Riesame della metodologia di apprendimento iniziale a suonare lo strumento. Metodologia per insegnare ai bambini a suonare strumenti musicali

Piano - sinossi

lezione di strumento speciale - fisarmonica a bottoni

Tema: Formazione di competenze in ingegneria meccanica nella fase iniziale della formazione nella classe di fisarmonica.

Tipo di lezione: assimilazione di nuove conoscenze.

Lo scopo della lezione: formare le abilità di conduzione della pelliccia nella fase iniziale dell'apprendimento a suonare la fisarmonica a bottoni con la loro applicazione pratica in materiale artistico.

Obiettivi della lezione:

Insegnare a comprendere i semplici schemi della corsa in pelliccia;

Padroneggiare i tipi base di movimento della pelliccia su materiale musicale (anche movimento, accelerazione e decelerazione del movimento della pelliccia);

Sviluppare il controllo uditivo, l'attività creativa dello studente attraverso varie attività;

Favorire un forte interesse e bisogno di performance musicali.

Tipo di lezione: lezione basata sul metodo dell'approccio sistema-attività.

Tecnologie educative:

Orientato alla persona;

Tecnologie evolutive di apprendimento basate sui problemi;

Tecnologia di gioco;

Tecnologie dell'informazione e della comunicazione;

Risparmiare salute.

Metodi: conversazione, confronto figurativo, metodo dialogico, metodo d'insieme, dimostrazione pratica su uno strumento, metodo problematico, dimostrativo e illustrativo (chiarezza sonora e visiva).

Mezzi di educazione: complesso interattivo; video di presentazione della lezione; libri di testo: G.I. "L'ABC del piccolo bayanista" di Krylov (parte 1), "L'ABC del piccolo bayanista" (parte 2), A.F. Denisov, V.V. Ugrinovich "Bayan", riproduzione del dipinto di Shishkin "Tre orsi").

Struttura della lezione

io... Fase organizzativa.(2 minuti)

1. Saluto musicale.

2. Audizione: "I giocattoli stanchi dormono" di A. Ostrovsky (illustrato da un insegnante).

II(3 minuti)

Conversazione, annuncio dell'argomento della lezione.

III... Aggiornamento delle conoscenze (5-7 min.)

1. Conversazione sul materiale trattato mediante diapositive.

2.Lettura a prima vista orale

IV... Assimilazione primaria di nuove conoscenze (20 min.)

1. Studio degli schemi base e dei tipi di movimento della pelliccia.

2. Un gioco di esercizi "Brezza calma", "Tempesta", "Respirazione calma" con una valvola dell'aria.

3. Riproduci l'esercizio "Tre orsi" sulla tastiera sinistra.

V... Controllo di comprensione iniziale (5 min).

Canzoni gioco:

Canzone per bambini "Fiordaliso"

R.n.p. “Come sotto una collina, sotto una montagna”;

Audizione: L. Knipper "Polyushko-field", breve analisi comparativa.

VI.Ancoraggio iniziale (7min.)

1. Gioco "Immagini sonore".

2. Esecuzione di brani musicali nell'ensemble: E. Tilicheeva "Blue Sky", canzone per bambini "Mashenka-Masha".

7. Informazioni su compiti, istruzione (2 min.)

1. Disegna un'immagine grafica di suoni su carta e suoni da qualsiasi tasto: "Corda forte", "Corda spessa e pesante della nave", "L'aereo è volato via".

8. Riflessione. (1 minuto.)

Analisi delle attività della lezione.

La connessione delle conoscenze acquisite nella lezione con la vita

La conclusione dello studente sul significato della lezione nella sua vita.

Marcatura per lavoro.

Durante le lezioni

io... Fase organizzativa. (2 minuti)

1. Saluto musicale

“Ora inizierà la lezione di musica,

Ce lo ha raccontato una telefonata divertente,

Ha detto, esplodendo su una nota alta,

Congratulazioni per l'inizio della lezione!"

E così la nostra lezione su uno strumento speciale - la fisarmonica a bottoni, inizieremo con il suono della musica.

Per favore, mettetevi comodi sulla vostra sedia. Ti consiglio di ascoltare la canzone. Viene riprodotta la canzone di A. Ostrovsky "I giocattoli stanchi dormono". ( Eseguito dall'insegnante). ………………………………. Scivolo (1)

II... Motivazione, impostazione dell'obiettivo della lezione.(3 minuti)

Bella musica? E, probabilmente, un amico? ( sì).

Dove potresti sentirla? ( La mamma cantava, in TV).

Dopo aver ascoltato questa canzone, cosa puoi dire del suo personaggio? ( Calmo, melodioso, morbido)

Destra. E il movimento della pelliccia sulla fisarmonica a bottoni ci aiuta a trasmettere questo carattere di questa canzone. Ma come? Quindi ora dobbiamo risolverlo con te. Nei tempi antichi, un uomo di nome Boyan viveva in Russia. Ha cantato canzoni, ha raccontato epiche sulle vittorie e le sconfitte dei soldati russi, si è accompagnato all'arpa. Lo strumento, amatissimo dal popolo, è stato intitolato alla memoria dell'antico cantore - il narratore dal suo nome - la fisarmonica a bottoni. Bayan ha una voce meravigliosa, capace di "cantare" con sentimento una canzone piena di sentimento. Ha un suono "respiratorio" profondo e "respira" come una persona, e senza questo respiro, suonare la fisarmonica a bottoni è impensabile. Pertanto, la pronuncia espressiva della musica è in gran parte determinata dalla tecnica sviluppata di suonare la pelliccia, che i fisarmonicisti chiamano spesso i polmoni dello strumento, animando così questo dettaglio.

E l'argomento della nostra lezione di oggi sarà dedicato alla meccanica. Dobbiamo imparare a comprendere semplici schemi di manipolazione della pelliccia e padroneggiare i tipi di base di movimento e cambiamento della pelliccia sul materiale musicale.

III... Aggiornamento delle conoscenze. (5 minuti.)

Prova a indovinare l'indovinello:

La prenderai nelle tue mani,

Allungherai, poi stringerai,

Suonerà, basta toccare

Qual'è il suo nome?

(Armonico)

Come già saprai dalla storia dell'apparizione della fisarmonica a bottoni, la fisarmonica era il suo predecessore.

Ora prendi un risonatore e prova ad estrarre il suono soffiando nei fori tondi, come un'armonica. Grande! Molto bene!

- Ricordiamo ora come vengono chiamate le parti costitutive della fisarmonica a bottoni? (Mezzo busto destro, mezzo busto sinistro, pelliccia.). Destra.

Cosa ne pensi: quale parte costitutiva della fisarmonica a bottoni la aiuta a "respirare"? (Pelliccia). Destra.

E cosa fa apparire il suono sulla fisarmonica? ( Il suono di una lingua di metallo - "voce").………………………………. Scivolo (2)

IV... Assimilazione primaria di nuove conoscenze. (14 minuti)

Prima di iniziare a emettere suoni, ti suggerisco di prendere una matita nella mano sinistra e tracciare una linea orizzontale immaginaria nello spazio, simile alla traiettoria della pelliccia. Fallo lentamente e senza intoppi, cioè senza strappi, e la direzione del movimento della mano dovrebbe corrispondere alla traiettoria del movimento della pelliccia.

Hai fatto bene, ben fatto.

Ora proveremo ad estrarre il suono sulla fisarmonica a bottoni, dove è necessario eseguire lo stesso movimento, ma in condizioni più difficili per il controllo del mantice dello strumento. Inizieremo questo lavoro anche con te, con esercizi. Quando esegui questi esercizi sullo strumento, dovresti sentire le diverse modalità (gradi) di tensione del pelo e i risultati sonori ottenuti in base a questo.

E così il primo esercizio è "Respirare": l'allievo preme la valvola dell'aria, quindi guida il pelo, aprendolo (sbloccando, indicato dal segno V) e chiudendolo (strizzandolo, indicato dal segno D). La condizione principale per la sua implementazione è il movimento lento e regolare della pelliccia dopo il tasto precedentemente premuto. La dinamica del suono è liscia e il movimento della pelliccia è anche chiamato liscio.

Ora ti offro diversi modi di eseguire la pelliccia con la valvola dell'aria premuta per trasmettere il carattere di questo o quell'esercizio: "Calm Breeze", "Piccola tempesta", "Respirazione calma", "Dopo aver corso, riposiamo".

Pensi che i cambiamenti nei livelli sonori dinamici possano essere associati alle rappresentazioni spaziali? Ad esempio: ("L'aereo è partito"), ("L'aereo è arrivato") e cosa succede al suono? (Puoi. ​​Il suono viene amplificato, quindi indebolito). Proviamo a ritrarre questi "aerei". Quando esegui questi esercizi, cerca di mantenere il tuo udito sotto controllo del graduale cambiamento del volume del suono, misuralo con il grado di tensione del pelo, concentrati sul movimento del pelo (la funzione delle dita è limitata alla pressione dei tasti) e correlare le sensazioni fisiche con il risultato sonoro. L'accelerazione e la decelerazione del movimento della pelliccia è usata come mezzo per esprimere la frase.

- Ricordiamo con te gli eroi della fiaba "Tre orsi" e proveremo a rappresentare ogni eroe con i suoni sulla tastiera sinistra. Mikhail Potapych: l'insegnante emette due suoni lunghi: uno per l'apertura, l'altro per premere con il secondo dito sul tasto G; Nastasya Petrovna: con il terzo dito sul tasto C; Mishutka: con il quarto dito sul tasto F. E arriveremo alla fine di questa fiaba: Masenka è riuscita a fuggire dalla capanna in tempo, si è nascosta dietro i cespugli e imita gli orsi. Lo fa così. L'insegnante suona con il quinto dito sul tasto nero. Inoltre, questo esercizio viene appreso dall'allievo senza contare ad alta voce, durante il gioco controlla l'uniformità della pelliccia, la qualità della produzione del suono.

(Schemi di rappresentazione grafica dei suoni, ………………… .. Diapositiva (3,4), riproduzione del dipinto di Shishkin "Tre orsi").

V... Controllo di comprensione iniziale (7 min.)

E adesso proviamo le abilità acquisite di movimento e cambio di direzione di pelliccia su esercizi, da applicare suonando canzoni.

Canzone per bambini "Fiordaliso";

R.n.p. "Come sotto una collina, sotto una montagna." Meraviglioso! Hai controllato il movimento e il cambio di pelliccia, non hai permesso sussulti, sussulti di pelliccia.

Ascoltando L. Knipper "Polyushko-field". Eseguito dall'insegnante.

Ora ti offrirò diverse versioni di questo pezzo. Presta attenzione a me che eseguo la pelliccia e il suono dell'ultima frase.

Quali cose insolite hai visto e sentito nella mia esibizione? (Spinte di pelliccia).

È un paragone così figurativo come "L'aereo è volato via" ( No. "L'aereo è partito" - il suono svanisce, e ho sentito l'ultima frase per amplificare il suono).

- Hai notato correttamente il movimento irregolare della pelliccia e hai notato sottilmente il suono dell'ultima frase. Molto bene! In futuro, quando tu ed io smonteremo "Polyushko-Pole", dovrai seguire l'esecuzione di accordi dal suono breve. E perché? E questo porta al tremito del corpo della fisarmonica e interrompe il flusso regolare della melodia. ………………………… (Diapositiva 5)

Minuto fisico. (3)

I nostri muscoli sono tesi e hanno bisogno di rilassarsi. Ora faremo una serie di esercizi di rilassamento muscolare:

Esercizio per il rilascio del corpo e delle braccia, rilassamento muscolare "Humpty - dump". L'esercizio viene eseguito in piedi. Alza entrambe le braccia e lasciale cadere lungo i lati, inclinando leggermente il corpo in avanti. Le mani oscillano per inerzia, in questo momento vengono pronunciate le parole: "Humpty Dumpty". L'esercizio va ripetuto 3-4 volte.

- "Il soldato e l'orso". Eseguito stando seduti su una sedia. Al comando "Soldato!" raddrizza la schiena e siediti immobile come un soldatino di stagno. Al comando "Orso!" rilassati, intorno alla schiena, come un orso grassoccio. Ogni comando ha cinque secondi per essere completato. L'esercizio viene ripetuto più volte.

- "Cigno". Eseguito stando seduti su una sedia. Lo studente alza le mani orizzontalmente sul pavimento e le sbatte come ali, quindi le abbassa bruscamente verso il basso, scuotendole. L'esercizio viene ripetuto più volte.

VI.Fissaggio iniziale (8 min.)

E così ci siamo riposati, rilassato tutti i muscoli, il che significa che possiamo sederci di nuovo allo strumento.

Ora ti suggerisco di giocare al gioco Sound Pictures. Ti mostrerò immagini con immagini di oggetti e tu suoni sulla tastiera destra su qualsiasi tasto con l'aiuto del suono, cambiandone il volume - ad alta voce, a bassa voce, rafforzando, indebolendo, devo rappresentare i contorni degli oggetti disegnati: "Ragnatela ", "Corda", "Corda per nave ”,“ Tubo largo ”,“ L'aereo è arrivato ”,“ L'aereo è partito ”.

Hai fatto tutto correttamente. - Bene, ora suoniamo con te in un ensemble. Sapete cos'è un ensemble? (NS quindi prestazione congiunta). Ora, con il tuo gioco, mostrerai come hai padroneggiato le direzioni di base del movimento della pelliccia. Eseguiremo con voi la canzone per bambini "Blue Sky" di E. Tilicheeva e la canzone per bambini "Mashenka-Masha". Molto bene! La tua pelliccia nuotava come un "rivolo" - senza scossoni, senza intoppi, non hai rotto la linea melodica, il suono era morbido, melodioso.

7. Informazioni sui compiti, istruzione. (2 minuti.)

La nostra lezione sta volgendo al termine e dobbiamo formulare un compito a casa:

1. Disegna un'immagine grafica di suoni sia su carta che suoni da qualsiasi tasto: "Corda forte", "Corda spessa e pesante della nave", "L'aereo è volato via".

2. Dai suoni "mi", "fa" per riprodurre gli esercizi "L'aereo è arrivato", "L'aereo è partito".

3. Correggi il cambio di pelliccia nella canzone "Fiordaliso", "È ora di dormire".

4. Con la mano destra, suona a orecchio la canzone "Go cat", usando le opzioni: suona e canta una melodia con le parole, senza parole.

8. Riflessione. (1 minuto.)

Dimmi, cosa hai imparato nella lezione di oggi? ( sulle direzioni della pelliccia, che il suono quando si suona la fisarmonica a bottoni dipende dalla capacità di usare la pelliccia).

Che cosa ti è sembrato il materiale della lezione? (comprensibile, utile).

Pensi che queste conoscenze e abilità possano esserti utili ulteriormente nel padroneggiare la fisarmonica a bottoni, nel trasferire un'immagine artistica in un brano musicale, e poi nella vita? ( Sì. Imparerò a suonare bene la fisarmonica a bottoni, suonerò in un ensemble, parteciperò a concerti, a concorsi).

- Di che umore lasci la lezione? ( Con un sollevato).

Sei molto intelligente! Ha lavorato notevolmente, attivamente e con interesse alla lezione. Su questo ci salutiamo. Ti aspetto per la prossima lezione.

Metodi di insegnamento per suonare strumenti popolari
compilato da P. Govorushko
"Musica", 1975

DALL'APPALTATORE
Gli alti risultati professionali e artistici dell'esecuzione di strumenti popolari russi sono ben noti.
Di recente, le capacità esecutive di gruppi orchestrali professionali sono cresciute eccezionalmente elevate, tra cui l'orchestra di strumenti popolari russi della All-Union Radio and Television sotto la direzione di People's Artist della RSFSR V. Fedoseev ha ottenuto risultati particolarmente grandi. Assegnando a V. Fedoseyev il Premio di Stato della RSFSR intitolato a M.I.

Il riconoscimento e la fama nel nostro paese e ben oltre i suoi confini hanno ricevuto l'abilità esecutiva dei nostri suonatori di fisarmonica a bottoni, che hanno vinto posti d'onore in concorsi internazionali per molti anni consecutivi e hanno girato con successo in Europa e Asia, Australia, America e Africa continente.
Gli esecutori di balalaika sovietici sono molto popolari, dimostrando in modo convincente le enormi capacità artistiche e virtuosistiche di questo strumento. Svolgendo attività del vincitore del Premio di Stato, l'artista popolare della RSFSR P. Necheporenko ha elevato il valore della balalaika a un livello accademico altamente professionale.
Altri strumenti popolari russi continuano a svilupparsi. Le possibilità artistiche di domra come strumento solista stanno diventando sempre più evidenti. Sono apparsi numerosi giovani solisti-domrist interessanti. Fu posato l'inizio del rilancio e dello sviluppo professionale del gusli inanellato. Il fruttuoso lavoro sul palco del concerto del vincitore del concorso guslar tutto russo V. Tikhov, che si è diplomato con successo al Conservatorio di Leningrado, convince della grande promessa di questo strumento.
Tutti questi successi sono dovuti allo sviluppo dell'educazione musicale, al miglioramento dell'insegnamento, all'afflusso di nuove forze, al personale giovane di talento nell'esecuzione e nella pratica dell'insegnamento.
Tuttavia, nonostante ciò, oggi purtroppo non si può ancora affermare che la formazione dei giovani musicisti di massa, a tutti i livelli, sia già ad un livello artistico, esecutivo e organizzativo sufficiente.

Considerando le prospettive di sviluppo della formazione professionale, occorre anzitutto volgersi alle sue origini, allo stato dell'istruzione negli spettacoli amatoriali, nelle scuole di musica e nei collegi. Il notevole calo dell'interesse degli amanti della musica nelle classi dei gruppi musicali amatoriali è una seria preoccupazione. L'esperienza di lavoro nel campo delle esecuzioni amatoriali ci consente di concludere che i metodi e le forme organizzative di attività dei collettivi orchestrali che si sono sviluppati molti anni fa ora non corrispondono più al maggiore livello di sviluppo estetico delle grandi masse di amanti della musica, i loro esigenze artistiche.

Negli anni '50, i gruppi musicali amatoriali erano quasi l'unico canale per ricevere l'istruzione musicale primaria. Negli anni successivi, quando iniziò lo sviluppo intensivo della rete delle scuole di musica per bambini e serali, i gruppi amatoriali iniziarono a cedere le loro funzioni a istituzioni musicali professionali. In queste condizioni, i gruppi artistici dilettanti, a quanto pare, hanno dovuto riorientarsi verso l'attrazione nel loro ambiente, in una certa misura, di artisti qualificati. E per questo, ovviamente, è necessario promuovere attivamente i loro risultati artistici, approfondire le basi professionali dell'esecuzione, sviluppare e migliorare le capacità esecutive di ciascun membro dell'orchestra.
Particolarmente importante per noi è lo stato delle esibizioni amatoriali dei bambini nelle case della cultura, case e palazzi di pionieri, club e vari circoli. Il livello di questo lavoro determina il futuro delle prestazioni professionali e influenza direttamente il suo futuro.
I risultati delle istituzioni extrascolastiche per l'infanzia nell'educazione estetica delle giovani generazioni sono ben noti, ma ci sono anche seri problemi irrisolti in questo lavoro. Desta preoccupazione, in particolare, il livello generale dell'insegnamento non sufficientemente soddisfacente e l'assenza di qualsiasi lavoro serio per migliorare le qualifiche degli insegnanti e dei capi dei gruppi musicali infantili.

È caratteristico che dai fondi ricevuti dagli studenti, le istituzioni del club, di regola, non prevedano alcuna spesa per fornire assistenza metodologica ai loro insegnanti e praticamente non mostrino alcuna preoccupazione al riguardo. La situazione è aggravata dal fatto che gli eventi metodologici che periodicamente si svolgono nelle organizzazioni madri - i palazzi dei pionieri e le case degli spettacoli amatoriali - si basano su principi puramente volontari e non sono frequentati da insegnanti non qualificati.
Le attività musicali amatoriali per bambini nel loro carattere di massa superano significativamente il contingente di studenti delle scuole di musica e attirano un numero considerevole di bambini brillantemente dotati. Il livello di lavoro con questa parte migliore dei partecipanti dilettanti è particolarmente preoccupante, poiché la struttura organizzativa in questo settore, purtroppo, non fornisce le condizioni necessarie per il normale sviluppo dei giovani musicisti. Anche nei casi in cui i bambini dotati studiano sotto la guida di insegnanti talentuosi ed esperti, i risultati sono spesso significativamente inferiori al possibile. La ragione di ciò non è solo la metà della durata di una lezione in una specialità rispetto a una scuola di musica, ma anche l'assenza di discipline come il solfeggio e la letteratura musicale. Naturalmente, in una situazione del genere, anche i giovani musicisti più promettenti non sono sufficientemente preparati per entrare in una scuola di musica e perdono l'opportunità di ricevere un'istruzione professionale.

Oggi le scuole di musica per bambini devono affrontare gravi problemi organizzativi e metodologici. Le loro attività attualmente sono determinate dai compiti dell'educazione musicale generale e dalla solida formazione professionale iniziale di bambini particolarmente dotati, promettenti per un'ulteriore istruzione in una scuola di musica. La moderna scuola di musica non sta ancora affrontando la soluzione di questi problemi nel campo dell'esecuzione di strumenti popolari. Per la produzione musicale amatoriale, gli studenti non acquisiscono le necessarie capacità di lettura a prima vista, suonare a orecchio e la capacità di accompagnare. In senso professionale, gli studenti, di regola, mancano di libertà tecnica, significatività ed espressività delle prestazioni.
La preparazione degli studenti risente negativamente del periodo di studio ridotto (rispetto a pianisti e violinisti) presso una scuola di musica. Sarebbe più opportuno ammettere i bambini al dipartimento di strumenti popolari all'età di otto anni e iniziare le lezioni nella specialità dopo una formazione musicale generale preliminare, poiché lo studente è sufficientemente sviluppato fisicamente. Queste misure aiuterebbero a colmare il divario nella formazione teorico-musicale, che al termine della scuola di musica per ragazzi si forma tra pianisti e violinisti da un lato e studenti di strumenti a fiato folk e orchestrali dall'altro. Il ritardo di quest'ultimo risulta così significativo che nelle istituzioni educative musicali secondarie e superiori, lo studio delle discipline teoriche è già svolto secondo un curriculum leggero, il che crea la falsa impressione che vi sia una fatale inevitabilità dello sviluppo limitato di esecutori su strumenti folk e a fiato.

Fondamentale è anche il problema della selezione degli studenti e della metodologia di svolgimento degli esami di ammissione. È caratteristico che ora non tanto i bambini che hanno il talento più brillante entrino nelle scuole di musica, ma quelli che hanno sentito accidentalmente e si sono interessati a qualsiasi strumento o, peggio ancora, che sono stati mandati a studiare contro la loro volontà dai loro genitori. L'assenza di un collegamento elementare con le scuole di istruzione generale e gli asili nido, l'attesa passiva invece di una ricerca attiva di talenti privano la scuola di musica di molti talenti brillanti al momento.
Non sono poche le perdite anche tra coloro che comunque si presentano agli esami alla scuola di musica: a causa del primitivo sistema di verifica dei dati musicali e della fretta della sua attuazione. Ma è del tutto possibile escludere o almeno ridurre il numero di errori durante l'ammissione, ad esempio organizzando lezioni con candidati durante l'ultimo mese, praticamente non accademico, appositamente progettato per il lavoro metodologico degli insegnanti delle scuole di musica per bambini.
Squadre di docenti e direttori di scuole di musica risultano essere osservatori passivi in ​​materia di orientamento speciale dei richiedenti, nel regolamento di ammissione. La scelta di questo o quello strumento si basa molto spesso su idee casuali e influenzate dalla moda dei candidati, senza tener conto delle loro capacità e caratteristiche individuali. Di conseguenza, c'è una formazione "simile al flusso" del contingente: alla stragrande maggioranza dei bambini viene insegnato il pianoforte e la fisarmonica.
L'afflusso di lezioni di pianoforte è molto probabilmente dovuto all'ignoranza dei genitori, che non immaginano che l'apprendimento di successo su questo strumento sia possibile solo con abilità straordinarie, richiede un duro lavoro sistematico a lungo termine. Poche persone sanno che il pianoforte, in termini di musica casalinga, non è accessibile come molti altri strumenti.

Al momento, un maggiore interesse dei genitori non iniziati all'essenza della questione è causato dalle attraenti qualità esterne e sonore della fisarmonica. Nel flusso di fisarmonicisti che entrano nelle scuole di musica per bambini, un posto significativo è occupato da bambini dotati e professionalmente promettenti, per i quali le limitate capacità esecutive della fisarmonica diventano un ostacolo sulla strada per l'arte professionale.
Uno dei compiti moderni più importanti è lo sviluppo dell'iniziativa e dell'interesse degli insegnanti della scuola di musica nell'attirare gli studenti agli strumenti popolari a corda. La creazione di queste classi in tutte le scuole di musica non è solo un dovere professionale, ma anche civico e patriottico degli insegnanti.
Tra i tanti problemi qui citati e non menzionati, il più urgente è il problema della formazione degli educatori, del miglioramento delle qualifiche degli insegnanti delle scuole di musica.
Come sapete, è qui che i giovanissimi diplomati e inesperti iniziano il loro percorso pedagogico. Alcuni di loro, probabilmente più piccoli, entrano nei dipartimenti di corrispondenza delle università e, così, continuano la loro formazione. L'altro, in gran parte, si accontenta delle conoscenze acquisite nella scuola di musica. Per 5-6 anni, mentre i giovani specialisti acquisiscono un'esperienza pedagogica elementare, si trovano praticamente senza supporto e assistenza.
L'attuale sistema di lavoro metodologico è ancora spesso casuale, superficiale e non copre i docenti più bisognosi di aiuto. Gli insegnanti inesperti vengono ogni tanto scambiati "esperienza", immaturi, giudizi errati sono spesso portati in tribuna, gli specialisti più talentuosi e autorevoli sono scarsamente attratti.

Per un ulteriore miglioramento dell'insegnamento, è necessario aumentare la responsabilità degli insegnanti delle scuole di musica per bambini. A questo proposito, è consigliabile, ad esempio, condurre esami e concerti di studio non per corsi, ma per classi, quando tutti gli studenti dell'uno o dell'altro insegnante vengono introdotti all'audizione. Qui, i vantaggi o gli svantaggi del metodo e gli errori di calcolo dell'insegnante sono più evidenti, la qualità dell'insegnamento è più visibile e quindi la responsabilità per le prestazioni sia dello studente che dell'insegnante è maggiore.
Un mezzo più forte per aumentare l'efficienza del lavoro potrebbe essere la certificazione sociale e professionale di un insegnante, in cui, dopo un certo periodo, l'insegnante non solo mostra il livello di preparazione della sua classe, ma riferisce anche sulle sue attività metodologiche e sociali .
La situazione potrebbe essere migliorata anche dal patrocinio della scuola da parte di uno dei docenti autorevoli della scuola, che assisterebbe periodicamente alle lezioni, forniva assistenza metodologica ai giovani insegnanti, partecipava alla discussione degli esami, ai concerti di studio, ecc. le scuole, direttamente interessate a migliorare la qualità del proprio contingente, si sono formate, come sapete, quasi interamente a spese dei diplomati delle scuole di musica per ragazzi.
Le impressioni di coloro che entrano al Conservatorio di Leningrado, le osservazioni a lungo termine sullo sviluppo dei giovani musicisti indicano la presenza di carenze significative nella formazione su uno strumento speciale, nella formazione teorico-musicale e nello sviluppo generale degli studenti di molte scuole di musica non solo nella Federazione Russa, ma anche in altre repubbliche.

Nel campo della produzione sonora, la stragrande maggioranza dei candidati al conservatorio è caratterizzata dalla casualità nell'esecuzione delle azioni, a volte dalla mancanza di ordine elementare dei movimenti di esecuzione. Troppi alunni e studenti in questo senso sono lasciati a se stessi e non prestano alcuna attenzione alla posizione delle dita e delle mani, alla loro "postura esecutiva" in ogni nuova situazione di diteggiatura, non controllano la natura dei movimenti e la stato dell'apparato muscolare. Di qui il limitato sviluppo tecnico, il vincolo, la tensione dell'apparato performativo. Si possono fare affermazioni serie riguardo allo sviluppo delle capacità di articolazione, alla significatività e all'immaginario della performance.
Nel processo di studio all'università, ad esempio, si riscontra spesso la mancanza di un'adeguata cultura sfumata: l'orecchio dell'esecutore è impreparato a garantire più o meno la stessa combinazione di suoni all'interno di una tecnica - legato, non legato, staccato. Molti candidati sono scarsamente guidati nelle domande sulla forma delle opere musicali, non sentono il naturale smembramento della struttura, non hanno abbastanza abilità nella sua pronuncia e generalizzazione competenti. Molto spesso si rivela anche lo sviluppo primitivo delle rappresentazioni figurative dell'esecutore, il possesso limitato delle capacità di trasmettere in modo affidabile i tratti caratteristici e stilistici dell'opera, che porta alla monotonia del suono, alla riproduzione formale della dinamica e spesso alla falsità stilistica . C'è solo da stupirsi quando, in un brano appreso e già eseguito all'esame finale a scuola, l'esecutore non può indicare con certezza né i culmini principali né particolari, non immagina i tratti caratteristici e stilistici dell'opera.

Eppure la preoccupazione maggiore. provoca una visione molto limitata di molti candidati, uno scarso sviluppo generale, a volte l'assenza di un minimo di informazioni culturali generali necessarie per uno specialista con istruzione secondaria. Ai colloqui durante gli esami di ammissione, viene rivelato che una parte significativa degli studenti delle scuole non mostra il giusto interesse per la vita concertistica nella propria città, non partecipa a concerti e spettacoli, ascolta poca musica e non legge narrativa. Apparentemente, è giunto il momento in cui un insegnante nella sua specialità deve comprendere appieno la sua responsabilità non solo per la qualità della formazione professionale, ma anche per l'educazione dello studente, la formazione della sua prospettiva e convinzione ideologica.
Questo è il vero stato delle cose nei livelli primario e secondario dell'educazione musicale, che non solo incide in modo significativo sulla formazione del contingente di studenti universitari, ma ne determina attualmente anche il livello qualitativo.
A questo proposito, le università devono affrontare compiti particolarmente difficili e responsabili di formazione di specialisti di qualifiche davvero elevate che soddisfano i requisiti moderni.
La raccolta proposta di articoli preparati presso il Dipartimento di strumenti popolari del Conservatorio di Leningrado è un tentativo di attirare l'attenzione dei circoli pedagogici, degli studenti delle scuole e degli studenti delle istituzioni educative superiori sui problemi dello sviluppo dell'alta professionalità nell'esecuzione, all'educazione di profondamente musicisti colti.

Nella struttura della raccolta si possono distinguere tre direzioni: articoli relativi alla metodologia dell'insegnamento su domra, balalaika e fisarmonica a bottoni ("Caratteristiche specifiche della produzione del suono su domra" del professore associato I. Shitenkov ("Designazione dei colpi di balalaika" dal professore associato Shalov AB e lo sviluppo delle capacità esecutive del fisarmonicista "da parte dell'autore di queste righe); insegnante Matyushkov DA) e articoli volti a risolvere i problemi di un'ampia formazione degli artisti sugli strumenti popolari ("Il tema della strumentazione in il processo di formazione professionale degli artisti" dal capo del dipartimento di strumenti popolari del ramo di Petrozavodsk del Conservatorio di Leningrado Borisov SV e "Classe orchestrale come mezzo di educazione musicista-esecutore, peda gog, direttore d'orchestra "insegnante senior Preobrazhensky GN).

S. Borisov. Il tema della strumentazione nel processo di formazione professionale degli esecutori

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Tecniche di apprendimento

Diversi gruppi di strumenti richiedono la padronanza di diversi livelli di difficoltà nelle tecniche di esecuzione. Pertanto, a coloro che partecipano all'orchestra dovrebbero essere affidati compiti differenziati, tenendo conto delle loro capacità individuali.
Nel metodo di insegnamento a suonare gli strumenti, è importante stabilire la sequenza di esecuzione dei vari compiti musicali. Non ci sono ancora tradizioni pedagogiche a lungo termine e forti in questa materia. Come per ogni esecuzione, è necessario applicare le corrette tecniche di esecuzione durante l'apprendimento dei brani. La continuità nel lavoro collettivo e individuale è importante: negli studi generali e nella produzione musicale indipendente, negli spettacoli festivi e nell'intrattenimento.
L'esecuzione espressiva del lavoro (su vari strumenti) da parte dell'insegnante, la dimostrazione di tecniche, metodi di produzione del suono e spiegazioni - metodi tradizionali ben collaudati - possono ancora essere reintegrati con altri. Ai bambini viene offerto di "esaminare" in modo indipendente gli strumenti, vengono assegnati semplici compiti creativi e vengono incoraggiati a studiare da soli in studi indipendenti. Quando la formazione si svolge in una combinazione di questi metodi, puoi contare sul successo pedagogico.
In pratica, spesso iniziano a imparare a suonare più strumenti contemporaneamente, anche se ogni strumento richiede tecniche di esecuzione diverse, oppure imparano l'intero pezzo in una volta. Tuttavia, alcuni bambini devono aspettare mentre altri imparano. Questo stanca i bambini e distrae la loro attenzione.
Ovviamente, qualcos'altro può essere considerato opportuno. Dopo aver informato i bambini nelle lezioni generali, ad esempio, con l'aspetto di una cetra, con le tecniche di base per suonarci sopra, dopo aver appreso 2-3 melodie per diverse lezioni, lo strumento viene successivamente trasferito al gruppo Lì, durante i giochi, i bambini continuano di propria iniziativa.
familiarizzare con lo strumento, l'insegnante li aiuta. Nel frattempo, nelle classi generali, c'è una conoscenza con un altro strumento. Inoltre, a volte i bambini più capaci sono invitati a esaminare lo strumento, a trovare il modo di suonarci sopra, e poi l'insegnante apporta le sue modifiche.
Gradualmente, i bambini vengono introdotti agli strumenti con scale diatoniche o cromatiche: metallofoni, terzine, fisarmoniche, cetre. Il gruppo di percussioni richiede meno tempo per familiarizzarsi: nella lezione possono essere introdotti due o tre strumenti contemporaneamente, ad esempio un tamburo, un tamburello e nacchere, poiché i bambini riproducono solo il ritmo su di essi.
Consideriamo le peculiarità della metodologia didattica dal punto di vista dei seguenti compiti: padronanza delle tecniche di gioco; sequenze di compiti per padroneggiare il gioco sui singoli strumenti; imparare alcuni lavori.

Tecnica

Le tecniche di esecuzione dipendono dalla costruzione di ogni strumento. Innanzitutto è necessario stabilire la corretta posizione di partenza e posizione dello strumento rispetto al bambino.
Metallofoni, cetre sono meglio posizionati su piccoli supporti a livello delle ginocchia dei musicisti. Se non sono disponibili supporti, gli strumenti possono essere posizionati sulle ginocchia. Anche gli strumenti a fiato (prima dell'inizio del gioco) vengono posizionati sulle ginocchia. Il tamburo e il tamburello sono tenuti all'altezza della cintura e il triangolo è appeso a un supporto, oppure il bambino lo tiene nella mano sinistra.
È molto importante insegnare le corrette tecniche di produzione del suono. Quando si gioca su metallofono il martello deve essere tenuto in modo che poggi sull'indice e il pollice lo tenga sopra. Il colpo dovrebbe essere nel mezzo del piatto e, soprattutto, essere leggero. In questo caso, il pennello dovrebbe essere libero. Se il bambino tiene il martello in pugno, colpisce forte, lo tiene sul disco, il suono risulterà "sporco" e sgradevole.
Quando si gioca su cetra il plettro dovrebbe essere tenuto tra il pollice e l'indice. Il suono è prodotto con un movimento leggero ed elastico lungo la corda. In questo caso, bisogna sforzarsi di non toccare corde inutili.
Nacchere suonano molto forte, quindi vengono presi nella Mano destra e leggermente colpiti con i "petali" sul palmo della sinistra. Allo stesso tempo, il suono è un po' attutito e lo schema ritmico è chiaramente udibile.
Piatti i bambini tengono le cinghie e si colpiscono l'un l'altro con un movimento scorrevole. Per interrompere immediatamente il suono, i piatti vengono applicati alle ginocchia. A volte i piatti (appesi) possono essere colpiti con un bastone, la cui estremità è ricoperta da diversi strati di morbido figlio di puttana o cotone idrofilo.
Quando si gioca su triangoloè necessario colpire con un bastone nel mezzo della sua parte orizzontale. Il suono dovrebbe essere leggero e resistente.

e se continua a lungo, dovresti premere il triangolo con la mano: il suono si interromperà immediatamente.
Tamburello emette suoni di diversa natura, a seconda che colpiscano la sua membrana con le dita, la parte morbida del palmo, o con un pollice. Se, inoltre, cambia il luogo dell'impatto - più vicino al telaio di legno (dove la risonanza è più forte), verso il centro, colpendo il telaio stesso o, infine, alternando questi impatti, puoi ottenere un interessante confronto timbrico di suoni.
Gioca su triolet e Melodie-26 segue gli stessi trucchi. Il bambino soffia nell'apertura del tubo, spendendo uniformemente il respiro. Allo stesso tempo, preme il tasto desiderato. I tasti della terzina sono colorati, ognuno ha il proprio colore e nome. Prime chiavi - re, fa #, sale e ulteriormente la scala Sol maggiore. Pertanto, sulla terzina, puoi suonare melodie in sol maggiore e in parte in altre chiavi, ma in un intervallo limitato.
Lo strumento, chiamato Melody-26, è costruito su una scala cromatica (due ottave) e su di esso può essere suonata quasi qualsiasi melodia entro due ottave.
Quando un bambino avverte le differenze nella qualità del suono, quando inizia lui stesso a navigare in vari metodi di gioco, svilupperà il controllo uditivo e la capacità di correggere le imprecisioni nella sua esibizione.

Sequenza di compiti

All'inizio della formazione, le tecniche metodologiche del conduttore sono naturalmente dirette a suscitare l'interesse del bambino per un nuovo tipo di attività per lui.
Nella natura del suono di ogni strumento musicale, si può trovare un'analogia con alcuni fenomeni naturali: le voci degli uccelli, degli animali, del linguaggio umano. L'insegnante, ad esempio, attira l'attenzione dei bambini sul fatto che gli uccelli cantano a voce alta, forte, tenera, e questo può essere raffigurato su una cetra.

Il metallofono trasmette bene i suoni delle gocce di pioggia che cadono: all'inizio cadono raramente, poi suonano più spesso, più spesso - la pioggia si intensifica.

Il suono della terzina è persistente, come se qualcuno stesse gridando nella foresta, chiamando.

E il flauto o Melody-26 dice a tutti i ragazzi: preparatevi per un'escursione.

Sul tamburo, le bacchette battono un rullo, come tuonando il tuono (l'insegnante alterna colpi rapidi con due bacchette).
Il punto di tali tecniche è familiarizzare i bambini con le capacità espressive di ogni strumento.
In questa fase iniziale, è utile anche preparare i bambini ad azioni congiunte coordinate, per sviluppare il senso dell'insieme, così importante per suonare in un'orchestra. A tale scopo vengono utilizzate una sorta di "orchestra" ritmica. I bambini battono le mani, battono i piedi, picchiettano con bastoncini di legno, sbarre, scatole di plastica - vuote o piene di ciottoli, piselli, ecc. E qui i metodi di produzione del suono possono essere diversi. Quindi, se colpisci uno degli altri palmi con le dita piegate, il suono è rimbombante e sordo; se colpisci con i palmi "piatti", come nei "piatti", allora il suono è distinto e sonoro.
Puoi colpire le dita di una mano contro il palmo dell'altra e il suono differisce notevolmente a seconda che le dita siano tenute distese o libere e piegate. Anche i pritopi con un piede sono diversi: con tutto il piede, con una punta o un tallone, alternativamente - ora con una punta, poi con un tallone. I cosiddetti "schiaffi" si usano con i palmi delle mani o con la punta delle dita sulle cosce.
Oggetti in legno, plastica, metallo permettono anche di estrarre suoni di diversa natura. Bambini con interesse
ascoltali, eseguendo compiti ritmici, padroneggia le abilità di azioni congiunte o alternate. Ai bambini vengono dati, ad esempio, i seguenti esercizi:

eco musicale

I bambini sono divisi in due sottogruppi.
1a riga. L'insegnante bussa con le bacchette.
2a riga. Il primo sottogruppo di bambini batte con le dita dei piedi.
3a riga. Il secondo sottogruppo di bambini batte il palmo dell'altra mano con le dita.


Questi esercizi possono variare rispetto al ritmo e ai diversi modi di battere le mani, ruzzolare, schiaffeggiare, ecc.
Il movimento del treno è ben imitato, ad esempio, alternando i calci con la punta del piede, poi con il tallone o con le mani, poi con le dita, poi con un battito sordo. Allo stesso tempo, il tempo può essere accelerato o rallentato arbitrariamente e il suono può essere aumentato o diminuito.

1a riga. Calcio di tacco.

2a riga. Calcio in punta.

È utile familiarizzare i bambini con la percezione e l'esecuzione espressiva delle intonazioni ritmiche recitative della voce. All'inizio, puoi mostrare la loro espressività in semplici frasi ritmiche, intonazioni del discorso, recitativo. Come sai, il recitativo è vicino alla recitazione melodiosa. Ha un'intonazione che sale e scende, naturale per il discorso colloquiale, gli accenti e le pause sono chiaramente udibili.
Si consiglia di attirare l'attenzione dei bambini sul fatto che le frasi ritmiche e le intonazioni musicali e del linguaggio possono essere utilizzate in varie situazioni di gioco e di vita.
Ecco alcuni esempi di varie tecniche che portano costantemente i bambini a prestazioni espressive.
L'insegnante invita i bambini a indovinare chi ha chiamato: Tanya o Andryusha. I bambini dovrebbero impararlo con uno schema ritmico eseguito da un adulto applaudendo o su un metallofono:

I bambini impareranno come è stata chiamata la ragazza - Tanya o Tanya:

Dopodiché, i ragazzi possono chiamarsi da soli. Seguendo un certo ritmo, dispongono le carte sul flanella, usandole dall'appendice al "Musical Primer". Le carte larghe rappresentano i quarti, quelle strette - gli ottavi:

Possono eseguire lo stesso schema ritmico su un metallofono, un triodo o uno strumento a percussione.
Dall'esecuzione di uno schema ritmico, i bambini passano al recitativo. Sono invitati a chiamarsi a vicenda, ma in modi diversi: affettuosamente, con rabbia, interrogativi, invitanti. I bambini escogitano intonazioni espressive che si avvicinano al discorso melodioso. Queste non sono ancora intonazioni vocali con il loro tono preciso e il suono melodioso. Si pronunciano in dialetto. Alzando o abbassando l'intonazione, i ragazzi cercano contemporaneamente brani simili che suonino su strumenti musicali, componendo così brevi melodie.
L'ulteriore formazione procede nella seguente sequenza: prima si impara a suonare uno strumento, poi un altro, ecc. Ciò aumenta il volume delle capacità di esecuzione: in primo luogo, schemi ritmici; poi melodie costruite su intervalli ristretti; melodie successive, che includono sezioni significative della scala e intervalli più ampi.
Imparando la melodia di brani semplici, canti, canti, i bambini devono far fronte a due difficoltà: riprodurre lo schema ritmico e la linea melodica. In primo luogo, quando si padroneggiano le tecniche di corretta produzione del suono, l'insegnante offre ai bambini un compito più facile: la riproduzione del ritmo, l'apprendimento delle tecniche di corretta produzione del suono, i pezzi iniziali del Musical Primer. Il loro vantaggio artistico è che le battute ritmiche sono date con l'accompagnamento al pianoforte, che le rende più espressive.
Dopo l'esibizione dell'insegnante, i bambini imparano facilmente la melodia e cantano, schiaffeggiando il ritmo. È bene usare le carte dell'applicazione "Note Lotto" ("Musica ABC").

Le carte sono disposte sul flannelgraph:

Ai bambini viene offerto di contare il sesto piatto su un metallofono (dall'inizio) - "questa è una nota la ", e quindi suona uno schema ritmico - la canzone "Il cielo è blu". L'insegnante accompagna il pianoforte. La performance secondaria è accompagnata da canti collettivi. Il compito è stato superato e i bambini saranno in grado di suonare la canzone da soli.

Il cielo è blu
Musica di E. Tilicheeva

[con calma]

Nelle seguenti lezioni di musica viene condotto un sondaggio individuale: i bambini eseguono questa canzone su suoni diversi (dischi). Si chiamano note (il loro arrangiamento sui dischi è familiare ai bambini): “Suona la nota mi, su una nota prima" e così via. In questo caso, è necessario
ma ricorda che i bambini sono in grado di cantare e accompagnarsi sul metallofono solo una canzone ben imparata, poiché il suono del metallofono è più alto e non corrisponde alle capacità vocali del bambino in età prescolare. È facile per un bambino perdersi, poiché la stessa nota sul metallofono suona in un'ottava diversa (più alta).

Dopo aver appreso alcuni brani ritmici, puoi procedere alle seguenti attività: prima, impara i brani costituiti da intervalli ravvicinati e poi da quelli più ampi. La tecnica di apprendimento rimane la stessa. Va ricordato che un testo poetico facilita la memorizzazione e consente ai bambini di utilizzare le opere apprese in studi indipendenti. È anche importante complicare costantemente le attività. Più facile da giocare secondi, i loro suoni si trovano uno accanto all'altro. Pertanto, dopo gli esercizi su un suono, è consigliabile riprodurre brani costruiti su questo intervallo (ad esempio, la canzone popolare russa "Forty-magpie", "Fisarmonica" di E. Tilicheyeva, ecc.).

Quarantaquaranta
Canzone popolare russa

Armonico
Musica di E. Tilicheeva
[V tempo medio, ritmicamente]

L'assimilazione di tecniche esecutive più complesse permette progressivamente di complicare il repertorio. Nei brani, i movimenti progressivi appaiono all'interno di piccole scale, l'intervallo si espande. L'accompagnamento al pianoforte, presentato in modo vivido ed espressivo, è di crescente interesse per i bambini.È importante che i bambini ascoltino i mezzi di espressione musicale e sentano l'atmosfera della musica. Ogni opera d'arte è originale e peculiare a modo suo, e le modalità del suo sviluppo dovrebbero essere diverse.
La percezione musicale dei bambini si attiva se, dopo il primo ascolto di un brano, vengono poste loro, ad esempio, le seguenti domande: "Quali strumenti sono migliori per eseguire questo brano?"; "Quale parte del pezzo dovrebbero essere suonati gli altri strumenti, e quali?" I bambini di solito scelgono gli strumenti più facilmente se il pezzo ha un carattere abbastanza chiaro, ha una forma musicale chiara ed è costruito su parti che sono di carattere contrastante. Naturalmente, i bambini non possono orchestrare un gioco. Ma è importante usare una tecnica interessante in cui cercano di comporre e prendere la loro "decisione" - quale strumento dovrebbe suonare in questa o quella parte del pezzo. Un approccio abile e pieno di tatto può influenzare prontamente i loro suggerimenti e guidare le loro risposte.

Il metodo di apprendimento dei singoli pezzi

Più complesso è il pezzo, più sviluppato è l'accompagnamento al pianoforte della canzone, più piacevole dovrebbe essere il processo di apprendimento. Consideriamo due esempi: "Rain" e "Our Orchestra".
La prima canzone è "Rain". La canzone popolare russa arrangiata da T. Popatenko si basa su un motivo di due suoni affiancati (grande secondo). Questo motivo viene ripetuto molte volte con una piccola variazione ritmica - all'inizio, il canto inizia con un forte battito della misura ("Pioggia, pioggia di più!"), E poi - dal ritmo ("Diamo un po 'di spessore") . Il carattere generale della lavorazione del pianoforte è agile, chiaro e leggero. La trama è trasparente - ci sono molte pause, il tocco principale è staccato. C'è un'introduzione e una conclusione. Nell'introduzione, suona un motivo semplificato della canzone e la conclusione, per così dire, "disegna" gocce di pioggia.
Il carattere trasparente della canzone non dovrebbe perdere il suo fascino quando viene istruito. Nell'introduzione si sente una sorta di roll-over di due registri. In conclusione, i triangoli suonano. Riproducono molto bene il carattere delle "goccioline", soprattutto perché la melodia della conclusione non può essere trasmessa dai suoni dei metallofoni e delle cetre dei bambini. In questo pezzo, è desiderabile utilizzare un numero limitato di strumenti, caratterizzati da un suono leggero, sonoro e brusco.
La sequenza delle lezioni per imparare questa canzone può essere delineata come segue.

Lezione 1. I bambini ascoltano questa canzone già familiare eseguita da un adulto. L'attenzione è attirata dal suono leggero e trasparente della parte del pianoforte. I bambini ricordano la canzone e la cantano. L'insegnante suggerisce di pensare a quali strumenti sono più adatti al suo suono.
Lezione 2. Dopo che la canzone è stata suonata, inizia una discussione su come istruirla. Si richiama l'attenzione sulla natura dell'introduzione, della conclusione e su alcune differenze tra la seconda frase e la prima. Le proposte dei bambini vengono discusse e testate praticamente. Se l'una o l'altra versione della strumentazione risulta essere buona, può essere eseguita in questa lezione nella sua interezza.
Lezione 3. Se si sta imparando l'opzione proposta dall'insegnante (supponiamo che le opzioni dei bambini non siano accettate), allora puoi prima eseguire solo la melodia della canzone (su un metallofono, cetra) e per il momento eseguire l'introduzione e la conclusione al pianoforte. Si dovrebbe prestare attenzione all'ingresso tempestivo delle cetre
Lezione 4. L'intera canzone non è stata imparata: all'inizio senza cantare, poi alcuni bambini giocano, altri cantano e, infine, tutti suonano e cantano.

Un'altra canzone - "Our Orchestra" di E. Tilicheyeva (testi di Y. Ostrovsky) è molto più difficile per un'esibizione d'insieme. La melodia è più varia, la sua gamma è già dentro septim, inoltre ci sono dei salti, le mosse ricevute vanno su e giù. Anche il ritmo ha delle difficoltà: ci sono note con un punto. Tutto ciò richiede determinate abilità da parte dei bambini. Nell'accompagnamento pianistico e nella melodia sono riportate le caratteristiche musicali del suono dei vari gruppi di strumenti. Basti ricordare le battute in cui suonano le parole "Tamburi, tamburi, tamburi, tamburi", in cui viene dato un ritmo chiaro, come se si imitasse un tamburo. Inoltre, appare un regi più alto, quindi la strumentazione è suggerita dal compositore e dal poeta. Ma affinché i bambini partecipino loro stessi alla scelta degli strumenti, è ovvio che devono prima eseguire la canzone senza il testo che suggerisce la soluzione.
Pertanto, è consigliabile la seguente sequenza di classi:

Lezione 1. L'insegnante esegue la parte pianistica senza cantare. Ai bambini vengono offerti enigmi musicali: suonano frasi separate che in una certa misura caratterizzano il suono di vari strumenti. Indovinano e nominano quali strumenti sono adatti per una particolare frase. Quindi l'insegnante canta la canzone una seconda volta, ma canta e suona. In questo modo i bambini sapranno se hanno nominato correttamente gli strumenti.
Lezione 2. Imparare la parte vocale della canzone. I bambini imparano una melodia. Quindi lo cantano in parti: i futuri artisti su terzine cantano la prima frase, alla batteria - la seconda, ecc. Mentre cantano, i ragazzi imitano i movimenti di suonare uno o l'altro strumento.
Lezione 3. Apprendimento di parti più complesse: triolo (1a quadratura) e metallofoni con cetra (3a battuta). Prima tutti i bambini suonano, poi scelgono chi interpreterà queste parti, mostrano loro queste parti, spiegano con quale nota iniziare e si offrono di suonare. Poi tutti i bambini suonano tamburi immaginari e alcuni bambini suonano strumenti veri.
Lezione 4. Continua l'apprendimento delle parti di trioli e metallofoni. Innanzitutto, l'ultima frase viene appresa con i metallofoni, su cui viene eseguita la melodia, quindi il gruppo di percussioni - i tamburi - si unisce a loro. La parte di batteria viene ripetuta. Alla fine della lezione, viene eseguita per la prima volta l'intera partitura nel suo insieme, ma senza cantare.
Lezione 5. L'esecuzione di ogni parte viene ripetuta separatamente. Tutto

Piovere
Arrangiato da T. Popatenko
[Non molto presto]

punteggio, ma alcuni bambini cantano, altri giocano. Vengono monitorate le introduzioni tempestive di ciascun gruppo di strumenti e vengono perfezionate le sfumature dinamiche.
Nelle lezioni successive si ripete l'intera commedia e si consolidano le abilità acquisite.

Spesso nella pratica didattica esiste una tale tecnica: i bambini eseguono una melodia sui loro strumenti e un adulto suona la melodia e l'accompagnamento al pianoforte. Per diversificare il suono, puoi farlo in modo diverso. Ad esempio, l'intero pezzo viene eseguito da un insegnante al pianoforte e i bambini suonano una melodia su un metallofono e, per così dire, un accompagnamento, cioè suoni corrispondenti al primo (I) e al quinto (V) o il primo (I), il quarto (IV) e il quinto (V) grado del tasto.
Ecco, ad esempio, tre versioni della melodia popolare ucraina "Oh bursting the hoop", arrangiata da T. Popatenko. I metallofoni nel primo caso duplicano la melodia, nel secondo - la voce del basso, nel terzo suonano senza accompagnamento di pianoforte.
Un altro lavoro è "Squirrel", un estratto dall'opera "The Tale of Tsar Saltan" di N. Rimsky-Korsakov. Questo estratto trasmette l'immagine di uno scoiattolo favoloso. Per caratterizzare l'immagine, il compositore ha usato la melodia della famosa canzone popolare russa "Se in giardino o in giardino". La melodia della canzone è allegra, vivace, danzante in natura, ma eseguita a un ritmo moderato. Quando si istruisce un brano, è necessario scegliere strumenti musicali con un suono leggero, sonoro e brusco. Può essere un metallofono e un triangolo.

Quando impari un pezzo, puoi suggerire la seguente sequenza di lezioni.
Lezione 1. I bambini ascoltano lo spettacolo interpretato da un adulto. L'attenzione è attirata dal suono leggero della melodia, dal suo carattere vivace e danzante. Puoi leggere un estratto dall'opera di Alexander Pushkin "The Tale of Tsar Saltan". Dopo che l'insegnante ha ripetuto il gioco, ai bambini viene chiesto di pensare a quali strumenti è meglio usare per suonare in orchestra a causa della natura della musica. Si discutono le proposte dei bambini. Una delle opzioni è selezionata. L'insegnante suona una melodia su un metallofono.
Lezione 2. L'insegnante esegue la melodia del brano senza l'accompagnamento pianistico. I bambini strisciano il modello ritmico della melodia. Quindi si impara la parte del triangolo. Alcuni eseguono uno schema ritmico sui triangoli, altri battono le mani. Poi le azioni dei bambini cambiano. Prima di imparare la parte metallofonica, l'insegnante esegue lui stesso la melodia, che viene poi appresa in parti (1a quadripartita, poi 2° quadripartita).
Lezione 3. L'apprendimento della parte metallofone continua. I bambini eseguono il primo movimento del pezzo (1a e 2a misura di quattro battute) e viene suonata l'intera partitura. Quando viene ripetuto, i triangoli sono attaccati ai metallofoni.
Lezione 4. Ogni parte viene eseguita separatamente, senza accompagnamento e con accompagnamento. Quindi viene riprodotto l'intero punteggio. L'attenzione dei bambini è attirata dall'esatta esecuzione dello schema ritmico.
Lezione 5. Ogni parte viene eseguita separatamente con l'accompagnamento, quindi viene eseguita l'intera partitura. L'attenzione dei bambini è attirata dall'espressività della performance. Se eseguiti ripetutamente, i bambini possono cambiare strumento.

La nostra orchestra
Parole di Y. Ostrovsky Musica di E. Tilicheeva

[Piacevolmente. Solennemente]

Scoiattolo (estratto)
Dall'opera "Il racconto dello zar Saltan"
Musiche di N. Rimsky-Korsakov
[Moderatamente]

Imparare a suonare strumenti musicali non può limitarsi all'apprendimento del repertorio. È importante che queste attività siano creative.
Esercizi in cui si propone di riprodurre (a orecchio) una melodia familiare, di suonare una canzone ritmica a suoni di diverse altezze (trasposizione), di trovare un nuovo metodo di suonare uno strumento, ovviamente, di sviluppare l'indipendenza e le idee uditive nei bambini . Ma è anche importante creare le premesse per le manifestazioni creative dei bambini. Dare la possibilità di scegliere gli strumenti per l'esecuzione di un particolare brano, per incoraggiarli all'improvvisazione.

Tecniche per lo sviluppo della creatività musicale

La creatività musicale dei bambini inizia con un "esame" delle capacità sonore degli strumenti. Questo è molto prezioso, ma i bambini sono spesso impotenti nella loro ricerca. L'insegnante dirige questa ricerca, invitando i bambini a giocare a come cantano i cuculi e gli uccelli, come piove, come tuona, ecc. Ma puoi anche applicare un interessante metodo di creatività collettiva su metallofoni, xilofoni. Se incolli le note F e si(passi IV e VII) o rimuovere le registrazioni di questi suoni in modo che i bambini non ci giochino sopra, quindi possono improvvisare tutto allo stesso tempo. I bambini giocano su cinque suoni (do, re, mi, sale, la). Il risultato sono combinazioni armoniche molto interessanti, in continuo e inaspettato mutamento, ma sempre molto melodiche. Allo stesso tempo, i bambini possono giocare con qualsiasi ritmo, a volte viene offerto loro un determinato ritmo, ad esempio un quarto e due ottavi. Il significato di questa tecnica non è solo nello sviluppo dell'udito armonico. I bambini iniziano a improvvisarsi, a fare i primi tentativi di creare "le proprie composizioni".
Va sottolineato che la metodologia di insegnamento degli strumenti musicali negli asili nido dovrebbe essere più organizzata e coerente di quanto non sia in pratica. Il successo di questa formazione dipende dalla coerenza di tutte le forme di attività musicali dei bambini. In classe, ricevono una certa quantità di conoscenze e abilità, accumulano un repertorio.
I bambini prontamente, con grande piacere, usano canzoni e giochi appresi nei loro giochi, si esibiscono durante le vacanze, intrattenimento Conoscenza dei bambini con nuovi strumenti, svolgono compiti interessanti sulla scelta degli strumenti per eseguire determinati giochi e canzoni, la capacità acquisita di valutare (attraverso orecchio) qualità delle loro prestazioni, improvvisazione, l'opportunità di partecipare a vari ensemble - tutto ciò rende suonare gli strumenti interessante per i bambini e prezioso per il loro sviluppo musicale complessivo.
Prendendo cura dello sviluppo delle manifestazioni creative dei bambini, l'insegnante offre loro una varietà di compiti, ad esempio per valutare l'esecuzione di una melodia familiare, o l'improvvisazione di un amico, o la propria esecuzione su qualsiasi strumento musicale; scegli tra gli strumenti musicali proposti sui quali potrai raffigurare il canto degli uccelli, il fruscio delle foglie, l'ululato del vento, ecc.; scegli strumenti musicali adatti come timbro su cui puoi eseguire questo o quel pezzo, canzone; trasmettere il ritmo di una marcia composta dal bambino stesso su un tamburo o un tamburello; prova a comporre una melodia di ballo, ecc.
Il ruolo del direttore musicale e dell'educatore è abbastanza ovvio. Dovrebbero non solo essere abili nella metodologia di guida delle classi, ma anche essere in grado di suonare liberamente gli strumenti musicali dei bambini, conoscere il dispositivo e le tecniche per suonarli.
Suonare gli strumenti è un'attività musicale interessante e utile per i bambini. I giocattoli e gli strumenti musicali ti permettono di decorare la vita di un bambino, intrattenerlo e ispirare il desiderio della sua creatività. Nel processo di apprendimento degli strumenti, le idee uditive, il senso del ritmo, il timbro, la dinamica sono ben formati. Nelle azioni del bambino si sviluppa l'indipendenza, l'attenzione e l'organizzazione.
L'intera gamma di tecniche per introdurre i bambini a spettacoli musicali divertenti e complessi li prepara bene per le future classi a scuola.

DOMANDE E INCARICHI

1. Qual è l'importanza dei giocattoli e degli strumenti musicali nella vita dei bambini in età prescolare?
2. Descrivi i tipi di strumenti per bambini.
3. Parlaci delle peculiarità dei giocattoli e degli strumenti musicali per bambini.
4. A che età è consigliato imparare a suonare gli strumenti musicali? Elenca gli obiettivi di apprendimento.
5. Quale repertorio musicale è consigliabile utilizzare nell'insegnamento a suonare gli strumenti.
6. Qual è la metodologia per insegnare ai bambini in età prescolare a suonare gli strumenti musicali per bambini?
7. Usando un brano musicale come esempio, fai un riassunto delle lezioni durante le quali l'insegnante insegna ai bambini a suonare il metallofono.
8. Elenca le forme di insegnamento ai bambini a suonare gli strumenti.

9. Espandere i metodi per sviluppare la creatività musicale dei bambini nel processo di padronanza del suono degli strumenti.

LETTERATURA

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Metodologia dell'educazione musicale nella scuola materna: “Doshk. educazione "/ N.А. Vetlugin, I.L. Dzerzhinskaya, L.N. Komissarova e altri; Ed. SU. Vetlugina. - 3a ed., Rev. e aggiungi. - M.: Educazione, 1989 .-- 270 p.: note.

Piano della lezione:

1) Momento organizzativo

2) Riscaldare. Esercizi finalizzati alla libertà dell'apparato locomotore.

3) Lavorare con materiale musicale (usando tecnologie salvavita).

4) Situazione problematica basata su materiale didattico.

5) Consolidamento del materiale passato - mezzi espressivi in ​​musica (uso della tecnologia del gioco).

6) Riassunto della lezione.

7) Compiti a casa.

Scarica:

Anteprima:

Gestione del sistema educativo dell'amministrazione del distretto municipale di Lukhovitsky

MBOU DOD "Scuola di musica per bambini rurali Krasnopoimovskaya"

Lezione aperta nella specialità

(Dipartimento di Strumenti Folkloristici)

Sul tema: "Le principali fasi dell'apprendimento iniziale a suonare la chitarra"

Insegnante: Romanova O.N.

P. Krasnaya pianura alluvionale 2012

Tipo di lezione : combinato (consolidamento della conoscenza, applicazione complessa della conoscenza).

La lezione comprende:

Atteggiamento organizzativo e sostanziale

Testare la profondità di comprensione e la forza delle conoscenze dello studente

Interazione tra insegnante e bambino basata sul messaggio - assimilazione di nuove conoscenze, abilità e abilità

Consolidamento del materiale appreso e degli esercizi

Diagnostica della forza dell'assimilazione della conoscenza

Briefing sui compiti

Tipo di lezione: tradizionale

Lo scopo della lezione : consolidamento del concetto di mezzo di espressione musicale sul materiale di esercizi, giochi didattici e opere studiate.

Metodi di insegnamento :

1) Prospettiva: trasmissione verbale e percezione uditiva. L'insegnante comunica informazioni già pronte tramite demo. Lo studente comprende e ricorda.

2) Riproduttivo: memorizzazione da parte dello studente delle informazioni fornite dal docente. Promuove la formazione di conoscenze, abilità e abilità attraverso un sistema di esercizi.

3) Pratico: giochi musicali e didattici, azioni ripetute per migliorare l'abilità e sviluppare l'orecchio musicale.

Tecniche metodiche:

Verbale, visivo, pratico

Attivazione dell'udito, appello alla percezione musicale dello studente

Sviluppo del pensiero, iniziativa creativa

Metodi di controllo e autocontrollo: durante l'esecuzione ascoltare il suono riprodotto; eseguire correttamente la melodia e trasmettere lo schema ritmico.

Condizioni psicologiche a lezione:

Mobilitazione dell'attenzione, attività cognitiva, ritmo ottimale della lezione, flessibilità, capacità di ristrutturare compositivamente la lezione tenendo conto della situazione in via di sviluppo, microclima psicologico nella lezione.

Obiettivi della lezione:

In una forma interessante per il bambino, consolidare il concetto di mezzo espressivo nella musica e la loro influenza sul tono emotivo-figurativo dell'opera, al fine di ampliare le capacità creative dello studente nel processo di apprendimento dello strumento.

1) Educativo: consolidare le conoscenze teoriche studiate (tratti, armonia, tempo, timbro, ritmo, melodia), continuare la formazione di abilità pratiche, lavorare con sfumature dinamiche, eseguire un brano a un determinato tempo).

2) Evolutivo: sviluppo dell'udito, coordinazione dei movimenti, pensiero musicale figurativo, attività creativa attraverso varie attività.

3) Educativo: coltivare l'amore per la musica, coltivare il gusto estetico, coltivare perseveranza, diligenza, concentrazione.

Mezzi di educazione:

Strumento (chitarra), sedia, poggiapiedi, console, sussidi musicali, disegno, puzzle musicali.

Applicazione delle tecnologie pedagogiche:

1. Risparmio di salute:

Si sviluppano i muscoli delle dita, il che ha un effetto positivo sulla memoria. Le lezioni di musica ti insegnano come utilizzare la tua giornata lavorativa in modo più efficiente, sarà più organizzata.

Organizzazione razionale della lezione: pausa dinamica, inclusione di momenti di gioco, esercizi.

L'alternanza di varie tipologie di attività didattiche (suonare scale, esercizi è sostituita dall'analisi del materiale musicale, dalla ripetizione di brani appresi e dall'ascolto di musica).

Nella lezione sono importanti il ​​comfort psicologico, lo stile di comunicazione tra l'insegnante e lo studente, la carica di emozioni positive e la manifestazione della buona volontà.

2. Tecnologia dell'apprendimento centrato sullo studente:

Il riconoscimento dello studente come attore principale nell'intero processo educativo è la pedagogia orientata alla personalità. Questa tecnologia si basa sul riconoscimento dell'individualità, dell'originalità di ogni persona, del suo sviluppo, principalmente come individuo dotato della propria esperienza soggettiva unica. Nella lezione vengono create le condizioni per l'autorealizzazione dello studente, lo sviluppo delle capacità cognitive individuali, l'immaginazione creativa.

Esercizi "Dita che camminano", "Hocus pocus".

Questo compito stimola lo studente a scegliere autonomamente i modi per risolvere questo problema; rivela l'esperienza soggettiva dello studente; valuta non solo il risultato, ma soprattutto il processo di apprendimento; stimola lo sviluppo di sé, l'espressione di sé nel corso della padronanza della conoscenza.

3. Tecnologia dell'apprendimento dei problemi:

Questa tecnologia implica una presentazione coerente e mirata dei problemi educativi allo studente. Lo studente è coinvolto in un'attività mentale attiva, esprime la propria opinione e assimila attivamente la conoscenza.

4. Tecnologia di formazione della motivazione o tecnologia del gioco:

La tecnologia implica l'organizzazione di attività di gioco volte a trovare, elaborare e assimilare informazioni educative. È bene utilizzarlo durante il periodo di formazione iniziale. L'inclusione di momenti di gioco nel processo educativo aumenta l'interesse dello studente per le lezioni sullo strumento, attiva la sua attività creativa. L'insegnante crea una cosiddetta "situazione di successo" in classe. Sentirsi di successo aumenta la motivazione all'apprendimento, mantiene l'interesse e l'entusiasmo per suonare lo strumento ed evoca emozioni positive.

Piano della lezione:

1) Momento organizzativo

2) Riscaldare. Esercizi finalizzati alla libertà dell'apparato locomotore.

3) Lavorare con materiale musicale (usando tecnologie salvavita).

4) Situazione problematica basata su materiale didattico.

5) Consolidamento del materiale passato - mezzi espressivi in ​​musica (uso della tecnologia del gioco).

6) Riepilogo della lezione.

7) Compiti a casa.

Durante le lezioni:

1) Momento organizzativo... Saluti, arrivo allo strumento, umore per un lavoro creativo attivo.

2) Riscaldare. Esercizi "Dita che camminano"finalizzato alla libertà delle dita della mano destra. (Monitoriamo la qualità della produzione del suono e la libertà delle dita della mano destra).

Esercizio di hocus pocus(tocca lo schema ritmico della poesia):

Hocus - pocus, pesca a strascico - wali,

Un topo sta cavalcando un camion.

Cosa stai facendo, questo, topo,

Guardandoci dall'alto in basso?

Spara, spara, spara.

P P P P

1 1 2 2 1 1 3 3

P P P P

1 1 4 4 1 1 3 3

P P P |

1 1 2 2 1 1 3

P P P |

1 1 4 4 1 1 2

Consolidamento dell'abilità non legato sullo studio della scala Fa maggiore ... Esecuzione basata sul primo suono, lavoro con la dinamica.

Ripetizione di scale in do maggiore e re maggiore a un ritmo flessibile, utilizzando sfumature dinamiche e vari schemi ritmici (utilizzando durate - quarto e ottavo).

L. Panayotov Studio (la minore).

3) Lavorare con materiale musicalecon l'uso di tecnologie salvavita. Lo studente esegue brani precedentemente appresi.

N. Ponyaev "Autunno"(ascolto, lavoro sull'immagine, lavoro sulla dinamica), utilizzo dell'ausilio visivo (immagine).

Canzone popolare ucraina "Il cosacco ha attraversato il Danubio" (lavorare in luoghi difficili).

Fis. riscaldamento:

Esercizio per gli occhi: sposta gli occhi a destra, a sinistra, su, giù, chiudili, aprili.

Esercizio "Centipede" - chiudi le mani in un anello (la mano destra è in alto), passa alternativamente sulla superficie delle mani con le dita di entrambe le mani, pronunciando il testo: "Due millepiedi correvano lungo il sentiero. Corsero, corsero e si raggiunsero".

4) Situazione problematica basata su materiale didattico

Arrangiato da V. Kalinin Canzone popolare russa "Come un prato"

(analisi del testo musicale, visualizzazione delle singole parti - temi e accompagnamento, riproduzione di un tema con le parole di una canzone, combinazione di 2 parti).

5) Assicurare il materiale passato(note di prima e seconda ottava, mezzi espressivi in ​​musica) utilizzando la tecnologia del gioco (disegni, puzzle).

6) Riepilogo della lezione:

I mezzi di espressione musicale influenzano più direttamente la natura di un brano musicale, la sua immagine. Lo sviluppo simultaneo dell'udito, il senso del ritmo, la capacità di leggere una notazione musicale, di suonare in modo espressivo aumenta l'efficacia della padronanza di ciascuna abilità separatamente e fornisce un approccio olistico e sistematico all'apprendimento. L'esperienza attiva di un brano musicale aiuta la percezione della musica e ha un effetto positivo sul processo creativo. Accendendo una scintilla di interesse nell'apprendere l'affascinante mondo della musica, instilliamo nello studente l'amore per l'arte, formando il suo gusto artistico ed estetico.

7) Compiti a casa, valutazione.

Riepilogo lezione di matematica:

Docente della classe di strumenti a fiato.

MBOU DOD DSHI villaggio Berkakit

Gryzhuk Yulia Valerievna

2018

Schema piano

Articolo: classe di strumenti a fiato

Classe: 2

Tipo di occupazione: individuale

Argomento della lezione : "Metodologia completa per l'insegnamento degli strumenti a fiato nella scuola primaria"

Sistema educativo utilizzato (tecnica, tecnologia)

- L'insegnante crea le condizioni per la crescita spirituale dell'individuo, i suoi bisogni di auto-miglioramento;

- Un prerequisito per l'apprendimento è creare i presupposti per il passaggio dall'educazione all'autoeducazione;

- Modalità di attività congiunta nel sistema: docente - studente; studente - studente; studente - genitore; insegnante - genitore (circuito chiuso).

– L'insegnante sviluppa l'attività creativa nel bambino. È importante determinare le capacità, la concentrazione, il potenziale di ogni studente, la sua vita e i suoi orientamenti professionali e dirigere il suo sviluppo. L'insegnante utilizza anche forme e metodi attivi di insegnamento ed educazione, un approccio basato sull'attività all'apprendimento, al movimento e allo sviluppo basato sull'esperienza personale per comprendere e accumulare nuove esperienze e conoscenze.

Tecnologia salvavita;

Tecnologia di gioco;

Tecnologia orientata alla personalità con un approccio differenziato;- educazione allo sviluppo;

Artistico.

Materiali metodici:

Gotsdiner G. Psicologia musicale - M., 1987.

Skok G. Come analizzare la propria attività pedagogica - M., 2000.

Kirnarskaya D. Abilità musicali. - "Talenti-XXI secolo".

Berger N. Concetto moderno e metodi di insegnamento della musica - S.-P., 2004. Ginzburg L. Sul lavoro su un brano musicale-M.1977.

Kryukova V. Pedagogia musicale. Rostov sul Don 2002.

Mühlberg K. Fondamenti teorici per imparare a suonare strumenti a fiato. Kiev, 1985.

Platonov P. Domande sui metodi di insegnamento per suonare strumenti a fiato. - M., 1978.

Rozanov V. Fondamenti di metodi di insegnamento e suonare strumenti a fiato. - M., 1988.

Kryuchkov A. Fondamenti dell'esecuzione della respirazione durante la riproduzione di strumenti musicali a fiato per studenti dell'istruzione specializzata primaria e secondaria. M., 1985

Ausili per la formazione tecnica (se utilizzato nella lezione)

Un elenco di registrazioni audio e video, supporti visivi, ecc. utilizzati nella lezione.

Attrezzatura per le lezioni :

piano delle lezioni;

due sassofoni (uno per l'insegnante);

pianoforte;

Leggio;

materiale musicale;

materiale didattico (schede con compiti, disegni dei bambini).

Obiettivi della lezione :

educativo :

Formazione delle abilità di base quando si padroneggia il gioco del sassofono:

1. Chiusura sicura delle valvole con le dita di entrambe le mani, flessibilità delle dita

per alcune diteggiature;

2. apprendimento del corretto posizionamento "libero" dell'apparato labiale

(ricamo);

3. uso corretto della respirazione durante il gioco;

Sviluppando:

Sviluppo delle capacità di lavoro autonomo e creativo fin dalle prime lezioni

musica;

Sviluppo dell'udito, della memoria, del ritmo, del pensiero musicale;

Sviluppo delle abilità di base mentre si padroneggia il sassofono.

Lo sviluppo di una visione generale, lo sviluppo della volontà e il controllo del proprio comportamento.

Educativo:

Educazione al gusto estetico.

- educazione alla perseveranza e al duro lavoro.

Obiettivi della lezione:

preparazione di un musicista sensibile e colto - interprete orchestrale e da camera, nonché di un solista che sia esperto nei mezzi espressivi insiti nel suo strumento ed è in grado di rivelare al pubblico il contenuto delle opere musicali;

insegna ad ascoltarti e sentirti durante la performance.

Metodi e tecniche per l'attuazione dei compiti:

Osservazione;

Udito;

pratico;

Visivo;

Risultato atteso :

- consolidamento delle abilità iniziali di suonare il sassofono in combinazione con

migliorare lo stato fisico e psicologico del corpo.

- impara a suonare lo strumento liberamente

Padroneggia i compiti principali nella tecnologia del gioco.

Acquisire esperienza nel lavoro analitico durante l'esecuzione di studi, scale,

esercizi e giochi

La parte principale della lezione:

"Metodologia completa per l'insegnamento degli strumenti a fiato nella scuola primaria."

1.Introduzione: conoscere lo strumento

Il sassofono è uno strumento relativamente giovane, il cui inventore fu il talentuoso maestro di musica, il belga Adolph Sachs (1814-1894). Dopo una lunga ricerca e sperimentazione, è riuscito a realizzare la prima copia di uno strumento musicale insolito, che ha ricevuto il nome del suo inventore. Questo accadde intorno al 1840. Sachs è stato il primo ad esibirsi di fronte a un pubblico, dimostrando con il suo modo di suonare tutte le virtù del sassofono.

Successivamente, Sachs sviluppò la sua idea costruttiva, che lo portò a creare un'intera famiglia di sassofoni. Ha fatto la prima famiglia per l'uso in un'orchestra d'opera e sinfonica, e la seconda in una banda di ottoni. Inoltre, ogni tipo di sassofono riceveva il suo nome in accordo con i nomi accettati delle voci cantate: sopranino, soprano, contralto, tenore, baritono e basso. I sassofoni del primo gruppo non hanno resistito alla prova del tempo e hanno lasciato il posto agli strumenti della seconda famiglia. È su di loro che i sassofonisti suonano oggi sul palco di un concerto, in un'orchestra, in un ensemble.

I primi a sentire la bellezza del timbro del sassofono, principalmente come membro dell'orchestra operistica e sinfonica, furono gli eccezionali compositori francesi del XIX secolo G. Berlioz, A. Thomas, J. Bizet, J. Massenet, JI. Delibes, C. Saint-Saens, V. d'Andy e altri. Furono loro ad anticipare il futuro del sassofono e la prospettiva della sua partecipazione a varie forme accademiche e generi di arte musicale. Soprattutto molte eccellenti composizioni per sassofono sono state create nel 20 ° secolo. La musica è stata scritta per lui da A. Glazunov, K. Debussy, F. Schmitt, J. Ibert, P. Hindemith, P. Creston, E. Vila-Lobos, A. Jolivet, G. Dubois, E. Bozza, E. Denisov, A. Eshpai e altri. Oltre all'esecuzione solista e orchestrale, si è diffusa la forma d'insieme di suonare il sassofono. Oltre alle opere scritte appositamente per il sassofono, il repertorio degli interpreti comprende molti arrangiamenti e trascrizioni di musica classica, che rivelano anche le capacità naturali dello strumento.

I sassofonisti hanno raggiunto grandi risultati nel campo della musica jazz, dove lo strumento ha avuto una posizione di primo piano per lungo tempo.

Il sassofono appartiene al gruppo degli strumenti a fiato e ha un design complesso. Si compone di tre parti principali: un bocchino conuna canna, un bocchino e un corpo con un sistema sviluppato di meccanismo a valvola-leva. L'estremità del tubo dell'utensile ha la forma di una campana rivolta verso l'alto.

Una parte importante del sassofono èboccaglio, che in apparenza è un cilindro cavo a forma di becco. È realizzato in gomma, ebanite, plexiglass o una speciale lega di metalli. Il bocchino ha un grande impatto sul suono dello strumento, o meglio sul colore del suono. Il boccaglio può essere facilmente attaccato e rimosso dal boccaglio

2. Impostazione razionale.

Per padroneggiare con successo la tecnica di suonare il sassofono, specialmente nella fase iniziale della formazione, un futuro musicista deve prima di tutto comprendere bene le regole di base della messa in scena, seguite dalla loro implementazione nel processo di lavoro individuale.

Il concetto di "messa in scena" indica un insieme di regole per la posizione razionale e l'interazione di tutti i componenti dell'apparato esecutivo del musicista (respiro, labbra, dita, mani, ecc.). La messa in scena razionale aiuta il sassofonista, con il minimo sforzo e tempo, a ottenere risultati di alta qualità del gioco, per evitare inutili tensioni muscolari aggiuntive. Compito di una corretta esecuzione è quello di promuovere un'efficace e disciplinata organizzazione delle lezioni sullo strumento, in cui la scelta delle tecniche, dei metodi e dei ritmi di lavoro sia fatta tenendo conto del livello e della durata della formazione del musicista, nonché della sua capacità individuali.

L'impostazione razionale include i seguenti elementi:

1. Impostazione generale: un modo comodo per tenere il sassofono tra le mani, la posizione corretta del corpo, della testa, delle mani, delle dita delle mani e dei piedi.

2. Impostazione della respirazione performante - metodi di controllo volontario della respirazione e regole per cambiare il respiro durante il gioco.

3. Posizionamento del cuscinetto auricolare: la posizione più appropriata del boccaglio sulle labbra, la forma e la natura dell'azione del cuscinetto auricolare e della mascella inferiore.

4. Impostazione dell'articolazione: la posizione della lingua, la forma della cavità orale.

5. Impostazione della diteggiatura - la disposizione delle dita sullo strumento, l'organizzazione di azioni riflesse precise, coordinate, stabili, libere ed economiche dell'apparato delle dita.

Il prerequisito più importante per la formazione delle abilità della tecnica esecutiva del sassofonista è l'osservanza dei requisiti che garantiscono l'impostazione generale dell'esecuzione. Si riducono ai seguenti punti.

Il corpo e la testa del sassofonista devono essere mantenuti dritti e dritti, senza deviazioni ai lati e inclinati avanti e indietro. La postura dovrebbe essere naturale, rilassata, indipendentemente dal fatto che il sassofonista si stia esercitando sullo strumento in piedi o seduto. In questo caso, il torace deve essere leggermente sollevato e le spalle devono essere espanse. Questo darà ai muscoli respiratori più libertà di lavorare.

Un buon supporto per i piedi aiuta a mantenere la corretta postura del corpo quando si gioca in piedi. Per fare questo, è meglio allargarli alla larghezza dei piedi, aprire i calzini e spingere leggermente in avanti la gamba sinistra. Quando si gioca stando seduti, si consiglia di sedersi in posizione eretta, su metà della sedia, senza supporto sullo schienale. È severamente vietato incrociare le gambe durante questa operazione. Il sassofono contralto è posizionato nelle mani obliquamente lungo il corpo, appoggiato con la sua curvatura inferiore del tubo sulla coscia destra del suonatore. Per adattarsi alla posizione stabile del sassofono, una speciale cinghia con moschettone consente di impostare l'altezza desiderata della sospensione dello strumento.

La comoda presa delle labbra del bocchino con un'ancia si regola ruotando il bocchino sul bocchino senza cambiare la posizione della testa.

Per la messa in scena generale del sassofonista, il gomito destro è retratto leggermente all'indietro, lontano dal corpo. Le dita sono poste sui tasti principali (di madreperla), a una distanza di circa un centimetro dalla loro superficie. Dovrebbero essere (ad eccezione dei pollici) in uno stato arrotondato e rilassato e nell'area di piegatura della prima e della seconda falange, avvicinarsi alla posizione verticale. I tasti e le leve si toccano con i polpastrelli delle dita senza aumentare la pressione, con un certo anticipo dell'attacco sonoro. Quando premi gli indici sulle valvole laterali, dovresti collegare piccoli movimenti delle mani. La condizione naturale dei polsi, che insieme alle mani delle mani, formano una linea retta, contribuisce al corretto posizionamento delle dita. Quando le dita della mano sinistra toccano le valvole laterali, c'è un certo cedimento del polso.

Tecnica di respirazione .

Nel processo di sviluppo coerente della tecnica individuale di suonare il sassofono, la formulazione del professionista, cioè l'esecuzione, la respirazione è di particolare importanza.

La respirazione professionale di un sassofonista è una respirazione specifica: oltre alla funzione fisiologica (scambio gassoso continuo), svolge la funzione di puntuale apporto d'aria allo strumento. Questa respirazione si basa sull'abilità del controllo volontario del sassofonista delle fasi di inspirazione ed espirazione. Entrambe le fasi della respirazione sono interconnesse e procedono nelle loro condizioni speciali: un'inspirazione rapida e breve e un'espirazione lunga e uniforme. La principale difficoltà della tecnica di respirazione performante è la coordinazione delle due fasi di respirazione. L'uso sapiente da parte del sassofonista della flessibilità naturale dei muscoli respiratori e l'uso di un tipo di respirazione razionale aiutano a superare questa difficoltà.

Quando si suona il sassofono, l'inalazione avviene rapidamente e silenziosamente attraverso gli angoli della bocca e in parte attraverso il naso. Durante l'inalazione, il sassofonista non deve aspirare troppa aria per evitare un'eccessiva tensione dei muscoli respiratori. È inoltre necessario assicurarsi che le spalle non si alzino durante l'inalazione. La frequenza inspiratoria dovrebbe corrispondere al tempo assegnato per il cambio di respiro: più breve è la pausa, più veloce è l'inspirazione e viceversa.

Esistono due tipi di respirazione: diaframmatica e addominale.

La respirazione diaframmatica è caratterizzata dal movimento attivo del diaframma e delle costole inferiori. Di solito viene utilizzato quando si suonano brevi costruzioni musicali o quando il sassofonista ha poco tempo per inspirare. E viceversa - quando c'è abbastanza tempo assegnato per la riproduzione dell'inalazione, allora si ricorre a un tipo di respirazione profonda - la respirazione addominale, che consente di eseguire lunghe frasi musicali senza sovraccarichi forzati.

Lo sviluppo delle tecniche di respirazione può essere effettuato in due modi: senza uno strumento e mentre lo si suona.

Il primo metodo è di natura ausiliaria. Si basa sull'esecuzione da parte del sassofonista di vari complessi di esercizi fisici generali e di respirazione speciale, che contribuiscono favorevolmente alla vitalità generale del corpo e al rafforzamento del sistema respiratorio. Particolarmente utili sono gli esercizi di respirazione per un sassofonista principiante, che gli consentono di acquisire rapidamente l'abilità di controllo cosciente della frequenza e della profondità dell'inspirazione, del rapporto tra la durata dell'inspirazione e dell'espirazione e il grado di tensione nella zona del respiro sostegno.

Il secondo metodo con cui si sviluppa la tecnica di respirazione è il principale. È caratterizzato dal gioco sistematico di suoni continui in varie tonalità dinamiche, nonché dall'esecuzione di musica lenta e, naturalmente, da vari tipi di esercizi.

Idem per far esplodere la nota conF Su Pe ritorno. Suonare note lunghe in ottave.

3. Estrazione del suono. Formazione del cuscinetto auricolare.

Quando si suona il sassofono, le azioni più sottili e complesse vengono eseguite da labbra modellate e allenate in un certo modo. L'insieme dei muscoli labiali e facciali coinvolti nella produzione del suono e la loro posizione caratteristica attorno al boccaglio con una canna formano uno speciale complesso fisiologico - un cuscinetto per le orecchie (dafrancese le parole bouche - bocca e imboccatrice - da mettere alla bocca. Per la corretta impostazione del cuscinetto auricolare, devono essere soddisfatte le seguenti condizioni:

1. Respira profondamente senza sollevare le spalle.

2. Piegare leggermente il labbro inferiore sui denti inferiori.

3. I denti superiori si mettono saldamente sul boccaglio al centro, chiudi le mascelle.

4. Mantieni le tue labbra in un mezzo sorriso.

5. Metti la lingua sotto il bastone e soffia aria silenziosamente, tirando contemporaneamente la lingua verso l'interno e verso il basso, senza gonfiare le guance.

6. tirare il suono, monitorare l'uniformità dell'intonazione.

Il primo suono viene emesso sul bocchino e solo quando l'intonazione diventa stabile iniziano le lezioni sullo strumento. Per allenare l'apparato labiale, di norma, sono adatti esercizi per lo sviluppo di tecniche di respirazione. Anche nella fase iniziale dell'allenamento, l'elasticità dei muscoli labiali viene allenata su semplici studi:

Man mano che le capacità motorie del cuscinetto auricolare si consolidano, forza e resistenza compaiono nelle labbra, è possibile complicare gli esercizi di allenamento, passare alla padronanza dei registri estremi dello strumento.

L'impostazione del cuscinetto auricolare è inseparabile dal preascolto uditivo della qualità del suono che viene estratto. Memoria muscolare e udito interagiscono contemporaneamente, fornendo così il suono del sassofono nei diversi registri necessari per timbro, dinamica e intonazione. Ambushur coordina il proprio lavoro anche con altri reparti dell'apparato esecutivo del sassofonista, unendosi a loro in una complessa catena di produzione del suono.

Il sassofonista deve monitorare costantemente le condizioni delle sue labbra, proteggerle da varie lesioni, screpolature. Se il labbro inferiore è tagliato con i denti, puoi usare cuscinetti dentali fatti di carta, cotone idrofilo, elastici o ordinare un cuscinetto speciale dai dentisti.

Attacco sonoro.

Quando si suona il sassofono, l'inizio dell'estrazione del suono viene eseguito in vari modi associati al movimento simultaneo della lingua e al flusso d'aria espirato. Questo momento iniziale della produzione del suono è chiamato attacco sonoro. Il sassofonista dovrebbe attribuire particolare importanza all'attacco, poiché caratterizza il modo individuale di pronunciare il suono.

L'attacco sonoro è fornito dal lavoro attivo di un intero gruppo di muscoli della lingua, che, una volta contratti, modificano la configurazione della lingua: la rendono piatta o ispessita, rilassata o densa.

Prima dell'inizio dell'estrazione del suono, la lingua è in posizione avanzata, toccando il lato interno del "cuscino" muscolare del labbro inferiore e la parte superiore della canna.

stabilità dell'intonazione e qualità del tono.

Il rafforzamento di questa abilità di esecuzione iniziale può essere effettuato attraverso il lavoro su un esercizio speciale, ad esempio:

4. Tecnica del gioco.

Di grande importanza per l'adattamento individuale del sassofonista al suo strumento è lo sviluppo di una varietà di movimenti costantemente interagenti delle dita di entrambe le mani, che forniscono il contatto necessario con il meccanismo della valvola a leva del sassofono.

La tecnica delle dita del sassofonista presuppone la capacità di suonare in modo rapido, chiaro, coordinato e senza stress. Questa qualità viene acquisita in una certa sequenza (dal semplice al complesso) e sotto la condizione di studi lunghi e ponderati. Il lavoro delle dita è coerente con il funzionamento ludico della respirazione, dei cuscinetti auricolari, dell'apparato articolare e dell'udito.

La formazione delle abilità di gioco dell'apparato delle dita ha le seguenti leggi generali:

1. Nella fase iniziale del lavoro sulle abilità motorie digitali, l'abilità motoria si forma progressivamente, sulla base di un ciclo ripetitivo di esercizi, ovvero il consolidamento dello stereotipo riflesso dei movimenti.

2. Nella fase successiva del lavoro tecnico, si verifica la stabilizzazione dell'abilità motoria, il movimento delle dita acquisisce un carattere variabile: quando cambiano l'intonazione, le condizioni dinamiche e timbriche del gioco, possono eseguire azioni con varie combinazioni di diteggiature, e in caso di stimoli esterni estranei, le dita agiscono stabilmente senza disturbi e rotture della diteggiatura.

3. A seconda delle situazioni di gioco, alcuni movimenti di diteggiatura memorizzati, non importa quanto bene siano automatizzati, possono essere eseguiti inconsciamente o consapevolmente.

4. Il rafforzamento riflesso delle abilità si acquisisce meglio quando si lavora su materiale tecnico a un ritmo lento, attraverso ripetizioni multiple, il cui numero dovrebbe essere ottimale e individuale per ciascun sassofonista.

5. Durante il passaggio dalla fase iniziale dell'automazione dei movimenti all'ulteriore miglioramento della fluidità delle dita, il consolidamento dell'abilità motoria rallenta leggermente, mentre la crescita della tecnica di esecuzione avviene a passi da gigante, con aumenti e ritardi.

Nel processo di lavoro sulla tecnica delle dita, il sassofonista sviluppa una specifica sensibilità muscolo-motoria, che consente di coordinare con precisione le azioni motorie delle dita nelle relazioni spaziali, temporali e di diteggiatura. È necessario sviluppare la tecnica delle dita sui seguenti esercizi:
Quando si suonano vari esercizi, scale e studi, il compito principale di un sassofonista principiante è posizionare liberamente l'apparato di gioco (mani, dita, cuscinetti auricolari, respirazione).

5.Analisi del risultato della lezione:

Gli scopi e gli obiettivi principali della lezione erano insegnare al bambino come suonare correttamente lo strumento. Il bambino ha padroneggiato i principi iniziali della configurazione dell'intero apparato nel suo insieme: ecco come tenere correttamente lo strumento, come è necessario tenere la testa e il corpo allo stesso tempo, come dovrebbero funzionare l'apparato labiale e le dita. Inoltre, il bambino sa in quale sequenza sarà impegnato, quali esercizi per lo sviluppo di determinati tipi di tecniche utilizzerà nel processo di allenamento. Le competenze acquisite nella lezione iniziale devono essere sviluppate e mantenute durante l'intero processo di apprendimento presso la scuola di musica.

Forme di verifica dei compiti dello studente:

Alla casa viene chiesto:

1.Suonare suoni lunghi in sequenza diretta - 10 minuti Suonare la scala smontata durante la lezione.

2. Analisi indipendente dello studio.

3.Lavorare sul lavoro, completare i compiti impostati nella lezione.