Najlepsze książki o muzyce i muzykach. Natura geniuszu: jak muzycy i sportowcy stają się wspaniałymi innymi książkami muzycznymi

Kto zostaje geniuszem? Utalentowane dziecko wychowane w środowisku muzycznym, czy pracowity uczeń gotowy do wielogodzinnej nauki? W tej kontrowersji rzadko można pominąć sławnych muzyków, którzy od dzieciństwa zaczęli pokazywać nietypowe dla swoich rówieśników zdolności artystyczne. Grali ze słuchu melodie na instrumentach muzycznych, gdy dopiero niedawno uczyli się mówić, wykonywali własne kompozycje na maturze w konserwatorium, grali przed rodziną królewską, podczas gdy ich rówieśnicy dopiero uczyli się notacji muzycznej, podpisywali kontrakty z nagraniem pracownie, nawet bez ukończenia szkoły. Anna Ryżkowa opowiada, jak wyglądało dzieciństwo słynnych muzyków-cudownych.

Fryderyk Chopin

Rodzice Chopina - Justyn i Nikołaj - znali języki obce, byli dobrze wykształceni i rozwinięci muzycznie. Wcześnie zauważyli wrażliwość syna na muzykę: na dźwięk smutnej melodii zaczął płakać, a gdy mama wykonywała dla niego śmieszne polskie tańce, śmiał się, tańczył i próbował podsłuchiwać ze słuchu piosenki na fortepianie.

Pierwszą nauczycielką Chopina była jego starsza siostra, uczyła się muzyki u Pana Żywnego, który szybko zauważył talent Fryderyka i wkrótce zaczął zwracać większą uwagę na chłopca. Nagrał swoje proste utwory dla początkującego kompozytora i nauczył go techniki muzycznej. Chopin po raz pierwszy zademonstrował swoje umiejętności szerokiej publiczności w wieku ośmiu lat. Wystąpił na koncercie dla ubogich w sali Pałacu Radziwiłłów. Chłopiec pojawił się na scenie w aksamitnym garniturze z koronkowym kołnierzem i zagrał trudny technicznie koncert czeskiego kompozytora Jirovca. Chopin jeszcze nie rozumiał, że jego występ wywołał tak wiele pełnych podziwu reakcji, i kiedy omawiał z matką wrażenia z pierwszego koncertu, powiedział: „Nade wszystko wszystkim podobał się kołnierzyk. Wiesz mamo, wszyscy na niego patrzyli!”

Swój pierwszy poważny utwór, Polonez G moll, skomponował w wieku sześciu lat. „Autorem tego polskiego tańca jest młody artysta, który ma zaledwie osiem lat… To prawdziwy geniusz muzyczny, bo nie tylko z największą swobodą i nietuzinkowym gustem wykonuje trudne utwory, ale jest też autorem kilku tańców. i wariacje, których znawcy muzyki nie przestają podziwiać” – pisali o Chopinie ówcześni w prasie polskiej.

Młody kompozytor był często zapraszany do występów w domach arystokracji. Brał udział w koncertach w Belwederze z Wielkim Księciem Polskim Konstantinem Pawłowiczem, a nawet zaprezentował dwa swoje polonezy matce cara Marii Fiodorownej podczas jej wizyty w Warszawie. Chopin dostał się więc do wyższych sfer, zaczął dużo koncertować po krajach Europy, a sam wkrótce zajął się nauczaniem dyscyplin muzycznych.

Gdzie słuchać

Wolfgang Amadeusz Mozart

Zmęczone dzieciństwo, jak często nazywa się dorastanie Mozarta, właściwie nie męczy dziecka. Wszyscy wokół niego byli zaangażowani w muzykę, więc granie muzyki w rodzinie stopniowo stawało się czymś naturalnym. Od czwartego roku życia Mozart jednocześnie zaczął uczyć się gry na klawesynie, organach i skrzypcach. Pod wieloma względami pragnienie muzyki dziecka jest zasługą ojca. Leopold Mozart był dość znanym austriackim skrzypkiem i kompozytorem, autorem podręcznika skrzypcowego.

W wieku czterech lat chłopiec miał wystarczająco dużo talentu muzycznego, by napisać mały koncert na klawesyn. Chłopak siedział przy stole, przesuwając piórem po papierze z nutą, brudząc sobie palce w kałamarzu. Gdy dzieło było gotowe, dorośli początkowo nie wierzyli, że napisany pospiesznie tekst muzyczny z plamami będzie miał jakąkolwiek wartość artystyczną. A potem postanowiliśmy zagrać „koncert” czteroletniego Wolfganga z partytury. „Spójrz, panie Shachtner”, ojciec zwrócił się do nadwornego muzyka, „jak tu wszystko jest poprawne i znaczące!”

W wieku sześciu lat Wolfgang koncertował już w różnych krajach ze swoją siostrą i ojcem. Na początku 1764 roku ukazały się jego pierwsze sonaty na skrzypce i klawesyn. Na stronie tytułowej widniał napis: „Autorem muzyki jest siedmioletni chłopiec”. Przez cały ten czas Leopold Mozart dbał o to, aby zajęcia były surowe i regularne. Podróżując z koncertami do Londynu, cudowne dziecko pisze jeszcze sześć sonat na klawesyn z towarzyszeniem skrzypiec lub fletu, a ponadto zajmuje się komponowaniem symfonii, a jego ojciec zauważa: „Wszystko, co wiedział wcześniej, jest niczym w porównaniu z tym, co znał”. może teraz".

Mozart miał słuch absolutny iw wieku siedmiu lat mógł na przykład łatwo określić, jak bardzo dźwięk instrumentu muzycznego różni się od kamertonu. Kiedyś Schachtner pozwolił Wolfgangowi grać na skrzypcach (chłopcowi wydawało się, że gra ciszej i bardziej dźwięcznie). A kiedy Mozart ponownie wziął swój instrument, zauważył: te skrzypce są nastrojone o jeden ósmy ton niżej - i miał całkowitą rację.

Choć muzykolodzy wciąż kwestionują autorstwo niektórych utworów Mozarta i dyskutują o metodach edukacji muzycznej, jakie zastosowano wobec młodego kompozytora, pozostał on w historii jako najzdolniejszy z geniuszy muzycznych, którego zdolność improwizacji pomogła w stworzeniu znakomitych dzieł kameralnych i symfonicznych. .

Gdzie słuchać

Na koncercie „Mozart – geniusz z Salzburga” w wykonaniu orkiestry kameralnej „Kaplica instrumentalna”. Koncert odbywa się w ramach projektu Classics at Height, a jego nazwa nabiera tu dosłownego znaczenia - muzyka będzie grana na wysokości 220 metrów, na 58. piętrze Empire Tower w Moskwie.

Siergiej Prokofiew

Siergiej Prokofiew rozpoczął lekcje muzyki pod kierunkiem swojej matki, Marii Grigorievny. Wciąż nie wiedząc, jak pisać notatki na papierze, w wieku pięciu lat zaczął komponować proste melodie, spędzając godziny przy domowym pianinie. Muzyk musiał nauczyć się nut, aby nie stracić swoich małych kawałków.

W wieku dziewięciu lat Prokofiew po raz pierwszy usłyszał operę Faust Charlesa Gounoda i zdał sobie sprawę, że nadszedł czas, aby przejść od małych utworów do dużych form. Napisał muzykę do swojej pierwszej opery w trzech aktach („Olbrzym”), do której sam wymyślił wszystkie wątki.

Dostrzegając talent Siergieja do kompozycji, Maria Grigorievna przyprowadziła syna do słynnego moskiewskiego muzyka Siergieja Taneyeva, który zalecił zaproszenie na zajęcia absolwenta konserwatorium kompozytora Reingolda Gliera. Gliere spędził dwa lata z rzędu z Siergiejem w Sontsovce, przygotowując młodego muzyka do przyjęcia do konserwatorium. Trzynastoletni Prokofiew przyjechał na egzamin do Petersburga z dużą teczką dzieł autorskich: dwiema operami, sonatą, symfonią i wieloma małymi utworami fortepianowymi.

W konserwatorium Siergiej został najmłodszym studentem. Młody człowiek, który dla zabawy policzył dokładną liczbę błędów w zadaniach muzycznych swoich kolegów z klasy, miał trudności z dogadywaniem się z rówieśnikami. Nie wszyscy nauczyciele rozumieli Prokofiewa: na zajęciach z teorii kompozycji jego prace wydawały się zbyt odważne, a niektórych sztuk nie odważył się nawet pokazać profesorom, przewidując ich reakcję. „Jeśli była mi obojętna słaba jakość dyplomu kompozytorskiego, tym razem utknęła mnie ambicja i postanowiłem najpierw ukończyć studia na fortepianie” – wspominał kompozytor swoje przygotowania do egzaminu ze sztuk scenicznych.

Prokofiew postanowił wykonać swój I Koncert zamiast zaprogramowanego koncertu fortepianowego. Wręczył zamówieniu nuty nowo wydanego utworu i usiadł przy instrumencie. Tym triumfalnym występem (oprócz dyplomu z wyróżnieniem otrzymał nagrodę Antona Rubinsteina - niemiecki fortepian) rozpoczęła się dorosła kariera pianisty i kompozytora Siergieja Prokofiewa.

Gdzie słuchać

Dzieła kompozytorów przełomu XIX i XX wieku można usłyszeć na VIII Międzynarodowym Festiwalu „Droga do Bożego Narodzenia”. Muzyka Rachmaninowa, Sviridova i Musorgskiego zostanie zilustrowana animacją piaskową. Cały program wykona Orkiestra Państwowa „Gusliars of Russia” i duet organowy „Belcanto”, a tekst „Zamieci” Puszkina (na koncercie będzie muzyka Sviridova do filmu opartego na tym utworze) czytane przez artystę Piotra Abramowa.

yo ma

1955 (wiek 62)

Laureat 17 nagród Grammy Yo Yo Ma urodził się w Paryżu w chińskiej rodzinie. Jego matka była śpiewaczką, a ojciec dyrygował orkiestrą i komponował muzykę. Gdy Ma miała siedem lat, cała rodzina przeniosła się do Nowego Jorku, gdzie uzdolniony chłopak o wybitnych zdolnościach muzycznych kontynuował naukę gry na skrzypcach, altówce i wiolonczeli.

Cudowne dziecko muzyczne, które od piątego roku życia pewnie czuło się na scenie w dużych salach koncertowych, w wieku siedmiu lat przemówił dla Prezydenta Johna F. Kennedy'ego. A rok później Ma wzięła udział w koncercie Leonarda Bernsteina, który był transmitowany w telewizji w całym kraju. W wieku 15 lat wiolonczelistka ukończyła New York Trinity School i została solistką Harvard Orchestra, która wykonała spektakl Czajkowski: Wariacje rokoko. Następnie uczęszczał do Juilliard School of Music z Leonardem Rose i uzyskał tytuł licencjata na Harvardzie w 1976 roku.

Frank Robinson

1938 (wiek 78)

Frank Robinson jest muzykiem samoukiem, którego wszyscy pamiętają jako artystyczny dzieciak, nazywany Chile Sugar, który z łatwością wykonuje muzykę ze złożonymi akordami jazzowymi. Chłopak sam uczył się jazzu, zaniedbując klasyczną technikę gry na pianinie: Frank na przykład uderzał pięściami i łokciami w klawisze, gdy uważał, że taka technika jest odpowiednia.

W wieku sześciu lat debiutuje w konkursie boogie-woogie, w wieku ośmiu lat bierze udział w koncercie w Białym Domu i występuje w filmie „No Leave, No Love”. Dwunastoletni Frank był uważany za jednego z najpopularniejszych wykonawców w Stanach Zjednoczonych, podpisywał kontrakty ze studiami nagraniowymi, podróżował z koncerty w Europie. A w wieku 15 lat nagle przerwał karierę muzyczną, ukończył szkołę, wstąpił na uniwersytet i obronił pracę doktorską z psychologii.

„Chciałem tylko iść do szkoły. Chciałem zdobyć wykształcenie, więc zapytałem tatę, czy można to wszystko powstrzymać. Naprawdę marzyłem o zdobyciu wyższego wykształcenia ”- wspomina Frank Robinson.

Dopiero na początku 2000 roku Frank Robinson powrócił na scenę - dawno temu porzucił rozgłos, występuje w różnych miejscach w rodzinnym Detroit i gra muzykę dla własnej przyjemności.

Gdzie słuchać

Możesz posłuchać muzyki jazzowej z dziećmi w Interaktywnym Pokazie Jazzowym dla Maluchów. Classy Jazz Orchestra w swoim programie „Fly Tsokotukha and Barmaley” połączyła kompozycje z okresu „młodości jazzu”, ale po koncercie nie należy spodziewać się poważnej atmosfery: dzieci mogą swobodnie poruszać się po sali, tańczyć, a nawet dotykać instrumentów muzycznych na scenie.

Banał o samotnym kompozytorze, który traci resztki umysłu nad muzycznym rękopisem, jest nieuzasadniony, a nawet obraźliwy dla współczesnych muzyków. Według Jamesa Rhodesa, popularnego pianisty i kompozytora, istnieje wyraźnie proporcjonalny związek między muzyką, kreatywnością i równowagą psychiczną, co nie szkodzi, a wręcz przeciwnie wspiera zdrowie i nastrój ludzi kreatywnych.

Studium na temat uprzedzeń

Szalony kompozytor... nuta po nucie wyciąga z siebie muzykę do rękopisu, zrzucił 7 kilogramów komponując swoją ostatnią operę. Przeziębienie od dawna przekształciło się w zapalenie oskrzeli, zawsze z powodu kaszlu, braku snu i niedożywienia. Mamrocze coś pod nosem, krzyczy na przechodniów, rysuje klepkę na serwetkach w kawiarniach i restauracjach. Siedzi sam przy fortepianie, zmarznięty, głodny i patrzy na napis na ścianie: „Nie trzeba być szalonym, żeby komponować muzykę, ale tak jest łatwiej”; napis napisany jego własnym pismem, jego własną krwią.

To nie tylko uprzedzenie - to historyczny i kulturowy frazes, który stał się częścią publicznego odbioru wszystkich artystów. Ale jest tak samo błędne, jak powszechne.

Powód banału

Prawda jest taka, że ​​związek między szaleństwem a kreatywnością jest tak silny i logiczny, jak związek przyczynowy między znakiem zodiaku a inteligencją.

To, że społeczeństwo zdecydowało się połączyć szaleństwo i kreatywność, jest bardzo łatwe do wytłumaczenia. Jak inaczej moglibyśmy my, zwykli śmiertelnicy, wyjaśnić niesamowitą moc twórczą geniuszy takich jak Mozart czy Beethoven. Oczywiście łatwiej nam to wytłumaczyć jakimś dziwnym zaburzeniem psychicznym lub dolegliwością psychiczną. Nie możemy się zgodzić, że obaj ci ludzie byli absolutnie zwyczajni, w przeciwnym razie gdzie ginie magia? A co zrobić z pytaniem: dlaczego ja taki nie jestem?

Czym jest szaleństwo?

Kreatywność to niezwykle szerokie pojęcie. Tworzenie muzyki staje się dla kompozytorów nie tylko pracą, ale pasją i miłością całego życia, racją ich istnienia. Każdy współczesny kompozytor przysięga, że ​​wielcy muzycy nie byli szaleni.

Zmartwiony? Oh, pewnie. Rozgniewany, zubożały, alkoholik, niespokojny, nerwowy, cierpiący na napady depresji i żalu. Ale te cechy wcale nie są definicją szaleństwa. W rzeczywistości od czasu do czasu potrafią scharakteryzować każdego z nas.

Ze wszystkich dzisiejszych wielkich kompozytorów tylko Schuman byłby hospitalizowany z powodu choroby afektywnej dwubiegunowej. Poza nim żaden z muzycznych geniuszy nie otrzymałby pozytywnej diagnozy jakiegokolwiek zaburzenia psychicznego.

Ogólnie rzecz biorąc, diagnoza w psychologii to bardzo interesująca rzecz. Wszyscy jesteśmy trochę szaleni. Dobry (lub zły) psycholog może zdiagnozować zaburzenie u każdego. W rzeczywistości niewiele wiemy o tym, jak działa nasza własna świadomość. U niegdyś wielkiego angielskiego poety romantycznego Keatsa zdiagnozowano „zaburzenie psychiczne oparte na poezji”. Chciałbym myśleć, że od tego czasu osiągnęliśmy nowe wyżyny w psychologii, ale tak naprawdę niewiele się zmieniło.

Czym jest kreatywność?

Podczas procesu twórczego muzyk w ogóle nie dba o swój stan psychiczny. Jednak gdy tylko pomyśli o własnym zdrowiu, kreatywność natychmiast staje się absolutnie konieczna. W tym przypadku należy zauważyć, że wszyscy kompozytorzy osiągnęli swoje wyżyny nie dlatego, ale pomimo tego, że byli niespokojni, nerwowi i niezrównoważeni.

Kreatywność i kreatywność są oznaką stabilności psychicznej, a nie zaburzenia. Kreatywność ratuje ludzi od rutyny, depresji, strachu i beznadziei. Umiejętność wypowiadania się, wylewania w muzyce szalejących emocji, to właśnie ratuje kompozytora od szaleństwa.

Przykład biograficzny

Konstruktywną, oszczędzającą energię twórczości można pokazać na przykładzie wielkiego kompozytora Jana Sebastiana Bacha. Autor największych dzieł muzycznych został osierocony w wieku 10 lat, stracił kilku braci i sióstr, zmagał się z nieustannym fizycznym i psychicznym znęcaniem się w szkole, spędził kilka lat z krewnym, który go nienawidził. Jako nastolatek przeszedł setki kilometrów, aby dotrzeć do najlepszej szkoły muzycznej. Miał 20 dzieci, z których 11 zmarło w młodym wieku. Jego ukochana żona zmarła nagle podczas krótkiej podróży kompozytora. Po przeżyciu tylu smutku każdy by oszalał, ale Bach do końca swoich dni pozostał osobą absolutnie racjonalną, zrównoważoną psychicznie. A wszystko dlatego, że wyrażał swoje emocje, wszystkie łzy i smutki w muzyce.

Nigdy nie przestał pracować przez jeden dzień. Bez muzyki prawdopodobnie by oszalał. Nie potrzebował uspokajających wyników współczesnych badań pokazujących, że kreatywność ma pozytywny wpływ na rozwój społeczny, emocjonalny i intelektualny. Nie musiał czytać, że kreatywni ludzie mają ogromny potencjał. Po prostu to wiedział... wiedział to i ani na chwilę nie przestał pracować.

Kreatywność we współczesnym świecie

Dziś regularnie staramy się znaleźć rozwiązanie naszych problemów, usprawiedliwiać je czymkolwiek, o ile wolno nam dalej prowadzić nasz spokojny i wyważony tryb życia. Kreatywność nie toleruje prawidłowości, nie rozpoznaje ram i stereotypów. Kreatywność żyje i tworzy życie. Kompozytorzy, malarze, rzeźbiarze i pisarze nie muszą szukać zapomnienia w programach telewizyjnych, mediach społecznościowych i drogich kurortach. Cały wszechświat żyje i rozwija się w swoim wewnętrznym świecie.

Jest jedna tajemnica, której opinia publiczna nie zna lub nie chce ignorować: nie musisz zostać kompozytorem ani artystą, aby być osobą kreatywną. Jednym z najsmutniejszych mitów naszych czasów jest mit, że tylko niewielka część ludzi jest kreatywna. Jak powiedział Picasso: wszystkie dzieci są największymi malarzami, największym problemem naszego społeczeństwa jest to, że uniemożliwiamy im bycie artystami.

Każdy miłośnik muzyki chce wiedzieć więcej o swoich muzycznych idolach. Dawno minęły czasy, kiedy po trochu zdobywano interesujące i ważne informacje, zbierano wycinki z gazet i czasopism o ich ulubionych muzykach, dano je sobie nawzajem do czytania i wymieniano artykuły. Dziś, aby poznać aktualności, przeczytać wywiady z artystami lub historię grupy, wystarczy wejść do sieci. Ale dla tych, którzy interesują się wszystkim, co związane z idolami, to nie wystarczy. Książki o twoich ulubionych wykonawcach i kompozytorach to namacalne materialne rzeczy, które pozwalają dosłownie dotknąć świata wykonawców.

Wiele książek o muzyce można dziś łatwo znaleźć w sklepach. Są to biografie i autobiografie muzyków, historie różnych zespołów, książki z teorii muzyki oraz podręczniki dla tych, którzy sami chcą opanować instrument muzyczny. Regularnie ukazują się nowe wydania o muzyce. W tej obfitości każdy miłośnik muzyki znajdzie coś dla siebie.

Każda piosenka ma swoją historię

Czy chciałbyś wziąć udział w próbie swojego ulubionego zespołu rockowego? I dowiedz się, jak muzycy komponują swoje przeboje i co kryje się za każdym z ich utworów? Jeśli Twoja odpowiedź brzmi tak, to seria Stories Behind Songs jest dla Ciebie!

W tej serii prawie wszyscy publikują książki o najpopularniejszych i najbardziej lubianych wykonawcach na świecie. Poznasz pasjonujące historie zespołów rockowych, autorzy oddadzą Ci tajniki tworzenia wszystkich albumów studyjnych i głównych przebojów, opowiedzą historie o wydarzeniach, które wpłynęły na pisanie piosenek.

Każda książka z serii zawiera ogromną ilość fotografii ilustrujących drogę twórczą wykonawców i grup. Wiele z tych zdjęć jest publikowanych po raz pierwszy.

Z nowości serii można wyróżnić książkę dedykowaną grupie Radiohead. Pisarz i muzykolog James Dohini, który napisał tę książkę, opowiada historię każdej piosenki tej znakomitej grupy.

Wcześniej pojawiły się książki (i stały się już prawdziwymi przebojami) o takich zespołach jak U2, Metallica, Red Hot Chili Peppers, Abba i innych zespołach, które pisały piosenki uznawane za współczesną klasykę. Nie oszczędzono też absolutnie legendarnych „Beatles” i „Rollings”.

Muzyczne legendy i idole

Kolejna świetna seria dla koneserów dobrej muzyki. W książkach z serii znajdziesz fragmenty wywiadów z muzykami, informacje o ich życiu osobistym i poglądach. Na szczególną uwagę zasługuje książka „Rammstein. Burning Hearts, David Bowie: Spotkania i wywiady oraz Motorhead. Na autopilocie”.

Dla tych, którzy kochają nasze

Światowa scena rockowa jest świetna, ale co możesz przeczytać o naszych rodzimych gwiazdach rocka? Tym, którzy preferują rosyjską muzykę na żywo, możemy polecić książki z serii Legendy rosyjskiego rocka, w której ukazało się już jedenaście wydań o różnych muzykach i grupach.

W tych książkach znajdziesz historie o historii rosyjskiego rocka. Historia niektórych wykonawców sięga kilkudziesięciu lat, ale nawet debiutanckie utwory tych muzyków są dziś słuchane i kochane. Być może jest to istota fenomenu rosyjskiej muzyki rockowej: jest ona aktualna przez cały czas.

Wśród nowości z serii chciałbym wymienić książkę „Pavel Kashin. Wzdłuż magicznej rzeki ”- szczera i szczera historia jednego z najpopularniejszych współczesnych rosyjskich wykonawców i autorów. Pavel Kashin trzyma się z dala od głośnych imprez, ale jego piosenki są znane i kochane przez miliony.

Inna grupa – „Król i głupiec” – została uhonorowana dwoma całymi książkami opublikowanymi w serii „Legendy rosyjskiego rocka”. Ponadto w serii znajdują się publikacje poświęcone takim grupom jak „Chaif”, „Nautilus Pompilius”, „Kino”, „Sekret” i „Zmartwychwstanie”. Nawiasem mówiąc, wspomniana już grupa „Król i głupiec” jest tak popularna, że ​​książki o niej nadal ukazują się nie tylko w tej serii. Niedawno ukazała się „Old Book” /book /korol-i-shut-staraya-kniga-833644/ - wyjątkowy zbiór szkiców, dzięki któremu każdy fan grupy może zanurzyć się w procesie twórczym, dowiedzieć się, jak utwory zostały stworzone i przeczytały wiele wierszy, które i nie stały się piosenkami.

Książki dla koneserów muzyki symfonicznej

Tym, którzy chcą dowiedzieć się więcej o współczesnych muzykach i kompozytorach, którzy stali się już klasykami, polecamy serię książek „Muzyka wieczna. Ilustrowane biografie wielkich muzyków”. Autorami prac publikowanych w tej serii były osoby, które osobiście znały Szostakowicza, Richtera, Prokofiewa i innych bohaterów tych biografii.

Na przykład księga wspomnień Siergieja Rachmaninowa jest jedynym autentycznym dokumentem pamiętnikarskim - opowieścią kompozytora o sobie. Niestety Rachmaninow nie zostawił szczegółowej autobiografii. Muzykolog Oskar von Riesemann nagrał wspomnienia genialnego kompozytora - po raz pierwszy książka ta ukazała się w 1934 roku w Londynie.

Inny muzyk - pierwszy zdobywca nagrody Grammy w ZSRR Światosław Richter - jest opisany w książce „O Richterze w jego słowach”. Sam Richter zatwierdził publikację tej książki.

Książka Valentiny Chemberdzhi „Muzyka mieszkała w domu. Szostakowicz. Prokofiewa. Richter” nie jest pamiętnikiem, ale szkicami do portretów postaci muzycznych w dramatycznym kontekście dziejów kraju. Te strony zawierają nie tylko historie o Szostakowiczu, Prokofiewie i Richterze, ale także o innych, niezasłużenie zapomnianych, ale godnych podziwu ludziach.

Inne książki o muzyce

„Muzyka mojego życia. Memoirs of a Maestro ”to książka napisana przez Raimonds Pauls, ojca łotewskiej sztuki odmiany, której piosenki są znane i kochane nie tylko na Łotwie, ale także w Rosji i na całym świecie. Zdobył wiele nagród, tytułów, został laureatem wielu nagród. Ale te regalia prawie nigdy nie są wymienione obok jego imienia. Dla milionów ludzi Raymond Pauls pozostaje właścicielem jednego „tytułu” – Maestro.

"Głos. Umiejętność muzyczna dla wokalistów” to publikacja, która przyda się każdemu, kto chce postawić pierwsze kroki w świat teorii muzyki. Książka wbrew nazwie adresowana jest nie tylko do wokalistów, ale także do najszerszego grona czytelników, którzy chcą dowiedzieć się więcej o muzyce.

„Immersion in Music” to książka Michaiła Kazinika, znanego również jako „Secrets of Geniuses-2”.

W tym dziele słynny filozof, krytyk sztuki, reżyser, dramaturg Michaił Kazinik zapoznaje czytelników ze specyfiką twórczości znanych kompozytorów, odkrywa tajniki wpływu różnych gatunków muzycznych na słuchacza, porusza odwieczne tematy dobra i zło, śmierć i nieśmiertelność, miłość, pasja, obsesja. Poznaj tajniki muzyki, czytając tę ​​książkę!

Muzyka jako szansa to książka słynnego muzyka Władysława Kolchina. Zdiagnozowano u niego stwardnienie rozsiane. Nie ma lekarstwa na tę chorobę, która dotyka wielu ludzi na całym świecie. Może z wyjątkiem muzyki... To bardzo osobista książka o muzyce, wypełniona wieloma szczegółami autobiograficznymi.

Książka o prostym tytule „Muzyka” wcale nie jest prosta.
To dość obszerna publikacja, na której łamach przedstawiony jest świat muzyki w całej jego różnorodności stylów, nurtów i gatunków. Autorzy podjęli udaną próbę jak najpełniejszego ogarnięcia tego świata.

Cytaty o kreatywności. Muzycy i śpiewacy o kreatywności

MUZYCY I ŚPIEWACZE O KREATYWNOŚCI

Musisz czuć mocno, żeby inni to czuli.

Zdecydowanie i surowo wygnałem z mojej pracy zgubne rosyjskie „może” i zdałem się tylko na świadomy wysiłek twórczy. Nie wierzę w zbawczą moc samego talentu, bez ciężkiej pracy. Największy talent wyczerpie się bez niej, jak wiosna na pustyni zniknie... Nie pamiętam, kto powiedział: "geniusz to pracowitość"...

Zazdroszczą utalentowanym, krzywdzą utalentowanych, mszczą się na pomysłowych.

Fiodor Iwanowicz Chaliapin

Nie wierzę w jedną moc talentu bez ciężkiej pracy. Największy talent wyczerpie się bez niej, tak jak wygaśnie wiosna na pustyni, nie przebijając się przez piaski…

Fiodor Iwanowicz Chaliapin

Interesujące jest obserwowanie, jak twórczość artysty zależy od wzrostu lub degradacji jego wnętrza! Praca każdego artysty to nic innego jak dążenie do prawdy, prostoty i autentyczności.

Muzyk to nie zawód, ale narodowość.

Muzyka powinna być na tyle głośna, by zagłuszyć kaszel publiczności i na tyle cicha, by nie zagłuszać oklasków.

Leonid Utiosow

To, w co gramy, to życie.

Nie zawdzięczam ci nic poza dobrą grą.

Bycie kreatywnym to coś więcej niż bycie innym od innych. Każdy może być dziwny, to proste. Trudno być jednocześnie tak prostym i wspaniałym jak Bach. Robienie rzeczy jest proste, niewiarygodnie proste – to jest kreatywność.

Charles Mingus (22 kwietnia 1922 - 5 stycznia 1979), amerykański kontrabasista jazzowy i kompozytor

Mam obsesję na punkcie kultywacji.

Karol Aznavour

Całe życie pracowałem jak bestia. Do sześćdziesiątki nigdy nie byłam na wakacjach.

Karol Aznavour

Na scenie zawsze ważna jest szczerość. Francuska piosenkarka jest jednocześnie mimem, tragikiem i poetą. I żadna z tych hipostaz nie pozwala ukryć osoby za maską.

Karol Aznavour

Gdybym wiedział, skąd pochodzą dobre piosenki, starałbym się tam chodzić znacznie częściej.

Leonard Cohen

Jak wiadomo, kreatywni ludzie umierają, jeśli nie ma możliwości samorealizacji.

Muzyka jest o wiele łatwiejsza. Zdarza się, że kiedy szykuję obiad, przychodzi mi do głowy melodia, wtedy rezygnuję ze wszystkiego, idę po gitarę i siadam do gry wprost w kuchni. Kiedyś tak wypaliłem całą płytę...

Wierzę, że muzyka jest głosem szczególnego ducha, którego zadaniem jest kolekcjonowanie marzeń świata, a który przechodząc przez świadomość ludzi jest w stanie choć na krótki czas załagodzić ich spory, wstrząsnąć duszami niszcząc niedogodności społeczne.

Adriano Celentano

Jeśli robisz coś pięknego i wzniosłego, a nikt tego nie zauważa, nie zniechęcaj się: wschód słońca jest ogólnie najpiękniejszym widokiem na świecie, ale większość ludzi o tej porze jeszcze śpi.

John Lennon (9 października 1940 - 8 grudnia 1980) - brytyjski muzyk rockowy, współzałożyciel i członek The Beatles

Kiedy miałem dwanaście lat, często myślałem, że jestem prawdopodobnie geniuszem, ale nikt tego nie zauważa. Pomyślałem: „Jestem albo geniuszem, albo szaleńcem. Który? Nie mogę być szalony, bo nie siedzę w szpitalu psychiatrycznym. Więc jestem geniuszem.” To znaczy, geniusz jest prawdopodobnie jedną z form szaleństwa.

Johna Lennona

Straciłem to, co najważniejsze dla artysty – wolność twórczą, bo dałem się zniewolić narzuconym wyobrażeniom o tym, kim powinien być artysta.

Johna Lennona

Talent to umiejętność wiary w sukces. Całkowite delirium, gdy mówią, że nagle odkryłem w sobie talent. Po prostu pracowałem.

Johna Lennona

To nie ja się liczę, liczą się moje piosenki. Jestem tylko listonoszem dostarczającym piosenki.

Kiedy oglądam wiadomości, rozumiem, że światem rządzą ci, którzy nigdy nie słuchają muzyki.

Bob Dylan

Muzyka zmienia się szybciej niż możesz.

Aretha Franklin (ur. 25 marca 1942), amerykańska piosenkarka rhythm and blues, soul i gospel

Polityka i kreatywność to rzeczy nie do pogodzenia.

Paul McCartney (ur. 18 czerwca 1942), brytyjski muzyk, piosenkarz, współzałożyciel The Beatles

Jeśli jestem wolny, to tylko dlatego, że pracuję.

Muzyka jest moją religią.

Jimi Hendrix

Aby odkryć prawa, które przynależą do świata obrazów pierwotnych, artysta musi obudzić się do życia jako osoba: muszą w nim wykształcić się niemal wszystkie szlachetne uczucia, niemały udział intelektu, intuicji i chęci tworzenia. .

Prawa Sztuki mają swoje źródło nie w materiale, ale w idealnym świecie, w którym mieszka Piękno, materia może jedynie wskazywać granice, w których rozprzestrzenia się inspiracja artystyczna.

Delia Steinberg Guzman

Jeśli kiedykolwiek naprawdę pisałeś muzykę, nadal będziesz to robić.

George Harrison (25 lutego 1943 - 29 listopada 2001), angielski muzyk rockowy, piosenkarz i kompozytor

Inspiracja otacza Cię ze wszystkich stron, a w życiu codziennym przede wszystkim.

Mick Jagger (ur. 26 lipca 1943), angielski muzyk rockowy, wokalista The Rolling Stones

Prawdziwa poezja nic nie mówi, wskazuje tylko na możliwości. Otwiera wszystkie drzwi. Możesz otworzyć dowolny, który Ci odpowiada.

Po prostu graliśmy to, co chcieliśmy. Nie da się czegoś sztucznie wymyślić. Trzeba to znosić jak dziecko. Albo wydobądź go jak kwiat. Co oznacza zimne myślenie, kiedy masz w rękach żywy instrument, który oddycha, płacze, chce coś powiedzieć całemu światu?

To, co jest dobre w muzyce, to to, że kiedy cię uderza, nie czujesz bólu.

Talent może pomóc w debiucie, a potem pracować tylko nad poprawą swoich umiejętności.

Współczesne malarstwo jest jak kobiety: nigdy nie będziesz się nim cieszyć, jeśli spróbujesz je zrozumieć.

Freddie Mercury (5 września 1946 - 24 listopada 1991), brytyjski piosenkarz, wokalista zespołu rockowego Queen

Nie chcę zostać jakąś gwiazdą, zostanę legendą.

Freddie Mercury

Jestem absolutnie zimny i obojętny na wszystko. Ale w takim razie zadaję sobie pytanie, skąd on pochodzi – z tego burzliwego źródła twórczej energii? Nie rozumiem. Piosenki Davida Bowie nie należą do mnie – po prostu wypuszczam je przeze mnie na ten świat. Potem słucham i jestem zdumiony: ich autor, kimkolwiek był, miał przynajmniej silne uczucia! Nie dano mi tego wiedzieć.

David Bowie

Główna metoda jest prosta: musisz doprowadzić ludzi do punktu, w którym będą po prostu zmuszeni na mnie zareagować. Uwielbiam taktykę szokową. Moim zdaniem twórczość, która nie szokuje, jest pozbawiona sensu.

David Bowie

Największe szanse na sukces mają te grupy, w których grają prawdziwi podobnie myślący przyjaciele, profesjonalizm to dochodowy biznes, ważna jest jednocząca idea.

Muzyka ma moc uzdrawiania. Na kilka godzin potrafi sprawić, że opuścisz ciało, abyś wreszcie mógł spojrzeć na siebie z boku.

Eltona Johna

Zawsze interesowała mnie tylko artystyczna strona życia.