Melodie i pieśni narodu rosyjskiego inspirowały twórczość słynnych kompozytorów drugiej połowy XIX wieku. Wśród nich byli P.I. Czajkowski, MP. Musorgski, MI Glinka i A.P. Borodin. Ich tradycje kontynuowała cała plejada wybitnych postaci muzycznych. Rosyjscy kompozytorzy XX wieku są nadal popularni.

Aleksander Nikołajewicz Skriabin

JAKIŚ. Skriabin (1872 - 1915), rosyjski kompozytor i utalentowany pianista, pedagog, innowator, nie może pozostawić nikogo obojętnym. W jego oryginalnej i impulsywnej muzyce czasami słychać mistyczne chwile. Kompozytora pociąga i pociąga obraz ognia. Nawet w tytułach swoich dzieł Skriabin często powtarza słowa takie jak ogień i światło. Próbował znaleźć w swoich pracach możliwość łączenia dźwięku i światła.

Ojciec kompozytora, Nikołaj Aleksandrowicz Skriabin, był znanym rosyjskim dyplomatą, faktycznym radcą stanu. Matka - Lyubov Petrovna Scriabin (z domu Shchetinina), była znana jako bardzo utalentowana pianistka. Ukończyła z wyróżnieniem Konserwatorium Petersburskie. Jej kariera zawodowa rozpoczęła się pomyślnie, ale wkrótce po urodzeniu syna zmarła na gruźlicę. W 1878 Nikołaj Aleksandrowicz ukończył studia i został skierowany do ambasady rosyjskiej w Konstantynopolu. Wychowanie przyszłego kompozytora kontynuowali jego bliscy krewni - babcia Elizaveta Ivanovna, jej siostra Maria Iwanowna i siostra jej ojca Ljubow Aleksandrowna.

Pomimo tego, że w wieku pięciu lat Skriabin opanował grę na pianinie, a nieco później zaczął studiować kompozycje muzyczne, zgodnie z rodzinną tradycją otrzymał wykształcenie wojskowe. Ukończył 2. Moskiewski Korpus Kadetów. Równolegle pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie i teorii muzyki. Później wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z małym złotym medalem.

Skriabin na początku swojej twórczości świadomie podążał za Chopinem, wybierając te same gatunki. Jednak już wtedy pojawił się jego własny talent. Na początku XX wieku napisał trzy symfonie, następnie Poemat ekstazy (1907) i Prometeusz (1910). Ciekawe, że do partytury „Prometeusza” kompozytor dodał część lekkiej klawiatury. Jako pierwszy zastosował światło i muzykę, których celem jest ujawnianie muzyki metodą percepcji wzrokowej.

Przypadkowa śmierć kompozytora przerwała jego pracę. Nigdy nie zrealizował swojego planu stworzenia „Tajemnicy” – symfonii dźwięków, kolorów, ruchów, zapachów. W tej pracy Skriabin chciał przekazać całej ludzkości swoje najskrytsze myśli i zainspirować go do stworzenia nowego świata, naznaczonego połączeniem Ducha Uniwersalnego i Materii. Jego najważniejsze prace były tylko wstępem do tego wspaniałego projektu.

Słynny rosyjski kompozytor, pianista, dyrygent S.V. Rachmaninow (1873 - 1943) urodził się w zamożnej rodzinie szlacheckiej. Dziadek Rachmaninowa był zawodowym muzykiem. Pierwsze lekcje gry na fortepianie udzieliła mu matka, później został zaproszony przez nauczyciela muzyki A.D. Ornackiej. W 1885 roku rodzice przydzielili go do prywatnej szkoły z internatem dla profesora Konserwatorium Moskiewskiego N.S. Zwieriew. Porządek i dyscyplina w placówce oświatowej miały istotny wpływ na ukształtowanie się przyszłego charakteru kompozytora. Później ukończył Konserwatorium Moskiewskie ze złotym medalem. Jeszcze jako student Rachmaninow cieszył się dużą popularnością wśród moskiewskiej publiczności. Skomponował już swój I Koncert fortepianowy, a także kilka innych romansów i utworów. A jego „Preludium cis-moll” stało się bardzo popularną kompozycją. Świetny numer identyfikacyjny Czajkowski zwrócił uwagę na pracę dyplomową Siergieja Rachmaninowa - operę „Oleko”, którą napisał pod wrażeniem wiersza A.S. „Cyganie” Puszkina. Piotr Iljicz wystawił go w Teatrze Bolszoj, próbował pomóc w włączeniu tego utworu do repertuaru teatru, ale niespodziewanie zmarł.

Od dwudziestego roku życia Rachmaninow uczył w kilku instytutach, udzielał prywatnych lekcji. Na zaproszenie słynnego filantropa, teatralnej i muzycznej postaci Sawwy Mamontowa, w wieku 24 lat kompozytor zostaje drugim dyrygentem Moskiewskiej Rosyjskiej Opery Prywatnej. Tam zaprzyjaźnił się z F.I. Szaliapin.

Kariera Rachmaninowa została przerwana 15 marca 1897 r. z powodu odrzucenia przez petersburską publiczność jego nowatorskiej I Symfonii. Recenzje tej pracy były naprawdę druzgocące. Ale największy smutek przysporzyły kompozytorowi negatywne opinie pozostawione przez N.A. Rimski-Korsakow, którego opinię bardzo cenił Rachmaninow. Potem popadł w długotrwałą depresję, z której udało mu się wyjść z pomocą lekarza-hipnotysty N.V. Dahla.

W 1901 Rachmaninow zakończył pracę nad II Koncertem fortepianowym. I od tego momentu zaczyna się jego aktywna działalność twórcza jako kompozytor i pianista. Unikalny styl Rachmaninowa łączył rosyjskie pieśni kościelne, romantyzm i impresjonizm. Uważał melodię za główną zasadę przewodnią w muzyce. Największy wyraz znalazło to w ulubionym utworze autora – wierszu „Dzwony”, który napisał na orkiestrę, chór i solistów.

Pod koniec 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną opuścił Rosję, pracował w Europie, a następnie wyjechał do Ameryki. Kompozytor był bardzo zdenerwowany zerwaniem z Ojczyzną. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej dawał koncerty charytatywne, z których dochód przekazywał na Fundusz Armii Czerwonej.

Muzyka Strawińskiego jest zróżnicowana stylistycznie. Na samym początku swojej twórczej działalności opiera się na rosyjskich tradycjach muzycznych. A potem w utworach słychać wpływy neoklasycyzmu, charakterystycznego dla muzyki Francji tego okresu i dodekafonii.

Igor Strawiński urodził się w Oranienbaum (obecnie Łomonosow) w 1882 roku. Ojciec przyszłego kompozytora Fiodora Ignatiewicza jest znanym śpiewakiem operowym, jednym z solistów Teatru Maryjskiego. Jego matką była pianistka i piosenkarka Anna Kirillovna Kholodovskaya. Od 9 roku życia nauczyciele uczyli go lekcji gry na fortepianie. Po ukończeniu liceum, na prośbę rodziców, wstępuje na wydział prawa uczelni. Przez dwa lata, od 1904 do 1906, pobierał lekcje w N.A. Rimskiego-Korsakowa, pod którego kierunkiem napisał pierwsze utwory – scherzo, sonatę fortepianową, suitę Faun i Pasterz. Siergiej Diagilew wysoko ocenił talent kompozytora i zaproponował mu współpracę. Wspólna praca zaowocowała trzema baletami (w inscenizacji S. Diagilewa) - Ognisty ptak, Pietruszka, Święto wiosny.

Tuż przed I wojną światową kompozytor wyjeżdża do Szwajcarii, a następnie do Francji. W jego twórczości zaczyna się nowy okres. Studiuje style muzyczne XVIII wieku, pisze operę Król Edyp, muzykę do baletu Apollo Musaget. Jego charakterystyczny styl zmieniał się kilka razy na przestrzeni czasu. Kompozytor od wielu lat mieszka w USA. Jego ostatnie słynne dzieło „Requiem”. Cechą kompozytora Strawińskiego jest umiejętność ciągłej zmiany stylów, gatunków i kierunków muzycznych.

Kompozytor Prokofiew urodził się w 1891 roku w małej wiosce w guberni jekaterynosławskiej. Świat muzyki otworzyła dla niego matka, dobra pianistka, często wykonująca utwory Chopina i Beethovena. Stała się także prawdziwym muzycznym mentorem dla swojego syna, a ponadto nauczyła go niemieckiego i francuskiego.

Na początku 1900 roku młody Prokofiew mógł uczęszczać na balet Śpiąca Królewna i słuchać oper Faust i Książę Igor. Wrażenie wyniesione z przedstawień moskiewskich teatrów zostało wyrażone we własnej pracy. Pisze operę Olbrzym, a następnie uwerturę do Deserted Shores. Rodzice szybko zdają sobie sprawę, że nie mogą dalej uczyć swojego syna muzyki. Wkrótce, w wieku jedenastu lat, początkujący kompozytor został przedstawiony słynnemu rosyjskiemu kompozytorowi i nauczycielowi S.I. Taneev, który osobiście zapytał R.M. Gliera studiować kompozycję muzyczną u Siergieja. S. Prokofiew w wieku 13 lat zdał egzaminy wstępne do Konserwatorium Petersburskiego. Na początku swojej kariery kompozytor intensywnie koncertował i koncertował. Jednak jego praca wywołała nieporozumienia wśród opinii publicznej. Wynikało to ze specyfiki prac, które wyrażały się w następujący sposób:

• styl modernistyczny;
• niszczenie ustalonych kanonów muzycznych;
• ekstrawagancja i pomysłowość technik kompozytorskich

W 1918 r. S. Prokofiew wyjechał i wrócił dopiero w 1936 r. Już w ZSRR pisał muzykę do filmów, oper, baletów. Ale po tym, jak wraz z kilkoma innymi kompozytorami został oskarżony o „formalizm”, praktycznie przeniósł się do daczy, ale nadal pisał utwory muzyczne. Jego opera Wojna i pokój, balety Romeo i Julia oraz Kopciuszek stały się własnością kultury światowej.

Rosyjscy kompozytorzy XX wieku, żyjący na przełomie wieków, nie tylko zachowali tradycje poprzedniego pokolenia inteligencji twórczej, ale także stworzyli własną unikalną sztukę, dla której dzieła P.I. Czajkowski, MI Glinka, N.A. Rimski-Korsakow.

Anastazja Flegontova

klasa 7specjalizacja „Teoria muzyki”,MAOUDOD DSHI numer 46, Kemerowo

Zaigraeva Walentyna Afanasjewna

dyrektor naukowy,nauczyciel dyscyplin teoretycznych MAOU DOD „DSHI No. 46”

Wstęp

Każde większe miasto ma orkiestrę symfoniczną. Jest poszukiwany zarówno w teatrach operowych, jak iw towarzystwach filharmonicznych. Ale sam gatunek symfonii - jeden z najsłynniejszych gatunków muzyki akademickiej - jest dziś wypierany przez muzykę kameralną i elektroniczną. I może się zdarzyć, że nadejdzie godzina, kiedy tak wspaniały gatunek, jakim jest symfonia, w ogóle przestanie być wykonywany na koncertach. Przynajmniej prawie przestali komponować symfonie. Znaczenie tematy badawcze: niesłabnące zainteresowanie pytaniem o przyszłe istnienie gatunku „symfonia”, co czeka symfonię w XXI wieku: odrodzenie czy zapomnienie? Obiekt badań to symfonia jako gatunek i jako poważny sposób rozumienia świata i wyrażania siebie. Przedmiot badań: ewolucja gatunku symfonicznego od jego początków do współczesności. Cel pracy: zbadać osobliwości rozwoju gatunku symfonicznego. Cele badań: analizować materiał naukowy i teoretyczny dotyczący problemu; opisują prawa symfoniczne, normy, modele i kierunki rozwoju gatunku.

Rozdziałi. Historia słowa „symfonia”.

Symfonia (z gr. symphonía - współbrzmienie, od sýn - razem i telefon - dźwięk), utwór muzyczny w formie cyklicznej sonatowej, przeznaczony do wykonania przez orkiestrę symfoniczną; jeden z najważniejszych gatunków muzyki symfonicznej. W niektóre symfonie zaangażowani są także śpiewacy chórzyści i soliści. Symfonia to jeden z najtrudniejszych gatunków muzycznych. „Dla mnie tworzenie symfonii oznacza budowanie świata wszelkimi środkami współczesnej technologii muzycznej” – powiedział austriacki kompozytor Gustav Mahler.

Początkowo w starożytnej Grecji „symfonia” była eufonicznym brzmieniem tonów, wspólnym śpiewem unisono. W starożytnym Rzymie tak zwany już zespół, orkiestra. W średniowieczu muzyka świecka była ogólnie uważana za „symfonię” (we Francji znaczenie to zachowało się do XVIII wieku), więc niektóre instrumenty muzyczne (w szczególności lirę kołową) można było nazwać. W Niemczech symfonia do połowy XVIII w. była ogólnym określeniem odmian klawesynu - szpinetów i dziewicli, we Francji tzw.

U schyłku epoki baroku niektórzy kompozytorzy, jak np. Giuseppe Torelli (1658-1709), tworzyli kompozycje na orkiestrę smyczkową i basso continuo w trzech częściach, z sekwencją tempa „szybko – wolno – szybko”. Chociaż takie kompozycje nazywano zwykle „koncertami”, nie różniły się niczym od kompozycji zwanych „symfonią”; na przykład motywy taneczne zostały wykorzystane w finałach zarówno koncertów, jak i symfonii. Różnica dotyczyła przede wszystkim budowy pierwszej części cyklu: w symfoniach była prostsza - z reguły binarna dwuczęściowa forma barokowej uwertury, sonaty i suity (AA BB). Dopiero w XVI wieku. zaczęto ją stosować do poszczególnych utworów, początkowo wokalnych i instrumentalnych, wśród takich kompozytorów jak Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 i Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610). ) i Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629). Włoscy kompozytorzy XVII wieku często oznaczany słowem „symfonia” (sinfonia) instrumentalne wstępy do opery, oratorium lub kantaty, a termin ten w znaczeniu zbliżył się do pojęć „preludium” lub „uwertury”.

Za pierwowzór symfonii uznać można włoską uwerturę, która ukształtowała się pod koniec XVII wieku za czasów Domenico Scarlattiego. Forma ta była już wówczas nazywana symfonią i składała się z trzech kontrastujących ze sobą części: allegro, andante i allegro, które scaliły się w jedną całość, cechy formy sonatowej zarysowały się w części pierwszej. To właśnie ta forma jest często postrzegana jako bezpośredni prekursor symfonii orkiestrowej. Z kolei zwiastunem symfonii była sonata orkiestrowa, składająca się z kilku części w najprostszych formach i przeważnie w tej samej tonacji. Terminy „uwertura” i „symfonia” były używane zamiennie przez większą część XVIII wieku.

W XVIII wieku. symfonia oddzieliła się od opery i stała się niezależnym gatunkiem koncertowym, zwykle w trzech częściach („szybko – wolno – szybko”). Wykorzystując cechy barokowej suity tanecznej, opery i koncertu, wielu kompozytorów, a przede wszystkim J.B. Sammartini stworzył wzór klasycznej symfonii – trzygłosowego utworu na orkiestrę smyczkową, w którym szybkie partie przybierały zwykle formę prostego ronda lub wczesnej formy sonatowej. Stopniowo do smyczków dodawano kolejne instrumenty: oboje (lub flety), waltornie, trąbki i kotły. Dla słuchaczy XVIII wieku. o symfonii decydowały normy klasyczne: faktura homofoniczna, harmonia diatoniczna, kontrasty melodyczne, określony ciąg zmian dynamicznych i tematycznych. Ośrodkami kultywowania klasycznej symfonii były niemieckie Mannheim (tu Jan Stamitz i inni autorzy rozszerzyli cykl symfoniczny do czterech części, wprowadzając dwa tańce z barokowej suity – menueta i trio) oraz Wiedeń, gdzie Haydn, Mozart Beethoven (podobnie jak ich poprzednicy, wśród których wyróżniają się Georg Monn i Georg Wagenzeil, podnieśli gatunek symfonii na nowy poziom. Swoje 15 utworów nazwali też „symfonami” (w tych samych tonacjach co wynalazki dwuczęściowe, ale w trzyczęściowej prezentacji) Johann Sebastian Bach (1685-1750, Niemcy).

RozdziałII... Symfonie kompozytorów zagranicznych

1. Klasyka wiedeńska

1.1. Franciszek Józef Haydn

W twórczości Franciszka Józefa Haydna (1732-1809) ostatecznie uformował się cykl symfoniczny. Jego wczesne symfonie nadal zasadniczo nie różnią się od muzyki kameralnej i prawie nie wykraczają poza zwykłą rozrywkę i codzienne gatunki tamtej epoki. Dopiero w latach 70. pojawiły się utwory wyrażające głębszy świat obrazów ("Symfonia żałobna", "Symfonia pożegnalna" itp.). Stopniowo jego symfonie nabierają głębszej treści dramatycznej. Najwyższym osiągnięciem symfonii Haydna jest dwanaście symfonii „londyńskich”.

Struktura sonatyAllegro. Każda z symfonii (z wyjątkiem c-moll) rozpoczyna się krótkim, powolnym wstępem o charakterze uroczyście dostojnym, przemyślanie skoncentrowanym, lirycznie zamyślonym lub spokojnie kontemplacyjnym (zwykle w tempie Largo lub Adagia). Powolne intro ostro kontrastuje z późniejszym Allegro (będącym pierwszą częścią symfonii) i jednocześnie je przygotowuje. Nie ma jasnego kontrastu figuratywnego między tematami partii głównej i drugorzędnej. Zarówno te, jak i inne mają zazwyczaj charakter pieśni i tańca ludowego. Jest tylko kontrast tonalny: tonacja główna partii głównych przeciwstawiona jest tonacji dominującej partii drugorzędnych. Znaczny rozwój osiągnięto w symfoniach Haydna, które budowane są poprzez motywacyjną izolację. Krótki, ale najbardziej aktywny segment jest oddzielony od tematu części głównej lub bocznej i przechodzi dość długi samodzielny rozwój (ciągłe modulacje w różnych tonacjach, gra na różnych instrumentach i w różnych rejestrach). Nadaje to rozwojowi dynamiczny i ambitny charakter.

Druga (wolna) część mają inny charakter: czasem zamyślony liryczny, czasem śpiewny, czasem marszowy. Różnią się też formą. Najczęściej są to złożone formy trójczłonowe i wariacyjne.

Menuety. Trzecie części symfonii „londyńskich” noszą zawsze nazwę Menuetto. Wiele menuetów Haydna ma charakter tańców country z ich nieco ciężkim krokiem, zamaszystą melodią, nieoczekiwanymi akcentami i zmianami rytmicznymi, które często tworzą humorystyczny efekt. Trzytaktowy rozmiar tradycyjnego menueta pozostaje, ale traci on arystokratyczne wyrafinowanie i staje się demokratycznym, chłopskim tańcem.

Egzaminy końcowe. W finałach symfonii Haydna obrazy rodzajowe zwracają również uwagę na ludową muzykę taneczną. Formą najczęściej jest sonata lub sonata rondo. W niektórych finałach „Londyńskich” symfonii szeroko stosowane są metody wariacji i polifonii (imitacji), dodatkowo podkreślające szybki ruch muzyki i dynamizujące całą tkankę muzyczną [ 4, s. 76-78]

Orkiestra. W twórczości Haydna ugruntował się również skład orkiestry. Opiera się na czterech grupach instrumentów. Czołowa grupa orkiestry to skrzypce, altówki, wiolonczele i kontrabasy. W skład zespołu drewnianego wchodzą flety, oboje, klarnety (nie we wszystkich symfoniach), fagoty. Grupa instrumentów dętych Haydna składa się z waltorni i trąbek. Z instrumentów perkusyjnych Haydn używał w orkiestrze tylko kotłów. Wyjątkiem jest dwunasta „Symfonia londyńska”, G-dur („Wojskowa”). Oprócz kotłów Haydn wprowadził do niego trójkąt, talerze i wielki bęben. W sumie twórczość Franza Josepha Haydna obejmuje ponad 100 symfonii.

1.2. Wolfgang Amadeusz Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) wraz z Haydnem stał u początków europejskiej symfonii, a najlepsze symfonie Mozarta pojawiły się jeszcze przed Londyńskimi Symfoniami Haydna. Bez powielania Haydna Mozart rozwiązał problem cyklu symfonicznego na swój własny sposób. Łączna liczba jego symfonii przekracza 50, chociaż zgodnie z ciągłą numeracją przyjętą w rosyjskiej muzykologii ostatnia symfonia – „Jowisz” – uważana jest za 41. Większość symfonii Mozarta ukazała się we wczesnych latach jego twórczości. W okresie wiedeńskim powstało tylko 6 ostatnich symfonii, w tym: „Linz” (1783), „Praga” (1786) oraz trzy symfonie z 1788 roku.

Pierwsze symfonie Mozarta były pod silnym wpływem twórczości I.S. Kawaler. Przejawiało się to zarówno w interpretacji cyklu (3 małe części, bez menueta, mała kompozycja orkiestrowa), jak iw różnych szczegółach ekspresyjnych (melodia tematów, kontrasty ekspresyjne dur i moll, wiodąca rola skrzypiec).

Wizyta w głównych ośrodkach symfonii europejskiej (Wiedeń, Mediolan, Paryż, Mannheim) przyczyniła się do ewolucji myślenia symfonicznego Mozarta: wzbogaca się treść symfonii, rozjaśniają się kontrasty emocjonalne, aktywniejszy jest rozwój tematyczny, skala partii jest powiększona faktura orkiestrowa staje się bardziej rozwinięta. W przeciwieństwie do Londyńskich Symfonii Haydna, które na ogół rozwijają jeden rodzaj symfonii, najlepsze symfonie Mozarta (nr 39-41) wymykają się typizacji, są absolutnie wyjątkowe. Każdy z nich ucieleśnia całkowicie nową ideę artystyczną. Dwie z ostatnich czterech symfonii Mozarta mają powolne intro, pozostałe dwie nie. Symfonia nr 38 (Praga, D-dur) ma trzy części („symfonia bez menueta”), pozostałe cztery.

Do najbardziej charakterystycznych cech mozartowskiej interpretacji gatunku symfonicznego należą:

· Dramat konfliktu. Kontrast i konflikt manifestują się w symfoniach Mozarta na różnych poziomach części cyklu, poszczególnych tematów, różnych elementów tematycznych w obrębie tematu. Wiele tematów symfonicznych Mozarta pojawia się początkowo jako „postać złożona”: są one zbudowane na kilku kontrastujących ze sobą elementach (na przykład główne tematy w finale 40. części I Symfonii Jowiszowej). Te wewnętrzne kontrasty są najważniejszym bodźcem do późniejszego dramatycznego wdrożenia, w szczególności w wydarzeniach:

1. preferencja dla formy sonatowej. Z reguły Mozart odwołuje się do niej we wszystkich częściach swoich symfonii, z wyjątkiem menueta. To właśnie forma sonatowa, z ogromnymi możliwościami przekształcania tematów inicjalnych, jest zdolna do najgłębszego objawienia świata duchowego człowieka. W rozwoju sonaty Mozarta każdy temat ekspozycji może nabrać samodzielnego znaczenia, m.in. łączenie i zawieranie (na przykład w symfonii „Jowisz” w rozwoju pierwszej części rozwijane są tematy wynagrodzenia i świętego, aw drugiej części - święty tom);

2. ogromna rola techniki polifonicznej. Na dramat w dużej mierze składają się rozmaite zabiegi polifoniczne, zwłaszcza w późniejszych utworach (najbardziej uderzającym przykładem jest finał symfonii „Jowisz”);

3. odejście od gatunku otwartego w symfonicznych menuetach i finałach. Dla nich, w przeciwieństwie do Haydna, nie sposób zastosować definicji „gatunku na co dzień”. Wręcz przeciwnie, w swoich menuetach Mozart często „neutralizuje” zasadę tańca, wypełniając swoją muzykę albo dramatem (w Symfonii nr 40), albo poezją liryczną (w symfonii „Jowisz”);

4. ostateczne przezwyciężenie logiki suity cyklu symfonicznego, jako alternatywy części różnych postaci. Cztery części symfonii Mozarta reprezentują organiczną jedność (jest to szczególnie widoczne w Symfonii nr 40);

5. bliski związek z gatunkami wokalnymi. Na klasyczną muzykę instrumentalną duży wpływ miała opera. U Mozarta ten wpływ operowej ekspresji jest bardzo silnie odczuwalny. Przejawia się to nie tylko w wykorzystaniu charakterystycznych intonacji operowych (jak np. w temacie głównym 40. symfonii, który często porównywany jest z tematem Cherubinów „Nie mogę powiedzieć, nie mogę wyjaśnić…”). Muzyka symfoniczna Mozarta przesycona jest kontrastowymi zestawieniami tragizmu z błazenkiem, wzniosłości i przyziemności, co wyraźnie przypomina jego kompozycje operowe.

1.3. Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) dodatkowo wzbogacił gatunek symfoniczny. W jego symfoniach wielkie znaczenie nabrały heroizm, dramat i zasady filozoficzne. Części symfonii są ściślej powiązane tematycznie, a cykl osiąga większą jedność. Zasada wykorzystania pokrewnego materiału tematycznego we wszystkich czterech częściach, zrealizowana w V Symfonii Beethovena, doprowadziła do powstania tzw. symfonia cykliczna. Beethoven zastępuje spokojnego menueta bardziej żywym, często żywiołowym scherzem; podnosi rozwój tematyczny na nowy poziom, poddając swoje tematy wszelkiego rodzaju zmianom, w tym przekształceniom kontrapunktowym, wyodrębnianiu fragmentów tematów, zmianie skali (dur-moll), przesunięciom rytmicznym.

Mówiąc o symfoniach Beethovena, należy podkreślić jego orkiestrową innowacyjność. Z innowacji:

1. faktyczna formacja pasma miedzi. Choć trąbki nadal są grane i nagrywane razem z kotłami, funkcjonalnie zaczynają być traktowane z waltorniami jako jedna grupa. Dołączają do nich puzony, których nie było w Orkiestrze Symfonicznej Haydna i Mozarta. Puzony grane są w finale V Symfonii (3 puzony), w scenie burzy w VI (są tu tylko 2), a także w niektórych partiach IX (w scherzo i w odcinku modlitewnym). finału, a także w kodzie);

2. Zagęszczenie „warstwy środkowej” umożliwia budowanie pionu od góry i od dołu. Z góry pojawia się flet piccolo (we wszystkich tych przypadkach, z wyjątkiem epizodu modlitewnego w IX finale), a od dołu kontrafagot (w finałach V i IX Symfonii). W każdym razie w orkiestrze Beethovena są zawsze dwa flety i fagoty;

3. Kontynuując tradycję Symfonii Londyńskich Haydna i późniejszych symfonii Mozarta, Beethoven wzmacnia niezależność i wirtuozerię partii niemal wszystkich instrumentów, w tym trąbki (słynne solo za kulisami w uwerturach Leonore nr 2 i nr 3) oraz kotły . Często ma 5 partii smyczków (kontrabasy są oddzielone od wiolonczel), a czasem więcej (gra w divisi). Wszystkie instrumenty dęte drewniane, w tym fagot, a także waltornie (w refrenie, jak w trio symfonii Scherzo 3, lub osobno) mogą grać solo, wykonując bardzo jasny materiał.

2. Romantyzm

Głównym wyróżnikiem romantyzmu był wzrost formy, skład orkiestry i gęstość dźwięku, pojawiają się motywy przewodnie. Kompozytorzy romantyczni zachowali tradycyjny schemat cyklu, ale wypełnili go nową treścią. Poczesne miejsce wśród nich zajmuje symfonia liryczna, której jednym z najjaśniejszych przykładów była symfonia h-moll F. Schuberta. Wątek ten kontynuowany był w symfoniach F. Mendelssohna-Bartholdy'ego, często o charakterze malowniczym i krajobrazowym. Symfonie nabrały w ten sposób cech programowego charakteru, tak charakterystycznego dla kompozytorów romantycznych. Hector Berlioz, wybitny kompozytor francuski, jako pierwszy stworzył symfonię programową, pisząc dla niej program poetycki w formie opowiadania o życiu artysty. Jednak idee programowe w muzyce romantycznej częściej ucieleśniały formy jednogłosowych poematów symfonicznych, fantazji itp. Najwybitniejszy autor symfonii na przełomie XIX i XX wieku. był G. Mahler, czasem pociągający i wokalny początek. Znaczące na Zachodzie symfonie tworzyli przedstawiciele nowych szkół narodowych: w drugiej połowie XIX wieku. - A. Dvorak w Czechach, w XX wieku. - K. Szymanowski w Polsce, E. Elgar i R. Vaughan Williams w Anglii, J. Sibelius w Finlandii. Symfonie kompozytorów francuskich A. Honeggera, D. Millau i innych wyróżniają się innowacyjnymi cechami. dominowała wielka symfonia (często na rozbudowaną orkiestrę), później coraz większą rolę zaczęła odgrywać skromna w skali i przeznaczona na zespół solistów symfonia kameralna.

2.1. Franciszek Schubert (1797-1828)

Stworzony przez Schuberta romantyczny symfonizm został zdefiniowany głównie w dwóch ostatnich symfoniach – VIII h-moll, która otrzymała nazwę „Niedokończona” i IX C-dur. Są zupełnie inne, przeciwne do siebie. Epicki dziewiąty jest nasycony poczuciem wszechogarniającej radości istnienia. „Niedokończone” zawierało w sobie temat deprywacji, tragicznej beznadziejności. Takie nastroje, odzwierciedlające losy całego pokolenia ludzi, nie znalazły jeszcze przed Schubertem symfonicznej formy wyrazu. Stworzona dwa lata wcześniej niż IX Symfonia Beethovena (1822) „Niedokończona” oznaczała pojawienie się nowego gatunku symfonicznego – lirycznego i psychologicznego.

Jedna z głównych cech symfonii h-moll dotyczy jej cyklu, który składa się tylko z dwóch części. Wielu badaczy próbowało wniknąć w „tajemnicę” tego dzieła: czy genialna symfonia rzeczywiście pozostała niedokończona? Z jednej strony nie ulega wątpliwości, że symfonia pomyślana była jako cykl 4-częściowy: w jej oryginalnym szkicu fortepianowym znalazł się duży fragment 3 części – scherzo. Brak równowagi tonalnej między częściami (h-moll w I i E-dur w II) jest również mocnym argumentem przemawiającym za tym, że symfonia nie była z góry pomyślana jako dwuczęściowa. Z drugiej strony Schubert miał wystarczająco dużo czasu, aby dokończyć pisanie symfonii: po „Niedokończonym” stworzył dużą liczbę utworów, w tym 4-częściową IX symfonię. Są inne plusy i minusy. Tymczasem „Niedokończona” stała się jedną z najbardziej repertuarowych symfonii, absolutnie nie wywołując wrażenia niedopowiedzenia. Jej plan w dwóch częściach okazał się w pełni zrealizowany.

Bohater „Niedokończonego” jest zdolny do jasnych przebłysków protestu, ale ten protest nie prowadzi do zwycięstwa zasady afirmacji życia. Pod względem napięcia konfliktu symfonia ta nie ustępuje dramaturgii Beethovena, ale konflikt ten ma inny plan, został przeniesiony na sferę liryczną i psychologiczną. To jest dramat przeżycia, a nie akcja. Jej podstawą nie jest walka między dwiema przeciwstawnymi zasadami, ale walka w samej osobowości. To najważniejsza cecha symfonizmu romantycznego, którego pierwszym przykładem była symfonia Schuberta.

RozdziałIII... Symfonia w Rosji

Dziedzictwo symfoniczne kompozytorów rosyjskich - P.I. Czajkowski, A.P. Borodin, AG Glazunova, Skriabin, S.V. Rachmaninow. Od drugiej połowy XIX wieku surowe formy symfonii zaczęły się rozpadać. Czteroczęściowa stała się opcjonalna: są zarówno symfonie jednoczęściowe (Myaskowski, Kanczeli, Borys Czajkowski), jak i jedenastoczęściowe (Szostakowicz), a nawet dwudziestoczteroczęściowe (Hovaness). Pojawiły się powolne finały, niemożliwe w klasycznej symfonii (VI Symfonia Czajkowskiego, III i IX Symfonia Mahlera). Po IX Symfonii Beethovena kompozytorzy zaczęli coraz częściej wprowadzać do symfonii partie wokalne.

Druga Symfonia Aleksandra Porfirewicza Borodina (1833-1887) jest jednym ze szczytów jego twórczości. Należy do światowych symfonicznych arcydzieł, dzięki swojej jasności, oryginalności, monolitycznemu stylowi i pomysłowej realizacji obrazów rosyjskiej epopei ludowej. W sumie napisał trzy symfonie (trzecia nie jest jeszcze ukończona).

Alexander Konstantinovich Glazunov (1865-1936) - jeden z największych rosyjskich symfonistów. W jego stylu twórcze tradycje Glinki i Borodina, Bałakiriewa i Rimskiego-Korsakowa, Czajkowskiego i Tanejewa zostały w szczególny sposób zerwane. Był łącznikiem między rosyjską klasyką sprzed października a młodą sowiecką sztuką muzyczną.

3.1. Piotr Czajkowski (1840 .)-1893)

Symfonia w Rosji to przede wszystkim Czajkowski. Pierwsza symfonia „Sny zimowe” była jego pierwszym poważnym dziełem po ukończeniu Konserwatorium w Petersburgu. To wydarzenie, które dziś wydaje się tak naturalne, w 1866 roku było dość niezwykłe. Symfonia rosyjska, wieloczęściowy cykl orkiestrowy, znajdowała się na samym początku swojej wędrówki. W tym czasie istniały tylko pierwsze symfonie Antona Grigorievicha Rubinsteina i pierwsze wydanie I Symfonii Nikołaja Andriejewicza Rimskiego-Korsakowa, które nie zyskały popularności. Czajkowski postrzegał świat dramatycznie, a jego symfonia – w przeciwieństwie do epickiej symfonii Borodina – ma charakter liryczno-dramatyczny, ostro konfliktowy.

Sześć symfonii Czajkowskiego i symfonia programowa „Manfred” to artystyczne światy niepodobne do siebie, to budynki, każdy budowany według indywidualnego projektu. Chociaż „prawa” gatunku, który powstał i rozwinął się na ziemiach Europy Zachodniej, były przestrzegane i interpretowane z niezwykłą wprawą, treść i język symfonii są prawdziwie narodowe. Dlatego w symfoniach Czajkowskiego tak organicznie brzmią pieśni ludowe.

3.2. Aleksander Nikołajewicz Skriabin (1872-1915)

Symfonia Skriabina powstała na podstawie twórczej refrakcji różnych tradycji klasyków symfonicznych XIX wieku. To przede wszystkim tradycja symfonii dramatycznej Czajkowskiego i częściowo Beethovena. Wraz z tym kompozytor ucieleśniał także niektóre cechy programowej symfonii romantycznej Liszta. Niektóre cechy stylu orkiestrowego symfonii Skriabina wiążą go po części z Wagnerem. Ale wszystkie te różne źródła zostały przez niego głęboko przetworzone przez siebie. Wszystkie trzy symfonie są ze sobą ściśle powiązane wspólną koncepcją ideologiczną. Jego istotę można określić jako walkę osobowości ludzkiej z wrogimi siłami stojącymi na jej drodze do zapewnienia wolności. Ta walka niezmiennie kończy się zwycięstwem bohatera i triumfem światła.

3.3. Dmitrij Dmitrijewicz Szostakowicz (1906-1975)

Szostakowicz jest kompozytorem-symfonistą. O ile dla Prokofiewa, przy całej różnorodności jego twórczych zainteresowań, najważniejszy jest teatr muzyczny, to dla Szostakowicza przeciwnie, głównym gatunkiem jest symfonia. To tutaj główne idee jego twórczości znajdują głębokie i wszechogarniające ucieleśnienie. Świat symfonii Szostakowicza jest ogromny. W nich mija przed nami całe życie ludzkości w XX wieku ze wszystkimi jej trudnościami, sprzecznościami, wojnami i konfliktami społecznymi.

Siódma ("Leningradzka") Symfonia jest jednym z najważniejszych dzieł kompozytora. To jest poczwórne. Jej skala jest ogromna: symfonia trwa ponad 70 minut, z czego pierwsza część zajmuje prawie połowę. „Co u diabła może pokonać ludzi zdolnych do tworzenia takiej muzyki” – napisała jedna z amerykańskich gazet w 1942 roku. Siódma Symfonia Szostakowicza słusznie może być nazwana Bohaterską Symfonią XX wieku.

3.4. Alfred Garrievich Schnittke (1934-1998)

Schnittke to kompozytor sowiecki i rosyjski, teoretyk muzyki i pedagog (autor artykułów o kompozytorach rosyjskich i radzieckich), jedna z najważniejszych postaci muzycznych drugiej połowy XX wieku, Czczony Działacz Sztuki RFSRR. Schnittke to jeden z liderów muzycznej awangardy. Mimo wielkiej popularności muzyki tego wybitnego kompozytora, partytury wielu jego symfonii nie zostały jeszcze wydane i są niedostępne w Rosji. Schnittke poruszał w swoich pracach problemy filozoficzne, z których główną jest człowiek i środowisko. Pierwsza symfonia zawierała cały kalejdoskop różnych stylów, gatunków i kierunków muzycznych. Punktem wyjścia do powstania I Symfonii był stosunek stylów muzyki poważnej i lekkiej. II i IV Symfonia w dużej mierze odzwierciedlają kształtowanie się religijnej tożsamości kompozytora. II Symfonia ma starożytną Mszę. Trzecia symfonia była wynikiem wewnętrznej potrzeby wyrażenia swojego stosunku do kultury niemieckiej, niemieckich korzeni swojego pochodzenia. W III Symfonii, w formie krótkich fragmentów, przed słuchaczem przechodzi cała historia muzyki niemieckiej. Alfred Schnittke marzył o stworzeniu dokładnie dziewięciu symfonii – i tym samym przekazaniu swego rodzaju hołdu Beethovena i Schubertowi, którzy napisali ten sam numer. Alfred Schnittke napisał IX Symfonię (1995-97), gdy był już poważnie chory. Doznał trzech uderzeń i w ogóle się nie ruszał. Kompozytorowi nie udało się ostatecznie dokończyć partytury. Po raz pierwszy jego ukończenie i wersję orkiestrową wykonał Giennadij Rożdiestwienski, pod którego kierownictwem odbyło się prawykonanie w Moskwie 19 czerwca 1998 roku. Nowa redakcyjna wersja symfonii została wykonana przez Aleksandra Raskatowa i wystawiona w Dreźnie 16 czerwca 2007 roku.

W drugiej połowie XX wieku największą popularność zyskuje połączenie w jednym utworze zasad różnych gatunków – symfonicznego, chóralnego, kameralnego, instrumentalnego i wokalnego. Na przykład XIV Symfonia Szostakowicza zawiera syntezę symfonii, kameralnej muzyki wokalnej i instrumentalnej; Spektakle chóralne Gavrilina łączą w sobie cechy oratorium, symfonii, cyklu wokalnego, baletu i spektaklu dramatycznego.

3.5. Michaił Żurawlew

W XXI wieku jest wielu utalentowanych kompozytorów, którzy składają hołd symfonii. Jednym z nich jest Michaił Żurawlew. Swoim muzycznym i politycznym manifestem kompozytor śmiało stanął na równi z takimi postaciami muzycznej historii, jak L. Beethoven, P. Czajkowski i D. Szostakowicz. Dziesiątą Symfonię M. Żurawlewa można dziś śmiało nazwać „Bohaterską Symfonią XXI wieku”. Oprócz ogólnych aspektów etycznych tej symfonii należy zwrócić uwagę na aspekty czysto zawodowe. Autor nie dąży do innowacji na rzecz innowacji. Czasem jest wręcz dobitnie akademicki, zdecydowanie przeciwstawiając się wszystkim dekadentom i awangardowym twórcom sztuki. Udało mu się jednak powiedzieć coś naprawdę nowego, własne słowo w gatunku symfonicznym. Kompozytor M. Żurawlew zaskakująco umiejętnie wykorzystuje zasady formy sonatowej, za każdym razem demonstrując jej nieskończone możliwości. Połączone części 3 i 4 stanowią w rzeczywistości rodzaj „supersonaty”, w której całą 4 część można uznać za rozszerzoną do odrębnej części kodu. Naukowcy w przyszłości muszą jeszcze poradzić sobie z tą niezwykłą decyzją kompozycyjną.

Wniosek

Symfonie nazywano pierwotnie tymi utworami, które nie mieściły się w ramach tradycyjnych kompozycji - z punktu widzenia liczby części, tempa, połączenia różnych magazynów - polifonicznych (co w XVII wieku uznano za dominujące) i rodzący się homofoniczny (z akompaniamentem głosu). W XVII wieku wszelkiego rodzaju niezwykłe kompozycje muzyczne nazywano symfoniami (co oznaczało „współbrzmienie, harmonia, poszukiwanie nowych dźwięków”), a w XVIII wieku upowszechniły się tzw. , wszelkiego rodzaju imprezy towarzyskie. Symfonia stała się określeniem gatunkowym dopiero w XVIII wieku. Pod względem wykonawczym symfonia słusznie uważana jest za bardzo złożony gatunek. Wymaga ogromnej obsady, obecności wielu rzadkich instrumentów muzycznych, umiejętności orkiestr i wokalistów (jeśli jest to symfonia z tekstem), doskonałej akustyki. Jak każdy gatunek muzyczny, symfonia rządzi się swoimi prawami. Normą symfonii klasycznej jest więc czteroczęściowy cykl, z formą sonatową (najbardziej złożoną) na obrzeżach, z częścią powolną i taneczną w środku utworu. Ta struktura nie jest przypadkowa. Symfonia odzwierciedla procesy relacji człowieka ze światem: aktywne – w pierwszej części, społeczne – w czwartej, kontemplacyjne i zabawowe – w centralnych częściach cyklu. W krytycznych momentach swego rozwoju muzyka symfoniczna zmieniała stabilne reguły. I te zjawiska na polu sztuki, które najpierw wywołały szok, potem stały się nawykiem. Na przykład symfonia z wokalem i poezją stała się nie tylko przypadkiem, ale jednym z trendów rozwoju gatunku.

Współcześni kompozytorzy preferują dziś gatunki kameralne od form symfonicznych, które wymagają mniejszej obsady wykonawców. W takich koncertach fonogramy są nawet używane z rejestracją szumu lub jakiegoś rodzaju efektów elektroniczno-akustycznych. Język muzyczny kultywowany dziś we współczesnej muzyce jest bardzo eksperymentalny i odkrywczy. Uważa się, że dziś pisanie muzyki dla orkiestry oznacza kładzenie jej na stole. Wielu uważa, że ​​czasy symfonii jako gatunku, w którym pracują młodzi kompozytorzy, z pewnością się skończyły. Ale czy rzeczywiście tak jest?Czas odpowie na to pytanie.

Bibliografia:

1. Averyanova O.I. Krajowa literatura muzyczna XX wieku: Podręcznik. podręcznik dla dziecięcej szkoły muzycznej: Chetv. rok studiów z przedmiotu. - M .: Muzyka, 2009 .-- 256 s.
2. Borodin. Druga Symfonia („Bogatyrskaya”) / Artykuł - [Zasób elektroniczny] - Tryb dostępu - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
3. Bohaterska Symfonia XXI wieku / Artykuł V. Filatova // Proza. ru - [Zasób elektroniczny] - Tryb dostępu - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
4. B.V. Levik Literatura muzyczna obcych krajów: pomoc dydaktyczna. Wydanie 2. - M .: Muzyka, 1975 .-- 301 s.
5. Prochorowa I. Literatura muzyczna obcych krajów: dla 5 klasy. Dziecięca Szkoła Muzyczna: Podręcznik M.: Muzyka, 2000 .-- 112 s.
6. Rosyjska literatura muzyczna. Wydanie 4. Wyd. M.K. Michajłowa, E.L. Uwolniony. - Leningrad: „Muzyka”, 1986. - 264 s.
7. Symfonia // Yandex. Słowniki ›TSB, 1969-1978 - [Zasób elektroniczny] - Tryb dostępu - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/BSE/Symfonia/
8. Symfonia. // Wikipedia. Darmowa encyklopedia - [Zasób elektroniczny] - Tryb dostępu - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchaikov.ru/symphony.html
9. Schubert, symfonia „Niedokończona” // Wykłady na temat literatury muzycznej musike.ru - [Zasób elektroniczny] - Tryb dostępu - URL: http://musike.ru/index.php?id=54

1. „Symfonia nr 5”, Ludwig van Beethoven

Według legendy Beethoven (1770-1827) długo nie mógł wymyślić wstępu do V Symfonii, ale gdy się zdrzemnął, usłyszał pukanie do drzwi, a rytm tego pukania stał się wprowadzenie do tej pracy. Co ciekawe, pierwsze nuty symfonii odpowiadają cyfrze 5, czyli V w kodzie Morse'a.

2. O Fortuno, Karl Orff

Kompozytor Karl Orff (1895-1982) jest najbardziej znany z tej kantaty z dramatycznym wokalem. Opiera się na XIII-wiecznym wierszu „Carmina Burana”. Jest to jeden z najczęściej wykonywanych utworów klasycznych na świecie.

3. Chór Alleluja, Georg Friedrich Handel

Georg Frideric Handel (1685-1759) napisał Mesjasza w 24 dni. Wiele melodii, w tym „Alleluja”, zostało później zapożyczonych z tego utworu i zaczęło być wykonywane jako samodzielne utwory. Według legendy Haendel miał w głowie muzykę graną przez anioły. Tekst oratorium oparty jest na opowieściach biblijnych, Handel odzwierciedlał życie, śmierć i zmartwychwstanie Chrystusa.

4. „Lot Walkirii” Richarda Wagnera

Kompozycja ta pochodzi z opery Valkyrie, która jest częścią cyklu oper Der Ring des Nibelungen Richarda Wagnera (1813-1883). Opera „Walkiria” poświęcona jest córce boga Odyna. Komponując tę ​​operę Wagner spędził 26 lat, a to dopiero druga część wspaniałego arcydzieła czterech oper.

5. „Toccata i fuga d-moll”, Jan Sebastian Bach

Jest to prawdopodobnie najsłynniejsze dzieło Bacha (1685-1750) i jest często wykorzystywane w filmach podczas scen dramatycznych.

6. „Mała nocna serenada”, Wolfgang Amadeus Mozart

Publikacje w dziale Muzyka

Pięć wielkich symfonii kompozytorów rosyjskich

W muzycznym świecie istnieją unikatowe, kultowe dzieła, których dźwięki służą do pisania kroniki życia muzycznego. Niektóre z tych kompozycji stanowią rewolucyjny przełom w sztuce, inne wyróżnia złożona i głęboka koncepcja, jeszcze inne zachwycają niezwykłą historią stworzenia, czwarta to swoista prezentacja stylu kompozytora, a piąta... tak piękne w muzyce, że nie sposób o nich nie wspomnieć. Na uznanie sztuki muzycznej takich dzieł jest bardzo dużo, a dla przykładu weźmy pięć wybranych rosyjskich symfonii, których wyjątkowość trudno przecenić.

Druga (heroiczna) symfonia Aleksandra Borodina (b-moll, 1869-1876)

W Rosji w drugiej połowie XIX wieku w środowisku kompozytora dojrzała idea fixu: czas stworzyć własną, rosyjską symfonię. W tym czasie w Europie symfonia obchodziła stulecie istnienia, przechodząc przez wszystkie etapy ewolucyjnego łańcucha: od uwertury operowej, która opuściła scenę i była wykonywana oddzielnie od opery, po takie kolosy jak IX Symfonia Beethovena (1824) czy Fantastyczna Symfonia Berlioza (1830). W Rosji moda na ten gatunek nie zakorzeniła się: spróbowali tego raz, dwa razy (Dmitrij Bortniansky - Symfonia koncertowa, 1790; Aleksander Alyabyev - symfonie e-moll, Es-dur) - i opuścili to przedsięwzięcie, aby powrócić do tego kilkadziesiąt lat później w pracach Antona Rubinsteina, Milija Bałakiriewa, Nikołaja Rimskiego-Korsakowa, Aleksandra Borodina i innych.

Wspomniani kompozytorzy rozumowali absolutnie słusznie, zdając sobie sprawę, że jedyne, czym może się poszczycić rosyjska symfonia na tle europejskiej obfitości, to jej narodowy smak. A Borodin nie ma w tym sobie równych. Jego muzyka tchnie bezkresem bezkresnych równin, walecznością rosyjskich rycerzy, uduchowieniem ludowych pieśni z ich dokuczliwą, wzruszającą nutą. Motywem przewodnim pierwszej części stał się emblemat symfonii, po wysłuchaniu którego przyjaciel i mentor kompozytora, muzykolog Władimir Stasow zaproponował dwa imiona: najpierw „Lwica”, a następnie – bardziej adekwatne do idei: „Bohaterskie”.

W przeciwieństwie do symfonicznych płócien tego samego Beethovena czy Berlioza, opartych na ludzkich namiętnościach i przeżyciach, Bohaterska Symfonia opowiada o czasie, historii i ludziach. W muzyce nie ma dramatu, nie ma wyraźnego konfliktu: przypomina serię płynnie zmieniających się obrazów. I ma to fundamentalne odzwierciedlenie w strukturze symfonii, gdzie powolna część, zwykle na drugim miejscu, i żywiołowe scherzo (tradycyjnie następujące po nim) zamieniają się miejscami, a finał w uogólnionej formie powtarza idee części pierwszej. Borodinowi udało się w ten sposób osiągnąć maksymalny kontrast w muzycznej ilustracji eposu narodowego, a strukturalny model Bogatyrskiej służył następnie jako wzór dla epickich symfonii Głazunowa, Myaskowskiego i Prokofiewa.

Szósta (żałosna) symfonia Piotra Czajkowskiego (h-moll, 1893)

Dowodów, interpretacji, prób wyjaśnienia jej treści jest tak wiele, że cała charakterystyka tego dzieła mogłaby składać się z cytatów. Oto jeden z nich, z listu Czajkowskiego do jego siostrzeńca Władimira Dawydowa, któremu symfonia jest dedykowana: „Podczas wyjazdu wpadłem na pomysł kolejnej symfonii, tym razem programowanej, ale z programem, który dla wszystkich pozostanie tajemnicą. Ten program jest najbardziej przesiąknięty podmiotowością i często podczas tułaczki, komponując go mentalnie, dużo płakałem.”... Co to za program? Czajkowski zwierza się swojej kuzynce Annie Merkling, która sugerowała, że ​​w tej symfonii opisał swoje życie. „Tak, zgadłeś”, - potwierdził kompozytor.

Na początku lat 90. XIX wieku pomysł pisania wspomnień wielokrotnie odwiedzał Czajkowskiego. Do tego czasu powstały szkice jego niedokończonej symfonii, zatytułowanej „Życie”, dat. Sądząc po zachowanych szkicach, kompozytor planował ukazać pewne abstrakcyjne etapy życia: młodość, pragnienie aktywności, miłość, rozczarowanie, śmierć. Jednak obiektywny plan Czajkowskiemu nie wystarczał i praca została przerwana, ale w VI Symfonii kierował się wyłącznie osobistymi przeżyciami. Jakże dusza kompozytora musiała chorować, żeby narodziła się muzyka o tak niesamowitej, niesamowitej sile oddziaływania!

Liryczno-tragiczna część pierwsza i zakończenie są nierozerwalnie związane z obrazem śmierci (w rozwoju części pierwszej powołuje się na temat pieśni duchowej „Odpoczynek ze świętymi”), o czym świadczył sam Czajkowski, powołując się na ta symfonia w odpowiedzi na propozycję wielkiego księcia Konstantina Romanowa napisania „Requiem”. Dlatego tak przenikliwie odbiera się lekkie liryczne intermezzo (pięciotaktowy walc w drugiej części) i uroczyście triumfalne scherzo. Toczy się wiele dyskusji na temat roli tego ostatniego w kompozycji. Wydaje się, że Czajkowski starał się pokazać daremność ziemskiej chwały i szczęścia w obliczu nieuchronnej straty, potwierdzając tym samym wielkie powiedzenie Salomona: "Wszystko przemija. To też minie”.

Symfonia III (Boski Poem) Aleksandra Skriabina (c-moll, 1904)

Jeśli w ciemny jesienny wieczór odwiedzisz Dom-Muzeum Aleksandra Skriabina w Moskwie, z pewnością poczujesz tę niesamowitą i tajemniczą atmosferę, jaka otaczała kompozytora za jego życia. Dziwna konstrukcja kolorowych żarówek na stole w salonie, opuchnięte tomy o filozofii i okultyzmie za matową szybą drzwiczek biblioteczki, wreszcie ascetycznie wyglądająca sypialnia, w której Skriabin, który bał się umrzeć z powodu zatrucia krwi całe życie zmarł na sepsę. Miejsce ponure i tajemnicze, które doskonale oddaje światopogląd kompozytora.

Nie mniej charakterystyczna dla charakterystyki myślenia Skriabina jest jego III Symfonia, która otwiera tzw. środkowy okres twórczości. W tym czasie Skriabin stopniowo formułuje swoje poglądy filozoficzne, których istotą jest to, że cały świat jest wynikiem jego własnej twórczości i jego własnej myśli (solipsyzm na skrajnym etapie) oraz że stworzenie świata i tworzenie sztuki są w rzeczywistości podobnymi procesami. Procesy te przebiegają następująco: z pierwotnego chaosu twórczej tęsknoty wyłaniają się dwie zasady – czynna i bierna (męska i żeńska). Pierwsza niesie boską energię, druga daje początek materialnemu światu z jego naturalnym pięknem. Współdziałanie tych zasad tworzy kosmiczny eros, prowadzący do ekstazy – swobodnego triumfu ducha.

Bez względu na to, jak dziwnie to wszystko może brzmieć, Skriabin szczerze wierzył w ten model bytu, według którego została napisana III Symfonia. Jej pierwsza część to „Walka” (walka człowieka-niewolnika, posłusznego Najwyższemu Władcy świata i człowieka-boga), druga – „Przyjemność” (człowiek oddaje się radościom sensowny świat rozpuszcza się w naturze), a wreszcie trzecia - „Boska zabawa ”(wyzwolony duch,„ tworzący wszechświat wyłącznie mocą swojej twórczej woli ”, pojmuje„ wzniosłą radość swobodnego działania ”). Ale filozofia to filozofia, a sama muzyka jest cudowna, odsłaniając wszystkie możliwości brzmieniowe orkiestry symfonicznej.

Pierwsza (klasyczna) symfonia Siergieja Prokofiewa (D-dur, 1916-1917)

Jest rok 1917, trudne lata wojny, rewolucja. Wydawałoby się, że sztuka powinna ponuro marszczyć brwi i opowiadać o rzeczach bolesnych. Ale smutne myśli nie są dla muzyki Prokofiewa - słonecznej, musującej, młodzieńczo uroczej. To jego pierwsza symfonia.

Kompozytor już w latach studenckich interesował się twórczością klasyków wiedeńskich. Teraz spod jego pióra wyszedł esej a la Haydn. „Wydawało mi się, że gdyby Haydn przetrwał do dziś, zachowałby swój styl pisania, a jednocześnie przyjąłby coś nowego”., - skomentował jego pomysł Prokofiew.

Kompozytor wybrał skromny skład orkiestry, znów w duchu wiedeńskiego klasycyzmu - bez ciężkiej miedzi. Faktura i orkiestracja są lekkie, przejrzyste, skala dzieła niewielka, kompozycję wyróżnia harmonia i konsekwencja. Jednym słowem bardzo przypomina dzieło klasycyzmu, które narodziło się przez pomyłkę w XX wieku. Istnieją jednak również emblematy czysto Prokofiewa, np. jego ulubiony gatunek gawota w części trzeciej zamiast scherza (później kompozytor wykorzystuje ten materiał muzyczny w balecie Romeo i Julia), a także ostrą „pieprzną” harmonię i otchłań muzycznego humoru.

VII (Leningradzka) Symfonia Dmitrija Szostakowicza (C-dur, 1941)

2 lipca 1942 roku dwudziestoletniemu pilotowi porucznikowi Litwinowowi, cudem przedzierając się przez nieprzyjacielskie okrążenie, udało się przywieźć lekarstwa i cztery pulchne zeszyty nutowe z partyturą D.D. Szostakowicz, a następnego dnia w Prawdzie Leningradzkiej pojawiła się krótka notatka: „Partyturę VII Symfonii Dmitrija Szostakowicza przywieziono samolotem do Leningradu. Jej publiczny występ odbędzie się w Wielkiej Filharmonii”.

Wydarzenie, jakiego w historii muzyki jeszcze nie było: w oblężonym mieście strasznie wyczerpani muzycy (wszyscy, którzy przeżyli, wzięli udział) pod batutą dyrygenta Karla Eliasberga wykonali nową symfonię Szostakowicza. Tę, którą kompozytor skomponował w pierwszych tygodniach blokady, do czasu ewakuacji wraz z rodziną do Kujbyszewa (Samara). W dniu premiery leningradzkiej, 9 sierpnia 1942 roku, Wielka Sala Filharmonii Leningradzkiej była wypełniona po brzegi wyczerpanymi mieszkańcami miasta o prześwitujących twarzach, ale jednocześnie w eleganckich ubraniach i wojskiem, które przybyło bezpośrednio z linii frontu. Symfonia była transmitowana na ulice przez głośniki w radiu. Tego wieczoru cały zamrożony świat słuchał bezprecedensowego wyczynu muzyków.

... Warto zauważyć, ale słynny motyw w duchu „Bolera” Ravela, który zwyczajowo uosabia teraz bezmyślnie poruszającą się armią faszystowską i niszczącą wszystko na swojej drodze, został napisany przez Szostakowicza jeszcze przed rozpoczęciem wojny . Wszedł on jednak dość naturalnie w pierwszą część Symfonii Leningradzkiej, zajmując miejsce tzw. „epizodu inwazji”. Afirmujący życie finał również okazał się wizjonerski, antycypujący upragnione Zwycięstwo, od którego dzieliło go tak długie trzy i pół roku…

Długo myślałem, jak to zatytułować. Pierwszą rzeczą, jaka przyszła mi do głowy, było oczywiście „Moje 20 ulubionych symfonii”. Ale patrząc na powstałą dwudziestkę, zdałem sobie sprawę, że nie wszystkie z tych symfonii, które w tej chwili kocham, są też symfonie, których nie ma na tej liście, które kocham bardziej. Kolejnym tytułem było „20 symfonii, które najbardziej na mnie wpłynęły”. Pomyślałem i zdałem sobie sprawę, że to również nie jest prawdą, ponieważ niektóre z tych symfonii w ogóle nie wpłynęły na mój światopogląd, ani na moje gusta muzyczne, ani na mój własny styl kompozytorski. I postanowiłem zatrzymać się nad innym nazwiskiem, odzwierciedlającym, jak znaczące miejsce zajmowała ta lub inna symfonia w moim życiu ...

20 najważniejszych dla mnie symfonii.
(w porządku chronologicznym najpierw obcy, potem rosyjski i współczesny)