Która definicja najlepiej pasuje do koncepcji perspektywy lotniczej. §8 Porady praktyczne

Kuźmina G.N.
nauczyciel dokształcający
UIA DO METs
(malarstwo, plastyka)

Testy na znajomość głównych kryteriów malarstwa

1. Który z tych kolorów nie jest „ciepły”:
A) żółty
B) czerwony;
B) pomarańczowy;
D) niebieski
2. Która definicja jest najbardziej zgodna z pojęciem „perspektywy z lotu ptaka”:
A) sztuka przedstawiania przestrzeni trójwymiarowej na płaszczyźnie;
B) zmiana wielkości obiektów w zależności od ich odległości od punktu obserwacji;
C) zmiana koloru obiektu w zależności od jego odległości od punktu obserwacji;
D) proporcjonalna zmiana obiektów.
3. Kolory podstawowe to…
A) czerwony, fioletowy, zielony;
B) czerwony, niebieski, żółty;
B) żółty, niebieski, zielony;
D) żółty, niebieski, pomarańczowy.
4. Harmonijne połączenie, wzajemne połączenie, skojarzenie tonalne różnych kolorów na obrazie nazywa się:
A) kolor lokalny
B) kolor
B) w przeciwieństwie
5. Wykonując obraz, należy przestrzegać następującej kolejności:
A) od ogólnego do szczegółowego;
B) od zimnego do ciepłego;
C) od jasnego do ciemnego.
6. Jakie oświetlenie nie ujawnia kształtu, objętości i faktury przedstawianych obiektów.
A) kontrowersje
B) czołowy
Strona B
7. Jaka forma malarstwa może przekazać objętość przedmiotów w przestrzeni, ich związek z otoczeniem.
A) streszczenie
B) dekoracyjne
B) realistyczne
8. Jaki etap można pominąć pisząc krótkoterminowe badanie głowy.
A) formowanie
B) relacje kolorystyczne i tonalne
B) szczegółowa praca
9. Rodzaj malowania oparty na zasadzie stylizacji:
A) realistyczne
B) dekoracyjne
B) streszczenie
10. Rodzaj malarstwa oparty na nieobrazowej kompozycji kolorystycznej.
A) dekoracyjne
B) streszczenie
B) realistyczne
11. Napisz życie, pisz obrazowo, tj. aby w pełni i przekonująco przekazać rzeczywistość to:
Obraz
B) rysunek
B) DPI
12. Praca wykonana z natury to:
Badanie
B) szkic
13. Podczas badania głowy, jaki kąt jest najkorzystniejszy dla przenoszenia objętości:
A) szybko
B) profil
B) trzy czwarte
14. Pewne ustalone systemy metod pracy, które zostały opracowane przez różne szkoły narodowe.
A) technika malowania
B) materiały do ​​malowania gwaszem
15. Zazwyczaj wykonuje się rysunek pod gwaszem6
A) węgiel
B) flamaster
B) ołówek
16. Podczas pracy nad krajobrazem z natury, ile czasu zajmuje całkowita zmiana stanu przyrody:
A) dwie godziny
b) cztery godziny
B) trzydzieści minut
17. Harmoniczne stany, wzajemne powiązania, skojarzenia tonalne różnych kolorów na obrazie to:
Kolor
B) lekkość
B) monochromatyczny;
18. Główny kolor przedmiotu bez uwzględnienia wpływów zewnętrznych to:
A) odruch
B) kolor lokalny
B) półton
19. Główne zadania malarstwa realistycznego:
A) pisz żywo, chwytliwie
B) pisać w związkach
c) użyj więcej kolorów
20. Który z poniższych rozcieńczalników jest używany w malowaniu gwaszem:
Woda
B) terpentyna
B) aceton;
21. Jaki jest najważniejszy etap pisania opracowania o stanie:
A) praca szczegółowa
B) relacje kolorystyczne
B) formowanie formy
22. Jak rozpocząć pracę nad malowniczym studium:
A) praca szczegółowa
B) układ formatu
B) budynek
D) układanie głównych relacji kolorystycznych i tonalnych
23. Który z tych kolorów nie należy do grupy achromatycznej:
Biały
B) fioletowy
B) szary
D) czarny
24. Jeśli artysta przedstawia tylko pejzaże morskie, nazywa się je:
A) Mariny
B) „Swietłana”
B) Elena
25. Nałożenie jednej warstwy farby na drugą nazywa się:
A) glazura
B) alla prima
B) surowe
26. Który kolor nie jest chromatyczny:
A) czerwony
B) biały
B) niebieski
D) niebieski
27. Szary wydaje się jaśniejszy na czarnym i ciemniejszy na białym. Zjawisko to nazywa się:
A) jasny kontrast
B) kolor
B) kontrast kolorów
28. Malowanie skomplikowanej formy plastycznej - szef modelki powinien opierać się na wiedzy:
A) anatomiczna budowa czaszki
B) historia sztuki
B) perspektywa liniowa
29. Odruch w stosunku do oświetlonej części głowy opiekuna to zawsze:
Zapalniczka
B) ciemniejszy
B) dokładnie to samo
30. Metoda obrazowa, w której kolor każdego detalu produkcji jest od razu uchwycony z pełną mocą, w jednej warstwie, nazywa się:
A) glazura
B) surowe
B) „alaprima”
31. Wybierz odpowiednią sekwencję:
A) uogólnienie, układ, formowanie, konstrukcja
B) układ, formowanie, konstrukcja, uogólnienie
C) konstrukcja, układ, formowanie, uogólnienie
D) rozplanowanie, konstrukcja, formowanie, uogólnienie.
ODPOWIEDZI NA TESTY MALOWANIA
1. G
2. W
3. B
4. B
5. A
6. A
7. W
8. W
9. B
10. B
11. A
12. A
13. W
14. A
15. W
16. A
17
18. B
19. B
20. A
21. B
22. B
23. B
24. A
25. B
26. B
27
28. A
29. B
30. W
31. G

Pojęcie „malarstwa” (jednostka dydaktyczna).

1. Który z tych kolorów nie jest „ciepły”:
A) żółty
B) czerwony;
B) pomarańczowy;
D) niebieski
2. Która definicja jest najbardziej zgodna z pojęciem „perspektywy z lotu ptaka”:
A) sztuka przedstawiania przestrzeni trójwymiarowej na płaszczyźnie;
B) zmiana wielkości obiektów w zależności od ich odległości od punktu obserwacji;
C) zmiana koloru obiektu w zależności od jego odległości od punktu obserwacji;
D) proporcjonalna zmiana obiektów.
3. Podstawowe kolory to
A) czerwony, fioletowy, zielony;
B) czerwony, niebieski, żółty;
B) żółty, niebieski, zielony;
D) żółty, niebieski, pomarańczowy.
4. Harmonijne połączenie, wzajemne połączenie, skojarzenie tonalne różnych kolorów na obrazie nazywa się:
A) kolor lokalny
B) kolor
B) w przeciwieństwie
5. Wykonując obraz, należy przestrzegać następującej kolejności:
A) od ogólnego do szczegółowego;
B) od zimnego do ciepłego;
C) od jasnego do ciemnego.
6. Jakie oświetlenie nie ujawnia kształtu, objętości i faktury przedstawianych obiektów.
A) kontrowersje
B) czołowy
Strona B
7. Jaka forma malarstwa może przekazać objętość przedmiotów w przestrzeni, ich związek z otoczeniem.
A) streszczenie
B) dekoracyjne
B) realistyczne
8. Jaki etap można pominąć pisząc krótkoterminowe badanie głowy.
A) formowanie
B) relacje kolorystyczne i tonalne
B) szczegółowa praca
9. Rodzaj malowania oparty na zasadzie stylizacji:
A) realistyczne
B) dekoracyjne
B) streszczenie
10. Rodzaj malarstwa oparty na nieobrazowej kompozycji kolorystycznej.
A) dekoracyjne
B) streszczenie
B) realistyczne
11. Napisz życie, pisz obrazowo, tj. aby w pełni i przekonująco przekazać rzeczywistość to:
Obraz
B) rysunek
B) DPI
12. Praca wykonana z natury to:
Badanie
B) szkic
13. Podczas badania głowy, jaki kąt jest najkorzystniejszy dla przenoszenia objętości:
A) szybko
B) profil
B) trzy czwarte
14. Pewne ustalone systemy metod pracy, które zostały opracowane przez różne szkoły narodowe.
A) technika malowania
B) materiały do ​​malowania gwaszem
15. Zazwyczaj wykonuje się rysunek pod gwaszem6
A) węgiel
B) flamaster
B) ołówek
16. Podczas pracy nad krajobrazem z natury, ile czasu zajmuje całkowita zmiana stanu przyrody:
A) dwie godziny
b) cztery godziny
B) trzydzieści minut
17. Harmoniczne stany, wzajemne powiązania, skojarzenia tonalne różnych kolorów na obrazie to:
Kolor
B) lekkość
B) monochromatyczny;
18. Główny kolor przedmiotu bez uwzględnienia wpływów zewnętrznych to:
A) odruch
B) kolor lokalny
B) półton
19. Główne zadania malarstwa realistycznego:
A) pisz żywo, chwytliwie
B) pisać w związkach
c) użyj więcej kolorów
20. Który z poniższych rozcieńczalników jest używany w malowaniu gwaszem:
Woda
B) terpentyna
B) aceton;
21. Jaki jest najważniejszy etap pisania opracowania o stanie:
A) praca szczegółowa
B) relacje kolorystyczne
B) formowanie formy
22. Jak rozpocząć pracę nad malowniczym studium:
A) praca szczegółowa
B) układ formatu
B) budynek
D) układanie głównych relacji kolorystycznych i tonalnych
23. Który z tych kolorów nie należy do grupy achromatycznej:
Biały
B) fioletowy
B) szary
D) czarny
24. Jeśli artysta przedstawia tylko pejzaże morskie, nazywa się je:
A) Mariny
B) „Swietłana”
B) Elena
25. Nałożenie jednej warstwy farby na drugą nazywa się:
A) glazura
B) alla prima
B) surowe
26. Który kolor nie jest chromatyczny:
A) czerwony
B) biały
B) niebieski
D) niebieski
27. Szary wydaje się jaśniejszy na czarnym i ciemniejszy na białym. Zjawisko to nazywa się:
A) jasny kontrast
B) kolor
B) kontrast kolorów
28. Malowanie skomplikowanej formy plastycznej - szef modelki powinien opierać się na wiedzy:
A) anatomiczna budowa czaszki
B) historia sztuki
B) perspektywa liniowa
29. Odruch w stosunku do oświetlonej części głowy opiekuna to zawsze:
Zapalniczka
B) ciemniejszy
B) dokładnie to samo
30. Metoda obrazowa, w której kolor każdego detalu produkcji jest od razu uchwycony z pełną mocą, w jednej warstwie, nazywa się:
A) glazura
B) surowe
B) „alaprima”
31. Wybierz odpowiednią sekwencję:
A) uogólnienie, układ, formowanie, konstrukcja
B) układ, formowanie, konstrukcja, uogólnienie
C) konstrukcja, układ, formowanie, uogólnienie
D) rozplanowanie, konstrukcja, formowanie, uogólnienie.

ODPOWIEDZI NA TESTY MALOWANIA

g
V
b
b
A
A
V
V
b
b
A
A
V
A
V
A
A
b
b
A
b
b
b
A
b
b
A
A
b
V
g

Załączone pliki

|| Rozdział 3 || Rozdział 4 || Rozdział 5 || Rozdział 6 || Rozdział 7 || Rozdział 8 || Rozdział 9 || Rozdział 10 || Rozdział 11 || Rozdział 12

Wykonując obraz, musisz przestrzegać określonej kolejności. Zazwyczaj artysta rozpoczyna pracę nad obrazem lub muralem od wykonania kilku małych szkiców, w których konkretyzuje swój pomysł. W tym samym celu może wykonywać szkice z natury.

Następnie artysta rysuje przyszły obraz. Może do tego użyć ołówka, węgla lub farby rozcieńczonej w płynie i cienkiego pędzla. Istnieje możliwość wykonania tzw. "kalki technicznej" lub "kartonu" w przypadku konieczności przeniesienia rysunku na jakąś powierzchnię. Czasami artyści pomijają ten etap pracy i natychmiast zaczynają malować farbami bez wstępnego rysunku.

Istnieje wiele sposobów nakładania farby na samolot. Niektórzy artyści wolą stosować technikę glazurowania: na wyschniętą warstwę farby nakładać cienkie przezroczyste warstwy. Inni uzyskują pożądane rozwiązanie kolorystyczne w jednej warstwie, podczas gdy inni używają oddzielnych pociągnięć.

Artysta może jednocześnie pracować nad rysunkiem, kompozycją, rzeźbieniem form, przenoszeniem przestrzeni i kolorowaniem. Tak więc P. Cezanne lubił pracować, zwłaszcza gdy malował swoje pejzaże lub martwe natury z natury.

Jednak ta ścieżka nie jest dostępna dla wszystkich. Musisz mieć doskonałą pamięć wzrokową, dokładny rysunek, myślenie kompozycyjne, nienaganne wyczucie koloru.

Większość artystów woli pracować od ogółu do szczegółu, stopniowo nakładając główny kolor obiektów i podążając za modelowaniem objętości. Następnie dopracowują niuanse koloru, odbicia kolorów, ogólny kolor obrazu. Na ostatnim etapie ponownie przechodzą do uogólnienia. Aby osiągnąć integralność pracy, możesz usunąć niepotrzebne szczegóły, osłabić kontrasty, podkreślić najważniejsze. Tak uwielbiał pracować wspaniały artysta A. A. Iwanow. Spędził wiele prac przygotowawczych przed stworzeniem obrazu „Pojawienie się Chrystusa ludziom”. Liczne szkice malarskie wystawione obok tego obrazu w Galerii Trietiakowskiej pomagają prześledzić twórcze poszukiwania autora.

W celach edukacyjnych lepiej jest pracować nad kompozycją obrazkową sekwencyjnie. W poznaniu niektórych tajników i tajemnic malarstwa pomogą Ci wypowiedzi mistrzów zamieszczone na końcu tej książki.

Artyści-malarze za pomocą farb oddają piękno otaczającego ich świata. Możesz wybrać dowolną bazę: płótno, papier, tekturę, deskę, ścianę itp. Podstawa jest zwykle zagruntowana specjalnymi masami. Malarze stosują różne farby: gwasz, akwarelę, temperę olejną itp. Czy farby nakłada się na podłoża? pędzle okrągłe i płaskie o różnej grubości. Czasami używa się do tego szpachelki, szmatki, nawet nakładają farbę palcem, ale nadal lepiej jest tworzyć obrazy za pomocą specjalnych narzędzi, a nie za pomocą improwizowanych środków. Technika pisania, jej cechy w dużej mierze zależą od właściwości farb, rozpuszczalników, narzędzi.

Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy korzystający z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.

Zasada transferu ruchu. Obiekt na obrazie będzie wyglądał na poruszający się w następujących warunkach:

* jeśli jedna lub więcej linii ukośnych, na kardynie stosuje się kierunki ruchu; *jeśli zostawisz wolną przestrzeń przed poruszającym się obiektem;

*jeśli wybierzesz taki moment ruchu, który najdobitniej oddaje jego charakter, jest jego kulminacją.

Ponadto obraz będzie wydawał się poruszać, jeśli odtworzy nie jeden moment ruchu, ale jego kolejne fazy. Na przykład na płaskorzeźbie starożytnego Egiptu. Każda z postaci zastygła w określonej pozycji, ale biorąc pod uwagę kompozycję w kole, widać ciąg w ruchu.

Ruch jest zrozumiały tylko wtedy, gdy rozważa się pracę jako całość, a nie poszczególne momenty ruchu. Wolna przestrzeń przed poruszającym się obiektem umożliwia mentalne kontynuowanie ruchu, jakby zapraszając nas do poruszania się wraz z nim.

W innym przypadku, gdy obiekt jest pokazywany zbyt blisko krawędzi prześcieradła, wydaje się, że ruch nie może być kontynuowany.

Możesz podkreślić ruch za pomocą kierunku linii obrazu. Na przykład, jeśli wszystkie linie są skierowane głęboko w arkusz. Wyrazistość ruchu osiąga się, gdy bohater zostaje przedstawiony w momencie największego napięcia jego sił. Również rozmyte tło daje poczucie ruchu. niewyraźne, niewyraźne kontury przedmiotów. Duża liczba pionowych lub poziomych linii tła może spowolnić ruch.

Zmiana kierunku czasami przyspiesza lub spowalnia. Osobliwością naszej wizji jest że czytamy tekst od lewej do prawej, a ruch od lewej do prawej jest łatwiejszy do zauważenia, wydaje się szybszy.

Reguła transferu statycznego. Kompozycja jest uważana za statyczną pod następującymi warunkami;

*jeśli na zdjęciu nie ma kierunków ukośnych;

jeśli przedmioty są przedstawione spokojnie (statycznie) zgodnie z saksofonem, nie ma kulminacji akcji;

czy kompozycja jest symetryczna, wyważona lub zbudowana na podstawie prostych wzorów geometrycznych (trójkąt, koło, owal, kwadrat, prostokąt).

Poczucie spokoju może powstać w dziele sztuki w innych warunkach.

Na przykład w obrazie K. Korovina „Zimą”, pomimo obecności ukośnych kierunków, koń z saniami stoi spokojnie, nie ma poczucia ruchu z następujących powodów: geometryczne i kompozycyjne środki obrazu pokrywają się, kompozycja jest wyważona, a wolną przestrzeń przed koniem blokuje drzewo.

Wybór centrum kompozycyjno-działkowego: Podczas tworzenia kompozycji należy określić, co będzie najważniejsze na zdjęciu, i zadbać o to, jak podkreślić tę główną rzecz, czyli fabułę i centrum kompozycyjne, które często nazywane jest „centrum semantycznym” lub „wizualne centrum” obrazu.

Oczywiście nie wszystko w fabule jest równie ważne, a drugorzędne części są podporządkowane głównej. Centrum kompozycji obejmuje fabułę, główną akcję i głównych bohaterów.

Centrum kompozycyjne powinno przede wszystkim przyciągać uwagę. Środek wyróżnia podświetlenie, kolor, powiększenie obrazu, kontrasty i inne środki.

Nie tylko w malarstwie, ale także w grafice, rzeźbie, zdobnictwie, architekturze wyróżnia się ośrodek kompozycyjny. Na przykład mistrzowie renesansu woleli, aby centrum kompozycyjne pokrywało się ze środkiem płótna.

Umieszczając w ten sposób głównych bohaterów, artyści chcieli podkreślić ich ważną rolę, znaczenie dla fabuły.

Artyści wymyślili wiele opcji budowania obrazu, umieszczając środek kompozycji w dowolnym miejscu na płótnie. Technika ta została z powodzeniem wykorzystana do przekazania ruchu, dynamiki wydarzeń, szybkiego rozwoju fabuły w obrazie V. Surikova „Bojar Morozova”.

Obraz Rembrandta „Powrót syna marnotrawnego” jest klasycznym przykładem kompozycji, w której główna rzecz jest mocno przesunięta z centrum dla jak najdokładniejszego ujawnienia głównej idei dzieła.

Fabuła tego obrazu jest inspirowana przypowieścią ewangeliczną. Na progu ich domu spotkali się ojciec i syn, którzy wrócili z tułaczki po świecie. Malowanie szmat wędrowca. Rembrandt zdaje się opowiadać o trudnej drodze, jaką przebył jego syn.

Możesz długo patrzeć na to wstecz, współczując cierpieniom zgubionych. Głębia przestrzeni powstaje dzięki konsekwentnemu osłabianiu światła i cienia oraz kontrastów kolorystycznych, zaczynając od pierwszego planu. W rzeczywistości budują go postacie świadków sieny prośby, stopniowo rozpuszczające się w mroku.

Niewidomy ojciec położył ręce na ramionach syna na znak przebaczenia. W tym geście - mądrość, ból i tęsknota, nagromadzone przez lata przeżywane w niepokoju i przebaczeniu. Rembrandt podkreśla światłem to, co najważniejsze na zdjęciu, skupiając na nim naszą uwagę.

Centrum kompozycyjne znajduje się prawie na krawędzi obrazu. Artysta balansuje kompozycję z postacią najstarszego syna stojącego po prawej stronie. Umieszczenie głównego centrum semantycznego w jednej trzeciej odległości na wysokości odpowiada prawu złotej sekcji.

Od czasów starożytnych był używany przez artystów dla osiągnięcia jak największej wyrazistości swoich dzieł.

Zasada złotego podziału w kompozycji(jedna trzecia). Aby zidentyfikować centrum kompozycyjne, najważniejszy element obrazu jest umieszczony zgodnie z proporcją złotej sekcji, to znaczy w przybliżeniu w odległości „kropki całości. Proporcjonalne proporcje boków przedstawionych obiektów i samo płótno, aby osiągnąć harmonię, musi być zbudowane na bazie złotego przekroju.

Obrazy z dwoma lub więcej centrami kompozycyjnymi pozwalają pokazać kilka wydarzeń, które występują jednocześnie i mają równe znaczenie.

Rozważ zdjęcie Velasqueza „Las Meninas” i jego schemat. Jednym z kompozycyjnych centrów obrazu jest młoda infantka. Damy dworu pochyliły się ku niej z obu stron. W geometrycznym środku płótna znajdują się dwie kontrastujące plamy o tym samym kształcie i tej samej wielkości. Są naprzeciw siebie, jak dzień i noc, jedno białe, drugie czarne - to dwa wyjścia na świat zewnętrzny - kolejne kompozycyjne centrum obrazu.

Jedno wyjście to oświetlone słońcem drzwi. Drugi to lustro, w którym odbija się para królewska. Drugie wyjście można postrzegać jako wyjście do społeczeństwa świeckiego. Kontrast jasnych i ciemnych początków w obrazie można rozumieć jako spór między artystą a władcą.

Postaci przedstawione przez artystę są na tyle liczne, że obdarzony wyobraźnią widz może narysować spokrewnione lub kontrastujące ze sobą portrety (artysta i król, dworzanie i elita, piękno i brzydota, dziecko i rodzice, ludzie i zwierzęta).

Na jednym zdjęciu możesz użyć kilku metod jednocześnie, aby podkreślić główną rzecz.

Na przykład technikę „izolacji” (obraz głównej rzeczy w oderwaniu od innych obiektów) można zastosować, podkreślając główną rzecz pod względem wielkości i koloru.

Ważne jest, aby nie formalnie, ale w ten sposób, stosować metody podkreślania fabuły-kompozycyjnego centrum. aby jak najlepiej oddać ideę i treść pracy.

Przeniesienie symetrii i asymetrii w kompozycji. Artyści różnych epok wykorzystywali symetryczną konstrukcję obrazu. Wiele starożytnych mozaik było symetrycznych. Malarze renesansowi często budowali swoje kompozycje zgodnie z prawami symetrii. Taka konstrukcja pozwala osiągnąć wrażenie spokoju, majestatu, szczególnej powagi i doniosłości wydarzeń. W symetrycznej kompozycji ludzie lub przedmioty są niemal lustrzane w stosunku do centralnej osi obrazu.

Symetria w sztuce opiera się na rzeczywistości, pełnej symetrycznych form.

Na przykład postać ludzka, motyl, płatek śniegu itp. są symetryczne. Kompozycje symetryczne są statyczne (stabilne), lewa i prawa połówka są zrównoważone.

W kompozycji asymetrycznej układ przedmiotów może być najbardziej zróżnicowany, w zależności od fabuły i intencji pracy lewa i prawa połówka nie są zrównoważone.

Przeniesienie równowagi w kompozycji. W kompozycji symetrycznej wszystkie części są zrównoważone, kompozycja asymetryczna może być zrównoważona i niezrównoważona. Duża plamka światła jest równoważona przez małą ciemną.

Wiele małych plam można zrównoważyć jedną dużą. Istnieje wiele opcji: części są równoważone wagą, koleiną i kolorem. Równowaga dotyczy zarówno samych figur, jak i luk między nimi.

Specjalne ćwiczenia rozwijają poczucie równowagi w kompozycji. Trzeba nauczyć się balansować duże i małe wartości, jasne i ciemne, różne sylwetki i plamy kolorystyczne. Tutaj przyda się przypomnienie sobie swoich doświadczeń związanych ze znalezieniem równowagi na huśtawce.

Każdy może łatwo zrozumieć, że jeden nastolatek może być zrównoważony, jeśli dwoje dzieci zostanie umieszczonych na drugim końcu huśtawki. A dziecko może huśtać się nawet z osobą dorosłą, która nie siedzi na krawędzi huśtawki, ale bliżej środka.

Ten sam eksperyment można przeprowadzić z wagami. Takie porównania pomagają zrównoważyć różne części obrazu pod względem wielkości, tonu i koloru, aby osiągnąć harmonię, czyli znaleźć równowagę w kompozycji.

W kompozycji asymetrycznej równowaga jest czasami całkowicie nieobecna, jeśli centrum semantyczne znajduje się bliżej krawędzi obrazu. Wrażenie obrazu zmienia się, jeśli spojrzysz na jego lustrzane odbicie. Ta właściwość naszej wizji musi być również uwzględniona w procesie odnajdywania równowagi w składzie.

Zasady, techniki i środki kompozycyjne opierają się na bogatym doświadczeniu twórczym artystów wielu pokoleń, jednak technika kompozycji nie stoi w miejscu, stale się rozwija, wzbogaca o praktykę twórczą nowych mistrzów. Niektóre metody komponowania stają się klasyczne, ale pojawiają się nowe, bo życie wyznacza sztuce inne zadania.

3 . Gwasz jako jeden z materiałów i technik malarskich

3.1 Malarskie materiały i techniki pracy

Malarze oddają piękno otaczającego ich świata za pomocą farb: gwaszu, akwareli, tempery, oleju itp. Możesz wybrać dowolną bazę: płótno, papier, tekturę, deskę, ścianę itp. Podstawa jest zwykle zagruntowana specjalnym związki. Farby nakłada się na podłoże okrągłymi i płaskimi pędzlami o różnej grubości. Czasami używa się do tego noża do palet. nóż. szmata, nawet palec, ale lepiej użyć specjalnych narzędzi niż środków improwizowanych.

Farby układa się na palecie i miesza w celu uzyskania pożądanego odcienia koloru. Paleta to mała cienka deska o prostokątnym, owalnym lub innym kształcie. paleta olejków obraz wykonane są głównie z drewna, a do pracy akwarela i gwasz- z białego tworzywa sztucznego, czasem z wgłębieniami na farby. Czasami używam go jako palety! biały spodek, kafelek lub kawałek papieru. Lista kolorów używanych przez artystę nazywana jest również paletą. W tym sensie termin „paleta” jest bliski pojęciu „kolor”.

Technika pisania, jej cechy w dużej mierze zależą od właściwości farb, rozpuszczalników, narzędzi. Do końca XVII - początku XVIII wieku. artyści i praktykanci samodzielnie przygotowywali farby, zwykle powierzano je studentom. Mielili kamienie na proszek i mieszali z klejem, olejem lub jajkiem. Przemysłowa produkcja farb urozmaiciła paletę kolorów.

Farby do malowania mają specjalne nazwy. Bardzo często nazwy te kojarzą się z pierwiastkami chemicznymi lub naturalnymi (minerały, rośliny), z których są wykonane. Podstawą wszystkich farb - pigmentem - są różne substancje barwiące, czyli barwniki. Oni są mineralne, chemiczne, organiczne(zwierzęce lub roślinne) pochodzenie. Do przygotowania farb pigmenty są drobno mielone na proszek i mieszane ze spoiwami (olej, klej itp.). Pigmenty organiczne mają gorszą wytrzymałość niż pigmenty mineralne. Obecnie stosuje się głównie pigmenty sztuczne, jako najbardziej trwałe.

Często nazwa farb pochodzi od spoiwa użytego do ich wykonania. Na przykład podstawą farb olejnych jest siemię lniane lub inny olej. Farby klejowe to akwarele, gwasze, tempery. Opowiemy więcej o farbach klejowych, ponieważ są one najczęściej używane w praktyce nauczania plastyki w szkołach pedagogicznych i w szkole podstawowej.

Gwasz- farba kryjąca (sezonowa, kryjąca) rozcieńczana wodą. Dzieło sztuki wykonane takimi farbami nazywane jest również „gwaszem”. Farby gwaszowe wykonane są z pigmentów i kleju z dodatkiem bieli. W przeciwieństwie do akwareli warstwa farby naniesiona na papier nie jest przezroczysta, lecz matowa, gęsta, o aksamitnej powierzchni, którą nadaje domieszka bieli. Po wyschnięciu kolory gwaszu są nieco wybielone (rozjaśnione), co artysta musi uwzględnić w procesie rysowania. Farby gwaszowe są jasne, korekty są możliwe w trakcie pracy, zestawy można nałożyć tylko na nieudane miejsce innego koloru. Ciemne odcienie można pokryć jasnymi. Biel jest dodawana do gwaszu w celu uzyskania jaśniejszego odcienia.

3. 2 Sekwencja wykonania obrazu

Podczas tworzenia obrazu konieczne jest przestrzeganie określonej kolejności. Zwykle artysta rozpoczyna pracę nad obrazem lub malowidłem ściennym od kilku małych szkiców kompozycyjnych, w których konkretyzuje swój pomysł. W tym samym celu może wykonywać szkice z natury.

Aby stworzyć ciekawe płótno obrazowe, trzeba nauczyć się dostrzegać ciekawe wydarzenia, postacie, motywy, kąty i stany w otaczającym życiu. Ciągłe wykonywanie szkiców, szkiców i szkiców z natury rozwija nie tylko oko i rękę, ale także myślenie kompozycyjne.

Nie jest łatwo dostrzec w życiu ciekawy motyw kompozycyjny. Pomóc w tym może ramka wizjera, którą łatwo wykonać samodzielnie. Najważniejsze, że jego przeciwne strony pozostają ruchome, wtedy łatwo będzie zmienić format, zwiększyć lub zmniejszyć krąg obiektów wchodzących w pole widzenia. Jeśli nie ma ramki, możesz po prostu złożyć dłonie w ten sposób, jak pokazano na rysunku.

Wybór najbardziej wyrazistej fabuły do ​​kompozycji również nie jest łatwym zadaniem. Setki ludzi na różne sposoby odbierają i interpretują tę samą fabułę, czyli tworzą własną wersję. Fabuła powinna być rozumiana jako to, co artysta bezpośrednio przedstawia na płótnie, a treść lub temat może być znacznie szerszy, to znaczy można tworzyć prace o różnych wątkach na ten sam temat.

Ważne jest, aby jeszcze przed początkiem obrazu spróbować wyobrazić sobie przyszły obraz. Z reguły artysta wykonuje najpierw kilka małych szkiców, aby znaleźć najbardziej wyrazistą kompozycję. Na tym etapie określany jest format obrazu (wydłużony w pionie, prostokątny, kwadratowy, wydłużony w poziomie itp.) oraz jego rozmiar.

Wydłużony format nadaje obrazowi poczucie harmonii i wzniosłości. Format w postaci prostokąta umieszczonego poziomo jest wygodny do przedstawiania epickiej akcji. Powiedzieliśmy już, że format oparty na złotym podziale dobrze nadaje się do przedstawienia szerokiego motywu krajobrazu. Format, uzyskany przez powiększenie kwadratu o pełną przekątną, jest równie wygodny do ukazania pejzażu, martwej natury i kompozycji tematycznej.

Nadmierny wzrost formatu pionowego zamienia obraz w zwój, a nadmierny wzrost formatu poziomego dyktuje użycie kompozycji panoramicznej lub fryzowej. Przy wyborze formatu należy wziąć pod uwagę położenie głównych obiektów kompozycji - poziomo lub pionowo, rozwój fabuły - od lewej do prawej, w głębi obrazu itp.

Format kwadratowy najlepiej nadaje się do tworzenia zrównoważonych, statycznych kompozycji, ponieważ są one mentalnie związane z równymi osiami centralnymi i równymi bokami granic obrazu.

Kompozycja w owalu i kole zbudowana jest względem wyimaginowanych wzajemnie prostopadłych osi środkowych. Górna i dolna część obrazu powinny być tutaj wyraźnie określone. Owal jest często używany jako format do portretów, ponieważ taka konfiguracja łatwo pasuje do owalu ludzkiej twarzy lub zarysu biustu.

Artyści posługują się także złożonymi formatami konfiguracji, składającymi się z połączenia dwóch geometrycznych kształtów, takich jak półkole i prostokąt.

W szkicu rysowany jest ogólny schemat kompozycyjny, lokalizacja i relacje głównych aktorów bez szczegółowego rysunku. Być może ton i kolorystyka szkicu. Następnie przechodzą do rysunku kompozycji, a potem do jej obrazowego wcielenia.

Jednym z ciekawszych etapów pracy jest zbieranie materiału naturalnego: obserwacje otaczającego życia, szkice i szkice domu i ulicy w zależności od wybranej działki. Naturalny materiał możesz zbierać od razu po wybraniu fabuły lub zrobić to po pierwszym szkicu kompozycji.

Następnie artysta rysuje przyszły obraz za pomocą ołówka, węgla lub rozcieńczonej w płynie farby i cienkiego pędzla. Istnieje możliwość wykonania tzw. kalki lub tektury, jeśli rysunek wymaga przeniesienia na jakąś powierzchnię. Jeśli coś nie zadziała na rysunku, możesz ponownie przejść do szkiców, wypracować szczegóły, które spowodowały trudności, a następnie dopracować rysunek za pomocą zebranego materiału naturalnego. Możesz nawet zrobić nowego skazańca kompozycyjnego.", biorąc pod uwagę ukończone szkice i szkice z życia, aby wyjaśnić pomysł.

Następnie przechodzą do malowniczego rozwiązania płótna. Najpierw podmalówki wykonuje się farbami rozcieńczonymi w płynie, w których określa się ogólne relacje kolorystyczne i tonalne obiektów, ich barwę lokalną. Następnie przechodzą do głównej sceny - rzeczywistego obrazowego rozwiązania płótna. Lepiej robić wszystko, od ogólnego do szczegółowego, stopniowo nakładając główny kolor obiektów i olej do modelowania objętości. Konieczne jest wyjaśnienie kontrastów i niuansów koloru, odbić kolorów, ogólnego koloru obrazu. Na ostatnim etapie ponownie przechodzą do uogólnienia. Aby osiągnąć integralność pracy, konieczne jest usunięcie niepotrzebnych ulotek, osłabienie kontrastów, podkreślenie najważniejszej rzeczy.

Wymienione etapy wykonania obrazu są bardzo ważne, zwłaszcza dla celów edukacyjnych. Zdarza się jednak, że artyści odmawiają jakiejś sceny. Każdy pracuje inaczej. Niektórzy wykonują szczegółowy szkic, inni piszą od razu, bez wstępnego rysunku ołówkiem. Ktoś uporczywie poszukuje w naturze wszystkiego, co w przyrodzie, robi szkice w różnych stanach natury, rysuje modelki w odpowiednich kostiumach i pozach, studiuje niezbędny materiał historyczny lub historyczno-artystyczny. Inny artysta bardziej ufa pamięci wizualnej i wyobraźni i generalnie odmawia studiowania przyrody.

Artysta może jednocześnie pracować nad rysunkiem, kompozycją, rzeźbieniem formy, oddaniem przestrzeni i koloru. Tak lubił pracować P. Cezanne, zwłaszcza gdy malował swoje pejzaże lub martwe natury z życia. Jednak ta ścieżka nie jest dostępna dla wszystkich. Musisz mieć doskonałą pamięć wzrokową, dokładny rysunek, myślenie kompozycyjne, nienaganne wyczucie koloru.

Większość artystów woli wykonać wszystkie niezbędne kroki, aby stworzyć obraz. W ten sposób L.A. Ivanov uwielbiał pracować. Zrobił wiele prac przygotowawczych do obrazu „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. Liczne szkice obrazkowe wystawione w Państwowej Galerii Trietiakowskiej pomagają prześledzić twórcze poszukiwania autora.

Wszystko, co zostało powiedziane o pracy nad obrazem, nie powinno być rozumiane jako stały, obowiązkowy i niezmienny porządek. Jednak przestrzeganie zasad pomaga osiągnąć dobre wyniki, opanować umiejętność.

3. 3 Technika malowania martwej natury

malowanie kompozycji kolorystycznej gwaszu

Malowanie martwej natury jest podstawą procesu uczenia się. Jest to niezbędny etap w ustawieniu ręki, oka, rozwoju poczucia koloru, integralności widzenia. Poprzez martwą naturę świat rzeczywisty jest znany w całej swojej różnorodności. Martwa natura nie jest przypadkowym zbiorem przedmiotów. Aktywny stosunek do natury, poczucie piękna powinno przejawiać się na każdym etapie

Sekwencja obrazów martwej natury z przedmiotów gospodarstwa domowego: Pierwszy etap. Wykonywanie szczegółowego rysunku martwej natury cienkimi liniami, identyfikowanie głównych proporcjonalnych relacji i projektowanie obiektów.

Druga faza. Wykonanie podobrazia. Pierwsze układanie lokalnych kolorów przedmiotów i draperii. Kolorystyka obiektów zestawiana jest na palecie za pomocą białego mułu.

Trzeci etap. Identyfikacja relacji kolorów i tonów. Opracowanie i dopracowanie detali światło na ciemności i ciemność na świetle. Gwasz umożliwia wprowadzanie zmian w pracy; jeśli coś nie wyjdzie, nałóż jeden kolor na drugi. Uogólnienie i zakończenie pracy.

Gwasz sekwencji obrazów w krajobrazie: Pierwszy etap. Wykonanie rysunku kompozycji krajobrazowej. Rysunek pędzlem jest lekki i swobodny, przy użyciu ciepłej lub zimnej farby, w zależności od koloru obrazu.

Druga faza. Układanie głównego koloru nieba, koron drzew, wody. Przeniesienie prawdziwych relacji tonalnych i kolorystycznych.

Trzeci etap. Rysowanie detali, podsumowanie i dokończenie pracy. Osiągnięcie kolorystycznej jedności krajobrazu.

3. 4 Technika pracy nad malowniczym wizerunkiem ludzkiej głowy

Malowanie ludzkiej głowy opiera się na ogólnych zasadach tworzenia obrazów malowniczych. Zastanówmy się nad niektórymi cechami metodologicznymi wykonywania badań głowy. Zadania obrazowania głowy sprowadzają się do oddania jej struktury, rzeźbienia kształtu kolorem, odsłaniania indywidualnych cech natury. Konieczne jest przekazanie bogactwa kolorów żywego ludzkiego ciała, połączenia ludzkiej głowy z otoczeniem.

Rysowanie do malowania można wykonać ołówkiem, węglem, ale można od razu rysować pędzlem. Konieczne jest przekazanie cienkimi liniami konstruktywnej struktury głowy, jej położenia w przestrzeni, aby zarysować granice światłocienia.

Praca, jak zawsze, przebiega od ogółu do szczegółu: najpierw w podobrazie określa się ogólne relacje tonalne i kolorystyczne dużych płaszczyzn, następnie formuje się kształt małymi pociągnięciami, rysuje szczegóły, a na na ostatnim etapie wszystko jest uogólniane, aby osiągnąć integralność.

Lepiej zacząć pracę od najciemniejszego miejsca na łonie natury. Cienie na twarzy są bardzo przejrzyste Oni. prawie nie ukrywa żywej karnacji. Porównując z nimi oświetlone części dyny, łatwiej będzie znaleźć półcienie. Biały kolor papieru chwilowo zastępuje oświetlone powierzchnie. Nie spiesz się, aby wypisać każdą rzęsę, jeśli inne części twarzy nie zostały jeszcze rozwiązane, przynajmniej ogólnie. Pracuj przez wszystkie części natury jednocześnie, pracuj metodą relacji. W trakcie przenoszenia objętości głowy miej na to oko. tak, aby pociągnięcia układały się w formie. Subtelne zróżnicowanie kolorystyczne uzależnione jest od wielu odbić. Kolor twarzy i ubioru zawsze nabiera odcienia uzupełniającego kolor tła.

Na ostatnim etapie pracy zwróć szczególną uwagę na wyrazistość sylwetki głowy, jej kontakt z ([młody. Gdzieś trzeba rozpuścić linie konturowe, aw innych miejscach, wręcz przeciwnie. Jeśli malarz ma holistyczną wizję natury, poprawnie wykona dzieło.

Kolejność wykonywania studium obrazowego głowy żywej modelki: Pierwszy etap. Rysowanie pędzlem. Nakreśl ogólny kształt głowy oraz jej położenie w przestrzeni. Narysuj części lipy, kształt fryzury bez zbędnych szczegółów.

Druga faza. Układanie głównego koloru twarzy, włosów, tła, przestrzeganie prawidłowych relacji tonalnych i kolorystycznych.

Trzeci etap. Przepisanie szczegółów, podsumowanie i uzupełnienie pracy, uzyskanie wizerunku portretowego, oddanie charakteru i wizerunku modela.

3. 5 Metody pracy nad malowniczym wizerunkiem postaci ludzkiej

W celach edukacyjnych przedstawiono postać osoby, ale z paskiem i w pełni wzrostu. Malowanie postaci wymaga znajomości anatomii plastycznej, perspektywy i praw nauki o kolorze. Przed przystąpieniem do pracy nad obrazowym wizerunkiem postaci ludzkiej warto wykonać kilka badań tego obiektu jedną farbą (grisaille).

Na samym początku pracy ważne jest nie tylko posadzenie lub umieszczenie natury w określonej pozie, ale także przestudiowanie jej charakterystycznych cech i ruchów, przemyślenie wyboru stroju. Dlatego zaleca się wykonywanie malowniczych szkiców natury. W procesie poszukiwania najbardziej udanego rozwiązania kompozycyjnego w szkicach należy określić plastyczne rozmieszczenie figury w wybranym formacie, ogólny kolor. Charakter modelu decyduje o całej konstrukcji kompozycji.

W podobraziu określane są podstawy rozwiązań tonalnych i kolorystycznych. Ponadto, oddając wolumetryczne, materiałowe i przestrzenne walory modelu, konieczne jest rzeźbienie formy za pomocą pociągnięć i praca z relacjami.

Przedstawiając postać ludzką, konieczne jest znalezienie relacji kolorystycznych w połączeniu z otaczającymi obiektami i tłem. Ta sama draperia przy oświetlonej części natury wyda się nieco ciemniejsza, aw okolicach jej ciemnych miejsc nieco jaśniejsza.

Na ostatnim etapie należy zwrócić uwagę na materiałowe i fakturowe cechy twarzy, włosów, ubrania. Twarz i dłonie zawsze dopracowane są staranniej niż dodatki i tło. Ważne jest, aby prace wykonać na czas, aby uniknąć fragmentacji, nadmiernego dopracowania szczegółów i niekompletności szkicu. Możliwe są różne twórcze podejścia do wizerunku postaci ludzkiej.

Sekwencja wykonywania obrazowego studium postaci ludzkiej: Pierwszy etap. Rysowanie pędzlem. Nakreśl ogólny ruch postaci, jej proporcje oraz położenie w przestrzeni. Narysuj głowę, szyję. szarpanie, ręce, nogi bez zbędnych detali.

Druga faza. Ułożenie głównego koloru ciała, włosów, ubrania, tła, przeniesienie prawidłowych relacji tonalnych i kolorystycznych.

Trzeci etap. Rysowanie detali, podsumowywanie i uzupełnianie pracy, przenoszenie charakteru i wizerunku modela.

Hostowane na Allbest.ru

Podobne dokumenty

Metody tworzenia kompozycji na płaszczyźnie za pomocą komputera. Charakterystyka i figuratywne środki kompozycji. Wartość formy dla wzmocnienia emocjonalnego oddziaływania dzieła. Podstawowe zasady jego budowy, sposoby osiągania harmonii.

test, dodano 14.02.2011


Kompozycja graficzna jako zasada strukturalna dzieła, główne środki wizualne, cechy organizacyjne. Klasyfikacja i rodzaje, a także funkcjonalność spotu, zasady i główne etapy budowania przy jego pomocy kompozycji.

praca semestralna, dodano 16.06.2015


Wartość koloru w kompozycji dekoracyjnej jako środek obrazowy i wyrazisty. Główne właściwości kolorów, ich psychologiczna percepcja. Historyczny rozwój trendów kolorystycznych, cechy harmonijnych zestawień kolorystycznych w garniturze.

praca semestralna, dodana 05.03.2011


Specyfika budowy kompozycji w malarstwie dekoracyjnym. Główne etapy pracy nad produkcją tematyczną „Moda”. Metody i techniki wykonywania dzieła sztuki. Znajomość techniki i materiałów malarskich, ich wykorzystania w projektowaniu otoczenia.

praca semestralna, dodana 03.01.2014


Analiza historycznych aspektów powstania i rozwoju miniaturowego malarstwa lakowego w Rosji. Główne tematy gatunku myśliwskiego. Etapy pracy nad stworzeniem kompozycji na temat „Polowanie na kaczki”. Opracowanie ciągu technologicznego do malowania pudełka.

praca dyplomowa, dodana 29.07.2012


Problemy kompozycji, jej wzorów, technik, środków wyrazu i harmonizacji. Przykłady asymetrycznej konstrukcji kompozycji. Asymetria sposobem na osiągnięcie równowagi. Podporządkowanie części jest sposobem na połączenie kompozycji asymetrycznej.

streszczenie, dodane 14.10.2014


Ekspresjonizm abstrakcyjny drugiej połowy XX wieku. Praca Jean-Michel Basquiat, G. Baselitz, N. Olivier. Możliwości mieszanych środków w kompozycji malarskiej: kolaż, malowanie farbami akrylowymi i olejnymi z wykorzystaniem materiałów graficznych.

praca dyplomowa, dodana 07.10.2015


Formalne znaki kompozycji obrazu. Uczciwość, podporządkowanie drugiego względem głównego. Równowaga (statyczna i dynamiczna). Rodzaje i formy, techniki i środki kompozycji oraz ich charakterystyka. Estetyczny aspekt kompozycji formalnej.

streszczenie, dodane 20.11.2012


Znaczenie rytmu jako organizującej zasady kompozycji, cechy jego konstrukcji w sztuce różnych okresów historycznych. Efekty przestrzenne i rodzaje kontrastujących przejawów koloru. Pojęcie obrazu artystycznego, jego tworzenie w projektowaniu graficznym.

praca semestralna, dodano 16.04.2012


Środki wyrazu w obrazowej kompozycji krajobrazu. Podstawy metodyczne organizowania rysunku tematycznego na temat „Krajobraz-nastrój” na lekcjach plastyki w gimnazjum. Z doświadczenia w pracy nad kompozycją obrazu.

Oddział PFR dla miasta Sewastopol zwraca uwagę pracodawców: ostatni dzień na otrzymywanie miesięcznych raportów w formie SZV-M na listopad - 17 grudnia 2018 r.(od 15 i 16 grudnia są dni wolne). Dodatkowo w styczniu 2019 pracodawcy składający raporty w formie papierowej będą mieli tylko 5 dni na przesłanie informacji za grudzień 2018 – od 9 stycznia do 15 stycznia.

Liderzy, weźcie odpowiedzialność za swoje obowiązki! Ważne jest, aby zrozumieć, że indeksacja emerytur dla obywateli, którzy przestali pracować, zależy od terminowych informacji przekazywanych FIU. Przestrzegaj dwóch zasad: dokładności informacji i terminu ich złożenia.

Przypominamy również, że w 2019 r. ubezpieczający również muszą zgłosić doświadczenia ubezpieczeniowe swoich pracowników w formularzu SZV-ETAP. Konieczne będzie odniesienie sukcesu w przekazaniu informacji o doświadczeniu do 1 marca włącznie. Jeśli pracodawca zlekceważy terminy zgłoszenia, zostaną na niego nałożone sankcje finansowe.
Formularz SZV-STAZH odzwierciedla informacje o okresie pracy w ciągu roku kalendarzowego, w tym okresy aktywności pracownika o szczególnych warunkach pracy uprawniających do wcześniejszej emerytury.

Do przygotowania informacji można skorzystać z oprogramowania zamieszczonego na oficjalnej stronie internetowej PFR w dziale „Dla Pracodawców”, w podsekcji „Darmowe programy, formularze i protokoły”.