Pejzaże miejskie w stylu impresjonizmu. Krajobraz miejski w impresjonizmie

Dalszy rozwój malarstwa europejskiego wiąże się z impresjonizmem. Termin ten narodził się przez przypadek. Powodem była nazwa krajobrazu C. Moneta „Wrażenie. Wschód słońca” (patrz załącznik nr 1, ryc. 3) (z impresji francuskiej – impresja), która pojawiła się na wystawie impresjonistów w 1874 roku. To pierwsze publiczne wystąpienie grupy artystów, w skład której wchodzili C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro i inni, zostało powitane przez oficjalną burżuazyjną krytykę z surowym wyśmiewaniem i szykanowaniem. To prawda, że ​​od końca lat 80. XIX wieku formalne metody ich malowania przejęli przedstawiciele sztuki akademickiej, co dało Degasowi powód do zgorzknienia: „Rozstrzelano nas, ale jednocześnie splądrowali nasze kieszenie”.

Teraz, gdy gorąca debata na temat impresjonizmu należy już do przeszłości, mało kto ośmieliłby się zakwestionować, że ruch impresjonistyczny był kolejnym krokiem w rozwoju europejskiego malarstwa realistycznego. „Impresjonizm to przede wszystkim sztuka obserwacji rzeczywistości, która osiągnęła bezprecedensowe wyrafinowanie” (WN Prokofiew). Dążąc do maksymalnej bezpośredniości i dokładności w przekazywaniu widzialnego świata, zaczęli malować głównie w plenerze i podnieśli rangę szkicu z natury, który niemal wyparł tradycyjny rodzaj malarstwa, starannie i powoli tworzony w pracowni.

Konsekwentnie oświecając swoją paletę, impresjoniści uwolnili malarstwo od ziemistych i brązowych werniksów i farb. Konwencjonalna, „muzealna” czerń w ich płótnach ustępuje miejsca nieskończenie różnorodnej grze refleksów i kolorowych cieni. Niezmiernie rozszerzyli możliwości plastyki, odkrywając nie tylko świat słońca, światła i powietrza, ale także piękno mgieł, niespokojną atmosferę wielkomiejskiego życia, rozproszenie nocnych świateł i rytm nieustannego ruchu.

Dzięki samej metodzie pracy w plenerze pejzaż, w tym odkryty przez nich pejzaż miejski, zajął w sztuce impresjonistów bardzo ważne miejsce. Twórczość wybitnego XIX-wiecznego malarza Edouarda Maneta (1832-1883) świadczy o organicznym połączeniu tradycji i innowacji w sztuce impresjonistów. Co prawda sam nie uważał się za przedstawiciela impresjonizmu i zawsze był wystawiany osobno, ale ideologicznie i ideologicznie był niewątpliwie zarówno prekursorem, jak i ideologicznym przywódcą tego ruchu.

Na początku swojej kariery E. Manet jest ostracyzmem (kpina ze społeczeństwa). W oczach mieszczańskiej publiczności i krytyków jego sztuka staje się synonimem brzydoty, a sam artysta nazywany jest „wariatem malującym obraz, drżącym w delirium tremens” (M. de Montifo) (zob. Załącznik nr 1, Rys. 4). Tylko najbardziej wnikliwe umysły tamtych czasów potrafiły docenić talent Maneta. Byli wśród nich C. Baudelaire i młoda E. Zola, którzy oświadczyli, że „Pan Manet jest przeznaczony do miejsca w Luwrze”.

Najbardziej konsekwentny, ale i dalekosiężny wyraz impresjonizmu odnaleziono w twórczości Claude'a Moneta (1840-1926). Jego nazwisko często kojarzy się z takimi osiągnięciami tej metody malarskiej, jak przekazywanie nieuchwytnych przejściowych stanów oświetlenia, wibracja światła i powietrza, ich związek w procesie nieustannych zmian i przekształceń. „Było to bez wątpienia wielkim zwycięstwem sztuki Nowych Czasów” – pisze VN Prokofiew i dodaje: „Ale i jego ostateczne zwycięstwo”. To nie przypadek, że Cezanne, aczkolwiek nieco polemicznie zaostrzając swoje stanowisko, twierdził później, że sztuka Moneta to „tylko oko”.

Wczesna praca Moneta jest dość tradycyjna. Wciąż są w nich postacie ludzkie, które później coraz bardziej zamieniają się w sztafaż i stopniowo znikają z jego obrazów. W latach 70. XIX wieku ostatecznie ukształtowała się impresjonistyczna maniera artysty, odtąd całkowicie poświęcił się pejzażowi. Od tego czasu pracuje prawie wyłącznie w plenerze. To w jego twórczości ostatecznie ustala się rodzaj wielkiego obrazu – studium.

Jeden z pierwszych Monet zaczyna tworzyć cykl obrazów, w których ten sam motyw powtarza się o różnych porach roku i dnia, w różnych warunkach oświetleniowych i pogodowych (zob. Załącznik nr 1, ryc. 5, 6). Nie wszystkie są sobie równe, ale najlepsze płótna z tej serii zachwycają świeżością barw, intensywnością barw i kunsztem przenoszenia efektów świetlnych.

W późnym okresie twórczości w malarstwie Moneta nasiliły się tendencje do dekoracyjności i płaskości. Jasność i czystość kolorów zamieniają się w ich przeciwieństwo, pojawia się pewna biel. Mówiąc o nadużywaniu przez późnych impresjonistów „jasnego tonu, który zamienia niektóre prace w odbarwione płótno”, E. Zola pisała: „A dziś nie ma nic prócz pleneru… pozostały tylko plamy: portret jest tylko plamą, cyfry to tylko plamki, tylko plamki”...

Inni malarze impresjoniści byli również w większości pejzażystami. Ich praca często niezasłużenie pozostawała w cieniu obok prawdziwie barwnej i imponującej postaci Moneta, choć nie ustępowali mu w czujności widzenia natury i umiejętności malarskiej. Wśród nich jako pierwsze należy wymienić nazwiska Alfred Sisley (1839-1899) i Camille Pissarro (1831-1903). Prace Sisleya, Anglika z urodzenia, odznaczają się szczególną malarską elegancją. Genialny mistrz pleneru, umiał przekazać przejrzyste powietrze czystego zimowego poranka, lekką mgiełkę rozgrzanej słońcem mgły, chmury biegnące po niebie w wietrzny dzień. Jego gama wyróżnia się bogactwem odcieni i wiernością tonów. Pejzaże artysty są zawsze przesycone głębokim nastrojem, odzwierciedlającym jego w zasadzie liryczne postrzeganie natury (zob. Załącznik nr 1, ryc. 7, 8, 9).

Trudniejsza była droga twórcza Pissarro, jedynego artysty, który brał udział we wszystkich ośmiu wystawach impresjonistów – J. Rewald nazwał go „patriarchą” tego ruchu. Zaczynając od pejzaży zbliżonych w malarstwie do ludu Barbizon, pod wpływem Maneta i jego młodych przyjaciół zaczął pracować w plenerze, konsekwentnie podkreślając paletę. Stopniowo rozwija własną impresjonistyczną metodę. Był jednym z pierwszych, którzy zrezygnowali z używania czarnej farby. Pissarro od zawsze skłaniał się ku analitycznemu podejściu do malarstwa, stąd jego eksperymenty z rozkładem koloru - "dywizjonizmem" i "pointelizmem". Wkrótce jednak powrócił do impresjonistycznego sposobu, w jaki powstawały jego najlepsze prace – wspaniały cykl pejzaży miejskich w Paryżu (zob. załącznik nr 1, ryc. 10,11,12,13). Ich kompozycja jest zawsze przemyślana i wyważona, obraz dopracowany kolorystycznie i wirtuozowski w technice.

W Rosji pejzaż miejski w impresjonizmie oświecił Konstantin Korovin. „Paryż był dla mnie szokiem… impresjoniści… w nich widziałem, za co zostałem skarcony w Moskwie”. Korowin (1861-1939) wraz ze swoim przyjacielem Walentynem Sierowem byli centralnymi postaciami rosyjskiego impresjonizmu. Pod wielkim wpływem ruchu francuskiego stworzył własny styl, w którym połączył główne elementy francuskiego impresjonizmu z bogatą kolorystyką sztuki rosyjskiej tego okresu (zob. Aneks nr 1, ryc. 15).

„Nowy świat narodził się, gdy napisali go impresjoniści”

Henri Kahnweiler

XIX wiek. Francja. W malarstwie wydarzyła się rzecz bez precedensu. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnią tradycją. Zamiast wyraźnego rysunku użyli szerokiego, „niechlujnego” pociągnięcia pędzla.

I całkowicie porzucili zwykłe obrazy, przedstawiające wszystkich z rzędu. I panie o łatwej cnocie i panowie o wątpliwej reputacji.

Publiczność nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Byli wyśmiewani, skarcili. A co najważniejsze, nic od nich nie kupiono.

Ale opór został złamany. A niektórzy impresjoniści doczekali swojego triumfu. To prawda, że ​​mieli już ponad 40 lat. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Inni zyskali uznanie dopiero pod koniec życia, jak Camille Pissarro. Ktoś mu nie dorównał, jak Alfred Sisley.

Jakiego rewolucjonisty dokonał każdy z nich? Dlaczego opinia publiczna tak długo ich nie akceptowała? Oto 7 najbardziej znanych francuskich impresjonistów, jakich zna świat.

1. Edouard Manet (1832-1883)

Edwarda Maneta. Autoportret z paletą. 1878 Kolekcja prywatna

Manet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją.

Sam Manet nie pretendował do miana przywódcy rewolucjonistów. Był towarzyski. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.

Ale na uznanie czekał bardzo długo. Publiczność chciała w najgorszym przypadku zobaczyć greckie boginie lub martwe natury, aby pięknie wyglądać w jadalni. Manet chciał pisać współczesne życie. Na przykład kurtyzany.

Rezultatem było Śniadanie na Trawie. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie dam łatwych cnót. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.

Edwarda Maneta. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż

Porównaj jego Śniadanie na trawie z Umierającymi Rzymianami Toma Couture'a. Obraz Couture zrobił furorę. Artysta natychmiast stał się sławny.

„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgarność. Kobietom w ciąży absolutnie nie zalecano patrzenia na nią.

Thomas Couture. Odrzuć Rzymian. 1847 Musée d'Orsay, Paryż. artchive.ru

W obrazie Couture widzimy wszystkie atrybuty akademizmu (malarstwa tradycyjnego XVI-XIX w.). Kolumny i posągi. Ludzie o wyglądzie Apollo. Tradycyjne stonowane kolory. Manieryzm postaw i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innego ludu.

„Śniadanie na trawie” Maneta ma inny format. Przed nim nikt tak łatwo nie portretował kurtyzan. Obok szanowanych mieszczan. Chociaż wielu panów tamtego czasu spędzało wolny czas. To było prawdziwe życie prawdziwych ludzi.

Kiedyś przedstawiał szanowaną damę. Brzydki. Nie mógł jej schlebiać pędzlem. Pani była rozczarowana. Zostawiła go we łzach.

Edwarda Maneta. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paryż. Wikimedia.commons.org

Więc kontynuował eksperymenty. Na przykład kolorem. Nie próbował przedstawiać tak zwanego naturalnego koloru. Jeśli widział szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, to przedstawiał ją jako jasnoniebieską.

To oczywiście zirytowało publiczność. „W końcu nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się takim błękitem jak woda Maneta” – warknął.

Edwarda Maneta. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych, Tournai, Belgia. Wikipedia.org

Ale fakt pozostaje. Manet radykalnie zmienił cel malowania. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty, który pisze, jak mu się podoba. Zapominanie o wzorcach i tradycjach.

Innowacje długo mu nie wybaczono. Uznanie otrzymał dopiero pod koniec życia. Ale już go nie potrzebował. Odchodził boleśnie od nieuleczalnej choroby.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Kolekcja prywatna

Claude Monet można nazwać podręcznikowym impresjonistą. Ponieważ był wierny temu kierunkowi przez całe swoje życie.

Nie malował przedmiotów i ludzi, ale jednobarwną strukturę odblasków i plam. Oddzielne pociągnięcia. Drżące powietrze.

Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. Metmuseum.org

Monet pisał nie tylko o naturze. Udało mu się także w pejzażach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .

To zdjęcie ma dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany za pomocą rozmytego obrazu.

Uwaga: odległe drzewa i postacie wydają się być we mgle.

Claude Monet. Bulwar des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europy i Ameryki 19-20 w.), Moskwa

Przed nami zamrożony moment wrzącego życia Paryża. Brak inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór kresek. Ta bezmyślność i efekt stopklatki to główna cecha impresjonizmu.

W połowie lat 80. artyści byli rozczarowani impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale brak fabuły przygnębił wielu.

Tylko Monet nadal trwał, wyolbrzymiając impresjonizm. To rozwinęło się w serię obrazów.

Ten sam pejzaż malował dziesiątki razy. O różnych porach dnia. O różnych porach roku. Aby pokazać, jak temperatura i światło mogą zmienić ten sam wygląd nie do poznania.

Tak powstały niezliczone stogi siana.

Obrazy Claude'a Moneta w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891 Po prawej: Stóg siana (efekt śniegu), 1891

Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. A nie szary czy czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejny ich wynalazek.

Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po 40 już zapomniał o biedzie. Mam dom i piękny ogród. I pracował dla swojej przyjemności jeszcze przez wiele lat.

Przeczytaj o najbardziej kultowym obrazie mistrza w artykule

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Art Institute, Massachusetts, USA. Pinterest.ru

Impresjonizm to najbardziej pozytywny obraz. A najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.

W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nie użył nawet czarnej farby. Tylko radość istnienia. Nawet najzwyklejszy w Renoir wygląda pięknie.

W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej ważne. Na obrazach jego przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.

Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie wioślarzy. 1880-1881 Kolekcja Phillipsa, Waszyngton, USA. Wikimedia.commons.org

Nie znajdziesz w Renoir i głębi. Bardzo się cieszył, że dołączył do impresjonistów, którzy w sondażach odmawiali spisków.

Jak sam powiedział, ma wreszcie okazję malować kwiaty i nazywać je po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj o nich żadnych historii.

Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolem w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis, Madryt. arteuam.com

A co najlepsze, Renoir czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im głupsza i naiwniejsza była piosenka, tym lepiej dla niego. Męczyła go ta męska paplanina. Nic dziwnego, że Renoir jest znany ze swoich nagich obrazów.

Modelka na obrazie „Akt w słońcu” pojawia się na kolorowym abstrakcyjnym tle. Ponieważ dla Renoira nie ma nic drugorzędnego. Obszar oczu lub tła modela jest równoważny.

Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 ​​​​Musée d'Orsay, Paryż. wikimedia.commons.org

Renoir żył długo. I nigdy nie odkładam pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce były całkowicie spętane przez reumatyzm, przywiązywał pędzel do ręki liną. I narysował.

Podobnie jak Monet, otrzymał uznanie po 40 latach. A moje obrazy widziałam w Luwrze, obok dzieł sławnych mistrzów.

Przeczytaj o jednym z najbardziej uroczych portretów Renoira w artykule

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana, Lizbona, Portugalia. Cultured.com

Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na świeżym powietrzu. Nie znajdziesz przy nim celowo rozjaśnionej palety.

Wręcz przeciwnie, kochał wyraźną linię. Ma dużo czarnego koloru. I pracował wyłącznie w studiu.

Mimo to zawsze plasuje się obok innych wielkich impresjonistów. Bo był impresjonistą gestu.

Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu obiektów. Postacie zaskoczone. To główne atrybuty jego obrazów.

Zatrzymywał chwile życia, nie pozwalając bohaterom opamiętać się. Wystarczy spojrzeć na jego Orkiestrę Operową.

Edgara Degasa. Orkiestra Operowa. 1870 Musée d'Orsay, Paryż. commons.wikimedia.org

Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk stoi do nas tyłem. A w tle baleriny na scenie nie mieściły się w „kadrze”. Ich głowy są bezlitośnie „odcinane” krawędzią obrazu.

Jego ulubieni tancerze nie zawsze są przedstawiani w pięknych pozach. Czasami po prostu się rozciągają.

Ale taka improwizacja jest urojona. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał kompozycję. To tylko efekt stopklatki, a nie prawdziwa stopklatka.

Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelbourne, Vermouth, USA

Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Ale choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy nie był żonaty. Nikt go nigdy nie widział z damą.

Brak prawdziwych wątków w jego życiu osobistym dodawał jego obrazom subtelnego i intensywnego erotyki.

Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org

Należy pamiętać, że na obrazie „Gwiazda baletu” narysowana jest tylko sama baletnica. Jej koledzy za kulisami są ledwo dostrzegalni. Może kilka nóg.

Nie oznacza to, że Degas nie dokończył obrazu. To jest technika. Aby skupić się tylko na tym, co najważniejsze. Reszta powinna znikać, być nieczytelna.

Przeczytaj o innych obrazach mistrza w artykule

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edwarda Maneta. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottan-Monet, Paryż.

Berthe Morisot rzadko jest umieszczana w pierwszym rzędzie wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że nie jest zasłużony. Właśnie tutaj znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli podoba Ci się ten styl, pokochasz jej pracę całym sercem.

Morisot pracowała szybko i impulsywnie, przenosząc swoje wrażenia na płótno. Postacie wydają się rozpływać w przestrzeni.

Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabre, Montpellier, Francja.

Podobnie jak Degas, często pomijała pewne szczegóły. A nawet części ciała modelu. Nie możemy odróżnić rąk dziewczyny na obrazie „Lato”.

Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie dość, że zajmowała się „niechlujnym” malarstwem. Wciąż była kobietą. W tamtych czasach dama miała marzyć o małżeństwie. Potem każde hobby zostało zapomniane.

Dlatego Bertha długo odmawiała zawarcia małżeństwa. Dopóki nie znalazłem mężczyzny, który szanował jej zawód. Eugene Manet był bratem artysty Édouarda Maneta. Posłusznie nosił sztalugi i farby dla swojej żony.

Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottan-Monet, Paryż.

Ale wciąż było to w XIX wieku. Nie, Morisot nie nosił spodni. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchów.

Nie mogła sama iść do parku, aby pracować bez towarzystwa kogoś bliskiego. Nie mogłam siedzieć sama w kawiarni. Dlatego jej obrazy to ludzie z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, krewni, nianie.

Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Muzeum Narodowe Walii, Cardiff.

Morisot nie czekał na rozpoznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc, nie sprzedając za życia prawie żadnej swojej pracy. Na jej akcie zgonu była kreska w branży. Nie do pomyślenia było nazywanie kobiety artystką. Nawet jeśli naprawdę była.

Przeczytaj o obrazach mistrza w artykule

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay, Paryż. Wikipedia.org

Camille Pissarro. Bezkonfliktowy, rozsądny. Wielu postrzegało go jako nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie wypowiadali się źle o Pissarro.

Był zagorzałym zwolennikiem impresjonizmu. W rozpaczliwej potrzebie, z żoną i pięciorgiem dzieci, nadal ciężko pracował w swoim ulubionym stylu. I nigdy nie przerzucił się na malowanie salonowe, aby stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo skąd miał siłę wierzyć w siebie do końca.

Aby w ogóle nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze, które chętnie wykupił. A prawdziwe uznanie przyszło mu po 60 latach! Wtedy wreszcie mógł zapomnieć o potrzebie.

Camille Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Muzeum d'Orsay, Paryż

Powietrze na obrazach Pissarra jest gęste i gęste. Niezwykła fuzja koloru i objętości.

Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk przyrody, które pojawiają się na chwilę i znikają. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.

Camille Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay, Paryż

Jego najsłynniejsze prace to widoki Paryża. Z szerokimi bulwarami, gwarnym pstrokatym tłumem. W nocy, w dzień, przy różnej pogodzie. W pewnym sensie mają one coś wspólnego z serią obrazów Claude'a Moneta.

W tym artykule zobaczysz Petersburg pejzaż miejski prezentowane w galerii sztuki „Art-Breeze”. Znajdują się tu zebrane prace różnych autorów, wykonane w różnych stylach i technikach. Wszystkie te prace łączy jedno – przedstawiają Świętego, tak jak widział go artysta.

Miejski krajobraz jako gatunek malarski powstał dość późno, bo w XVIII wieku. Wtedy to miasta zaczęły nabierać nowoczesnego charakteru, a liczba mieszkańców miast zaczęła gwałtownie rosnąć. Wcześniej tylko nieliczni średniowieczni artyści przedstawiali miasta na swoich płótnach. Obrazy te były bardzo prymitywne, brakowało im dokładności topograficznej i służyły do ​​wskazania miejsca wydarzeń, którym poświęcona była akcja. Przodkowie pejzaż miejski w malarstwie można nazwać malarzami holenderskimi XVII wieku Vermeer Delft, J. Goyen i J. Reisdael. To w ich pracach można odnaleźć pejzaż miejski w sposób, do jakiego przywykliśmy go we współczesnych obrazach.

Współcześni artyści, którzy wystawiają własne pejzaże miejskie w petersburskiej galerii sztuki Ar-Breeze, przedstawiają Petersburg jako w dużej mierze mgliste nadmorskie miasto z tętniącym życiem i wspaniałą architekturą. Większość obrazów powstaje w stylu impresjonizmu i klasyki. Nasycenie kolorów i możliwość wypełnienia płótna światłem, jakie zapewnia technika malarstwa impresjonistycznego, w najpełniejszy sposób pozwala oddać ducha tego miasta nad Newą!

Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję Ci za
że odkryjesz to piękno. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook oraz W kontakcie z

Jesień jest pełna romantyzmu i szczególnej duszy. Natura błyszczy złotem i karmazynem, ludzie stają się bardziej sentymentalni, a artyści czerpią z inspiracji swoje pędzle. A w ich tak różnych w wykonaniu kreacjach odbija się wszystko, co najpiękniejsze: kolorowe lasy, usypiające megalopolie deszcze, opadłe liście w jeziorach…

Komenda Strona przesiąknięty lirycznym nastrojem i zaprasza do podziwiania obrazów artystów zafascynowanych jesienią.

Miejskie melodie Guya Dessata

Utalentowany francuski artysta podróżował po różnych częściach świata. Na jego obrazach można zobaczyć zarówno Japonię, jak i Amerykę. Ale najbardziej zapadają w pamięć prace Guya Dessata, poświęcone najbardziej romantycznemu miastu na ziemi - Paryżowi.

Magiczna akwarela Abe Toshiyuki

Wspaniałe akwarele japońskiego artysty Abe Toshiyukiego wprowadzają w filozoficzny nastrój. Ważne są najdrobniejsze szczegóły: plusk rzeki, szelest liści, delikatność płatków sakury… Według malarza „sztuka jest zwierciadłem duszy patrzącego”, więc sam możesz ustawić swój nastrój dla dowolnego obrazu.

Piękna rzeczywistość Petera Mercka Mönsted

Peter Mörk Mønsted, znany malarz realista z Danii, najczęściej przedstawiał na swoich obrazach wiejskie okolice, lasy i rzeki. Przy całej prostocie fabuły nie można zapomnieć o pejzażach utalentowanego malarza. Wykonywane są z mistrzowską kunsztem i zapraszają do kontemplacji świata przyrody.

Słoneczny świat Laurenta Parselliera

Jeśli pochmurna pogoda zasmuci Cię, spodobają Ci się słoneczne zdjęcia prawdziwego Francuza Laurenta Parselliera. Na obrazach pozytywnego impresjonisty nawet jesienią jest tylko piękna pogoda. A jego „markowe” promienie słońca natychmiast cię rozweselą.

Tajemnica Johna Atkinsona Grimshawa

O tym niesamowitym artyście mówiono, że „maluje światłem księżyca, mgłą i zmierzchem”. Jego oszałamiające obrazy wydają się być przepełnione mistycznym znaczeniem. Dziś prace Johna Atkinsona można oglądać tylko w katalogach, ponieważ wszystkie oryginały znajdują się w prywatnych kolekcjach. Ale kiedyś rodzice młodego Johna kategorycznie sprzeciwili się jego pasji do malarstwa.