Indywidualne style kompozytorów renesansowych. renesans

18.06.2019

Przeczytaj także

Szczera biografia wielkiego przedsiębiorcy

Przysłowia, gdzie są liczby Ludowa definicja powiedzenia

Cutugno z żoną. Biografia. „Zdradziłem, ale mam tylko jedną kobietę serca!”

renesans, lub renesans(fr. renesans), - punkt zwrotny w dziejach kultury narodów europejskich. We Włoszech nowe trendy pojawiły się na przełomie XIII-XIV wieku, w innych krajach europejskich - w XV-XVI wieku. Postacie renesansowe uznały człowieka - jego dobro i prawo do swobodnego rozwoju osobistego - za najwyższą wartość. Ten światopogląd nazywa się „humanizmem” (z łac. Humanus - „ludzki”, „humanitarny”). Humaniści szukali ideału harmonijnego człowieka już w starożytności, a starożytna sztuka grecka i rzymska służyła im jako wzór twórczości artystycznej. Chęć "odrodzenia" kultury antycznej dała nazwę całej epoce - Renesansowi, okresowi między średniowieczem a New Age (od połowy XVII wieku do współczesności).

Sztuka, w tym muzyka, najpełniej odzwierciedla światopogląd renesansowy. W tym okresie, a także w średniowieczu prym wiodła wokalna muzyka kościelna. Rozwój polifonii doprowadził do pojawienia się polifonii (od greckiego „polis” – „liczne” i „tło” – „dźwięk”, „głos”). W tego typu polifonii wszystkie głosy w utworze są równe. Polifonia nie tylko skomplikowała dzieło, ale pozwoliła autorowi wyrazić osobiste rozumienie tekstu i nadała muzyce wielką emocjonalność. Polifoniczna kompozycja powstała według ścisłych i skomplikowanych zasad, wymagających od kompozytora głębokiej wiedzy i umiejętności wirtuozowskich. Gatunki kościelne i świeckie rozwijały się w ramach polifonii.

Holenderska szkoła polifoniczna. Holandia to historyczny region w północno-zachodniej Europie, który obejmuje terytoria współczesnej Belgii, Holandii, Luksemburga i północno-wschodniej Francji. Do XV wieku. Holandia osiągnęła wysoki poziom gospodarczy i kulturalny i stała się zamożnym krajem europejskim.

To tutaj powstała holenderska szkoła polifoniczna – jeden z największych fenomenów muzyki renesansowej. Dla rozwoju sztuki w XV wieku ogromne znaczenie miała komunikacja między muzykami z różnych krajów i wzajemne oddziaływanie szkół twórczych. Szkoła holenderska przyswoiła sobie tradycje Włoch, Francji, Anglii i Holandii.

Jej wybitni przedstawiciele: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (ok. 1400 - 27.11.1474, Cambrai), kompozytor francusko-flamandzki, jeden z założycieli szkoły holenderskiej. Podwaliny pod tradycję polifoniczną w muzyce holenderskiej położył Guillaume Dufay (ok. 1400-1474). Urodził się w Cambrai we Flandrii (prowincja na południu Holandii) i od najmłodszych lat śpiewał w chórze kościelnym. Równolegle przyszły muzyk pobierał prywatne lekcje kompozycji. W młodości Dufay wyjechał do Włoch, gdzie napisał swoje pierwsze kompozycje – ballady i motety. W latach 1428-1437. służył jako śpiewak w kaplicy papieskiej w Rzymie; w tych latach podróżował do Włoch i Francji. W 1437 roku kompozytor otrzymał święcenia kapłańskie. Na dworze księcia Sabaudii (1437-1439) komponował muzykę obrzędową i świąteczną. Dufay był bardzo szanowany przez osoby szlacheckie – wśród jego wielbicieli była na przykład para Medyceuszy (władcy włoskiego miasta Florencja). [Pracował we Włoszech i Francji. W latach 1428-37 był śpiewakiem kaplic papieskich w Rzymie i innych miastach włoskich, w latach 1437-44 służył u księcia Sabaudii. Od 1445 kanonik i kierownik działalności muzycznej katedry w Cambrai. Mistrz gatunków duchowych (3-, 4-głosowych mszy, motetów), a także świeckich (3-, 4-głosowych chanson francuskich, pieśni włoskich, ballad, ronda) związanych z polifonią ludową i humanistyczną kulturą renesansu. Sztuka Dantego, która wchłonęła zdobycze europejskiej sztuki muzycznej, miała wielki wpływ na dalszy rozwój europejskiej muzyki polifonicznej. Był także reformatorem notacji muzycznej (D. przypisuje się wprowadzanie nut z białymi główkami). Kompletne dzieła zebrane D. opublikowane w Rzymie (6 tomów, 1951-66).] Dufay był pierwszym z kompozytorów, który zaczął komponować Mszę jako integralną kompozycję muzyczną. Tworzenie muzyki kościelnej wymaga niezwykłego talentu: umiejętności wyrażania abstrakcyjnych, niematerialnych pojęć za pomocą konkretnych, materialnych środków. Trudność polega na tym, że taka kompozycja z jednej strony nie pozostawia słuchacza obojętnym, a z drugiej nie odwraca uwagi od służby Bożej, pomaga głębiej skupić się na modlitwie. Wiele mas Dufay jest natchnionych, pełnych wewnętrznego życia; wydają się pomagać na chwilę otworzyć zasłonę Boskiego objawienia.

Często przy tworzeniu Mszy Dufay brał znaną melodię, do której dodawał własną. Takie zapożyczenia są charakterystyczne dla renesansu. Uznano za bardzo ważne, aby podstawa Mszy była oparta na znanej melodii, którą wierni mogliby łatwo rozpoznać nawet w utworze polifonicznym. Często używano fragmentu chorału gregoriańskiego; Nie wykluczono również dzieł świeckich.

Oprócz muzyki kościelnej Dufay komponował motety do tekstów świeckich. W nich również zastosował złożoną technikę polifoniczną.

Josquin Despres (1440-1521). Przedstawiciel holenderskiej szkoły polifonicznej drugiej połowy XV wieku. był Josquin Despres (ok. 1440-1521 lub 1524), który wywarł wielki wpływ na twórczość kolejnego pokolenia kompozytorów. W młodości służył jako chór kościelny w Cambrai; pobierał lekcje muzyki u Okegema. W wieku dwudziestu lat młody muzyk przybył do Włoch, śpiewał w Mediolanie z książętami Sforzów (później służył tu wielki włoski artysta Leonardo da Vinci) oraz w papieskiej kaplicy w Rzymie. We Włoszech Despres prawdopodobnie zaczął komponować muzykę. Na samym początku XVI wieku. przeniósł się do Paryża. W tym czasie Despres był już znany i został zaproszony na stanowisko nadwornego muzyka przez francuskiego króla Ludwika XII. Od 1503 roku Despres ponownie osiadł we Włoszech, w mieście Ferrara, na dworze księcia d'Este, dużo komponował, a jego muzyka szybko zyskała uznanie w najszerszych kręgach: kochała ją zarówno szlachta, jak i pospólstwo. kompozytor tworzył nie tylko utwory kościelne, ale także świeckie, w szczególności zwrócił się ku gatunkowi włoskiej pieśni ludowej – frottola (wł. frottola, od frotta – „tłum”), która charakteryzuje się tanecznym rytmem i szybkim tempem. , żywa intonacja złamała surowy dystans i wywołała uczucie radości i pełni bytu...

Johannes Okegem (1430-1495), Jakub Obrecht (1450-1505). Młodszymi współcześni Guillaume Dufay byli Johannes (Jean) Okegem (około 1425-1497) i Jacob Obrecht. Podobnie jak Dufay, Okegem pochodził z Flandrii. Całe życie ciężko pracował; oprócz komponowania muzyki pełnił funkcję kierownika kaplicy. Kompozytor stworzył piętnaście mszy, trzynaście motetów, ponad dwadzieścia chanson. Dzieła Okegema charakteryzują się surowością, skupieniem i długotrwałym rozwojem płynnych linii melodycznych. Przywiązywał dużą wagę do techniki polifonicznej, dążył do tego, aby wszystkie części mszy były postrzegane jako jedna całość. W jego pieśniach odgaduje się także twórcze pismo kompozytora - są one niemal pozbawione świeckiej lekkości, charakterem bardziej przypominają motety, a czasem nawet fragmenty mszy. Johannes Okegem cieszył się szacunkiem w kraju i za granicą (został mianowany doradcą króla Francji). Jakub Obrecht był chórzystą w katedrach różnych miast Niderlandów, prowadził kaplice; przez kilka lat służył na dworze księcia d'Este w Ferrarze (Włochy).Jest autorem dwudziestu pięciu mszy, dwudziestu motetów, trzydziestu chanson. Wykorzystując dorobek swoich poprzedników, Obrecht wniósł wiele nowych rzeczy w tradycję polifoniczną, jego muzyka pełna jest kontrastów, odważnych nawet wtedy, gdy kompozytor zwraca się do tradycyjnych gatunków kościelnych.

Wszechstronność i głębia kreatywności Orlando Lasso. Dopełnieniem historii muzyki holenderskiego renesansu jest dzieło Orlando Lasso (prawdziwe imię i nazwisko Roland de Lasso, ok. 1532-1594), nazywanego przez współczesnych „belgijskim Orfeuszem” i „księciem muzyki”. Lasso urodził się w Mons (Flandria). Od dzieciństwa śpiewał w chórze kościelnym, uderzając w parafian wspaniałym głosem. Gonzaga, książę włoskiego miasta Mantua, przypadkowo słysząc młodego śpiewaka, zaprosił go do własnej kaplicy. Po Mantui Lasso pracował przez krótki czas w Neapolu, a następnie przeniósł się do Rzymu – tam otrzymał stanowisko kierownika kaplicy jednej z katedr. W wieku dwudziestu pięciu lat Lasso był już znany jako kompozytor, a jego dzieła cieszyły się zainteresowaniem wydawców muzycznych. W 1555 roku ukazał się pierwszy zbiór utworów, zawierający motety, madrygały i chanson. Lasso przestudiował wszystko, co najlepsze, co stworzyli jego poprzednicy (kompozytorzy holenderscy, francuscy, niemieccy i włoscy) i wykorzystał ich doświadczenie w swojej twórczości. Będąc niezwykłą osobowością, Lasso starał się przezwyciężyć abstrakcyjny charakter muzyki kościelnej, nadać jej indywidualność. Kompozytor wykorzystywał w tym celu niekiedy motywy gatunkowe (tematyka pieśni ludowych, tańców), zbliżając w ten sposób tradycje kościelne i świeckie. Lasso łączył złożoność techniki polifonicznej z wielką emocjonalnością. Szczególnie odnosił sukcesy na madrygałach, w których tekstach ujawniał się stan ducha bohaterów, np. Łzy św. Piotra” (1593) do wierszy włoskiego poety Luigiego Tranzillo. Kompozytor często pisał dla duża liczba głosów (od pięciu do siedmiu), przez co jego utwory są trudne do wykonania...

Od 1556 roku Orlando Lasso mieszkał w Monachium (Niemcy), gdzie kierował kaplicą. Pod koniec życia jego autorytet w kręgach muzycznych i artystycznych był bardzo wysoki, a sława rozeszła się po całej Europie. Holenderska szkoła polifoniczna miała wielki wpływ na rozwój kultury muzycznej Europy. Zasady polifonii wypracowane przez kompozytorów holenderskich stały się uniwersalne, a wiele technik artystycznych zostało wykorzystanych w ich twórczości przez kompozytorów już w XX wieku.

Francja. Dla Francji wieki XV-XVI stały się erą ważnych zmian: wojna stuletnia (1337-1453) z Anglią zakończyła się pod koniec XV wieku. zjednoczenie państwa zostało zakończone; w XVI wieku kraj doświadczył wojen religijnych między katolikami a protestantami. W silnym państwie z monarchią absolutną rosła rola uroczystości dworskich i świąt ludowych. Przyczyniło się to do rozwoju sztuki, w szczególności muzyki towarzyszącej takim działaniom. Wzrosła liczba zespołów wokalno-instrumentalnych (kaplic i małżonków), które składały się ze znacznej liczby wykonawców. Podczas kampanii wojennych we Włoszech Francuzi zapoznali się z dorobkiem kultury włoskiej. Głęboko odczuli i przyjęli idee włoskiego renesansu - humanizmu, pragnienia harmonii z otaczającym ich światem, cieszenia się życiem.

O ile we Włoszech renesans muzyczny kojarzony był przede wszystkim z mszą, to kompozytorzy francuscy, obok muzyki kościelnej, zwracali szczególną uwagę na świecką pieśń polifoniczną – chanson. Zainteresowanie nią we Francji pojawiło się w pierwszej połowie XVI wieku, kiedy ukazał się zbiór utworów muzycznych Klemensa Janekina (ok. 1485-1558). To właśnie ten kompozytor uważany jest za jednego z twórców gatunku.

Główne utwory programowe chóralne Clementa Janequina (1475-1560). Jako dziecko Jeannequin śpiewał w chórze kościelnym w swoim rodzinnym mieście Chatellerault (środkowa Francja). Później, jak sugerują historycy muzyki, studiował u holenderskiego mistrza Josquina Despreza lub kompozytora z jego otoczenia. Po otrzymaniu święceń kapłańskich Zhaneken pracował jako kierownik chóru i organista; następnie został zaproszony na nabożeństwo przez księcia Guise. W 1555 muzyk został śpiewakiem Kaplicy Królewskiej, a w latach 1556-1557. - kompozytor nadworny królewski. Clement Jeannequin stworzył dwieście osiemdziesiąt chanson (opublikowany w latach 1530-1572); pisał muzykę kościelną - msze, motety, psalmy. Jego piosenki były często obrazowe. Obrazy bitewne („Bitwa pod Marignano”, „Bitwa pod Rentą”, „Bitwa pod Metz”), sceny myśliwskie („Polowanie”), obrazy natury („Śpiew ptaków”, „Słowik” , "Skowronek" ), sceny codzienne ("Kobiece paplaniny"). Z niezwykłą plastycznością kompozytorowi udało się oddać atmosferę codzienności Paryża w piosence „Screams of Paris”: wprowadził do tekstu okrzyki sprzedawców („Mleko!” – „Pies!” – „Karczochy!” – „Ryba!” – „Zapałki!” – „Gołębie!” – „Stare buty!” – „Wino!”). Janequin prawie nie stosował długich i płynnych tematów na pojedyncze głosy i skomplikowanych technik polifonicznych, preferując apele, repetycje, onomatopeje.

Inny kierunek muzyki francuskiej związany jest z ogólnoeuropejskim ruchem reformacyjnym.

W nabożeństwach francuscy protestanci (hugenoci) porzucili łacinę i polifonię. Muzyka sakralna nabrała bardziej otwartego, demokratycznego charakteru. Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli tej tradycji muzycznej był Claude Gudimel (w latach 1514-1520-1572) - autor psalmów do tekstów biblijnych i śpiewów protestanckich.

Chanson. Jednym z głównych gatunków muzycznych francuskiego renesansu jest chanson (francuski chanson - „piosenka”). Jej początki sięgają sztuki ludowej (rymowane wersety epickich legend zostały przeniesione do muzyki), sztuki średniowiecznych trubadurów i truwerów. Pod względem treści i nastroju chanson mógł być bardzo zróżnicowany – były pieśni miłosne, codzienne, humorystyczne, satyryczne itp. Kompozytorzy brali za teksty wiersze ludowe i poezję współczesną.

Włochy. Wraz z nadejściem renesansu we Włoszech rozpowszechniło się codzienne muzykowanie na różnych instrumentach; powstały kręgi melomanów. Na polu zawodowym powstały dwie najpotężniejsze szkoły: rzymska i wenecka.

Madrygala. W okresie renesansu wzrosła rola gatunków świeckich. W XIV wieku. madrygał pojawił się w muzyce włoskiej (od pozlnelat. matricale – „pieśń w języku ojczystym”). Powstał na podstawie pieśni ludowych (pasterskich). Madrygały były pieśniami na dwa lub trzy głosy, często bez akompaniamentu instrumentalnego. Zostały napisane na wierszach współczesnych włoskich poetów, które opowiadały o miłości; były pieśni o tematyce codziennej i mitologicznej.

W XV wieku kompozytorzy prawie nigdy nie zwracali się ku temu gatunkowi; zainteresowanie nim odrodziło się dopiero w XVI wieku. Cechą charakterystyczną XVI-wiecznego madrygału jest ścisły związek muzyki z poezją. Muzyka elastycznie podążała za tekstem, odzwierciedlając wydarzenia opisane w poetyckim źródle. Z biegiem czasu rozwinęły się osobliwe symbole melodyczne, oznaczające czułe westchnienia, łzy itp. W twórczości niektórych kompozytorów symbolika była filozoficzna, na przykład w madrygale Gesualdo di Venosa „Umieram nieszczęśliwy” (1611).

Rozkwit gatunku przypada na przełom XVI-XVII wieku. Czasami, jednocześnie z wykonaniem piosenki, rozgrywała się jej fabuła. Madrygal stał się podstawą komedii madrygałowej (kompozycja chóralna oparta na tekście dramatu komediowego), która przygotowała pojawienie się opery.

Rzymska szkoła polifoniczna. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Kierownikiem szkoły rzymskiej był Giovanni Pierluigi da Palestrina, jeden z największych kompozytorów renesansu. Urodził się we włoskim mieście Palestrina, od którego imię otrzymał swoje nazwisko. Od dzieciństwa Palestrina śpiewał w chórze kościelnym, a po osiągnięciu dorosłości został zaproszony na stanowisko dyrygenta (lidera chóru) w Bazylice św. Piotra w Rzymie; później służył w Kaplicy Sykstyńskiej (nadwornej kaplicy papieskiej).

Rzym, centrum katolicyzmu, przyciągał wielu czołowych muzyków. W różnych okresach pracowali tu holenderscy mistrzowie, polifoniści Guillaume Dufay i Josquin Despres. Ich rozwinięta technika kompozytorska czasami przeszkadzała w odbiorze tekstu nabożeństwa: ginął on za kunsztownym przeplataniem się głosów i właściwie nie było słychać słów. Dlatego władze kościelne nieufnie podchodziły do takich utworów i opowiadały się za powrotem monofonii opartej na chorałach gregoriańskich. Kwestia dopuszczalności polifonii w muzyce kościelnej była dyskutowana nawet na Soborze Trydenckim Kościoła Katolickiego (1545-1563). W pobliżu Papieża Palestrina przekonywała przywódców Kościoła o możliwości tworzenia dzieł, w których technika kompozytorska nie będzie kolidować z rozumieniem tekstu. Jako dowód skomponował Mszę papieża Marcello (1555), która łączy złożoną polifonię z czystym i wyrazistym brzmieniem każdego słowa. W ten sposób muzyk „ocalił” profesjonalną muzykę polifoniczną przed prześladowaniami władz kościelnych. W 1577 roku kompozytor został zaproszony do omówienia stopniowej reformy – zbioru śpiewów sakralnych Kościoła katolickiego. W latach 80. Palestrina została wyświęcona, aw 1584 roku została członkiem Towarzystwa Mistrzów Muzyki - stowarzyszenia muzyków bezpośrednio podległych Papieżowi.

Kreatywność Palestriny jest przepojona jasnym nastawieniem. Tworzone przez niego dzieła zadziwiały współczesnych zarówno najwyższą kunsztem, jak i ilością (ponad sto mszy, trzysta motetów, sto madrygałów). Złożoność muzyki nigdy nie była przeszkodą w jej odbiorze. Kompozytor potrafił znaleźć kompromis między wyrafinowaniem kompozycji a ich przystępnością dla słuchacza. Palestrina widziała główne zadanie twórcze w opracowaniu integralnego dużego dzieła. Każdy głos w jego pieśniach rozwija się niezależnie, ale jednocześnie tworzy z resztą jedną całość, a często głosy składają się na niezwykle piękne kombinacje akordów. Często melodia górnego głosu unosi się nad innymi, zarysowując „kopułę” polifonii; wszystkie głosy są płynne i rozwinięte.

Muzycy kolejnego pokolenia uważali twórczość Giovanniego da Palestrina za wzorcową, klasyczną. Na jego twórczości studiowało wielu wybitnych kompozytorów XVII-XVIII wieku.

Inny kierunek muzyki renesansowej wiąże się z twórczością kompozytorów szkoły weneckiej, której założycielem był Adrian Villart (ok. 1485-1562). Jego uczniami byli organista i kompozytor Andrea Gabrieli (w latach 1500-1520 - po 1586), kompozytor Cyprian de Pope (1515 lub 1516-1565) i inni muzycy. Podczas gdy dzieła Palestriny charakteryzują się przejrzystością i ścisłą powściągliwością, Willart i jego zwolennicy wypracowali wspaniały styl chóralny. Aby uzyskać dźwięk przestrzenny, grając barwy, w swoich kompozycjach wykorzystali kilka chórów, rozmieszczonych w różnych miejscach świątyni. Zastosowanie apeli między chórami pozwoliło na wypełnienie przestrzeni kościelnej niespotykanymi dotąd efektami. Takie podejście odzwierciedlało także humanistyczne ideały epoki jako całości - z jej pogodą ducha, wolnością i samą wenecką tradycją artystyczną - z jej dążeniem do wszystkiego, co jasne i niezwykłe. W dziełach weneckich mistrzów język muzyczny również stał się bardziej skomplikowany: wypełniony był odważnymi zestawieniami akordów, nieoczekiwanymi harmoniami.

Wybitną postacią renesansu był Carlo Gesualdo di Venosa (ok. 1560-1613), książę miasta Venosa, jeden z największych mistrzów świeckiego madrygału. Zyskał sławę jako filantrop, lutnista, kompozytor. Książę Gesualdo przyjaźnił się z włoskim poetą Torquato Tasso; wciąż istnieją ciekawe listy, w których obaj artyści poruszają zagadnienia literatury, muzyki i sztuk pięknych. Wiele wierszy Tasso Gesualdo di Venosa miało oprawę muzyczną – tak powstało szereg wysoce artystycznych madrygałów. Jako przedstawiciel późnego renesansu kompozytor wypracował nowy typ madrygału, w którym na pierwszym miejscu znalazły się uczucia – gwałtowne i nieprzewidywalne. Dlatego jego utwory charakteryzują się zmianami głośności, intonacji, podobnymi do westchnień, a nawet szlochów, ostro brzmiących akordów, kontrastujących zmian tempa. Techniki te nadały muzyce Gesualda wyrazisty, nieco dziwaczny charakter, zadziwiały, a jednocześnie przyciągały współczesnych. Na spuściznę Gesualdo di Venosa składa się siedem zbiorów madrygałów polifonicznych; wśród dzieł duchowych - "Sacred Chants". Jego muzyka nie pozostawia dziś słuchacza obojętnym.

Rozwój gatunków i form muzyki instrumentalnej. W muzyce instrumentalnej pojawiły się także nowe gatunki, przede wszystkim koncert instrumentalny. Skrzypce, klawesyn, organy stopniowo przekształciły się w instrumenty solowe. Napisana dla nich muzyka pozwoliła pokazać talent nie tylko kompozytorowi, ale i wykonawcy. Doceniana była przede wszystkim wirtuozeria (umiejętność radzenia sobie z trudnościami technicznymi), która stopniowo dla wielu muzyków stała się celem samym w sobie i wartością artystyczną. Kompozytorzy XVII-XVIII wieku zwykle nie tylko komponowali muzykę, ale także po mistrzowsku grali na instrumentach i prowadzili działalność pedagogiczną. Dobro artysty w dużej mierze zależało od konkretnego klienta. Z reguły każdy poważny muzyk starał się o miejsce na dworze monarchy lub zamożnej arystokraty (wielu członków szlachty miało własne orkiestry lub opery), albo w świątyni. Co więcej, większość kompozytorów z łatwością łączyła muzykowanie kościelne z nabożeństwem dla świeckiego patrona.

Anglia. Życie kulturalne Anglii w okresie renesansu było ściśle związane z reformacją. W XVI wieku w całym kraju rozprzestrzenił się protestantyzm. Kościół katolicki utracił swoją dominującą pozycję, Kościół anglikański stał się państwowym, które odmówiło uznania niektórych dogmatów (podstawowych przepisów) katolicyzmu; większość klasztorów przestała istnieć. Wydarzenia te wpłynęły na kulturę angielską, w tym na muzykę. Otwarto wydziały muzyczne na uniwersytetach w Oxfordzie i Cambridge. W salonach szlachty brzmiały instrumenty klawiszowe: virginel (rodzaj klawesynu), przenośne (małe) organy itp. Popularne były małe kompozycje przeznaczone do muzyki domowej. Najwybitniejszym przedstawicielem ówczesnej kultury muzycznej był William Bird (1543 lub 1544-1623) – wydawca muzyczny, organista i kompozytor. Bird stał się przodkiem angielskiego madrygału. Jego prace wyróżnia prostota (unikał skomplikowanych technik polifonicznych), oryginalność formy podążającej za tekstem oraz swoboda harmoniczna. Wszystkie środki muzyczne mają na celu afirmację piękna i radości życia, w przeciwieństwie do średniowiecznej surowości i powściągliwości. Kompozytor miał wielu zwolenników w gatunku madrygałów.

Bird tworzył także utwory duchowe (msze, psalmy) oraz muzykę instrumentalną. W swoich kompozycjach na Virginel wykorzystywał motywy pieśni i tańców ludowych.

Kompozytorowi bardzo zależało na tym, aby pisana przez niego muzyka „szczęśliwie niosła choć odrobinę czułości, relaksu i rozrywki” – tak napisał we wstępie do jednej ze swoich kolekcji muzycznych William Bird.

Niemcy. Związek niemieckiej kultury muzycznej z ruchem reformacyjnym. W XVI wieku w Niemczech rozpoczęła się reformacja, która znacząco zmieniła życie religijne i kulturalne kraju. Przywódcy reformacji byli przekonani o potrzebie zmian w muzycznej treści kultu. Wynikało to z dwóch powodów. Do połowy XV wieku. polifoniczna umiejętność kompozytorów zajmujących się gatunkami muzyki kościelnej osiągnęła niezwykłą złożoność i wyrafinowanie. Niekiedy powstawały utwory, które ze względu na bogactwo melodyczne głosów i rozwlekłe śpiewy nie były w stanie dostrzec i duchowo przeżyć większości parafian. Ponadto nabożeństwo odbywało się po łacinie, zrozumiałej dla Włochów, ale obcej Niemcom.

Założyciel ruchu reformacyjnego Marcin Luter (1483-1546) uważał, że potrzebna jest reforma muzyki kościelnej. Muzyka, po pierwsze, powinna sprzyjać aktywniejszemu uczestnictwu parafian w nabożeństwie (nie było to możliwe przy wykonywaniu utworów polifonicznych), a po drugie powinna wzbudzać empatię dla wydarzeń biblijnych (co utrudniało prowadzenie nabożeństwa po łacinie). Tym samym na śpiew kościelny nałożono następujące wymagania: prostota i klarowność melodii, równy rytm, klarowna forma śpiewu. Na tej podstawie powstał śpiew protestancki - główny gatunek muzyki kościelnej niemieckiego renesansu. W 1522 roku Luter przetłumaczył Nowy Testament na język niemiecki – odtąd możliwe stało się odprawianie nabożeństw w ich ojczystym języku.

Sam Luter, a także jego przyjaciel, niemiecki teoretyk muzyki Johann Walter (1490-1570), brali czynny udział w doborze melodii do chorałów. Głównym źródłem takich melodii były ludowe pieśni duchowe i świeckie - powszechnie znane i łatwe do zrozumienia. Luter sam skomponował melodie do niektórych chorałów. Jedna z nich, „Pan naszym wsparciem”, stała się symbolem reformacji podczas wojen religijnych XVI wieku.

Meistersingers i ich sztuka. Kolejna jasna strona niemieckiej muzyki renesansowej wiąże się z twórczością Meistersingera (niem. Meistersinger - „mistrz śpiewak”) - śpiewaków poetów spośród rzemieślników. Nie byli to zawodowi muzycy, ale przede wszystkim rzemieślnicy – rusznikarze, krawcy, szklarze, szewcy, piekarze itp. W miejskim związku takich muzyków byli przedstawiciele różnych rzemiosł. W XVI wieku stowarzyszenia Meistersinger istniały w wielu miastach w Niemczech.

Meistersingers komponowali swoje piosenki według ścisłych zasad, twórcza inicjatywa była krępowana wieloma ograniczeniami. Początkujący musiał najpierw opanować te zasady, potem nauczyć się wykonywać piosenki, potem komponować teksty do cudzych melodii i dopiero wtedy mógł stworzyć własną piosenkę. Za melodie-próbki uważano melodie słynnych meistersingers i minnesingers.

Wybitny Meistersinger XVI wieku Hans Sachs (1494-1576) pochodził z rodziny krawieckiej, ale w młodości opuścił dom rodzinny i wyjechał w podróż po Niemczech. Podczas swoich wędrówek młodzieniec nauczył się rzemiosła szewskiego, ale przede wszystkim poznał sztukę ludową. Sachs był dobrze wykształcony, doskonale znał literaturę starożytną i średniowieczną, czytał Biblię w tłumaczeniu na język niemiecki. Był głęboko przesiąknięty ideami reformacji, pisał więc nie tylko pieśni świeckie, ale także duchowe (łącznie około sześciu tysięcy pieśni). Hans Sachs zasłynął także jako dramaturg (patrz artykuł „Sztuka teatralna renesansu”).

Instrumenty muzyczne renesansu. W okresie renesansu skład instrumentów muzycznych znacznie się poszerzył, dodano nowe odmiany do już istniejących strun i instrumentów dętych. Wśród nich szczególne miejsce zajmują altówki - rodzina smyczkowych strun, uderzająca swoim pięknem i szlachetnością brzmienia. Formą przypominają instrumenty współczesnej rodziny skrzypiec (skrzypce, altówka, wiolonczela), a nawet uważane są za ich bezpośrednich poprzedników (współistniały w praktyce muzycznej do połowy XVIII wieku). Jednak różnica i znacząca nadal istnieje. Altówki mają system rezonujących strun; z reguły jest ich tyle, ile głównych (od sześciu do siedmiu). Wibracje rezonujących strun sprawiają, że altówka brzmi miękko, aksamitnie, ale instrument ten jest trudny do wykorzystania w orkiestrze, gdyż szybko się rozstraja ze względu na dużą liczbę strun.

Dźwięk altówki przez długi czas był uważany za wzór wyrafinowania w muzyce. Istnieją trzy główne typy w rodzinie altówek. Viola da gamba to duży instrument, który wykonawca ustawia pionowo i zaciska z boków stopami (wł. gamba oznacza „kolano”). Dwie inne odmiany - viola da braccio (z wł. braccio - "przedramię") i viol d "cupid (fr. Viole d" amour - "viola of love") były zorientowane poziomo, a podczas grania były dociskane do ramienia. Viola da gamba jest bliska wiolonczeli pod względem zakresu brzmienia, viola da braccio - skrzypcom, a viol d "amorek" - altówce.

Wśród renesansowych instrumentów szarpanych główne miejsce zajmuje lutnia (polska lutnia, od arabskiego „alud” – „drzewo”). Do Europy przybył z Bliskiego Wschodu pod koniec XIV wieku, a na początku XVI wieku istniał ogromny repertuar dla tego instrumentu; przede wszystkim śpiewano pieśni przy akompaniamencie lutni. Lutnia ma krótki korpus; górna część jest płaska, a dolna przypomina półkulę. Do szerokiej szyjki przymocowana jest podstrunnica, a główka instrumentu jest wygięta do tyłu prawie pod kątem prostym. Jeśli chcesz, możesz zobaczyć podobieństwo do miski w kształcie lutni. Dwanaście strun pogrupowanych jest w pary, a dźwięk wydobywany jest zarówno palcami, jak i specjalną płytką – kostką.

W XV-XVI wieku powstały różne rodzaje klawiatur. Główne rodzaje takich instrumentów - klawesyn, klawikord, klawesyn, klawesyn, dziewilec - były aktywnie wykorzystywane w muzyce renesansu, ale ich prawdziwy rozkwit nastąpił później.

W muzycznej kulturze renesansu można wyróżnić kilka definiujących innowacyjnych cech.

Po pierwsze, szybki rozwój sztuki świeckiej, wyrażający się we wszechobecności wielu świeckich gatunków pieśni i tańca. To są włoskiefrottols („Pieśni ludowe, z frottola słowa - tłum), Villanelles („Piosenki wiejskie”),kachczi , piosenkę (dosłownie - pieśni) i madrygały, hiszpańskiVillancico (z willi - wsi), francuskie pieśni chanson, niemieckikłamał , język angielski ballady inny. Wszystkie te gatunki, gloryfikujące radość bycia, zainteresowane wewnętrznym światem człowieka, dążące do prawdy życia, bezpośrednio odzwierciedlały postawę czysto renesansową. Charakterystyczne dla ich wyrazistych środków jest powszechne stosowanie intonacji i rytmów muzyki ludowej.

Kulminacja linii świeckiej w sztuce renesansu -madrygał ... Nazwa gatunku oznacza „piosenka w języku ojczystym (czyli włoskim)”. Podkreśla różnicę między muzyką madrygałową a sakralną wykonywaną po łacinie. Rozwój gatunku przeszedł od bezpretensjonalnej, jednogłosowej pieśni pasterskiej do 5-6-głosowego utworu wokalno-instrumentalnego z wyrafinowanym i wyrafinowanym tekstem lirycznym. Wśród poetów, którzy zwrócili się do gatunku madrygałów, są Petrarca, Boccaccio, Tasso. Kompozytorzy A. Villart, J. Arcadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, K. Monteverdi byli wybitnymi mistrzami madrygału. Pochodzący z Włoch madrygał szybko rozprzestrzenił się na inne kraje Europy Zachodniej.

Francuska wersja pieśni polifonicznej nazywa siępiosenka ... Różni się od madrygału większą bliskością do realnego, codziennego życia, czyli gatunku. Wśród twórców chanson -Klemens Jeannequin , jeden z najsłynniejszych francuskich kompozytorów renesansu.

Po drugie, najwyższy rozkwit polifonii chóralnej, która stała się wiodącym stylem muzycznym epoki. Dostojny i pomyślny, doskonale korespondował z powagą nabożeństwa kościelnego. Jednocześnie polifonia polifoniczna była dominującą formą wypowiedzi nie tylko w gatunkach duchowych, ale także świeckich.

Rozwój polifonii chóralnej związany był przede wszystkim z twórczością kompozytorów szkoły holenderskiej (francusko-flamandzkiej): Guillaume Dufay, Johannes Okegem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Lasso (ok. 1532-1594) pracował w wielu krajach Europy. Jego talent, naprawdę fenomenalny, podbijał i zachwycał wszystkich. W ogromnym dziele Orlanda Lassa reprezentowane są wszystkie gatunki muzyczne renesansu (z przewagą muzyki świeckiej nad duchową). Do jego najpopularniejszych utworów należy „Echo”, napisane w gatunku włoskiej piosenki codziennej. Kompozycja oparta jest na barwnym zestawieniu dwóch chórów, tworzących efekt echa. Jej tekst należy do samego kompozytora.

Wraz z Orlandem Lasso Włoch był największym reprezentantem renesansu w muzyce.Palestrina (pełna nazwa Giovanni Pierlui-gi da Palestrina, około 1525-1594). Większość życia Palestriny spędził w Rzymie, gdzie stale związany był z pracą w kościele, w szczególności kierował kaplicą katedry św. Piotr. Główną część jego muzyki stanowią dzieła duchowe, przede wszystkim msze (jest ich ponad sto, wśród których wyróżnia się słynna „Msza papieża Marcella”) oraz motety. Jednak Palestrina chętnie komponowała także muzykę świecką - madrygały, canzonety. Dzieła Palestriny na chór a Sarrellastał się klasycznym przykładem polifonii renesansowej.

Twórczość kompozytorów polifonicznych odegrała wiodącą rolę w rozwoju głównego gatunku muzyki renesansu -szerokie rzesze ... Pochodzący ze średniowiecza gatunek mszy inXIV- Xviwieków szybko się przeobraża, przechodząc od sampli prezentowanych przez odrębne, rozproszone części, do dzieł o harmonijnej, cyklicznej formie.

W zależności od kalendarza kościelnego niektóre fragmenty zostały pominięte w muzyce Mszy, a inne zostały dodane. Istnieje pięć obowiązkowych części, które są stale obecne w nabożeństwie kościelnym. Vi oraz V - « Kyrieeleison» („Panie, zmiłuj się”) i« AgnusDei» (« Baranek Boży”) - wyrażono modlitwę o przebaczenie i miłosierdzie. wII oraz IV - « Gloria„(„ Chwała ”) i” Sanctus» (« Święty ") - uwielbienie i wdzięczność. W centralnej części „Kredo» (« Wierzę ”), zostały przedstawione główne dogmaty doktryny chrześcijańskiej.

Po trzecie, rosnąca rola muzyki instrumentalnej (z wyraźną przewagą gatunków wokalnych). Jeśli europejskie średniowiecze prawie nie znało profesjonalnego instrumentalizmu, to w renesansie powstało wiele utworów na lutnię (najczęstszy instrument muzyczny tamtych czasów), organy, altówkę, vihuela, flety dziewicze, podłużne. Nadal podążają za wzorcami wokalnymi, ale zainteresowanie grą instrumentalną zostało już ustalone.

Po czwarte, w okresie renesansu aktywnie działały narodowe szkoły muzyczne (polifoniści holenderscy, wirginaliści angielscy, wihueliści hiszpańscy i in.), których twórczość opierała się na folklorze ich kraju.

Wreszcie teoria muzyki posunęła się daleko naprzód, przedstawiając wielu wybitnych teoretyków. To jest francuskieFilip de Vitry , autor traktatu " Arsnowość» (« Nowa Sztuka”, gdzie podane jest teoretyczne uzasadnienie nowego stylu polifonicznego); WłoskiJoseffo Zarlino jeden z twórców nauki o harmonii; szwajcarskiGlarean twórca doktryny melodii.

FEDERALNA AGENCJA EDUKACJI

GOU VPO „Mari State University”

Wydział klas podstawowych

Specjalność: 050708

„Pedagogika i metody edukacji podstawowej”

Katedra: „Pedagogika Szkolnictwa Podstawowego”

Test

„Muzyka renesansu”

Joszkar-Oła 2010

Epoka renesansu (renesansu) to okres rozkwitu wszelkiego rodzaju sztuk i odwoływania się ich postaci do dawnych tradycji i form.

Renesans ma nierówne granice historyczne i chronologiczne w różnych krajach europejskich. We Włoszech zaczyna się w XIV wieku, w Holandii zaczyna się w XV wieku, a we Francji, Niemczech i Anglii jej oznaki najdobitniej manifestują się w XVI wieku. Jednocześnie rozwój więzi między różnymi szkołami twórczymi, wymiana doświadczeń między muzykami przenoszącymi się z kraju do kraju, pracującymi w różnych kaplicach, staje się znakiem czasu i pozwala mówić o trendach wspólnych dla całej era.

Kultura artystyczna renesansu to osobista zasada oparta na nauce. Niezwykle złożone umiejętności polifonistów XV-XVI wieku, ich wirtuozowska technika współistniała z błyskotliwą sztuką tańców codziennych, wyrafinowaniem gatunków świeckich. W jego pracach coraz bardziej wyraża się liryka i dramat.

Jak więc widzimy, okres renesansu jest trudnym okresem w historii rozwoju sztuki muzycznej, dlatego zasadne wydaje się rozważenie go bardziej szczegółowo, zwracając jednocześnie należytą uwagę na jednostki.

Muzyka jest jedynym językiem świata, nie trzeba jej tłumaczyć, dusza rozmawia w niej z duszą.

Averbacha Bertholda.

Muzyka renesansu, czyli muzyka renesansu, odnosi się do okresu rozwoju muzyki europejskiej między około 1400 a 1600 rokiem. We Włoszech początek nowej ery dla sztuki muzycznej rozpoczął się w XIV wieku. Szkoła holenderska ukształtowała się i osiągnęła swoje pierwsze szczyty w XV wieku, po czym jej rozwój nadal rósł, a wpływy w taki czy inny sposób zdobyły mistrzów innych szkół narodowych. Znaki renesansu wyraźnie manifestowały się we Francji w XVI wieku, choć jej dokonania twórcze były wielkie i niepodważalne nawet w poprzednich stuleciach.

Rozkwit sztuki w Niemczech, Anglii i niektórych innych krajach w orbicie renesansu sięga XVI wieku. A jednak z biegiem czasu nowy ruch twórczy stał się decydujący dla całej Europy Zachodniej i na swój sposób zareagował w krajach Europy Wschodniej.

Muzyka Renesansu okazała się zupełnie obca szorstkim i ostrym dźwiękom. Jego główną istotą były prawa harmonii.

Wiodącą pozycję nadal utrzymywali muzyka duchowa dźwięk podczas nabożeństwa. W okresie renesansu zachowała główne tematy muzyki średniowiecznej: uwielbienie Pana i Stwórcy świata, świętość i czystość uczuć religijnych. Głównym celem takiej muzyki, jak ujął to jeden z jej teoretyków, jest „rozkoszowanie się Bogiem”.

Msze, motety, hymny i psalmy były podstawą kultury muzycznej.

Msza jest utworem muzycznym będącym zbiorem fragmentów liturgii katolickiej obrządku łacińskiego, której teksty są ustawione na muzykę do śpiewu monofonicznego lub polifonicznego, z instrumentami muzycznymi lub bez, do akompaniamentu muzycznego uroczystych nabożeństw w języku rzymskim Kościół katolicki i wysokie kościoły protestanckie, na przykład w Kościele Szwecji.

Msze, które mają wartość muzyczną, odprawiane są także poza nabożeństwem na koncertach, ponadto wiele mszy z późniejszych czasów zostało specjalnie skomponowanych albo do wykonania w sali koncertowej, albo z okazji jakiejś uroczystości.

Msza kościelna, nawiązująca do tradycyjnych melodii chorału gregoriańskiego, najpełniej wyrażała istotę kultury muzycznej. Podobnie jak w średniowieczu, Msza składała się z pięciu części, teraz jednak stała się bardziej majestatyczna i rozległa. Świat nie wydawał się już tak mały i widoczny dla człowieka. Zwykłe życie z jego ziemskimi radościami już przestało być uważane za grzeszne.

Motet (fr. motet z mot- słowo) to wokalne dzieło polifoniczne magazynu polifonicznego, jednego z głównych gatunków w muzyce zachodnioeuropejskiego średniowiecza i renesansu.

Hymn (starogrecki ὕμνος) to uroczysta pieśń, która wychwala i wychwala kogoś lub coś (pierwotnie bóstwo).

Psalm (gr. ψαλμός „pieśń uwielbienia”), r.p. psalm, pl. psalmy (gr. ψαλμοί) - hymny żydowskiej (hebr. תהילים) i chrześcijańskiej poezji religijnej i modlitwy (ze Starego Testamentu).

Tworzą oni Psałterz, dziewiętnastą księgę Starego Testamentu. Autorstwo psalmów tradycyjnie przypisuje się królowi Dawidowi (ok. 1000 pne) i kilku innym autorom, w tym Abrahamowi, Mojżeszowi i innym legendarnym postaciom.

Łącznie Psałterz zawiera 150 psalmów, podzielonych na modlitwy, uwielbienia, pieśni i nauki.

Psalmy wywarły ogromny wpływ na folklor i były źródłem wielu przysłów. W judaizmie psalmy śpiewano w formie hymnów do akompaniamentu. Dla każdego psalmu z reguły wskazano sposób wykonania i „wzór” (w chorale gregoriańskim zwanym intonacją), czyli odpowiednią melodię. Psałterz zajął ważne miejsce w chrześcijaństwie. Psalmy były wykonywane podczas nabożeństw, modlitw domowych, przed bitwą i podczas przeprowadzki w formacji. Były pierwotnie śpiewane w kościele przez całą społeczność. Psalmy wykonywano a cappella, tylko w domu dozwolone było korzystanie z instrumentów. Rodzaj wykonania był recytatywno-psalmodyczny. Oprócz całych psalmów wykorzystano także niektóre z najbardziej wyrazistych wersetów. Na tej podstawie powstały niezależne śpiewy - antyfona, graduał, traktat i alleluja.

Stopniowo do twórczości kompozytorów kościelnych zaczynają przenikać tendencje świeckie. W polifoniczną tkankę pieśni kościelnych śmiało wprowadzają motywy pieśni ludowych, które w treści nie są wcale religijne. Ale teraz nie było to sprzeczne z ogólnym duchem i nastrojem epoki. Wręcz przeciwnie, w muzyce boskość i ludzkość zostały połączone w niesamowity sposób.

Muzyka sakralna osiągnęła swój największy rozkwit w XV wieku. w Holandii. Tutaj muzyka była czczona bardziej niż inne formy sztuki. Kompozytorzy holenderscy i flamandzcy jako pierwsi opracowali nowe zasady polifoniczny(polifoniczne) wykonanie - klasyczne” surowy styl”. Najważniejszą techniką kompozytorską mistrzów holenderskich było imitacja- powtarzanie tej samej melodii różnymi głosami. Głosem wiodącym był tenor, któremu powierzono główną melodię powracającą – cantus firmus („melodia niezmienna”). Poniżej tenoru był bas, a powyżej alt. Najwyższy, czyli górujący nad wszystkimi, głos otrzymał imię sopran.

Za pomocą obliczeń matematycznych kompozytorom holenderskim i flamandzkim udało się obliczyć wzór na kombinacje interwałów muzycznych. Głównym celem pisania jest stworzenie harmonijnej, symetrycznej i okazałej, wewnętrznie dopełnionej struktury dźwiękowej. Jeden z najzdolniejszych przedstawicieli tej szkoły, Johannes Okegem (ok. 1425-1497), na podstawie obliczeń matematycznych skomponował motet o 36 głosach!

W twórczości Okegema reprezentowane są wszystkie gatunki charakterystyczne dla szkoły holenderskiej: msza, motet i chanson. Najważniejszym dla niego gatunkiem jest msza, dał się poznać jako wybitny polifonista. Muzyka Okegem jest bardzo dynamiczna, linia melodyczna porusza się w szerokim zakresie, ma szeroką amplitudę. Jednocześnie Okegem charakteryzuje się płynną intonacją, czystym diatonizmem i starożytnym myśleniem modalnym. Dlatego muzyka Okegem jest często określana jako „skierowana w nieskończoność”, „szybująca” w nieco oderwanym, figuratywnym środowisku. Mniej związana z tekstem, bogata w śpiewy, improwizowana, ekspresyjna.

Zachowało się bardzo niewiele prac Okegema:

Około 14 mas (w sumie 11):

· Requiem Missa pro Defunctis (pierwsze w historii światowej literatury muzycznej requiem polifoniczne);

9-13 (wg różnych źródeł) motety:

Ponad 20 piosenek

Istnieje wiele utworów, których przynależność do Okegema jest kwestionowana, w tym słynny motet „Deo gratias” na 36 głosów. Niektóre anonimowe chanson przypisuje się Okegemowi na podstawie podobieństwa stylistycznego.

Trzynaście Mszy Okegem zachowało się w XV-wiecznym rękopisie znanym jako kodeks Chigi.

Wśród mas przeważają czterogłosowe, są dwie pięcioczęściowe i jedna ośmioczęściowa. Okegem używa ludowych („L'homme armé”), własnych („Ma maistresse”) melodii lub melodii innych autorów (np. Benshua w „De plus en plus”) jako tematów dla mas. Są msze bez tematów zapożyczonych („Quinti toni”, „Sine nomine”, „Cujusvis toni”).

Motety i chanson

Motety i chanson Okegema sąsiadują bezpośrednio z jego mszami i różnią się od nich głównie skalą. Wśród motetów znajdują się zarówno bujne, odświętne kompozycje, jak i bardziej surowe duchowe kompozycje chóralne.

Najsłynniejszy to motet świąteczny dziękczynny „Deo gratias”, napisany na cztery dziewięcioczęściowe kompozycje i dlatego uważany za 36-częściowy. W rzeczywistości składa się z czterech kanonów dziewięcioczęściowych (na cztery różne tematy), które następują jeden po drugim z niewielkimi nakładami się początku następnego na zakończenie poprzedniego. W miejscach nakładania się brzmienia 18 głosów, w motecie nie ma prawdziwych 36 głosów.

Nie mniej interesująca jest twórczość holenderskiego kompozytora Orlando Lasso (ok. 1532-1594), który stworzył ponad dwa tysiące dzieł o charakterze kultowym i świeckim.

Lasso jest najbardziej płodnym kompozytorem swoich czasów; ze względu na ogromne ilości jego dziedzictwa artystyczne znaczenie jego dzieł (z których wiele zostało zamówionych) nie zostało jeszcze w pełni docenione.

Pracował wyłącznie w gatunkach wokalnych, m.in. pisząc ponad 60 mszy, requiem, 4 cykle pasji (dla wszystkich ewangelistów), oficjum wielkotygodniowe (szczególnie istotne są responsoria jutrzni w Wielki Czwartek, Wielki Piątek i Wielką Sobotę), ponad 100 magnificatów, hymnów, foburdonów, ok. 150 franków. chanson (jego chanson „Susanne un jour”, parafraza biblijnej historii Zuzanny, była jedną z najpopularniejszych sztuk w XVI wieku), pieśni włoskie (villanelles, moreski, canzones) i niemieckie (ponad 140 pieśni), około 250 madrygałów.

Lasso wyróżnia się najbardziej szczegółowym opracowaniem tekstów w różnych językach, zarówno liturgicznych (w tym tekstów Pisma Świętego), jak i dowolnie komponowanych. Powagę i dramatyzm koncepcji, rozbudowane tomy wyróżniają kompozycję Łzy św. Piotra (cykl 7-głosowych madrygałów duchowych na wersety Luigiego Tranzillo, wydana w 1595 r.) oraz Psalmy pokutne Dawida (1571 r. rękopis w formacie folio ozdobiony z ilustracjami G. Milicha, dostarczającymi cennego materiału ikonograficznego o życiu, w tym rozrywce muzycznej, bawarskiego dworu).

Jednocześnie w muzyce świeckiej Lasso nie był obcy humorowi. Na przykład w chanson „Picie w trzy osoby na uczty” (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) opowiada starą anegdotę z życia włóczęgów; w słynnej piosence „Matona mia cara” niemiecki żołnierz śpiewa serenadę miłosną, przekręcając włoskie słowa; w hymnie „Ut queant laxis” imitowane jest pechowe solfeżowanie. Wiele jasnych krótkich sztuk Lasso jest napisanych bardzo frywolnymi wersami, na przykład chanson „Pani z zainteresowaniem patrzyła na zamek / Natura na marmurowy posąg” (En un chasteau ma dame ...) i kilka piosenek (zwłaszcza moreski) zawierają nieprzyzwoite słownictwo.

Muzyka świecka Renesans był reprezentowany przez różne gatunki: madrygały, pieśni, kanzony. Muzyka, która przestała być „sługą Kościoła”, zaczęła teraz brzmieć nie po łacinie, ale w ich ojczystym języku. Najpopularniejszym gatunkiem muzyki świeckiej stały się madrygały (włoski madrygał – pieśń w języku ojczystym) – polifoniczne kompozycje chóralne napisane na tekst lirycznego poematu o treści miłosnej. Najczęściej w tym celu wykorzystywano wiersze słynnych mistrzów: Dantego, Francesco Petrarca i Torquato Tasso. Madrygały były wykonywane nie przez profesjonalnych śpiewaków, ale przez cały zespół amatorów, w którym każdą część prowadził jeden śpiewak. Główny nastrój madrygału to smutek, tęsknota i smutek, ale nie zabrakło też radosnych, żywych kompozycji.

Współbadacz kultury muzycznej D.K. Notatki Kirnarskiej:

„Madrygal wywrócił do góry nogami cały renesansowy system muzyczny: załamała się równa i harmonijna melodyczna plastyka Mszy… zniknął niezmienny cantus firmus, fundament muzycznej całości… zwykłe metody rozwijania” ścisłego pisania „… ustąpił miejsca emocjonalnym i melodycznym kontrastom epizodów, z których każdy starał się jak najbardziej wyraziście przekazać zawartą w tekście myśl poetycką. Madrigal ostatecznie podważył słabnące siły „stylu surowego”.

Nie mniej popularnym gatunkiem muzyki świeckiej była piosenka przy akompaniamencie instrumentów muzycznych. W przeciwieństwie do muzyki granej w kościele piosenki były dość proste do wykonania. Ich rymowany tekst był wyraźnie podzielony na 4-6-wierszowe strofy. W pieśniach, podobnie jak w madrygałach, znaczenie nabierał tekst. Wykonywane wiersze poetyckie nie powinny ginąć w śpiewie polifonicznym. Szczególnie znane były pieśni francuskiego kompozytora Clementa Janequina (ok. 1485-1558). Clement Jeannequin napisał około 250 chanson, głównie na 4 głosy, do wierszy Pierre'a Ronsarda, Clementa Marota, M. de Saint-Jelly'ego, poetów anonimowych. Przez kolejne 40 utworów współczesna nauka kwestionuje autorstwo Janequin (co jednak nie umniejsza jakości samej tej spornej muzyki). Głównym wyróżnikiem jego świeckiej muzyki polifonicznej jest programowość i wizualność. Przed oczami słuchacza pojawiają się obrazy z bitwy („Bitwa pod Marignano”, „Bitwa pod Renti”, „Bitwa pod Metz”), sceny polowań („Śpiew ptaków”, „Śpiew słowika”, „Skylark”) , sceny z życia codziennego ("Kobieta paplanina"). Janequin barwnie przenosi atmosferę codzienności Paryża do utworu „Screams of Paris”, w którym słychać okrzyki ulicznych sprzedawców („Mleko!” – „Pies!” – „Karczochy!” – „Ryba!” – „ Zapałki!” – „Gołębie!” – „Stare buty!” – „Wino!”). Mimo całej pomysłowości faktury i rytmu, muzyka Janequin w dziedzinie harmonii i kontrapunktu pozostaje bardzo tradycyjna.

Renesans był początkiem profesjonalne komponowanie... Uderzającym przedstawicielem tego nowego nurtu jest niewątpliwie Palestrina (1525-1594). Jego spuścizna obejmuje wiele dzieł muzyki sakralnej i świeckiej: 93 msze, 326 hymnów i motetów. Jest autorem dwóch tomów świeckich madrygałów do słów Petrarki. Przez długi czas pracował jako dyrygent chóru w Bazylice św. Piotra w Rzymie. Stworzona przez niego muzyka kościelna wyróżnia się czystością i wzniosłością uczuć. Świecka muzyka kompozytora nasycona jest niezwykłą duchowością i harmonią.

Renesansowi zawdzięczamy formację muzyka instrumentalna jako niezależna forma sztuki. W tym czasie pojawiło się szereg utworów instrumentalnych, wariacji, preludiów, fantazji, ronda, toccaty. Wśród instrumentów muzycznych szczególnie popularne są organy, klawesyn, altówka, różne rodzaje fletów, a pod koniec XVI wieku. - skrzypce.

Epoka renesansu kończy się wraz z pojawieniem się nowych gatunków muzycznych: pieśni solowej, oratorium i opery. Jeśli wcześniej świątynia była centrum kultury muzycznej, to od tego czasu muzyka zaczęła brzmieć w operze. I tak się stało.

We włoskim mieście Florencja pod koniec XVI wieku. zaczęli się gromadzić utalentowani poeci, aktorzy, naukowcy i muzycy. Żaden z nich nie pomyślał wtedy o jakimkolwiek odkryciu. A jednak to im była przeznaczona prawdziwa rewolucja w sztuce teatralnej i muzycznej. Wznawiając wykonania dzieł starożytnych greckich dramaturgów, zaczęli komponować własną muzykę, odpowiadającą, według ich wyobrażeń, charakterowi antycznego dramatu.

Członkowie aparat fotograficzny(jak nazywano to towarzystwo) starannie przemyślany akompaniament muzyczny monologów i dialogów postaci mitologicznych. Aktorzy musieli wykonywać partie mówione recytatyw(recytacja, intonowanie mowy). I chociaż słowo to nadal odgrywało wiodącą rolę w odniesieniu do muzyki, zrobiono pierwszy krok w kierunku ich zbieżności i harmonijnego połączenia. Takie przedstawienie pozwoliło w większym stopniu przekazać bogactwo wewnętrznego świata człowieka, jego osobiste przeżycia i uczucia. Oparte na takich partiach wokalnych, arie- zrealizowane odcinki spektaklu muzycznego, w tym opery.

Opera szybko zdobyła miłość i stała się popularna nie tylko we Włoszech, ale także w innych krajach Europy.

Lista wykorzystanej literatury

1) Encyklopedyczny słownik młodego muzyka / Comp. W.W. Mieduszewski, O.O. Oczakowska. - M .: Pedagogika, 1985.

2) Kultura sztuki światowej. Od początków do XVII wieku: podręcznik. za 10 cl. ogólne wykształcenie. instytucje o profilu humanitarnym / G.I. Daniłow. - wyd. 2, Stereotyp. - M .: Drop, 2005.

Najbardziej uderzającym zjawiskiem były rozpowszechnione w tym czasie świeckie gatunki wokalne, nasycone duchem nurtów humanistycznych. Szczególną rolę w ich rozwoju odegrała profesjonalizacja sztuki muzycznej: rosły umiejętności muzyków, organizowano szkoły śpiewu, w których od najmłodszych lat uczyli śpiewu, gry na organach i teorii muzyki. Wszystko to doprowadziło do aprobaty polifonii stylu ścisłego, wymagającego wysokich umiejętności, profesjonalnego opanowania kompozytora i techniki wykonawczej. W ramach tego stylu funkcjonują dość surowe zasady prowadzenia głosu i organizacji rytmicznej przy zachowaniu maksymalnej niezależności głosów. Chociaż muzyka kościelna zajmowała ważne miejsce w dziełach mistrzów stylu ścisłego, obok dzieł o tekstach duchowych, kompozytorzy ci stworzyli wiele świeckich pieśni polifonicznych. Szczególnie interesujące są muzyczne i poetyckie obrazy świeckich gatunków wokalnych. Teksty wyróżniają się żywotnością i trafnością treści. Oprócz tekstów miłosnych niezwykle popularne były teksty satyryczne, frywolne, dytyrambiczne, które łączono z doskonałą profesjonalną techniką pisania polifonicznego. Oto kilka tekstów francuskiego chanson, które są przykładem poezji codziennej „Wstawaj, kochana Colinette, czas iść na drinka; dążę do śmiechu i przyjemności. Niech wszyscy poddadzą się radości. Nadeszła wiosna.. .", "Niech bogactwo będzie przeklęte, zabrało mi przyjaciela: wziąłem w posiadanie jej miłość, a drugi - bogactwo, szczera miłość w romansach ma niewielką wartość. "

Kultura renesansu pojawiła się najpierw we Włoszech, a następnie w innych krajach. Historia zachowała informacje o częstych ruchach znanych muzyków z kraju do kraju, o ich pracy w takiej czy innej kaplicy, o częstym komunikowaniu się przedstawicieli różnych narodowości itp. Dlatego w muzyce okresu renesansu obserwujemy znaczące związek między utworami kompozytorów różnych szkół narodowych.

XVI wiek jest często określany mianem „wieku tańca”. Pod wpływem humanistycznych ideałów włoskiego renesansu zapora kościelnych zakazów została ostatecznie przełamana, a pragnienie „ziemskich”, ziemskich radości objawiło się bezprecedensową eksplozją elementów tańca i śpiewu. Silny czynnik popularyzacji pieśni i tańca w XVI wieku. wynalezienie metod drukowania muzyki odegrało rolę: tańce publikowane w dużych nakładach zaczęły wędrować z jednego kraju do drugiego. Każdy naród przyczynił się do wspólnego hobby, więc tańcząc, odrywając się od ojczystej ziemi, podróżował po kontynencie, zmieniając swój wygląd, a czasem nazwę. Moda na nich szybko się rozprzestrzeniła i szybko się zmieniła.

Jednocześnie renesans był okresem szerokich ruchów religijnych (husyci w Czechach, luteranizm w Niemczech, kalwinizm we Francji). Wszystkie te różne przejawy ruchów religijnych tamtych czasów można połączyć ogólną koncepcją protestantyzmu. Protestantyzm w różnych ruchach narodowych odegrał ważną rolę w rozwoju i umacnianiu wspólnych kultur muzycznych narodów, przede wszystkim w dziedzinie muzyki ludowej. W przeciwieństwie do humanizmu, który obejmował stosunkowo wąski krąg ludzi, protestantyzm był bardziej masowym trendem, który rozprzestrzeniał się wśród szerokich warstw ludzi. Jednym z najbardziej uderzających zjawisk w sztuce muzycznej renesansu jest śpiew protestancki. Powstał w Niemczech pod wpływem ruchu reformacyjnego, w przeciwieństwie do atrybutów kultu katolickiego, wyróżniał się szczególną treścią emocjonalną i semantyczną. Luter i inni przedstawiciele protestantyzmu przywiązywali wielką wagę do muzyki: „Muzyka sprawia, że ludzie radują się, zapominają o złości. Eliminuje pewność siebie i inne braki… Muzyki trzeba ciągle uczyć, bo ona wykuwa ludzi zręcznych, odpowiednich do wszystkiego ”. Muzyka w ruchu reformacyjnym była więc uważana nie za luksus, ale za rodzaj „chleba powszedniego” – wezwano ją do odegrania dużej roli w propagandzie protestantyzmu i kształtowaniu świadomości duchowej szerokich mas.

GATUNEK MUZYCZNY:

Gatunki wokalne

Cała epoka jako całość charakteryzuje się wyraźną przewagą gatunków wokalnych, a w szczególności wokalu polifonia... Niezwykle złożone mistrzostwo polifonii o surowym stylu, autentyczna nauka, wirtuozowska technika współistniały z jasną i świeżą sztuką rozpowszechniania na co dzień. Muzyka instrumentalna zyskuje pewną samodzielność, ale jej bezpośrednia zależność od form wokalnych i źródeł codziennych (taniec, śpiew) zostanie przezwyciężona dopiero nieco później. Główne gatunki muzyczne pozostają związane z tekstem werbalnym. Istota humanizmu renesansowego znalazła odzwierciedlenie w komponowaniu pieśni chóralnych w stylu Frottol i Vilanell.
Gatunki taneczne

W okresie renesansu duże znaczenie nabrał taniec codzienny. Wiele nowych form tanecznych pojawia się we Włoszech, Francji, Anglii, Hiszpanii. Różne warstwy społeczeństwa mają własne tańce, kształtują sposób ich wykonywania, zasady zachowania podczas balów, wieczorów, festynów. Tańce renesansowe są bardziej złożone niż proste przekleństwa późnego średniowiecza. Tańce z tańcem okrągłym i kompozycją linearną zostają zastąpione tańcami par (duetów), zbudowanymi na skomplikowanych ruchach i figurach.
Volta - taniec parowy pochodzenia włoskiego. Jego nazwa pochodzi od włoskiego słowa voltare, które oznacza „zawrócić”. Rozmiar jest trzytaktowy, tempo jest umiarkowanie szybkie. Główny rysunek tańca polega na tym, że dżentelmen zwinnie i gwałtownie podkręca tańczącą z nim damę w powietrze. Ta wspinaczka jest zwykle pokonywana bardzo wysoko. Wymaga od dżentelmena dużej siły i zręczności, gdyż mimo ostrości i pewnej żywiołowości ruchów podniesienie musi być wykonane wyraźnie i pięknie.
Galliard - stary taniec pochodzenia włoskiego, rozpowszechniony we Włoszech, Anglii, Francji, Hiszpanii, Niemczech. Tempo wczesnych galiardów jest umiarkowanie szybkie, rozmiar trzytaktowy. Galliarda często wykonywana była po pawanie, z którą czasami była związana tematycznie. Galiardy XVI wiek utrzymany w fakturze melodyczno-harmonicznej z melodią w głosie górnym. Melodie Galliarda były popularne wśród szerokiej części społeczeństwa francuskiego. Podczas serenad studenci z Orleanu grali melodie galiardowe na lutniach i gitarach. Podobnie jak dzwonek, galiard miał charakter swoistego tanecznego dialogu. Cavalier przeszedł przez salę ze swoją damą. Kiedy mężczyzna wykonał solo, pani została tam, gdzie była. Męskie solo składało się z różnych złożonych ruchów. Potem ponownie podszedł do pani i kontynuował taniec.
Pawana - taniec boczny z XVI-XVII wieku. Tempo jest umiarkowanie wolne, 4/4 lub 2/4 taktu. Różne źródła nie zgadzają się co do jego pochodzenia (Włochy, Hiszpania, Francja). Najpopularniejszą wersją jest taniec hiszpański imitujący ruchy pawia chodzącego z pięknie opadającym ogonem. Był blisko tańca basowego. Przy muzyce pawany odbywały się różne uroczyste procesje: wjazd władz do miasta, odprowadzenie szlachetnej panny młodej do kościoła. We Francji i we Włoszech pawana jest uznawana za taniec dworski. Uroczysty charakter pawany sprawił, że dworskie towarzystwo zabłysło wdziękiem i wdziękiem swoich obyczajów i ruchów. Lud i burżuazja nie wykonywały tego tańca. Pavane, podobnie jak menuet, wykonywano ściśle według rangi. Król i królowa rozpoczęli taniec, potem do tańca weszli delfin i szlachetna dama, potem książęta itd. Kawalerowie wykonywali pavanę z mieczem iw draperiach. Panie były w formalnych strojach z ciężkimi długimi okopami, które trzeba było umiejętnie dzierżyć podczas ruchów, nie podnosząc ich z podłogi. Ruch trenu czynił ruchy pięknymi, nadając pawanie blasku i powagi. Dla królowej służebnice pań prowadziły pociąg. Przed rozpoczęciem tańca miał obejść halę. Pod koniec tańca pary ponownie spacerowały po sali z ukłonami i dygnięciami. Ale przed założeniem kapelusza pan musiał położyć prawą rękę na plecach kobiety, lewą (trzymającą kapelusz) na jej talii i pocałować ją w policzek. Podczas tańca oczy pani były spuszczone; tylko od czasu do czasu spoglądała na swojego kawalera. Najdłużej pawana zachowała się w Anglii, gdzie była bardzo popularna.
Allemande - powolny taniec pochodzenia niemieckiego w 4-beatach. Należy do masywnych tańców „niskich”, wolnych od skoków. Wykonawcy stawali się parami jeden po drugim. Liczba par nie była ograniczona. Pan trzymał damę za ręce. Kolumna poruszała się po sali, a gdy dotarła do końca, uczestnicy wykonali obrót w miejscu (bez rozdzielania rąk) i kontynuowali taniec w przeciwnym kierunku.
Courant - taniec dworski pochodzenia włoskiego. Dzwonek był prosty i złożony. Pierwsza składała się z prostych, strugających kroków, wykonywanych głównie do przodu. Złożony dzwonek miał charakter pantomimiczny: trzech panów zaprosiło do tańca trzy panie. Panie zostały zabrane do przeciwległego rogu sali i poproszone do tańca. Panie odmówiły. Panowie, otrzymawszy odmowę, wyszli, ale potem wrócili ponownie i uklękli przed paniami. Dopiero po scenie pantomimy zaczął się taniec. Dzwonki są typu włoskiego i francuskiego. Włoski dzwonek to żywy taniec 3/4 lub 3/8 metra z prostym rytmem o fakturze melodyczno-harmonicznej. Francuski - uroczysty taniec ("taniec obyczajów"), płynna, dumna procesja. Rozmiar 3/2, umiarkowane tempo, dobrze rozwinięta faktura polifoniczna.
Sarabanda - popularny taniec XVI - XVII wieku. Pochodzi z hiszpańskiego tańca kobiecego z kastanietami. Początkowo towarzyszył mu śpiew. Słynny choreograf i nauczyciel Carlo Blazis w jednym ze swoich dzieł podaje krótki opis sarabandy: „W tym tańcu każdy wybiera damę, której nie jest obojętny. Muzyka daje sygnał, a dwoje kochanków wykonuje taniec, szlachetny mierzona jednak waga tego tańca bynajmniej nie przeszkadza w przyjemności, a skromność dodaje mu jeszcze więcej wdzięku, oczy wszystkich z radością śledzą tancerzy, którzy wykonują różne figury, wyrażając swoim ruchem wszystkie fazy miłości. " Początkowo tempo sarabandy było umiarkowanie szybkie, później (od XVII w.) pojawiła się powolna francuska sarabanda o charakterystycznym wzorze rytmicznym: ... został zakazany przez Radę Kastylii.
Gigu - taniec pochodzenia angielskiego, najszybszy, triolowy, zamieniający się w triolę. Początkowo gigue był tańcem w parach, ale wśród żeglarzy rozpowszechnił się jako solowy, bardzo szybki taniec o komicznym charakterze. Później pojawił się w muzyce instrumentalnej jako ostatnia część dawnej suity tanecznej.

Podsumowanie: Muzyka renesansu