Stowarzyszenie artystyczne świat sztuki w skrócie. Obraz

Stowarzyszenie World of Art, które ucieleśniało artystyczne ideały symboliki i nowoczesności, odegrało znaczącą rolę w kształtowaniu się awangardy, wbrew własnym aspiracjom. Pomimo konfrontacji, jaka zaistniała między Światem Sztuki a artystami awangardowymi (najbardziej uderzającym przykładem jest kontrowersyjna gazeta A.N. Benois i D.D. Burliuk), związek między tymi dwoma zjawiskami na poziomie historycznym i artystycznym jest oczywisty.

Znajomość Rosji ze współczesną sztuką zachodnią odbywała się dzięki działaniom Świata Sztuki. Proces ten rozpoczął się już w latach 1897-1898, kiedy S.P. Diagilew zorganizował wystawy artystów angielskich, niemieckich, skandynawskich i fińskich.

Kolejny etap „Świata Sztuki” był bardziej śmiały. W 1899 roku odbyła się pierwsza międzynarodowa wystawa redakcji pisma, na której pojawiły się prace znanych europejskich artystów. Choć organizatorzy wystawy nadal zajmowali połowiczne stanowisko w stosunku do współczesnej sztuki światowej, ogólny skład zaproszonych artystów zagranicznych okazał się dość zróżnicowany. Spośród francuskich impresjonistów wybór padł na Claude'a Moneta, Auguste'a Renoira i Edgara Degasa; byli też inni mistrzowie, w ten czy inny sposób bliscy secesji, akademizmu i realizmowi. Na wystawie nie było prac Paula Cezanne'a, Vincenta van Gogha i Paula Gauguina. Grupę angielską reprezentowali Frank Brangwyn i Amerykanin James Whistler. Były to prace artystów niemieckich (Franz von Lenbach i Max Liebermann), szwajcarskich (Arnold Böcklin) i włoskich (Giovanni Boldini). Mimo znanej jednostronności doboru, podyktowanej pewną orientacją „Świata Sztuki”, którego członkowie – jak sami przyznali – „przeoczyli” impresjonistów, Cezanne'a, Gauguina i innych najważniejszych mistrzów późnego Ta XIX-wieczna wystawa stanowiła decydujący przełom na terytorium nowej sztuki europejskiej.

Jeśli chodzi o samych mistrzów Świata Sztuki, to w tym samym czasie zaczęli zdobywać pewne pozycje na europejskich wystawach. W połowie lat 90. Benois otrzymał od jednego z przywódców monachijskiej secesji propozycję zorganizowania na jednej z wystaw specjalnej sekcji rosyjskiej. W latach 1900 nastąpił proces przenikania artystów rosyjskich na wystawy zagraniczne. W Niemczech jednym z najpopularniejszych artystów rosyjskich był K.A. Somow, który wystawiał w latach 1901-1902 w wiedeńskiej i berlińskiej Secesji, jego osobista wystawa odbyła się w Hamburgu w 1903, a pierwsza monografia o nim została opublikowana w 1907 w Berlinie. Inny przywódca „świata sztuki”, L. S. Bakst, brał udział w secesji monachijskiej od końca lat 90., w 1904 wystawiał w Paryżu, demonstrując swoją pracę w Grand Palais; sukces przyszedł do niego w latach 1910, po udziale w przedsiębiorstwie Diagilewa i wystawach indywidualnych w Paryżu i Londynie.

W tym samym czasie, wraz ze Światem Sztuki, na ich wystawach zaczęły pojawiać się prace artystów najnowszych nurtów. W lutym-marcu 1906, jeszcze przed oficjalnym utworzeniem towarzystwa World of Art w 1910, Diagilew zorganizował wystawę pod tym samym tytułem. Uczestniczyli w nim M.F. Larionov, bracia V.D. oraz N.D. Milioti, N.N. Sapunov, AG Yavlensky.

Na początku lat 1910 Świat Sztuki wykazuje pewną otwartość na nową sztukę. Tak więc po sukcesie Jack of Diamonds w 1910 r. Niektórzy z jego przedstawicieli okazali się wystawcami wystaw World of Art (P.P. Konczałowski, A.V. Lentulov, I.I. Mashkov, A.A. Morgunov, V.V. Rozhdestvensky , RR Falk, bracia Burliuk) . W latach 1910-1911 N.S. Goncharova, Larionov, P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan, G.B. Yakulov uczestniczyli w wystawach World of Art. Prasa była tym oburzona. „Po ogłoszeniu się lewicowcami i podniesieniu sztandaru Diagilewa „Świata Sztuki”, uczestnicy sprawozdawczej wystawy ... zaprosili ... „anarchistów”” (Wczesnym rankiem 1911. Nr 47. 27 lutego. P. 5). „Nie ma „World of Art”, a zamiast niego – „Jack of Diamonds” z maleńką bladą gałęzią „World of Art”. Goście<...>osiadł jak w domu, z takim zarozumialstwem, że prawie nie było miejsca dla właścicieli ”(S. Glagol. World of Art // Plotka Stolichnaya. 1911. Nr 217. 5 grudnia, s. 3).

Tylko Gonczarowa, Larionow i Jakułow uczestniczyli w moskiewskiej wystawie Świata Sztuki (listopad-grudzień 1912) (byli też wystawiani na wystawie petersburskiej w styczniu-lutym 1913). Członkowie Diamonds Mashkov i Lentulov odmówili udziału decyzją walnego zgromadzenia Jack of Diamonds. Moskiewska ekspozycja "Świata Sztuki" (grudzień 1913 - styczeń 1914) zgromadziła większą liczbę artystów lewicowych: N.I. Altman i A.V. Szewczenko dołączył do Gonczarowej, Larionowa i Jakułowa. VE Tatlin wystawił „Picturesque Relief” bez porozumienia z organizatorami.

Skład futurystów (jak nazywali to krytycy lewicowych artystów) na wystawach Świata Sztuki w latach 1915-1916 nieco się zmienił: w 1915 r. lewicowców reprezentowały nazwiska LA Bruni, PV Miturich i NA Tyrsa, a w 1916 - KL Bogusławskaja, Konczałowski, Maszkow, W.M. Chodasewicz i Jakułow.

W marcu 1916 Konczałowski i Maszkow opuścili Jack of Diamonds i zostali członkami stowarzyszenia World of Art. W tym samym roku do towarzystwa dołączyła Gonczarowa. Fakty te świadczyły o asymilacji przeciwstawnych niegdyś nurtów artystycznych. Proces ten trwał przez kolejne dwa sezony wystawiennicze (1917-1918): obok Konczałowskiego i Maszkowa prace S.I. Dymszyca-Tołstoja, L.M. Lissitzky'ego, SA Nagubnikowa, A.F.

W maju 1917 r. „Świat Sztuki” wszedł do centralnej federacji Związku Zawodowego Malarzy Moskiewskich. W 1918 r. Towarzystwo uzupełniło swoje szeregi byłymi tamburynami A.V. Kuprin, Lentulov, A.I. Milman, Rozhdestvensky, Falk i praktycznie stało się centrum moskiewskiego cezannizmu. P. Kuzniecow został wybrany przewodniczącym Świata Sztuki w 1918 roku, a Maszkow, Milman i Lentułow weszli do kierownictwa towarzystwa.

Latem 1921 r. ludzie Diamentów ponownie zjednoczyli się pod szyldem „Świata Sztuki” – wystawa towarzystwa była otwarta do listopada i skupiała artystów różnych kierunków. Oprócz tradycyjnego rdzenia Bubnovalet wystawiono Inhukovites A.A. Vesnin, AD Drevin i N.A. Udaltsova, a także V.V. Kandinsky i Shevchenko.

Z tej okazji Falk napisał do Kuprina: „Wiele się zmieniło w naszym społeczeństwie [Świat Sztuki]. Dzięki staraniom Ilji Iwanowicza [Maszkowa] i [P.W.] Kuzniecowa stracił swój zamierzony wygląd. Weszła masa nowych członków, kierowanych przez nich w fuchach, jak różni uczniowie Kuzniecowa, Bebutowa itp. Maszkow chce widzieć swoją żonę jako członka i tak dalej. Na ogół atmosfera zaczyna się bardzo pogarszać” (RGALI, F. 3018, op. 1, poz. 147, k. 6).

Kolejna wystawa moskiewska (styczeń 1922) świadczyła o kryzysowym stanie „świata sztuki”. Falk relacjonował temu samemu adresatowi: „Wystawa pozostawiła we mnie ponure uczucie. Wydaje mi się, że patos w sztuce jest konieczny, ale tak nie jest. Wszystko<...>jesteśmy słodko-kwaśny, a nie gorący i nie zimny. Rewolucja bardzo nam odpowiedziała, przygniotła nas do ziemi i uczyniła nas codziennością” (RGALI. F.3018. Op.1. Poz. 147. L. 10-11).

W ostatniej wystawie towarzystwa, otwartej w Paryżu w czerwcu 1927 r., nie brał udziału żaden z artystów awangardowych.

Pod koniec XIX wieku życie artystyczne w Rosji było bardzo żywe. Towarzystwo wykazywało wzmożone zainteresowanie licznymi wystawami i aukcjami sztuki, artykułami i czasopismami poświęconymi sztukom plastycznym. Nie tylko Moskwa i Sankt Petersburg, ale także wiele prowincjonalnych gazet i czasopism miało odpowiadające im stałe nagłówki. Powstawały różnego rodzaju stowarzyszenia artystyczne, stawiające sobie różne zadania, ale głównie o charakterze edukacyjnym, na co wpłynęły tradycje Wędrowców.

W tych warunkach pomysł Diagilewa o zjednoczeniu młodych sił artystycznych Petersburga i Moskwy, którego potrzebę od dawna odczuwano w sztuce rosyjskiej, został przychylnie przyjęty.

W 1898 r. Diagilew po raz pierwszy osiągnął wspólny występ na Wystawie Artystów Rosyjskich i Fińskich. Wzięli w nim udział Bakst, Benois, A. Vasnetsov, K. Korovin, Nesterov, Lansere, Lewitan, Maliutin, E. Polenova, Riabushkin, Serov, Somov i inni.

W tym samym 1898 r. Diagilowowi udało się przekonać znane postacie i miłośników sztuki S.I. Mamontowa i M.K. Tenisheva do sfinansowania miesięcznego magazynu artystycznego. Wkrótce w Petersburgu ukazał się podwójny numer magazynu „World of Art” pod redakcją Siergieja Pawłowicza Diagilewa.

Był to pierwszy magazyn o sztuce, którego charakter i kierunek określili sami artyści. Redakcja poinformowała czytelników, że pismo rozważy dzieła mistrzów rosyjskich i zagranicznych „ze wszystkich epok historii sztuki, o ile wskazane prace są interesujące i ważne dla współczesnej świadomości artystycznej”.

W następnym roku, w 1899 roku, odbyła się I Międzynarodowa Wystawa czasopisma „Świat Sztuki”. Zawierał ponad 350 dzieł i czterdziestu dwóch europejskich artystów, w tym P. de Chavannes. D. Whistler, E. Degas, C. Monet, O. Renoir. Wystawa

pozwolił rosyjskim artystom i widzom zapoznać się z różnymi dziedzinami sztuki zachodniej.

Dzięki ukazaniu się pisma „Świat Sztuki” i wystawom z lat 1898-1899 powstał krąg młodych artystów sympatyzujących z kierunkiem pisma.

W 1900 r. Diagilowowi udało się zjednoczyć wielu z nich w twórczej społeczności „Świat Sztuki”. Ten „genialny zespół” (wyrażenie A.P. Ostroumowej-Lebiediewej) składał się z wybitnych artystów, którzy przybyli do sztuki w latach 90. XIX wieku, a mianowicie: Baksta, Aleksandra Benois, Bilibin, Braz, Vrubel, Golovin, Grabar, Dobuzhinsky. K. Korowin, Lansere, Maliutin, Malyavin, Ostroumova, Purvit, Roerich, Ruschits, Serov, Somov, Trubetskoy, Zionglinsky, Yakunchikova i Yareich.

Ponadto Repin, V. i E. Polenov, A. Vasnetsov, Levitan, Nesterov, Riabushkin wzięli udział w niektórych ówczesnych wystawach Świata Sztuki.

Od 1900 do 1903 odbyły się trzy wystawy „Świata Sztuki”. Organizując te wystawy, Diagilew skupił się na młodych rosyjskich artystach. Byli Petersburgami - Bakst, Benois. Somow, Lansere i Moskali - Vrubel, Serov, K. Korovin, Lewitan, Maliutin, Riabushkin i inni. Największe nadzieje pokładał Diagilew. Pisał: „...cała nasza obecna sztuka i wszystko, od czego możemy oczekiwać przyszłości, znajduje się w Moskwie”. Dlatego starał się w każdy możliwy sposób przyciągnąć moskiewskich artystów na wystawy Świata Sztuki, co nie zawsze mu się udawało.

Wystawy World of Art gruntownie przybliżyły rosyjskiemu społeczeństwu twórczość słynnych rosyjskich mistrzów i wschodzących artystów, którzy nie zdobyli jeszcze uznania, takich jak Bilibin, Ostroumowa, Dobuzhinsky, Lansere, Kustodiev, Yuon, Sapunov, Larionov, P. Kuznetsov, Saryan.

Nie ma tu potrzeby szczegółowo omawiać działalności Świata Sztuki, skoro niedawno pojawiły się poświęcone mu publikacje. Należy wspomnieć o niektórych jego ogólnych cechach, które podkreślał sam Świat Sztuki i wielu współczesnych.

Stowarzyszenie „Świat Sztuki” nie było w sztuce rosyjskiej zjawiskiem przypadkowym, ale uwarunkowanym historycznie. Taka była na przykład opinia I. E. Grabara: „Gdyby nie Diagilew”<...>, sztuka tego porządku musiała się wyłonić.”

Odnosząc się do kwestii ciągłości kultury artystycznej, Diagilew powiedział w 1906 r.: „Cała teraźniejszość i przyszłość rosyjskiej sztuki plastycznej… będzie w taki czy inny sposób żywić się tymi samymi zasadami, które Świat Sztuki zaczerpnął z dokładnych badań wielkich mistrzów rosyjskich od czasów Piotra”.

JAKIŚ. Benois napisał, że wszystko, co robi Świat Sztuki „wcale nie oznaczało”, że „zrywali z całą przeszłością”. Wręcz przeciwnie, argumentował Benois, sam rdzeń „świata sztuki” „stoi za odnowieniem wielu, zarówno technicznych, jak i ideologicznych tradycji sztuki rosyjskiej i międzynarodowej”. I dalej: „... uważaliśmy się w dużej mierze za przedstawicieli tych samych poszukiwań i tych samych metod twórczych, które ceniliśmy u portrecistów XVIII wieku, w Kiprensky, w Venetsianov, a także w Fedotov jak u wybitnych mistrzów bezpośrednio poprzedzającego nas pokolenia - w Kramskoy, Repin, Surikov.

V. E. Makovsky, znany wędrowiec, w wywiadzie dla dziennikarza powiedział: „Wykonaliśmy swoją pracę<...>Nieustannie jesteśmy przytaczani jako przykład przez Związek Artystów Rosyjskich i Świat Sztuki, gdzie podobno obecnie skupiają się wszystkie najlepsze siły rosyjskiego malarstwa. Ale kim oni są, te najlepsze siły, jeśli nie naszymi własnymi dziećmi?<...>Dlaczego nas opuścili? Tak, ponieważ czuli się ciasni i postanowili założyć nowe społeczeństwo”.

W dziele World of Art ta ciągłość najlepszych tradycji Wędrowców ujawniła się podczas rewolucji 1905 roku. Większość artystów „Świata Sztuki” włączyła się do walki z caratem, biorąc czynny udział w wydawaniu publikacji satyry politycznej.

"Świat Sztuki" odegrał znaczącą, a czasem nawet decydującą rolę w twórczym losie wielu artystów. I. E. Grabar, na przykład, dopiero po spotkaniu z członkami komisji wystawienniczej World of Art, Diagilewem, Benoisem i Sierowem, „uwierzył w siebie i zaczął pracować”. Nawet o samym Sierowie, nie bez powodu, powiedzieli, że „aktywna sympatia kręgu „Świata Sztuki” w cudowny sposób zainspirowała i wzmocniła jego pracę”

K. S. Pietrow-Wodkin napisał w 1923 r. W swoich wspomnieniach o Świecie Sztuki: „Jaki jest urok Diagilewa, Benoisa, Somowa, Baksta, Dobużyńskiego? Takie konstelacje grup ludzkich powstają na granicy historycznych punktów zwrotnych. Dużo wiedzą i niosą ze sobą te wartości z przeszłości. Potrafią wydobywać rzeczy z prochu historii i ożywiając je, nadać im nowoczesne brzmienie… „Świat Sztuki” znakomicie odegrał swoją historyczną rolę”. A w innym miejscu tych samych wspomnień: „Kiedy pamiętasz, jak dwadzieścia lat temu, w miazmie dekadencji, w historycznym złym guście, czerni i błocie malarstwa, Siergiej Diagilew i jego towarzysze wyposażyli swój statek, jak wtedy my, młodzi mężczyźni, razem z nimi wznosili się skrzydła, dusząc się w otaczającym nas obskurantyzmie – pamiętajcie to wszystko, powiedzcie: tak, dobra robota, przywieźliście nas do teraźniejszości na swoich barkach.

N. K. Roerich stwierdził, że to „Świat Sztuki” „wzniósł sztandar nowych podbojów sztuki”.

Wspominając odległe lata 1900 na stoku swojego życia, AP Ostroumowa-Lebiediewa napisała: „Studenci sztuki światowej wybierali i zapraszali młodych artystów do swojego społeczeństwa, gdy dostrzegali w nich, oprócz talentu, szczery i poważny stosunek do sztuki i ich Praca<...>The World of Art wytrwale głosili zasadę „rzemiosła w sztuce”, czyli chcieli, aby artyści tworzyli obrazy z pełną, szczegółową znajomością materiałów, z którymi pracowali i doprowadzali technikę do perfekcji<...>Ponadto wszyscy mówili o potrzebie podniesienia kultury i smaku wśród artystów i nigdy nie negowali tematów w obrazach, a tym samym nie pozbawiali sztuk pięknych ich nieodłącznych właściwości agitacji i propagandy. Konkluzja Ostroumowej-Lebiediewej była bardzo konkretna: „Po prostu nie da się zburzyć znaczenia społeczeństwa „Świata Sztuki” i zaprzeczyć mu, na przykład, jak czynią to w naszym kraju krytycy sztuki, kierując się zasadą „sztuka dla sztuki”. ”.

K.F. Yuon zauważył: „Świat Sztuki” wskazywał na nietkniętą dziewiczą krainę różnorodnych środków artystycznego wyrazu. Zachęcał do wszystkiego, co glebowe i narodowe...”. W 1922 A. M. Gorky określił tę koncentrację niezwykłych talentów jako „cały trend, który ożywił rosyjską sztukę”.

„Świat sztuki” przestał istnieć w 1903 roku, ale nadal cieszył się ogromnym zainteresowaniem współczesnych. W 1910 roku w Petersburgu ponownie pojawiło się towarzystwo World of Art, ale Diagilew nie brał już udziału w jego pracach. Działalność artystyczna Diagilewa poszła w innym kierunku.

W 1905 roku w Pałacu Taurydów w Petersburgu zorganizował wielką wystawę historyczno-artystyczną portretów rosyjskich. Nie ograniczając się do dzieł ze stołecznych pałaców i muzeów, Diagilew zwiedził prowincje, odsłaniając w sumie około 4000 portretów. Na wystawie było wiele ciekawych i nieoczekiwanych znalezisk. Rosyjska sztuka portretowa wydawała się niezwykle znacząca i bogata. V. E. Borisov-Musatov pisał w tych dniach do V. A. Serova: „Za tę pracę [t. e. aranżacja wystawy] Diagilew jest geniuszem, a jego historyczne imię stałoby się nieśmiertelne. Jego znaczenie jest jakoś mało zrozumiałe i żal mi go szczerze, że jakoś został sam. Fotografie wykonane z inicjatywy Diagilewa z większości eksponatów (negatywy przechowywane są w TG) pozwalają teraz zapoznać się z wieloma arcydziełami sztuki rosyjskiej, które zginęły lub zniknęły podczas burzliwych wydarzeń rewolucji 1905 roku, obywatelskich i światowych wojny (na przykład los osiemnastu prac D.G. Levitsky'ego, który między innymi był wystawiany na wystawie Taurydów).

Wiosną 1905 r. osobistości kultury w Moskwie postanowiły uhonorować Diagilewa w podziękowaniu za to, że redagował pismo „Świat sztuki” i zorganizował wystawę historyczno-artystyczną. Odpowiadając na pozdrowienia Diagilew oświadczył: „… właśnie po tych chciwych tułaczkach [Diagilew to podróże po Rosji, które podjął, zbierając prace na Wystawę Historyczno-Artystyczną], byłem szczególnie przekonany, że przyszedł czas na efekty. Zaobserwowałem to nie tylko w błyskotliwych wizerunkach przodków, tak oczywiście odległych od nas, ale przede wszystkim w żyjących życiem potomkach. Koniec życia jest tutaj<...>Jesteśmy świadkami największego historycznego momentu rezultatów i kończy się w imię nowej, nieznanej kultury, która dla nas powstanie, ale też nas porwie. I dlatego bez strachu i niedowierzania podnoszę kieliszek do zrujnowanych murów pięknych pałaców, a także do nowych testamentów nowej estetyki”

Ważną rolę w kulturze rosyjskiej przełomu XIX i XX wieku odegrało stowarzyszenie artystyczne „Świat Sztuki”, które miało ogromny wpływ na rozwój rosyjskiej symboliki i nowoczesności.

Powstanie i etapy istnienia stowarzyszenia

Historia powstania „świata sztuki” rozpoczęła się w 1887 r. wraz z utworzeniem grupy uczniów ze szkoły Karola Maja „Neva Pickwickians”, w skład której weszli A. Benois, K. Somov, V. Nouvel, D. Philosophers .

Celem koła jest studiowanie historii sztuk pięknych i muzyki. Później do tego grona dołączyli S. Diagilew i L. Bakst. Koło pod przewodnictwem Diagilewa do 1898 roku rozrosło się i przekształciło się w stowarzyszenie twórcze „Świat Sztuki”.

A. Benois, autoportret

Przyczyniły się do tego dwa wydarzenia:

1. Pierwszy numer pisma „World of Art”, którego wydawcą była księżna M.K. Tenisheva i S.I. mamuty;

2. Wystawa artystów rosyjskich i fińskich, w której oprócz członków koła, S.V. Maliutin, I.I. Lewitan, AM Wasniecow, W.A. Sierow i inni.

W 1900 r. stowarzyszenie zostało sformalizowane, sporządzono statut i wybrano komisję administracyjną.

W 1902 r. w dwudziestym numerze pisma „Świat Sztuki” ukazał się artykuł „Formy sztuki”, od tego momentu na jego łamach publikowało swoje dzieła wielu poetów-symbolistów.

W 1904 r. doszło do nieporozumień między artystami i poetami, przestało ukazywać się pismo World of Art, a stowarzyszenie rozpadło się. W 1906 zorganizował pożegnalną wystawę przed emigracją do Paryża pod tym samym tytułem. W Paryżu w latach 1909-1914 organizuje także sezony rosyjskie. Od 1910 r. stowarzyszenie odradza się pod przewodnictwem Benois, ale działa jako organizacja wystawiennicza, od 1917 r. część członków stowarzyszenia zwróciła się do restauracji i działalności muzealno-organizacyjnej. W latach dwudziestych Świat Sztuki ostatecznie przestał istnieć.

Miriskusniki - członkowie stowarzyszenia artystycznego

Głównymi ideologami tego stowarzyszenia artystycznego byli A. Benois i S. Diagilew.

Od 1904 do 1910 wielu członków stowarzyszenia było członkami Związku Artystów Rosyjskich. Głównym rdzeniem „Świata Sztuki” byli E. Lansere, K. Somov, L. Bakst, M. Dobuzhinsky. Następnie dołączyli do nich członkowie koła Abramavtsev V. Serov, M. Nesterov, bracia Vasnetsov, M. Vrubel i inni.W 1906 do stowarzyszenia dołączyli młodzi artyści: M. Saryan, M. Larionov i N. Feofilaktov.

Diagilew przywiązywał dużą wagę do czasopisma „Świat Sztuki”, publikował tam artykuły krytyczne, pisał o problemach międzynarodowej wymiany kulturalnej. Diagilew był również aktywnie zaangażowany w działalność organizacyjną, organizował wystawy współczesnych artystów rosyjskich, malarzy zachodnioeuropejskich itp.

Estetyczne widoki „Świata Sztuki”

Stowarzyszenie World of Art dążyło do wzniosłych wartości duchowych i artystycznych oraz sprzeciwiało się współczesnym artystycznym poglądom na wędrówkę i akademizm. W sztukach pięknych kultywowano nawet Świat Sztuki „dyletantyzm kulturowy”, ponieważ uosabiał także nieskrępowaną żadnymi kanonami formę wolności twórczej.

Ideał „czystej” sztuki połączono w świecie sztuki z ideą, że twórczość artystyczna ma na celu estetyczną zmianę otaczającej rzeczywistości. Większość członków stowarzyszenia czerpała inspirację z dokonań artystycznych z przeszłości. - otrzymali w swoich pracach swoiste wcielenie. Różne epoki przyciągały artystów nie swoimi historycznymi cechami czy obrotem rozwoju, ale jedynie estetyką, stylem i atmosferą. Artyści „Miru” w takich płótnach dążyli do gry, fantazji, teatralizacji. Inną ważną cechą Świata Sztuki była ironia i autoironia.

Wczesny „Świat Sztuki”, skupiający się na ugrupowaniach zachodnioeuropejskich, zjednoczył artystów i pisarzy opartych na ideach nowoczesności, neoromantyzmu itp. Głównym celem twórczości w rozumieniu uczestników „Świata Sztuki” jest piękno w subiektywnym rozumieniu artysty. Nieco później malarze zaczęli bardziej skupiać się na motywach narodowej przeszłości przedpetrynowej Rosji. W rezultacie stowarzyszenie zostało podzielone na dwie grupy artystów: petersburską (zorientowaną na Zachód) i moskiewską (zorientowaną na narodową przeszłość). Ale pomimo wszystkich różnic to stowarzyszenie artystyczne połączyło ich wszystkich, aby przeciwstawić się oficjalnej sztuce akademickiej, a później naturalizmowi.

W drugiej połowie XIX w. sztukę tworzyli niekiedy amatorzy, którzy nie mieli profesjonalnego wykształcenia artystycznego, starali się wyznaczyć nowy kierunek w problematyce sztuk pięknych i w sprawach kultury.

Działalność i znaczenie stowarzyszenia „Świat Sztuki”

Z dużym sukcesem odbyły się wystawy organizowane przez „Świat Sztuki”. W 1899 r. Diagilew zorganizował międzynarodową wystawę, na której wystawiano prace Böcklina, Whistlera, Moneta, Degasa, Moreau, Puvisa de Chavanta itp. W latach 1899-1903 odbyło się pięć takich wystaw.

Miriskusniki wydawały pismo o tej samej nazwie, w którym publikowało wielu filozofów, myślicieli religijnych i poetów. Pismo było pięknie ilustrowane przez artystów tego kierunku.

Jednym z ważnych aspektów działalności uczestników „Świata Sztuki” było wzbudzanie zainteresowania twórczością artystyczną narodowej przeszłości, w związku z czym wydawali zbiory „Skarby Artystyczne Rosji” itp. Członkowie społeczność otwierała się na szerokie spektrum rosyjskiej inteligencji całe okresy w dziejach sztuki - ruchy, artystów rzeźbiarzy XVIII-XIX wiek. Publikacje w czasopiśmie dotyczyły także artystów współczesnych, publikowano artykuły o wielkich postaciach światowej kultury.

Twórczość uczestników Mir była wieloaspektowa, zajmowali się malarstwem, rzemiosłem artystycznym, projektowaniem spektakli teatralnych, ale większość ich dziedzictwa to prace graficzne.

Największym rozkwitem działalności teatralnej i scenograficznej był projekt spektakli „Rosyjskich Pór Roku” w Paryżu. W malarstwie dominował pejzaż miejski, portret i gatunek historyczny. W grafice szczególnym osiągnięciem było pojawienie się ilustracji książkowej. Niektórzy uczestnicy rewolucji 1905-1907. działał jako mistrzowie satyry politycznej.

Cechą charakterystyczną prac wielu artystów World of Art był dekoracyjność, linearność i połączenie matowych tonów.

Stowarzyszenie „Mir Iskusstva” było ściśle związane z „Wieczorami Muzyki Współczesnej”, których celem było wykonanie i promocja muzyki zachodnioeuropejskiej XIX-XX wieku.

Członkowie stowarzyszenia „Świat Sztuki” często brali udział w różnych wieczornych salonach. Najsłynniejszymi z nich w rosyjskiej kulturze epoki srebrnej były „środowiska iwanowskie”, kolekcje „Na wieży” Wiaczesława Iwanowa, „Niedziele”, salony Sologuba i

Zjednoczenie odcisnęło głębokie piętno na historii sztuki rosyjskiej, przede wszystkim przez to, że ludzie tego środowiska w nowy sposób zwrócili uwagę na problemy formy artystycznej i języka obrazkowego.

Wkład Świata Sztuki w historię jest nieoceniony. To nie tylko malarstwo, grafika, poezja i proza, ale prace naukowe dotyczące historii sztuki i kultury Srebrnego Wieku

„Świat Sztuki. Do 115. rocznicy zjednoczenia”. Malarstwo, Kazań, dwór Sandetsky

Lobasheva Irina Faekovna - kandydatka historii sztuki, profesor nadzwyczajny oddziału Moskiewskiego Państwowego Akademickiego Instytutu Sztuki im. V. I. Surikova w Kazaniu

„Nasz krąg nie miał kierunku,
… zamiast kierunku mieliśmy smak”
A. N. Benois

„ŚWIAT SZTUKI” (1898 – 1924) – stowarzyszenie artystów rosyjskich, powstałe w Petersburgu pod koniec XIX wieku, ogłosiło się pismem literacko-artystycznym o tej samej nazwie (1899 – 1904) i wystawienniczym ostatnia miała miejsce w Paryżu w 1927 r.). Towarzystwo Artystów „Świat Sztuki” powstało i istniało w Petersburgu w latach 1898-1904, a odrodziło się ponownie w 1910 roku.

Jej założycielami są artysta, teoretyk i historyk sztuki, muzealnik A.N. Oprócz głównego rdzenia, do którego należał L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov, Świat Sztuki obejmował wielu petersburskich i moskiewskich malarzy i grafików (I. Ya Bilibin, KF Bogaevsky , Ap. M. i VM Vasnetsovs, A. Ya Golovin, IE Grabar, KA Korovin, BM Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov i inni). W wystawach towarzystwa brali udział M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, a także niektórzy zagraniczni artyści.

B. Kustodiewa. "Świat Sztuki"

Szkic niezrealizowanego obrazu. Przedstawiony (od lewej do prawej): I.E. Grabar, NK Roerich, E.E. Lansere, I.Ya. Bilibin, A.N. Benois, GI Narbut, N.D. Milioti, K.A. Somow, MV Dobużyński, K.S. Pietrow-Wodkin, A.P. Ostroumowa-Lebiediewa, B.M. Kustodiew.
Rok powstania -1916, Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu.

„Świat Sztuki” w różnych latach obejmował wielu artystów o różnych przekonaniach i poglądach, o różnych metodach twórczych i stylach (do 1917 r. skład towarzystwa liczył maksymalną liczbę artystów – ponad 50 pełnoprawnych członków). Wszystkich ich połączył sprzeciw wobec oficjalnej sztuki akademickiej, niwelującej indywidualność twórczą, oraz odrzucenie naturalizmu w sztuce w osobie zmarłych „Wędrowców”. W historii sztuki rosyjskiej takie zjawisko jak „Świat Sztuki” stało się zwrotem ku ideałom wolności twórczej, w kierunku ustanowienia kryteriów estetycznych i priorytetów dla indywidualności artystycznej osobowości twórcy. Niosący wysoką kulturę intelektualną, twórcy „Świata Sztuki” w swojej twórczości zwracali się zarówno ku przeszłości (idealizując ją i wyśmiewając), jak i szeroko pojętym obszarom sztuki współczesnej (wnętrza, teatr, grafika , książki itp.).

Jednym z głównych osiągnięć stowarzyszenia była słynna wówczas petersburska szkoła graficzna, która powstała w wyniku stworzenia przez Świat Sztuki szczególnego środowiska estetycznego, w którym największy podziw dla grafiki jako formy sztuki uprawiany. Ten priorytet grafiki pod wieloma względami wpłynął na rozwój malarstwa typowych przedstawicieli tego stowarzyszenia, nabrał cech graficznych, stał się wyraźnie linearny.

„ŚWIAT SZTUKI”... Refleksje nad słynnym największym skojarzeniem, które powstało w Petersburgu na przełomie XIX i XX wieku, jak dziwaczny witraż, dają początek obszernemu, wielowymiarowemu i jednocześnie niezwykle arystokratyczny, efemeryczny obraz niesamowitego, głęboko symbolicznego świata sztuki, który stworzyli mistrzowie tych skojarzeń.

Alexandre Benois - „Spacer króla” 1906

To misternie, ornamentalnie w duchu secesji, przeplatają się różne pomysły twórcze dużej grupy artystów. Ich wcielenie zaskakuje różnorodnością: czasopisma „World of Art”, wypełnione wyrafinowaną estetyką nowoczesności, które stały się najcenniejszym rarytasem wśród specjalistów i kolekcjonerów, obrazy, w których stylizacja i retrospektywa idą w parze, teatralna sceneria słynnego rosyjskiego sezony z innowacyjnymi rozwiązaniami plastycznymi i kolorystycznymi, oryginalnymi kostiumami baletowymi i operowymi.

Przełom epoki na przełomie XIX i XX wieku, czas wielkich wstrząsów społeczno-politycznych, znalazł odzwierciedlenie we wszystkich sferach życia rosyjskiego, w tym w ówczesnej kulturze rosyjskiej, która ujawniła się w całej swojej różnorodności i indywidualność. W tych latach rosyjscy artyści szczególnie aktywnie podróżują za granicę, zapoznając się z najnowszymi trendami w sztuce zachodniej, uważnie studiując wszystko, co nowe, co jest deklarowane w takich stylach jak niemiecka secesja, francuski impresjonizm, postimpresjonizm. W twórczości najsłynniejszych mistrzów tamtych czasów: Sierowa, Wrubla, Baksta nie można wyróżnić żadnej „czystej” linii obranego raz na zawsze kierunku, przeplatając się misternie i ściśle, demonstrują intensywne poszukiwania nowa metoda twórcza, która wychodzi naprzeciw aspiracjom czasu. Jak pisał znany krytyk sztuki G. Yu Sternin, „im większy był artysta, tym trudniej było określić jego przynależność do tego czy innego stylu”.

Jednym z największych stowarzyszeń tego okresu była grupa artystów „Świat Sztuki” (1898–1924), którzy przeciwstawiali się akademizmowi i wędrowcowi, propagując estetyczne idee syntezy sztuk leżące u podstaw stylu secesji oraz szczególną rodzaj retrospektywizmu opartego na wnikliwym studium starożytności, w cechach dziedzictwa „złotego” XVIII wieku. Czerpali inspirację z historii Rosji w czasach Piotra Wielkiego czy Francji epoki Ludwika XIV (AN Benois, EE Lansere, KA Somow), albo dotykali jeszcze wcześniejszych kultur wschodnich, antycznych czy rodzimych przedchrześcijańskich ( LS Bakst, V. A. Serov, N. K. Roerich). Jednocześnie, nie dotykając wielkich tematów historycznych, mistrzowie skupili uwagę na prywatnych aspektach życia osób cesarskich, epizodach z życia dworskiego XVIII wieku czy życiu pogańskiej Rosji, dając swoistą artystyczną interpretację te wydarzenia, ich własną stylizację pod kątem ich współczesnej wizji, nadanie powstałym obrazom pewnego symbolicznego rozwiązania teatralnego, gry skojarzeń.

Na przykładzie obrazowej kolekcji sztuki krajowej Muzeum Puszkina Republiki Tatarstanu, zademonstrowanej po raz pierwszy w ramach 115-lecia „Świata Sztuki” tak kompletnie i rozlokowanego pod kątem ewolucji w tym społeczeństwie widać całą złożoność i wszechstronność jego rozwoju. Osobliwością kolekcji muzealnej jest to, że większość mistrzów i ich obrazów uwzględnionych na tej wystawie jest lepiej znana w historii sztuki rosyjskiej w połączeniu z innymi ruchami i stowarzyszeniami artystycznymi. Tymczasem wielu z nich, nie będących typowymi przedstawicielami Świata Sztuki, w różnym stopniu uczestniczyło w jego działalności, dlatego bardzo interesujące jest prześledzenie rozwoju pewnych nurtów stylistycznych w twórczości różnych mistrzów, odkrycie ich wyraźnych i wyraźnych ukryte relacje. W ekspozycji obrazowej wystawy prezentowanych jest około 50 prac, które ukazują różnorodność i związki wiodących ówczesnych nurtów w historii tego stowarzyszenia. Wiele z nich jest albo pokazywanych po raz pierwszy, albo od dawna nie uczestniczyło w muzealnych ekspozycjach, więc dla zwiedzających muzeum poznanie ich będzie rodzajem odkrywania nowych twórczych aspektów danego malarza.

Główna grupa artystów „Świata Sztuki” uformowała się wokół pisma o tej samej nazwie w latach 1898-1903, kiedy to równolegle z wydaniem tego wydawnictwa, które obejmowało różne aspekty sztuki, literatury, filozofii tamtych czasów i wyróżniała się znakomitą oprawą graficzną, SP Diaghilev i AN Benois zorganizowały duże wystawy sztuki. W zbiorach Muzeum Puszkina Republiki Tatarstanu znajdują się liderzy stowarzyszenia - ideolog i teoretyk grupy A. N. Benois, jej członkowie K. A. Somov, A. Ya. Ich twórczość, niezależnie od gatunku, odznacza się zamiłowaniem do teatralizacji, przesyconej estetyką stylu Art Nouveau, który wyrósł na platformie europejskiego neoromantyzmu i, jak wspomniano, dał początek różnym typom stylizacji w języku rosyjskim. obraz.

A. Ya Golovin "Kobieta w bieli" (drugie imię to "Marquise")

Wykonany w technice pasteli „Oranienbaum” (1901) A. N. Benois, „Kobieta w bieli” (drugie imię to „Markiza”) A. Ya. harmonizuje świat minionych wieków, świat XVIII wieku. Oczywiście takie odwołanie się do przeszłości wykazywało rodzaj zaprzeczenia, odrzucenia realnego otaczającego świata i stało się głównym motywem prac ówczesnego stowarzyszenia. Pod wieloma względami stworzenie takich abstrakcyjnych, symbolicznych, wyrafinowanych obrazów ułatwiła technika wykonania. Pastel, który bardzo upodobał sobie świat sztuki, jego szczególna granica między malarstwem a grafiką dała pożądany efekt, gdy obraz uzyskał zarówno wyrazistą jakość graficzną, jak i płynną, płynną miękkość przedstawienia charakterystyczną dla secesji. Bliskie temu stylowi są obrazy olejne „Bosquet” (1901) KA Somowa, którymi artysta posługiwał się przy pracy nad słynnym obrazem „Kpiący pocałunek” (1908), przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej, a także pejzaż PI Lwów „Szary Dzień” .

P. I. Lwów „Krajobraz. Szary dzień"

Poszukiwanie harmonii, idealnego świata było sercem twórczości V. E. Borisova-Musatova. I choć w większości prac artysty, za wszelkimi niedopowiedzeniami, odczytywany jest język alegorii i porównań, ten sam czas XVIII - początek XIX wieku, on sam nie wiązał swoich prac z konkretnym czasem, powiedział, że " to po prostu piękna epoka”. Niemal zawsze piękny świat artysty jest światem gasnącym, "zachodem słońca", zanikającym. Bezpośrednie ucieleśnienie tego znajdujemy w obrazie V. E. Borisova-Musatova „Harmonia” (1897), szkicowej wersji obrazu o tej samej nazwie z kolekcji Galerii Trietiakowskiej. Artysta formalnie nie był członkiem stowarzyszenia – sami Świat Sztuki początkowo go „nie dostrzegali”, później dostrzegając oryginalność estetyki twórczej mistrza. Jednak zawsze był bliski ich aspiracjom.

V. E. Borisov-Musatov „Harmonia” (1897)

F. E. Rushchits „Strumień”

Pejzaż „Oranienbaum” (1901) A. N. Benois, bardzo typowy dla twórczości mistrza, który mimo rozwiązania sztalugowego można z powodzeniem uznać za szkic scenografii teatralnej, brał udział w wystawie „Świat sztuki” w 1902 roku. Na tej samej wystawie zaprezentowano pejzaż „Strumień” bałtyckiego i polskiego artysty F. E. Ruschitsa, który skłaniał się ku nurtom modernistycznym, był członkiem stowarzyszenia polskich artystów o orientacji modernistycznej „Sztuka” („Sztuka”). Znajduje to wyraz w rozważanym pejzażu, napisanym oczywiście w duchu realistycznym, ale przedstawionym z najgłębszym, tak charakterystycznym dla Świata Sztuki, nostalgicznym emocjonalnym brzmieniem, dającym początek smutnej melodii bezpowrotnie odchodzącej przeszłości. Podobną kombinację realistycznych tradycji i nowoczesnych technik można znaleźć w dużym malarskim pionowym portrecie A.E. Wiesela-Straussa (początek XX wieku) autorstwa artysty E.O. Wiesela.

Jedną z głównych postaci życia artystycznego Rosji na przełomie XIX i XX wieku była osobowość WA Sierow, niezrównanego mistrza rosyjskiego portretu, który aktywnie uczestniczył na scenie w działaniach „Świata Sztuki” formacji społeczeństwa. We wczesnym okresie jego twórczości powstała praca na temat mitologii antycznej „Ifigenia w Taurydzie”, powstała na początku lat 90. XIX wieku, na długo przed słynną podróżą artysty do Grecji z przyjacielem L.S. Bakstem. Podobnie jak przytoczone przykłady, może w pełni zilustrować poruszony powyżej problem „sytuacji stylowej”, gdyż łączy w sobie również różne zjawiska stylowe.

V.A. Sierow „Ifigenia w Taurydzie” 1893

Wiadomo, że wielu mistrzów „Związku Artystów Rosyjskich” (1903-1923), jednego z największych, obok „Świata Sztuki”, stowarzyszeń artystycznych przełomu XIX i XX wieku, które powstały wraz z Żywe uczestnictwo tych ostatnich zostało również włączone do kręgu Świata Sztuki. Oczywiście nie uniknęły one wpływu zasad twórczych starszego petersburskiego odpowiednika, zwłaszcza na początku działalności Związku, kiedy artyści obu grup wystawiali się na wystawach ogólnych tego nowo powstałego stowarzyszenia. Proces takiego wzajemnego oddziaływania można wyraźnie prześledzić w analizie obrazów tak głównych przedstawicieli „Związku”, jak K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, S. Yu Zhukovsky, I. I. Brodsky, S. V. Maliutin, I. E. Grabar, którzy byli w „Świacie Sztuki” lub brali udział w jego wystawach. Z kolei liderzy Świata Sztuki, mimo wszelkich nieporozumień z artystami Związku, chłonęli nowe idee artystyczne, które przynieśli.

"KA Korovin "Róże" (1916)

K. A. Korovin, wybitny kolorysta, genialny mistrz malarstwa sztalugowego i teatralno-dekoracyjnego, przedstawia w ekspozycji martwa natura „Róże” (1916), malowana temperamentnie i soczyście, szerokim, pastowatym pociągnięciem pędzla. Jeden z głównych członków „Związku Artystów Rosyjskich”, był centralną postacią rosyjskiego impresjonizmu. Nie sposób nie zauważyć podkreślonej teatralności w inscenizacji muzealnej martwej natury, bliskiej stylistyce malarstwa martwej natury A. Ya. miriskusników.

Inny znaczący artysta przełomu XIX i XX wieku, Osip Braz, także członek Świata Sztuki i Związku Artystów Rosyjskich, reprezentuje wspaniałe płótno Dama w Żółci. W portrecie szczególnie atrakcyjne jest zastosowanie nietypowego kąta i wspaniałość gradacji koloru żółtego. Uczucie płynącego ciepła, miękkiego światła słonecznego wokół sylwetki oraz w lustrzanym odbiciu, wzmocnione kontrastem zestawień kolorystycznych, zdradza wyraźne upodobanie artysty do ciepłych barw i tonów.

Kolejny oryginalny portret kobiecy na wystawie to wyjątkowy przykład wczesnego malarstwa B.M. Kustodiewa, który w drugim etapie swojego istnienia przystąpił do stowarzyszenia Świat Sztuki. Portret damy w kolorze niebieskim. P. M. Sudkovskaya (1906) jest niezwykły w praktyce twórczej artysty: w tej pracy mistrz stworzył przede wszystkim doskonały „portret sukienki”, wyznaczając główny cel plastyczności i kolorystyki malowniczego rozwiązania stroju. Ten duży, pełnometrażowy portret został niewątpliwie namalowany przez Kustodiewa pod wrażeniem słynnego dzieła KA Somowa „Lady in Blue” - portretu współczesnego mistrza artysty EM Martynova, w którym Somowowi udało się szczególnie subtelnie wyrazić nostalgiczny podziw dla w przeszłości ten obraz nabrał prawdziwie symbolicznego charakteru.

B.M. Kustodiew „Liliowy” (1906)

W zbiorach Muzeum Puszkina Republiki Tatarstanu jest jeszcze kilka obrazów Kustodiewa i wszystkie różnią się stylistycznie. Temat teatru był jednym z wiodących w twórczości Świata Sztuki. Małe płótno „W teatrze” (1907 (?)) Kustodiewa przyciąga niezwykłym kątem – spojrzeniem z głębi loży teatru za publiczność stojącą w surowych frakach i cylindrach. Mistrz posługuje się oryginalnym sposobem podświetlenia, który z jednej strony oddaje sylwetkę budynku, linię konturu światła, a z drugiej wypełnia płótno szczególnymi emocjami, znanymi wielu miłośnikom teatru. podekscytowanie widza spóźnionego na spektakl, spieszącego się, by dołączyć do wiecznie jasnego teatralnego świętowania. Studium do obrazu o tym samym tytule „Bzu” (1906) – kolejnej dość często poszukiwanej fabuły (przypomnijmy słynny „Bz” Vrubela) – również wykazuje przenikanie się stylów w syntezie semantycznego brzmienia elegii ze swobodną prezentacją obrazową.

Zalevsky (?) „Portret nieznanego”

Seria wspaniałych kobiecych wizerunków na wystawie zaskakuje swoją wspaniałością i różnorodnością. Miękkość, ciepło, szczególne intymne odczucie owiane są w portrecie jego córki, namalowanym pastelami przez S. V. Maliutina. Wyśmienite połączenia stylistyczne, gust estetyczny artysty są w nim dobrze odczytane. W technice pasteli został również wykonany inny portret kobiecy autorstwa polskiego artysty Zalewskiego. Wizerunek damy z wyższych sfer został stworzony przez mistrza ze szczególnym taktownym akcentem, pozwalającym dostrzec w nim pewien doskonały symbol, kobiecy ideał Srebrnego Wieku. Efemeryczność, wyrafinowana intelektualność, szlachetna arystokracja – to cechy, które razem dały przenikliwy obraz pełen głębokiej duchowości.

S. V. Maliutin - „Portret córki” 1912

Wspólną cechą ideologiczną „Związku Artystów Rosyjskich” było potwierdzanie rosyjskiej tożsamości narodowej w krajobrazie, malarstwie historycznym, grafice. Pracując w plenerze, z natury, malarze tego kierunku tworzyli bogate emocjonalnie dzieła oparte na technikach impresjonizmu. Pejzaż i wnętrze były dominującymi gatunkami mistrzów tego stowarzyszenia, zwłaszcza malarzy moskiewskich, i działały jako kreatywne laboratorium, w którym poszukiwali najbardziej zaawansowanych podejść malarskich, zdobywali nowe rozwiązania.

Jednym z typowych przedstawicieli „Związku” był artysta polskiego pochodzenia SJ Żukowski. Odwołanie się do epoki minionych wieków, obecne w obrazie „Wnętrze Biblioteki Domu Ziemianina” (1916 (?)), przybliża artystę do Świata Sztuki, w jego twórczości generalnie można zauważyć przewagę tematów retrospektywnych - rodzaje dawnych osiedli, tarasów, wnętrz, w których zawsze jest lekka nuta nostalgii. Ten sam motyw obecny jest także w szkicowo napisanym "Pejzażu zimowym" (1901(?)) S.Ju. Przejściowy stan gasnącego zimowego wieczoru oddany jest z genialną plastycznością, masa przemyślanych przejść tonalnych pokazuje, jak wrażliwie i starannie artysta stara się przekazać subtelne piękno tak prostego i bezpretensjonalnego pejzażu.

S. Yu Żukowski. „Wnętrze biblioteki domu ziemianina” (1916)

Miłość do takiego „szarego” rosyjskiego krajobrazu była charakterystyczna dla artystów o różnych „wierzeniach” w sztukę i każdy z nich uosabiał go na swój sposób. Dwa wiosenne pejzaże artysty S.F. Kolesnikova, który również brał udział w wystawach World of Art, przesycone są tym samym szczególnym, subtelnym rozumieniem stanu natury. Takie nastrojowe pejzaże można nazwać zwiastunami symboliki, w nich autorzy skupili się właśnie na wewnętrznym stanie natury. Ten sam uważny stosunek do stanu natury odnajdujemy w „Pejzażu zimowym” AF Gausha, który przyciąga absolutną miękkością prezentacji, tym szczególnym zimowym stanem, kiedy „wszystko wokół pokryte jest śniegiem” i jest żywym przykładem mistrzowskiej pasja do impresjonistycznych rozwiązań.

IE Grabar „Poranna herbata” (1917)

IE Grabara prezentowany jest na wystawie z dwoma obrazami z kolekcji muzealnej „Poranną herbatę” (1917) i „Zachód słońca” (1907), wyraźnie ukazujące jego upodobania w malarstwie z zakresu impresjonizmu i puentylizmu, które były wprost przeciwne stylistycznemu esencja secesji. Tymczasem, będąc artystycznie obcym temu stylowi, edukacyjne inicjatywy Grabara niezmiennie krzyżowały się z inicjatywami Świata Sztuki. Dlatego obok Roericha, Kustodieva, Bilibina, Dobużyńskiego był jednym z najaktywniejszych uczestników „Świata Sztuki” w drugim okresie, od 1910 roku.

Artyści pointyliści (czy też, jak ich nazywano, neoimpresjoniści), którzy wyrazistość malarskiej kreski doprowadzili do punktu czystości farby, z pewnością zbliżyli się maksymalnie do symbolicznej wyrazistości swoich obrazów. Takie są bajeczne zimowe pejzaże N. V. Meshcherina w zbiorach muzealnych, z których jego „Mroźna noc” (1908) szczególnie współbrzmi z estetyką nowoczesności. Ta nocna zimowa fantazja, w której każde pociągnięcie jest dokładnie przemyślane, zweryfikowane, jak kawałki kolorowej mozaiki smalty, tworzona jest przez wszystkie odcienie błękitu i błękitu, co daje kruchy kryształ, dźwięczny obraz mroźnej zimowej bajki.

SYMBOLIZM był niezwykle bliski filozofii nowoczesności, dlatego w pracach ze Świata Sztuki niezmiennie analizujemy przejawy w nich elementów symbolicznych. Z kolei reminiscencje sztuki starożytnej, Wschodu, Renesansu, kultury gotyckiej, spuścizny sztuki starożytnej Rosji i sztuki XVIII wieku, mającej oryginalne wcielenie w działalność Świata Sztuki przejawił się szczególnie w tym nowym kierunku artystycznym początku XX wieku, który ukształtował się nieco później.

N. K. Roerich i K. F. Bogaevsky, uczniowie A. I. Kuindzhiego, kierując się zasadami swojego innowacyjnego nauczyciela w dziedzinie efektów malarskich w gatunku pejzażu, na swój sposób wyrażali symboliczne idee w znalezionych tematach i wątkach, ich oryginalna interpretacja miała głęboki charakter , zawierał w swojej filozoficznej podstawie starożytne prototypy. Artyści ci mieli styczność ze „Światem Sztuki” i pozostawili głęboki ślad w działalności stowarzyszenia. Powszechnie znana jest na przykład rola Roericha w odrodzeniu społeczeństwa na drugim etapie jego istnienia, gdy stanął na czele nowo powstałego „Świata Sztuki”, stając się jego prezesem i odegrał znaczącą rolę organizacyjną w jego dalszym rozwoju. Generalnie na tym etapie działalności towarzystwa trudno wskazać jakikolwiek wiodący kierunek stylistyczny, nowoczesność zatraciła rolę ujednoliconego systemu stylistycznego, prawdziwych spadkobierców tego systemu było niewielu. W skład „Świata Sztuki” z początku lat dwudziestych wchodzili mistrzowie różnych nurtów, przede wszystkim o charakterze symbolicznym, dzięki czemu wystawy społeczeństwa nabrały charakterystycznej dla tamtych czasów różnorodności i niejednorodności.

N.K. Roerich "Mekheski - ludzie księżyca" (1915)

Historia i mitologia różnych ludów Ziemi były głównym inspirującym początkiem pracy N. K. Roericha. Oryginalne w koncepcji i wykonaniu obrazy Morze Waregów (1909) i Mekheski — lud księżycowy (1915) poświęcone są życiu starożytnych cywilizacji. W kompozycjach zbudowanych na odważnych kontrastowych zestawieniach uogólnionych dużych plam koloru, gdzie wizerunki ludzi zarysowane są lakonicznie, ale ekspresyjnie, artysta przenosi swoje wyobrażenie o relacji między tym, co ziemskie i kosmiczne, do potężnego trójwymiarowego symbolu. Płótna muzealne „Kraina pustyni. Teodozjusz” (1903) i „Góra Św. Poświęcone są tematowi, który stał się ulubionym tematem artysty przez całą jego pracę. Pokazują rodzime miejsca mistrza, malowane jako obrazy dawnej krainy, gdzie fantastyczne idee malarza przeplatają się ze starożytną przedkulturową historią Krymu, dając początek oryginalnym wyobrażeniom bajecznej krainy Teodozji.

K.F. Bogaevsky „Kraina pustyni. Teodozja” 1903

Przykładami dzieł w kierunku symbolicznym są prace z kolekcji muzealnej członków grupy artystycznej Błękitna Róża (1907), w skład której wchodzili N. P. Krymov, P. V. Kuznetsov, P. S. Utkin, N. N. Sapunov, M. S. Saryan, S. Yu. Sudeikin, ND Milioti , prezentowane w tej ekspozycji. W malarstwie artystów z tej grupy harmonijnie połączono umowność, alegoryzm, dekoracyjność i płaskość. Dążenie do stylizacji, symboliki, czasem do prymitywizacji obrazu w duchu luboka, kreatywność dzieci jest charakterystyczną cechą twórczości grupy. Ogólnym trendem w rozwoju artystów grupy było przejście od impresjonizmu do postimpresjonizmu. Dołączył do nich V. I. Denisov, artysta V. A. Galvich był bardzo bliski ich twórczym aspiracjom, którego prace są również pokazywane na wystawie.

Znamienne, że wszyscy – zarówno Świat Sztuki, jak i Symboliści – byli zafascynowani teatrem: teatr jest obecny w dziełach sztalugowych, teatr staje się miejscem ucieleśnienia ambicji zawodowych. Wiele kompozycji sztalugowych Goluborozowitów w kolekcji muzeum można odczytać jako tła lub szkice scen teatralnych, obrazy spektaklu (prace N. P. Krymowa, P. S. Utkin, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, N. D. Milioti ). Na późniejszym etapie istnienia stowarzyszenia „Świat Sztuki”, w roku 1917 i później, prawie wszyscy ci mistrzowie byli jego częścią lub brali udział w wystawach wraz z artystami awangardowymi.

Początkowo V. E. Borisov-Musatov i M. A. Vrubel uczestniczyli w działaniach Blue Bears, których sztuka, zarówno przed, jak i po, wyróżniała się z tej grupy, ale rozwijała się na tej samej estetycznej platformie symboliki. Ich sztuka stała się punktem wyjścia dla rosyjskich symbolistów w tworzeniu własnej wizji procesu artystycznego, dlatego można ją uznać za swego rodzaju pomost między tradycyjnymi postawami estetycznymi Świata Art Nouveau a symboliką, która rozwijała się Niebiescy Niosący.

MAMA. Vrubel „Ucieczka Fausta i Mefistofelesa” (1896)

Monumentalny obraz M. A. Vrubela „Lot Fausta i Mefistofelesa” (1896) jest chlubą muzealnej kolekcji sztuki rosyjskiej. Ten duży czterometrowy panel dekoracyjny jest szkicową wersją słynnego panelu o tej samej nazwie dla gotyckiego biura rezydencji kupców Wikuli Aleksiejewicza i Aleksieja Wikulowicza Morozowa przy Vvedensky Lane w Moskwie, zbudowanego w latach 1878-1879 według projektu wybitnych architektów DN Chichagov i FO Shekhtel. Artysta pracował z dużymi, odosobnionymi plamami koloru, które mają rodzaj liniowego obramowania, podobnie jak w technice witrażu. Ten znaleziony sposób pisania, szczególna zasada ornamentu wyznacza rytm ruchu plam i linii na powierzchni płótna, w naturalny sposób łącząc obrazy Vrubela z secesją, a jednocześnie nadając im szczególny, warunkowy i symboliczny dźwięk. Tak więc Vrubel i Świat Sztuki połączyło zrozumienie istoty estetyki artystycznej, nieprzypadkowo mistrz znalazł się wśród konsekwentnych członków społeczeństwa, uczestniczących w pierwszych wystawach społeczeństwa.

W.G. Purvit „Stara Wieża” (do 1920 r.)

Zgodnie z symboliką postępowała ewolucja twórczości artystów Świata Sztuki, bardzo różniących się w swej ekspresji twórczej. Widać to wyraźnie w prezentowanych na tej wystawie pracach przyszłego kubisty i suprematysty N. I. Altmana, przedstawiciela i organizatora wystaw Świata Sztuki K. V. Kondaurowa, artysty szkoły K. S. Pietrowa-Wodkina M. M. Nakhmana. Oprócz tych prac na ekspozycji prezentowane są również grafiki znanych artystów World of Arts B.I. » (szara tektura, tempera)).
Tymczasem długa i złożona historia Świata Sztuki pełna jest wydarzeń i punktów zwrotnych. Zwłaszcza przez pryzmat ostatniej dekady ewolucji Świata Sztuki można częściowo rozważyć nazwy artystyczne kolekcji muzealnej, dobrze znane w kształtowaniu się innych nurtów w sztuce rosyjskiej, często wcale nie zbieżne, a czasami wprost przeciwnie do twórczej dominanty skojarzenia. Ciekawym tego przykładem jest udział w ekspozycjach stowarzyszenia niektórych artystów awangardowych jeszcze przed ukształtowaniem się ich nowatorskich dążeń twórczych. Na przykład znany prymitywista, autor teorii Rayonizmu, MF Łarionow, na wystawie Świat Sztuki w 1906 r. zaprezentował pejzażowy Ogród wiosną, wyraźnie pokazując odwołanie artysty do impresjonizmu na wczesnym etapie jego praca. Później, w latach przedrewolucyjnych i rewolucyjnych, mistrzowie ci, w większości przedstawiciele „Jack of Diamonds”, występowali na wystawach Świata Sztuki ze swoimi charakterystycznymi awangardowymi przykładami twórczości.

I.I. Mashkov „Kwiaty w wazonie”, koniec XX wieku

Tylko w jednej z tych prac, we wczesnej martwej naturze I.I. Maszkowa „Kwiaty w wazonie” z końca XX wieku, ze zdziwieniem zauważamy rzadkie połączenie wyrafinowanych arabeskowych stylizacji nowoczesności z nowatorskimi poszukiwaniami formowymi.

Większość dzieł prezentowanych na wystawie została przeniesiona do Muzeum Miejskiego w Kazaniu w latach 20. - 30. XX wieku z Państwowego Funduszu Muzealnego i stołecznych muzeów sztuki (Państwowa Galeria Trietiakowska, Państwowe Muzeum Rosyjskie), kiedy to działy krajowej sztuki przedrewolucyjnej w muzeum intensywnie kształtowała się sztuka lokalna. Jeden z największych wpływów na wszystkie lata istnienia muzeum miał miejsce w 1920 r., Kiedy Muzeum Miejskie w Kazaniu skończyło dwadzieścia pięć lat, a na cześć tej rocznicy Państwowy Fundusz Muzealny wysłał do Kazania sto trzydzieści dwa lata obrazy artystów różnych nurtów i stylów z przełomu XIX i XX wieku. Kolekcja muzealna została wzbogacona o dzieła Świata Sztuki, Związku Artystów Rosyjskich, Błękitnej Róży i innych.

NOWOCZESNY (fr. moderne, z łac. modernus - nowy, nowoczesny) - styl w sztuce europejskiej i amerykańskiej końca XIX - początku XX wieku. (inne nazwy to Art Nouveau (Art Nouveau we Francji i Anglii), Jugendstil (Jugendstil w Niemczech), Liberty (Liberty we Włoszech)).

A. N. Benois - „Oranienbaum” 1901

Ideologicznym i filozoficznym gruntem, na którym wyrosła „nowa sztuka” nowoczesności, był neoromantyzm, który na nowym etapie ożywił romantyczne idee konfliktu między jednostką a społeczeństwem. Oryginalna estetyka secesji opierała się na idei syntezy sztuk, która opierała się na architekturze, spajając wszystkie rodzaje sztuki – od malarstwa i teatru po modele ubioru. Jedną z kluczowych zasad nowoczesnej estetyki była zasada porównywania formy stworzonej przez człowieka z naturalną i odwrotnie. Znalazło to odzwierciedlenie w formie architektonicznej, w detalach budowli, w ornamentyce, która we wszystkich rodzajach sztuki uzyskała niezwykły rozwój w nowoczesności i miała najbardziej różnorodny wyraz artystyczny. Pierwowzorem form i zdobnictwa w systemie secesyjnym były zarówno formy naturalne, jak i cechy stylów z przeszłości, które zostały radykalnie przemyślane poprzez stylizację (w oparciu o specjalne materiały odniesienia).

A. N. Benois - wygaszacz ekranu magazynu "World of Art"

Artyści Świata Sztuki.

„Świat Sztuki” – organizacja, która powstała w Petersburgu w 1898 roku i zjednoczyła mistrzów najwyższej kultury artystycznej, artystycznej elity Rosji tamtych lat. Początek „Świata Sztuki” zapoczątkowały wieczory w domu A. Benois, poświęcone sztuce, literaturze i muzyce. Zgromadzonych tam ludzi połączyło zamiłowanie do piękna i przekonanie, że można je znaleźć tylko w sztuce, bo rzeczywistość jest brzydka. Powstały także jako reakcja na małostkowość zmarłych Wędrowców, jego budujący i ilustracyjny charakter, Świat Sztuki stał się wkrótce jednym z głównych zjawisk rosyjskiej kultury artystycznej. W tym stowarzyszeniu uczestniczyli prawie wszyscy znani artyści - Benois, Somov, Bakst, E.E. Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Riabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin oraz Larionov i Goncharova. Ogromne znaczenie dla powstania tego stowarzyszenia miała osobowość Diagilew, filantrop i organizator wystaw, a później impresario rosyjskich wyjazdów baletowych i operowych za granicę ("Pory Rosyjskie", które przybliżyły Europie twórczość Chaliapina, Pawłowej, Karsaviny, Fokina, Niżyńskiego i innych oraz dały przykład światu kultury najwyższej form różnych sztuk: muzyki, tańca, malarstwa, scenografii). Na początkowym etapie powstawania „Świata Sztuki” Diagilew zorganizował w Petersburgu w 1897 roku wystawę akwareli angielskich i niemieckich, a następnie wystawę artystów rosyjskich i fińskich w 1898 roku. Pod jego redakcją w latach 1899-1904, pod tą samą nazwą ukazywało się pismo składające się z dwóch działów: artystycznego i literackiego. Artykuły redakcyjne pierwszych numerów magazynu były wyraźnie sformułował główne postanowienia „Świata Sztuki”» o autonomii sztuki, że problemy współczesnej kultury są wyłącznie problemami formy artystycznej i że głównym zadaniem sztuki jest kształtowanie gustów estetycznych rosyjskiego społeczeństwa, przede wszystkim poprzez poznawanie dzieł sztuki światowej. Musimy oddać im należność: dzięki Światu Sztuki sztuka angielska i niemiecka została naprawdę doceniona w nowy sposób, a przede wszystkim rosyjskie malarstwo XVIII wieku i architektura petersburskiego klasycyzmu stały się dla wielu odkryciem. „World of Art” walczył o „krytykę jako sztukę”, głosząc ideał krytyka-artysty o wysokiej kulturze zawodowej i erudycji. Typ takiego krytyka ucieleśniał jeden z twórców Świata Sztuki, A.N. Benoit.

"Miriskusniki" organizowały wystawy. Pierwszy był też jedynym międzynarodowym, który zgromadził obok Rosjan artystów z Francji, Anglii, Niemiec, Włoch, Belgii, Norwegii, Finlandii itd. Wzięli w nim udział zarówno petersburscy, jak i moskiewskie malarze i graficy. Ale szczelina między tymi dwiema szkołami – Petersburgiem i Moskwą – zarysowała się niemal od pierwszego dnia. W marcu 1903 zamknięto ostatnią, piątą wystawę Świata Sztuki, w grudniu 1904 ukazał się ostatni numer pisma Świat Sztuki. Większość artystów przeniosła się do „Związku Artystów Rosyjskich”, zorganizowanego na podstawie moskiewskiej wystawy „36”. Diagilew całkowicie zajął się baletem i teatrem. 1906, następnie wystawiany w Berlinie i Wenecji (1906-1907). w dziale malarstwa współczesnego główne miejsce zajmował „Świat Sztuki” Był to pierwszy akt ogólnoeuropejskiego uznania „Świata Sztuki”, a także odkrycie malarstwa rosyjskiego XVIII – początku XX wieku w ogóle wieki za zachodnią krytykę i prawdziwy triumf sztuki rosyjskiej

Czołowym artystą „Świata Sztuki” był Konstantin Andriejewicz Somow(1869-1939). Syn głównego kuratora Ermitażu, który ukończył Akademię Sztuk Pięknych i podróżował po Europie, Somow otrzymał doskonałe wykształcenie. Dojrzałość twórcza przyszła do niego wcześnie, ale, jak słusznie zauważył badacz (V.N. Pietrow), zawsze miał pewną dwoistość - walkę między potężnym realistycznym instynktem a boleśnie emocjonalnym światopoglądem.

Somow, jak go znamy, pojawił się na portrecie artystki Martynovej („Lady in Blue”, 1897–1900, Państwowa Galeria Tretiakowska), w obrazie portretowym „Echa minionego czasu” (1903, b. na mapie , aqua., gwasz, Państwowa Galeria Tretiakowska ), gdzie tworzy poetycką charakterystykę kruchego, anemicznego kobiecego piękna dekadenckiego modela, odmawiając przekazania prawdziwych codziennych oznak nowoczesności. Ubiera modelki w antyczne kostiumy, nadaje ich wyglądowi rysy ukrytego cierpienia, smutku i marzenia, bolesnego załamania.

Przed wszystkimi innymi w świecie sztuki Somow zwrócił się do tematów z przeszłości, do interpretacji XVIII wieku. („List”, 1896; „Confidentialities”, 1897), będący prekursorem pejzaży wersalskich Benois. Jako pierwszy stworzył surrealistyczny świat, utkany z motywów kultury szlacheckiej, dworskiej i dworskiej oraz własnych, czysto subiektywnych doznań artystycznych, przesiąkniętych ironią. Historyzm „Świata Sztuki” był ucieczką od rzeczywistości. Nie przeszłość, ale jej inscenizacja, tęsknota za jej nieodwracalnością - to ich główny motyw. Nie prawdziwa zabawa, ale zabawa z pocałunkami w zaułkach - taki jest Somov.

D Inne prace Somowa to festyn duszpasterski i waleczny (Śmieszny pocałunek, 1908, Muzeum Rosyjskie; Spacer markizy, 1909, Muzeum Rosyjskie), pełen gryzącej ironii, duchowej pustki, a nawet beznadziejności. Sceny miłosne z XVIII – początku XIX wieku. zawsze podany z nutką erotyki Somow dużo pracował jako grafik, zaprojektował monografię S. Diagilewa o D. Lewickim, esej A. Benois o Carskim Siole. Książka, jako jeden organizm, o rytmicznej i stylistycznej jedności, została przez niego wyniesiona na niezwykłą wysokość. Somow nie jest ilustratorem, „ilustruje nie tekst, ale epokę, używając literackiego urządzenia jako trampoliny”, napisał A.A. Sidorow i to jest bardzo prawdziwe.

Somov „Dama w błękicie” „Na lodowisku” Benois. A. „Marsz Króla”

Liderem ideologicznym „Świata Sztuki” był Aleksander Nikołajewicz Benois(1870-1960) - niezwykle wszechstronny talent. Malarz, grafik sztalugowy i ilustrator, artysta teatralny, reżyser, autor librett baletowych, teoretyk i historyk sztuki, postać muzyczna, był, jak mówi A.Bieły, głównym politykiem i dyplomatą „Świata Sztuki”. . Pochodzący z najwyższej warstwy petersburskiej inteligencji artystycznej (kompozytorów i dyrygentów, architektów i malarzy), studiował najpierw na wydziale prawa Uniwersytetu w Petersburgu.

Jako artysta związany jest z Somovem tendencjami stylistycznymi i uzależnieniem od przeszłości („Jestem odurzony Wersalem, to jakaś choroba, miłość, zbrodnicza pasja… Całkowicie przeniosłem się w przeszłość…”) . W krajobrazy Wersalu Benois połączył historyczną rekonstrukcję z XVII wieku. i współczesne wrażenia artysty, jego postrzeganie francuskiego klasycyzmu, francuskie rytownictwo. Stąd klarowna kompozycja, wyraźna przestrzenność, wzniosłość i zimna surowość rytmów, opozycja między wielkością pomników sztuki a małością postaci ludzkich, wśród których są tylko sztafażami (I cykl Wersalski z lat 1896-1898 pod tytułem „Ostatnie spacery Ludwika XIV”). W drugiej serii wersalskiej (1905-1906) ironia, charakterystyczna także dla pierwszych arkuszy, jest zabarwiona nutami niemal tragicznymi ("Spacer króla"). Myślenie Benois to myślenie artysty teatralnego par excellence, który bardzo dobrze znał i czuł teatr.

Przyrodę postrzega Benois w skojarzeniowym związku z historią (widoki Pawłowska, Peterhofa, Carskiego Sioła, wykonane przez niego techniką akwarelową).

W serii obrazów z rosyjskiej przeszłości na zamówienie moskiewskiego wydawnictwa Knebel (ilustracje do „Polowań królewskich”), w scenach szlacheckiego, ziemiańskiego życia XVIII wieku. Benois stworzył intymny obraz tej epoki, aczkolwiek nieco teatralną Paradę za Pawła I. Ilustrator Benois (Puszkin, Hoffman) to cała karta w historii książki. W przeciwieństwie do Somova, Benois tworzy narracyjną ilustrację. Płaszczyzna strony nie jest dla niego celem samym w sobie. Ilustracje do Damy pikowej były raczej kompletnymi, niezależnymi dziełami, nie tyle „sztuką książki”, ile A.A. Sidorow, ile „sztuki jest w książce”. Arcydziełem ilustracji książkowej była oprawa graficzna Jeździeńca brązowego (1903,1905,1916,1921-1922, tusz i akwarela imitujące barwne drzeworyty). W serii ilustracji do wielkiego poematu głównym bohaterem jest architektoniczny pejzaż Petersburga, teraz uroczyście żałosny, raz spokojny, raz złowrogi, na tle którego postać Eugeniusza wydaje się jeszcze mniej znacząca. Tak Benois wyraża tragiczny konflikt między losem rosyjskiej państwowości a osobistym losem małego człowieczka („A biedny szaleniec przez całą noc, / Gdziekolwiek się odwrócił, / Jeździec spiżowy był z nim wszędzie / Z ciężkie tupnięcie galopem”).

„Jeździec z brązu”

«
Parada pod Pawłem I»

Jako artysta teatralny Benois projektował spektakle rosyjskich pór roku, z których najsłynniejszym był balet Pietruszka do muzyki Strawińskiego, pracował dużo w Moskiewskim Teatrze Artystycznym, a później na prawie wszystkich większych scenach europejskich.

Działalność Benois, krytyka sztuki i historyka sztuki, który wraz z Grabarem aktualizował metody, techniki i wątki rosyjskiej historii sztuki, to cały etap w historii krytyki artystycznej (patrz „Historia malarstwa XIX wieku” R. Muther - tom "Malarstwo rosyjskie", 1901-1902; "Rosyjska Szkoła Malarstwa", wydanie 1904; "Carskie Sioło za panowania cesarzowej Elżbiety Pietrownej", 1910; artykuły w czasopismach "Świat Sztuki" i „Stare lata”, „Skarby artystyczne Rosji” itp.).

T trzeci w rdzeniu „Świata Sztuki” był Lew Samuilowicz Bakst(1866-1924), który zasłynął jako artysta teatralny i jako pierwszy wśród „świata sztuki” zdobył sławę w Europie. Do „Świata Sztuki” trafił z Akademii Sztuk Pięknych, następnie wyznawał secesję, włączył się w lewicowe nurty w malarstwie europejskim. Na pierwszych wystawach Świata Sztuki wystawił szereg portretów malarskich i graficznych (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diagilev), w których natura, wchodząc w strumień żywych stanów, przekształcała się w rodzaj idealna reprezentacja współczesnego człowieka. Bakst stworzył markę magazynu „World of Art”, który stał się symbolem „Rosyjskich Pór Roku” Diagilewa w Paryżu. Grafiki Baksta pozbawione są XVIII-wiecznych motywów. i motywy osiedlowe. Skłania się ku starożytności, co więcej, ku archaiczności greckiej, interpretowanej symbolicznie. Szczególnie udany z symbolistami był jego obraz „Starożytny horror” – „Terror antiquus” (tempera, 1908, Muzeum Rosyjskie). Straszne burzowe niebo, błyskawice rozświetlające otchłań morza i starożytne miasto – a nad całą tą powszechną katastrofą dominuje archaiczna kora z tajemniczym zamrożonym uśmiechem. Wkrótce Bakst całkowicie poświęcił się pracy teatralnej i scenograficznej, a jego scenografia i kostiumy do baletów przedsiębiorstwa Diagilewa, wykonywane z niezwykłym blaskiem, wirtuozowskie, artystyczne przyniosły mu światową sławę. W jego projekcie znalazły się występy z Anną Pavlovą, balety Fokine. Artysta wykonał scenografię i kostiumy do Szeherezady Rimskiego-Korsakowa, Ognistego ptaka Strawińskiego (oba 1910), Daphnis i Chloe Ravela oraz Popołudnie Fauna do muzyki Debussy'ego (oba 1912).

„Starożytny horror” Popołudnie fauna „Portret Gippiusa

Z pierwszego pokolenia „Świata Sztuki” młodszy był Jewgienij Jewgienijewicz Lansere (1875-1946), w swojej twórczości poruszył wszystkie główne problemy grafiki książkowej początku XX wieku. (Zobacz jego ilustracje do książki „Legendy starożytnych zamków Bretanii”, dla Lermontowa, okładka „Newski Prospekt” Bożerjanowa itp.). Lansere stworzył szereg akwareli i litografii z Petersburga (Most Kalinkiński, Targ Nikolski itp.). Architektura zajmuje ogromne miejsce w jego historycznych kompozycjach („Cesarzowa Elizaveta Pietrowna w Carskim Siole”, 1905, Państwowa Galeria Trietiakowska). Można powiedzieć, że w dziele Sierowa, Benois, Lansere powstał nowy rodzaj malarstwa historycznego - pozbawiony fabuły, ale jednocześnie doskonale odtwarza wygląd epoki, przywołuje wiele historycznych, literackich i estetycznych wspomnienia. Jedna z najlepszych kreacji Lansere - 70 rysunków i akwareli dla L.N. „Hadji Murad” Tołstoja (1912-1915), który Benois uważał za „niezależną piosenkę, która idealnie pasuje do potężnej muzyki Tołstoja”.

W
grafika Mścisława Walerianowicza Dobuzhinskiego(1875–1957) reprezentuje nie tyle Petersburg epoki Puszkina czy XVIII wieku, ile nowoczesne miasto, które potrafił przekazać z niemal tragiczną wyrazistością („Stary Dom”, 1905, akwarela, Państwowa Galeria Trietiakowska), co a także osoba mieszkająca w takich miastach („Człowiek w okularach”, 1905-1906, pastel, Państwowa Galeria Tretiakowska: samotny, na tle nudnych domów, smutny człowiek, którego głowa przypomina czaszkę). Urbanistyka przyszłości zainspirowała Dobużyńskiego lękiem paniki. Zajmował się również szeroko rozumianą ilustracją, z których za najbardziej niezwykły można uznać jego cykl rysunków tuszem do Białych nocy Dostojewskiego (1922). Dobuzhinsky pracował także w teatrze, zaprojektowanym dla Niemirowicza-Danczenki „Nikołaja Stawrogina” (wystawione „Demony” Dostojewskiego), sztuk Turgieniewa „Miesiąc na wsi” i „The Freeloader”.

Szczególne miejsce w „Świacie Sztuki” zajmuje Mikołaja Roericha(1874-1947). Koneser filozofii i etnografii Wschodu, archeolog-naukowiec, Roerich otrzymał doskonałe wykształcenie najpierw w domu, potem na wydziałach prawniczych i historyczno-filologicznych Uniwersytetu w Petersburgu, a następnie na Akademii Sztuk w warsztacie Kuindzhi oraz w Paryżu w pracowni F. Cormona. Wcześnie zdobył autorytet naukowca. Z „Światem Sztuki” związany był tym samym zamiłowaniem do retrospekcji, tyle że nie XVII-XVIII wieku, ale pogańskiej starożytności słowiańskiej i skandynawskiej, do starożytnej Rosji; tendencje stylistyczne, teatralna dekoracyjność („Posłaniec”, 1897, Państwowa Galeria Trietiakowska; „The Stars Converge”, 1898, Muzeum Rosyjskie; „Sinister”, 1901, Muzeum Rosyjskie). Roerich był najściślej związany z filozofią i estetyką rosyjskiej symboliki, ale jego sztuka nie mieściła się w ramach istniejących trendów, ponieważ zgodnie ze światopoglądem artysty zwróciła się niejako do całej ludzkości z apelem o przyjazne zjednoczenie wszystkich narodów. Stąd szczególny epicki charakter jego obrazów.

«

Niebiańska bitwa”

„Goście zagraniczni”

Po 1905 w twórczości Roericha narastał nastrój panteistycznego mistycyzmu. Tematyka historyczna ustępuje miejsca legendom religijnym (Niebiańska bitwa, 1912, Muzeum Rosyjskie). Ikona rosyjska wywarła ogromny wpływ na Roericha: jego dekoracyjna tablica „Bitwa pod Kerzhents” (1911) została wystawiona podczas wykonywania fragmentu o tym samym tytule z opery Rimskiego-Korsakowa „Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i Maiden Fevronia” w paryskim „Pory roku rosyjskim”.

W o drugim pokoleniu „Świata Sztuki” jednego z najzdolniejszych artystów był Borys Michajłowicz Kustodiew(1878–1927), uczeń Repina, który pomagał mu w pracy w Radzie Państwa. Kustodiev charakteryzuje się również stylizacją, ale jest to stylizacja popularnego, popularnego druku. Stąd jasne, świąteczne „Jarmarky”, „Zapusty”, „Balagany”, stąd jego obrazy z życia drobnomieszczańskiego i kupieckiego, oddane z lekką ironią, ale nie bez podziwiania tych rumianych, na wpół śpiących piękności za samowarem i ze spodeczkami w pulchnych palcach („Kupiec”, 1915, Muzeum Rosyjskie; „Kupiec na herbatę”, 1918, Muzeum Rosyjskie).

A.Ya. Golovin to jeden z największych artystów teatralnych pierwszej ćwierci XX wieku, I. Ya Bilibin, A.P. Ostroumowa-Lebiediew i inni.

„Świat Sztuki” był głównym ruchem estetycznym przełomu wieków, który przewartościował całą współczesną kulturę artystyczną, zatwierdził nowe gusta i problemy, powrócił do sztuki – na najwyższym poziomie zawodowym – utracone formy grafiki książkowej i teatralnej malarstwo dekoracyjne, które dzięki ich wysiłkom zyskało uznanie w całej Europie, stworzyło nową krytykę artystyczną, która promowała sztukę rosyjską za granicą, w rzeczywistości otwierała nawet niektóre jej etapy, jak rosyjski XVIII wiek. "Miriskusniki" stworzyły nowy typ malarstwa historycznego, portretowego, pejzażowego z własnymi cechami stylistycznymi (wyraźne trendy stylistyczne, przewaga technik graficznych).