Lavorare con un insieme omogeneo di strumenti popolari russi. Sviluppo metodico di Dorchenkova E

Istituzione di bilancio comunale

Istruzione aggiuntiva

"Scuola d'arte per bambini intitolata ad A.M. Kuzmin"

Relazione sull'argomento:

« Lavorare con un ensemble misto di strumenti popolari russi»

Eseguita:

insegnante

Kolomiets I.V.

città di Megion

Le tendenze moderne nel campo dell'esecuzione su strumenti popolari russi sono associate allo sviluppo intensivo della produzione musicale d'insieme, con il funzionamento di vari tipi di ensemble presso società filarmoniche e palazzi della cultura, in varie istituzioni educative. Ciò implica la necessità di una formazione mirata dei leader dei corrispondenti ensemble nei dipartimenti e nei dipartimenti di strumenti popolari delle scuole musicali e delle università del paese.

Tuttavia, l'educazione dell'insieme nella pratica educativa, di regola, è associata a determinate limitazioni. Gli insegnanti sono solitamente incaricati di dirigere gruppi omogenei: suonatori di fisarmonica - gruppi di fisarmoniche a bottoni, domrist o suonatori di balalaika - gruppi di strumenti popolari a pizzico. Composizioni di questo tipo si sono diffuse nella performance professionale. Basti ricordare ensemble rinomati come il trio di fisarmonicisti A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, il duetto di fisarmonicisti A. Shalaev - N. Krylov, il Trio di fisarmonicisti Ural, il Quartetto Filarmonico di Kiev, l'ensemble Skaz , eccetera.

Indubbiamente, lavorare con ensemble omogenei - duetti, trii, quartetti di fisarmoniche, trii, quartetti e quintetti domra, balalaika unisono, ecc. - è molto importante. Tuttavia, le restrizioni descritte nelle attività degli insegnanti delle scuole e delle università impediscono la formazione a tutti gli effetti di giovani specialisti, poiché di fatto i diplomati delle scuole di musica molto spesso affrontano la necessità di gestire complessi misti. Molto spesso, questi ultimi sono costituiti da strumenti a corda e una fisarmonica a bottoni. Le classi con tali gruppi dovrebbero diventare una parte organica del processo educativo.

Iniziando a lavorare, un insegnante moderno deve affrontare inevitabili difficoltà: in primo luogo, con un'acuta carenza di letteratura metodologica dedicata a ensemble misti di strumenti popolari russi; in secondo luogo, con un numero limitato di raccolte di repertorio, comprendenti interessanti composizioni originali, trascrizioni, arrangiamenti, verificate dalla pratica concertistica, e tenendo conto dei diversi livelli di formazione e direzioni creative delle composizioni indicate. La maggior parte della letteratura metodologica pubblicata è diretta a complessi da camera accademici - con la partecipazione di strumenti ad arco per pianoforte. Il contenuto di tali pubblicazioni richiede aggiustamenti significativi, tenendo conto delle specificità della produzione musicale di ensemble folk (vedi, ad esempio,).

Il gioco collettivo sugli strumenti musicali è un mezzo potente per educare e insegnare ai bambini la creatività musicale. Suonare in un insieme disciplina, sviluppa il senso di responsabilità, attiva le capacità musicali, include nel lavoro e allena i meccanismi mentali responsabili dell'attività nervosa sottile.

In ogni scuola puoi trovare 8-10 studenti che hanno strumenti musicali in casa. Può essere una fisarmonica a bottoni, fisarmonica, fisarmonica. Puoi cercare strumenti per il gioco da parenti, conoscenti, vicini. La mia esperienza nella creazione di orchestre per bambini di strumenti popolari mi permette di dire che c'è sempre un numero sufficiente di strumenti. Inoltre, da magazzini e solai emergono esemplari museali quasi rari di fisarmoniche, fisarmoniche, fisarmoniche. Certo, molti strumenti richiedono riparazioni serie, ma questa è un'altra storia.

Quindi, dai bambini che hanno strumenti musicali e vogliono imparare a suonarli, viene creato un ensemble strumentale.

Dopo aver selezionato la composizione minima della futura squadra, i bambini con gli strumenti e preferibilmente con i loro genitori sono invitati alla prima lezione. Alla lezione introduttiva, il leader stabilisce i compiti per i bambini, spiega i metodi di insegnamento, prepara la squadra per il lavoro, concentrandosi sulla sistematicità delle lezioni e su un atteggiamento coscienzioso nei confronti dei compiti. Naturalmente, per creare una squadra del genere, è necessaria una solida base teorica, in cui tutto è pianificato, programmato e sistemato sugli scaffali.

È positivo se il leader ha un programma per orchestra (ensemble) con applicazioni di pianificazione e repertorio tematiche. Un tale programma è la base di qualsiasi educazione, non un tributo alla moda. Guidato dalle disposizioni del presente documento, il docente potrà stabilire, organizzare con chiarezza le attività di prova e concerto del collettivo. Alla prima lezione, il leader parla degli strumenti musicali che faranno parte dell'ensemble, dimostra le loro capacità. Naturalmente, il leader deve essere fluente in questi strumenti. Dopo aver discusso l'orario delle lezioni e risolto i problemi organizzativi sorti, puoi procedere direttamente al gioco. Ecco cosa imparare nella prima lezione:

1. Corretto adattamento e posizione delle dita sulla tastiera.

2. Estrarre individualmente e collettivamente le note "C".

3.Suonare la nota "Do" sotto il metronomo a ritmi diversi e con durate diverse.

4. Razionalmente - corretto funzionamento della pelliccia durante l'estrazione del suono.

E che questo primo incontro si trascini, che sia in questo incontro che i bambini capiranno che "non sono gli dei che bruciano pentole", che imparare a suonare la fisarmonica a bottoni, fisarmonica, fisarmonica è abbastanza reale.

Per una più completa padronanza dello strumento da parte dei bambini, il conduttore deve pianificare e organizzare lezioni individuali. Non dovrebbero limitarsi solo all'apprendimento delle opere. Qui puoi capire domande di teoria musicale, metodi e primati del lavoro dei musicisti alle prime armi con gli strumenti. Ciò include anche tutti i tipi di esercizi per lo sviluppo dell'orecchio per la musica e il senso del ritmo. E un prerequisito: le lezioni individuali non dovrebbero essere noiose, di routine.

Nell'organizzare un ensemble di fisarmonicisti, ho usato il metodo di insegnamento immeritatamente dimenticato per suonare gli strumenti "a mano". Questo metodo ha funzionato in modo produttivo nei tempi antichi. Dopotutto, quasi tutti i musicisti che suonavano strumenti popolari tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo hanno imparato a suonare balalaika, domra, fisarmoniche dalle mani di un insegnante o di un musicista esperto.

Il famoso musicista - populista V. Andreev ha usato con successo una tecnica simile. I suoi allievi padroneggiarono gli strumenti in modo rapido ed efficiente, condussero intense attività di concerto e raggiunsero la massima abilità. Naturalmente, hanno dovuto involontariamente studiare successivamente la teoria della musica. Ma è iniziato copiando il gioco dell'insegnante.

Imparare a suonare collettivamente strumenti musicali "di mano" è positivo perché i membri dell'ensemble intercettano molto rapidamente le melodie, i modi, i passaggi, gli accenti dell'insegnante. E letteralmente in 2-3 lezioni giocano i loro giochi abbastanza liberamente e costantemente. Questo è un ottimo incentivo per andare avanti. Dopotutto, il risultato delle sue fatiche è molto importante per un bambino. E in questo caso, il risultato è ovvio: da suoni semplici, feste senza complicazioni, di conseguenza, è stata assemblata una melodia, che suonava ampiamente, liberamente, melodiosamente. Ogni membro dell'ensemble ascolta bene sia il generale che il proprio gioco. Tutto ciò sviluppa in modo concentrato le capacità musicali dei bambini.

Ma per quanto riguarda la notazione musicale? Ci ritorneremo più tardi. E i bambini lo percepiranno come una necessità, come uno strumento reale e potente per padroneggiare la fisarmonica a bottoni. E dopo aver suonato nell'ensemble "di mano", sarà più facile per loro far fronte agli "scarabocchi" della notazione musicale.

Quindi, i bambini con gli strumenti si siedono su sedie a semicerchio a una distanza di circa 50 cm l'uno dall'altro. Questa distanza è necessaria affinché l'insegnante possa avere accesso circolare a ciascun musicista (davanti, dietro, di lato). E dovrai muoverti molto.

Iniziamo a imparare un nuovo pezzo. I membri dell'ensemble sono seduti rigorosamente secondo le parti. L'insegnante sta dietro la schiena del primo suonatore di fisarmonica e mostra la misura iniziale del pezzo che si sta imparando. Lo spettacolo si ripete più volte a ritmo lento. Lo studente ripete ciò che ha sentito e visto, apprende un frammento di una data melodia. A questo punto, l'insegnante passa al secondo studente e, per analogia con il primo, mostra cosa e come suonare in un dato segmento (barra). Dopo aver mostrato l'esecuzione della prima battuta, a tutti i membri dell'ensemble (in parti), il leader torna dal primo partecipante, ripete ciò che ha imparato, correggendo gli errori. Viene controllato in anticipo per tutti a turno. Quindi viene dato all'ensemble il tempo, 2-3 minuti per memorizzare le loro parti.

Se una misura del brano viene appresa da tutti i partecipanti senza errori, l'insegnante si offre di suonare l'appresa collettivamente, mentre suona lui stesso la melodia principale e la parte della mano sinistra.

Il frammento appreso dell'opera viene ripetuto dall'ensemble più volte per il consolidamento. In questa fase l'insegnante controlla la vestibilità degli studenti, il movimento del pelo, la posizione delle dita, l'accuratezza delle parti.

Un lavoro simile viene eseguito con misure successive fino alla fine del pezzo.

Come puoi vedere, non c'è niente di complicato. Qualsiasi insegnante di musica a scuola può organizzare un tale ensemble o anche un'orchestra che suonerà abbastanza bene in un paio di mesi.

Buona fortuna! Ascolta a tuo piacimento:

Le tendenze moderne nel campo dell'esecuzione su strumenti popolari russi sono associate allo sviluppo intensivo della produzione musicale d'insieme, con il funzionamento di vari tipi di ensemble presso società filarmoniche e palazzi della cultura, in varie istituzioni educative. Ciò implica la necessità di una formazione mirata dei leader dei corrispondenti ensemble nei dipartimenti e nei dipartimenti di strumenti popolari delle scuole musicali e delle università del paese.

Tuttavia, l'educazione dell'insieme nella pratica educativa, di regola, è associata a determinate limitazioni. Gli insegnanti sono solitamente incaricati di dirigere gruppi omogenei: suonatori di fisarmonica - gruppi di fisarmoniche a bottoni, domrist o suonatori di balalaika - gruppi di strumenti popolari a pizzico. Composizioni di questo tipo si sono diffuse nella performance professionale. Basti ricordare ensemble rinomati come il trio di fisarmonicisti A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, il duetto di fisarmonicisti A. Shalaev - N. Krylov, il Trio di fisarmonicisti Ural, il Quartetto Filarmonico di Kiev, l'ensemble Skaz , eccetera.

Indubbiamente, lavorare con ensemble omogenei - duetti, trii, quartetti di fisarmoniche, trii, quartetti e quintetti domra, balalaika unisono, ecc. - è molto importante. Tuttavia, le restrizioni descritte nelle attività degli insegnanti delle scuole e delle università impediscono la formazione a tutti gli effetti di giovani specialisti, poiché di fatto i diplomati delle scuole di musica molto spesso affrontano la necessità di gestire complessi misti. Molto spesso, questi ultimi sono costituiti da strumenti a corda e una fisarmonica a bottoni. Le classi con tali gruppi dovrebbero diventare una parte organica del processo educativo.

Iniziando a lavorare, un insegnante moderno deve affrontare inevitabili difficoltà: in primo luogo, con un'acuta carenza di letteratura metodologica dedicata a ensemble misti di strumenti popolari russi; in secondo luogo, con un numero limitato di raccolte di repertorio, comprendenti interessanti composizioni originali, trascrizioni, arrangiamenti, verificate dalla pratica concertistica, e tenendo conto dei diversi livelli di formazione e direzioni creative delle composizioni indicate. La maggior parte della letteratura metodologica pubblicata è diretta a complessi da camera accademici - con la partecipazione di strumenti ad arco per pianoforte. Il contenuto di tali pubblicazioni richiede aggiustamenti significativi, tenendo conto delle specificità della produzione musicale di ensemble folk (vedi, ad esempio,).

Questo articolo descrive i principi di base per lavorare con un quintetto misto di strumenti popolari russi. Allo stesso tempo, una serie di consigli e raccomandazioni pratici, espressi di seguito, si applicano ad altri tipi di ensemble misti.

Il problema principale risolto nel processo di lavoro con questi gruppi è determinare il timbro ottimale, il rapporto dinamico del volume e tratteggiato degli strumenti a corda e della fisarmonica a bottoni (basato sulla mancata corrispondenza delle sorgenti sonore, i metodi di produzione del suono e i diversi ambienti acustici).

Timbri gli strumenti sono tra i mezzi espressivi più sorprendenti nell'arsenale di un ensemble misto. Dai diversi rapporti timbrici che si creano durante l'esecuzione è possibile individuare le caratteristiche autonome degli strumenti (timbri puri) e le combinazioni che nascono suonando insieme (timbri misti). Le voci pulite vengono solitamente utilizzate quando viene assegnato un assolo melodico a uno degli strumenti.

Va sottolineato che il suono di qualsiasi strumento incorpora molti timbri "interni". Per le corde si deve tener conto della "tavolozza" timbrica di ciascuna corda, che varia a seconda della tessitura (sono sottintese le peculiarità del suono di una certa sezione della corda), della discrepanza tra il timbro nei vari punti di contatto con la corda (pick o dito), le specifiche del materiale di cui è fatto il plettro (nylon , pelle, plastica, ecc.), nonché il potenziale corrispondente di una varietà di tecniche esecutive. La fisarmonica a bottoni ha un'eterogeneità tessituristica dei timbri, la loro relazione sulle tastiere destra e sinistra, la variazione del timbro con l'aiuto di un certo livello di pressione nella camera di pelliccia e vari modi di aprire la valvola, nonché cambiamenti forti.

Per evidenziare il timbro di uno degli strumenti a corda - membri dell'ensemble - si consiglia di utilizzare combinazioni di registri, disponibili in una moderna fisarmonica a pulsanti multitimbrica pronta per la selezione. La fusione timbrica della fisarmonica a bottoni con gli strumenti di accompagnamento è assicurata da registri a una parte ea due voci. Eventuali combinazioni polifoniche di registri, che, in un ensemble con archi, forniscono il necessario rilievo timbrico, contribuiscono alla "sottolineatura" del timbro della fisarmonica, a seconda delle peculiarità della trama.

L'ensemble è formato da studenti di 10-14 anni, per un totale di 15-20 persone. Sono ammessi anche i bambini delle classi elementari che stanno facendo progressi nella padronanza di uno strumento speciale e mostrano il desiderio di partecipare all'ensemble. Strumenti inclusi in questo ensemble: fisarmonica a bottoni, prima balalaika, bass domra; ocarina, flauto dolce, kugikly; cucchiai, cricchetto, rublo, triangolo, kokoshnik, ecc.
Il leader di questo ensemble deve possedere le capacità di base di suonare tutti gli strumenti che compongono l'ensemble, nonché padroneggiare le abilità di scrittura e lettura di spartiti orchestrali.
Quando si distribuiscono gli studenti secondo gli strumenti, è necessario tenere conto delle loro capacità, desiderio e caratteristiche di temperamento. Strumenti come la fisarmonica a bottoni, la prima balalaika, la balalaika per basso, la domra per basso, così come il corno e la zhaleika sono più adatti per i ragazzi da padroneggiare, e il flauto, l'ocarina, il flauto dolce e il kugikly sono più adatti per le ragazze. Gli strumenti a percussione sono padroneggiati dagli studenti del dipartimento di estetica, poiché questo gruppo di strumenti è molto facile da imparare e non richiede lezioni aggiuntive. La varietà di strumenti a percussione, la varietà di tecniche colorate per suonarli, suscita interesse nelle classi dell'ensemble, anche tra studenti con diverse abilità musicali. Queste lezioni in un team di orientamento professionale per gli studenti del dipartimento di estetica creano condizioni aggiuntive per le lezioni, i concerti, questo stimola il desiderio di studiare musica, aumenta l'interesse per la musica popolare.
Nella fase iniziale dell'apprendimento di un'opera, si possono svolgere lezioni in piccoli gruppi (da 2 a 6 persone), mentre si uniscono gli studenti che suonano strumenti simili (gruppi di balalaika, fisarmoniche, pityers, flauti) e il lavoro individuale con uno studente è ha consentito anche un'analisi approfondita e dettagliata delle parti. Nel corso di tale lezione, l'insegnante deve far conoscere agli studenti lo strumento, le basi dell'atterraggio, la formazione e le tecniche di base del gioco. È molto importante prestare particolare attenzione al gruppo di strumenti a percussione, poiché sono la base ritmica dell'ensemble. Per un gruppo di strumenti a percussione, è utile lavorare con esercizi per padroneggiare vari schemi ritmici.
Dopo aver condotto le prove in piccoli gruppi, il leader organizza le prove riassuntive dell'intero ensemble, in cui tutti i partecipanti eseguono le loro parti. Alle prime prove consolidate con l'ensemble, si consiglia di iniziare a lavorare con semplici esercizi di padronanza degli strumenti, ad esempio: esercizi articolati in lunghe durate per lavorare sull'uniformità del suono e dell'equilibrio nell'ensemble, esercizi non ritmicamente complessi utilizzando vari colpi. Fin dalle prime prove, si dovrebbe prestare attenzione alla corretta esecuzione dei colpi, per allenarsi in gruppo, raggiungendo l'unità della performance. Anche gli esercizi dovrebbero essere selezionati separatamente per ogni strumento, finalizzati all'apprendimento di una specifica tecnica esecutiva. Per comodità, si consiglia di dividere le opere in piccole parti, molto spesso si tratta di periodi, e di designarle con numeri in modo che non ci sia confusione quando si lavora su una parte separata dell'opera che si sta studiando.
Nel processo di ogni prova, il leader deve fissare determinati obiettivi e utilizzare diversi metodi di lavoro, in base allo stadio in cui si trova il lavoro sul brano musicale.
Il lavoro su un brano musicale deve essere articolato in più fasi: lettura a prima vista, analisi, lavoro sui luoghi difficili, apprendimento e performance concertistica. È inoltre necessario ricordare le peculiarità dell'esecuzione d'insieme: esecuzione precisa di tecniche e colpi, uniformità ritmica, presa simultanea del suono, equilibrio tra strumenti o tra un solista e un ensemble.
Per costruire adeguatamente il processo educativo, è necessario adottare un approccio responsabile nella scelta del materiale educativo.
Nella scelta delle opere è necessario prestare attenzione alla loro accessibilità per gli studenti, contenuti interessanti e nuove tecniche di esecuzione; si consiglia inoltre di includere nel programma un brano con un solista, grazie al quale l'abilità di suonare insieme vocale-strumentale sviluppa. Si consiglia di utilizzare opere di generi diversi.
L'elenco del repertorio non è esaustivo. Il leader può integrarlo con arrangiamenti folk, opere di generi diversi nel proprio arrangiamento.
Nell'ultimo anno di studio è stato introdotto un breve corso teorico sulla storia dell'esecuzione su strumenti popolari russi, per il quale sono assegnate 0,25 ore (questa volta può essere modificata a discrezione dell'insegnante).
L'esecuzione di un concerto è parte integrante dell'educazione di un musicista a tutti gli effetti. Tali eventi uniscono ancora di più la squadra, promuovono il senso di responsabilità nei bambini.
Questo tipo di musica è interessante per i bambini, permette loro di sentire lo spirito della cultura russa, di amare e rispettare il loro paese.

Le prove generali dell'orchestra sono una delle principali forme di lavoro educativo e creativo del collettivo. Il posizionamento degli artisti è importante per il successo del lavoro della squadra. Sedie e console musicali sono posizionate in modo tale che il direttore possa vedere chiaramente ciascuno dei membri dell'orchestra ed essere visto da loro.
La prova inizia con un'attenta accordatura degli strumenti, eseguita sempre con lo stesso strumento (fisarmonica a bottoni o oboe). La durata delle prove è di due o tre ore, dopo ogni 45-50 minuti di lavoro c'è una pausa.

Il ritmo delle prove è importante. Si raccomanda di evitare soste inutili che scoraggiano e stancano l'orchestra e portano a una perdita di interesse creativo per il brano. L'interruzione durante le prove dovrebbe essere sempre giustificata. Dopo aver fermato l'orchestra e aspettato il silenzio, il direttore si rivolge agli interpreti, evitando spiegazioni prolisse, parlando in un linguaggio accessibile e abbastanza energico.
L'analisi di brani difficili, la pratica di frammenti tecnicamente difficili viene solitamente effettuata nella prima metà delle prove. È meglio concludere la lezione ripetendo il materiale finito, i giochi, particolarmente amati dall'orchestra. La preparazione di un'opera, dalla prima conoscenza alla sua esecuzione in pubblico, è un processo creativo complesso e unitario, tutte le cui fasi sono strettamente interconnesse.
Il direttore d'orchestra inizia il suo lavoro molto prima dell'inizio delle prove. In primo luogo, studia a fondo e a fondo la partitura del lavoro e la gamma di questioni da elaborare è molto ampia. Questo è lo studio della biografia creativa del compositore, e il tempo in cui ha lavorato, e la storia della creazione di quest'opera, la tradizione dell'esecuzione.

È estremamente importante già alla prima conoscenza dell'opera coprirla nel suo insieme: leggendo lo spartito al pianoforte o intonandolo mentalmente. Questo crea un'idea generale delle principali immagini musicali, struttura e drammaturgia dello sviluppo del materiale. Inoltre, è richiesta un'analisi teorica olistica degli elementi più essenziali del linguaggio musicale, armonia, melodia, tempi, ritmo metro, dinamica, fraseggio. Sulla base di uno studio completo e di un'approfondita comprensione teorica della partitura, il direttore sviluppa gradualmente un'idea del piano di esecuzione.
Dopo aver studiato tutti i dettagli della partitura, il direttore torna ad abbracciare l'opera nel suo insieme, ma a un livello nuovo e più alto, unendo tutti i particolari in un'unica esecuzione armoniosa. Solo dopo aver elaborato un chiaro concetto artistico, quando si è formato un certo piano esecutivo, si può procedere alle prove con l'orchestra.
Prima di iniziare una prova, il direttore deve verificare la presenza di tutte le parti, confrontarle con la partitura e chiarire la correttezza dei punti di riferimento digitali e delle dinamiche. È necessario riflettere sui tocchi per ogni parte orchestrale e chiarirli in tutte le voci senza eccezioni, identificare tutte le difficoltà tecniche e delineare i modi per superarle, tenendo conto del livello di esecuzione dei musicisti. A volte le parti contengono una presentazione complessa di singoli passaggi, corse scomode per gli interpreti, tessiture troppo alte, ecc. In questo caso è necessaria una revisione editoriale. Naturalmente, tale modifica deve essere eseguita con molta attenzione, senza violare in alcun modo l'intenzione dell'autore.

L'esperienza mostra che un lavoro di prova fruttuoso è impossibile senza un piano ben congegnato. Il risultato dell'autoformazione del conduttore dovrebbe essere: un'interpretazione stabilita del lavoro, parti corrette, un piano chiaro per le prove. In termini generali, il piano di lavoro di prova del brano si riduce alle seguenti fasi: esecuzione del brano nella sua interezza (se il livello tecnico dell'orchestra lo consente), lavoro sui dettagli, conclusione del brano. La sequenza di queste fasi, come nel lavoro di pre-prova del direttore sulla partitura, segue dal principio - dal generale al particolare, con un successivo ritorno al generale.

Quando suona un pezzo, il direttore ha l'opportunità di attirare l'attenzione degli esecutori su episodi orchestrali difficili, in termini generali per familiarizzare l'orchestra con il concetto di esecuzione. È utile nominare i numeri durante la riproduzione, il che aiuta i membri dell'orchestra a navigare tra le loro parti. Se l'opera è calma nel movimento, la sua lettura è possibile al ritmo stabilito dall'autore. I brani tecnicamente difficili dovrebbero essere introdotti al rallentatore in modo che i membri dell'orchestra possano comprendere meglio i singoli dettagli del pezzo. Allo stesso tempo, è necessario evidenziare sin dall'inizio eventuali manifestazioni di falsa intonazione, distorsione del testo musicale. Un direttore che conosce bene la partitura non perderà un solo errore che potrebbe apparire nelle partiture o verificarsi accidentalmente per colpa dell'orchestra. Ascoltare la menzogna non è così difficile - è più difficile determinare quale strumento ha. Più il direttore d'orchestra immagina chiaramente tutte le voci della partitura, prima lo determinerà e, di conseguenza, meno tempo perderà nell'eliminare gli errori.

Se nello spettacolo si incontrano difficoltà orchestrali, è utile iniziare con loro le prove, chiedendo ai singoli gruppi di eseguire la parte difficile, e poi dare le necessarie indicazioni. Se un frammento non funziona, dovrebbe essere delineato per lo studio individuale. Alla prova generale, è necessario che l'intera squadra sia impegnata e non lavori a lungo con un solo gruppo. Il conduttore deve avere un'idea chiara di ciò che può essere realizzato in questa fase del lavoro e di ciò che verrà eseguito solo dopo un po' di tempo.

Fin dalle prime prove, l'attenzione del direttore deve essere costantemente orientata dalla percezione del lato tecnico dell'esecuzione a quello artistico. Tutte le difficoltà tecniche possono essere superate più velocemente se l'esecutore comprende per quale scopo artistico ha bisogno per superarle. Il lavoro di prova dovrebbe convincerlo che la risoluzione di problemi tecnici non è un fine in sé, ma un mezzo per un'incarnazione vivida ed espressiva del contenuto dell'opera.
Un attento lavoro durante le prove dovrebbe toccare tutti i mezzi espressivi. Le sfumature dinamiche sono uno dei mezzi espressivi che aiutano a rivelare l'immagine musicale di un brano. Sulla base di un'analisi approfondita del brano, tenendo conto delle esigenze dello stile, il direttore trova la giusta sfumatura derivante dal contenuto della musica. Allo stesso tempo, è importante determinare il culmine principale a cui tende tutto lo sviluppo precedente e i culmine secondari che enfatizzano i momenti di tensione dinamica nelle singole parti ed episodi.

Per un'orchestra, ad esempio, una certa difficoltà è l'esecuzione di lunghi sali e scendi di sonorità. Le orchestre sono desiderose di eseguire il crescendo, che di solito raggiunge l'apice troppo presto, ma nel diminuendo passano troppo presto al pianissimo. Per evitare ciò, ad esempio, con il crescendo, puoi seguire la tecnica ben nota: iniziare la costruzione con un suono più basso, quindi si ottiene la sua graduale amplificazione. Va ricordato che la natura e il grado di forza di ogni sfumatura derivano dalle caratteristiche dello stile dell'opera. È auspicabile che qualsiasi cambiamento di sfumatura si rifletta nel gesto del conduttore. L'ampiezza e l'intensità del gesto dovrebbero essere verificate, chiare e comprensibili ai membri dell'orchestra fin dalle prime prove.
Il direttore è obbligato a ripensare in anticipo all'intero fraseggio del brano per decifrare la struttura della frase musicale agli esecutori durante la prova. Anche i musicisti esperti sentono la musica in modi diversi e il compito del direttore è quello di unire individui diversi, di subordinarli a un'unica idea.
Quando ti eserciti con il fraseggio, puoi usare vari metodi per impararlo. Il gesto da solo non basta. È molto utile analizzare verbalmente la frase determinandone i punti di articolazione. Molto spesso devi solfeggio. Per questo, non è necessario avere una voce ben posata e bella, ma è necessario cantare in modo chiaro, pulito, espressivo. I membri dell'orchestra forniranno un suono flessibile all'orchestra solo se tutti comprendono la stessa comprensione della frase.

Ottenere un buon ensemble è uno dei compiti più impegnativi nel lavorare con un'orchestra. È noto che l'esecuzione congiunta richiede, prima di tutto, la stessa comprensione del concetto artistico dell'opera - sia in termini di contenuto e caratteristiche stilistiche, sia in tutto ciò che riguarda il tempo, la dinamica, i colpi.
In base alla trama del pezzo, il direttore dovrebbe aiutare i membri dell'orchestra a comprendere chiaramente il ruolo e il significato della loro parte in ogni episodio. Spesso i membri dell'orchestra alle prime armi si sforzano di eseguire la loro parte nel modo più vivido possibile, enfatizzandola eccessivamente, senza preoccuparsi di come ciò influisca sul suono generale. Sono invece frequenti i casi di timida esecuzione per falsa paura. Per superare queste carenze, i membri dell'orchestra hanno bisogno di una chiara comprensione del ruolo della loro parte nell'intera trama orchestrale della partitura. Un errore abbastanza comune è sovraccaricare la sonorità del "secondo" piano, associato a una perdita di equilibrio tra le voci principali e quelle di accompagnamento. Tuttavia, non si può venire a patti con la comprensione primitiva della prospettiva sonora, che si riduce al fatto che il primo colpo dovrebbe essere suonato ad alta voce e il secondo - piano. Il suono di entrambi i piani è sempre interconnesso e un divario eccessivo nella forza della sonorità è indesiderabile. Il bilanciamento del suono dovrebbe essere controllato non solo dal conduttore, ma anche dagli artisti stessi.

Per ottenere un insieme di prestazioni, la correttezza e l'accuratezza dei colpi sono estremamente importanti. A volte viene data libertà al direttore d'orchestra nella scelta dei colpi: non tutti i colpi sono indicati nelle partiture. E suonare con colpi diversi, soprattutto su strumenti a corda, stravolge il carattere della scrittura musicale. Poiché il direttore dell'orchestra popolare deve padroneggiare gli strumenti di base, sarebbe utile per lui da solo o insieme ai primi violini del gruppo provare diverse varianti di colpi, trovare quella più corretta e proporre all'orchestra. Nel periodo iniziale, è utile che il conduttore esegua lavori in parti, ottenendo lo stesso tocco. I tratti segnati nelle parti possono di solito essere eseguiti dall'esecutore più ordinario dell'orchestra e il compito del direttore è quello di sforzarsi costantemente di accarezzare l'espressività.

In pratica, il direttore deve costantemente lottare con una carenza esecutiva molto comune: i cambiamenti nelle dinamiche inducono gli esecutori inesperti a deviare dal tempo. Quando il suono aumenta, di regola, il tempo accelera e quando il suono decade, rallenta. Le stesse illecite violazioni del tempo devono essere osservate con l'alternanza di frasi nettamente diverse nella natura della musica, nella trama. Il direttore deve costantemente coltivare nell'orchestra una corretta disciplina ritmica. Durante le prove, si dovrebbe prestare molta attenzione alla qualità del suono, poiché spesso i membri dell'orchestra inesperti non sanno controllarsi. Il direttore deve prestare molta attenzione alla buona produzione del suono, che dipende dalla corretta angolazione del plettro rispetto alla corda. (Ad esempio, un suono "aperto" sgradevole può apparire in un gruppo domra.) Molto spesso, si verifica anche un suono di scarsa qualità a causa della debole pressione della corda sul tasto. Alcuni membri dell'orchestra suonano un cattivo tremolo, nei punti inclinati difficilmente cambiano da corda a corda, e il compito del direttore è insegnare ai membri dell'orchestra a distinguere tra suoni buoni e cattivi.
Quando si lavora su un ensemble di performance, bisogna ricordare che se lo strumento che guida la melodia è difficile da sentire, non si dovrebbe essere costretti a suonarlo con la forza. Questo porterà anche a una scarsa qualità del suono. È meglio evidenziare il timbro strumentale desiderato smorzando gli strumenti che si sovrappongono alla voce solista.

A volte capita che i membri dell'orchestra non comprendano immediatamente le istruzioni del direttore o non riescano a soddisfare le sue richieste a causa della complessità tecnica. Quindi il direttore, ricordando il compito dell'esecuzione, deve ripetere la frase musicale tutte le volte che è necessario. Altrimenti, i membri dell'orchestra sentiranno che il direttore non reagisce al fatto che la qualità dell'esecuzione è rimasta la stessa. Tuttavia, se la difficoltà non può essere superata ed è necessario uno studio indipendente della parte, il direttore, dopo aver impartito le istruzioni appropriate, continua a lavorare alla sezione successiva dell'opera. Non è necessario interrompere la performance a causa di piccoli errori casuali dei singoli artisti. Puoi usare un gesto o una parola per attirare l'attenzione * dell'esecutore e correggere l'errore senza interrompere l'esecuzione dell'intera orchestra,
Nella pratica delle prove, ci sono momenti in cui, anche in presenza di difetti di esecuzione, è sconsigliato ricorrere alle soste. Tali situazioni si verificano, ad esempio, se gli artisti sono già stanchi. Il direttore deve sentire lo stato dell'orchestra e in questi casi, per così dire, suonare più musica: dare ai membri del gruppo l'opportunità di godersi la musica, o, al contrario, a volte vale la pena interrompere il gioco e intrattenere l'orchestra con una battuta, una storia interessante sulla musica, un compositore, ecc.
La prova "dovrebbe essere strutturata in modo tale che tutti i gruppi dell'orchestra partecipino al lavoro senza lunghe pause, in modo che ogni esecutore sia pronto a entrare in qualsiasi momento. Se il leader si attarda troppo a lungo al lavoro con le singole parti, questo scoraggiare il resto dei partecipanti.

Dopo aver analizzato lo spettacolo, lavorando attentamente sui dettagli, inizia la fase finale. Consiste nel lucidare e riunire i singoli dettagli in un unico insieme, portare la composizione al tempo finale, sviluppando la necessaria facilità e libertà nell'esecuzione. Il successo delle prove dipende in gran parte dalla capacità del direttore di comunicare con il collettivo. Lavorare con un'orchestra richiede aderenza ai principi, perseveranza, rigore e pazienza. Il comportamento del direttore durante le prove dovrebbe essere un esempio per gli artisti: dovrebbe essere intelligente, organizzato, raccolto. Non dovrebbe mostrare il suo fastidio, essere nervoso quando qualcosa non funziona nell'orchestra per molto tempo e, inoltre, offendere l'orgoglio dei partecipanti. Il caposquadra deve essere sempre corretto, esigente nelle prove e semplice, umano nella comunicazione al di fuori dell'orario scolastico. Qui è opportuno citare le parole del famoso direttore d'orchestra Bruno Walter, che così ha parlato di questo importante aspetto dell'immagine del direttore d'orchestra: “. Il direttore stesso non crea musica, lo fa con l'aiuto di altri, che deve saper condurre attraverso i gesti, le parole, l'influenza della sua personalità. Il risultato dipende esclusivamente dalla sua capacità di guidare le persone. Qui il talento innato gioca un ruolo decisivo - si tratta della capacità di affermare la propria volontà, dell'influenza della propria individualità - e questo tratto va sviluppato attraverso un lavoro costante, utilizzando l'esperienza quotidiana. Una persona senza autorità, priva di un'aspirazione volitiva dinamica, non può assumere una posizione forte, anche se ha talento, abilità e conoscenze musicali. Saprà esprimere con grande maestria se stesso, i suoi sentimenti al pianoforte, al violino, ma non trasformerà mai l'orchestra in uno strumento che gli obbedisce».