznaczenia od sztuki produkującej bazowy produkt muzyczny. Ten produkt jest bardzo szybko zepsuty, a prawdziwa sztuka codziennie staje się piękniejsza i piękniejsza.

Pojawienie się notatek

Pisanie, wielki wynalazek ludzkości, pozostawiony do gromadzenia i przenoszenia myśli, pomysłów i wrażeń do nadchodzących pokoleń. Inny wynalazek, nie mniej świetny, muzyczny rekord, pozostawiony do przenoszenia dźwięków do potomków, muzyki. Muzyka w muzyce europejskiej, użyto specjalne znaki - NEMA.

Inventor nowoczesnego systemu nagrywania zbiornika jest Monk Benedyktynowy Guido Areresinsky (Guido d'Isset) (990-1050). Arezzo to małe miasteczko w Toskanii, niedaleko Florencji. W lokalnym klasztorze Gvido Brother uczył śpiewając wykonanie śpiewów kościelnych. Nie było łatwe i długie. Cała wiedza i umiejętności były przesyłane doustnie w bezpośredniej komunikacji. Singeing pod kierunkiem nauczyciela i jego głosu był konsekwentnie nauczył się każdego hymnu i każdego intonowania masy katolickiej. Dlatego pełny "kurs" trwał około 10 lat.

Guido Arerettinsky zaczęli oznaczać dźwięki notatek (z łacińskiego słowa Nota - znak). Uwagi, zacienione kwadraty zostały umieszczone na jednej cyny, składającej się z czterech linii równoległych. Teraz te linie są pięć, a notatki są przedstawione przez kręgi, ale zasada wprowadzona przez Guido, pozostała niezmieniona. Wyższe nuty są przedstawione na wyższej linii. Zauważa siedem, tworzą oktawę.

Każdy z siedmiu nut Octave Gwido dał imię: UT, Re, MI, FA, SOL, LA, SI. Są to pierwsze sylaby hymnu św. Jan. Każda linia tego hymnu pojawia się nad tonem powyżej poprzedniego.

Notatki następnej oktawy są nazywane tak samo, ale mają wyższy lub niższy głos. Podczas przemieszczania się z jednej oktawy do innej częstotliwości dźwięku, która jest wskazana przez tę samą notatkę, zwiększa się lub zmniejsza się dwukrotnie. Na przykład instrumenty muzyczne ustawiają notatkę pierwszej oktawy. Uwaga ta odpowiada częstotliwości 440 Hz. Następna, po drugie, Octave odpowiada częstotliwości 880 Hz.

Nazwy wszystkich notatek, z wyjątkiem pierwszego, kończą się na dźwięk samogłoski, wygodnie jest śpiewać. Slog UT - zamknięty i znikający jest niemożliwy. Dlatego nazwa pierwszego wycięcia Octave, UT, w XVI wieku zastąpiła (najprawdopodobniej z łacińskiego słowa Dominus - Pana). Ostatnia uwaga Octave, SI jest zmniejszenie dwóch słów ostatniej linii hymnu, unadła ioannes. W krajach języka angielskiego nazwa "Si" została zastąpiona przez "TI", aby nie być mylić z literą C, również używany w rekordzie zawiadomienia.

Invenus Notes, Guido nauczył śpiewaków tego rodzaju alfabetu, a także nauczył ich śpiewać na notatkach. Oznacza to, że w nowoczesnych szkołach muzycznych nazywa się SOLFEGGIO. Teraz wystarczyło spisać całe notatki Mesa, a śpiewacy mogli już pośpieszyć pożądaną melodię. Zniknął potrzebę osobiście nauczania każdej z każdej piosenki. Guido musiał tylko kontrolować proces. Czas treningowy Pevichi zmniejszył się pięć razy. Zamiast dziesięciu lat - dwa lata.

Pamięciowa tablica w Arezzo na ulicy Ricassolley w domu, w którym się urodził Guido. Na nim przedstawione kwadratowe notatki.

Muszę powiedzieć, że Monk Guido z Arezzo nie był pierwszym, który wymyślił muzykę do pisania za pomocą znaków. Przed nim, w Europie Zachodniej, był już system niestotnych (z greckiego słowa "pneumo" - oddychanie), odznaki przymocowane nad tekstem psalmów do wyznaczenia wzrostu lub zmniejszenia tonu piosenki. W Rosji w tym samym celu, użyli własnych "haczyków" lub "banerów".

Uwagi kwadratowe Guido Aretinsky, znajdujące się na czterech liniach MOT, okazały się najłatwiejszym i najwygodniejszym systemem nagrywania muzyki. Dzięki nią stopnie dotykowe rozprzestrzeniły się na całym świecie. Muzyka opuściła granice Kościoła i pozostawił w pałacach Władcy i szlachetnych, a następnie w teatrach, sal koncertowych i w placach miejskich, stając się dziedzictwem ogólnym.

Co to jest sposób.

Lada jest jednym z centralnych warunków teorii muzyki. Zrozumienie, w jaki sposób są zbudowane, a zręczne wykorzystanie ich użycia otwiera nieograniczone możliwości przed muzykiem. I często wyjaśniają dokładnie, jak powstaje ciekawe przejście w konkretnej kompozycji, jest to niemożliwe - jeśli osoba nie rozumie, co to jest sposób. Ale jest snag: termin "sposób" same same muzycy używają, często znacząco nie w ten sam. Dlaczego? A co jest takie w ogóle? Zamieszanie okazało się z powodu tego słowa w różnych epokach zainwestowano bardzo różne znaczenie.

Nie zdajemy sobie sprawy, jak nasza percepcja jest wychowywana i związana w muzyce klasycznej. (Chociaż koncepcja "muzyki współczesnej" jest odjazdem z klasycznych zasad). Era klasycyzmu jest dużą warstwą historyczną w ludzkiej postrzeganiu świata. Po średniowieczu ludzie odkrywają antyczne sztuki i fascynują je. Każdy produkt klasycyzmu jest zbudowany na surowych kanonach, znajdując tym samym lekkość i logiczny samego wszechświata. Klasycyzm stworzył porządek strukturalny - jasna hierarchia najwyższych i niższych, głównych i średnich, centralnych i podległych. Dlatego na przykład, począwszy od klasyki Wiednia i muzyki romantycznej, myślimy w systemie - "Major Minor". Co to jest i jak wpływa na nasze postrzeganie?

Major i drobne są tonalne progi. Tonal Lad jest specyficznym systemem relacji między tonami. Co to znaczy? Jaki jest ton? Spróbujmy się dowiedzieć. Załóżmy, że jesteś pianinorem przed tobą: spójrz na klawiaturę: znamy Pre-MI-Fa-Sol-La-Si, 7 białych kluczy i między nimi to kolejny 5 czarny, tylko 12. Odległość między każdym z nich są półtonów. Między sąsiednim czarno-białym - zawsze półtonów. Pomiędzy sąsiednim bielem - tonem (istnieją wyjątki od MI-FA, a Si-Up to Halftone).

Każdy zestaw tonów i półtonów jest źródłem. W epoce klasycyzmu zaczął budować go z ścisłym podporządkowaniem wszystkich dźwięków tonika - głównego tonu. Taki jest główny lub górniczy sposób. Cała muzyka tonowa (cały klasyk) opiera się na relacji między głównymi i podlegnymi spółgłami. W przypadku plotek intuicyjnie wyróżniamy duży i nieletni, jak są malowane - "radosne" lub "smutne". Zmienny sposób jest wtedy, gdy głównie i drobne funkcje są jednocześnie w jednej pracy. Ale zasada ich jest powszechna - tonalna.

Jednak ta zasada nie jest jedyna możliwa. Przed erą klasycyzmu, kiedy wszyscy zostali ostatecznie zamówić w smukłym systemie tonalizacji, myślenie muzyczne było inne. Jońskie, Dorian, Frigian, Lupy, Mixolidian, Eoli, Lokuri ... Jest to oktawa Lada Greków. I były progi kościoła muzyki Grigorian. Wszystko to jest modalne Lada. Skomponowali muzykę w starożytności, średniowieczu, na przykład Modalna Wschodnia tradycja (na przykład indyjskie szmaty lub arabskie macki). W muzyce Europy era ovival przeważała również modalność.

Jaka jest główna różnica z naszego zwykłego wyglądu tonalnego? W dziwakach tonalnych jest ściśle wyróżniając funkcje głównej konsonezy i akordów, aw muzyce modalnej są znacznie bardziej niewyraźne. Dla modalnego LADA sam dźwięk dźwięk jest ważny - zarówno znaczenia, jak i farby, które mogą przynieść do muzyki. Dlatego łatwo nam się rozróżnić indyjską muzykę od średniowiecznych refleksji - zgodnie z pewnymi konsonansami i uderzeniami muzycznymi.

Do XX wieku kompozytorzy wydają się wypróbować wszystkie opcje dźwięku w muzyce tonalnej. "Nudzę się, demon!" - Powiedzieli i w poszukiwaniu nowych kolorów zwróconych do starego - modalnego obrotu i ruszaj. Była więc nowa modalność. W muzyce współczesnej pojawiły się nowe progi - na przykład blues. Co więcej, był specjalny gatunek - modalny jazz. Miles Davis, na przykład, zwanej muzyką modalną "odchylenie od normalnej gamma z siedmiu uwag, gdzie każda notatka nie jest w centrum uwagi". I powiedział, że "idzie w tym kierunku, idziesz do nieskończoności". Dno Dno jest to, że zasady tonalne i modalne nie wykluczają się nawzajem. W jednej grze można mieszać ich znaki. Modalność jest jak inna warstwa, która jest nałożona na zwykły major / mniejszy. A użycie różnych kłód modalnych zmienia kolor muzyki: na przykład włączenia frigian Lady są grillowane, ponieważ jego dywaniki uzupełniają głównie ograniczone kroki. Znając takie warzywa, możesz osiągnąć interesujący dźwięk, jeśli piszesz muzykę.

Kolor, nastrój, charakter - są to oznaki Lady, które słyszymy, ale często tego nie zdają sobie sprawy. Często obłoki modalne przylegają do piosenek - ponieważ są niezwykłe. Plotka, wychowana na muzyce klasycznej, wyciąga to wyjeździe z codziennego życia. Wszystko to i wiele więcej otwiera się, gdy rozumiesz język muzyki.

Muzyka średniowiecza - okres rozwoju kultury muzycznej, obejmującym okres od około V do AD XIV wieku.

Średniowiecze jest dużą erą ludzkiej historii, czas dominacji systemu feudalnego.

Uczeń kultury:

Wczesne średniowieczne - V - X stuleci.

Dojrzały średniowiecze wieków - XI - XIV.

W 395 Empiarstwo rzymskie pękło na dwie części: zachodnie i wschodnie. W zachodniej części w ruinach Rzymu w stuleciach V-IX były państwa barbarzyńskie: ostrzenie, tryby, franki itp. W IX wieku powstały trzy stany w rozpadu Imperium Karl Rośnie: Francja, Niemcy, Włochy. Constantinople stał się stolicą, założonym przez cesarza Konstantina na stronie greckiej kolonii Bizancjum - stąd i nazwisko państwa.

W okresie średniowiecza w Europie znajduje się nowa kultura muzyczna - feudalna, łącząca profesjonalna sztuka, amatorska muzyka i folklor. Ponieważ Kościół przeważa we wszystkich dziedzinach życia duchowego, podstawą profesjonalnej sztuki muzycznej jest działalność muzyków w świątyniach i klasztorach. Świecąca sztuka profesjonalna została zaprezentowana na początku tylko śpiewaków, którzy tworzą i wykonują epickie legendy na dziedzińcu, w domach wiedzieć, wśród wojowników itp (bards, skaldy itp.). Z czasem rozwijają się amator i półprofesjonalne formy rycerskiej musiazowania: we Francji - Sztuka Trubadurowa i Trovers (Adam de La, XIII wiek), w Niemczech - Minnesinger (Tungsten Von Eschenbach, Walter Von Der Foestweid, Xii XIII wiek), a także miejscy rzemieślnicy. W zamkach feudalnych, aw miastach uprawiano wszelkiego rodzaju rodzaje porodu, gatunków i form piosenek (epickich "świt", Rondo, Le, VEL, Ballads, Chances, Lands it.).

Nowe instrumenty muzyczne są wliczone w życie, w tym tych, którzy pochodzą ze wschodu (Viola, Lute itp.), Powstają zespoły (niestabilne kompozycje). Kwitnie folklorystyczne w średnim wieku. Operate "profesjonalistów ludzi": przestrzeganie wędrownych syntetycznych artystów (żonglles, mimes, minstrels, rolki, okruchy). Muzyka ponawia głównie funkcje stosowane i duchowe i praktyczne. Kreatywność występuje w jedności z wykonaniem (jako reguła w jednej osobie).

Stopniowo, choć powoli, zawartość muzyki, jego gatunki, formy, środki ekspresyjności są wzbogacone. W Europie Zachodniej od stuleci VI-VII. Istnieje ściśle regulowany system muzyki kościelnej o jedno głosie (monodowa) na podstawie lądów diatonicznych (śpiew Grigorii), który łączy recytację (Psalmody) i śpiewu (Hymny). Na przełomie pierwszej i drugiej tysiąclecia rodzi się wiele belek. Powstaje nowe gatunki wokalne (chóralne) i wokalne (chór i organy): organy, mott, zachowanie, a następnie mesia. We Francji w XII wieku pierwsza szkoła kompozytora (kreatywna) jest utworzona z katedrą Paryż Matki Bożej (Leonin, Peroths). Na przełomie renesansowy (styl ARS Nova we Francji i Włochy, XIV wiek) w profesjonalnej muzyce jednowłosej wielostopniowej, muzyka zaczyna uwolnić się od funkcji czysto praktycznych (obsługujących obrzędy kościoła), zwiększa znaczenie świeckich gatunków, w tym utworów (Gille de Masha).

Materiałowa podstawa średniowiecza była związek feudalny. Średniowieczna kultura powstaje w warunkach wiejskiej posiadłości. W przyszłości społeczna podstawa kultury staje się środowiskiem miejskim - Burgemi. Wraz z utworzeniem stanów stanowi główną szacunek: duchowieństwo, szlachta, ludzie.

Sztuka średniowiecza jest ściśle związana z Kościołem. Christian Creed jest podstawą filozofii, etyki, estetyki, całego życia duchowego tego czasu. Wypełniony symbolami religijnymi, sztuka jest kierowana od ziemskiego, przejściowa do duchowego, wiecznego.

Wraz z oficjalną kulturą kościelną (wysoka) była świecka kultura (niższa) - lud (niższe warstwy publiczne) i rycerskie (korsy).

Główne ogniska muzyki profesjonalnej wczesnym średniowieczu - katedry, śpiewu szkół w nich, klasztory są jedynymi ośrodkami tworzenia tego czasu. Studiowali grecką i łaciną, arytmetyką i muzyką.

Główne centrum muzyki kościelnej w Europie Zachodniej w epoce w średniowieczu było Rzym. Pod koniec VI - wczesny wiek. Główna różnorodność zachodniego europejskiej muzyki kościelnej jest utworzona - Gregorian Chóralna, nazwana tak o imieniu Papieża Gregory I, który przeprowadził reformę śpiewu Kościoła, zbierania razem i usprawniając różne śpiewy kościelne. Grigorian Chóror jest uniwowłosym śpiewem katolickim, który połączył wielowiekowe tradycje śpiewające różnych ludzi Bliskiego Wschodu i Europy (Syryjczyków, Żydów, Greków, Rzymianie itp.). Był to gładki samowłosy rozmieszczenie jednej melodii, która miała osłabić zjednoczony woli, koncentrując uwagę parafian zgodnie z dogmatami katolicisków. Charakter muzyki jest surowy, niestandardowy. Wykonał chóralny chór (stąd imię), niektóre sekcje - solista. Przeważa dorośli na podstawie gizrów diatonicznych. Gregorian Singing pozwolił na wiele gradacji, począwszy od surowego spowolnienia chóru Psalmody i kończąc rocznice (topniejąca sylaba sylaby) wymagająca umiejętności wokalnych Virtuoso do jego występu.

Grigorian śpiew daje słuchaczowi od rzeczywistości, powoduje pokorę, prowadzi do kontemplacji, mistycznego rozszerzenia. Taki wpływ przyczynia się do tekstu w łacinie, niezrozumiałej masie parafian. Rytm śpiewu został określony przez tekst. Jest niejasny, niezdefiniowany, ze względu na charakter akcentry nagrania tekstu.

Różnorodne rodzaje gregoriańskich śpiewu zostały podsumowane w głównym kulcie Kościoła katolickiego - Messe, w którym ustalono pięć stabilnych części:

Kyrie Eleison (Lord, Pomelia)

Gloria (chwała)

Credo (wierzyć)

Sanktujska (święta)

Agnus dei (jagnięca Boga).

Z biegiem czasu elementy muzyki ludowej poprzez hymnę, sekwencje i szlaki zaczynają wyciekać do gregoriańskiej chóralnej. Jeśli Psalmodia przeprowadzono przez profesjonalny refrektor śpiewaków i duchowieństwa, to hymny na początku są parafianami. Włożyli się do urzędowego kultu (były nieodłączne w cechach muzyki ludowej). Ale wkrótce gramy masy zaczęły pchać Psalmodyczne, które doprowadziły do \u200b\u200bpojawienia się masy polifonicznej.

Pierwsze sekwencje były dalsze pod melodią rocznicy, aby jeden dźwięk melodii miałby oddzielną sylabę. Sekwencja staje się wspólnym gatem (najpopularniejszym "Veni, Sancate Spiritus", "Dies Irae", "Stabat Mater"). "Dies Irae" używane Berlioz, liść, Tchaikovsky, Rachmaninov (bardzo często jako symbol śmierci).

Pierwsze próbki polifonii wystąpiły z klasztorów - narządy (ruch równoległego kwintów lub kwarców), Gimel, FOGSDON (równoległe Sextacord), postępowania. Kompozytorzy: Leonin i Perotrom (12-13 stulecia - Katedra Piniowej Matki Bożej).

Nośniki świeckiej muzyki ludowej w średniowieczu były mimowie, żonglety, minstrels we Francji, iglicy - w krajach niemieckiej kultury i chruprzy - w Hiszpanii, Scomerculos - w Rosji. Te wędrowni artyści byli uniwersalnymi mistrzami: łączyli śpiew, taniec, gra na różnych narzędziach z fokusem, sztuki cyrkowej, teatru lalek.

Druga strona kultury świeckiej była kultura rycerska (karmowa) (kultura świeckiego feudalnego). Rycerze byli prawie wszystkimi szlachetnymi ludźmi - od biednych wojowników do królów. Utworzono specjalny kod rycerski, zgodnie z którym rycerz, wraz z odwagą i męską, miał posiadać wykwintne maniery, aby być wykształconym, hojnym, hojnym, służyć jako doskonała dama. Wszystkie strony życia rycerskiego odzwierciedlenie w sztuce muzycznej i poetyckiej Trubadurowa (Prowansja - Południowa Francja), kierowców (Północna Francja), Minnesingers (Niemcy). Sztuka Trubadurowa jest głównie związana z tekstami miłości. Najbardziej popularna genome of love lyrics była chancd (w Minnesinger - "Poranne piosenki" - Alba).

Trąbki, szeroko stosując doświadczenie Troubadur, stworzyły swoje oryginalne gatunki: "Piosenki tkackie", "majowe piosenki". Ważny obszar muzycznych gatunków Troubadurova, Droverser i Minnesinger był gatunkami piosenek i tańca: Rondo, Ballad, Viselle (powstrzymywanie form), a także Heroic EPOS (French Epos "Song O Roland", Niemcy - "Piosenka Nibelunga "). Minnenigers miał piosenki krzyżowców.

Charakterystyczne cechy Sztuki Troubadurov, Drovers i Minnezinger:

W jedną stronę - jest konsekwencją nierozłącznej komunikacji wejścia z tekstem poetyckim, który wynika z samej istoty sztuki poetyckiej. Pojedynczy zespół odpowiadający instalacjom na zindywidualizowanej ekspresji własnych doświadczeń, do osobistej oceny treści oświadczenia (często wyraża ekspresję osobistych doświadczeń zostało oprawione przez przedostawanie obrazów przyrody).

Głównie wykonanie wokalne. Rola narzędzi nie była istotna: została zredukowana do spełnienia wejścia, pośrednich i po krótkich, ramowych, kadrowanych enanglementów wokalnych.

Informacje o sztuce rycerskiej nie może być wydawane na obu profesjonalnych, ale po raz pierwszy w kontekście świeckiej musityzacji, potężny kierunek muzyczny i potyczny został stworzony z rozwiniętym kompleksem środków ekspresyjnych i stosunkowo wykonane pismo muzyczne.

Jednym z ważnych osiągnięć dojrzałego średniowiecza, począwszy od XI wieku, rozwój miast (kultura mieszczańska) była rozwój miast. Głównymi cechami kultury miejskiej były anty-karcytowy, orientacja uwalniająca, połączenie z folklorem, jego śmiechem i charakterem karnawału. Rozwija się gotycki styl architektoniczny. Nowe gatunki polifoniczne: od 13-14 do 16 stuleci. - motet (z Franza. - "Słowo". Dla Mott. Zazwyczaj melodyjne przedszkole głosów, które są intonowane różne teksty - często nawet w różnych językach), Madrigal (z Ital. - "Piosenka w języku ojczystym", tj. Włoski. Teksty Lyubovoy-liryczne, duszpasterskie), Kachche (z Ital. - "Hunting" to gra wokalna na tekście, polowanie na malowanie).

Ludowi wędrujący muzycy przemieszczają się od nomadycznego stylu życia do osiedlonego, wypełnić całe bloki miejskie i dodają do osobliwych "sklepów muzyków". Począwszy od XII wieku, Wagatants i Goliadę dołączyli do muzyków ludowych - zadeklarowali imigrantów z różnych klas (Scholas-Students, Runaways, Wandering Clerics). W przeciwieństwie do analfabetów żonglles - typowe przedstawiciele sztuki tradycji ustnej - Vagant i Goliadę były właściwe: posiadali język łaciński i zasady klasycznych wierszy, skomponowanej muzyki - piosenki (krąg obrazów jest związanych ze szkołą i życiem studenckim) złożone kompozycje rodzaju postępowania i przewoźników.

Uniwersytety stały się istotnym celem kultury muzycznej. Muzyka, bardziej precyzyjnie - akustyka muzyczna - wraz z astronomią, matematyką, fizykiem wszedł do kwadrium, tj. Cykl czterech dyscyplin badanych na uniwersytetach.

Tak więc w średniowiecznym mieście było różne ogniska kultury muzycznej w orientacji przyrody i społecznej: Stowarzyszenie muzyków ludowych, muzyki sądowej, muzyki klasztornych i katedr, praktyki muzycznej uniwersyteckiej.

Teoria muzyczna średniowiecza była ściśle związana z teologią. W kilku latach muzycznych i teoretycznych muzyka została uznana za "sługa kościoła". Wśród wybitnych traktatów wczesnym średniowieczu, 6 książek "na muzyce" Augustine, 5 książek "na osadzie muzycznej" i inni zostały podświetlone. Duże miejsce w tych traktach zostało wypłacone na abstrakcyjne zagadnienia scholastyczne, nauki na temat roli kosmicznej muzyki itp.

Średniowieczny system stóp został opracowany przez przedstawicieli Kościoła profesjonalnej sztuki muzycznej - dlatego nazwa "Church Lads" została zakorzeniona na średniowieczne progi. Ionian i eolik i eolista są ustalone jako główne progi.

Teoria muzyki średniowiecza przedstawiła doktrynę Hexahorda. W każdym Lada zastosowano 6 kroków w praktyce (na przykład: do, Re, MI, Fa, sól, LA). XI, a następnie unikał, ponieważ Jedzenie wraz z ruchem FA na zwiększonym kwarcie, który był uważany za bardzo nienaruszony i figuratywnie nazywany "diabłem w muzyce".

Niewiadomy nagranie było szeroko stosowane. Guido Aretinsky poprawił system nagrywania zbiornika. Istota jego reformy była następująca: obecność czterech linii, terenowa relacja między poszczególnymi liniami, znakiem kluczowym (początkowo alfabet) lub kolorowanie linii. Wprowadził również notację szałą o pierwszych sześciu poziomach Lada: UT, RE, MI, FA, Sól, LA.

Wprowadzono notacji Menzular, gdzie ustalono pewny środek rytmiczny dla każdego nośnika (Lat. Mensura - miara, pomiar). Nazwa Czas trwania: Maxim, Długie, Brevis itp.

XIV wiek jest okresem przejściowym między średniowiecznym a erą ożywienia. Sztuka Francji i Włoch XIV wieku otrzymała nazwę "Ars Nova" (z Lat. - Nowa sztuka), a we Włoszech ma wszystkie właściwości wczesnego przebudzenia. Podstawowe cechy: Odmowa do użycia wyłącznie gatunków muzyki kościelnej i odwołanie się do świeckich gatunków komory wokalno-instrumentalnej (Ballada, Kachche, Madrigal), zbliżenie z podeszwami domowymi, stosowanie różnych instrumentów muzycznych. Ars Nova jest odwrotnie do tzw. ARS Antikva (Lat. Ars Antiqua to stara sztuka), sugerując sztukę muzyczną przed rozpoczęciem XIV wieku. Największym przedstawicielami Ars Nova byli Guillaume de Masho (XIV-wieczny, Francja) i Francesco Landino (XIV wiek Włochy).

W ten sposób kultura muzyczna średniowiecza, pomimo względnego ograniczenia funduszy, jest wyższym poziomem w porównaniu z muzyką starożytnego i zawiera warunki wspaniałego kwitnienia sztuki muzycznej w ery renesansu.

muzyka Muzeum Grigorian Sprounur

Muzyka średniowiecza

Kultura muzyczna średniowiecza - niezwykle objętość i wszechstronna fenomen historyczny, chronologicznie zlokalizowany pomiędzy erą starożytności i ożywienia. Trudno sobie wyobrazić jako jeden okres, ponieważ w różnych krajach rozwój sztuki przekazał swoje szczególne sposoby.

Szczególną cechą w średnim wieku średniowiecza upadła nadrukiem na wszystkie sfery życia ludzkiego, były wytyczne Kościoła w polityce, etyce, sztuce itp. Muzyka również nie unikała takiej losu: Nie była jeszcze oddzielona od religii i miała głównie funkcję duchową. Jego zawartość, obrazy, całą estetyczną esencję ucieleśniają zaprzeczenie wartości ziemskiego życia ze względu na nagrodę po śmierci, głoszenie ascetyzmu, obfitość z towarów zewnętrznych. Sztuka ludowa, która nadal prowadziła odcisk pogańskich przekonań, była często atakowana przez "oficjalną" sztukę Kościoła katolickiego.

Pierwszym okresem jest wczesne średniowiecze - jest zwyczajowe, aby obliczyć z ery zaraz po upadku imperium rzymskiego, tj. Od 6 wieku n. mi. W tym czasie było wiele plemion i narodów na różnych etapach rozwoju historycznego. Jednak zachowane zabytki sztuki muzycznej tego okresu są tylko muzyką kościoła chrześcijańskiego (głównie w późniejszym notacji), dziedziczył, z jednej strony, kultura imperium rzymskiego, z drugiej - muzyka na wschodzie (Judea, Syria, Armenia, Egipt). Zakłada się, że wykonywanie tradycji chrześcijańskich śpiewu - antypaż (opozycja dwóch grup chóralnych) i respondenci (alternatywna śpiewu solowego i "odpowiedzi" chóru) - opracowany na podstawie orientalnych próbek.

W VIII wieku tradycja śpiewu liturgicznego jest stopniowo utworzona w krajach europejskich, na podstawie której Grigorian Chóralna staje się architektami jednowłosego chóralnego intonowania, systematyzowanego przez papieża Gregory. Tutaj jest to konieczne, aby zamieszkać na osobowości Grigory, przyznawanej, dzięki znaczeniu jego postaci w historii tytuł jest świetny.

Urodził się w Rzymie w 540 roku w rodzinie szlachetnego pochodzenia, nie doświadczając pieniędzy. Po śmierci rodziców Grzegorz otrzymał bogaty dziedzictwo i był w stanie ustalić kilka klasztorów na Sycylii i jeden w Rzymie, na Telly Hill, we własnym czasie. Ostatnia siedziba, zwana klasztorem Świętego Apostoła Andrei, wybrał miejsce na pobyt.

W 577 r. Gregory był poświęcony San Dyakonowi, w 585 r. - wybrał opat z klasztorem założonym przez niego, w 590 roku został wybrany do jednomyślnej decyzji senatu rzymskiego, jasnego i ludu do papieskiego gęsta, który podniósł do jego śmierci, która nastąpiła w 604 roku.

W jeszcze życiu Grzegorza wykorzystało ogromny szacunek na Zachodzie, nie zapomniali go po śmierci. Istnieje wiele opowieści o cudach zaangażowanych przez niego. Stał się znany jako pisarz: biografowie utożsamiają go w związku z tym wielkimi filozofami i mędrcami. Ponadto Grigory Great jest jedną z głównych postaci w rozwoju muzyki kościelnej. Jest właścicielem zasług w rozszerzeniu systemu AMV Rosian Lady i tworząc specjalną szkołę śpiewu, zwanego Cantus Gregorianus.

Grigory przez wiele lat zebrał śpiewając różne kościoły chrześcijańskie, co czyni go kolekcją o nazwie "antyfonia", która przykuta do ołtarza kościoła św. Piotra w Rzymie jako próbka śpiewania chrześcijańskiego.

Tata wprowadził system oktawowy zamiast greckiego systemu tetrachidgów, a nazwy dźwięków, które wcześniej były wcześniej greckie oznaczone listy łacińskie A, B, S itp., A ósmy ton otrzymał nazwę pierwszego. Cały dźwięk Wielkiego Grigory składa się z 14 tonów: A, B, C, D, E, F, G, A, B, C1, D 1, E 1, F 1, G 1. Litera w (b) miała wartość podwójną: w rundzie (w Rotundum) i na kwadracie (w czworokrotum), czyli to Si-Bembol i Si-Bachar, w zależności od potrzeby.

Ale z powrotem do papieża Gregory, który, kto jeszcze stał się założycielem Singing School w Rzymie, był zazdrośnie przestrzegany treningiem, a nawet nauczył się, ściśle karać uczniów o zaniedbanie i taśmę.

Należy zauważyć, że stopniowo Grigorian Chóror, składający się z dwóch rodzajów śpiewów - Psalmodius (pomiaru wywołania tekstu Pisma Świętych, głównie na jednej wysokości dźwięku, w której jednej notatkę kont tekstowych dla jednej notatki) i hymn-jubi -Lialias (darmowe sylasy sylab słów "Halleluja"), wyciągnięte śpiew amvrozi z kościoła. Od tego ostatniego wyróżnił się faktem, że był nawet niezależny od tekstu. To z kolei dało możliwość wlewania naturalnie i płynnie, a rytm muzyczny staje się obecnie niezależny, co było istotnym wydarzeniem w historii muzyki.

Skutki śpiewu chóralnego na parafianach zintensyfikowane przez możliwości akustyczne kościołów z ich wysokich sklepieniach odzwierciedlających dźwięk i tworząc wpływ boskiej obecności.

W następnym stuleciu, z rozprzestrzenianiem się wpływu Kościoła Rzymskiego, Grigorian Khoral został wprowadzony (czasami egzekwowany) w służbie kultu prawie wszystkich krajów europejskich. W rezultacie do końca XI wieku cały kościół katolicki był zjednoczony wspólne formy kultu.

Nauka muzyczna w tym czasie rozwinęła się w ścisłym związku z kulturą klasztorną. W stuleci VIII - IX na podstawie Gregoriańskiego Chalala rozwija się system krain kościele średniowiecza. System ten wiąże się z uniwowlym magazynem muzycznym, z monodem i ma osiem głośników diatonicznych (Dorian, hydrodoric, frigian, HiPofrigian, Lidia, hipolityna, mixolidian, hymixicolidian), z których każdy był postrzegany przez średniowiecznych teoretyków i praktyków Połączenie pewnych ekspresyjnych możliwości (pierwszy chłopak - "zręczny", drugi jest "poważny", trzeci jest "szybki" itp.).

W tym samym okresie notacja rozpoczyna się na początku, tzw. Nemami to ikony, wizualnie pokazując ruch melodii w górę lub w dół. Z Neva opracowały znaki muzyczne. Reforma listu muzycznego została przeprowadzona w drugim kwartale XI wieku włoskiego muzyka Guido d'Israzzo, który urodził się w 990 roku. Trochę wiek o latach swoich dzieci. Po osiągnięciu dojrzałego wieku, Guido stał się mnichiem klasztoru Benedyktynowego Pompozy w pobliżu Rawenny.

Guido d'Asezzo.

Natura hojnie dała mu różne talenty, co dało mu możliwość łatwego przekroczenia swoich towarzyszy w nauczaniu. Ten ostatni zazdrościł jego sukcesów i jak Guido pokazał sobie jako nauczyciel śpiewu. Wszystko to pociąga za sobą ostro negatywne, a częściowo nawet wrogie nastawienie tych wokół Gvido, a w końcu został zmuszony udać się do innego klasztoru - do Arezzo, z imienia i otrzymał swój pseudonim Areresinsky.

Tak więc Gwido był jednym z wybitnych muzyków jego czasu, a jego innowacje w dziedzinie nauczania duchowego śpiewu dał genialne rezultaty. Zwrócił uwagę na notację i wymyślił system czterokresowy, który dokładnie określił lokalizację półtonów (od nich, co przyszło między krokami Gregory Ladin, zależało od charakterystycznych cech jednego lub innego Lady, a także melodia na podstawie tego).

W celu jak najszybciej rejestrowania melodii, Gvido wymyślił różne zasady, które zostały urządzone w złożonym i mylnym systemie z nowymi nazwami tonów: UT, RE, MI, FA, SOL, LA. Pomimo różnych trudności spowodowanych użyciem takiego systemu trwało to dość długi czas, a jego ślady znajdują się w teoretykach z XVIII wieku.

Co ciekawe, prześladowano pierwsze Guido d'Areszo dla jego innowacji. Ale ponieważ system utalentowanego muzyka w dużej mierze ułatwił wejście i czytanie melodii, tato z wyróżnieniem zwrócił go do klasztoru Pomposa, gdzie Guido d'Israzzo i żył na śmierć, to znaczy, aż do 1050.

W XI - XII wieku, średniowiecze w rozwoju kultury artystycznej średniowiecza, nastąpiło złamanie z powodu nowych procesów społeczno-historycznych (wzrost miast, krucjatów, nominacji nowych warstw społecznych, w tym rycerską , składając pierwsze centra kultury świeckiej itp.). Nowe zjawiska kulturowe mają zastosowanie w całej Europie. Istnieje składany i dystrybucja średniowiecznej powieści, styl gotycki w architekturze, w muzyce znajduje się litera wielokrotnego, tworzenie świeckich tekstów muzycznych i poetyckich.

Główną cechą rozwoju sztuki muzycznej w tym okresie jest oświadczenie i rozwój polifonii, które opierały się na Grigorii Chóralnej: śpiewacy dołączyli do głównej melodii kościoła. We wczesne przykłady wiązania odnotowane w próbkach muzycznych stuleci IX - XI, głosy poruszają się równolegle w pojedynczym rytmie (w kwaterach, kwintach lub oktawach). Później pojawiają się próbki nierównomędnego ruchu głosów ("Jeden piosenkarz prowadzi główną melodię, drugi jest umiejętnie wędruje na innych dźwiękach" - pisze teorestę GVIDO D'ORESZO). Ten typ dwóch i wielu belek według nazwy przystępującego głosu jest określany jako organ. Później, dołączony głos zaczął ozdobić Melmami, zaczął swobodnie poruszać się w postawie rytmicznej.

Rozwój nowych form polifonii był szczególnie aktywnie odbywający się w Paryżu i Limogach w XII-XII wieku. W historii kultury muzycznej, okres ten został wprowadzony jako "Era Notre-Lady" (według nazwy światowej słynnej architektury pomnika, gdzie pracował Singel Chapel). Wśród autorów, których nazwiska zachowały historię - Leonin i Perotrom, Orgodochinkers i inne wielopoziomowe prace. Leonin stworzył "Big Book of Organs", obliczone na rocznym kręgu śpiewu kościoła. Przejście do trzech i czterokrotności, dalszy wzbogacenie litery melodycznej wiąże się z nazwą Peroth. Należy zauważyć, że znaczenie szkół Notre-Dams jest znacząco nie tylko dla Francji, ale także dla całej sztuki europejskiej w tym czasie.

Powstawanie świeckich gatunków w tym okresie przygotowano przez pracę bezpańskich muzyków ludowych - żonglerzy, minestrów i szpiegów. Odrzucony, a nawet prześladowany przez oficjalnego kościoła, błąkani muzycy byli pierwszymi przewoźnikami świeckich tekstów, a także czysto instrumentalnej tradycji (używali różnych narzędzi mosiądzowych i łuków, harfy itp.).

W tym czasie artyści byli aktorami, cyrkiem, śpiewakami i instrumentalistami w jednej osobie. Podróżowali z miasta do miasta, wykonywali na obchodach na dziedzińcach, w zamkach, na targach targowych itp. Do żongła iglicy i Minsteli były również dołączony przez Wagatants i Goliadę - niefortunni studenci i fucked mnisi, dzięki które w środowisku "artystyczne" było rozprowadzane umiejętności czytania. Stopniowo specjalizacja pojawiła się w tych kołach, bezpański artyści zaczęli tworzyć cele, osiedlają się w miastach.

W tym samym okresie nominowano specyfikę "inteligentną" warstwę - rycerskość, w której środowisku (w okresach rozejmu) również rozszerza zainteresowanie sztuką. W XII wieku sztuka Trubadurowa, która stała się podstawą specjalnego twórczego ruchu w Prowansji. Trubadras w większości były poza najwyższą szlachetnością, własnością umiejętności muzyki. Stworzyli złożony w formie prac muzycznych i poetyckich, w których ziemisty radość, heroi z krucjatami itp.

Trubadour był przede wszystkim wierszem, melodia była często zapożyczona od nich z codziennej pomocy i kreatywnie przemyślenia. Czasami Troubadurs zatrudniały minstrelle do instrumentalnego wsparcia ich śpiewu, przyciągnęły żonglerzy do wykonania i pisania muzyki. Wśród Troubadur, których imiona przybyły do \u200b\u200bnas przez zasłonę wieków, - Jaafre Ryudel, Bernart de Veentorne, Bertrand de Born, Rbaut de Vakeras itp.

Poezja Trubadurowa miała bezpośredni wpływ na tworzenie pracy rur, które było bardziej demokratyczne, ponieważ większość rur przychodzi z obywateli. Niektóre trąbki stworzyły prace na zamówienie. Najbardziej znanym z nich była Adam de La AL, rodzime arras, poeta francuski, kompozytor, dramaturg drugiej połowy XIII wieku.

Sztuka Troubadurova i rur rozprzestrzeniających się w całej Europie. Zgodnie z jego wpływem w Niemcy, stulecie później (XIII) Były tradycje szkoły Minnesinger, której przedstawiciele, utalentowane muzycy i kompozytorzy służyli głównie na dziedzińcach.

Okoliczne przejście do ery renesansu można uznać za XIV wiek. Okres ten w odniesieniu do muzyki francuskiej jest zwyczajne, aby oznaczać "Ars Nova" ("Nowa sztuka") na imieniu pracy naukowej, stworzona około 1320 przez teoretyk Paryża i kompozytora Philippe de Vitrat.

Należy zauważyć, że w określonym czasie w art. Naprawdę pojawiają się fundamentalne nowe elementy: na przykład, zatwierdzenie (w tym na poziomie teoretycznym) nowych zasad podziału rytmicznego i głosowania, nowych la lub zmian (w szczególności zmiany i grawitacja tonalna - tj. "Diezov" i "Bemoley"), nowe gatunki, dostęp do nowego poziomu umiejętności zawodowych.

W liczbie największych muzyków XIV wieku, oprócz Philip Dave, który stworzył Motkets na własnych tekstach, musisz umieścić Gioma de Masho, urodzonego w mieście Masza, w szampana, około 1300.

Guillaume de Masho w jednym czasie składał się z dziedzińca Johna Navarre, żona Philipa jest piękna, później stała się osobistą sekretarzem króla Bohemia Johna Luksemburga, a na koniec jego życia była na dziedzińcu Karl V Francuski. Współczesne czciły jego niezwykły talent muzyczny, dzięki czemu był nie tylko genialnym wykonawcą, ale także doskonałym kompozytorem, który opuścił ogromną liczbę prac: został osiągnięty przez jego motes, ballady, rondo, kanony i inne piosenki (taniec piosenki ) formy.

Muzyka Guillaume de Masho wyróżnia się wyrafinowaną ekspresyjnością, łaską i, według badaczy, jest duchem epoki Ars Nova. Głównym zasługą kompozytora jest to, że napisał pierwszy w historii przez masę autora przy okazji dołączenia do tronu Charlesa V.