Podsumowanie lekcji na temat „maski teatralne”. Praca badawcza z prezentacją „Historia maski teatralnej” Dlaczego aktorowi potrzebna jest maska ​​w teatrze

Chyba nie ma na świecie teatru, w którym główne godło teatru – maski – nie byłoby przedstawione w sali w formie płaskorzeźby lub w innej formie. Teatralne symbole komedii i tragedii są wyrazem istoty tej spektakularnej instytucji.

Starożytne muzy greckie

Aby odpowiedzieć na pytanie, dlaczego tak się stało, należy sięgnąć do początków cywilizacji europejskiej - kultury starożytnej Grecji, w której sam dramat pojawił się jeszcze przed naszą erą, jej główne gałęzie - tragedia i komedia, ich muza patrona (Melpomene i Thalia), a symbole rusztowania, które pozostały przez wieki, to maski. Atrybuty teatralne, które z czasem stały się emblematem. Wszystko zaczęło się, jak zwykle, od starożytnych mitów greckich. Dziewięć córek Zeusa i Mnemosyne (Tytanidy, córki Urana i Gai), uosabiające pamięć, zostało patronami nauki i sztuki. Każda z nich miała swój wizerunek, odpowiadający obszarowi, którym opiekowała się i nadzorowała.

Od niepamiętnych czasów

Melpomenę i Thalia, patronkę spektakli teatralnych, od czasów starożytnych przedstawiano jako kobiety trzymające w rękach maski. Symbole teatralne stopniowo nabrały niezależnego życia i zaczęły personifikować scenę. Ale pochodzenie tych atrybutów sięga starożytności. Na przykład żyjący w IV wieku p.n.e. wychowawca Aleksandra Wielkiego Arystoteles zaświadcza, że ​​już za jego czasów historia używania masek na arenie teatralnej zaginęła w odwiecznej głębi czasu. I nie jest to zaskakujące. Rzeczywiście, w starożytności wszystkie akcje teatralne odbywały się na placach i arenach. Zebrało się mnóstwo ludzi, a żeby zobaczyć charakter postaci w ostatnich rzędach, żeby w ogóle usłyszeć, o czym mówiono, aktorzy zaczęli używać masek. Żywo pomalowane, wyrażające radość lub złość, zamiast ust miały róg, który wzmacniał dźwięk.

Różnorodność masek

Nie sposób wyobrazić sobie starożytnej akcji bez maski. Atrybuty teatralne były warunkiem koniecznym i głównym przedstawienia. I oczywiście było ich wielu - były maski męskie i kobiece, bohaterowie i złoczyńcy, starcy, młodzi ludzie i dzieci, bogowie i inne istoty wyższego rzędu. Maski przedstawiały smutek i radość. Stopniowo, wraz z pojawieniem się budynków teatralnych ze sceną i pewną akustyką, znika potrzeba maski, ale służąc od tysiącleci spektaklom teatralnym, pozostaje symbolem tej formy sztuki. Dwie maski – komedia i tragedia – reprezentują teatr w ogóle, a ponadto symbolizują jego starożytność. Obaj mają otwarte usta, chociaż nie ma tam wzmacniaczy. W Thalii, symbolu komedii, kąciki ust są uniesione, w Melpomene żałośnie opuszczone. Każda osoba zna maski teatralne. Poniższe zdjęcia przedstawiają najczęstsze wizerunki duetu.

Przenoszony przez wieki

Ogólnie rzecz biorąc, rola masek w życiu człowieka jest bardzo wysoka. Nigdy nie wypadły z użycia, nawet gdy były zakazane przez prawo (rewolucja francuska). Od zawsze istniały rytualne, karnawałowe maski. Możemy o nich mówić bardzo długo, jeśli pamiętamy Wenecję. W naszych czasach demonstracje protestacyjne we wszystkich krajach świata rzadko obywają się bez masek, uosabiających tę lub inną postać polityczną. Maska stała się symbolem tajemnicy. Co dało początek wielu wyrażeniom tym słowem, sugerującym tajemnicę, nieszczerość, tajemnicę. Jest nieskończenie wiele masek. Szczególne miejsce wśród ogólnej liczby zajmują różnorodne maski teatralne. Zdjęcia niektórych można zobaczyć poniżej.

Złoto na najwyższym poziomie

Specjalne miejsce zostało przydzielone złotej masce. Złoto zawsze symbolizowało najwyższy stopień wszystkiego, czy to medal, czy kula kolejowa.

To symbol pomyślnego zakończenia czegoś dużego i ważnego. Nic dziwnego, że wraz ze złotą wenecką maską, uosabiającą najwyższy stopień społecznego sukcesu, pojawiła się też teatralna złota maska, symbolizująca szczyt aktorstwa i reżyserii. W 1994 roku rosyjska świątynia Melpomene nabyła własny festiwal teatralny o dość wysokim standardzie, ponieważ założycielami było Ministerstwo Kultury Federacji Rosyjskiej i rząd moskiewski, a od 2002 roku Sbierbank Rosji został generalnym sponsorem dorocznego Festiwal Złotej Maski. Prezesem stowarzyszenia o tej samej nazwie jest od wielu lat Georgy Taratorkin. Festiwal poprzedza rygorystyczny i profesjonalny dobór spektakli, dokonywany przez cały rok przez rady eksperckie, w skład których wchodzą wybitni i wybitni choreografowie, dyrygenci, reżyserzy i aktorzy.

Rozpoznawanie rówieśników

Ogólnorosyjski festiwal odbywa się wiosną i kończy kolorową, piękną ceremonią wręczenia nagród, której symbolem jest wizerunek złotej maski, którą zaprojektował i wykonał własnoręcznie artysta Oleg Sheintsis.

Nagroda teatralna „Złota Maska” przewidziana jest w kilku nominacjach. Ma znak wysokiej jakości: Michaił Uljanow powiedział, że nagrodę przyznają profesjonaliści profesjonalistom. Nie można go uzyskać za pieniądze ani przez znajomość. Ma wysoki status - Narodową Nagrodę Teatralną, ufundowaną przez tak poważną organizację jak Związek Pracowników Teatru. Nagroda nie ma ekwiwalentu pieniężnego, jej główną zaletą jest uznanie talentów i osiągnięć przez współpracowników.

Maski dla dzieci

Dzieci mają swoje hobby i nagrody, które istnieją równolegle ze światem dorosłych - teatry dla dzieci, świąteczne kolorowe karnawały, przedstawienia szkolne. Wszystko to często wymaga dziecięcych masek teatralnych. A tu już jest, gdzie mogą wędrować fantazje: bajki, filmy animowane - wszystko jest na usługach dzieci. Możesz zrobić maskę Ilyi Muromets lub Shreka, dowolnego zwierzęcia, w tym bajecznego, lub Barbie Muszkieter. Ponadto szkice masek na każdy gust są dostępne dla każdego.

E. Sperański

Dla tych, którzy lubią sztukę dramatyczną, angażują się w kółka teatralne, warto zrozumieć ten problem. A może, po zrozumieniu tego, niektórzy z Was będą chcieli „zaadoptować” te bardzo ciekawe techniki aktorskie: granie w masce i bez wcześniej wyuczonego tekstu. Ale to nie jest łatwa sprawa. Aby było jaśniejsze, o czym mówimy, zaczniemy od najprostszego: z prostą czarną maską ...

PROSTA CZARNA MASKA

Znasz oczywiście tę kępkę czarnego materiału, która zakrywa górną połowę twarzy. Ma jedną magiczną właściwość: zakładając ją na twarz, konkretna osoba o podanym imieniu i nazwisku chwilowo… znika. Tak, zamienia się niejako w niewidzialność, w osobę bez twarzy, staje się „nieznaną osobą”.
Prosta czarna maska... Uczestnik karnawałów, festiwali, kojarzy się ze świętami, z muzyką, tańcem, serpentynami. Ludzie od dawna domyślali się jego magicznych właściwości. W masce możesz spotkać się ze swoim wrogiem i odkryć przed nim ważny sekret. W masce możesz powiedzieć swojemu przyjacielowi to, czego czasami nie możesz powiedzieć z otwartą twarzą. Zawsze jest w niej coś tajemniczego, zagadkowego. "Ona milczy - tajemnicza, będzie mówić - taka słodka..." - mówi o niej w "Maskaradzie" Lermontowa.
W starym, przedrewolucyjnym cyrku CZARNA MASKA wychodziła na arenę i kładła wszystkich zapaśników na łopatki jeden po drugim.

TYLKO DZISIAJ!!!

WALKI Z CZARNĄ MASKĄ! W PRZYPADKU PORAŻKI CZARNA MASKA OTWIERA TWARZ I DEKLEJUJE SWOJĄ NAZWĘ!
Właściciel cyrku wiedział, kto ukrywa się pod czarną maską. Czasami był najbardziej bezużytecznym wojownikiem, cierpiąc na otyłość serca i duszność. A cała walka była kompletnym oszustwem. Ale publiczność wylała drzewko na tajemniczą Czarną Maskę.
Ale nie zawsze prosta czarna maska ​​kojarzyła się z balami, maskaradami i klasycznymi zapasami na arenie cyrkowej. Uczestniczyła także w bardziej niebezpiecznych przedsięwzięciach: ukrywali się pod nią wszelkiego rodzaju poszukiwacze przygód, bandyci, wynajęci zabójcy. Czarna maska ​​uczestniczyła w intrygach pałacowych, spiskach politycznych, przeprowadzała przewroty pałacowe, zatrzymywała pociągi i rabowała banki.
A jego magiczna właściwość zmieniła się tragicznie: polała się krew, błysnęły sztylety, rozległy się strzały ...
Widzisz, co ten kawałek materii, zakrywający górną połowę twarzy, kiedyś oznaczał. Ale najciekawsze jest to, że nie będziemy o nim rozmawiać. W końcu zaczęliśmy rozmawiać o „Teatrze masek”. Tak więc, w przeciwieństwie do prostej czarnej maski, istnieje inny rodzaj maski. Nazwijmy to TEATREM. I ma jeszcze silniejszą magiczną właściwość niż zwykła czarna maska ​​...

MASKA TEATRALNA

Jaka jest różnica między maską teatralną a prostą czarną maską?
Ale co: czarna maska ​​niczego nie przedstawia, tylko zamienia osobę w niewidzialność. A maska ​​teatralna zawsze coś przedstawia, zamienia osobę w inną istotę.
Mężczyzna założył maskę założył maskę Lisa - i zamienił się w przebiegłą bestię z bajki dziadka Kryłowa. Założył maskę Buratino - i zamienił się w bajeczny obraz drewnianego człowieka z opowieści A. Tołstoja ... I to oczywiście jest znacznie silniejsza i ciekawsza magiczna właściwość niż zdolność prostej czarnej maski do wykonania osoba niewidzialna. A ludzie od dawna domyślali się tej właściwości maski teatralnej i używali jej od dawna.

MASKI TEATRALNE W STAROŻYTNOŚCI

Oczywiście byłeś w cyrku. Wyobraźcie sobie więc salę cyrkową, ale tylko wielokrotnie większą i w dodatku bez dachu. A ławki nie są drewniane, ale wyrzeźbione z kamienia. Będzie to amfiteatr, czyli miejsce, w którym odbywały się przedstawienia teatralne starożytnych Greków i Rzymian. Takie amfiteatry mieściły niekiedy nawet 40 tysięcy widzów. A słynny rzymski amfiteatr Koloseum, którego ruiny można jeszcze zobaczyć w Rzymie, został zaprojektowany dla 50 tysięcy widzów. Spróbuj więc zagrać w teatrze, w którym widzowie z tylnego rzędu nie zobaczą Twojej twarzy i nie usłyszą nawet Twojego głosu...
By być lepiej widocznym ówcześni aktorzy wstali na koturny - specjalny rodzaj trybuny - i założyli maski. Były to duże, ciężkie maski wykonane z drewna, coś w rodzaju skafandrów do nurkowania. I przedstawiali różne ludzkie uczucia: gniew, żal, radość, rozpacz. Taka maska, jaskrawo zabarwiona, była widoczna z bardzo dużej odległości. Aby aktor był słyszalny, usta maski zostały wykonane w formie małego rogu-rezonatora. Słynne tragedie Ajschylosa, Sofoklesa, Eurypidesa odgrywano w TRAGICZNYCH maskach. Komedie Arystofanesa i Plauta, nie mniej znane, grano w maskach KOMIKSU.

Czasem podczas przedstawienia aktorzy zmieniali maski. W jednej scenie aktor grał w masce ROZPACZA, a potem wyszedł, aw kolejnej scenie pojawił się w masce Gniewu lub GŁĘBOKIEJ MYŚLI.
Ale ty i ja nie potrzebujemy już tego rodzaju masek przedstawiających zamrożone ludzkie uczucia. Nie potrzebujemy rezonatorów i kociąt, choć aktorzy teatru lalek wciąż używają koziołków, by dopasować swój wzrost do lalkowego ekranu. Nie potrzebujemy tego wszystkiego, bo nie zamierzamy wskrzesić teatru starożytnej Grecji i Rzymu i grać dla czterdziestu czy pięćdziesięciu tysięcy widzów. Nie interesują nas maski grozy czy gromkiego śmiechu, ale maski-postacie, maski-obrazy. Dlatego też unikniemy masek, które zbyt ostro i żywo przedstawiają wszelkie uczucia, na przykład maski uśmiechu i płaczu; wręcz przeciwnie, postaramy się nadać naszym maskom neutralny wyraz, aby można było w nich odtwarzać różne stany ludzkiej duszy. I wtedy widzom wyda się, że nasze maski albo się uśmiechają, to płaczą, to marszczą brwi, to są zdziwione – gdyby tylko prawdziwe oczy aktora błyszczały spod maski…

TEATRALNE MASKI KLOWNÓW I AKTORÓW

Znalezienie własnej maski jest uważane za wielki sukces wśród cyrkowych klaunów i aktorów. Pomyślnie znaleziona maska ​​czasami zmienia całe życie aktora, czyni go światową sławą, przynosi mu sławę.
Ale znalezienie maski nie jest tak łatwe, jak się wydaje. Przede wszystkim konieczne jest, aby wszystkie wewnętrzne i zewnętrzne cechy aktora pokrywały się z obrazem, który przedstawia maska. A najtrudniejsze jest odgadnięcie samego obrazu, zagranie takiej osoby, takiej postaci, która przypominałaby wiele osób naraz, wcielałaby się w więcej niż jedną postać, ale zbierałaby indywidualne cechy charakterystyczne wielu, to znaczy w innymi słowy, aby wizerunek maski był zbiorowy lub typowy, a ponadto koniecznie nowoczesny. Dopiero wtedy ta maska ​​będzie rezonować w dużej liczbie widzów, stanie się bliską, ukochaną maską, nad którą ludzie będą się śmiać lub płakać. Ale takie szczęście zdarza się rzadko, może raz na sto lub dwieście lat.
Stało się to ze słynnym aktorem Charliem Chaplinem. Znalazł swoją maskę, która zaczęła przechodzić z filmu do filmu: czarne wąsy, lekko uniesione brwi, jakby w zdziwieniu, melonik na głowie, laska w dłoniach… I ogromne buty, które nie były wysokie . Czasem zmieniały się poszczególne detale stroju: np. na głowie zamiast melonika pojawił się słomkowy kapelusz, ale sama maska ​​pozostawała zawsze taka sama. To prawda, jeśli mamy być pewni, że nie była to maska, ale własna twarz Chaplina z przyklejonymi wąsami. Ale żywa ludzka twarz może czasami stać się maską, jeśli zamarznie lub stanie się nieaktywna, jeśli zawsze gra na niej ten sam uśmiech lub grymas.
Kolejny taki przykład maski na twarz. Słynny aktor filmowy Buster Keaton nigdy się nie uśmiechał… Bez względu na to, czego doświadczył, bez względu na to, w jakich zabawnych pozycjach się znalazł, zawsze patrzył poważnie, a publiczność „ryczała” z zachwytu, umierając ze śmiechu. Jego „strasznie” poważna twarz stała się jego maską. Ale oto, co jest interesujące: maska ​​Bustera Keatona została zapomniana, a maska ​​Chaplina nadal żyje. A to dlatego, że Chaplin znalazł dla swojej maski typowy obraz, który jest bliski każdemu widzowi, obraz zabawnego małego człowieka, który nigdy się nie zniechęca, mimo że życie bije go na każdym kroku. A Buster Keaton zagrał po prostu osobną postać nigdy nie uśmiechającej się osoby. Obraz Chaplina był szerszy, bardziej typowy.
Ale nie mówię tego wszystkiego, abyś od razu pospieszył szukać swojej maski. Nie, niech lepiej, żeby w tę trudną sprawę zaangażowani byli profesjonalni aktorzy! Oczywiście to, co zdarza się raz na sto lub dwieście lat, może przydarzyć się niektórym z was. Ale kiedy jesteś w szkole, zajmujesz się sztuką teatralną, ponieważ kochasz teatr, a nie dlatego, że chcesz zostać światowymi gwiazdami. Nawet marzenie o tym jest dość głupim zajęciem, bo sława zwykle przychodzi do tych, którzy w ogóle o tym nie myślą. I odwrotnie, ten, kto o tym myśli, często staje się porażką. Nie, ty i ja mamy skromniejsze intencje. I dlatego nie mówimy o masce, dla której trzeba jeszcze wymyślić postać, obraz, mówimy o masce, która przedstawia już istniejącą postać znaną widzom, zaczerpniętą z życia lub z literatury. Ale oprócz masek chcieliśmy też dowiedzieć się, czym jest improwizacja… Dlatego zdecydowanie musimy zapoznać się z włoskim „Teatrem Masek”, w którym występowały zarówno maski, jak i improwizacja.

WŁOSKA „COMEDIA DEL ARTE” LUB „KOMEDIA MASKI”

Włoska „Komedia masek” lub, jak to się nazywa, „Commedia dell'arte”, powstała w odległej przeszłości. Ale jego prawdziwy rozkwit miał miejsce w XVII wieku. Wtedy w trupach komedii dell'arte zaczęli pojawiać się słynni aktorzy-ulubienicy ludu, a występy masek wyparły wszystkie inne przedstawienia teatralne.
Czym były te maski? W końcu wiemy już, że teatralna maska ​​zawsze przedstawia kogoś. Oto kilka masek komedii dell'arte:
1. PANTALONE to kupiec wenecki. Chciwy, głupi staruszek, zawsze znajduje się w zabawnej sytuacji. Okradają go, oszukują, a on głupio idzie na każdy wiec. Jego maska ​​to sowy nos, wystający wąsik, mała broda i portfel z pieniędzmi na pasku.
2. DOKTOR - satyra na uczonego prawnika, sędziego. Gadał i dłutomistrz. W czarnej półmasce, czarnej szacie, kapeluszu z szerokim rondem.
3. KAPITAN - karykatura wojskowego poszukiwacza przygód, przechwałki i tchórza. Strój hiszpański: krótki płaszcz, szerokie spodnie, kapelusz z piórkiem. Mówi z hiszpańskim akcentem.
Już po tych trzech maskach można zrozumieć, jak wyglądała włoska komedia del arte. Była to kolekcja masek przedstawiających różnych przedstawicieli ówczesnego społeczeństwa włoskiego. Co więcej, wszystkie zostały wyeksponowane w zabawny sposób, to znaczy były to maski satyryczne. Prości ludzie chcieli śmiać się w teatrze z tych, którzy za życia przysporzyli mu wiele żalu: kupiec wzbogacił się jego kosztem, uczony prawnik zabrał go do więzienia, a „kapitan” okradł i zgwałcił. (W tamtych czasach Włochy były okupowane przez Hiszpanów, więc „kapitan” nosił hiszpański kostium i mówił z hiszpańskim akcentem.) Wśród masek komedii dell'arte były dwie maski służących, czyli jak to było wtedy zwana ZANNI: były to maski komiksowe przedstawiające sprytnego Jacka wszystkich zawodów, lokaja i wiejskiego chłopca. To byli już prawdziwi klauni, zabawiający publiczność na pokazach bocznych. Zanni nazywano inaczej: Brighella, Arlequin, Pinokio, Pulcinella. Razem z nimi grały sługi: Smeraldina, Columbine.
Te obrazy masek stały się znane na całym świecie. Ich nazwiska brzmiały ze sceny teatrów, pisali o nich poeci, malowali je artyści. Znasz niektóre z nich. Pamiętasz Pinokia? A pamiętasz, co widzi na scenie teatru lalek? Ten sam Pierrot, Columbine, Arlequin.
Oprócz masek komedia dell'arte wyróżniała się jeszcze jedną bardzo ciekawą właściwością: jej aktorzy nie uczyli się ról, ale w przedstawieniach wypowiadali własne słowa, te, które przyszły im do głowy w momencie akcji. Improwizowały.

CZYM JEST IMPROWIZACJA

Chwile improwizacji spotykamy w życiu na każdym kroku: przemówienie wygłoszone na zasadzie improwizacji; bez przygotowania, dowcip opowiedziany miejscu... Nawet gdy uczeń przy tablicy tłumaczy nabytą lekcję własnymi słowami lub rozwiązuje twierdzenie, jest to też rodzaj improwizacji...
Tak improwizują włoscy aktorzy komedii dell'arte. Nie mieli ról, a raczej tekstu ról. Autorzy pisali dla nich nie sztuki, podzielone na dialogi i monologi, ale scenariusze, w których jedynie nakreślali, co aktor powinien zrobić i powiedzieć podczas spektaklu. A sam aktor musiał wymówić słowa, które podpowiedziała mu jego fantazja i wyobraźnia.
Niektórzy z was mogą być zachwyceni. To dobrze! Więc nie musisz uczyć się tekstu, ćwiczyć, ale od razu idź i odegraj swoją rolę własnymi słowami?!
To nieprawda! ..

O TRUDNEJ SZTUCE IMPROWIZACJI

Tak, to kusząca, ekscytująca, ale wymagająca sztuka. Wymaga od aktora wykorzystania wszystkich swoich zdolności, pamięci, fantazji, wyobraźni. Wymaga dokładnej znajomości scenariusza, czyli tego, co masz do powiedzenia i zrobienia na scenie. "Ex nihil - nihil est" - wśród starożytnych Rzymian istniało takie przysłowie: "Nic nie powstaje z niczego".
Jeśli więc chcesz zacząć improwizować „bez niczego”, nic ci się nie uda. Możesz to łatwo sprawdzić. Weźmy jakąkolwiek historię A. P. Czechowa, powiedzmy „Kameleon” lub „Chirurgia”, albo historię jakiegoś współczesnego autora i spróbujcie ją odtworzyć w formie sceny, na twarzach, własnymi słowami, czyli improwizując. A zobaczysz, jakie to trudne. Staniesz z otwartymi ustami i czekasz, aż ktoś ci powie...
A co podpowiedzieć? W końcu twoja rola nie ma słów, autor nie napisał osobnych wierszy dla każdej postaci, jak to ma miejsce w sztukach ... Musisz więc upewnić się, że same słowa rodzą się w twojej głowie i łatwo opuszczają język.
Oznacza to, że musisz bardzo dobrze znać obraz, który grasz: jego charakter, chód, sposób mówienia, co robi w tej scenie, czego chce i w jakim jest stanie. A potem musisz dobrze poznać swojego partnera, umieć się z nim komunikować, słuchać go i odpowiadać. A kiedy już wiesz to wszystko, musisz wielokrotnie przymierzać swój szkic, starać się grać tak i tak, czyli w skrócie trzeba popracować, ćwiczyć ...
I muszę wam powiedzieć, że aktorzy-improwizatorzy włoskiej „Komedii masek” pracowali jak zwierzęta, przygotowując się do wyjścia na scenę: ćwiczyli, wymyślali różne sztuczki, wymyślali zabawne kwestie. Oczywiście ułatwiał im to fakt, że grali w maskach, a maski były dobrze znanymi obrazami teatralnymi, które przechodziły od spektaklu do spektaklu. A jednak pracowali nie mniej niż aktorzy grający tekst autora. Ale każda praca jest ostatecznie nagradzana i satysfakcjonująca. A Ty oczywiście również poczujesz radość, gdy pewnego dnia, na jednej z prób, nagle zdasz sobie sprawę, że możesz swobodnie i odważnie mówić własnymi słowami w imieniu swojej roli.
Będzie to oznaczało, że opanowałeś sztukę improwizacji.

CO I JAK GRAĆ W MASKI, IMPROWIZACJA!

Otóż ​​poznaliśmy dwie ciekawe techniki aktorskie: z teatrem masek i sztuką improwizacji. A wiemy już, że te dwie techniki aktorskie połączyły się kiedyś w genialnej sztuce komedii dell'arte. Teraz pozostaje nam zastanowić się, jak „zaadoptować” tę sztukę, by wykorzystać ją, powiedzmy, w klubie teatralnym.
Niektórzy mogą wątpić: żywa ludzka twarz jest lepsza niż nieruchoma maska, a dobry autor jest lepszy niż „swoje własne słowa”, ad-libbing improwizatorów. Czy więc warto wskrzesić te przestarzałe techniki komedii dell'arte?
Ale przede wszystkim nigdy się nie zestarzały. Dopóki ludzie nie zapomną, jak żartować, śmiać się, fantazjować, improwizacja też będzie żyła. Po drugie, mówiąc o maskach i improwizacji, wcale nie chcemy znieść żywej twarzy aktora i dobrej sztuki dobrego autora. Wręcz przeciwnie, my ich pragniemy, te różne sposoby działania: maski, improwizacja i żywa ludzka twarz wypowiadająca tekst autora - wszystko to istniało obok siebie, wzbogacało się nawzajem.
Ponieważ każda z tych technik teatralnych ma swój własny biznes. Sztuka, napisana przez autora, ma ciekawą fabułę, starannie rozwiniętą charakterystykę psychologiczną bohaterów. Oczywiście nie ma sensu grać takiego utworu za pomocą masek i improwizacji. Ale ożywić polityczną karykaturę, wystawić bajkę, wprowadzić zabawne przerywniki do dramatycznego spektaklu, żywo i dowcipnie reagować na każde wydarzenie dnia dzisiejszego, to sprawa masek-improwizatorów, a nikt nie potrafi tego lepiej niż oni. Ale jak to zrobić?.. Przecież ty i ja nie mamy jeszcze autorów, którzy piszą specjalne scenariusze dla aktorów-improwizatorów.
Oznacza to, że sami będziemy musieli wymyślać tematy i pisać scenariusze ich występów.


Bohaterowie bajek to także w istocie maski. Każde zwierzę ma swój własny charakter. Na przykład Niedźwiedź i Osioł (z Kwartetu).

Może to zrobić jeden z członków twojego klubu teatralnego, który ma do tego zdolność i chęć. Możesz też zrobić to razem, kolektywnie, co oczywiście jest o wiele przyjemniejsze.
Pamiętajmy, co mówiliśmy o teatralnej masce. Zawsze przedstawia już ugruntowaną postać, obraz znany zarówno widzom, jak i samym aktorom. W takiej masce łatwiej improwizować, bo aktorka zna już jej biografię lub, jak kto woli, jej wygląd, jej przyzwyczajenia. A pisząc scenariusze, musimy o tym pamiętać. A przede wszystkim trzeba wybrać kilka znanych nam i widzom, dawnym znajomym, obrazów scenicznych. Pomogą nam skomponować ten lub inny scenariusz. Takich starych znajomych możemy dość łatwo znaleźć zarówno w życiu, jak iw literaturze. Z dzisiejszych wiadomości może nam się ukazać obraz miłośnika zimnej wojny, stając się bohaterem szkicu politycznego, ożywionej karykatury. Obrazy mogą przyjść do ciebie z bajek Kryłowa. Przecież każdy bajkowy obraz - lis, niedźwiedź, wilk, zając - kryje w sobie jakiś występek lub brak ludzkiego charakteru. W ten sposób wizerunki leniwego studenta, łobuza czy „sykofanta” proszą o maskowanie. Pomyśl o scenariuszu, w którym działaliby znani bohaterowie literaccy lub historyczni, ale graliby na istotne tematy, które są Ci bliskie.

Rysunki O. Zotowa.

Teatralne maski

specjalne nakładki z wycięciem na oczy (przedstawiające ludzką twarz, głowę zwierzęcia, stwory fantastyczne lub mitologiczne), noszone na twarzy aktora. Wykonane z papieru, papier-mache i innych materiałów. W antycznym teatrze, gdzie przedstawienia odbywały się w ogromnych amfiteatrach na wolnym powietrzu na oczach wielotysięcznego tłumu, M. t. Zastąpił mimikę, przekazywał różne nastroje (np. na jednym profilu maski przedstawiano cierpienie, a na drugim radość ); Aby wzmocnić głos aktora, tester muzyczny został zaopatrzony od wewnątrz w metalowe rezonatory. W teatrze rzymskim M. t. Wykorzystywane były głównie w ludowych scenach improwizowanych - atellanach. W starożytnej Rosji i średniowiecznej Europie maski były używane przez bufonów i histrionów. W XVI i XVIII wieku komiczne postacie włoskiej komedii dell'arte nosiły metalowe tuniki (patrz Commedia dell'arte). W XVII wieku maski zaczęły wychodzić z użycia. Czasami M. t. jest używany we współczesnym teatrze (na przykład „Kaukaski kredowy krąg Brechta”, teatr Berliner Ensemble, NRD).

M. t. Rozpowszechnił się w tradycyjnym teatrze ludów Azji (w Indiach rozprowadzał przedstawienia ludowe i ramlila, w Indonezji teatr topeng, w Japonii teatr noo i inne). W teatrze XX wieku często zastępuje go makijaż przypominający maskę (przedstawienia kathakali w Indiach, kabuki w Japonii).

Wielka radziecka encyklopedia. - M.: radziecka encyklopedia. 1969-1978 .

Zobacz, jakie „Maski teatralne” znajdują się w innych słownikach:

Wśród starożytnych Greków i Rzymian M. służył jako najwygodniejszy sposób przekazywania przez aktorów charakteru ról. Sądząc po najnowszych odkryciach, można założyć, że M. były używane w tym samym celu od czasów starożytnych w Egipcie i Indiach, ale nie słyszeliśmy o M.

Lub, zgodnie ze starym przebraniem, hari były i są bardzo rozpowszechnione wśród najróżniejszych ludów, od prymitywnych do najbardziej kulturalnych. Aby je zbadać, z punktu widzenia etnologii i historii kultury, w ciągu ostatnich 10 15 ... ... Encyklopedia Brockhaus i Efron

- (Nagrody teatralne Rosji) nagrody przyznawane w dziedzinie sztuki teatralnej w Federacji Rosyjskiej. Rodzaje nagród Nagroda Złotej Maski. Status Narodowej Nagrody Teatralnej. Założyciel Związku Pracowników Teatru Rosji ... ... Wikipedia

Ludi scaenici. występy T. w starożytności, zarówno w Atenach, jak iw Rzymie, nie były w rękach prywatnych; byli odpowiedzialni za państwo, chociaż egzekucję w każdym indywidualnym przypadku powierzono osobom prywatnym. W Atenach spektakle tragedii i ... Prawdziwy słownik starożytności klasycznej

Lub, zgodnie ze starym „przebraniem”, „hari” było i jest bardzo rozpowszechnione wśród szerokiej gamy ludów, od prymitywnych do najbardziej kulturalnych. Aby je zbadać, z punktu widzenia etnologii i historii kultury, w ostatnim ... ... Słownik encyklopedyczny F.A. Brockhaus i I.A. Efron

Teatralne maski- Aktorzy zaangażowani w tragedie i komedie nosili T. m. Robiono je najczęściej z hola ha, który podawano za pomocą gipsu. forma, po której pomalowano maski, wykonano w nich rozcięcia na oczy i usta, a na wierzchu ... ... Słownik starożytności

ORAZ; pl. rodzaj. sok, daktyle oszustwo; F. [Francuski. maska] 1. Specjalna naszywka z wizerunkiem twarzy, pyska zwierzęcia itp. noszona na twarzy. M. Niedźwiedź. M.kat. Malowane m. M. wykonane z papieru mache. Załóż maskę. // Nakładka na ... ... słownik encyklopedyczny

I Wielka Brytania to wyspa na Oceanie Atlantyckim, należąca do grupy Wysp Brytyjskich (patrz Wyspy Brytyjskie). Zobacz Wielka Brytania (stan). II Wielka Brytania to oficjalna nazwa United ... ... Wielka radziecka encyklopedia

MASKA (od rosyjskiego do rozmazu), w mitologii słowiańskiej (patrz MITOLOGIA SŁOWIAŃSKA (podejście alternatywne)) początkowo wszystko, co nakładano na twarz (pierwotnie maski z roślin do pielęgnacji skóry twarzy lub malowane maski bogów). Później "maska" ... ... słownik encyklopedyczny

- (maska ​​francuska) 1) nakładka z wycięciami na oczy, zasłaniająca twarz, czasem z wizerunkiem ludzkiej twarzy, głowy zwierzęcia lub mitycznego stworzenia. Maski rytualne były noszone przez wykonawców obrzędów religijnych w prymitywnych kultach. Maski ... ... Wielki słownik encyklopedyczny

Książki

• Maski literackie i artystyczne: teoria i poetyka, S.G. Isaev. We współczesnej krytyce literackiej pojęcie maski jest ponownie zawarte w słownikach encyklopedycznych i do tej pory podano terminologiczną definicję maski. Opis systemu maski...

Pakhovova Anna Valerievna - profesor Moskiewskiej Akademii Sztuki i Przemysłu im. dr inż. International Art Fund, członek Międzynarodowego Stowarzyszenia Pisarzy i Publicystów.

Ta część kończy cykl artykułów poświęconych kostiumom teatralnym japońskiego teatru nr. W nim szczegółowo rozważymy kostiumy z okresu Edo, jego detale i dodatki, ciekawe szczegóły dotyczące masek bez (na podstawie książki N.G. pn.

Ko-Tobide. Mistrz Yokan. XVII wiek (po lewej) / O-Tobide. Nieznany mistrz. Koniec XVI wieku (po prawej)

W poprzedniej części omówiliśmy szczegółowo rekwizyty. Teraz czas przyjrzeć się kostiumowi i masce bohaterki, która sprawia chyba najbardziej uderzające wrażenie wizualne. Blask i przepych użytych do produkcji tkanin, bogactwo kolorów sprawiają, że jest to główna ozdoba spektaklu. We współczesnym teatrze Noh istnieją 94 podstawowe kanoniczne kombinacje kostiumów dla wszystkich postaci, w tym farsy. ai... Kostiumy są najcenniejszą własnością aktorów. Są one przekazywane z pokolenia na pokolenie, a nowe powstają w ścisłej zgodzie ze starymi próbkami. W czasach Kanami i Zeami stroje były dość proste, ale stopniowo zaczęli zbliżać się do stroju dworskiej szlachty, duchowieństwa. W XV wieku zwyczaj oddawania strojów aktorom podczas przedstawień był powszechny, więc wśród najstarszych zachowanych strojów z XV wieku są osobiste stroje szogunów i arystokratów. Na przykład Szkoła Kanze ma elegancką kurtkę podarowaną przez szoguna Yoshimasę. szczęśliwy ciemnozielona, ​​wyszywana motylami. Z biegiem czasu powstały kostiumy teatralne, które nie powtarzały dworskiej mody, ale kapryśnie łączyły dworskie obyczaje w strojach z różnych epok. Ten proces miał miejsce w okresie Edo. Wtedy to kostiumy teatru Noh osiągnęły niewiarygodny stopień wyrafinowania i luksusu.

Doji. Mistrz Tohaku. XVII wiek (po lewej) / Yorimasa. Nieznany mistrz. Koniec XVI wieku (po prawej)

Cechą charakterystyczną strojów jest ich nietuzinkowy design. Osobny element stroju może być używany w wielu różnych kombinacjach z innymi, bez dzielenia ich na męski i damski. Na przykład, zadławiony- elegancka przezroczysta peleryna z jedwabiu z powiewającymi szerokimi rękawami i dużym kwiatowym wzorem utkanym srebrnymi lub złotymi nićmi, noszona przez kobiety podczas tańca. Ona, ta peleryna, w której występują duchy martwego młodego wloina, staje się zbroją bojową, gdy nosi się ją ze spódnico-spodniami okuti z najlepszego jedwabiu, spadającego na podłogę. Mizugoromo- pokrowiec przeciwdeszczowy - to odzież podróżna i robocza dla kobiet i mężczyzn w każdym wieku. Gdy rękawy peleryny są zawiązane do ramion, oznacza to, że postać jest zajęta pracą fizyczną. Jeśli kobieta w mizugoromo pojawia się na scenie z zieloną bambusową gałązką w dłoniach, przed tobą jest szalona kobieta wędrująca po drogach w poszukiwaniu swojej bratniej duszy.

Enmi-Kaya. Nieznany mistrz. Początek XV wieku. (po lewej) / Uba. Maska przypisywana jest Master Chemie. Początek XV wieku. (po prawej)

Widać, że różnorodność strojów wynika z różnego rodzaju połączeń elementów, a także w wyniku różnych sposobów noszenia tych samych strojów poprzez stosowanie różnych dodatków. Więc sukienka myśliwska karaori wykonane z delikatnego, kolorowego jedwabiu - zwykły strój kobiecy. Jest noszony na kroju kimona kitsuke, chowany z przodu w pasie, a z tyłu opada na podłogę. Kiedy karaori noszone przez ciężkie okuti(spodnie-spódnice), schowany z przodu paska, a z tyłu rozpływa się w pociągu po podłodze - to strój szlachetnej osoby. Jeśli jednocześnie głowa jest ozdobiona koroną, postać jest księżniczką. A kiedy nosi się przezroczyste kimono w tym samym stylu zadławiony, przed publicznością - niebiańska wróżka.

Kagekiyo. Nieznany mistrz. XVII wiek (po lewej) / Shinkaku. Mistrz Yamato. XVII wiek (po prawej)

Kołnierze to obowiązkowy element każdego garnituru. Erie o kształcie litery V. Przyszywane są do kołnierza dolnego kimona, mogą być jednowarstwowe i wielowarstwowe, w różnych kolorach. Kolor obroży wskazuje na status społeczny postaci. Biel jest najszlachetniejsza; pojedynczy biały kołnierzyk noszony jest przez bogów i książąt. Kolejny najszlachetniejszy kołnierz arystokratów jest pomalowany na jasnoniebiesko. Mnisi i stare kobiety mają brązowe kołnierze, a niebieskie są używane w strojach złych duchów wojowników, rozgniewanych bogów i demonów.

Yase-Otoko. Mistrz Tosui. XVIII wiek (po lewej) / Koyashi. Nieznany mistrz. Koniec XVI wieku (po prawej)

Kostium bohatera wyróżnia podkreślona elegancja, bogactwo i złożoność. Wykonany jest ze szlachetnych tkanin, brokatu, ciężkiego jedwabiu, ozdobiony wspaniałym haftem złotymi i srebrnymi nićmi, trójwymiarową aplikacją przedstawiającą zioła, owady, kwiaty, liście bananowca, strumienie wody. Aktor nosi dwa lub trzy cienkie dolne kimona, a na wierzchu gruby brokatowy szlafrok, który w specjalny sposób drapuje się na figurze, w zależności od przedstawionej postaci. /С.281/

Naszą opowieść o japońskim stroju teatralnym zakończymy ciekawymi informacjami na temat masek. Dużo już o nich rozmawialiśmy, ale oto kilka innych faktów.

Mona niektórych znanych dynastii aktorskich

Do XVII wieku maski rzeźbili mnisi, aktorzy, rzeźbiarze. Według legendy pierwsze maski zostały wykonane przez bogów i osobiście przez cesarza Jogu Taishi (VI wiek), a okres ten uważany jest za mitologiczny. Następnie wymienia się dziesięciu mistrzów X-XI wieku, a wśród nich Nikko, Miroku, Tatsuemon i kapłana Chimi, który podobno uchwycił twarze zmarłych w maskach, przywiezionych do niego na ceremonię pogrzebową. Następny okres (XVI wiek) pozostawił nazwiska sześciu wybitnych rzeźbiarzy masek. Najbardziej znane z nich to Zoami i Sancobo. Od XVII wieku pojawiły się rodziny specjalizujące się w produkcji masek Noh, które przekazały tradycję z pokolenia na pokolenie do dnia dzisiejszego. Najstarsze nazwisko zawodowych rzeźbiarzy to Echizen.

Mona Ichikawa Danjuro V i Iwai Hansiro IV (z lewej) / Katsukawa Shunsh. Ichikawa Danjuro V i Iwai Hansiro IV. W latach 1772-1781 Drzeworyt kolorowy (po prawej)

Maski teatralne Ale jako dodatek do zastosowań teatralnych są to maski do ról. Istnieje kilka opcji ich klasyfikacji. Do najczęstszych należą: 1) maski starszych; 2) maski dla mężczyzn; 3) maski dla kobiet; 4) maski istot nadprzyrodzonych - bogów, duchów, demonów; 5) maski nazwane na cześć bohaterów poszczególnych sztuk.

Istnieje 86 znanych podstawowych nazw masek teatralnych Noh (czyli razem masek Noh i Kyogen) i istnieje wiele ich odmian. Niektórzy naukowcy mówią o łącznie 450 gatunkach odkrytych do tej pory.

Mona Ichikawa Ebizo (Danjuro V) i Sakata Hangoro III (po lewej) / Katsukawa Shunei. Ebizo (Danjuro V) jako Shibaraku i Sakata Hangoro III jako Iga-no Heinaizaemon. Drzeworyt, 1791 (po prawej)

Maska zawiera wewnętrzny stan postaci i pomaga aktorowi w tworzeniu obrazu scenicznego. Najtrudniejszym zadaniem jest ożywienie zastygłej twarzy maski, nadanie jej niezbędnego dla tekstu wyrazu. Aby to zrobić, aktor ucieka się do subtelnych lub gwałtownych zmian kątów, w wyniku czego oświetlenie maski zmienia się przy stałym oświetleniu sceny. Gdy głowa jest opuszczona, na maskę padają cienie, co nadaje jej smutny lub zamyślony wyraz. Kiedy aktor trzyma głowę wysoko, maska ​​jest maksymalnie rozświetlona, ​​a to daje efekt radosnej, szczęśliwej twarzy.

Katsukawa Shunei. Iwai Hansiro IV (fragment drzeworytu kolorowego). 1781-1789 (po lewej) / Mon Iwai Hansiro IV (po prawej)

Maska nie była postrzegana przez średniowiecznego aktora jako środek artystyczny; to nie było koncepcyjne, ale naturalne. Wykonawca wierzył, że został naprawdę przekształcony w postać, którą można grać, ponieważ w starożytnych rytuałach wierzono, że symbol przywołuje symboliczne. Teatr No to teatr transformacji, a nie reinkarnacji; tu działa zasada pełnego utożsamienia aktora z bohaterem. Wykonawcy nadal nie wolno poddawać roli analizie intelektualnej; musi grać „na zachciankę”. Maska w teatrze Noh jest materialnym dowodem przemiany aktora w tego, który gra./S. 287 /

Schemat makijażu. Styl Kamadori (po lewej) / Makijaż (zdjęcie) (po prawej)

W Japonii istnieją trzy główne tradycyjne gatunki teatralne, że tak powiem: teatr bez masek, teatr kabuki i teatr lalek Bunraku. Kilka słów o dwóch ostatnich. Każda z nich ma swoją starożytną historię, cechy związane z umiejętnościami wykonawczymi, kostiumami, charakteryzacją, symbolami kolorystycznymi.

Akahime. Rytownictwo

Na przykład pierwsze pojawienie się głównego aktora (czasem dużej grupy aktorów) na scenie w teatrze Kabuki wiąże się z pokazem kostiumu i makijażu. Od tego właściwie zaczyna się przedstawienie. Aktor wchodzi na scenę z końca widowni i przechodzi na główną scenę, mijając publiczność przez widownię. Takie przejście wzdłuż „ścieżki kwiatowej” - hanamichi tworzy na widowni pewien emocjonalny nastrój. Nazywa się ruch aktora - zmieniające się złożone pozy mie. W złożonym kostiumie aktor nie może się poruszać jak w zwykłych ubraniach, a jego plastik wygląda nietypowo. Wszystkie szczegóły kostiumu są znacznie zwiększone: rękawy kimona za pomocą bambusowych ramek zamieniają się w rodzaj tarcz, ozdobionych ogromnymi emblematami pn. Stosowanie mnisi działa w Kabuki od dłuższego czasu. Wcześniej tylko one nie potrafiły tak zwięźle, przekonująco i szybko przedstawić aktora publiczności. „Mony w stroju teatralnym okresu Edo (zwłaszcza do ról aragoto) wyróżniały się ogromnymi rozmiarami i często stawały się głównym motywem zdobniczym nie tylko stroju performera, ale całego spektaklu. Obecność dużej mony nadawała kostiumowi kontrast i podkreślała jego płaskość.<…> pon był postrzegany zarówno jako dekoracja, jak i wyraźny, natychmiast czytelny znak pewnej dynastii wykonawczej lub aktora.” Oto krótki opis Kamakury Kagemasy, bohatera sztuki „Shibaraku” (1905). Każdy ruch, każda poza podkreśla monumentalność jego dane liczbowe. Nagabakama - spodnie o specjalnym kroju nie tylko całkowicie zakrywają stopy, ale wręcz ciągną się jak pociąg. Aby się nie pogubić i nie upaść, aktor musi poruszać się, szeroko rozstawiając nogi, a po każdym kroku zastygać w określonych pozach. W tym samym czasie albo rozkłada osłony rękawów na boki, a następnie zakrywa nimi twarz. Sprawia wrażenie klęczącego olbrzyma, by przyjrzeć się bliżej temu, co dzieje się na ziemi. Gruba warstwa makijażu - kumadori - zakrywa twarz aktora, całkowicie ukrywa jego indywidualne rysy. ozdabianie włosów tikaragami- misterne papierowe wstążki. Na przykład na kimonie o specjalnym brązowo-złotym odcieniu (kolor persimmon) wyraźnie wyróżnia się biały wzór herbu Mona(trzy kwadraty wstawione jeden w drugi). Aktor jest przepasany grubym sznurem Niodasuki.

Scena ze spektaklu

W japońskim stroju teatralnym zasada dekoracyjności jest wyraźna, ale nie określa ona specyfiki użycia stroju i jego roli w tworzeniu obrazu artystycznego. Kostium może służyć do określenia pory roku, kostium czynnie uczestniczy w projektowaniu akcji scenicznej, przekazuje takie stany psychiczne bohatera, które są nieosiągalne innymi środkami w organizacji przestrzeni scenicznej.

Plakat 1976 (po lewej) / plakat 1985 (po prawej)

Można powiedzieć, że lalki Joruri są doskonałe. Lalka ma trzy czwarte wzrostu człowieka. Te niesamowite lalki poruszają ustami, oczami i brwiami, nogami, dłońmi i palcami. Korpus lalek jest prymitywny: jest to drążek na ramię, do którego przymocowane są ramiona i podwieszone nogi, jeśli lalka jest postacią męską. Postacie kobiece nie mają nóg, ponieważ nie widać ich spod długiego kimona. Zaawansowany system koronek pozwala lalkarzowi kontrolować mimikę twarzy. Głowy lalek są tworzone przez wykwalifikowanych rzemieślników. Podobnie jak w innych typach klasycznego teatru japońskiego, istnieją historycznie ustalone typy, z których dla każdego używa się określonej głowy, peruki i kostiumu. Podobnie jak w przypadku masek teatru No, różnorodność głów lalek wyróżnia się wiekiem, płcią, charakterem i przynależnością społeczną. Każda głowa ma swoje imię i pochodzenie, każda używana do określonych ról.

Plakat "Nagasukudzira" (Płetwal karłowaty). Tancerze posługujący się „pozą Nieżyńskiego”. 1972 rok

Aby ułatwić koordynację działań lalkarzy i utrzymanie lalki mniej więcej na wysokości człowieka, główny lalkarz omozukai działa w drewnianych japońskich butach Weź na wysokich trybunach. Działania lalki muszą dokładnie pasować do tekstu, który czyta prowadzę... Precyzyjna praca wszystkich uczestników spektaklu jest osiągana przez lata ciężkiego treningu i jest uważana za jedną z unikalnych cech tej sztuki. Narrator prowadzę wciela się w role wszystkich bohaterów i prowadzi historię od autora (czasem w spektaklu bierze udział dwóch lub więcej gawędziarzy). Czytanie prowadzę powinien być jak najbardziej wyrazisty. Jego zadaniem jest sprawienie, aby lalki ożyły. Znajomość schematu melodycznego tekstu, trening głosu, ścisła koordynacja działań z innymi uczestnikami spektaklu wymagają wielu lat wytrwałego przygotowania. Nauka trwa zwykle od dwudziestu do trzydziestu lat. Jak w teatrze Noh czy zawodzie Kabuki prowadzę a lalkarze w teatrze joruri są dziedziczni. W tradycyjnych japońskich sztukach scenicznych pseudonimy wraz z tajemnicami umiejętności przekazywane są z ojca na syna, z nauczyciela na ucznia.

« 27 wieczorów przez cztery pory roku”, 1972. Taniec lwa z „Tibasana” (po prawej)

Japończycy pielęgnują starożytną sztukę teatralną, która jest dziedzictwem kulturowym. Jednocześnie bardzo interesujący jest nowoczesny teatr, w którym jest wiele innowacyjnych, czy to baletu, spektaklu, teatru dramatycznego itp. Wpływ tradycyjnego teatru japońskiego na współczesne trendy w kulturze rozrywkowej jest oczywisty. Przede wszystkim jest to oczywiście kostium. Na podstawie starych tradycyjnych strojów powstają nowe ciekawe modele, czasem dziwaczne i fantastyczne, ale odgaduje się w nich sylwetki, elementy i detale tych ubrań, które wiele wieków temu zadziwiały publiczność swoją jasnością i niepowtarzalnym pięknem.

Lalka. Teatr Bunraku (po lewej) / Lalka (detal)

Schemat fryzury / Głowa lalki (odpinana część). Teatr Bunraku (u góry po prawej)

Fryzury dla różnych postaci

Lalka i trzech lalkarzy. Teatr Bunraku (po lewej) / Lalka Bunraku (po prawej)

Na YouTube możesz oglądać:

Maski teatralne Noh:

http://www.youtube.com/watch?v=T71ZAznVeLo&feature=related Serdiuk E.A. Japońskie ryciny teatralne z XVII-XIX wieku. M., 1990.S. 57.