Dipinti in ritardo Sandro Botticelli. Dipinti in ritardo Sandro Botticelli "Mystical Christmas"
OK. 1495 Botticelli. Museo di Polonia Petzoli, Milano
"Nella chiesa del sito, Maria Maggiore a Firenze vicino a Capella Pacchetta è un'eccellente scrittura su Cristo su Cristo con piccole figure"
Botticelli apre sempre più il lato cupo della vita. Viveva sotto lo stesso tetto con suo fratello Simone, convinto dei "Pianoni" (lettere. "Plaks" - i cosiddetti seguaci di Savonarola) e ha testato la forte influenza di Fra Girolamo, che non poteva non lasciare una profonda traccia nel suo pittura.
Ciò influenza il suo appello ai grafici religiosi e nella profondità più drammatica e espressione dell'interpretazione da parte del loro artista. La sensazione di tragedia aumenta nella sua anima, raggiungendo Apogee in "bevanda" (questo termine italiano è consueto per chiamare la trama "mailing of dead christ").
Due immagini di altare "Posizione nella bara" da Monaco di Baviera Pinakotek e "Christ Christ" sono evidenziate da eloquentemente. Il dramma cristiano dell'artista sta vivendo principalmente come dolore umano, come un dolore infinito lungo una vittima innocente, che ha superato il Godpost della sofferenza e dell'esecuzione vergognosa. Questa sensazione travolge l'anima del Maestro, e anche se il tema del "lutto" ha il suo profondo significato dogmatico, tuttavia è dominato nelle sue composizioni "pieta". La forza dell'esperienza cattura ciascuno dei personaggi e li combina nel numero intero patetico. Il contenuto è trasmesso dalla linea lingua e dai colori, che ha subito un forte cambiamento nel lavoro del master in questo momento.
Le immagini risalgono a circa 1495 e sono state rispettivamente nella Chiesa di San Paolino e Santa Maria Maggiore.
Sandro Botticelli (Alessandro Mariano di Vannyi di Adeo Filipei) (1445-1510) - Il famoso artista italiano della rinascita precoce.
Botticelli, Sandro Sandro, è nato a Firenze nella famiglia di una tanner della pelle. Portato dal fratello maggiore Antonio, Maestro d'Affari d'oro, soprannominato Botticello (Barrel), da cui questo soprannome passò a Sandro.
Dal 1465 al 1467 Botticelli lavora come studente nel laboratorio Filippo Lippi. I suoi primi lavori sono vicini alle immagini dell'insegnante, il cui lavoro è pieno di immagini gentili e liriche.Nel 1470 Botticelli apre il proprio laboratorio, che come la popolarità dell'artista espanse espanse, gli studenti entrano, nel 1472 entra nella Gilda di Santa Re Luca.
Nel 1474, Botticelli va alla Pisa per ispezionare gli affreschi del cimitero di Camposanto, scrive l'assunzione di Madonna nella Cattedrale di Pisa, che non è stata terminata (morta nel 1583).
Nello stesso anno, ha creato San Sebastian (1474, Berlino, Musei di Stato) per decorare il pilastro della Chiesa centrale della NAFA di Santa Maria Maggiore a Firenze. La sofferenza del santo è molto probabilmente spirituale del carattere fisico. Allo stesso tempo, Botticelli dà un'interpretazione anatomicamente accurata di un corpo nudo.
"St. Sebastian"
Circa 1473.
Albero, temperatura 195 x 75 cm
Berlino. Galleria di foto
Probabilmente originariamente situato a Santa Maria Madzhiore a Firenze
"Ritorno di YUDIFI"
1472-1473
Albero, temperatura 31 x 24 cm
Firenze. Galleria Uffizi.
Cliente: Rudolfo Sirigatti, parte di dittico, cfr. "Rilevamento di Oolferna decapitato, anche negli Uffizi.
Nel 1470-1471, Botticelli ha creato quattro immagini sull'argomento "Lastellilazione dei Magi", rispetto. Galleria nazionale, Londra e Uffizi, Firenze
Avendo raggiunto grazie al Santo Agostino, Botticelli, per ordine del negozio di seta, scrisse per il monastero di San Marco "Wedding Madonna" con il coro degli angeli (Firenze, Uffizi). Due famose composizioni di coppie "Storia di YUDIFI" (Firenze, Uffizi), anche relative al numero di primi lavori del Maestro (circa 1470), illustrano il suo dono del narratore, la capacità di combinare espressione e azione che rivelano l'essenza drammatica della trama. Trovano anche l'aroma sopra menzionato, che sta diventando più luminoso e ricco di contrasto con la palette Pale Filippo Lippi.
A circa 1475, l'artista ha scritto per Gaspare Dzanobi "Lashilation of Magi", il suo primo vero capolavoro. Il cliente apparteneva alla Corporation è cambiato ed era in strette relazioni con la famiglia dei Medici, i governanti reali della città.
Forse, era Zanobi che ha presentato un artista al cortile dei Medici, quindi alcuni personaggi di "culto dei Magi" sono considerati ritratti di individui da questa famiglia. 26 aprile 1478 Durante una cospirazione, Francesco Pazzi Juliano Medici è stato ucciso nella cattedrale della città durante la Messa. Suo fratello Lorenzo è riuscito a scappare. Per ordine, Lorenzo ha immediatamente arrestato molti dei dintorni di Pazzi e li appese nelle finestre di Palazzo Vecchio. I ritratti dei cospiratori sulle pareti del Palazzo hanno chiesto le mura di Palazzo Palazzo.
Sebbene l'ordine e indossava un carattere così strano, ha contribuito al successo del successo dell'artista. Da questo punto in poi, Botticelli ha iniziato a godersi il patrocinio dei Medici, in particolare da Lorenzo Pierfranchesco, un cugino Lorenzo magnifico, che nel 1476, ereditando un enorme stato da suo padre, ha acquisito una magnifica villa a Castello e ha incaricato il maestro la sua decorazione.
La seconda metà degli anni '70 e '80 è il periodo del periodo di massimo splendore del periodo dell'artista.
A Castello Botticelli ha scritto le due immagini più famose: "Becna" e "Nascita di Venere"
"Primavera (Primavera)"
Circa 1485-1487.
Albero, 033 x 314 cm
Firenze. Galleria Uffizi.
L'esatto intento "primavera" (circa 1482) Botticelli è sempre stato oggetto di un numero infinito di ipotesi, sebbene gli attori siano abbastanza identificabili qui: a destra - il marshmallow (caldo wind wind) persegue una ninfa, la dea della flora I colori diffondono i fiori in tutta la terra; A sinistra di tre grazie, indossando le mani, iniziare la danza; Mercurio la sua asta alata accelera le nuvole; Al centro dell'immagine - Venere e Cupido sono osservati per ciò che sta accadendo. Sottotesto simbolico sottile nel dipinto Parzialmente letto: Gli alberi arancioni vengono trovati di nuovo sullo sfondo (simbolo del matrimonio), flora - l'immagine della fioritura e della natura della natura, mercurio - Dio del pianeta con lo stesso nome, visibile nel cielo nel cielo Mesi di primavera, grazie - Ninfe di armonia, bellezza, virtù delle donne, Venere è una genuina regina del mondo la cui legge è l'amore stesso (le frecce di Love Loads Cupid).
Forse l'immagine dovrebbe essere interpretata alla luce della filosofia neoplatonica. In questa chiave, Venere può essere considerato come la personificazione del pensiero umanistico, che distingue l'amore sensuale (marshmallow, handsing persistentemente nimfast) dallo spirituale, rappresentato da grazia e mercurio.
"Nascita di Venere" 1484-1486
Firenze, Galleria degli Uffizi
La "nascita di Venere" insieme alla "primavera" e "Parlad e un centauro" sono stati ordinati da Botticelli Lorenzo Pierrefrant Medici per Castello Villa vicino a Firenze. Tutti e tre i dipinti sono grandi formati e sono innovativi nella storia della pittura, perché per la prima volta un argomento secolare è stato eseguito con la stessa dignità e ispirata dalla scala che prima che funziona solo su argomenti religiosi fossero onorati.
Bello, come un'antica scultura in marmo greco e con la faccia di Madonna, il Venus Brush Botticelli - un simbolo di bellezza perfetta e spiritualizzata. Lasciò il mare e lei su un grande lavandino porta il pegument di marshmallow e Chloe, mentre Ora, la personificazione della primavera, avvicinandosi a migliorare la copertura, ricamata con i fiori. Come notato da alcuni ricercatori, il rapporto tra pose e gesti della Dea e Ora ci riferiscono all'iconografia del battesimo di Cristo di Giovanni Battista e conferisce il grafico mitologico dei significati simbolici. Così, Botticelli dimostra che è molto familiare con il mezzo culturale della sua epoca e, in particolare, con il neoplatonismo, che visto negli antichi miti, la prevenzione delle idee del cristianesimo. L'ipotesi più credibile, secondo cui tutti e quattro i dipinti sono stati scritti in occasione del matrimonio. Sono le più meravigliose delle opere conservate di questo genere di pittura, che glorifica il matrimonio e le virtù associate alla nascita dell'amore nella doccia della sposa immacolata e bella. Le stesse idee sono quelle principali in quattro composizioni che illustrano la storia di J. Bokcchchcho "Nastajo Deli Deli" (situato in diverse collezioni), e due affreschi (Louvre), scritti circa 1486 in occasione del matrimonio del figlio di uno dei membri più vicini dei Medici.
Con una mano, coprendo leggermente il petto, e l'altra - sul Lona, la posa Venere ricorda l'antica statua di Venus Poldles (con un lat.- modesto, casto, vergognoso), che è anche conosciuto come la statua di Venere Medici (Medica), come proviene dall'incontro Medici. Abito bianco di orlo - Ninfe Personificazione qui La primavera, la fioritura e gli aggiornamenti, è rivestito in vivo e decorato con gigli aromatizzati, con una cintura di rose, come una flora nella "primavera"; Sul suo collo, la sua ghirlanda da Myrtit dedicata a Venere del simbolo di amore eterno. A destra nell'immagine - alberi arancioni in fiore (arancione - un simbolo di origine divina di Venere e un fiore di matrimonio). Nella foto, un altro attributo di Venere è il fiore rosa pallido che vola al vento: secondo il mito, le rose bianche furono dipinte in un colore rosso del sangue della dea, false le gambe durante la ricerca dei loro morti amato Adonis .
Sebbene l'immagine sia chiamata tradizionalmente la "nascita di Venere", lei stesso non mostra. Secondo il Mifh Greco Venere sorsero dalla schiuma marina formata dalla caduta nel mare cut-off Zeus dell'Autorità Sterngenea dell'uranio. Molto probabilmente, Botticelli è stato ispirato qui dalla poesia moderna A. Polyciano "Data sul torneo", che dice che Venere salpò verso la riva sul grande lavandino.
Dettaglio di Venere EUR.
"Minerva e Centauro"
Circa 1482-1483.
Tela, tempera 207 x 148 cm
Firenze. GALLERIA UPHFIFESS.
"Venere e Marte"
Circa 1483.
Albero, temperatura 69 x 173,5 cm
Londra. galleria Nazionale
L'immagine della "serie" mitologica di Botticelli - "Mars and Venere" (Londra, la Galleria nazionale) - Forse ho ordinato l'artista la famiglia Vespucci, una stretta Medici, un multi-Ostace sul bordo stesso della destra è visibile A destra (Vespa "in italiano - OSA, è il simbolo della famiglia araldica). La trama del trionfo dell'amore è stata spesso giocata nell'arte, e tali dipinti furono spesso assegnati a volte. Mentre Marte sta riposando, piccoli satiti giocano con la sua arma e armatura, - ora è completamente al sicuro. Forse questa immagine ha decorato la testiera del lodge del matrimonio o decorata il muro del matrimonio Casson. Nella foto è anche possibile vedere l'allegoria: Venere (pensiero umanistico) ha un effetto benefico sulla distribuzione e sull'elemento sfrenato, pacificando la natura lorda (Marte). Inoltre, in conformità con le opinioni umanistiche, dall'Unione di Venere e Marte - Amore e lotta - è nata l'armonia.
Cappella cycstinian Affresco (1481-1482)
"Liquidazione del muro"
1481-82
affrescare
Cappella Sistoria, Vaticano
Nella foto del culto dei Magi (1475-1478, Firenze, la Galleria degli Uffizi) di Botticelli sotto la spinta dei Magi e dei loro semi raffigura i rappresentanti della famiglia Medici e si presentano in primo piano.
"Whologia whologia"
1481-1482
Albero, 0,2 x 104,2 cm
Washington. Galleria nazionale d'arte
"Ritratto di Simone Topucci"
Circa 1476-1480.
47,5 x 35 cm
Albero, temperatura
Berlino. Galleria di foto
Identificazione controversa, lavoro eseguito nel workshop di Botticelli
Nel 1490, l'artista cresce gli stati d'animo pessimistico. La morte di Lorenzo magnifico (1449-1492), il sequestro di Firenze dalle truppe francesi e dalle viste apocalittiche di Savonarola (1452-1498), che simpatizzano con Botticelli, - tutto questo è stato un colpo di stato nella sua mente.La tempesta, la disperazione è letta nel dipinto abbandonato (circa 1495, Roma, collezione Pallavichini), basata sulla storia biblica. Mostra una giovane donna solitaria in una grande montagna e confusione di sentimenti.
Abbandonato
1495g, accendere il pannello,
collezione privata, Roma (Coll.Pallanvicini), Italia
Silenzio silenzio ... forse un momento fa, il parco giochi di fronte alle porte chiuse era pieno di movimento. Una giovane donna si precipitò, bussò in un cancello chiuso. Precipitato attraverso i gradini. Precipitò sui suoi vestiti. Urlò. Chiamato qualcuno. Un silenzio minaccioso regnò in massiccio, isolato dallo pezzo ciclopico di pareti. Ha vinto la disperazione. La successione è arrivata.Che strada terribile dovrebbe essere l'artista, così che dopo la "primavera" - l'inno della gioia della vita è quello di creare in diciassette anni "abbandonato". Davvero un simbolo del destino. Secondo la sua espressione, il sistema compositivo, il ritmo, il sapore, questa immagine era davanti alla sua epoca per quasi cinque secoli. Sembra che l'immagine sia il riflesso dello stato dell'anima dell'artista. Le sue esperienze e il dum. Riassumendo circa mezzo secolo. La confusione dello stesso Botticelli davanti allo sconforto della propria vitalità in condizioni e tempo complesso e tragico ...
La dramismo si manifesta anche in altre immagini dei Botticelli di questo periodo: lutto (1495-1500, Monaco di Baviera, vecchio Pinakotek), calunniatore (ca. 1495, Firenze, Galleria degli Uffizi), la trama per la quale è stata la storia dello scrittore romano 2 V. AVANTI CRISTO.
"Mailing of christ"
1495,
sul pannello, 107 x 71 cm,
Museo di PFT Pezzzi, Milano
"Mailing of christ"
Circa 1500.
Albero, temperatura 140 x 207 cm
Monaco. Vecchio Pinakotek.
Dalla Chiesa di San Polano a Firenze
"Calunnia"
Circa 1495.
Albero, temperatura 62 x 91 cm
Firenze. Galleria Uffizi.
Calunnia, 1495 uffizi, Firenze
La trama è semplice e allegria: seduta sul trono re Midasa sussurrare nelle sue orecchie d'asino due figure - immagini allegoriche di ignoranza e sospetto. La manica è una bella ragazza con innocenza implicita - e il suo incitamento illumina la fibra al re dell'imputato. Vicino alla calunnia dei suoi compagni - tortura e inganno che lo sostengono e presunti. A distanza, l'artista raffigura i figure del pentimento - vestiti di vestiti di lutto delle vecchie donne e della verità nuda che osserva in su.Nel 1496 scrive San Francesco per la camera da letto del monastero di Santa Maria di Monticelli
San Francesco Assisi con gli angeli
circa 1475-1480.
Galleria nazionale di Londra.
Nel 1492-1500, crea un ciclo di illustrazioni per la Divina Commedia di Drente, dove ogni canzone è dedicata a un disegno. Le immagini su grandi fogli pergamena sono riempite in un modo lineare sottile (Berlino, il gabinetto di rinuncia dei musei statali; Roma, la Biblioteca del Vaticano).
Ritratto di Dante.
1495g, tempera, tela, 54,7 x 47,5 cm
collezione privata, Ginevra, Svizzera
Dante Aligiery (1265-1321) - Poeta italiano, il creatore della lingua letteraria italiana, l'ultimo poeta del Medioevo e allo stesso tempo il primo poeta del nuovo tempo. La creatività di Dante Top - Poem "Divina Commedia" (1307-21, pubblicata nel 1472) in tre parti (inferno, purgatorio, paradiso)Botticelli crea questo grande ciclo di illustrazioni da 1492 a 1500 g. I disegni sono fatti da un perno di metallo su grandi fogli pergamena. Ogni canzone è dedicata a un disegno. Diverse immagini a "Paradise" non sono completate e alle canzoni "Purgatory" XXX1, la procedura guidata ha eseguito due varianti del disegno. La maggior parte delle illustrazioni che Botticelli si sono adempiute per la Divina Commedia, erano nascoste da persone per la Divina Commedia. E solo all'alba dell'attuale millennio sono stati raccolti e sistematizzati.
Illustrazioni per "Divine Commedia"
INFERNO
Artista: Sandro Botichelli
Illustrazione per "Divine Commedia" (inferno), 1480
Data di completamento: 1480
Stile: rinascita anticipata
Genere: Illustrazione
Tecnica: piuma, ago metallico
Materiale: pergamena
Galleria: Biblioteca Apostolica Vaticana
Inferno, canzone XVIII, 1480
Paradiso, Song VI, 1490Purgatorio, 1490.
Nel 1501 completa il lavoro su Buon Natale (Londra, Galleria nazionale) - l'unico prodotto datato e firmato da Botticelli stesso. L'immagine ha combinato le scene "Natale" e "culto dei Magi".
"Natale"
1500
Tela, tempera 108,5 x 75 cm
Londra. Galleria Nazionale.
Botticelli "si è allontanato dal lavoro e alla fine invecchiato e caro così tanto che se non fosse ricordato quando era ancora vivo, Lorenzo die Medici, per il quale lui, per non parlare di molte altre cose, ha lavorato molto in un piccolo ospedale Volterra, e dietro di lui e dei suoi amici, e molte persone ricche, fan del suo talento, potrebbe morire con la fame."Sandro non va in riserva di altri, ma combinando molto, il che era disperso, con una pienezza incredibile riflette gli ideali del suo tempo. Non solo, ci piace, ma ha anche goduto di grande successo con i suoi contemporanei. La sua arte puramente personale rifletteva la faccia del secolo. In esso, come a fuoco, tutto è stato preceduto dal momento della cultura, e tutto ciò che è stato allora "presente". "
Voci e commenti originali su
Il vero nome di Sandro Botticelli è Alessandro di Mariano Filipei. È difficile nominare l'artista del Rinascimento, il cui nome sarebbe più connesso con la storia di Firenze. È nato nella famiglia del Kozhevnik Mariano Banny Filipei. Dopo la morte del Padre, il capo della famiglia diventa il fratello maggiore, il dipartimento promozionale di scambio, il Botticelli soprannominato (Barrel), questo soprannome ha attaccato a lui sia per eccessiva dipendenza dalla colpa, o per la sua completezza.
Quindici anni sedici anni, un ragazzo dotato entra nel laboratorio del famoso Philippi Lippi. Dopo aver assunto la tecnica del dipinto di affresco, Alessandro Botticelli (il soprannome del fratello è diventato una specie di pseudonimo dell'artista) entra nel laboratorio artistico più famoso di Andrea Verokko a Firenze. Nel 1469, Sandro Botticelli era rappresentato dalla Stato Repubblica Fiorentina di Tomazo Soleziano, che ha portato l'artista con una famiglia Medici.
La mancanza di privilegi prevista da ricchezza e conoscenza, con la sua giovinezza insegnata Sandro a contare solo sulla propria energia e talento. Una vera scuola per la "testa senza scarsa" - il giovane acciaio sandro di Firenze con la loro meravigliosa architettura e templi con statue e affreschi del Rinascimento del Rinascimento di Jotto e Mazacho.
Alla ricerca della libertà e del pittore di creatività l'acquisire non è in trame tradizionali della chiesa, e dove il suo amore e la sua passione sono "comprati". Interessato e sapere come piace, molto presto trova il suo ideale nell'immagine di una ragazza adolescente, sapendo in modo cupando il mondo. Botticelli considerava il cantante di sofisticata femminilità. Un artista dà a tutte le sue sorelle di Madonnah, lo stesso sentito, pensando, doloroso volto sbagliato.
L'artista sparisce insieme le sue osservazioni della vita con impressioni dell'antica e nuova poesia. Grazie al genere mitologico, il dipinto di Italan diventa laico e, rompendo dietro le mura delle chiese, entra nell'alloggiamento delle persone quotidiane fonte di piacere.
Per la famiglia, Medici Botticelli ha eseguito i suoi ordini più famosi e grandi. Sandro non ha mai lasciato Firenze per molto tempo. Un'eccezione è il suo viaggio a Roma al Dvor Papal nel 1481-1482 per la pittura come parte del gruppo di artisti della Biblioteca della Cappella Sistina. Tornando, continua a lavorare a Firenze. A quel tempo, il suo lavoro più famoso è stato scritto - primavera, la nascita di Venere.
La crisi politica a Firenze, che scoppiò dopo la morte di Lorenzo magnifico, e venendo al potere spirituale nella città del predicatore militante Savonarola, non poteva che influenzare il lavoro dell'artista. Perdere il sostegno morale di fronte alla famiglia Medici, profondamente religioso e consumatore, cadde in una dipendenza spirituale da un predicatore esaltato-religioso e intollerabile. I motivi secolari sono quasi completamente scomparsi dalla creatività del Maestro. La bellezza e l'armonia del mondo, un artista così preoccupato, non ha più toccato la sua immaginazione.
Le sue opere su argomenti religiosi secchi e sopraffatti con dettagli, la lingua d'arte è diventata più arcaica. L'esecuzione di Savonarola nel 1498 ha causato una profonda crisi mentale da Botticelli.
Negli ultimi anni della sua vita, ha smesso di scrivere affatto, considerando queste classi in peccaminosità e pignolo.
Simonetta era una delle donne più belle di Firenze. Era sposata, ma molti giovani delle ricche famiglie hanno sognato la bellezza, ha fornito i suoi segni di particolare attenzione. Amava il fratello dei governanti di Firenze Lorenzo Medici - Juliano. Secondo le voci, Simonetta ha risposto alla reciprocità di un giovane bello, molto morbido. Marito, senor Vespucci, tenendo conto dell'importanza e delle infrazioni della famiglia Medici, è stata costretta a sopportare una posizione simile. Ma il popolo di Firenze, grazie alla bellezza della Simonetta, la sua mentalità, amava molto la ragazza.
Una giovane donna si trova, girando al nostro profilo, sullo sfondo del muro esegue chiaramente la sua faccia. La donna tiene dritto e rigorosamente, con una completa sensazione di autostima, e i suoi occhi sono decisamente e leggermente esaminando in lontananza la distanza. Questo fioristero giovane e dagli occhi leggeri è impossibile rifiutare la bellezza, il fascino, il fascino. La flessione del suo lungo collo e la linea morbida delle spalle basse affascina con la loro femminilità
Il destino era di Simonsette Surov - lei muore da gravi malattie nel periodo di massimo splendore, a 23 anni.
L'immagine "Spring" introduce lo spettatore al giardino incantato e magico, dove gli eroi dei miti antichi sono ballati e balli.
Tutte le idee sui giorni dell'anno sono spostati qui. Sui rami degli alberi - grandi frutti arancioni. E accanto ai succosi doni dell'estate italiana - i primi verdi della primavera. In questo giardino, il tempo si è fermato per un momento per catturare la bellezza eterna della poesia, dell'amore, dell'armonia.
Nel mezzo del prato di fioritura c'è Venere - la dea dell'amore e della bellezza; È rappresentato qui sotto forma di una ragazza elegante. La sua sottile graziosa figura curva con un punto luminoso è evidenziato contro la massa oscura del cespuglio, e i rami offerti da una linea semicircolare - una specie di arco trionfale, creato in onore della regina di questa vacanza primaverile, che lei aumenta il gesto di benedizione della mano. Amur Seatled Over Venus - Un piccolo Dio giocoso, nei suoi occhi la benda e, senza vedere nulla di fronte a lui, inizia una freccia a bruciare nello spazio, progettato per ignorare l'amore del cuore di qualcuno. A destra di Venere, i suoi compagni ballano - tre gracelle - creature bionde in abiti bianchi trasparenti, che non nascondono la forma di corpi, e leggermente ammorbidendolo fischiandolo per ammortizzare le pieghe.
Vicino alle grazie della danza è il bollettino degli dei Mercury; È facile da scoprire secondo i tradizionali Roma-Kaduchi, con l'aiuto di cui, secondo la mitologia, poteva generosamente a conferire le persone, e sui sandali alati, che gli diede l'opportunità di dormire con un luogo fulmine da uno da uno posto in un altro. Un casco cavalluce sarà messo sui suoi riccioli scuri, un impermeabile rosso sarà gettato attraverso la spalla destra, sopra l'impermeabile sulla spada ingoia con una lama bruscamente curva e una magnifica maniglia. Guardando verso l'alto, Mercurio aumenta la sua testa di Kaduchi. Cosa significa il suo gesto? Che regalo ha portato nel regno della primavera? Forse disperde l'asta del cloud in modo che nessuna goccia sia disturbata dal giardino incantato nel suo fiore.
Dalla profondità di età, dagli alberi di cloncing, dal Dio del vento marshmallow, incarnando la natura spontanea in natura. Questa è una creatura insolita con pelle bluastra, ali blu e capelli, in un impermeabile dello stesso colore. Insegue i giovani campi Chloe ninfa. Guardando intorno al suo inseguitore, quasi cade in avanti, ma le mani di un vento boa hanno il tempo di riprenderlo e tenerlo. I fiori appaiono sulla respirazione di marshmallow sulle labbra delle ninfe, mentre guidavano, mescolarono con quelle flora montate.
Sulla testa della fertilità della dea - una corona, sul collo - una ghirlanda di fiori, invece di una cintura - un ramo di rose, e tutti i vestiti sono Shykina con colori eterogenei. Flora è l'unico di tutti i personaggi vai direttamente allo spettatore, sembra che ci guarda, ma lei non ci vede, è immersa in sé.
In questa pensosa composizione melodica, dove il fascino fragile del nuovo tipo di Bottichellyan sembrava in diversi modi in modo squisito alla trasparenza delle visite delle grazie, Venere e Flora, l'artista offre pensatori e la versione del governatore dell'ordine del mondo saggio ed equo , dove è governata la bellezza e l'amore.
Dea della fertilità - flora.
Spring stesso!
Un'immagine incredibile, crea un'atmosfera di sognante, orsi brillanti. L'artista ha definito una dea nuda di amore e bellezza a Venere da un antico mito. La bella dea, nata da una schiuma marina, sotto il Dover dei venti, in piedi in un enorme lavandino, scivola sulla superficie del mare verso la riva. Per incontrarla fretta alla ninfa, prepararsi a lanciare la dea sulle spalle decorate con fiori coperti. Immerso nel pensiero, Venere si erge, inchinando la testa e mantenendo i capelli scorre lungo il corpo. Una sottile faccia spirituale è piena di quel macello dissidente. Lilac-Blue Raincoat of Marshmallow, dolci fiori rosa, fulmine sotto il colpo di venti, creano una ricca gamma di colori unica. L'artista batte gli elusivi trabocchi dei sentimenti nella foto, provoca l'intera natura - il mare, gli alberi, i venti e l'aria - per ripristinare i cantanti del corpo e ritmi infettivi dei movimenti della loro dea dai capelli dorati.
EGEM è tempestoso, la culla attraverso la fetis lone fluttuava il mezzo di acqua schiumosa.
Creare un diverso skysclene, il viso con le persone incomprensibile, si alza
In una posizione affascinante, guardando vivace, nel suo Virgin Young. Comporta
Marshmallow in amore con un lavandino a una corsa, ei cieli sono felici con la corsa.
Ha detto B: Il mare è vero qui, e il lavandino con schiuma - come vivo,
E può essere visto - la lucentezza dell'occhio della dea sta versando; Davanti a lei con un sorriso del cielo e delle poesie.
Lì nel bianco oh, la riva va, sono i capelli del vento devastati.
Come è uscito dall'acqua, potevi vedere, lei, tenendo la destra
Il tuo vlasù, un altro pregiudizio del capezzolo, ai piedi dei suoi fiori ed erbe
Sabbia di sabbia fresca coperta.
(Dalla poesia Angelo Polyciano "Gosostra")
Bella Venere
Botticelli interpreta il mito del terribile Dio della guerra Marte e della sua amata - la dea della bellezza Venere - nello spirito dell'elegante idilliall, che dovrebbe amare Lorenzo magnifico, al governatore di Firenze, e del suo surround.
Mars nudi, liberati dalla sua armatura e delle armi, dorme, diffondendo su un impermeabile rosa e salendo il guscio. Basato sul cuscino di Aluu, sollevando Venere, sella a dare un'occhiata alla sua amata. La BUSTA di Mirta chiude la scena a destra ea sinistra, solo piccoli lumi del cielo sono visibili tra le figure dei piccoli satrioti che giocano a Mars Armi. Queste strato di creature con orecchie lunghe taglienti e piccole corna saranno accigliandosi vicino agli amanti. Uno è entrato nel guscio, un altro si è messo su se stesso troppo casco, in cui annegheò la testa, e afferrò una lancia enorme di Marte, aiutando a trascinarlo al terzo satiro; Il quarto mette il golden spiritoso affondamento all'orecchio di Marsa, come se avesse sognato i sogni dell'amore e dei ricordi delle battaglie.
Venere possiede un vero Dio della guerra, questo è per le sue braccia rimaste, che divennero inutili Marte e si trasformò in un allegro divertimento per piccoli satrioti.
Venere qui - una donna amorevole che custodice il sonno dell'amante. La posa della dea è calma, e allo stesso tempo nella sua piccola faccia pallida e le mani troppo sottili c'è qualcosa di fragile, e il look è pieno di tristezza e tristezza quasi elusiva. Venere incarna non così tanto la gioia dell'amore come il suo allarme. La proprietà Botticelli Liricità lo ha aiutato a creare un'immagine femminile poetica. Una grazia incredibile soffia dal movimento della dea; Lei è a capofitto, che allungava a piedi nudi, guardando da sotto abbigliamento trasparente. Un abito bianco rotto con cucito d'oro sottolinea le eleganti proporzioni di un corpo snello e allungato e migliora l'impressione di purezza e ritenuta l'aspetto della dea dell'amore.
La posa di Marte testimonia l'ansia che non lo lascia anche in un sogno. La testa è molto gettata. Su una faccia energetica, il gioco di luce e ombra distingue una bocca semi-aperta e una profonda piegatura acuta che attraversa la fronte.
La foto è stata scritta su una tavola di legno con una dimensione di 69 x 173,5 cm, forse ha servito come decorazione della parte posteriore del letto. È stato eseguito in onore del coinvolgimento di uno dei rappresentanti della famiglia Vespucci.
L'immagine è scritta durante il più alto periodo di massimo splendore dell'immersione dell'artista. In una piccola foto, l'Afas è raffigurato un giovane in abiti marroni modesti e un cappello rosso. Per la portata italiana del XV secolo, era quasi una rivoluzione - fino al momento di tutti coloro che hanno ordinato il loro ritratto, raffigurato in un profilo o, dalla seconda metà del secolo, in tre quarti. Un giovane viso piacevole e aperto guarda dal dipinto. I giovani hanno grandi occhi marroni, naso ben definito, paffuto e labbra morbide. Da sotto i cappelli rossi, viene rilasciato la faccia del fotogramma del viso incorniciata.
L'uso di tecniche miste (l'artista ha usato sia la temperatura e le vernici ad olio) ha permesso di rendere i contorni più morbidi, le transizioni in bianco e nero sono più ricchi di colore.
Botticelli, come tutti gli artisti del Rinascimento, scrisse Madonn molte volte con un bambino, in vari piazzole, pose. Ma sono tutti distinti da una speciale femminilità, morbidezza. Con la tenerezza dello studente alla madre del bambino. Va detto che, in contrasto con le icone ortodosse, in cui le immagini sono facilitate, come se enfatizzando la disincrostazione della Madonna, nei dipinti europei occidentali, la Madonna sembra viva, molto terrena.
"Decameron" - dal greco "dieci" e "giorno". Questo è un libro, composto da storie di un gruppo di giovani giovani da Firenze, che se ne andarono, in fuga dalla peste sulla villa di campagna. Situato nella Chiesa, vengono raccontati dieci giorni per dieci giorni per intrattenere l'espulsione forzata.
Sandro Botticelli commissionato da Antonio Pakka al matrimonio del Figlio ha scritto una serie di dipinti della storia del "Decameron" - "Storia di Nastajio Delia."
La storia racconta come il giovane ricco e il nato Nastadijio si innamorò di una ragazza ancora più riproduttiva, sfortunatamente dotata di un personaggio fallo ed orgoglio esorbitante. Per dimenticare l'orgoglio, lascia il suo nativo uguale a e lascia il posto di Chiassi situato nelle vicinanze. Una volta, camminando con un amico nella foresta, sentì grida rumorose e piangere femmina. E poi ho visto con l'orrore, come una bella ragazza nuda corre nella foresta, e dietro il suo cavaliere cavalcava un cavallo con una spada in mano, che minacciava la ragazza con la morte, ei cani strappano la ragazza da due lati .. .
Nastajio spaventato, ma, parlava con la ragazza, ha superato la paura e si precipitò per aiutarla e, afferrando il ramo dall'albero nelle sue mani, andò al cavaliere. Il pilota gridò: "Non disturbarmi, Nastajio! Lasciami adempiere a cosa merita questa donna!" E ha detto che una volta, molto tempo fa, amava molto questa ragazza, ma lei lo fa un sacco di dolore, così si è ucciso dalla sua crudeltà e arroganza. Ma lei non si pentiva, ma presto è morta. E poi coloro che sono finiti, mettono tali punizioni su di loro: lo cattura costantemente, uccide e prende il suo cuore, gettandolo nei cani. Dopo un po 'di tempo, lei striscia, come se non fosse successo nulla e l'inseguimento inizia di nuovo. E così ogni giorno, allo stesso tempo. Oggi, venerdì, a quest'ora, lo cattura sempre qui, in altri giorni - in un altro posto.
Pensò a Nastajio e ha capito come insegnare la sua amata. Chiamò tutti i suoi parenti e amici in questa foresta, a quest'ora, il prossimo venerdì, ordinò di organizzare e coprire i tavoli ricchi. Quando gli ospiti rummaned, ha piantato la sua amata faccia orgoglio proprio dove dovrebbe sembrare la coppia sfortunata. E presto risuonarono, piangendo e tutto è successo ... il pilota fu detto da tutti, come diceva Nastadjio al cavaliere. Gli ospiti di stupore e horror hanno guardato l'esecuzione. E la ragazza Nastajio si chiese e si rese conto che la stessa punizione poteva aspettarla. La paura all'improvviso improvvisamente ama per il giovane.
Poco dopo una rappresentazione brutale, organizzata da Nastajio, la ragazza ha mandato un avvocato con il consenso al matrimonio. E hanno vissuto felicemente, in amore e armonia.
Composizione due-immaginaria. L'Annunciazione è la trama più fantastica di tutte le trame evangeliche. "Annunciazione" - il beneficio delle notizie - inaspettato e favoloso per Maria, come la stessa apparizione dell'angelo alato di fronte ad esso. Sembra, anche un momento, e Maria collasserà alle gambe dell'Arcangelo Gabriel, pronto a piangere. Il disegno di figure raffigura una tensione rapida. Tutto ciò accade è la natura della preoccupazione, la triste disperazione. La foto è stata creata nell'ultimo periodo della creatività di Botticelli, quando la sua città natale Firenze cadde nel disapprovazione dei monaci, quando l'intera Italia è stata minacciata dalla morte - tutto ciò stava mettendo una tonalità cupo sulla foto.
Attraverso la trama mitologica, Botticelli trasferisce l'essenza delle qualità morali delle persone in questa immagine.
Tsar Midas è seduto sul trono, nelle sue orecchie da asino hanno una cospiracolo sporca due figure insidiose - ignoranza e sospetto. Midas ascolta, chiudendo gli occhi, e davanti a lui c'è un brutto uomo in nero - questa è rabbia, che conduce sempre le azioni di Midasa. Salenante nelle vicinanze - una bella ragazza con chiara innocenza. E vicino a lei - due bellissimi satelliti invariati calunniera - invidia e bugie. Si puliscano nei fiori e nei nastri della ragazza in modo che la calunnia sia sempre favorevole a loro. Un'ampia arrabbiata per calunniera di Midasa, che era il preferito del re. Lei stessa tira il sacrificio - un giovane sfortunato semi-inchiodato. Facile capire cosa sarà la Corte.
A sinistra solo, ci sono altre due figure inutili qui - il pentimento - la vecchia nei vestiti e la verità del "funerale" oscuro è nudo, e tutto sa. Ha disegnato il Dio a Dio e spostava la mano.
Magi sono gli uomini saggi che, avendo ascoltato la buona notizia della nascita del bambino di Cristo, si affrettarono alla madre di Dio e al suo grande figlio con doni e desideri di bene e moltipli. Tutto lo spazio è pieno di uomini saggi - in abiti ricchi, con regali, - tutti desiderano testimoniare un grande evento - la nascita del futuro del Salvatore dell'umanità.
Qui sulle ginocchia prima della lente d'ingrandimento, un salvia piegato e con soggezione bacia il bordo dell'abbigliamento di Little Gesù.
Prima di noi, Juliano Medici - il fratello minore del sovrano di Firenze - Lorenzo magnifico. Era alto, immagazzinato, bello, deft e forte. Appassionatamente affezionato a caccia, pesca, cavalli, amati giocare a scacchi. Certo, non riusciva a oscurare suo fratello in politica, diplomazia o poesia. Ma Juliano amava molto Lorenzo. La famiglia ha sognato di fare il cardinale da Juliano, ma non è stato possibile eseguire questa intenzione.
Juliano ha guidato lo stile di vita corrispondente alla domanda del tempo e dalla fornitura dei Medici. I Florentines hanno ricordato a lungo il suo vestito da Brocade d'argento, decorato con rubini e perle, quando ha fatto sedici anni giovani su una di queste vacanze.
Le ragazze più belle di Firenze si sono innamoranti di lui, tuttavia, Juliano era accompagnato da un solo uno - Simonetti Vespucci. Anche se la ragazza era sposata, non le impediva di incontrare la reciprocità di Affascinante Juliano. Love Giuliano a Simontette stava cantando nel poema di Polidiano, e la morte precoce ha trasformato la loro relazione in una leggenda romantica.
Come Simontette, Juliano è andato via presto. Ma non dalla malattia, ma è stato ucciso durante l'attacco agli aderenti di Firenze del Papa - famiglia Pazzi. Direttamente nella cattedrale, tra la folla, durante il passaggio del servizio, gli insidiosi assassini hanno attaccato i patrioti di Firenze, creando una merda. Certo, volevano uccidere principalmente lorenzo, ma riuscì a scappare, ma Juliano non è stato fortunato, fu ucciso da una mano malvagia e insidiosa.
Nel ritratto, l'artista ha creato l'immagine spirituale di Juliano Medici, segnato dalla tristezza e dal destino. La testa di un giovane con i capelli scuri è trasformata in un profilo e si distingue sullo sfondo della finestra. La faccia dei giovani è significativa e bella: fronte alta vuota, sottile naso con un hubber, bocca sensuale, mento massiccio. Gli occhi sono coperti da un'età mezzescata pesante, all'ombra del quale a malapena brillava. L'artista sottolinea il pallore del suo viso, l'amara piegi delle labbra, una grinza leggera, che attraversa il naso, sta rafforzando l'impressione della tristezza sepolta. Piercing l'aspetto di Juliano. La semplicità della gamma di colori costituita da rosso, marrone e grigio-blu corrisponde alla discrepanza totale della composizione e all'immagine stessa.
"La sua arte puramente personale rifletteva la faccia del secolo. In esso, come a fuoco, tutto era collegato, che è stato preceduto dal momento della cultura, e tutto ciò che è stato allora "presente" (A. Benua).
Il vero nome dell'artista - Alessandro Mariano di Banny di Amedeo Filipei. È nato in una famiglia semplice - suo padre era una pelle di tuning, ma ha portato il suo anziano fratello Antonio, che era un gioielliere meraviglioso. A causa della sua completezza, è stato notato "Botticello" (Barrel), questo soprannome e passò a Sandro. Ma c'è un'opinione che questo soprannome botticelli ha ricevuto per le peculiarità della sua figura. Tuttavia, non ha nulla a che fare con il suo lavoro.
Sandro Botticelli (1445-1510) - Il famoso artista italiano del primo rinascimento, rappresentante della scuola fiorentina. La prima cosa che si precipita negli occhi quando guarda le foto di Botticelli, è la loro spiritualità e il colore sottile. Si ritiene che Botticelli abbia creato circa 50 dipinti.
Sandro ha studiato, come tutti i figli del suo tempo, e poi divenne un apprendista nel laboratorio di gioielli di suo fratello Antonio. Ma per molto tempo non è stato ritardato e circa il 1464 si è trasferito agli studenti a Filippo Lippey.uno dei famosi artisti di quel tempo.
Influenza di Filippo Lippie
La creatività Filippo Lippi aveva una grande influenza su Botticelli, e con un aspetto attento ai dipinti di questi artisti, questa influenza è ovvia. Ad esempio, una svolta del viso in tre quarti, la decoratività del disegno delle tende, delle mani, la tendenza ai dettagli, i testi delle immagini create. Ma la cosa principale è il colore. Lui, come se si illumina delicatamente. Qui, per confronto, le immagini di F. Lippi e S. Botticelli.
F. Lippi. L'altare del novizio. Uffizi (Firenze)
S. Botticelli "Madonna con un bambino e due angeli" (1465-1470)
Un fatto interessante: al primo Botticelli era uno studente di Lippi, e poi il figlio di Lippi divenne uno studente di Botticelli.
Gli artisti hanno collaborato fino al 1467, e poi i loro modi erano separati: Filippo andò a Spoleto, Botticelli rimase a Firenze e ha aperto il suo laboratorio lì nel 1470
Lavora su argomenti religiosi e mitologici (lavori precoci)
Botticelli era vicino al cortile Medici. e cerchi umanistici di Firenze. Ed è stato di grande importanza, perché Medici, famiglia oligarchica, sono conosciuti come i clienti degli artisti e degli architetti più importanti del Rinascimento. Rappresentanti di questa famiglia dal XIII ai secoli XVIII. Ripetutamente divenne i governanti di Firenze.
Dalle opere di S. Botticelli seconda metà del XV secolo. Voglio evidenziare alcuni.
S. Botticelli. Dittico sulla storia di YUDIFI
Judith. - Carattere dell'Antico Testamento, vedova ebraica, salvando la sua città natale dall'invasione degli assiri. Il Judith è considerato un simbolo della lotta degli ebrei contro gli oppressori, un simbolo del patriottismo. Quando le truppe assiri erano assediate dalla sua città natale, si è vestita e andò al campo dei nemici, dove ha attirato l'attenzione del comandante. Quando si addormentò, tagliò la testa con una spada tagliente, passò tranquillamente dai guerrieri addormentati e tornò alla città salvata.
Dittico è composto da 2 dipinti: "ritorno di Judith" e "trovare il corpo di Oolferna".
È la scena del ritorno di YUDIFI raffigura Botichelli in questa immagine.
S. Botticelli "Ritorno di Judith" (1472-1473)
Judith accompagna la sua cameriera. La ragazza tiene una spada enorme in mano, il suo viso concentratamente e triste, le gambe della Bosa, è una fase decisiva a casa - la gradellazione appena dorme per il suo veloce passo, tenendo il cestino con la mano, in cui il capo di Si trova il re Oolofer.
Botticelli non mostra il Judith come una bella e seducente ragazza (così hanno ritratto i suoi molti artisti), preferisce il momento eroico nella vita del Judith.
S. Botticelli "Saint Sebastian" (1474)
Sebastian (Sevastian) - Legionario romano, santo cristiano, venerato come martire. Era il capo della guardia pretorna sotto gli imperatori diocleziani e massimici. Segretamente ha confessato il cristianesimo. Due dei suoi amici (fratelli Mark e Markellin) sono stati condannati per la morte per la fede in Cristo. I parenti e le mogli dei condanne gli pregavano di rinunciare alla fede e salvare le loro vite, e in un momento mark e Markellin cominciarono a fluttuare, ma Sebastian venne a sostenere i convinti, il suo discorso ha ispirato i suoi fratelli e convinti a preservare la lealtà al cristianesimo . Ho sentito Sebastian ha visto sette angeli e un giovane che benedetto Sebastian e ha detto: "Sarai sempre con me".
Sebastian è stato arrestato e interrogato, dopodiché l'imperatore Diocleziano gli ordinò di portarlo fuori città, cravatta e trafitto dalle frecce. Pensando che fosse morto, i carnefici lo hanno lasciato a mentire da soli, ma nessuno dei suoi organi vitali fossero danneggiati frecce, e le sue ferite, anche se profonde, non erano fatali. La vedova di nome Irina arrivò di notte per seppellirlo, ma scoprì che era vivo e uscì. Molti cristiani hanno persuaso Sebastian a fuggire da Roma, ma ha rifiutato e apparire davanti all'imperatore con una nuova prova della sua fede. Dall'inizio di Diocleziano, è stato segnato da pietre a morte, e il suo corpo fu lasciato cadere in una grande cloaca. Santo apparve in un sogno di una lukina cristiana e le disse di prendere il suo corpo e seppellire nelle catacombe, e la donna ha adempiuto di questo comando.
Sulla immagine della calma di Botticelli Sebastian, non ha paura della morte; Sembra che le frecce che cucite nel suo corpo assolutamente non si preoccupano dell'eroe. Ha provato la sua fede pazientemente e sottomessa attraverso tutta la sofferenza.
S. Botticelli "Adorazione dei Magi" (circa 1475). Galleria degli Uffizi (Firenze)
A forma di Magi Botticelli raffigurato tre membri della famiglia Medici: il Kozimo dell'Anziano, che appassiona le ginocchia di fronte alla Vergine Maria, ei suoi figli di Piero di Kozimo (il carrello del gomito nel manto rosso nel centro della pittura ) e Giovanni di Kozimo accanto a lui. Al momento della scrittura dell'immagine, tutti e tre erano già morti, Firenze fu governata dal nipote di Kozimo - Lorenzo Medici. È anche raffigurato nella foto insieme a suo fratello Juliano.
Autoritratto dei Botticelli stesso è fatto nell'immagine di un giovane biondo in un mantello giallo nel bordo destro dell'immagine.
D. Vazari ha quindi risposto a questa immagine: "È impossibile e descritto tutta la bellezza di Sandro nell'immagine delle teste girate in un'ampia varietà di posizioni - quindi nel FAS, quindi nel profilo, quindi nel sestorato, quindi , infine, inclinata, e quindi in che altro è altrimenti - è anche impossibile descrivere tutta la diversità nelle espressioni di persone nei giovani uomini e nei vecchi con tutte le deviazioni su cui si può giudicare la perfezione delle sue abilità - Perché anche nei numeri dei tre re ha fatto così tante caratteristiche distintive che è facile capire chi è facile capire chi ne serve uno, e chi è un altro. Davvero, il lavoro è il più grande miracolo, ed è stato portato a tale eccellenza a colori, l'immagine e la composizione che ogni artista e oggi lo stupisce. "
A questo punto, Botticelli scrive meravigliosi ritratti.
S. Botticelli "Ritratto di uno sconosciuto con la medaglia di Kozimo Medici dell'anziano" (circa 1475). Uffizi (Firenze)
Immagine scritta su una tavola di legno da tempera. La reception è unica per il Rinascimento: una nicchia rotonda è stata realizzata nel consiglio di amministrazione, dove viene inserita la pasta - il gesso placcato oro e coperto di vernice oro una copia della medaglia cast in onore di Kozimo Medici intorno al 1465
L'innovazione dell'artista è che ha ritratto il giovane in quasi il FAS (erano malaticcialmente rigorosamente nel profilo), con le mani chiaramente impartite (questo non è stato fatto in precedenza) e con il paesaggio sullo sfondo (in precedenza il lo sfondo era neutrale).
S. Botticelli "Ritratto di una giovane donna" (1476-1480). Galleria di Berlino
Questo ritratto di Botticelli crea in conformità con i principi di F. Lippi, il suo insegnante - ritorna in un profilo rigoroso con un'elegante sagoma e un telaio rigido, una nicchia o una finestra. Il ritratto è idealizzato, vicino a un'immagine collettiva.
Chi era il modello? La risposta è difficile da dare. E ipotesi sono: Simonetta Vespucci (amore segreto e modella botticelli e amato Juliano Medici); Madre o moglie Lorenzo Medici (splendida).
A Roma (1481-1482)
A questo punto, Botticelli è diventato un artista molto famoso non solo a Firenze, ma anche oltre. I suoi ordini erano molto numerosi. Papa Sikst IV, costruito una cappella nel suo palazzo romano, desiderava anche dipingere Sandro Botticelli. Nel 1481, Botticelli arrivò a Roma. Insieme a Girondayo, Rosselly e Perugino, ha decorato gli affreschi del muro delle cappelle papali in Vaticano, che è conosciuta come la cappella sicstinata. Otterrà gloria in tutto il mondo dopo il 1508-1512. Il soffitto e il muro dell'altare crolleranno Michelangelo.
Botticelli ha creato tre affreschi per Cappella: "Punizione di Corea, Daphne e Aviron", "la tentazione di Cristo" e "chiamando Mosè", così come 11 ritratti papali.
S. Botticelli "La tentazione di Cristo" (1482)
Tre episodi del Vangelo sono catturati - la tentazione di Cristo - nella parte superiore degli affreschi. A sinistra, il diavolo sotto la liquefat è persuaso dal catturato Gesù a girare le pietre nel pane e distinguere la fame. Nel centro, il diavolo sta cercando di costringere Gesù a saltare dalla cima del tempio di Gerusalemme per sperimentare la promessa di Dio sulla protezione angelica. A destra, il diavolo in cima alla montagna promette Gesù la ricchezza di terreni e del potere nel mondo, se rifiuta Dio e il peggiore, il diavolo. Gesù manda via il diavolo, e gli angeli vengono a servire il Figlio di Dio.
In primo piano, il giovane guarito dalla lebbra arriva al prete supremo del tempio per dichiarare la sua pulizia. Nelle sue mani la ciotola sacrificale e il gelo. Il sacerdote supremo simboleggia Mosè, che ha portato la legge, e il giovane è Gesù, che versò il suo sangue e ha dato vita nel nome dell'umanità, e dopo fu risorto.
Alcune figure in primo piano sono ritratti dei contemporanei dell'autore.
Foto di Botticelli di un soggetto laico
Il lavoro più famoso e misterioso di Botticelli - "Primavera" ("Primaver").
S. Botticelli "Spring" (1482). Galleria degli Uffizi (Firenze)
L'immagine mostra la radura nel giardino arancione, tutti i fiori dilatati. I fiori, secondo Botany, sono riprodotti con accuratezza fotografica, ma tra loro non solo la primavera, ma anche l'estate, e persino i fiori invernali.
Tre personaggi del primo gruppo: il dio del vento occidentale della marshmallow, persegue il cloruro raffigurato al momento di trasformare in flora - i fiori stanno già volando fuori dalla bocca; La dea delle flora flora Generose Raccogli la mano Rose.
Il gruppo centrale forma da solo Venere, la dea dei giardini e l'amore. Sopra il Venere è Cupido con gli occhi legati, guidando la freccia verso l'anadaggio centrale.
La sinistra Venera è un gruppo di tre abili, che ballano, tenendosi per mano.
L'ultimo gruppo forma mercurio con i suoi attributi: casco, sandali coperti. Botticelli lo ha ritratto un Guy Garden con una spada.
Tutti i personaggi quasi non toccano la Terra, tutto ciò finora.
Ci sono molte interpretazioni dell'immagine. Possono essere suddivisi in filosofici, mitologici, religiosi, storici ed esotici.
Circa 1485 Botticelli crea un'altra famosa cintura "nascita di Venere".
S. Botticelli "nascita di Venere" (1482). Uffizi (Firenze)
Si ritiene che il modello per Venere fosse Simoneetta Vespucci.
L'immagine illustra il mito della nascita di Venere (greco Afrodite, leggi l'articolo degli Olimpici degli dei). La dea nuda sta galleggiando verso la riva nella fascia del guscio, personalizzata dal vento. Nel lato sinistro del marshmallow (vento occidentale) tra le braccia di sua moglie cloruri (Roma. Flora) soffia sul lavandino, creando un vento pieno di fiori. Sulla riva, la dea incontra una delle sovvenzioni.
Nel post di Venere, l'influenza della classica scultura greca è chiaramente tracciata. Le proporzioni del corpo sono basate sul canone di armonia e bellezza.
La creatività Sandro Botticelli è distinta da uno speciale cantante della linea in ciascuno dei suoi dipinti, un senso di ritmo e armonia, ma sono particolarmente pronunciati nella sua "primavera" e "nascita di Venere". L'artista non ha mai goduto di tecniche di screening, quindi i suoi dipinti si preoccupano e lo spettatore moderno.
Dipinti religiosi S. Botticelli 1480s
Le opere religiose di Botticelli di questo tempo sono i più alti risultati creativi del pittore.
"Madonna magnitiated" (1481-1485) divenne famoso nella vita dell'artista. L'immagine mostra l'incoronazione della Madonna di due angeli nell'aspetto dei dettagli. Altri altri tre angeli tengono un libro aperto di fronte a lei, in cui Maria entra nello sloop, a partire da: Magnificat Anima Mea Dominum ("Majses my Lord"). Sulle ginocchia di Maria - Baby Gesù, una mano sinistra tiene una granata, il simbolo della misericordia di Dio.
Late Lavoro Sandro Botticelli
Nel 1490, l'artista era in una condizione morale dura. La morte di Lorenzo magnifico, catturando Firenze con le truppe francesi e le viste apocalittiche di Savonarola, che simpatizzano con Botticelli, - tutto ciò ha fortemente influenzato la sua coscienza. I suoi dipinti di questo periodo sono pieni di dramma, desiderio e disperazione ("abbandonato", "Christ", "calunnia", ecc.).
S. Botticelli "abbandonato" (circa 1495). Roma, collezione Pallavichini
Giovane donna solitaria raffigurata in una grande montagna e confusione di sentimenti. Figura sullo sfondo di un muro sordo - e non c'è niente di più in questo anche per Sandro una foto straordinaria e strana. Chi è lei, questa donna? La sua faccia potrebbe chiarire qualcosa per noi, ma i volti non sono solo visibili. Abiti indossati suggeriscono un modo lungo, solitario e senza speranza. Le camicie divise sui gradini come cadaveri ... "abbandonato" così tanto è così significativo che il vero significato del suo più ampio di qualsiasi particolare trama.
S. BottHelli "Giocare a Cristo" (1495)
Tre Maria e Giovanni il Bologoslov si appoggiò nella montagna sul corpo senza vita di Cristo. Tutto il giorno rimasero nella croce, guardando la sua farina e la sua morte. Giuseppe da Arimafia, venendo a Pilato, chiese al corpo di Gesù. Quindi Pilato ordinò il corpo. Joseph è raffigurato con una corona di tuoni in mano. Prendendo il corpo, Joseph ha camminato il suo puro sollievo e messo nella sua nuova bara, che altera in una roccia - in quella bara, che Giuseppe, la presentazione della sua stessa morte, si preparava.
Botticelli ha posto tutte le figure molto vicine l'una all'altra e ai margini dell'immagine. Sembrano formare una croce e un'unità sul corpo di Cristo.
John Teologo ha premuto contro la Vergine Maria, perché Cristo ha lasciato in eredità verso il suo amato studente per trattarla come madre. Maria Maddalena abbraccia le sue gambe, e Maria, la madre di Jacob Giovani, il capo di Cristo ...
Botticelli è morto il 17 maggio 1510. Fu sepolto sul cimitero della Chiesa di tutti i santi a Firenze.
Le opere di Botticelli sono incarnate luminosemente le caratteristiche della poesia sublime, raffinatezza, raffinatezza, spiritualità, bellezza. Questo è uno degli artisti più emotivi e lirici del Rinascimento.
Sandro Botticelli (Alessandro Mariano di Vannyi di Adeo Filipei) (1445-1510) - Il famoso artista italiano della rinascita precoce.
Botticelli, Sandro Sandro, è nato a Firenze nella famiglia di una tanner della pelle. Portato dal fratello maggiore Antonio, Maestro d'Affari d'oro, soprannominato Botticello (Barrel), da cui questo soprannome passò a Sandro.
Dal 1465 al 1467 Botticelli lavora come studente nel laboratorio Filippo Lippi. I suoi primi lavori sono vicini alle immagini dell'insegnante, il cui lavoro è pieno di immagini gentili e liriche.
Nel 1470 Botticelli apre il proprio laboratorio, che come la popolarità dell'artista espanse espanse, gli studenti entrano, nel 1472 entra nella Gilda di Santa Re Luca.
Nel 1474, Botticelli va alla Pisa per ispezionare gli affreschi del cimitero di Camposanto, scrive l'assunzione di Madonna nella Cattedrale di Pisa, che non è stata terminata (morta nel 1583).
Nello stesso anno, ha creato San Sebastian (1474, Berlino, Musei di Stato) per decorare il pilastro della Chiesa centrale della NAFA di Santa Maria Maggiore a Firenze. La sofferenza del santo è molto probabilmente spirituale del carattere fisico. Allo stesso tempo, Botticelli dà un'interpretazione anatomicamente accurata di un corpo nudo.
"St. Sebastian"
Circa 1473.
Albero, temperatura 195 x 75 cm
Berlino. Galleria di foto
Probabilmente originariamente situato a Santa Maria Madzhiore a Firenze
"Ritorno di YUDIFI"
1472-1473
Albero, temperatura 31 x 24 cm
Firenze. Galleria Uffizi.
Cliente: Rudolfo Sirigatti, parte di dittico, cfr. "Rilevamento di Oolferna decapitato, anche negli Uffizi.
Nel 1470-1471, Botticelli ha creato quattro immagini sull'argomento "Lastellilazione dei Magi", rispetto. Galleria nazionale, Londra e Uffizi, Firenze
Avendo raggiunto grazie al Santo Agostino, Botticelli, per ordine del negozio di seta, scrisse per il monastero di San Marco "Wedding Madonna" con il coro degli angeli (Firenze, Uffizi). Due famose composizioni di coppie "Storia di YUDIFI" (Firenze, Uffizi), anche relative al numero di primi lavori del Maestro (circa 1470), illustrano il suo dono del narratore, la capacità di combinare espressione e azione che rivelano l'essenza drammatica della trama. Trovano anche l'aroma sopra menzionato, che sta diventando più luminoso e ricco di contrasto con la palette Pale Filippo Lippi.
A circa 1475, l'artista ha scritto per Gaspare Dzanobi "Lashilation of Magi", il suo primo vero capolavoro. Il cliente apparteneva alla Corporation è cambiato ed era in strette relazioni con la famiglia dei Medici, i governanti reali della città.
Forse, era Zanobi che ha presentato un artista al cortile dei Medici, quindi alcuni personaggi di "culto dei Magi" sono considerati ritratti di individui da questa famiglia. 26 aprile 1478 Durante una cospirazione, Francesco Pazzi Juliano Medici è stato ucciso nella cattedrale della città durante la Messa. Suo fratello Lorenzo è riuscito a scappare. Per ordine, Lorenzo ha immediatamente arrestato molti dei dintorni di Pazzi e li appese nelle finestre di Palazzo Vecchio. I ritratti dei cospiratori sulle pareti del Palazzo hanno chiesto le mura di Palazzo Palazzo.
Sebbene l'ordine e indossava un carattere così strano, ha contribuito al successo del successo dell'artista. Da questo punto in poi, Botticelli ha iniziato a godersi il patrocinio dei Medici, in particolare da Lorenzo Pierfranchesco, un cugino Lorenzo magnifico, che nel 1476, ereditando un enorme stato da suo padre, ha acquisito una magnifica villa a Castello e ha incaricato il maestro la sua decorazione.
La seconda metà degli anni '70 e '80 è il periodo del periodo di massimo splendore del periodo dell'artista.
A Castello Botticelli ha scritto le due immagini più famose: "Becna" e "Nascita di Venere"
"Primavera (Primavera)"
Circa 1485-1487.
Albero, 033 x 314 cm
Firenze. Galleria Uffizi.
L'esatto intento "primavera" (circa 1482) Botticelli è sempre stato oggetto di un numero infinito di ipotesi, sebbene gli attori siano abbastanza identificabili qui: a destra - il marshmallow (caldo wind wind) persegue una ninfa, la dea della flora I colori diffondono i fiori in tutta la terra; A sinistra di tre grazie, indossando le mani, iniziare la danza; Mercurio la sua asta alata accelera le nuvole; Al centro dell'immagine - Venere e Cupido sono osservati per ciò che sta accadendo. Sottotesto simbolico sottile nel dipinto Parzialmente letto: Gli alberi arancioni vengono trovati di nuovo sullo sfondo (simbolo del matrimonio), flora - l'immagine della fioritura e della natura della natura, mercurio - Dio del pianeta con lo stesso nome, visibile nel cielo nel cielo Mesi di primavera, grazie - Ninfe di armonia, bellezza, virtù delle donne, Venere è una genuina regina del mondo la cui legge è l'amore stesso (le frecce di Love Loads Cupid).
Forse l'immagine dovrebbe essere interpretata alla luce della filosofia neoplatonica. In questa chiave, Venere può essere considerato come la personificazione del pensiero umanistico, che distingue l'amore sensuale (marshmallow, handsing persistentemente nimfast) dallo spirituale, rappresentato da grazia e mercurio.
"Nascita di Venere" 1484-1486
Firenze, Galleria degli Uffizi
La "nascita di Venere" insieme alla "primavera" e "Parlad e un centauro" sono stati ordinati da Botticelli Lorenzo Pierrefrant Medici per Castello Villa vicino a Firenze. Tutti e tre i dipinti sono grandi formati e sono innovativi nella storia della pittura, perché per la prima volta un argomento secolare è stato eseguito con la stessa dignità e ispirata dalla scala che prima che funziona solo su argomenti religiosi fossero onorati.
Bello, come un'antica scultura in marmo greco e con la faccia di Madonna, il Venus Brush Botticelli - un simbolo di bellezza perfetta e spiritualizzata. Lasciò il mare e lei su un grande lavandino porta il pegument di marshmallow e Chloe, mentre Ora, la personificazione della primavera, avvicinandosi a migliorare la copertura, ricamata con i fiori. Come notato da alcuni ricercatori, il rapporto tra pose e gesti della Dea e Ora ci riferiscono all'iconografia del battesimo di Cristo di Giovanni Battista e conferisce il grafico mitologico dei significati simbolici. Così, Botticelli dimostra che è molto familiare con il mezzo culturale della sua epoca e, in particolare, con il neoplatonismo, che visto negli antichi miti, la prevenzione delle idee del cristianesimo. L'ipotesi più credibile, secondo cui tutti e quattro i dipinti sono stati scritti in occasione del matrimonio. Sono le più meravigliose delle opere conservate di questo genere di pittura, che glorifica il matrimonio e le virtù associate alla nascita dell'amore nella doccia della sposa immacolata e bella. Le stesse idee sono quelle principali in quattro composizioni che illustrano la storia di J. Bokcchchcho "Nastajo Deli Deli" (situato in diverse collezioni), e due affreschi (Louvre), scritti circa 1486 in occasione del matrimonio del figlio di uno dei membri più vicini dei Medici.
Con una mano, coprendo leggermente il petto, e l'altra - sul Lona, la posa Venere ricorda l'antica statua di Venus Poldles (con un lat.- modesto, casto, vergognoso), che è anche conosciuto come la statua di Venere Medici (Medica), come proviene dall'incontro Medici. Abito bianco di orlo - Ninfe Personificazione qui La primavera, la fioritura e gli aggiornamenti, è rivestito in vivo e decorato con gigli aromatizzati, con una cintura di rose, come una flora nella "primavera"; Sul suo collo, la sua ghirlanda da Myrtit dedicata a Venere del simbolo di amore eterno. A destra nell'immagine - alberi arancioni in fiore (arancione - un simbolo di origine divina di Venere e un fiore di matrimonio). Nella foto, un altro attributo di Venere è il fiore rosa pallido che vola al vento: secondo il mito, le rose bianche furono dipinte in un colore rosso del sangue della dea, false le gambe durante la ricerca dei loro morti amato Adonis .
Sebbene l'immagine sia chiamata tradizionalmente la "nascita di Venere", lei stesso non mostra. Secondo il Mifh Greco Venere sorsero dalla schiuma marina formata dalla caduta nel mare cut-off Zeus dell'Autorità Sterngenea dell'uranio. Molto probabilmente, Botticelli è stato ispirato qui dalla poesia moderna A. Polyciano "Data sul torneo", che dice che Venere salpò verso la riva sul grande lavandino.
Dettaglio di Venere EUR.
"Minerva e Centauro"
Circa 1482-1483.
Tela, tempera 207 x 148 cm
Firenze. GALLERIA UPHFIFESS.
"Venere e Marte"
Circa 1483.
Albero, temperatura 69 x 173,5 cm
Londra. galleria Nazionale
L'immagine della "serie" mitologica di Botticelli - "Mars and Venere" (Londra, la Galleria nazionale) - Forse ho ordinato l'artista la famiglia Vespucci, una stretta Medici, un multi-Ostace sul bordo stesso della destra è visibile A destra (Vespa "in italiano - OSA, è il simbolo della famiglia araldica). La trama del trionfo dell'amore è stata spesso giocata nell'arte, e tali dipinti furono spesso assegnati a volte. Mentre Marte sta riposando, piccoli satiti giocano con la sua arma e armatura, - ora è completamente al sicuro. Forse questa immagine ha decorato la testiera del lodge del matrimonio o decorata il muro del matrimonio Casson. Nella foto è anche possibile vedere l'allegoria: Venere (pensiero umanistico) ha un effetto benefico sulla distribuzione e sull'elemento sfrenato, pacificando la natura lorda (Marte). Inoltre, in conformità con le opinioni umanistiche, dall'Unione di Venere e Marte - Amore e lotta - è nata l'armonia.
Cappella cycstinian Affresco (1481-1482)
"Liquidazione del muro"
1481-82
affrescare
Cappella Sistoria, Vaticano
Nella foto del culto dei Magi (1475-1478, Firenze, la Galleria degli Uffizi) di Botticelli sotto la spinta dei Magi e dei loro semi raffigura i rappresentanti della famiglia Medici e si presentano in primo piano.
"Whologia whologia"
1481-1482
Albero, 0,2 x 104,2 cm
Washington. Galleria nazionale d'arte
"Ritratto di Simone Topucci"
Circa 1476-1480.
47,5 x 35 cm
Albero, temperatura
Berlino. Galleria di foto
Identificazione controversa, lavoro eseguito nel workshop di Botticelli
Nel 1490, l'artista cresce gli stati d'animo pessimistico. La morte di Lorenzo magnifico (1449-1492), il sequestro di Firenze dalle truppe francesi e dalle viste apocalittiche di Savonarola (1452-1498), che simpatizzano con Botticelli, - tutto questo è stato un colpo di stato nella sua mente.
La tempesta, la disperazione è letta nel dipinto abbandonato (circa 1495, Roma, collezione Pallavichini), basata sulla storia biblica. Mostra una giovane donna solitaria in una grande montagna e confusione di sentimenti.
Abbandonato
1495g, accendere il pannello,
Collezione privata, Roma (Coll.Pallanvicini), Italia
Silenzio silenzio ... forse un momento fa, il parco giochi di fronte alle porte chiuse era pieno di movimento. Una giovane donna si precipitò, bussò in un cancello chiuso. Precipitato attraverso i gradini. Precipitò sui suoi vestiti. Urlò. Chiamato qualcuno. Un silenzio minaccioso regnò in massiccio, isolato dallo pezzo ciclopico di pareti. Ha vinto la disperazione. La successione è arrivata.
Che strada terribile dovrebbe essere l'artista, così che dopo la "primavera" - l'inno della gioia della vita è quello di creare in diciassette anni "abbandonato". Davvero un simbolo del destino. Secondo la sua espressione, il sistema compositivo, il ritmo, il sapore, questa immagine era davanti alla sua epoca per quasi cinque secoli. Sembra che l'immagine sia il riflesso dello stato dell'anima dell'artista. Le sue esperienze e il dum. Riassumendo circa mezzo secolo. La confusione dello stesso Botticelli davanti allo sconforto della propria vitalità in condizioni e tempo complesso e tragico ...
La dramismo si manifesta anche in altre immagini dei Botticelli di questo periodo: lutto (1495-1500, Monaco di Baviera, vecchio Pinakotek), calunniatore (ca. 1495, Firenze, Galleria degli Uffizi), la trama per la quale è stata la storia dello scrittore romano 2 V. AVANTI CRISTO.
"Mailing of christ"
1495,
sul pannello, 107 x 71 cm,
Museo di PFT Pezzzi, Milano
"Mailing of christ"
Circa 1500.
Albero, temperatura 140 x 207 cm
Monaco. Vecchio Pinakotek.
Dalla Chiesa di San Polano a Firenze
"Calunnia"
Circa 1495.
Albero, temperatura 62 x 91 cm
Firenze. Galleria Uffizi.
Calunnia, 1495 uffizi, Firenze
La trama è semplice e allegria: seduta sul trono re Midasa sussurrare nelle sue orecchie d'asino due figure - immagini allegoriche di ignoranza e sospetto. La manica è una bella ragazza con innocenza implicita - e il suo incitamento illumina la fibra al re dell'imputato. Vicino alla calunnia dei suoi compagni - tortura e inganno che lo sostengono e presunti. A distanza, l'artista raffigura i figure del pentimento - vestiti di vestiti di lutto delle vecchie donne e della verità nuda che osserva in su.
Nel 1496 scrive San Francesco per la camera da letto del monastero di Santa Maria di Monticelli
San Francesco Assisi con gli angeli
Circa 1475-1480.
Galleria nazionale di Londra.
Nel 1492-1500, crea un ciclo di illustrazioni per la Divina Commedia di Drente, dove ogni canzone è dedicata a un disegno. Le immagini su grandi fogli pergamena sono riempite in un modo lineare sottile (Berlino, il gabinetto di rinuncia dei musei statali; Roma, la Biblioteca del Vaticano).
Ritratto di Dante.
1495g, tempera, tela, 54,7 x 47,5 cm
Collezione privata, Ginevra, Svizzera
Dante Aligiery (1265-1321) - Poeta italiano, il creatore della lingua letteraria italiana, l'ultimo poeta del Medioevo e allo stesso tempo il primo poeta del nuovo tempo. La creatività di Dante Top - Poem "Divina Commedia" (1307-21, pubblicata nel 1472) in tre parti (inferno, purgatorio, paradiso)
Botticelli crea questo grande ciclo di illustrazioni da 1492 a 1500 g. I disegni sono fatti da un perno di metallo su grandi fogli pergamena. Ogni canzone è dedicata a un disegno. Diverse immagini a "Paradise" non sono completate e alle canzoni "Purgatory" XXX1, la procedura guidata ha eseguito due varianti del disegno. La maggior parte delle illustrazioni che Botticelli si sono adempiute per la Divina Commedia, erano nascoste da persone per la Divina Commedia. E solo all'alba dell'attuale millennio sono stati raccolti e sistematizzati.
Illustrazioni per "Divine Commedia"
INFERNO 
Artista: Sandro Botichelli
Illustrazione per "Divine Commedia" (inferno), 1480
Data di completamento: 1480
Stile: rinascita anticipata
Genere: Illustrazione
Tecnica: piuma, ago metallico
Materiale: pergamena
Galleria: Biblioteca Apostolica Vaticana
Inferno, canzone XVIII, 1480
Paradiso, Song VI, 1490
Purgatorio, 1490.
Nel 1501 completa il lavoro su Buon Natale (Londra, Galleria nazionale) - l'unico prodotto datato e firmato da Botticelli stesso. L'immagine ha combinato le scene "Natale" e "culto dei Magi".
"Natale"
1500
Tela, tempera 108,5 x 75 cm
Londra. Galleria Nazionale.
Botticelli "si è allontanato dal lavoro e alla fine invecchiato e caro così tanto che se non fosse ricordato quando era ancora vivo, Lorenzo die Medici, per il quale lui, per non parlare di molte altre cose, ha lavorato molto in un piccolo ospedale Volterra, e dietro di lui e dei suoi amici, e molte persone ricche, fan del suo talento, potrebbe morire con la fame.
"Sandro non va in riserva di altri, ma combinando molto, il che era disperso, con una pienezza incredibile riflette gli ideali del suo tempo. Non solo, ci piace, ma ha anche goduto di grande successo con i suoi contemporanei. La sua arte puramente personale rifletteva la faccia del secolo. In esso, come a fuoco, tutto è stato preceduto dal momento della cultura, e tutto ciò che è stato allora "presente". "