Dyktatury, przewroty, rewolucje, straszliwa bieda jednych, a fantastyczne bogactwo drugich, a przy tym dzika zabawa i optymizm zwykłych ludzi – tak w skrócie można opisać większość krajów Ameryki Łacińskiej XX wieku. stulecie. I nie zapominaj o niesamowitej syntezie różnych kultur, narodów i wierzeń.

Paradoksy historii i żywiołowy kolor zainspirowały wielu pisarzy tego regionu do stworzenia prawdziwych arcydzieł literackich, które wzbogaciły światową kulturę. Porozmawiamy o najbardziej uderzających pracach w naszym materiale.

„Kapitanowie piasku” Jorge Amado (Brazylia)

Jedna z głównych powieści Jorge Amado, najsłynniejszego brazylijskiego pisarza XX wieku. „Captains of the Sand” to historia gangu dzieci ulicy, które w latach 30. XX wieku polowały na kradzieże i rozboje w stanie Bahia. To właśnie ta książka stała się podstawą legendarnego filmu Generals of the Sandpits, który zyskał kultowy status w ZSRR.

Wynalazek Morela. Adolfo Bioy Casares (Argentyna)

Najsłynniejsza książka argentyńskiego pisarza Adolfo Bioy Casares. Powieść zręcznie balansująca na pograniczu mistycyzmu i science fiction. Bohater uciekając przed prześladowaniami trafia na odległą wyspę. Spotyka tam dziwnych ludzi, którzy nie zwracają na niego uwagi. Obserwując je dzień po dniu, dowiaduje się, że wszystko, co dzieje się na tym skrawku lądu, to nagrany dawno temu holograficzny film, wirtualna rzeczywistość. I nie da się opuścić tego miejsca… póki wynalazek niejakiego Morela działa.

„Starszy Prezydent”. Miguel Angel Asturias (Gwatemala)

Najsłynniejsza powieść Miguela Angela Asturiasa, laureata literackiej Nagrody Nobla w 1967 roku. Autor rysuje w nim typowego dyktatora latynoamerykańskiego – Senior President. W tej postaci pisarz oddaje całą istotę okrutnych i bezsensownych rządów autorytarnych, mających na celu własne wzbogacenie poprzez ucisk i zastraszenie zwykłych ludzi. Ta książka opowiada o człowieku, dla którego rządzenie krajem oznacza rabowanie i zabijanie jego mieszkańców. Wspominając dyktaturę tego samego Pinocheta (i innych nie mniej krwawych dyktatorów), rozumiemy, jak trafne okazało się to artystyczne proroctwo Asturii.

„Królestwo Ziemi”. Alejo Carpentier (Kuba)

Jedno z najsłynniejszych dzieł największego kubańskiego pisarza Alejo Carpentiera. W powieści historycznej „Królestwo Ziemi” opowiada o tajemniczym świecie mieszkańców Haiti, których życie jest nierozerwalnie związane z mitologią i magią Voodoo. Faktycznie umieścił tę biedną i tajemniczą wyspę na literackiej mapie świata, w której magia i śmierć przeplatają się z zabawą i tańcem.

„Alef”. Jorge Luis Borges (Argentyna)

Najsłynniejszy zbiór opowiadań wybitnego pisarza argentyńskiego Jorge Luisa Borgesa. W "Alefie" zwrócił się ku motywom poszukiwań - poszukiwaniu sensu życia, prawdy, miłości, nieśmiertelności i twórczej inspiracji. Po mistrzowsku posługując się symbolami nieskończoności (zwłaszcza luster, bibliotek (które Borges tak bardzo kochał!) i labiryntów), autor nie tylko udziela odpowiedzi na pytania, ale skłania czytelnika do zastanowienia się nad otaczającą go rzeczywistością. Chodzi nie tyle o wyniki wyszukiwania, ile o sam proces.

„Śmierć Artemio Cruza”. Carlos Fuentes (Meksyk)

Główna powieść jednego z najsłynniejszych prozaików meksykańskich ubiegłego wieku. Opowiada historię życia Artemio Cruz, byłego rewolucjonisty i współpracownika Pancho Villi, a obecnie jednego z najbogatszych magnatów w Meksyku. Po dojściu do władzy w wyniku zbrojnego powstania Cruz zaczyna się wściekle wzbogacać. Aby zaspokoić swoją chciwość, nie waha się uciekać się do szantażu, przemocy i terroru wobec każdego, kto stanie mu na drodze. Ta książka opowiada o tym, jak pod wpływem władzy wymierają nawet najwyższe i najlepsze idee, a ludzie zmieniają się nie do poznania. W rzeczywistości jest to rodzaj odpowiedzi na „starszego prezydenta” Asturii.

„Gra w klasykę” Julio Cortazar (Argentyna)

Jedno z najsłynniejszych dzieł literatury postmodernistycznej. W tej powieści słynny argentyński pisarz Julio Cortazar opowiada historię Horacio Oliveiry, człowieka, który jest w trudnej relacji ze światem zewnętrznym i zastanawia się nad sensem własnej egzystencji. W The Classics Game czytelnik sam wybiera fabułę powieści (w przedmowie autor proponuje dwie opcje lektury – według opracowanego przez siebie planu lub w kolejności rozdziałów), a treść książki będzie zależeć bezpośrednio od jego wyboru.

„Miasto i psy”. Mario Vargas Llosa (Peru)

„Miasto i psy” to autobiograficzna powieść słynnego peruwiańskiego pisarza, laureata literackiej Nagrody Nobla w 2010 roku, Mario Vargasa Llosy. Akcja książki toczy się w murach szkoły wojskowej, gdzie z nastoletnich dzieci starają się zrobić „prawdziwych mężczyzn”. Metody wychowania są proste - najpierw złamać i upokorzyć człowieka, a potem zamienić go w bezmyślnego żołnierza żyjącego według statutu. Po opublikowaniu tej antywojennej powieści Vargas Llosa został oskarżony o zdradę i pomoc ekwadorskim emigrantom. Kilka egzemplarzy jego książki zostało uroczyście spalonych na placu apelowym Szkoły Kadetów Leoncio Prado. Jednak skandal ten tylko zwiększył popularność powieści, która stała się jednym z najlepszych dzieł literackich Ameryki Łacińskiej XX wieku. Był też wielokrotnie filmowany.

"Sto lat samotności" Gabriel Garcia Marquez (Kolumbia)

Legendarna powieść kolumbijskiego mistrza realizmu magicznego, Gabriela Garcii Marqueza, laureata literackiej Nagrody Nobla z 1982 roku. Autor opowiada w nim 100-letnią historię prowincjonalnego miasteczka Macondo, stojącego pośrodku dżungli Ameryki Południowej. Ta książka jest uznawana za arcydzieło prozy latynoamerykańskiej XX wieku. W rzeczywistości Marquezowi udało się opisać cały kontynent ze wszystkimi jego sprzecznościami i skrajnościami.

„Kiedy chcę płakać, nie płaczę”. Miguel Otero Silva (Wenezuela)

Miguel Otero Silva jest jednym z największych pisarzy Wenezueli. Jego powieść „Kiedy chcę płakać, nie płaczę” poświęcona jest życiu trójki młodych ludzi - arystokraty, terrorysty i bandyty. Pomimo tego, że mają różne pochodzenie społeczne, wszyscy dzielą ten sam los. Każdy szuka swojego miejsca w życiu i każdy jest skazany na śmierć za swoje przekonania. W tej książce autor po mistrzowsku maluje obraz Wenezueli podczas dyktatury wojskowej, a także pokazuje biedę i nierówności tamtych czasów.

Zwycięstwo nad faszyzmem doprowadziło do zakłóceń i zniszczenia systemu kolonialnego w wielu uprzednio zależnych krajach kontynentu afrykańskiego i Ameryki Łacińskiej. Wyzwolenie spod dominacji militarnej i ekonomicznej, masowe migracje w czasie II wojny światowej doprowadziły do ​​wzrostu tożsamości narodowej. Wyzwolenie z zależności kolonialnej w drugiej połowie XX wieku doprowadziło do powstania nowych kontynentów literackich. W wyniku tych procesów w codzienność czytelnika i literatury weszły takie pojęcia, jak nowa powieść latynoamerykańska, współczesna proza ​​afrykańska czy literatura etniczna w Stanach Zjednoczonych i Kanadzie. Innym ważnym czynnikiem był rozwój myślenia planetarnego, który nie pozwalał na „milczenie” całych kontynentów i wykluczenie doświadczenia kulturowego.

Warto zauważyć, że w latach 60. XX wieku. w Rosji kształtuje się tak zwana „proza ​​wielonarodowa” – pisarze wywodzący się z rdzennych ludów Azji Środkowej, Kaukazu i Syberii.

Interakcja literatur tradycyjnych z nowymi rzeczywistościami wzbogaciła literaturę światową i dała impuls do rozwoju nowych obrazów mitopoetycznych. Około połowy lat sześćdziesiątych. stało się jasne, że literatura etniczna, wcześniej skazana na zagładę lub asymilację, może przetrwać i rozwijać się na swój własny sposób w ramach dominujących cywilizacji. Najbardziej uderzającym zjawiskiem związku czynnika etnokulturowego z literaturą był rozwój prozy latynoamerykańskiej.

Jeszcze w pierwszej połowie XX wieku literatura krajów Ameryki Łacińskiej nie mogła konkurować z krajami Europy (a nawet Wschodu), ponieważ. byli głównie epigonami estetycznymi. Jednak począwszy od drugiej połowy XX wieku wielu młodych pisarzy zaczęło budować swoją twórczą drogę, skupiając się na lokalnych tradycjach. Wchłonąwszy doświadczenia europejskiej szkoły eksperymentalnej, udało im się rozwinąć oryginalny narodowy styl literacki.

Na lata 60-70. jest okres tak zwanego „boomu” powieści latynoamerykańskiej. W tych latach termin „magiczny realizm” rozprzestrzeniał się w krytyce europejskiej i latynoamerykańskiej. W wąskim sensie oznacza pewien nurt w literaturze latynoamerykańskiej drugiej połowy XX wieku. W szerokim znaczeniu jest rozumiana jako stała myśl artystycznej Ameryki Łacińskiej i wspólna cecha kultury kontynentu.

Koncepcja latynoamerykańskiego realizmu magicznego ma na celu podkreślenie i odróżnienie go od europejskiej mitologii i fantazji. Cechy te zostały wyraźnie zawarte w pierwszych dziełach latynoamerykańskiego realizmu magicznego – opowiadaniu A. Carpentiera „Mroczne królestwo” (1949) i powieści M.A. Asturia „Ludzie kukurydzy” (1949).

W ich bohaterach osobisty początek jest przytłumiony i nie interesuje pisarza. Bohaterowie działają jako nosiciele zbiorowej świadomości mitologicznej. To właśnie staje się głównym tematem obrazu. Jednocześnie pisarze zmieniają swój pogląd na osobę cywilizowaną na osobę prymitywną. Realiści latynoamerykańscy podkreślają rzeczywistość przez pryzmat świadomości mitologicznej. W efekcie przedstawiana rzeczywistość ulega fantastycznym przeobrażeniom. Dzieła realizmu magicznego zbudowane są na interakcji zasobów artystycznych. Świadomość „cywilizowana” jest pojmowana i porównywana ze świadomością mitologiczną.

Ameryka Łacińska w XX wieku przeszła do rozkwitu twórczości artystycznej. Na kontynencie rozwinęło się wiele różnych obszarów. Aktywnie rozwijał się realizm, elitarno-modernistyczny (z echami europejskiego egzystencjalizmu), a potem powstał kierunek postmodernistyczny. Jorge Luis Borges, Julio Cartasar Octavio Paz rozwinął zapożyczoną z Europy technikę i techniki „strumienia świadomości”, ideę absurdalności świata, „alienację” i dyskurs gry.

Elitarni pisarze latynoamerykańscy - Octavio Paz, Juan Carlos Onetti, Mario Vergas Llos - rozmawiali ze sobą, próbując ujawnić osobistą oryginalność. Poszukiwali tożsamości narodowej w granicach rozwiniętych europejskich technik narracyjnych. Dało im to bardzo ograniczony rozgłos.

Inaczej stało się zadanie „realistów magicznych”: skierowali swoje przesłanie bezpośrednio do ludzkości, łącząc w niepowtarzalnej syntezie to, co narodowe i uniwersalne. To wyjaśnia ich fenomenalny sukces na całym świecie.

Poetyka i zasady artystyczne latynoamerykańskiego realizmu magicznego ukształtowały się pod wpływem europejskiej awangardy. Ogólne zainteresowanie prymitywnym myśleniem, magią, prymitywną sztuką, które ogarnęło Europejczyków w pierwszej połowie XX wieku, pobudziło zainteresowanie pisarzy latynoamerykańskich Indianami i Afroamerykanami. W łonie kultury europejskiej powstało pojęcie fundamentalnej różnicy między myśleniem przedracjonalnym a cywilizowanym. Koncepcja ta będzie aktywnie rozwijana przez pisarzy latynoamerykańskich.

Od awangardystów, głównie surrealistów, pisarze latynoamerykańscy zapożyczyli pewne zasady fantastycznej przemiany rzeczywistości. Europejski abstrakcyjny „dzikus” odnalazł etnokulturową konkretność i jasność w dziełach magicznego realizmu.

Koncepcję różnych typów myślenia projektowano w obszar konfrontacji kulturowej i cywilizacyjnej między Ameryką Łacińską a Europą. Europejski surrealistyczny sen został zastąpiony prawdziwym mitem. Jednocześnie pisarze latynoamerykańscy opierali się nie tylko na mitologii indyjskiej i południowoamerykańskiej, ale także na tradycjach kronik amerykańskich z XVI-XVII wieku. i obfitość cudownych elementów.

Ideologiczną podstawą realizmu magicznego było dążenie pisarza do rozpoznania i potwierdzenia oryginalności rzeczywistości i kultury latynoamerykańskiej, która łączy się z mitologiczną świadomością Indianina czy Afroamerykanina.

Realizm magiczny Ameryki Łacińskiej wywarł znaczący wpływ na literaturę europejską i północnoamerykańską, aw szczególności na literaturę krajów Trzeciego Świata.

W 1964 roku kostarykański pisarz Joaquín Gutierrez w artykule „W przeddzień wielkiego rozkwitu” zastanawiał się nad losami powieści w Ameryce Łacińskiej: „Mówiąc o cechach charakterystycznych powieści latynoamerykańskiej, należy przede wszystkim zaznaczyć, że jest ona stosunkowo młoda. Od jej powstania minęło niewiele ponad sto lat, aw Ameryce Łacińskiej są kraje, w których pierwsza powieść ukazała się dopiero w naszym stuleciu. W trzystuletnim okresie kolonialnym dziejów Ameryki Łacińskiej nie ukazała się ani jedna powieść – i, o ile wiemy, nie została napisana! I myślę, że można śmiało przewidzieć, że jest u progu ery wielkiego prosperity... Nie ma jeszcze w naszej literaturze kolosalnego powieściopisarza, ale my nie pozostajemy w tyle. Pamiętajmy, co zostało powiedziane na początku - że nasza powieść ma trochę ponad sto lat - i poczekajmy jeszcze trochę czasu ”.

Te słowa stały się wizjonerskie dla powieści latynoamerykańskiej. W 1963 ukazała się powieść Gra klasyczna Julio Cortazara, w 1967 Sto lat samotności Gabriela Garcii Marqueza, która stała się klasyką literatury latynoamerykańskiej.

Temat: Literatura japońska.

W 1868 roku w Japonii miały miejsce wydarzenia, które nazwano Odnowieniem Meiji (przetłumaczone jako „oświecona reguła”). Nastąpiło przywrócenie władzy cesarza i upadek systemu samurajskich rządów szogunatu. Wydarzenia te skłoniły Japonię do podążania ścieżką mocarstw europejskich. Polityka zagraniczna zmienia się dramatycznie, zapowiadane jest „otwarcie drzwi”, koniec trwającej ponad dwa wieki izolacji zewnętrznej oraz szereg reform. Te dramatyczne zmiany w życiu kraju znalazły odzwierciedlenie w literaturze okresu Meiji (1868-1912). W tym czasie Japończycy przeszli od nadmiernego entuzjazmu dla wszystkiego, co europejskie, do rozczarowania, od bezgranicznej rozkoszy do rozpaczy.

Cechą charakterystyczną tradycyjnej metody Japończyków jest obojętność autora. Pisarz opisuje wszystko, co pojawia się w codziennej rzeczywistości, nie podając szacunków. Chęć przedstawiania rzeczy bez przedstawiania czegokolwiek od siebie tłumaczy się buddyjskim podejściem do świata jako nieistniejący, iluzoryczny. W ten sam sposób opisane są ich własne doświadczenia. Istota tradycyjnej japońskiej metody tkwi właśnie w niewinności autora wobec tego, o co chodzi, autor „podąża za pędzlem”, ruchem swojej duszy. Tekst zawiera opis tego, co autor widział lub słyszał, przeżył, ale nie ma chęci zrozumienia, co się dzieje. Nie ma w nich tradycyjnej europejskiej analizy. Słowa Daiseku Suzuki o sztuce Zen można przypisać całej klasycznej literaturze japońskiej: „Starali się przekazać pędzlem to, co porusza ich od środka. Sami nie zdawali sobie sprawy, jak wyrazić ducha wewnętrznego i wyrażali go krzykiem lub pociągnięciem pędzla. Może to wcale nie jest sztuka, bo nie ma sztuki w tym, co zrobili. A jeśli jest, to jest bardzo prymitywny. Ale czy tak jest? Czy moglibyśmy odnieść sukces w „cywilizacji”, czyli sztuczności, gdybyśmy dążyli do bezartyzmu? To był właśnie cel i podstawa wszelkich artystycznych poszukiwań.

W buddyjskim światopoglądzie, na którym opiera się literatura japońska, nie mogło być chęci poznania ludzkiego życia, zrozumienia jego sensu, ponieważ. prawda leży po drugiej stronie widzialnego świata i jest niedostępna do zrozumienia. Można jej doświadczyć jedynie w szczególnym stanie umysłu, w stanie najwyższej koncentracji, kiedy człowiek stapia się ze światem. W tym systemie myślenia nie było idei stworzenia świata, Budda nie stworzył świata, ale go rozumiał. Dlatego człowiek nie był postrzegany jako potencjalny twórca. Z punktu widzenia teorii buddyjskiej żywa istota nie jest istotą żyjącą w świecie, ale istotą doświadczającą świata. W tym systemie wartości nie mogła się pojawić metoda analizy, która zakłada podział. Stąd obojętny stosunek do przedstawionego, kiedy pisarz czuje się zarówno uczestnikiem, jak i widzem opisywanych wydarzeń.

Dlatego tradycyjna literatura japońska nie charakteryzuje się udręką, rozpaczą, zwątpieniem. Nie ma w nim wewnętrznych zmagań, pragnienia zmiany losu, rzucenia wyzwania losowi, tego wszystkiego, co przenika literaturę europejską, poczynając od antycznej tragedii.

Ideał estetyczny od wieków jest ucieleśniany w poezji japońskiej.

Yasunari Kawabata (1899-1975) to klasyka literatury japońskiej. W 1968 otrzymał Nagrodę Nobla za „pisarstwo, które z wielką siłą wyraża istotę myśli japońskiej”.

Yasunari Kawabata urodził się w Osace w rodzinie lekarza. Wcześnie stracił rodziców, a potem dziadka, który był zaangażowany w jego wychowanie. Mieszkał z krewnymi, gorzko czując się osierocony. W latach szkolnych marzył o zostaniu artystą, ale jego pasja do literatury okazała się silniejsza. Jego pierwszym doświadczeniem pisarskim był „Dziennik szesnastolatka”, w którym zabrzmiały nastroje smutku i samotności.

Lata studenckie spędził na Uniwersytecie Tokijskim, gdzie Kawabata Yasunari studiował filologię angielską i japońską. W tym czasie miała miejsce zapoznanie się z twórczością głównych pisarzy japońskich i europejskich, z literaturą rosyjską. Po ukończeniu studiów pracuje jako recenzent, publikuje recenzje wydanych książek. W tych latach należał do grona pisarzy „neosensualistycznych”, wyczulonych na nowe trendy w literaturze europejskiego modernizmu. Jedno z opowiadań Kawabata Yasunariego, „Crystal Fantasy” (1930), często określane było mianem „Joycean”, w konstrukcji i stylu pisania wyczuwało się wpływ autora „Ulissesa”. Opowieść jest strumieniem wspomnień bohaterki, całe jej życie wyłania się w serii „krystalicznych” momentów, które błysnęły w jej pamięci. Odtwarzając strumień świadomości, przenosząc pracę pamięci, Kawabata kierowany był w dużej mierze przez Joyce'a i Prousta. Podobnie jak inni pisarze XX wieku nie lekceważył eksperymentów modernistycznych. Ale jednocześnie pozostaje rzecznikiem oryginalności i oryginalności japońskiego myślenia. Kawabata zachowuje silne związki z narodową japońską tradycją. Kawabata napisał: Inspirując się współczesną literaturą zachodnią, próbowałem czasem naśladować jej obrazy. Ale zasadniczo jestem Orientem i nigdy nie straciłem z oczu własnej ścieżki. ».

Poetykę twórczości Kawabaty Yasunariego charakteryzują następujące tradycyjne motywy japońskie:

Bezpośredniość i klarowność przekazu przenikliwego uczucia do natury i człowieka;

Łącząc się z naturą

Dbałość o szczegóły;

Umiejętność ujawniania urzekającego piękna w codziennych i małych rzeczach;

Lakonizm w odtwarzaniu niuansów nastroju;

Cichy smutek, mądrość nadana przez życie.

Wszystko to pozwala poczuć harmonię życia z jego odwiecznymi tajemnicami.

Osobliwość prozy poetyckiej Kawabata Yasunariego przejawiała się w opowiadaniach „Tancerka z Izydy” (1926), „Kraj śnieżny” (1937), „Tysiąc żurawi” (1949), „Jezioro” (1954), w powieściach „ Jęk góry” (1954), „Stara stolica” (1962). Wszystkie prace nasycone są liryzmem, wysokim poziomem psychologii. Opisują japońskie tradycje, zwyczaje, cechy życia i zachowania ludzi. I tak na przykład w opowiadaniu „Tysiąc żurawi” we wszystkich szczegółach odtworzony jest obrzęd picia herbaty, „ceremonia parzenia herbaty”, która ma ogromne znaczenie w życiu Japończyków. Estetyka ceremonii parzenia herbaty, a także inne zwyczaje, które zawsze są szczegółowo dopracowane, wcale nie odgradzają Kawabata od problemów współczesności. Przeżył dwie wojny światowe, zniszczenie Hiroszimy i Nagasaki przez wybuchy bomby atomowej, pamięta wojny japońsko-chińskie. Dlatego szczególnie bliskie mu są tradycje związane z koncepcją pokoju, harmonii i piękna, a nie z wywyższeniem potęgi militarnej i waleczności samurajów. Kawabata chroni dusze ludzi przed okrucieństwem konfrontacji

Twórczość Kawabaty rozwinęła się pod wpływem estetyki Zen. Zgodnie z naukami Zen rzeczywistość jest rozumiana jako niepodzielna całość, a prawdziwą naturę rzeczy można pojąć tylko intuicyjnie. Nie analiza i logika, ale uczucie i intuicja przybliżają nas do ujawnienia istoty zjawisk, odwiecznej tajemnicy. Nie wszystko da się wyrazić słowami i nie wszystko trzeba powiedzieć do końca. Wystarczy wspomnieć, podpowiedź. Urok niedopowiedzenia ma imponującą moc. Zasady te, wypracowane przez wieki w poezji japońskiej, są również realizowane w twórczości Kawabaty.

Kawabata dostrzega piękno zwykłego, swojego życia. W liryczny sposób, z przenikliwą mądrością człowieczeństwa, przedstawia naturę, świat roślin, sceny z życia codziennego. Pisarz ukazuje życie natury i życie człowieka w ich wspólnocie, w stopionym przenikaniu się. To ujawnia poczucie przynależności do absolutu natury, wszechświata. Kawabata ma umiejętność odtworzenia atmosfery rzeczywistości, do tego precyzyjnie dobiera autentyczne kolory, zapachy swojej ojczyzny.

Jednym z centralnych punktów estetyki sztuki japońskiej jest pojęcie smutnego uroku rzeczy. To, co piękne w klasycznej literaturze japońskiej ma elegijną kolorystykę, poetyckie obrazy przesycone są nastrojem smutku i melancholii. W poezji, jak w tradycyjnym ogrodzie, nie ma nic zbędnego, nic zbędnego, ale zawsze jest wyobraźnia, podpowiedź, jakaś niekompletność i zaskoczenie. To samo uczucie pojawia się podczas lektury książek Kawabata, czytelnik odkrywa złożony stosunek autora do swoich bohaterów: współczucie i współczucie, miłosierdzie i czułość, gorycz, ból. Kreatywność Kawabata jest pełna tradycyjnej japońskiej kontemplacji, humoru, subtelnego zrozumienia natury i jej wpływu na ludzką duszę. Odsłania wewnętrzny świat człowieka dążącego do szczęścia. Jednym z głównych tematów jego twórczości jest smutek, samotność, niemożliwość miłości.

W najzwyklejszym, drobnym szczególe nudnej codzienności ujawnia się coś istotnego, odsłaniając stan umysłu człowieka. Szczegóły są stale w centrum wizji Kawabata. Jednak obiektywny świat nie tłumi ruchu postaci, narracja zawiera analizę psychologiczną i wyróżnia się dużym artystycznym gustem.

Wiele rozdziałów prac Kawabaty rozpoczyna się od wersów o naturze, które niejako nadają ton dalszej narracji. Czasami natura jest tylko tłem, na którym toczy się życie bohaterów. Ale czasami wydaje się, że nabiera niezależnego znaczenia. Autorka zdaje się zachęcać do uczenia się od niej, do zrozumienia jej nieznanych tajemnic, dostrzegania w komunikacji z naturą swoistych sposobów moralnego, estetycznego doskonalenia człowieka. Twórczość Kawabata charakteryzuje się poczuciem wielkości natury, wyrafinowaniem percepcji wzrokowej. Poprzez obrazy natury ujawnia ruchy ludzkiej duszy, dlatego wiele jego prac jest wieloaspektowych, ma ukryty podtekst. Język Kawabata jest przykładem stylu japońskiego. Krótka, pojemna, głęboka, ma w sobie obrazowość i nienaganną metaforę.

Poezja róży, wysokie umiejętności pisarskie, humanistyczna idea troski o naturę i człowieka, o tradycje sztuki narodowej – wszystko to sprawia, że ​​sztuka Kawabaty jest wybitnym fenomenem w literaturze japońskiej i w światowej sztuce słowa .

BBK 83,3 (2 rosa = rus)

Anastasia Michajłowna Krasilnikowa,

doktorant, St. Petersburg State University of Technology and Design (Petersburg, Rosja), e-mail: [e-mail chroniony]

Literatura latynoamerykańska w rosyjskim wydawnictwie książkowym

Literatura latynoamerykańska jest popularna na całym świecie, historia jej publikacji w Rosji sięga 80 lat wstecz, w czasie których zgromadzono wiele doświadczeń edytorskich, które należy przeanalizować. Artykuł rozważa przyczyny pojawienia się pierwszych wydań literatury latynoamerykańskiej w ZSRR, zmiany w doborze autorów, nakładu, przygotowanie aparatu publikacji w czasach sowieckich i pierestrojki, a także stan publikacji literatury latynoamerykańskiej we współczesnej Rosji. Wyniki pracy mogą być wykorzystane w przygotowaniu nowych wydań autorów latynoamerykańskich, a także mogą stać się podstawą do badania zainteresowania czytelnika literaturą latynoamerykańską w Rosji. Artykuł podsumowuje utrzymujące się zainteresowanie czytelników literaturą latynoamerykańską i sugeruje kilka sposobów, w jakie może rozwijać się jej publikacja.

Słowa kluczowe: literatura latynoamerykańska, wydawnictwa książkowe, historia wydawnicza, edytorstwo.

Anastasia Michajłowna Krasilnikowa,

Studentka studiów podyplomowych, św. Petersburg State University of Technology and Design (Petersburg, Rosja), e-mail: [e-mail chroniony]

Literatura latynoamerykańska w rosyjskim wydawnictwie książkowym

Literatura latynoamerykańska jest popularna na całym świecie, historia jej wydawania w Rosji liczy 80 lat, w tym czasie zgromadzono wielkie doświadczenie edytorskie, które należy przeanalizować. W artykule omówiono przyczyny pojawienia się pierwszych publikacji literatury latynoamerykańskiej w Związku Radzieckim, zmiany w doborze autorów, liczby druków i redagowania drugorzędnej materii publikacji w okresie sowieckim, a także stan publikowania literatury latynoamerykańskiej we współczesnej Rosji. Wyniki badań mogą posłużyć do przygotowania nowych publikacji autorów latynoamerykańskich, a także stać się podstawą do badania zainteresowania czytelnika literaturą latynoamerykańską w Rosji. sposoby, w jakie może rozwijać się wydawanie literatury latynoamerykańskiej.

Słowa kluczowe: literatura latynoamerykańska, wydawnictwa książkowe, historia wydawnicza, edytorstwo.

Literatura latynoamerykańska ogłosiła się całemu światu w połowie XX wieku. Przyczyn popularności „nowej” powieści latynoamerykańskiej jest wiele; Oprócz kulturowych istniały też względy ekonomiczne. Dopiero w latach 30-tych. ubiegłego wieku w Ameryce Łacińskiej zaczął pojawiać się rozbudowany system wydawania książek i, co najważniejsze, dystrybucji książek. Do tego momentu, gdyby mogło się pojawić coś ciekawego, nikt by o tym nie wiedział: książki nie wykraczały poza granice kontynentu - poza granice odrębnego państwa.

Jednak z czasem zaczęły pojawiać się pisma literackie i wydawnictwa. Dzięki największemu argentyńskiemu wydawnictwu Suamericana sławę zyskało wielu autorów: na przykład z tego wydawnictwa

Rozpoczęła się światowa sława Garcii Marqueza. Jednym z kanałów, jakimi literatura latynoamerykańska przenikała do Europy, była oczywiście Hiszpania: „Trzeba tu podkreślić, że w tamtym czasie, pomimo działalności wydawnictwa Suamericana, była to Hiszpania, a raczej Barcelona, ​​​​który śledził wszystkie procesy zachodzące w literaturze i służył jako wizytówka pisarzy boomu, z których większość była publikowana przez wydawnictwo Seik-Barral, które w tym sensie zajmowało wiodącą pozycję. Niektórzy z pisarzy mieszkali w tym mieście przez długi czas: Garcia Marquez, Vargas Llosa, Donoso, Edwards, Bruce Echenike, Benedetti i wreszcie Onetti. Ważna jest również rola Biblioteki Pre-myo Brive, założonej przez to barcelońskie wydawnictwo: ponieważ w Hiszpanii

© A. M. Krasilnikova, 2012

Nie było znaczących autorów, zwycięzców wybrano z krajów hiszpańskojęzycznych (laureatami tej prestiżowej nagrody zostali Vargas Llosa, Cabrera Infante, Haroldo Conti, Carlos Fu-Entos). Wielu pisarzy latynoamerykańskich dużo podróżowało, niektórzy z nich mieszkali w Europie przez dłuższy czas. Tak więc Julio Cortazar przez 30 lat mieszkał w Paryżu, a francuskie wydawnictwo Gallimard również przyczyniło się do upowszechnienia literatury latynoamerykańskiej.

Jeśli z Europą wszystko jest mniej więcej jasne: raz przetłumaczona książka stała się znana i przetłumaczona na inne języki europejskie, to wraz z przenikaniem literatury latynoamerykańskiej do ZSRR sytuacja jest znacznie bardziej skomplikowana. Europejskie uznanie tego czy innego autora nie było autorytatywne dla Związku Radzieckiego, wręcz przeciwnie - aprobata ideologicznych wrogów nie mogła wpłynąć pozytywnie na losy wydawnicze pisarza w ZSRR

Nie oznacza to jednak, że Latynosi zostali zbanowani. Pierwsze wydanie książkowe ukazało się w 1932 roku - była to powieść Cesara Vallejo "Tungsten" - dzieło w duchu socrealizmu. Rewolucja październikowa przykuła wzrok pisarzy latynoamerykańskich do Związku Radzieckiego: „W Ameryce Łacińskiej lewicowe ruchy perswazji komunistycznej formowały się samodzielnie, praktycznie bez emisariuszy z ZSRR, a ideologia lewicowa zajmowała szczególnie silne pozycje wśród twórczej inteligencji. ” Cesar Vallejo trzykrotnie odwiedzał ZSRR – w 1928, 1929 i 1931 r., dzieląc się wrażeniami w paryskich gazetach: „Kierowany pasją, entuzjazmem i szczerością poeta broni zdobyczy socjalizmu propagandową presją i dogmatyzmem, jakby zapożyczonym z strony gazety Prawda » .

Innym zwolennikiem Związku Radzieckiego był Pablo Neruda, o którym tłumaczka Ella Braginskaya powiedziała: „Neruda jest jedną z tych wielkich postaci dramatycznych XX wieku.<...>którzy stali się ideologicznymi przyjaciółmi ZSRR iw jakiś niezrozumiały, fatalny sposób cieszyli się, że zostali oszukani, jak wielu ich rówieśników w naszym kraju, i widzieli w nas to, o czym marzyli. Książki Nerudy były aktywnie publikowane w ZSRR w latach 1939-1989.

co do zasady nie można ich było jednak utożsamiać z przykładowymi dziełami socrealizmu, ale poglądy polityczne ich autorów umożliwiały publikowanie takich dzieł tłumaczom i redaktorom. W związku z tym pamiętniki L. Ospovata, który napisał pierwszą książkę w języku rosyjskim o pracy Nerudy, są bardzo pouczające: „Na pytanie, czy można go nazwać socrealistą, chilijski poeta uśmiechnął się i powiedział ze zrozumieniem:„ Jeśli naprawdę potrzebujesz tego, to możesz.

Jeśli w latach 30. i 40. ukazało się tylko kilka publikacji, to w latach 50. ukazało się ponad 10 książek pisarzy latynoamerykańskich, a potem liczba ta wzrosła.

Większość publikacji, które powstały w czasach sowieckich, wyróżnia się wysokiej jakości przygotowaniem. W odniesieniu do literatury latynoamerykańskiej jest to ważne z dwóch powodów. Po pierwsze, trzeba skomentować realia Ameryki Łacińskiej, nieznane, a przez to niezrozumiałe dla sowieckiego czytelnika. Po drugie, kulturę latynoamerykańską jako całość charakteryzuje koncepcja „transkulturacji” zaproponowana przez kubańskiego antropologa Fernando Ortiza, „… co nie oznacza asymilacji jednej kultury przez inną ani wprowadzenia obcych elementów do jednej z je od innej, ale pojawienie się w wyniku interakcji kulturowej nowej kultury”. W praktyce oznacza to, że każdy autor latynoamerykański zwraca się w swojej twórczości ku światowemu dziedzictwu kulturowemu: dziełu europejskich pisarzy i filozofów, światowej epopei, dogmatom religijnym, na nowo je przemyśleć i stworzyć swój własny świat. Te odniesienia do różnych dzieł wymagają komentarza intertekstualnego.

O ile w publikacjach naukowych ważny jest komentarz intertekstualny, to prawdziwy komentarz jest niezbędną potrzebą każdej publikacji masowej. Niekoniecznie muszą to być notatki, artykuł wprowadzający może również przygotować czytelników do zapoznania się z pracą.

Publikacje sowieckie można zarzucić, że są zbyt ideologiczne, ale zostały wykonane bardzo profesjonalnie. W przygotowaniu książek brali udział znani tłumacze i krytycy literaccy, pasjonujący się tym, co robili, więc większość przekładów dokonanych w czasach sowieckich, choć niedoskonałych, pod wieloma względami przewyższa te późniejsze. To samo dotyczy

uwagi. Nad wydaniami autorów latynoamerykańskich pracowali tak znani tłumacze, jak E. Braginskaya, M. Bylinkina, B. Dubin, V. Stolbov, I. Terteryan, V. Kuteishchikova, L. Sinyanskaya i inni.

Dzieła ponad trzydziestu pisarzy latynoamerykańskich zostały przetłumaczone na język rosyjski i opublikowane w oddzielnych wydaniach. Większość autorów reprezentowana jest przez dwie lub trzy książki, np. Augusto Roa Bastos, autor słynnej powieści antydyktatorskiej I, Najwyższy, wydał w Związku Radzieckim tylko dwie książki: Syn człowieczy (M., 1967). ) i ja Najwyższy” (M., 1980). Są jednak autorzy, którzy publikują do dziś, na przykład pierwsza książka Jorge Amado ukazała się w 1951 roku, a ostatnia w 2011. Jego prace ukazywały się od sześćdziesięciu lat bez większych przerw. Ale takich autorów jest niewielu: Miguel Angel Asturias był publikowany w ZSRR i Rosji w latach 1958-2003, Mario Vargas Llosa w latach 1965-2011, Alejo Carpentier w latach 1968-2000, Gabriel Garcia Marquez w latach 1971-2012, Julio Cortazar w latach 1971- 2011, Carlos Fuentes w latach 1974-2011, Jorge Luis Borges w latach 1984-2011, Bioy Casares w latach 1987-2010.

Zasada doboru autorów jest często niejasna. Przede wszystkim oczywiście opublikowano pisarzy „boomu”, ale jak dotąd nie wszystkie ich dzieła zostały przetłumaczone, a nawet daleko od wszystkich autorów. I tak Luis Harss Into mainstream, rozmowy z pisarzami latynoamerykańskimi, uważane za pierwsze dzieło, które ukształtowało samą koncepcję „boomu” literatury latynoamerykańskiej, obejmuje dziesięciu autorów. Dziewięć z nich zostało przetłumaczonych na język rosyjski i opublikowanych, natomiast prace Juana Guimarãesa Rosy pozostają nieprzetłumaczone na język rosyjski.

Sam „boom” miał miejsce w latach 60., natomiast publikacje pisarzy latynoamerykańskich w ZSRR, jak już wspomniano, zaczęły pojawiać się znacznie wcześniej. „Nową” powieść poprzedził długi rozwój. Już w pierwszej połowie XX wieku. pracował tak czcigodnych pisarzy jak Jorge Luis Borges, Jorge Amado, przewidując „boom”. Więcej oczywiście publikują pisarze XX wieku, ale nie tylko. Tak więc w 1964 roku wiersze brazylijskiego poety z XVIII wieku zostały przetłumaczone na język rosyjski i opublikowane. Tomasz Antoni Gonzaga.

inne nagrody mu przyznane. Wśród pisarzy latynoamerykańskich jest sześciu laureatów Nagrody Nobla: Gabriela Mistral (1945), Miguel Angel Asturias Rosales (1967), Pablo Neruda (1971), Gabriel Garcia Marquez (1982), Octavio Paz (1990), Mario Vargas Llosa (2010). ). Wszystkie są przetłumaczone na język rosyjski. Jednak twórczość Gabrieli Mistral reprezentują tylko dwie książki, Octavio Paz wydał cztery z nich. Można to wyjaśnić przede wszystkim tym, że poezja hiszpańskojęzyczna jest w Rosji ogólnie mniej popularna niż proza.

W latach 80. zaczęli pojawiać się autorzy zakazani dotychczas, którzy nie podzielali poglądów komunistycznych. W 1984 ukazuje się pierwsze wydanie Jorge Luis Borges.

Jeśli do lat 90. liczba publikacji pisarzy latynoamerykańskich systematycznie rosła (w latach 80. ukazało się ponad 50 książek), to w latach 90. nastąpił zauważalny spadek wszystkiego: liczba publikacji gwałtownie spadła, nakłady spadły, wydajność druku książek pogorszyła się. W pierwszej połowie lat 90. znane ZSRR nakłady 50, 100 tys. były jeszcze możliwe, w drugiej połowie 5, 10 tys. nakładów i tak jest do dziś.

W latach 90. następuje ostra ocena wartości: pozostało tylko kilku autorów, którzy nadal bardzo aktywnie publikują. Pojawiają się zebrane prace Marqueza, Cortazara, Borgesa. Pierwsze dzieła zebrane Borgesa, wydane w 1994 roku (Ryga: Polaris), wyróżniają się dość wysokim poziomem przygotowania: obejmowały wszystkie ówczesne tłumaczenia opatrzone szczegółowym komentarzem.

W okresie od 1991 do 1998 ukazało się tylko 19 książek i tyle samo w 1999 roku. Rok 1999 był zwiastunem 2000 roku, kiedy nastąpił bezprecedensowy wzrost liczby publikacji: w okresie od 2000 do 2009 roku. Opublikowano ponad 200 książek autorów latynoamerykańskich. Całkowity nakład był jednak nieporównywalnie mniejszy niż w latach 80., gdyż średni nakład w latach 2000. wynosił pięć tysięcy egzemplarzy.

Stałymi faworytami są Marquez i Cortazar. Dzieło, które zostało opublikowane w Rosji bardziej niż jakiekolwiek inne dzieło autora z Ameryki Łacińskiej, to bez wątpienia Sto lat samotności. Borges i Vargas Llosa nadal dość aktywnie publikują. Popularność wg

To ostatnie ułatwiło otrzymanie Nagrody Nobla w 2010 r.: w 2011 r. od razu opublikowano 5 jego książek.

Edycje z początku XXI wieku. wyróżnia się minimum przygotowania: z reguły w książkach nie ma artykułów wprowadzających ani komentarzy - wydawcy wolą wydawać tekst „nagi”, pozbawiony aparatu towarzyszącego. Wynika to z chęci obniżenia kosztów publikacji i skrócenia czasu jej przygotowania. Kolejną innowacją jest publikowanie tych samych książek w różnych wzorach – w różnych seriach. W efekcie pojawia się złudzenie wyboru: na półce w księgarni jest kilka wydań The Classics Game, ale w rzeczywistości okazuje się, że to to samo tłumaczenie, ten sam tekst bez artykułu wprowadzającego i bez komentarzy. Można powiedzieć, że duże wydawnictwa (AST, Eksmo) używają nazw i tytułów znanych czytelnikom jako marki i nie dbają o szersze zapoznanie się czytelników z literaturą Ameryki Łacińskiej.

Kolejnym tematem, który należy poruszyć, jest kilkuletnie opóźnienie w publikacji prac. Początkowo wielu pisarzy zaczęło publikować w ZSRR, kiedy zdobyli już światową sławę. Tak więc „Sto lat samotności” zostało opublikowane w Argentynie w 1967, w ZSRR w 1971 i była to pierwsza książka Marqueza w Rosji. Takie opóźnienie jest typowe dla publikacji wszystkich Latynosów, ale dla ZSRR było to normalne i tłumaczyło się złożoną organizacją wydawania książek. Jednak znacznie później, nawet gdy pisarze byli dobrze znani w Rosji i tworzyli nowe dzieła, nastąpiło opóźnienie w publikacji: tak więc ostatnia powieść Cortazara, Pożegnanie Robinsona, została napisana w 1995 roku, ale w Rosji ukazała się dopiero w 2001 roku.

W tym samym czasie ostatnia powieść Marqueza „Remembering My Sad Whores”, opublikowana po hiszpańsku w 2004 roku, ukazała się w Rosji rok później - w 2005 roku. To samo stało się z powieścią Vargasa Llosy „The Adventures of a Bad Girl”, ukończoną w 2006 r. i wydana w Rosji już w 2007 r. Jednak powieść tego samego autora „Raj na drugim rogu”, napisana w 2003 r., nigdy nie została przetłumaczona. Zainteresowanie wydawców dziełami przesiąkniętymi erotyzmem tłumaczy się próbą zgorszenia twórczości pisarzy, przyciągnięcia uwagi nieprzygotowanych czytelników. Często takie podejście prowadzi do uproszczenia problemu, nieprawidłowej prezentacji prac.

O tym, że zainteresowanie literaturą latynoamerykańską utrzymuje się nawet bez sztucznego podgrzewania ze strony wydawców, świadczy pojawienie się książek autorów niepublikowanych w ZSRR. To na przykład pisarz z początku XX wieku. Leopoldo Lugones; dwóch autorów, którzy przewidywali pojawienie się „nowej” powieści latynoamerykańskiej – Juan José Arreola i Juan Rulfo; poeta Octavio Paz i prozaik Ernesto Sabato - autorzy połowy XX wieku. Książki te były również publikowane przez wydawnictwa, które okresowo publikowały literaturę latynoamerykańską (Amphora, ABC, Symposium, Terra Book Club) oraz przez te, które nigdy wcześniej nie interesowały się pisarzami latynoamerykańskimi (Makhaon), Don Kichot, Wydawnictwo Ivan Limbach Dom).

Dziś literatura Ameryki Łacińskiej reprezentowana jest w Rosji przez prozaików (Mario Vargas Llosa, Ernesto Sabato, Juan Rulfo), poetów (Gabriela Mistral, Octavio Paz, Leopoldo Lugones), dramaturgów (Emilio Carballido, Julio Cortazar). Zdecydowana większość to autorzy hiszpańskojęzyczni. Jedynym aktywnie publikowanym autorem mówiącym po portugalsku jest Jorge Amado.

Pierwsze publikacje autorów latynoamerykańskich w ZSRR były spowodowane względami ideologicznymi – lojalnością pisarzy wobec władz komunistycznych, ale dzięki temu czytelnicy radzieccy odkryli świat literatury latynoamerykańskiej i zakochali się w nim, co potwierdza m.in. fakt, że Latynosi nadal są aktywnie drukowane we współczesnej Rosji.

W latach sowieckich powstały najlepsze tłumaczenia i komentarze do dzieł latynoamerykańskich, z pierestrojką znacznie mniej uwagi zaczęto przykładać do przygotowania publikacji. Wydawnictwa stanęły przed nowym problemem zarabiania pieniędzy, w związku z czym całkowicie zmieniło się podejście do wydawania książek, w tym zmiany w wydawaniu literatury latynoamerykańskiej: zaczęto preferować publikacje masowe przy minimalnym przygotowaniu.

Dziś wydania drukowane konkurują z coraz bardziej popularnymi e-bookami. Tekst niemal każdej publikowanej pracy można pobrać za darmo z Internetu, więc jest mało prawdopodobne, aby wydawcy mogli istnieć bez zmiany strategii przygotowywania książek. Jednym ze sposobów jest poprawa wydajności drukowania, wydanie drogich ekskluzywnych edycji. Więc,

na przykład wydawnictwo Vita Nova wydało w 2011 roku luksusową, oprawioną w skórę, luksusową edycję Sto lat samotności Gabriela Marqueza. Innym sposobem jest tworzenie wysokiej jakości publikacji o szczegółowej, dogodnej strukturze

Literatura obca XX wieku. 1940-1990: podręcznik Loshakov Alexander Gennadievich

Temat 9 Fenomen „nowej” prozy latynoamerykańskiej

Fenomen „nowej” prozy latynoamerykańskiej