Renesansas. Anotacija Renesanso muzikinė kultūra Pranešimas apie Renesanso muzikinę kultūrą

renesansas, arba renesansas(fr. renesansas), – lūžis Europos tautų kultūros istorijoje. Italijoje naujos tendencijos atsirado XIII-XIV amžių sandūroje, kitose Europos šalyse - XV-XVI a. Renesanso veikėjai žmogų – jo gėrį ir teisę į laisvą asmenybės vystymąsi – pripažino aukščiausia vertybe. Tokia pasaulėžiūra vadinama „humanizmu“ (iš lot. humanus – „žmogus“, „humaniškas“). Humanistai senovėje ieškojo harmoningo žmogaus idealo, o senovės graikų ir romėnų menas jiems tarnavo kaip meninės kūrybos pavyzdys. Noras „atgaivinti“ senąją kultūrą davė pavadinimą ištisai erai – Renesansui, laikotarpiui tarp viduramžių ir naujųjų amžių (nuo XVII a. vidurio iki šių dienų).

Menas, įskaitant muziką, labiausiai atspindi Renesanso pasaulėžiūrą. Šiuo laikotarpiu, kaip ir viduramžiais, pirmaujanti vieta priklausė vokalinei bažnytinei muzikai. Polifonijos raida paskatino polifonijos atsiradimą (iš graikų kalbos „polis“ – „daug“ ir „fonas“ – „garsas“, „balsas“). Naudojant šį polifonijos tipą, visi kūrinio balsai yra lygūs. Polifonija ne tik apsunkino kūrinį, bet leido autoriui išreikšti asmeninį teksto supratimą, suteikdama muzikai didelio emocionalumo. Polifoninė kompozicija sukurta laikantis griežtų ir sudėtingų taisyklių, reikalaujančių iš kompozitoriaus gilių žinių ir virtuoziškų įgūdžių. Bažnyčios ir pasaulietiniai žanrai vystėsi polifonijos rėmuose.

Olandų polifoninė mokykla. Nyderlandai – istorinis regionas šiaurės vakarų Europoje, apimantis šiuolaikinės Belgijos, Olandijos, Liuksemburgo ir Šiaurės rytų Prancūzijos teritorijas. Iki XV a. Nyderlandai pasiekė aukštą ekonominį ir kultūrinį lygį ir tapo klestinčia Europos šalimi.

Čia susiformavo olandų polifoninė mokykla – vienas didžiausių Renesanso muzikos reiškinių. Meno raidai XV amžiuje didelę reikšmę turėjo įvairių šalių muzikantų bendravimas, abipusė kūrybinių mokyklų įtaka. Olandų mokykla perėmė Italijos, Prancūzijos, Anglijos ir pačių Nyderlandų tradicijas.

Žymūs jo atstovai: Guillaume'as Dufay'us (1400-1474) (Dufay) (apie 1400 m. - 1474-11-27, Cambrai), prancūzų-flamandų kompozitorius, vienas iš olandų mokyklos įkūrėjų. Olandų muzikos polifoninės tradicijos pamatus padėjo Guillaume'as Dufay (apie 1400-1474). Jis gimė Cambrai mieste Flandrijoje (Nyderlandų pietų provincijoje) ir nuo mažens dainavo bažnyčios chore. Lygiagrečiai būsimasis muzikantas vedė privačias kompozicijos pamokas. Jaunystėje Dufay išvyko į Italiją, kur parašė pirmąsias savo kompozicijas – balades ir motetus. 1428-1437 metais. jis dainavo popiežiaus koplyčioje Romoje; tais pačiais metais keliavo į Italiją ir Prancūziją. 1437 metais kompozitorius buvo įšventintas. Savojos kunigaikščio dvare (1437-1439) kūrė muziką ceremonijoms ir šventėms. Dufay buvo labai gerbiamas kilmingų asmenų – tarp jo gerbėjų buvo, pavyzdžiui, Medici pora (Italijos miesto Florencijos valdovai). [Dirbo Italijoje ir Prancūzijoje. 1428-37 buvo Romos ir kitų Italijos miestų popiežių kapelų dainininkas, 1437-44 tarnavo pas Savojos kunigaikštį. Nuo 1445 m. Cambrai katedros kanauninkas ir muzikinės veiklos vadovas. Dvasinių (3, 4 balsų mišių, motetų), taip pat pasaulietinių (3, 4 balsų prancūziškas šansonas, itališkos dainos, baladės, rondo) žanrų, susijusių su liaudies polifonija ir Renesanso humanistine kultūra, meistras. Dantės dailė, perėmusi Europos muzikos meno laimėjimus, turėjo didelės įtakos tolesnei Europos daugiabalsės muzikos raidai. Jis taip pat buvo muzikinės notacijos reformatorius (D. priskiriamas natų su baltomis galvomis įvedimu). Romoje išleisti visi surinkti D. kūriniai (6 t., 1951-66).] Dufay pirmasis iš kompozitorių pradėjo kurti mišias kaip vientisą muzikinę kompoziciją. Kurti bažnytinę muziką reikia nepaprasto talento: gebėjimo išreikšti abstrakčias, nematerialias sąvokas konkrečiomis, materialiomis priemonėmis. Sunkumas slypi tame, kad tokia kompozicija, viena vertus, nepalieka klausytojo abejingo, kita vertus, neatitraukia nuo dieviškojo tarnavimo, padeda giliau susitelkti maldai. Daugelis Dufay mišių yra įkvėptos, pilnos vidinio gyvenimo; jie tarsi padeda akimirkai atverti Dieviškojo apreiškimo šydą.

Dažnai kurdamas mišias Dufay pasiimdavo gerai žinomą melodiją, prie kurios pridėdavo savo. Tokie skoliniai būdingi Renesansui. Manoma, kad labai svarbu, kad mišios būtų paremtos pažįstama melodija, kurią maldininkai nesunkiai atpažintų net ir daugiabalsiame kūrinyje. Dažnai buvo naudojamas grigališkojo choralo fragmentas; nebuvo atmesti ir pasaulietiniai darbai.

Be bažnytinės muzikos, Dufay kūrė motetus pasaulietiniams tekstams. Juose jis panaudojo ir sudėtingą polifoninę techniką.

Josquin Despres (1440-1521). XV amžiaus antrosios pusės olandų polifoninės mokyklos atstovas. buvo Josquin Despres (apie 1440-1521 arba 1524), turėjęs didelę įtaką naujos kartos kompozitorių kūrybai. Jaunystėje jis tarnavo bažnyčios chore Cambrai mieste; vedė muzikos pamokas iš Okegemo. Būdamas dvidešimties jaunasis muzikantas atvyko į Italiją, dainavo Milane pas Sforcų kunigaikščius (vėliau čia tarnavo didysis italų menininkas Leonardo da Vinci) ir popiežiaus koplyčioje Romoje. Italijoje Despres tikriausiai pradėjo kurti muziką. Pačioje XVI amžiaus pradžioje. jis persikėlė į Paryžių. Tuo metu Despresas jau buvo žinomas, o į teismo muzikanto pareigas jį pakvietė Prancūzijos karalius Liudvikas XII. Nuo 1503 metų Despres vėl apsigyveno Italijoje, Feraros mieste, kunigaikščio d'Este dvare. Despres daug kūrė, o jo muzika greitai susilaukė pripažinimo plačiausiuose sluoksniuose: ją pamilo ir aukštuomenė, ir paprasti žmonės. kompozitorius kūrė ne tik bažnytinius, bet ir pasaulietinius kūrinius, ypač atsigręžė į italų liaudies dainos žanrą – frottola (italų frottola, iš frotta – „minia“), kuriai būdingas šokio ritmas ir greitas tempas. gyva intonacija sulaužė griežtą atsiribojimą ir sukėlė džiaugsmo bei būties pilnatvės jausmą...

Johannesas Okegemas (1430-1495), Jokūbas Obrechtas (1450-1505). Jaunesni Guillaume'o Dufay amžininkai buvo Johannesas (Jeanas) Okegemas (apie 1425–1497) ir Jacobas Obrechtas. Kaip ir Dufay, Okegem kilęs iš Flandrijos. Visą gyvenimą jis sunkiai dirbo; be muzikos kūrimo, ėjo kapelos vadovo pareigas. Kompozitorius sukūrė penkiolika mišių, trylika motetų, daugiau nei dvidešimt šansonų. Okegemo kūriniams būdingas griežtumas, susikaupimas, užsitęsęs tekančių melodinių linijų plėtojimas. Daug dėmesio skyrė polifoninei technikai, siekė, kad visos mišios dalys būtų suvokiamos kaip vientisa visuma. Dainose spėjama ir kompozitoriaus kūrybinė rašysena – jos beveik neturi pasaulietinio lengvumo, charakteriu labiau primena motetus, o kartais net mišių fragmentus. Johanesas Okegemas buvo gerbiamas tiek namuose, tiek užsienyje (jis buvo paskirtas Prancūzijos karaliaus patarėju). Jokūbas Obrechtas buvo įvairių Nyderlandų miestų katedrų choristas, vadovavo koplyčioms; kelerius metus tarnavo kunigaikščio d'Este dvare Feraroje (Italija).Jis yra dvidešimt penkių mišių, dvidešimties motetų, trisdešimties šansonų autorius.Panaudodamas savo pirmtakų pasiekimus, Obrechtas įnešė daug naujų dalykų. Jo muzika kupina kontrastų, drąsi net tada, kai kompozitorius kreipiasi į tradicinius bažnytinius žanrus.

Orlando Lasso kūrybiškumo universalumas ir gilumas. Olandų renesanso muzikos istoriją užbaigia Orlando Lasso (tikrasis vardas ir pavardė Rolandas de Lasso, apie 1532–1594 m.), amžininkų vadinto „Belgijos Orfėju“ ir „muzikos princu“, kūryba. Lasso gimė Monse (Flandrija). Nuo vaikystės jis dainavo bažnyčios chore, žavėdamas parapijiečius nuostabiu balsu. Italijos miesto Mantujos kunigaikštis Gonzaga, atsitiktinai išgirdęs jaunąjį dainininką, pakvietė jį į savo koplyčią. Po Mantujos Lasso trumpai dirbo Neapolyje, o paskui persikėlė į Romą – ten gavo vienos iš katedrų koplyčios vadovo pareigas. Dvidešimt penkerių metų Lasso jau buvo žinomas kaip kompozitorius, o jo kūriniai buvo paklausūs tarp muzikos leidėjų. 1555 m. buvo išleistas pirmasis kūrinių rinkinys, kuriame yra motetų, madrigalų ir šansonų. Lasso studijavo visa, kas geriausia, ką sukūrė jo pirmtakai (olandų, prancūzų, vokiečių ir italų kompozitoriai), ir panaudojo jų patirtį savo kūryboje. Būdamas nepaprastas žmogus, Lasso stengėsi įveikti abstraktų bažnytinės muzikos charakterį, suteikti jai individualumo. Tam kompozitorius kartais pasitelkdavo žanrinius motyvus (liaudies dainų, šokių temas), taip suartindamas bažnytines ir pasaulietines tradicijas. Lasso derino polifoninės technikos sudėtingumą su dideliu emocionalumu. Ypač jam sekėsi madrigaluose, kurių tekstuose atsiskleidė veikėjų dvasios būsena, pavyzdžiui, „Šv. Petro ašaros“ (1593) pagal italų poeto Luigi Tranzillo eiles. Kompozitorius dažnai rašė daug balsų (nuo penkių iki septynių), todėl jo kūrinius sunku atlikti...

Nuo 1556 m. Orlando Lasso gyveno Miunchene (Vokietija), kur vadovavo koplyčiai. Iki gyvenimo pabaigos jo autoritetas muzikiniuose ir meniniuose sluoksniuose buvo labai didelis, o šlovė išplito visoje Europoje. Olandų polifoninė mokykla turėjo didelę įtaką Europos muzikinės kultūros raidai. Nyderlandų kompozitorių išplėtoti polifonijos principai tapo universalūs, o daugelį meninių technikų savo kūryboje kompozitoriai panaudojo jau XX a.

Prancūzija. Prancūzijai XV–XVI a. tapo svarbių permainų era: Šimtametis karas (1337–1453) su Anglija baigėsi XV amžiaus pabaigoje. valstybės suvienijimas buvo baigtas; XVI amžiuje šalis patyrė religinius karus tarp katalikų ir protestantų. Stiprioje valstybėje su absoliučia monarchija išaugo dvaro švenčių ir liaudies švenčių vaidmuo. Tai prisidėjo prie meno, ypač tokius renginius lydinčios muzikos, raidos. Daugėjo vokalinių ir instrumentinių ansamblių (kapelų ir konsortų), kuriuos sudarė nemažai atlikėjų. Karinių žygių Italijoje metu prancūzai susipažino su italų kultūros pasiekimais. Jie giliai jautė ir priėmė italų renesanso idėjas – humanizmą, harmonijos su juos supančiu pasauliu troškimą, mėgautis gyvenimu.

Jei Italijoje muzikinis Renesansas pirmiausia buvo siejamas su mišiomis, tai prancūzų kompozitoriai kartu su bažnytine muzika ypatingą dėmesį skyrė pasaulietinei polifoninei dainai – šansonui. Susidomėjimas juo Prancūzijoje kilo XVI amžiaus pirmoje pusėje, kai buvo išleistas Klemenso Janequino (apie 1485–1558) muzikinių kūrinių rinkinys. Būtent šis kompozitorius laikomas vienu iš žanro kūrėjų.

Svarbiausi choriniai programiniai Clemento Janequino (1475-1560) kūriniai. Vaikystėje Jeannequin dainavo bažnyčios chore savo gimtajame Chatellerault mieste (Centrinė Prancūzija). Vėliau, kaip teigia muzikos istorikai, jis mokėsi pas olandų meistrą Josquiną Desprezą arba pas vieną kompozitorių iš jo aplinkos. Gavęs kunigo šventimus, Žanekenas dirbo choro vadovu ir vargonininku; tada jį į pamaldas pakvietė kunigaikštis Gizas. 1555 metais muzikantas tapo Karališkosios koplyčios dainininku, o 1556-1557 m. - karališkojo rūmų kompozitorius. Klemensas Jeannekinas sukūrė du šimtus aštuoniasdešimt šansonų (išleistas 1530–1572 m.); rašė bažnytinę muziką – mišias, motetus, psalmes. Jo dainos dažnai buvo vaizdingos. Mūšio nuotraukos ("Marinjano mūšis", "Rentos mūšis", "Meco mūšis"), medžioklės scenos ("Medžioklė"), gamtos vaizdai ("Paukščių giedojimas", "Lakštingala") , "Lark" ), kasdienės scenos ("Moterų plepalai"). Nuostabiai vaizdingai kompozitoriui šansonu „Paryžiaus riksmai“ pavyko perteikti kasdienybės Paryžiaus atmosferą: į tekstą įvedė pardavėjų šūksnius („Pienas!“ – „Pyrageliai!“ – „Artišokai!“). - "Žuvis!" - "Degutukai!" - "Balandžiai! ! "-" Seni batai! "-" Vynas! "). Janequin beveik nenaudojo ilgų ir sklandžių temų atskiriems balsams ir sudėtingoms polifoninėms technikoms, pirmenybę teikdamas vardiniams skambučiams, kartojimams, onomatopoei.

Kita prancūzų muzikos kryptis siejama su visos Europos reformacijos judėjimu.

Bažnyčios pamaldose prancūzų protestantai (hugenotai) atsisakė lotynų kalbos ir polifonijos. Sakralinė muzika įgavo atviresnį, demokratiškesnį pobūdį. Vienas ryškiausių šios muzikinės tradicijos atstovų buvo Klodas Gudimelis (1514–1520–1572 m.) – psalmių apie Biblijos tekstus ir protestantų giesmes autorius.

Chansonas. Vienas pagrindinių prancūzų renesanso muzikos žanrų yra šansonas (pranc. chanson – „daina“). Jo ištakos – liaudies mene (epo legendų rimuotos eilės buvo perkeltos į muziką), viduramžių trubadūrų ir truverų mene. Turinio ir nuotaikos požiūriu šansonas galėjo būti labai įvairus – buvo meilės dainų, kasdieninių, humoristinių, satyrinių ir kt. Kompozitoriai kaip tekstus ėmėsi liaudies eilėraščių ir šiuolaikinės poezijos.

Italija. Prasidėjus Renesansui Italijoje paplito kasdienis muzikavimas įvairiais instrumentais; susikūrė melomanų ratas. Profesinėje srityje išryškėjo dvi galingiausios mokyklos: romėnų ir venecijiečių.

Madrigalas. Renesanso laikais pasaulietinių žanrų vaidmuo išaugo. XIV amžiuje. madrigalas atsirado italų muzikoje (iš pozlnelat. matricale – „daina gimtąja kalba“). Ji susiformavo liaudies (piemenų) dainų pagrindu. Madrigalai buvo dainos dviem ar trim balsams, dažnai be instrumentinio akompanimento. Jie buvo parašyti šiuolaikinių italų poetų eilėmis, kuriose buvo pasakojama apie meilę; buvo dainų kasdienėmis ir mitologinėmis temomis.

XV amžiuje kompozitoriai beveik niekada nesikreipė į šį žanrą; susidomėjimas juo atgijo tik XVI a. Būdingas XVI amžiaus madrigalo bruožas – glaudus muzikos ir poezijos ryšys. Muzika lanksčiai sekė tekstą, atspindėdama poetiniame šaltinyje aprašytus įvykius. Laikui bėgant susiformavo saviti melodiniai simboliai, žymintys švelnius atodūsius, ašaras ir kt. Kai kurių kompozitorių kūriniuose simbolika buvo filosofinė, pavyzdžiui, Gesualdo di Venosos madrigale „Mirstu, nelaimingas“ (1611).

Žanro klestėjimas patenka į XVI-XVII amžių sandūrą. Kartais kartu su dainos atlikimu buvo suvaidintas jos siužetas. Madrigalas tapo madrigalinės komedijos (choro kompozicija pagal komedijos pjesės tekstą) pagrindu, kuri paruošė operos pasirodymą.

Romos polifoninė mokykla. Džovanis de Palestrina (1525-1594). Romėnų mokyklos vadovas buvo Giovanni Pierluigi da Palestrina, vienas didžiausių Renesanso epochos kompozitorių. Jis gimė Italijos mieste Palestrinoje, kurio vardu gavo savo pavardę. Nuo vaikystės Palestrina dainavo bažnyčios chore, o sulaukęs pilnametystės buvo pakviestas į dirigento (choro vadovo) pareigas Šv.Petro bazilikoje Romoje; vėliau tarnavo Siksto koplyčioje (popiežiaus teismo koplyčioje).

Roma, katalikybės centras, pritraukė daug pirmaujančių muzikantų. Skirtingais laikais čia dirbo olandų meistrai, polifonistai Guillaume'as Dufay ir Josquinas Despres. Jų išvystyta komponavimo technika kartais trukdydavo suvokti paslaugos tekstą: jis pasimetė už išskirtinio balsų susipynimo ir žodžių, tiesą sakant, nesigirdėjo. Todėl bažnyčios valdžia tokius kūrinius vertino atsargiai ir pasisakė už grigališkojo choralo monofonijos grąžinimą. Polifonijos leistinumo bažnytinėje muzikoje klausimas buvo svarstomas net Katalikų bažnyčios Tridento susirinkime (1545-1563). Popiežiui artima Palestrina įtikino Bažnyčios vadovus galimybe kurti kūrinius, kuriuose kompozicinė technika netrukdytų suprasti teksto. Kaip įrodymą jis sukūrė popiežiaus Marcello mišias (1555), kurioje sudėtinga polifonija derinama su aiškiu ir išraiškingu kiekvieno žodžio skambesiu. Taip muzikantas „išgelbėjo“ profesionalią polifoninę muziką nuo bažnyčios valdžios persekiojimo. 1577 metais kompozitorius buvo pakviestas aptarti laipsnišką reformą – Katalikų bažnyčios šventųjų giesmių rinkinį. 80-aisiais. Palestrina buvo įšventinta, o 1584 metais tapo Muzikos magistrų draugijos – tiesiogiai popiežiui pavaldžių muzikantų asociacijos – nare.

Palestrinos kūrybiškumas persmelktas šviesaus požiūrio. Jo sukurti kūriniai amžininkus stebino ir aukščiausiu meistriškumu, ir kiekybe (daugiau nei šimtas mišių, trys šimtai motetų, šimtas madrigalų). Muzikos sudėtingumas niekada nebuvo kliūtis jos suvokimui. Kompozitorius mokėjo rasti aukso vidurį tarp kūrinių įmantrumo ir jų prieinamumo klausytojui. Palestrina pamatė pagrindinę kūrybinę užduotį kuriant vientisą didelį kūrinį. Kiekvienas jo giesmių balsas vystosi savarankiškai, bet kartu su likusiu sudaro vientisą visumą, o dažnai balsai susideda į nuostabiai gražius akordų derinius. Dažnai viršutinio balso melodija sklando virš kitų, nubrėždama polifonijos „kupolą“; visi balsai sklandūs ir išvystyti.

Kitos kartos muzikantai Giovanni da Palestrinos meną laikė pavyzdiniu, klasikiniu. Daugelis iškilių XVII–XVIII amžių kompozitorių studijavo jo kūrinius.

Kita Renesanso muzikos kryptis siejama su Venecijos mokyklos kompozitorių kūryba, kurios įkūrėjas buvo Adrianas Villartas (apie 1485-1562). Jo mokiniai buvo vargonininkas ir kompozitorius Andrea Gabrieli (1500–1520 m. – po 1586 m.), kompozitorius Cyprian de Pope (1515 arba 1516–1565) ir kiti muzikantai. Nors Palestrinos kūriniai pasižymi aiškumu ir griežtu santūrumu, Willartas ir jo pasekėjai išvystė didingą chorinį stilių. Norėdami pasiekti erdvinį garsą, grojant tembrus, jie savo kompozicijose panaudojo keletą chorų, esančių skirtingose ​​šventyklos vietose. Vardinių skambučių naudojimas tarp chorų leido užpildyti bažnyčios erdvę precedento neturinčiais efektais. Šis požiūris taip pat atspindėjo humanistinius visos epochos idealus – savo linksmumu, laisve ir pačia Venecijos meno tradicija – siekiu visko, kas šviesu ir neįprasta. Venecijos meistrų kūryboje komplikavosi ir muzikinė kalba: prisipildė drąsių akordų derinių, netikėtų harmonijų.

Įspūdinga renesanso figūra buvo Carlo Gesualdo di Venosa (apie 1560–1613), Venosos miesto princas, vienas didžiausių pasaulietinio madrigalo meistrų. Išgarsėjo kaip filantropas, liutnios atlikėjas, kompozitorius. Princas Gesualdo draugavo su italų poetu Torquato Tasso; vis dar yra įdomių laiškų, kuriuose abu menininkai aptaria literatūros, muzikos, vaizduojamojo meno klausimus. Tasso Gesualdo di Venosa daugelį eilėraščių perkėlė į muziką – taip atsirado daugybė itin meniškų madrigalų. Būdamas vėlyvojo Renesanso atstovu, kompozitorius sukūrė naują madrigalo tipą, kur jausmai buvo pirmoje vietoje – smurtiniai ir nenuspėjami. Todėl jo kūrybai būdinga apimties, intonacijos kaita, panaši į atodūsius ir net verkšlenimus, aštriai skambantys akordai, kontrastingi tempo kaitai. Šios technikos suteikė Gesualdo muzikai ekspresyvų, kiek keistą charakterį, ji stebino ir kartu traukė amžininkus. Gesualdo di Venosa palikimą sudaro septynios polifoninių madrigalų kolekcijos; tarp dvasinių kūrinių – „Šventosios giesmės“. Jo muzika šiandien nepalieka abejingo klausytojo.

Instrumentinės muzikos žanrų ir formų raida. Instrumentinė muzika taip pat pasižymėjo naujų žanrų atsiradimu, ypač instrumentiniu koncertu. Smuikas, klavesinas, vargonai pamažu virto soliniais instrumentais. Jiems parašyta muzika leido parodyti talentą ne tik kompozitoriui, bet ir atlikėjui. Visų pirma buvo vertinamas virtuoziškumas (gebėjimas susidoroti su techniniais sunkumais), kuris daugeliui muzikantų palaipsniui tapo savitiksliu ir menine vertybe. XVII-XVIII amžių kompozitoriai dažniausiai ne tik kūrė muziką, bet ir meistriškai grojo instrumentais, vertėsi pedagogine veikla. Menininko savijauta daugiausia priklausė nuo konkretaus kliento. Paprastai kiekvienas rimtas muzikantas siekė gauti vietą monarcho ar turtingo aristokrato dvare (daug aukštuomenės atstovų turėjo savo orkestrus ar operos teatrus), arba šventykloje. Be to, dauguma kompozitorių lengvai derino bažnytinį muzikavimą su tarnavimu pasaulietiniam mecenatui.

Anglija. Renesanso epochos Anglijos kultūrinis gyvenimas buvo glaudžiai susijęs su reformacija. XVI amžiuje protestantizmas išplito visoje šalyje. Katalikų bažnyčia prarado dominuojančią padėtį, anglikonų bažnyčia tapo valstybine, kuri atsisakė pripažinti kai kurias katalikybės dogmas (pagrindines nuostatas); dauguma vienuolynų nustojo egzistuoti. Šie įvykiai paveikė anglų kultūrą, įskaitant muziką. Muzikos katedros buvo atidarytos Oksfordo ir Kembridžo universitetuose. Bajorų salonuose skambėjo klavišiniais instrumentais: mergele (klavesino rūšis), nešiojamaisiais (mažaisiais) vargonais ir kt. Populiarios buvo nedidelės kompozicijos, skirtos namų muzikai groti. Ryškiausias to meto muzikinės kultūros atstovas buvo Viljamas Birdas (1543 arba 1544-1623) – muzikos leidėjas, vargonininkas ir kompozitorius. Paukštis tapo anglų madrigalo protėviu. Jo kūriniai išsiskiria paprastumu (vengė sudėtingų polifoninių technikų), tekstą sekančios formos originalumu, harmonine laisve. Visos muzikinės priemonės skirtos gyvenimo grožiui ir džiaugsmui patvirtinti, o ne viduramžių griežtumui ir santūrumui. Kompozitorius turėjo daug madrigalų žanro pasekėjų.

Taip pat paukštis kūrė dvasinius kūrinius (mišias, psalmes) ir instrumentinę muziką. Savo kūriniuose mergelei jis panaudojo liaudies dainų ir šokių motyvus.

Kompozitorius labai norėjo, kad jo parašyta muzika „smagiai neštų bent šiek tiek švelnumo, atsipalaidavimo ir pramogų“ – taip Williamas Birdas rašė vienos iš savo muzikinių rinkinių pratarmėje.

Vokietija. Vokiečių muzikinės kultūros ryšys su reformacijos sąjūdžiu. XVI amžiuje Vokietijoje prasidėjo reformacija, kuri gerokai pakeitė religinį ir kultūrinį šalies gyvenimą. Reformacijos lyderiai buvo įsitikinę, kad reikia keisti pamaldų muzikinį turinį. Tai lėmė dvi priežastys. Iki XV amžiaus vidurio. bažnytinės muzikos žanruose dirbančių kompozitorių polifoninis įgūdis pasiekė nepaprastą sudėtingumą ir įmantrumą. Kartais buvo kuriami kūriniai, kurių dėl melodingo balsų sodrumo ir ilgų giesmių dauguma parapijiečių negalėjo suvokti ir dvasiškai išgyventi. Be to, pamaldos vyko italams suprantama, bet vokiečiams svetima lotynų kalba.

Reformacijos judėjimo įkūrėjas Martinas Liuteris (1483-1546) manė, kad reikia reformuoti bažnytinę muziką. Muzika, pirma, turėtų skatinti aktyvesnį parapijiečių dalyvavimą pamaldose (atliekant polifonines kompozicijas tai buvo neįmanoma), antra – ugdyti empatiją į biblinius įvykius (kam trukdė pamaldos lotynų kalba). Taigi bažnytiniam giedojimui buvo keliami tokie reikalavimai: melodijos paprastumas ir aiškumas, tolygus ritmas, aiški giedojimo forma. Tuo remiantis atsirado protestantų giesmė - pagrindinis vokiečių renesanso bažnytinės muzikos žanras. 1522 m. Liuteris išvertė Naująjį Testamentą į vokiečių kalbą – nuo ​​šiol atsirado galimybė vesti pamaldas jų gimtąja kalba.

Renkant choralų melodijas aktyviai dalyvavo pats Liuteris, taip pat jo draugas vokiečių muzikos teoretikas Johanas Walteris (1490-1570). Pagrindiniai tokių melodijų šaltiniai buvo liaudies dvasinės ir pasaulietinės dainos – plačiai žinomos ir lengvai suprantamos. Melodijas kai kuriems choralams Liuteris kūrė pats. Vienas iš jų „Viešpats – mūsų atrama“ tapo Reformacijos simboliu XVI amžiaus religinių karų laikotarpiu.

Meistersingers ir jų menas. Kitas ryškus vokiečių renesanso muzikos puslapis yra susijęs su Meistersinger (vok. Meistersinger - "meisteris dainininkas") - poetų dainininkų iš amatininkų kūryba. Tai buvo ne profesionalūs muzikantai, o visų pirma amatininkai – ginklininkai, siuvėjai, stiklininkai, batsiuviai, kepėjai ir kt. Tokių muzikantų miesto sąjungoje buvo įvairių amatų atstovai. XVI amžiuje Meistersinger asociacijos egzistavo daugelyje Vokietijos miestų.

„Meistersingers“ savo dainas kūrė pagal griežtas taisykles, kūrybinę iniciatyvą glumino daugybė suvaržymų. Pradedantysis pirmiausia turėjo išmokti šias taisykles, tada išmokti atlikti dainas, tada kurti žodžius kitų žmonių melodijoms ir tik tada galėjo sukurti savo dainą. Melodijomis buvo laikomos garsių meisterdainininkų ir minnesingerių melodijos.

Išskirtinis XVI amžiaus Meistersinger Hansas Sachsas (1494-1576) buvo kilęs iš siuvėjo šeimos, tačiau jaunystėje paliko tėvų namus ir išvyko keliauti į Vokietiją. Klajonių metu jaunuolis išmoko batsiuvio amato, bet svarbiausia – susipažino su liaudies menu. Sachsas buvo gerai išsilavinęs, puikiai išmanė senovės ir viduramžių literatūrą, skaitė Bibliją vokišku vertimu. Jį giliai persmelkė reformacijos idėjos, todėl rašė ne tik pasaulietines, bet ir dvasines dainas (iš viso apie šešis tūkstančius dainų). Hansas Sachsas išgarsėjo ir kaip dramaturgas (žr. straipsnį „Renesanso teatro menas“).

Renesanso muzikos instrumentai. Renesanso laikais muzikos instrumentų kompozicija gerokai išsiplėtė, prie jau esamų styginių ir pučiamųjų atsirado naujos atmainos. Tarp jų ypatingą vietą užima smuikai – lenktinių stygų šeima, stebinanti savo grožiu ir skambesio kilnumu. Savo forma jie primena šiuolaikinės smuikų šeimos instrumentus (smuikas, altas, violončelė) ir netgi laikomi tiesioginiais jų pirmtakais (muzikinėje praktikoje kartu egzistavo iki XVIII a. vidurio). Tačiau skirtumas ir reikšmingas vis dar egzistuoja. Altai turi rezonuojančių stygų sistemą; kaip taisyklė, jų yra tiek pat, kiek ir pagrindinių (nuo šešių iki septynių). Dėl rezonuojančių stygų vibracijos altas skamba švelniai, aksomiškai, tačiau instrumentą sunku naudoti orkestre, nes dėl didelio stygų kiekio jis greitai išsiderina.

Ilgą laiką alto skambesys buvo laikomas muzikos rafinuotumo pavyzdžiu. Altų šeimoje yra trys pagrindiniai tipai. Viola da gamba – didelis instrumentas, kurį atlikėjas pastatė vertikaliai ir suspaudė iš šonų kojomis (itališkas žodis gamba reiškia „kelis“). Dar dvi atmainos – viola da braccio (iš italų braccio – „dilbis“) ir viol d „cupid“ (fr. Viole d“ amour – „meilės altas“) buvo orientuotos horizontaliai, o grojant buvo prispaustos prie peties. Viola da gamba skambesio diapazonu artima violončelei, viola da braccio – smuikui, o viol d „cupid – altui.

Tarp plėšiamųjų Renesanso instrumentų pagrindinę vietą užima liutnia (lenk. lutnia, iš arabų „alud“ – „medis“). Į Europą iš Artimųjų Rytų jis atkeliavo XIV amžiaus pabaigoje, o XVI amžiaus pradžioje buvo sukurtas didžiulis šio instrumento repertuaras; pirmiausia buvo atliekamos dainos, pritariant liutniui. Litnia turi trumpą korpusą; viršutinė dalis plokščia, o apatinė primena pusrutulį. Prie plataus kaklo pritvirtintas grifas, o instrumento galvutė atlenkta beveik stačiu kampu. Jei norite, galite pamatyti panašumą į dubenį, prisidengusį liutnia. Dvylika stygų sugrupuota poromis, o garsas išgaunamas ir pirštais, ir specialia plokštele – kirtikliu.

XV-XVI amžiuje atsirado įvairių tipų klaviatūros. Pagrindinės tokių instrumentų rūšys – klavesinas, klavikordas, klavesinas, klavesinas, mergelė – buvo aktyviai naudojami Renesanso epochos muzikoje, tačiau tikrasis jų klestėjimas atėjo vėliau.

Renesanso estetika siejama su grandiozine revoliucija, kuri šiuo metu vyksta visose visuomenės gyvenimo srityse: ekonomikoje, ideologijoje, kultūroje, moksle ir filosofijoje. Šiam laikui priklauso miesto kultūros klestėjimas, dideli geografiniai atradimai, nepaprastai praplėtę žmogaus akiratį, perėjimas nuo amato prie gamybos.

Revoliucinis gamybinių jėgų vystymasis, feodalinių dvarų ir parduotuvių santykių irimas, suvaržęs gamybą, vedantis į individo emancipaciją, sudaro sąlygas laisvam ir visuotiniam jo vystymuisi. Be abejonės, visa tai negalėjo nepaveikti pasaulėžiūros prigimties. Renesanso epochoje vyksta radikalus viduramžių požiūrio į pasaulį sistemos irimo bei naujos, humanistinės ideologijos formavimosi procesas. Šis procesas atsispindi ir muzikinėje estetikoje. Jau XIV amžius buvo kupinas naujos estetinės pasaulėžiūros pabudimo požymių. Ars nova menas ir estetika, Johno de Groheo ir Marchetto iš Padujos traktatai pamažu sugriovė tradicinę viduramžių muzikos teorijos sistemą. Čia buvo pakirstas teologinis požiūris į muziką, pagrįstas tam tikro nesuvokiamo dangiškosios muzikos pojūčio pripažinimu. Tačiau šimtmečių senumo viduramžių muzikos teorijos tradicija nebuvo visiškai sunaikinta. Prireikė dar šimtmečio, kol muzikinė estetika pagaliau išsivadavo iš ją sukausčiusių tradicinių rėmų.

Renesanso epochos muzikinė estetika interpretuojant muzikos paskirties klausimą remiasi realia praktika, pasižyminčia nepaprasta muzikos raida viešajame gyvenime. Tuo metu Italijos, Prancūzijos, Vokietijos miestuose susikūrė šimtai muzikinių būrelių, kuriuose jie entuziastingai mokosi kompozicijos ar groti įvairiais muzikos instrumentais. Muzikos turėjimas ir jos išmanymas tampa būtinais pasaulietinės kultūros ir pasaulietinio išsilavinimo elementais. Žymus italų rašytojas Baldazare Castiglione savo traktate „Apie dvariškį“ (1518) rašo, kad žmogus negali būti dvariškiu, „jeigu jis nėra muzikantas, nemoka skaityti muzikos iš akių ir nieko nemoka. apie įvairius instrumentus“. Apie nepaprastą muzikos paplitimą XVI amžiaus civiliniame gyvenime liudija to meto tapyba. Daugelyje paveikslų, vaizduojančių privatų aukštuomenės gyvenimą, nuolat sutinkame šimtus žmonių, užsiimančių muzika: dainuojančiais, grojančiais, šokančiais, improvizuojančiais ir kt.

Ankstyviausia Renesanso kultūra atsirado ir vystėsi Italijoje. Renesanso amžiai čia pasižymi galinga liaudies poezijos ir muzikos raida, o pagrindinį vaidmenį atlieka turtingiausios dainų kūrimo tradicijos tokiuose žanruose kaip lauda, ​​frottola ir vilanella. Kacchia tapo ne mažiau populiariu žanru kasdieniame miesto muzikos kūrime, dažniausiai demonstruodamas sultingą žanro sceną su vyraujančiomis intonacijomis tekste ir muzikoje – iki pat prekeivių ir pardavėjų šūksnių. Kacchia dažnai buvo lydima apskrito šokio. Itališka baladė taip pat yra plačiai paplitęs dainų ir šokių žodžių žanras, siejamas su solo ir choro atlikimu (tuo metu Prancūzijoje viirele žanras turėjo panašių bruožų). Liaudies dainų intonacijos, tam tikras melodinio principo svoris, faktūros išradingumas – šios pasaulietinės kasdieninės muzikos savybės skverbiasi ir į sakralinę muziką, iki pat polifoninių mišių.

Melodinis-melodingas muzikos pobūdis buvo siejamas su tuo, kad Italijoje greitai susiformavo solinio ir ansamblinio muzikavimo styginiais lankiniais instrumentais tradicijos. Apskritai platus instrumentinės muzikos paplitimas prisidėjo prie homofoninio sandėlio ir funkcinės harmonijos formavimo.

Prieš smuikui pasirodžius muzikiniuose Italijos sluoksniuose (XVI a. paskutinį ketvirtį) ir pradedant kurti Kremonos meistrų Amati, Stradivari, Guarneri ir kitų smuikų gamybą, liutnia (garsiausias kompozitorius-liuttininkas) yra Francesco Milano), altas, ispaniška gitara, theorba (didelė bosinė liutnia).

Smuiko įgūdis pirmiausia susiformavo B. Donati, L. Viadano, G. Giacomelli kūryboje (garsėjo ilgo lenkimo įgūdžiais ir legato technika). Naujas žingsnis smuiko atlikimo raidoje siejamas su C. Monteverdi kūryba, kuri kuria pasažo techniką, naudoja tremolo, pizzicato, praturtina dinamiką poliariniais kontrastais pp ir ff.

Didelis atgimimas buvo pastebėtas vargonų ir klavesino atlikimo srityje. Nuo 40-ųjų. XVI amžiuje staigiai padaugėjo vargonų kolekcijų, atsirado visa gausybė iškilių vargonininkų – Villaertas, Andrea ir Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Šie meistrai kloja italų vargonų meno pamatus ir kuria instrumentinės muzikos žanrus – richercar, canzona, toccata.

Klavesino atlikime plačiai naudojami kasdieniai šokiai, populiarių pasaulietinių dainų aranžuotės. Išskirtinis kompozitorius-improvizatorius vargonams ir klavierui buvo Girolamo Frescobaldi, kurio kūryboje pasirodė ištisi klavesino muzikos rinkiniai – šokių ciklai.

Italų komponavimo mokyklai atstovauja ir profesionalių kompozitorių polifonistų – Adriano Villaertos ir jo mokinių Cipriano de Rore, Andrea ir Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina – veikla. Jų kūrybinis palikimas įvairus ir daugiausia susideda iš vokalinių polifoninių kūrinių – dešimtys mišių, dvasinių ir pasaulietinių madrigalų, motetų, kuriuos daugiausia atliko a capella choras.

Galingas polifonijos vystymasis Nyderlanduose paaiškinamas liaudies polifonijos turtingumu ir specialių dainininkų mokyklų-bendrabučių (metriz) buvimu turtingų Nyderlandų miestų katedrose.

Olandų polifoninei mokyklai priklausė kelios kompozitorių kartos. Jų veikla vyko ne tik Nyderlanduose, kurie tuo metu apėmė šiuolaikinės Belgijos teritoriją, Liuksemburgą, Olandijos pietvakarius ir Prancūzijos šiaurę (iš čia ir kilo kitas mokyklos pavadinimas – prancūzų-flamandų). Pagrindiniai olandų mokyklos atstovai vaisingai dirbo Romoje (Dufay, Obrecht, Joskin) ir kituose miestuose (Villaertes, Rohr - Venecijoje, Isaac - Austrijoje ir Vokietijoje, Benšua - Dijone prie Burgundijos dvaro).

Olandų mokykla apibendrino šimtmečius trukusią polifonijos raidą visose Europos šalyse. Nors bažnytinė muzika neabejotinai užėmė pirmaujančią vietą šių meistrų kūryboje, jie to nedarė.

mažiau, kartu su dvasiniais kūriniais kompozitoriai parašė daug pasaulietinių daugiabalsių dainų, kuriose atsispindėjo Renesansui būdingas turtingas idėjų ir jausmų pasaulis.

Monumentaliausias olandų polifonistų kūrybos žanras buvo mišios, kuriose vyko griežtos polifonijos principų kvintesencija. Tačiau kiekvieno meistro veikloje atsiskleidžia naujoviški bruožai, susiję su ieškojimu peržengti nusistovėjusius išraiškingus kanonus. Pasikliovimas esama dainų ir šokių medžiaga, dvasinių ir pasaulietinių žanrų abipusė įtaka lemia laipsnišką melodinio balso atskyrimą polifonijoje, akordinio vertikalaus ir funkcinio mąstymo formavimąsi.

XVI amžiaus olandų polifonijos kulminacija buvo Orlando Lasso darbas. Būtent jo kūryboje buvo sutelkti plačiausi Renesanso žanriniai interesai: jis pagerbė beveik visas savo laikmečio vokalines formas – madrigalą, mišias, motetą, prancūzišką šansoną ir net vokišką daugiabalsę dainą. Kompozitoriaus kūriniai kupini gyvenimiškų vaizdų, turi ryškią melodiją, reljefinį įvairų ritmą, nuosekliai išplėtotą harmoninį planą, kas užtikrino jiems nepaprastą populiarumą (juos ne kartą naudojo kiti kompozitoriai liutnios ir vargonų aranžuotėms).

Renesanso krypčių raida ir prancūzų nacionalinės kultūros formavimasis buvo nubrėžtas jau XIV a. Žymūs ankstyvojo Renesanso meno atstovai prancūzų muzikoje buvo Philippe'as de Vitry ir Guillaume'as de Machaut, palikę puikų palikimą virel, le, rondo baladžių žanruose.

Giliai gyvenimiškas ir realistiškas buvo prancūzų muzikos menui būdingiausias šansono žanras – daugiabalsė dainos forma su pasaulietiniu tekstu ir dažniausiai liaudies melodijomis. Būtent šiame žanre nauji Renesanso bruožai ryškiausiai pasireiškė turinyje, siužete, raiškos priemonių bruožais.

XV–XVI amžių prancūziškas šansonas – savotiška to meto prancūzų gyvenimo būdo „enciklopedija“. Jo turinys įvairus ir gali būti pasakojamasis, lyriškas, intymus, liūdnas, komiškas, aprašomasis, galantiškas. Būdinga ir jų mastelių įvairovė – nuo ​​kelių matų iki 42 puslapių.

Ekspresyvių priemonių paprastumas ir betarpiškumas, periodinė struktūra su tam tikromis D ir T galūnėmis, solo technika, kurią vėliau ima visas ansamblis – tipiški žanro bruožai, kurių muzika kartais primena liaudies šokį. , lyrinė-epinė melodija ar žvali gatvės miesto daina – būsimojo vardo prototipas. Šansoninei muzikai būdingas ritminio pagrindo akcentavimas, kartais – eiliuota ar apskrita apvali forma, akompanimentui gali būti naudojami liaudies instrumentai.

Ryškiausias prancūzų renesanso kompozitorius buvo Clementas Jannekinas, kurio kūryboje atsispindėjo ir subtilūs meilės tekstai (dainose poeto Ronsardo tekstams), ir liūdesio bei sielvarto nuotaikų raiška, ir liaudiškos linksmybės, kupinos gyvenimas ir judėjimas. Jo palikimas ypač atkreipia dėmesį į dideles programines chorines fantastines dainas, kupinas išradingumo ir šmaikščių atradimų chorinės raštijos srityje. Juose Žanekenas spalvingai pavaizdavo savo laikmečio buitį ir kasdienybę. Žymiausi yra „Mūšis“, „Medžioklė“, „Paukščių giesmė“, „Paryžiaus gatvės šauksmai“.

Be daugiau nei 200 dainų, Janekenas parašė ir motetus, ir mišias. Bet katalikų kultui skirtos muzikos srityje drąsiai pasitelkia liaudies melodijas, į karinės muzikos fanfaras intonuoja dvasinius tekstus, supažindina su šokių ritmais.

Iš esmės toks liaudies dainų ir šokių medžiagos traktavimas buvo būdingas daugeliui Renesanso epochos kompozitorių, kurie savo kūryboje sujungė domėjimąsi dvasiniais ir pasaulietiniais žanrais, o tai lėmė galutinį pasaulietinės muzikos atsiskyrimą į meninės nepriklausomybės lauką. ir profesionalumas.

19 amžiuje istorikas Jules Michelet pirmą kartą panaudojo Renesanso sąvoką. Straipsnyje aptariami muzikantai ir kompozitoriai priklausė laikotarpiui, prasidėjusiam XIV amžiuje, kai viduramžių dominavimą bažnyčioje pakeitė pasaulietinė kultūra, domėjusia žmogaus asmenybe.

Renesanso muzika

Europos šalys skirtingais laikais įžengė į naują erą. Šiek tiek anksčiau jie atsirado Italijoje, tačiau muzikinėje kultūroje vyravo olandų mokykla, kur pirmą kartą katedrose buvo sukurtos specialios metrizos (prieglaudos) būsimiems kompozitoriams ruošti. Pagrindiniai to meto žanrai pateikti lentelėje:

Dauguma Renesanso Nyderlanduose yra Guillaume'as Dufay'us, Jacobas Obrechtas, Josquinas Despresas.

Puikūs olandai

Johanesas Okegemasįgijo išsilavinimą Notre Dame Metrise (Antverpenas), o XV a. 40-aisiais tapo kunigaikščio Karolio I (Prancūzija) dvaro choro choristu. Vėliau jis vadovavo karališkojo teismo koplyčiai. Sugyvenęs iki senatvės, jis paliko didžiulį palikimą visuose žanruose, įsitvirtinęs kaip išskirtinis polifonistas. Jo 13 mišių rankraščiai atkeliavo pas mus pavadinimu Chigi Codex, iš kurių vienam numatytas 8 balsai. Naudojo ne tik svetimas, bet ir savo melodijas.

Orlando Lasso gimė šiuolaikinės Belgijos (Monso) teritorijoje 1532 m. Jo muzikinis talentas pasireiškė ankstyvoje vaikystėje. Berniukas buvo pagrobtas iš namų tris kartus, kad taptų puikiu muzikantu. Visą savo suaugusiojo gyvenimą praleido Bavarijoje, kur koncertavo kaip tenoras kunigaikščio Albrechto V dvare, o paskui vadovavo koplyčiai. Labai profesionali komanda padėjo Miuncheną paversti Europos muzikiniu centru, kuriame lankėsi daug žinomų Renesanso epochos kompozitorių.

Pas jį studijuoti atvyko tokie talentai kaip Johannas Eckardas, Leonardas Lechneris, italas D. Gabrieli. . Paskutinį kartą jis rado prieglobstį 1594 m. Miuncheno bažnyčios teritorijoje, palikdamas didžiulį palikimą: daugiau nei 750 motetų, 60 mišių ir šimtus dainų, tarp kurių populiariausia buvo Susanne un jour. Jo motetai („Sibilų pranašystės“) išsiskyrė naujovėmis, tačiau garsėjo ir pasaulietine muzika, kurioje buvo daug humoro (Vilanella O bella fusa).

italų mokykla

Iškilūs renesanso kompozitoriai iš Italijos, be tradicinių krypčių, aktyviai plėtojo instrumentinę muziką (vargonai, styginiai styginiai instrumentai, klaveris). Liūta tapo plačiausiai paplitusiu instrumentu, o XV amžiaus pabaigoje atsirado klavesinas – fortepijono pirmtakas. Liaudies muzikos elementų pagrindu susiformavo dvi įtakingiausios komponavimo mokyklos: romėnų (Džovanis Palestrina) ir Venecijos (Andrea Gabrieli).

Džovanis Pierluigis paėmė vardą Palestrina pavadinimu miestelis netoli Romos, kur gimė ir tarnavo pagrindinėje bažnyčioje chorvedžiu ir vargonininku. Jo gimimo data labai apytikslė, tačiau jis mirė 1594 m. Per savo ilgą gyvenimą parašė apie 100 mišių ir 200 motetų. Jo popiežiaus Marcelio mišios sukėlė popiežiaus Pijaus IV susižavėjimą ir tapo katalikiškos sakralinės muzikos pavyzdžiu. Giovanni yra ryškiausias vokalinio dainavimo be muzikinio akompanimento atstovas.

Andrea Gabrieli Kartu su mokiniu ir sūnėnu Giovanni dirbo Šv. Morkaus koplyčioje (XVI a.), vargonų ir kitų instrumentų skambesiu „piešė“ choro dainavimą. Venecijos mokykla labiau krypo į pasaulietinę muziką, o kai Andrea Gabrieli teatro scenoje pastatė Sofoklio „Oidipą“, buvo parašyta chorinė muzika – chorinės polifonijos pavyzdys ir operos ateities pranašas.

Vokiečių mokyklos bruožai

Vokietijos žemė pažengusi į priekį Liudvikas Senfl, geriausias XVI amžiaus polifonistas, kuris vis dėlto nepasiekė olandų meistrų lygio. Poetų-dainininkų dainos iš amatininkų (meistersingers) taip pat yra ypatinga Renesanso epochos muzika. Vokiečių kompozitoriai atstovavo dainuojančias korporacijas: skardininkus, batsiuvius, audėjos. Jie susivienijo visoje teritorijoje. Puikus Niurnbergo dainavimo mokyklos atstovas buvo Hansas Sachsas(gyvenimo metai: 1494-1576).

Gimęs siuvėjo šeimoje, visą gyvenimą dirbo batsiuviu, stebino erudicija ir muzikiniais bei literatūriniais pomėgiais. Jis skaitė Bibliją taip, kaip aiškino didysis reformatorius Liuteris, pažinojo senovės poetus ir vertino Boccaccio. Kaip liaudies muzikantas, Sachsas neįvaldė polifonijos formų, o kūrė dainų sandėlio melodijas. Jie buvo artimi šokiui, lengvai įsimenami ir turėjo tam tikrą ritmą. Garsiausias kūrinys buvo „Sidabrinė melodija“.

Renesansas: Prancūzijos muzikantai ir kompozitoriai

Prancūzijos muzikinė kultūra iš tikrųjų pajuto renesansą tik XVI amžiuje, kai šalyje buvo paruošta socialinė dirva.

Vienas geriausių atstovų yra Klemensas Žanekenas... Yra žinoma, kad jis gimė Chatellerault mieste (XV a. pabaigoje) ir iš berniuko dainininko tapo asmeniniu karaliaus kompozitoriumi. Iš jo kūrybinio palikimo išliko tik Attenjano išleistos pasaulietinės dainos. Jų yra 260, tačiau tikros šlovės susilaukė tie, kurie išlaikė laiko išbandymą: „Paukščių giesmė“, „Medžioklė“, „Skyla“, „Karas“, „Paryžiaus riksmai“. Juos nuolat perspausdindavo ir kiti autoriai naudojo taisymui.

Jo dainos buvo polifoninės ir panašios į chorines scenas, kuriose, be onomatopoejos ir kantiško balso vedimo, buvo ir šūksnių, kurie nulėmė kūrinio dinamiką. Tai buvo drąsus bandymas rasti naujų vaizdinių būdų.

Įžymūs prancūzų kompozitoriai yra Guillaume'as Cotlet, Jacques'as Mauduy'us, Jeanas Baifas, Claude'as Lejeune'as, Claude'as Gudimelis , suteikė muzikai darnią struktūrą, kuri prisidėjo prie plačiosios visuomenės muzikos įsisavinimo.

Renesanso kompozitoriai: Anglija

Kūrinių įtaka Anglijoje buvo XV a Džonas Dubstale'as ir XVI - Williamas Byrdas... Abu meistrai traukė į sakralinę muziką. Birdas pradėjo vargonininku Linkolno katedroje, o karjerą baigė Londono karališkojoje koplyčioje. Pirmą kartą jam pavyko susieti muziką ir verslumą. 1575 m., bendradarbiaudamas su Tallis, kompozitorius tapo muzikos kūrinių leidybos monopoliu, kuris jam nedavė pelno. Tačiau daug laiko užtruko apginti savo nuosavybės teises teismuose. Po mirties (1623 m.) oficialiuose koplyčios dokumentuose jis buvo vadinamas „muzikos protėviu“.

Ką paliko Renesansas? Byrdas, be išleistų rinkinių (Cantiones Sacrae, Gradualia), išsaugojo daug rankraščių, laikydamas juos tinkamu tik namų garbinimui. Vėliau išleisti madrigalai (Musica Transalpina) rodė didelę italų autorių įtaką, tačiau keletas mišių ir motetų pateko į sakralinės muzikos aukso fondą.

Ispanija: Cristobal de Morales

Per Vatikaną praėjo geriausi ispanų muzikos mokyklos atstovai, kalbėdami popiežiaus koplyčioje. Jie jautė olandų ir italų autorių įtaką, todėl tik nedaugeliui pavyko išgarsėti už savo šalies ribų. Renesanso kompozitoriai iš Ispanijos buvo polifonistai, kūrę chorinius kūrinius. Ryškiausias atstovas yra Kristobalas de Moralesas(XVI a.), kuris vadovavo metrisai Tolede ir parengė ne vieną mokinį. Josquino Despreso pasekėjas Cristobalas daugelyje kompozicijų, vadinamų homofoninėmis, pristatė specialią techniką.

Žymiausi yra du autoriaus rekviem (paskutinis penkiems balsams), taip pat Ginkluoto žmogaus mišios. Jis taip pat parašė pasaulietinių kūrinių (kantatą taikos sutarties sudarymo 1538 m. garbei), tačiau tai galioja ir ankstesniems jo darbams. Savo gyvenimo pabaigoje vadovavo koplyčiai Malagoje, jis liko sakralinės muzikos autoriumi.

Vietoj išvados

Renesanso kompozitoriai ir jų kūryba paruošė XVII amžiaus instrumentinės muzikos klestėjimą ir naujo žanro – operos atsiradimą, kur daugelio balsų įmantrumą keičia pagrindinės melodijos vedančiojo pirmenybė. Jie padarė tikrą proveržį muzikinės kultūros raidoje ir padėjo pagrindus šiuolaikiniam menui.

Ryškiausias reiškinys buvo tuo metu plačiai paplitę pasaulietiniai vokaliniai žanrai, persmelkti humanistinių krypčių dvasia. Ypatingą vaidmenį jų raidoje suvaidino muzikos meno profesionalizavimas: augo muzikantų meistriškumas, kūrėsi dainavimo mokyklos, kuriose nuo mažens buvo mokoma dainavimo, vargonavimo, muzikos teorijos. Visa tai paskatino patvirtinti griežto stiliaus polifoniją, reikalaujančią aukšto meistriškumo, profesionalaus kompozicijos ir atlikimo technikos įvaldymo. Šio stiliaus rėmuose veikia gana griežtos balso vedimo ir ritminės organizavimo taisyklės, išlaikant maksimalų balsų savarankiškumą. Nors bažnytinė muzika užėmė svarbią vietą griežtojo stiliaus meistrų kūryboje, kartu su kūriniais apie dvasinius tekstus, šie kompozitoriai parašė daug pasaulietinių daugiabalsių dainų. Ypač domina muzikiniai ir poetiniai pasaulietinių vokalinių žanrų įvaizdžiai. Tekstai išsiskiria turinio gyvumu ir aktualumu. Be meilės lyrikos, itin populiarūs buvo satyriniai, lengvabūdiški, ditirambiški tekstai, kurie buvo derinami su puikia profesionalia polifoninio rašymo technika. Štai keletas prancūziško šansono tekstų, kurie yra kasdienės poezijos pavyzdys "Kelkis, miela Kolinette, laikas išgerti; juoko ir malonumo aš siekiu. Tegul visi pasiduoda džiaugsmui. Atėjo pavasaris... .“, „Tebūna prakeiktas turtas, jis atėmė Aš turiu savo draugą: aš paėmiau jos meilę, o kita - turtus, nuoširdi meilė meilės reikaluose mažai verta“.

Renesanso kultūra pirmiausia pasirodė Italijoje, o vėliau ir kitose šalyse. Istorija išsaugojo žinių apie dažnus žymių muzikantų judėjimus iš šalies į šalį, apie jų darbą vienoje ar kitoje koplyčioje, apie dažną skirtingų tautybių atstovų bendravimą ir kt.. Todėl Renesanso laikotarpio muzikoje pastebime reikšmingas ryšys tarp skirtingų tautinių mokyklų kompozitorių sukurtų kūrinių.

XVI amžius dažnai vadinamas „šokių amžiumi“. Italų renesanso humanistinių idealų įtakoje bažnytinių draudimų užtvanka galutinai buvo pralaužta, o potraukis „pasauliniams“, žemiškiems džiaugsmams atsiskleidė kaip neregėtas šokio ir dainos elementų sprogimas. Galingas dainos ir šokio populiarinimo veiksnys XVI a. suvaidino muzikos spausdinimo metodų išradimas: dideliais tiražais leidžiami šokiai ėmė klajoti iš vienos šalies į kitą. Kiekviena tauta prisidėjo prie bendro pomėgio, todėl šokiai, atitrūkdami nuo gimtosios žemės, keliavo po žemyną, keisdami išvaizdą, o kartais ir pavadinimą. Jų mada greitai plito ir greitai keitėsi.

Tuo pat metu Renesansas buvo plačių religinių judėjimų metas (husitai Bohemijoje, liuteronybė Vokietijoje, kalvinizmas Prancūzijoje). Visas šias įvairias to meto religinių judėjimų apraiškas gali vienyti bendra protestantizmo samprata. Protestantizmas įvairiuose tautiniuose judėjimuose vaidino svarbų vaidmenį kuriant ir stiprinant bendras tautų muzikines kultūras, be to, daugiausia liaudies muzikos srityje. Skirtingai nuo humanizmo, kuris apėmė gana siaurą žmonių ratą, protestantizmas buvo masiškesnė kryptis, plintanti tarp plačių žmonių sluoksnių. Vienas ryškiausių Renesanso epochos muzikos meno reiškinių yra protestantų giesmė. Atsirado Vokietijoje reformacijos judėjimo įtakoje, priešingai nei katalikų garbinimo atributai, pasižymėjo ypatingu emociniu ir semantiniu turiniu. Liuteris ir kiti protestantizmo atstovai didelę reikšmę teikė muzikai: "Muzika džiugina žmones, pamiršta pyktį. Pašalina pasitikėjimą savimi ir kitus trūkumus... Jaunimą reikia nuolat mokyti muzikos, nes ji ugdo gudrius, visiems tinkamus žmones. “. Taigi muzika Reformacijos sąjūdyje buvo laikoma ne prabanga, o savotiška „kasdienine duona“ – ji buvo raginama atlikti didelį vaidmenį protestantizmo propagandoje ir plačiųjų masių dvasinės sąmonės formavime.

ŽANRAS:

Vokaliniai žanrai

Visa era kaip visuma pasižymi ryškiu vokalinių žanrų, o ypač vokalo, vyravimu. polifonija... Neįprastai sudėtingas griežto stiliaus polifonijos įvaldymas, tikras moksliškumas, virtuoziška technika sugyveno su ryškiu ir gaiviu kasdienės sklaidos menu. Instrumentinė muzika įgauna tam tikrą savarankiškumą, tačiau jos tiesioginė priklausomybė nuo vokalinių formų ir kasdienių šaltinių (šokio, dainos) bus įveikta tik kiek vėliau. Pagrindiniai muzikos žanrai išlieka susiję su žodiniu tekstu. Renesanso humanizmo esmė atsispindėjo Frottol ir Vilanell stilių chorinių dainų kūrime.
Šokių žanrai

Renesanso laikais kasdienis šokis įgijo didelę reikšmę. Italijoje, Prancūzijoje, Anglijoje, Ispanijoje atsiranda daug naujų šokio formų. Įvairūs visuomenės sluoksniai turi savo šokius, lavina jų atlikimo manierą, elgesio taisykles per balius, vakarus, šventes. Renesanso šokiai yra sudėtingesni už paprastus vėlyvųjų viduramžių prakeiksmus. Šokius su apvaliu šokiu ir linijinio rango kompozicija keičia poriniai (duetiniai) šokiai, sukurti sudėtingais judesiais ir figūromis.
Volta – italų kilmės porinis šokis. Jo pavadinimas kilęs iš italų kalbos žodžio voltare, kuris reiškia „pasukti“. Dydis trijų taktų, tempas vidutiniškai greitas. Pagrindinis šokio raštas – džentelmenas vikriai ir staigiai apverčia su juo šokančią damą ore. Šis lipimas paprastai daromas labai aukštai. Tai reikalauja iš džentelmeno didelės jėgos ir miklumo, nes, nepaisant judesių aštrumo ir tam tikro veržlumo, kėlimas turi būti atliktas aiškiai ir gražiai.
Galliard – senas italų kilmės šokis, paplitęs Italijoje, Anglijoje, Prancūzijoje, Ispanijoje, Vokietijoje. Ankstyvųjų galliardų tempas vidutiniškai greitas, dydis – trijų taktų. „Galliarda“ dažnai buvo atliekama po pavanos, su kuria kartais buvo temiškai susieta. Galiardai XVI a išlaikoma melodingoje-harmoninėje tekstūroje su melodija viršutiniame balse. Galliard melodijos buvo populiarios tarp plačių Prancūzijos visuomenės sluoksnių. Serenadų metu Orleano studentai liutniomis ir gitaromis grojo galliardines melodijas. Kaip ir varpelis, galliardas turėjo savotiško šokio dialogo charakterį. Kavalierius judėjo per salę su savo ponia. Kai vyras atliko solo, dama liko vietoje. Vyrų solą sudarė įvairūs sudėtingi judesiai. Po to jis vėl priėjo prie ponios ir tęsė šokį.
Pavana - šoninis XVI-XVII amžiaus šokis. Tempas vidutiniškai lėtas, 4/4 arba 2/4 ritmo. Įvairūs šaltiniai nesutaria dėl jo kilmės (Italija, Ispanija, Prancūzija). Populiariausias variantas – ispaniškas šokis, imituojantis povo, vaikštančio gražiai slenkančia uodega, judesius. Buvo arti boso šokio. Skambant pavanų muzikai, vyko įvairios iškilmingos procesijos: valdžios įėjimas į miestą, kilmingos nuotakos išlydėjimas į bažnyčią. Prancūzijoje ir Italijoje pavana yra žinoma kaip teismo šokis. Iškilmingas pavanos pobūdis leido dvaro visuomenei spindėti malone ir malone savo manierose ir judesiuose. Žmonės ir buržuazija šio šokio nešoko. Pavane, kaip ir menuetas, buvo atliktas griežtai pagal rangą. Karalius ir karalienė pradėjo šokį, tada į šokį įžengė dofinas ir kilminga ponia, tada princai ir kt. Kavalieriai atliko pavaną su kardu ir drapanais. Moterys buvo pasipuošusios iškilmingomis suknelėmis su sunkiomis ilgomis tranšėjomis, kurias reikėjo meistriškai vedžioti judesių metu, nepakeliant jų nuo grindų. Trankos judėjimas padarė judesius gražius, suteikdamas pavanei puošnumo ir iškilmingumo. Karalienei damų palydovės vežė traukinį. Prieš prasidedant šokiui, jis turėjo apeiti salę. Pasibaigus šokiui, poros vėl vaikštinėjo po salę nusilenkusios ir pasilenkusios. Tačiau prieš užsidėdamas kepurę, džentelmenas turėjo uždėti dešinę ranką damai ant peties, kaire ranka (laikydamas skrybėlę) ant juosmens ir pabučiuoti į skruostą. Šokio metu damos akys buvo nuleistos; tik karts nuo karto pažiūrėdavo į savo gražuolę. Pavana ilgiausiai buvo saugoma Anglijoje, kur buvo labai populiari.
Allemande - lėtas vokiečių kilmės šokis 4 taktais. Jis priklauso masiniams „žemiems“, be šuolių šokiams. Atlikėjai viena po kitos tapo poromis. Porų skaičius nebuvo ribojamas. Ponas laikė ponios rankas. Kolona judėjo aplink salę, o pasiekę pabaigą dalyviai apsisuko vietoje (neatskirdami rankų) ir tęsė šokį priešinga kryptimi.
Courant - italų kilmės teismų šokis. Skambutis buvo paprastas ir sudėtingas. Pirmąjį sudarė paprasti obliavimo žingsniai, daugiausia atliekami į priekį. Sudėtingas varpelis buvo pantomiminio pobūdžio: trys džentelmenai pakvietė tris damas dalyvauti šokyje. Ponios buvo nuvestos į priešingą salės kampą ir pakviestos šokti. Ponios atsisakė. Ponai, gavę atsisakymą, išėjo, bet vėl grįžo ir atsiklaupė prieš damas. Tik po pantomimos scenos prasidėjo šokis. Yra skirtumų tarp italų ir prancūzų tipų varpelių. Itališkas varpelis – tai gyvas 3/4 ar 3/8 metrų šokis paprastu ritmu melodingoje-harmoniškoje tekstūroje. Prancūzų – iškilmingas šokis („dance of way“), sklandi, išdidi procesija. 3/2 dydžio, vidutinio tempo, gerai išvystyta polifoninė tekstūra.
Sarabandė – populiarus XVI – XVII amžių šokis. Kilęs iš ispanų moteriško šokio su kastanetėmis. Iš pradžių jį lydėjo dainavimas. Garsus choreografas ir mokytojas Carlo Blazis viename iš savo kūrinių trumpai apibūdina sarabandą: "Šiame šokyje kiekvienas pasirenka damą, kuriai nėra abejingas. Muzika duoda ženklą, o du įsimylėjėliai atlieka šokį, kilnus išmatuota, tačiau šio šokio svarba nė kiek netrukdo malonumui, o kuklumas suteikia dar daugiau grakštumo, visų akimis malonu sekti šokėjus, atliekančius įvairias figūras, judesiais išreiškiančius visas meilės fazes. Iš pradžių sarabandos tempas buvo vidutiniškai greitas, vėliau (nuo XVII a.) atsirado lėta prancūziška sarabanda su būdingu ritminiu raštu: ...... Savo tėvynėje sarabanda 1630 m. pateko į nepadorių šokių kategoriją. buvo uždraustas Kastilijos tarybos.
Gigue - anglų kilmės šokis, greičiausias, trynukas, virstantis trijuliu. Iš pradžių gigas buvo porinis šokis, tačiau tarp jūreivių paplito kaip solo, labai greitas komiško personažo šokis. Vėliau jis pasirodė instrumentinėje muzikoje kaip paskutinė senos šokių siuitos dalis.

Renesansas, arba Renesansas – Vakarų ir Vidurio Europos kultūros istorijos laikotarpis, apimantis maždaug XIV-XVI a. Šis laikotarpis gavo savo pavadinimą dėl susidomėjimo senovės menu, kuris tapo idealu naujosios eros kultūros veikėjams, atgimimui. Kompozitoriai ir muzikos teoretikai – J. Tinctoris, J. Tsarlino ir kiti – studijavo senovės graikų muzikos traktatus; Josquino Despreso, kuris buvo lyginamas su Mikelandželu, darbuose, anot jo amžininkų, „atgijo prarastas senovės graikų muzikos tobulumas:“, pasirodžiusioje XVI amžiaus pabaigoje ir XVII amžiaus pradžioje. operoje buvo vadovaujamasi antikinės dramos dėsniais.

Muzikos teorijos pamokos. Iš raižinio XVI a.

J. P. Palestrina.

Renesanso kultūros raida siejama su visų visuomenės aspektų iškilimu. Gimė nauja pasaulėžiūra – humanizmas (iš lot. humanus – „žmogus“). Kūrybinių jėgų emancipacija paskatino sparčią mokslo, prekybos, amatų plėtrą, ekonomikoje susiformavo nauji, kapitalistiniai santykiai. Spausdinimo išradimas padėjo skleisti švietimą. Didieji geografiniai atradimai ir N. Koperniko pasaulio heliocentrinė sistema pakeitė Žemės ir Visatos idėją.

Vaizduojamasis menas, architektūra ir literatūra pasiekė precedento neturintį klestėjimą. Naujas požiūris atsispindėjo muzikoje ir pakeitė jos išvaizdą. Pamažu nukrypstama nuo viduramžių kanono normų, stilius individualizuojamas, pirmą kartą atsiranda pati „kompozitoriaus“ sąvoka. Keičiasi kūrinių faktūra, balsų skaičius išauga iki keturių, šešių ir daugiau (pvz., žinomas 36 balsų kanonas, priskiriamas didžiausiam olandų mokyklos atstovui J. Okegemui). Harmonėje dominuoja priebalsiai, disonansų vartojimas griežtai ribojamas specialiomis taisyklėmis (žr. Sąskambis ir disonansas). Susiformuoja vėlesnei muzikai būdingas mažorinis ir minorinis režimai bei taktų ritmo sistema.

Visomis šiomis naujomis priemonėmis kompozitoriai perteikė ypatingą Renesanso epochos žmogaus jausmų struktūrą – didingą, harmoningą, ramų ir didingą. Suartėja teksto ir muzikos ryšys, muzika pradeda perteikti nuotaiką arba, kaip anuomet sakė, teksto afektus, atskirus žodžius dažnai iliustruoja specialiomis muzikinėmis priemonėmis, tokiomis kaip „gyvenimas“, „mirtis“. “, „meilė“ ir kt.

Renesanso muzika vystėsi dviem kryptimis – bažnytine ir pasaulietine. Pagrindiniai bažnytinės muzikos žanrai – mišios ir motetas – yra daugiabalsiai daugiabalsiai kūriniai chorui, be akompanimento arba akompanuojant instrumentiniam ansambliui (žr. Choralinė muzika, Polifonija). Iš instrumentų pirmenybė buvo teikiama vargonams.

Pasaulietinės muzikos raidą skatino mėgėjiškos muzikavimo augimas. Muzika skambėjo visur: gatvėse, miestiečių namuose, kilmingų didikų rūmuose. Pirmieji virtuoziški koncertų atlikėjai pasirodė skambant liutnia, klavesinu, vargonais, altu, įvairių rūšių išilginėmis fleitomis. Polifoninėse dainose (madrigale – Italijoje, šansonas – Prancūzijoje) kompozitoriai kalbėjo apie meilę, apie viską, kas nutinka gyvenime. Štai kai kurių dainų pavadinimai: „Elnių medžioklė“, „Aidas“, „Marinjano mūšis“.

XV-XVI a. išauga šokio meno svarba, atsiranda daugybė choreografijos traktatų ir praktinių žinynų, šokių muzikos rinkiniai, kuriuose yra populiarūs to meto šokiai - boso šokis, branle, pavana, galliard.

Renesanso laikais kūrėsi tautinės muzikos mokyklos. Didžiausia iš jų – olandų (prancūzų-flamandų) polifoninė mokykla. Jos atstovai G. Dufay, K. Jannequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Kitos nacionalinės mokyklos yra italų (J.P. Palestrina), ispanų (T.L. de Victoria), anglų (W. Bird), vokiečių (L. Zenfl).

Renesanso epocha baigiasi naujų muzikos žanrų atsiradimu: solo daina, oratorija, opera, kurių tikrasis sužydėjimas ateina kitame amžiuje (žr. XVII–XX a. Vakarų Europos muziką).

Renesanso muzika

1.Muzika skambėjo visur: gatvėse ir aikštėse, miestiečių namuose, kilmingų kunigų ir karalių rūmuose. Muzika kartu su gramatika, retorika ir poezija buvo įtraukta į vadinamuosius „žmogaus mokslus“.

Pirmaujančias pozicijas vis dar užėmė sakralinė muzika, skambanti per pamaldas.

Pamažu ima skverbtis bažnytinių kompozitorių kūryba pasaulietines tendencijas... Į daugiabalsį bažnytinių giesmių audinį drąsiai įvedamos visai nereliginio turinio liaudies dainų temos. Tačiau dabar tai neprieštaravo bendrai epochos dvasiai ir nuotaikai. Priešingai, muzikoje dieviškasis ir žmogiškasis buvo nuostabiai sujungti.

2. Didžiausią žydėjimą sakralinė muzika pasiekė XV amžiuje. Nyderlanduose.

Čia muzika buvo gerbiama labiau nei kitos meno rūšys. Olandų ir flamandų kompozitoriai pirmieji sukūrė naujas taisykles polifoninis (polifoninis) atlikimas – klasika „griežtas stilius“.

Svarbiausia olandų meistrų kompozicinė technika buvo imitacija - tos pačios melodijos kartojimas skirtingais balsais. Pagrindinis balsas buvo tenoras, kuriam buvo patikėta pagrindinė pasikartojanti melodija.

3. Renesansas buvo pradžia profesionalaus kompozitoriaus kūryba

olandų muzika Orlando Lasso(1532-1594), jungia improvizaciją ir nepriekaištingą logiką.

Į mėgstamą moteto žanrą jis įdiegė daug naujoviškų technikų.

Jam priklauso bandymas įvaldyti žanras aistros. Lasso sukūrė aistras visoms keturioms evangelijoms. Jose nebuvo solinio dainavimo, o penkių balsų choras atvėrė kelią į operos meno žanrą. Vienas iš kompozitoriaus muzikinių šedevrų buvo daina „Aidas.

4. Giovanni Pierluigi Palestrina(1525-1594)

Jis vadinamas paskutiniu didžiuoju polifonistu. Jis dirbo Šv. Petro katedroje Romoje ir buvo oficialus popiežiaus kompozitorius. Jo menas neturi jausmingų aistrų, pilnas harmonijos ir grožio.

Jis – ryškiausias klasikinės muzikos mokyklos atstovas Italijoje.

Jo palikime yra daug sakralinės ir pasaulietinės muzikos kūrinių: 93 mišios, 326 giesmės ir motetai.

5.Į Vokietija buvo aktualūs sakralinės muzikos kūriniai gimtąja kalba. Pats Martynas Liuteris rašė choralus visai religinei bendruomenei. Jų paprastos melodijos išpopuliarėjo tarp žmonių, o profesionalūs kompozitoriai vėliau sukūrė polifonines aranžuotes. (J.S.Bachas)

Taip pat buvo populiarūs polifoninės miniatiūros žanrai:

dirigentas, motetas.

Jie galėjo įvesti tekstus savo gimtąja kalba.

Chorinis dainavimas buvo populiariausia muzikavimo forma.

6. Pradėjo atsirasti pasaulietiniai choro žanrai:

Balatas a(šokių daina)

Chansonas (daugiabalsė daina)

ir italų madrigalas.

7. Populiariausiu pasaulietinės muzikos žanru tapo madrigalai(ital. madrigale – daina gimtąja kalba) – daugiabalsės chorinės kompozicijos, parašytos meilės turinio lyrinės poemos tekstu.

Dažniausiai šiam tikslui buvo naudojami garsių meistrų eilėraščiai: Dante, Francesco Petrarca ir Torquato Tasso. Madrigalus atliko ne profesionalūs dainininkai, o visas mėgėjų ansamblis, kur kiekvienai partijai vadovavo po vieną dainininką. Pagrindinė madrigalo nuotaika – liūdesys, ilgesys ir liūdesys, tačiau buvo ir džiugių, gyvų kompozicijų.

Madrigalas gyveno 1520–1620 m. Madrigalo idėja Renesansui buvo revoliucinė. iškėlė užduotį poetinį tekstą paversti muzika. Štai kodėl madrigalas sąlyginai galima vadinti XVI amžiaus romansu.

8. Ne mažiau populiarus buvo pasaulietinės muzikos žanras daina lydimas muzikos instrumentų. Skirtingai nuo bažnyčioje grojamos muzikos, dainas atlikti buvo gana paprasta. Jų rimuotas tekstas buvo aiškiai suskirstytas į 4-6 eilučių posmus. Dainose, kaip ir madrigaluose, tekstas įgavo didelę reikšmę. Atliekant, poetinės eilutės neturėtų pasiklysti daugiabalsiame dainavime.

Ypač išgarsėjo prancūzų kompozitoriaus Clemento Janequino (1485-1558), išgarsėjusio gebėjimu muzikoje atkurti gyvosios gamtos balsus, dainos.

9.XVI amžiaus antroje pusėje audringa instrumentalizmo raida... Plečiasi styginių ir pučiamųjų instrumentų šeimos, plečiasi jų asortimentas, plinta pasaulietinė ir buitinė muzikavimas

Pasirodyti nauji instrumentiniai žanrai:

preliudija ( prieš žaidimą) – įžanginė dalis

turtingesnis automobilis (puikus kūrinys) - polifoninis raštas,

kanzona (daina be žodžių) – fugos pirmtakas.

10 ... Reikia viešo muzikos atlikimo.

Kuriamas koncertas.

Pirmą kartą pasirodo Londone – mokama, o Venecijoje – subsidijuojama miesto magistrato.

Renesanso epocha baigiasi naujų muzikos žanrų atsiradimu: solo daina, oratorija ir opera.

Jei anksčiau šventykla buvo muzikinės kultūros centras, tai nuo to laiko muzika pradėjo skambėti operos teatre.

Buvo skatinama muzikos raida muzikos spausdinimo išradimas.