Ritrattisti grafici. Grafica nella galleria d'arte JAG

10.07.2019

Calda semplicità Valentina Gubareva

Artista primitivo di Minsk Valentino Gubarev non inseguendo la fama e facendo solo ciò che ama. Il suo lavoro è follemente popolare all'estero, ma quasi sconosciuto ai suoi compatrioti. A metà degli anni '90, i francesi si innamorarono dei suoi schizzi quotidiani e firmarono un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti, che, sembrerebbe, dovrebbero essere comprensibili solo a noi, portatori del "modesto fascino del socialismo sottosviluppato", furono apprezzati dal pubblico europeo e iniziarono mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.

Realismo sensuale di Sergei Marshennikov

Sergei Marshennikov ha 41 anni. Vive a San Pietroburgo e crea secondo le migliori tradizioni della scuola classica russa di ritrattistica realistica. Le eroine dei suoi dipinti sono tenere e indifese nelle loro donne seminude. Molti dei dipinti più famosi raffigurano la musa e la moglie dell'artista, Natalia.

Il mondo miope di Philip Barlow

Nell'era moderna delle immagini ad alta risoluzione e dell'ascesa dell'iperrealismo, il lavoro di Philip Barlow attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, lo spettatore richiede un certo sforzo per costringersi a guardare sagome sfocate e punti luminosi sulle tele dell'autore. Probabilmente è così che le persone che soffrono di miopia vedono il mondo senza occhiali e lenti a contatto.

Sunny Bunnys di Laurent Parcelier

La pittura di Laurent Parcelier è un mondo fantastico in cui non c'è né tristezza né sconforto. Non troverai in lui immagini cupe e piovose. C'è molta luce, aria e colori brillanti sulle sue tele, che l'artista applica con tratti caratteristici e riconoscibili. Questo crea la sensazione che i dipinti siano intrecciati da migliaia di raggi di sole.

Dinamiche urbane nelle opere di Jeremy Mann

Olio su tavola dell'artista americano Jeremy Mann dipinge ritratti dinamici di una metropoli moderna. "Forme astratte, linee, contrasto di punti chiari e scuri: tutto crea un'immagine che evoca la sensazione che una persona prova nella folla e nel tumulto della città, ma può anche esprimere la calma che si trova quando si contempla la quieta bellezza", afferma l'artista.

Il mondo illusorio di Neil Simon

Nei dipinti dell'artista britannico Neil Simone (Neil Simone) tutto non è come sembra a prima vista. "Per me, il mondo intorno a me è una serie di forme, ombre e confini fragili e in continua evoluzione", afferma Simon. E nei suoi dipinti tutto è davvero illusorio e interconnesso. I confini vengono spazzati via e le storie fluiscono l'una nell'altra.

Il dramma amoroso di Giuseppe Lorasso

L'artista americano contemporaneo di origine italiana Joseph Lorusso trasferisce su tela scene che ha visto nella vita quotidiana della gente comune. Baci e abbracci, impulsi passionali, momenti di tenerezza e desiderio riempiono i suoi quadri emotivi.

Vita del villaggio di Dmitry Levin

Dmitry Levin è un maestro riconosciuto del paesaggio russo, che si è affermato come un rappresentante di talento della scuola realistica russa. La fonte più importante della sua arte è il suo attaccamento alla natura, che ama teneramente e appassionatamente e di cui si sente parte.

Il luminoso East Valery Blokhin

In Oriente, tutto è diverso: colori diversi, aria diversa, valori di vita diversi e la realtà è più favolosa della finzione: è così che pensa l'artista contemporaneo Valery Blokhin. In pittura, Valery ama soprattutto il colore. Il suo lavoro è sempre un esperimento: non nasce da una figura, come la maggior parte degli artisti, ma da una macchia di colore. Blokhin ha la sua tecnica speciale: prima mette dei punti astratti sulla tela e poi rifinisce la realtà.

L'arte della grafica è varia. Include poster politici e disegni di giornali e riviste, illustrazioni e caricature di libri, grafica applicata industriale e pubblicità cinematografica. Una grande parte di esso è grafica da cavalletto - disegni e incisioni, eseguiti indipendentemente, al di fuori di uno speciale scopo pratico. È chiamato così per analogia con la pittura da cavalletto, le cui opere l'artista crea su una macchina speciale: un cavalletto; la parola "grafica" deriva dal greco grapho (grafo) - scrivo, disegno. Naturalmente, la grafica del cavalletto non è completamente priva di scopo. Prendendo in mano un pennello, una matita o uno scalpello da incisore, l'artista ha sempre un obiettivo preciso. Si sforza di trasmettere alle persone i suoi pensieri e sentimenti, la sua comprensione della vita, per affermare ciò che è degno in essa e punire il negativo, per mostrare la bellezza sorprendente e nascosta del mondo vista solo da lui. Ma allo stesso tempo, l'autore di un disegno o di un'incisione da cavalletto non persegue sempre con il suo lavoro uno scopo agitatorio o accusatorio, come maestro di manifesti e caricature, non svolge compiti pubblicitari o utilitaristici, come artisti di manifesti e industriali la grafica, le sue immagini, infine, non sono legate ad eroi e situazioni letterarie, come nelle opere degli illustratori.

Allo stesso modo, i maestri della pittura e della scultura da cavalletto, a differenza dei muralisti e dei decoratori, creano opere indipendenti che non sono associate a nessun insieme artistico: un edificio, una stanza, una piazza, un parco, ecc.

La grafica da cavalletto ha molto in comune con la pittura da cavalletto. Sebbene i loro principali mezzi artistici siano diversi, entrambi questi tipi di arte hanno possibilità grandi e per molti versi simili per rappresentare la natura, le persone e l'intera ricchezza del mondo materiale. Vari aspetti della vita umana, che è sempre stata al centro dell'attenzione nell'arte, hanno suggerito l'aggiunta dei suoi vari generi in essa: ritratto, paesaggio, composizione quotidiana o di battaglia, natura morta, ecc. Questi generi esistono sia nella pittura sovietica che in Grafica sovietica. Il mondo dell'anima umana è mostrato con particolare profondità in numerose opere di pittura da cavalletto, scultura e grafica. Per questa psicologia, per una conversazione sfaccettata e fantastica con lo spettatore su una persona, apprezziamo particolarmente l'arte del cavalletto.

Avendo molto in comune con la pittura, la grafica da cavalletto, allo stesso tempo, secondo il metodo di esecuzione - principalmente su carta, è vicina a tutti gli altri tipi di grafica in termini di tecniche di disegno e incisione. Essa, come tutta la famiglia delle arti grafiche, si distingue per la relativa velocità di esecuzione delle cose, nonché per buone possibilità di riproduzione. Grazie a questo, in primo luogo, la grafica ha grandi dati per essere un'arte di attualità, che reagisce rapidamente agli eventi della vita pubblica, un'arte che vive al ritmo della modernità. Queste possibilità insite nella grafica, come vedremo di seguito, sono state più di una volta perfettamente sfruttate dai suoi maestri. In secondo luogo, poiché un foglio grafico viene generalmente eseguito più velocemente di un dipinto o di una scultura (sebbene ad un artista grafico siano richiesti non meno forza spirituale, talento e abilità), conserva una particolare immediatezza di comunicazione con la natura, la possibilità di una fissazione viva di esso. Se a ciò si aggiunge che la tecnica di esecuzione delle opere grafiche è molto varia, diventa evidente la ricchezza ideologica ed estetica di questa forma d'arte.

Molte cose interessanti attendono lo spettatore attento delle opere grafiche. Non immediatamente, ma gradualmente, gli viene rivelata l'originalità e la bellezza di ogni tecnica grafica: la limpidezza argentea di un disegno a matita di grafite e il nero vellutato di una matita italiana, la fluidità precisa dei disegni a penna a china o inchiostro, la tenerezza di pastelli e sanguigna. Impariamo gradualmente ad apprezzare la ricca gamma di toni grigio-neri disponibili per disegnare a carboncino, salsa, acquerello nero o inchiostro, la leggerezza trasparente dell'acquerello colorato e il linguaggio più pesante e materico della tempera. Ammiriamo il linguaggio vario e flessibile delle xilografie, le forme generalizzate e concise dell'incisione su linoleum, l'espressività del chiaroscuro e la profondità del colore nell'acquaforte, il libero, ricco di sfumature di colore, la morbidezza del modellare, il disegno con una matita litografica.

Spesso gli artisti lavorano anche con tecniche miste, combinando nelle loro opere, ad esempio, carboncino, gesso e qualche tipo di matita o acquerello e pastello, acquerello e guazzo, ecc.

Sia nella litografia che nelle tecniche di incisione, lo spettatore vede il risultato finale del lavoro dell'artista - una stampa o un'impronta, altrimenti - un'incisione. Molte di queste stampe possono essere ottenute da una tavola o da una pietra e tutte sono opere d'arte ugualmente originali. Questa caratteristica delle stampe - la loro diffusione piuttosto ampia pur mantenendo tutti i pregi artistici - è per noi particolarmente preziosa.

Sempre più circoli di persone sovietiche si stanno ora unendo all'arte. Trovano nella stampa la pienezza dei pensieri e delle esperienze estetiche che offre la vera grande arte e, allo stesso tempo, la stampa non è un museo lontano unico che vediamo solo occasionalmente, ma una cosa con cui la bellezza entra nella nostra casa, nella vita di tutti i giorni.

La grafica da cavalletto sovietica è una vasta area della nostra arte, la cui storia non ancora scritta include pagine meravigliose di grandi ricerche e realizzazioni artistiche. Ha le sue brillanti tradizioni sia nell'arte russa che in un certo numero di altre scuole d'arte nazionali. Quasi tutti i maggiori pittori del passato furono anche grandi maestri del disegno e dell'acquarello. Gli acquerelli di Alexander Ivanov e K. Bryullov, numerosi disegni e acquerelli di Repin, la grafica di V. Serov e Vrubel sono capolavori della nostra arte pieni di fascino eterno. In quanto arte democratica, che porta le immagini e i pensieri degli artisti al popolo, la litografia è apparsa in Russia all'inizio del XIX secolo. Kiprensky, Orlovsky, Venetsianov, poi Perov, Shishkin, Vl. Makovsky, Levitan e altri artisti. Negli anni Quaranta del 19 ° secolo, Shchedrovsky nell'album "Here are Ours" mostra il mestiere dello spettatore, gli artigiani, i tipi popolari. Questa è stata la prima esperienza di creazione di litografia a colori nell'arte russa. I principali artisti del secolo scorso apprezzano l'arte dell'incisione per la sua relativamente maggiore accessibilità alle persone, perché avvicina le loro creazioni al pubblico del pubblico. Il classico della poesia ucraina e l'artista T. G. Shevchenko, che lavorò all'incisione, scrissero nel 1857: "Di tutte le belle arti, ora mi piace di più l'incisione. E non senza ragione. società". Shishkin era anche un appassionato di incisione. I. E. Repin si è ripetutamente rivolto a varie tecniche di incisione. L'intera varietà dei generi - domestico, scene storiche, ritratto e paesaggio - si sviluppa nella litografia, acquaforte e disegno del secolo scorso.

Nella grafica di inizio Novecento, come in tutta l'arte, c'è un complesso intreccio di tendenze talvolta opposte. Gli eventi della rivoluzione del 1905 catturano con particolare forza la grafica delle riviste, ma trovano riscontro anche nelle cose da cavalletto: le incisioni di S. Ivanov, i pastelli di V. Serov, testimone sconvolto delle rappresaglie dello zarismo contro i lavoratori. In queste opere, oltre che nelle immagini di minatori, lavoratrici, studenti di Kasatkin, nei disegni di S. Korovin che ritraggono soldati, nei fogli di Sergei Ivanov dedicati ai migranti poveri, c'è un interesse per la persona che lavora caratteristico dell'arte russa avanzata e simpatia per il suo destino difficile e spesso tragico. Ma nella grafica di questi decenni c'è anche la tendenza ad allontanarsi dalle complessità e dalle contraddizioni della realtà sociale. In alcuni casi, questa tendenza impone una sorta di contemplazione passiva al lavoro degli artisti, in altri conduce gli artisti nel loro lavoro in sale e parchi di palazzi lontani e estranei a un vasto pubblico. Quasi il genere principale nella grafica pre-rivoluzionaria è il paesaggio. Impiega grandi maestri come A. Ostroumova-Lebedeva, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lansere e altri. Vedono sottilmente la bellezza della natura multiforme, i suoi diversi stati, la poesia dell'architettura nel suo rapporto con il paesaggio. Questa ammirazione per la bellezza del mondo è il principale contenuto eterno delle loro opere, che ci eccita ancora oggi. Ma a volte nelle loro lenzuola si sente un accenno di contemplazione.

Nell'incisione pre-rivoluzionaria, nell'illustrazione di riviste e libri, più che in altre forme d'arte, si sentiva l'influenza della società World of Art, forse perché molti dei suoi membri erano grafici di alto livello professionale. Di questi artisti, questa società includeva Ostroumova-Lebedeva e Lansere. Tuttavia, tutti gli aspetti migliori del loro lavoro si sono formati contrariamente agli atteggiamenti estetici dei teorici del "Mondo dell'arte", che sostenevano "l'arte pura" lontano dalla vita. I dipinti, gli acquerelli e i disegni delle principali figure del "Mondo dell'arte" A. Benois, K. Somov e altri hanno resuscitato il mondo galante e inanimato della vita di corte delle epoche passate, erano un raffinato e dotto gioco della storia. Così, nella grafica prerivoluzionaria, si creano opere sature di tutto il dramma delle contraddizioni sociali, appare una massa di paesaggi lirici da camera e, allo stesso tempo, fiorisce il retrospettivismo, cioè l'allontanamento dalla modernità, l'estetismo del il mondo dell'arte.

Nei primi anni dopo la rivoluzione, l'aspetto della grafica da cavalletto è cambiato poco. Questi anni duri furono il tempo dell'arte militante a voce alta del poster, della scultura monumentale agitata e della nuova arte di decorare le feste di massa. Sullo sfondo del rapido sviluppo di questi tipi di arte, la grafica da cavalletto a prima vista sembra particolarmente tradizionale. Fondamentalmente, qui lavorano gli stessi maestri come negli anni pre-rivoluzionari, e il loro lavoro, che è già stato in gran parte determinato, non subisce immediatamente e rapidamente complessi cambiamenti legati agli influssi della nuova realtà. Il paesaggio e il ritratto sono diventati i generi principali della grafica da cavalletto. Gli artisti raffigurano amorevolmente gli antichi angoli delle città, notevoli monumenti architettonici, l'eterna bellezza della natura, non soggetta a tempeste sociali. C'è molto artigianato accattivante nelle loro opere, calma ammirazione per la bellezza del mondo. Ma questo piccolo mondo chiuso di un paesaggio retrospettivo rivolto al passato sembra protetto da un muro invisibile dagli eventi che si svolgono nel paese.

Le opere del genere domestico, di cui sono state create poche, raffigurano la stessa vita tranquilla e modesta, non toccata da eventuali sconvolgimenti sociali, semplice lavoro domestico.

La grafica di questi anni è dominata da incisioni e litografie; disegno e acquerello non sono comuni. Paesaggi e ritratti sono spesso pubblicati in album di incisioni, e si tratta di edizioni a tiratura ridotta e costose per pochi intenditori.

L'intimità distingue le opere di ritratto. I modelli di ritrattisti sono solitamente artisti, scrittori, artisti, cioè una cerchia piuttosto ristretta di persone spiritualmente vicine all'autore. Il loro mondo interiore viene rivelato in modo sottile e attento, ma non ancora al livello delle grandi generalizzazioni che saranno disponibili in seguito per l'arte sovietica.

E solo nei ritratti realizzati da N. A. Andreev, in particolare nelle sue immagini di V. I. Lenin, il genere del ritratto in grafica acquisisce immediatamente nuove qualità, potere generalizzante, suono sociale. Questi disegni sono giustamente inclusi tra i migliori risultati dell'arte sovietica, ci deliziano ancora oggi e partecipano alle nostre vite. Ma negli anni della loro creazione, questi fogli erano, per così dire, una brillante eccezione, che confermava solo la regola, ovvero il carattere generale da camera della maggior parte dei ritratti. Dai disegni di Andreev, come se in anticipo sui tempi, inizieremo la nostra conoscenza della grafica da cavalletto sovietica.

Per N. A. Andreev (1873 - 1932) - un famoso scultore, autore dei monumenti di Mosca a Gogol, Ostrovsky, il Monumento alla Libertà, il disegno non era solo una fase preparatoria necessaria del lavoro, ma anche un'area indipendente di creatività . All'inizio degli anni '20, realizzò un gran numero di ritratti grafici: Dzerzhinsky, Lunacharsky, Gorky, Stanislavsky, artisti dell'Art Theatre e altri.

Un uomo in tutta l'integrità del suo carattere: ecco cosa interessava ad Andreev, il ritrattista. Nei suoi fogli, il mondo interiore della modella è delineato in modo chiaro, sicuro, in dettaglio, ma senza mezzitoni e ricchezza di sfumature. Conoscendo i ritratti di Andreev, otteniamo la somma di conoscenze molto accurate e verificate sulle persone raffigurate su di essi. Precisamente, la chiarezza di questa conoscenza è una sorta di pathos del lavoro di Andreev e anche il modo di eseguire i ritratti gli obbedisce.

Gran parte di questo modo deriva dalla visione scultorea della forma dell'artista. Questa è la plasticità enfatizzata del disegno, la ricerca obbligata di una linea espressiva della silhouette, ma anche la rigidità del colore, la mancanza di senso dell'aria. Ma la cosa principale qui era il positivo che dava al talento scultoreo di Andreev: la capacità di vedere il modello nel suo insieme, la cosa principale nel contorno della testa, di vedere la specificità dell'aspetto, sgomberato da linee e curve casuali. Questa integrità della silhouette, unita allo sviluppo più dettagliato del viso, in particolare degli occhi, costituisce lo stile unico dell'artista. È stata ben servita nelle mani di Andreev da matite sanguigna, pastello, colorate, oltre a carboncino o matita italiana, con cui sono stati delineati i volumi principali.

Allo stesso modo, Andreev eseguì diversi ritratti di V.I. Lenin, che fanno parte della sua famosa Leniniana: un ampio ciclo di schizzi, disegni, schizzi e sculture, la cui creazione fu l'opera principale della vita di Andreev durante gli anni del potere sovietico . I ritratti di Lenin di Andreev sono per noi non solo il lavoro di un artista di talento, ma anche la preziosa rivelazione di un testimone oculare, una persona che ha osservato ripetutamente Lenin a congressi e congressi e nel suo ufficio del Cremlino. Molti schizzi superficiali sono stati realizzati da Andreev nel processo di questo lavoro, ma ci sono solo tre ritratti pittorici completati; l'artista ha compreso perfettamente la complessità e le specificità dei loro compiti, con l'apparente possibile velocità di esecuzione.

In uno di questi ritratti, un leggero strabismo degli occhi di Lenin, un sorriso appena percettibile davano vita all'immagine, creando un'immagine piena di calore umano. Allo stesso tempo, nel ritratto vive il senso del significato sociale dell'immagine del leader, e quindi questo foglio è così nuovo nei contenuti per l'arte del ritratto grafico di quegli anni (ill. 1).

Il tema di Lenin - il leader delle masse con forza ed espressione ancora maggiore è stato sviluppato da Andreev nel ritratto di profilo di V. I. Lenin, spesso datato all'inizio degli anni '20. L'impulso e l'energia di questa immagine ispirata, il suo sublime eroismo conquistano i cuori. Allo stesso tempo, la comprensione del ruolo storico di V. I. Lenin qui è così matura che questo lavoro di Andreev sembra essere molto più avanti della portata dell'arte dei primi anni '20. Con tutta la ricchezza e le conquiste dell'arte di questi anni, non vi troveremo un tale senso della portata delle azioni di Lenin, la portata del pensiero di Lenin, una tale comprensione storica della sua immagine. E sembra giusta la recente ipotesi della ricercatrice della "Leniniana" L. Trifonova che il ritratto, divenuto noto solo negli anni '30, sia stato realizzato non all'inizio degli anni '20, ma in seguito. Linguaggio laconico e contenuto interiore conferiscono a questo foglio una vera monumentalità. Non per niente questo ritratto è ormai familiare ad un vasto pubblico non solo per molte riproduzioni: è realizzato in mosaico, è dipinto in pannelli H:t, quando decora le feste. Ingrandito a grandi dimensioni, il disegno non perde nulla nella sua laconica espressività,

GS Vereisky (nato nel 1886) ha lavorato anche nel campo della ritrattistica sin dai primi anni della formazione della grafica sovietica. Il momento di valutare il significato sociale di una persona prenderà un posto importante più avanti nelle sue cose, ma il percorso dell'artista verso questo e soprattutto la natura dei suoi primi lavori erano diversi da quelli di Andreev. G. S. Vereisky ha ricevuto le sue prime abilità artistiche in uno studio privato a Kharkov, studiando all'università, partecipando a un circolo rivoluzionario studentesco e agli eventi rivoluzionari del 1905, in relazione a questo, una prigione e poi diversi anni di emigrazione: questi sono alcuni momenti della biografia dell'artista. Dal 1918, per diversi anni, Vereisky lavorò nel dipartimento delle incisioni dell'Ermitage. Vi giunse già in possesso di significative notizie dalla storia dell'arte mondiale, mentre la sua lunga opera all'Eremo lo arricchì ancor di più in questo senso. Non un libro, ma una viva conoscenza dei capolavori dell'arte mondiale ha segnato l'immagine creativa dell'artista; grande cultura, nobiltà, semplicità, dietro la quale c'è rigore, contraddistinguono le sue numerose opere. Vereisky iniziò con i ritratti litografici e, sebbene ora lo conosciamo come un eccellente disegnatore e incisore, fece soprattutto nel campo della litografia.

Fin dall'inizio del suo lavoro, Vereisky è stato caratterizzato dalla fedeltà alla natura, dall'osservazione. Pertanto, forse, il lungo percorso di questo artista nell'arte sembra a prima vista liscio e calmo. Infatti è caratterizzato da continue ricerche, miglioramento delle competenze,

Il primo album di Bereisky "Artisti russi" fu pubblicato nel 1922. Vediamo qui un gruppo pienamente rappresentato di artisti della società "World of Art" dai fondatori alla sua seconda generazione. Vereisky conosce i suoi modelli perfettamente e cattura accuratamente l'umore spirituale, il carattere di ciascuno degli artisti: la cupa serietà e la spiacevole solitudine di Benois, la concentrazione senza gioia di Somov, l'espressione pungente, la tensione della vita interiore di Mitrokhin, ecc. Da questi fogli, così come dai ritratti di Andreev, possiamo imparare molto sulle persone qui raffigurate, ma nei ritratti di Vereisky non c'è momento di valutare le persone, per così dire, a distanza, la caratterizzazione è data in una camera , intimo-lirico, e la questione del significato sociale delle loro attività non è stata ancora sollevata. Negli album successivi del 1927 - 1928, Vereisky trova già più accuratamente la posa naturale e rilassata della modella, disegna con maggiore sicurezza e libertà. Ritratti di successo di artisti Golovin, Zamirailr, architetto Shchuko, critico Yaremich, Notgaft. Vereisky è stato in grado di trasmettere la cultura interiore, la vivacità della mente, il fascino di una grande educazione, insita nelle persone da lui raffigurate.

Negli anni '30, Vereisky lavorò molto sui ritratti dei piloti, ammirandone il coraggio e il coraggio, cercando di enfatizzare queste qualità nella loro descrizione. E quando, all'inizio della Grande Guerra Patriottica, creò i ritratti dei coraggiosi partecipanti alle battaglie di Fisanovich, Meshchersky, Osipov e altri, sembravano una continuazione della storia dell'artista sui coraggiosi soldati sovietici, iniziata dalle opere degli anni '30.

Ma il principale risultato di Vereisky durante questo periodo e oltre furono i ritratti di figure culturali. Durante gli anni della guerra l'artista sentì con particolare chiarezza che il tema dei suoi ritratti era la creatività, la capacità, preziosa e irrinunciabile di una persona d'arte, di operare con intuito creativo anche in un momento di grave disagio. In questi fogli, la grande abilità tecnica di Vereisky sembrava illuminata per la prima volta da una profonda eccitazione emotiva, ei suoi ritratti sempre corretti e accurati acquisivano una viva emotività. Il direttore dell'Ermitage, l'orientalista I. A. Orbeli e il poeta N. Tikhonov, furono attratti da lui durante i giorni dell'assedio di Leningrado; le sue fatiche hanno segnato l'aspetto di queste persone, ma nonostante le condizioni in cui lavorano e la loro profondità creativa è trasmessa in modo tangibile e chiaro. La stessa poesia delle ricerche ispirate è anche nei ritratti dell'artista E. E. Lansere, del direttore d'orchestra E. A. Mravinsky, del pittore T. N. Yablonskaya (ill. 2). Ancora una volta qui vengono presentate figure culturali di varie professioni, ma come è cambiato il loro mondo interiore, la loro ardente devozione all'arte si è illuminata di un nuovo significato. L'antica intimità delle opere di Vereisky scompare e la questione del ruolo sociale dell'arte risuona in piena forza nei suoi ritratti del 1940-1950. I metodi della sua scrittura psicologica non sono diventati diversi, ma solo più accurati, ma dalla consueta veridicità coscienziosa delle sue caratteristiche, i contorni della grande vicinanza interiore delle persone da lui raffigurate, la vicinanza nella cosa principale - nel comprendere il significato della sua opera, come se da soli fossero indicati.

Dicendo il nome di G. S. Vereisky, ricordiamo spesso immediatamente le opere di M. S. Rodionov (1885 - 1956) - un artista la cui arte era per molti versi internamente vicina a G. S. Vereisky. E le principali aree di lavoro: ritratto e paesaggio (che anche Vereisky ha fatto molto), e la rigorosa bellezza dei modi e la premura nello studio della natura erano comuni a questi artisti. Eseguito da M. S. Rodionov nel 1944 - 1946, anche nella tecnica della litografia, una serie di ritratti di scienziati e artisti - Abrikosov, Baranov, Vesnin e altri - pone nella nostra grafica la stessa linea di serio, privo di appariscente esterno, forte interno veridicità dell'arte del ritratto, che delineano anche le opere di G. S. Vereisky.

Le opere di Vereisky e Rodionov ci hanno portato lontano dai primi anni post-rivoluzionari. Tornando a loro, dobbiamo integrare la cerchia di ritratti già a noi familiari con le opere di B. M. Kustodiev (1878 - 1927). Un importante pittore, Kustodiev ha lavorato molto nella grafica. Interessante ritratto di F. I. Chaliapin, da lui eseguito nel 1921 ad acquerello e matita. Se nella prima versione di questo ritratto il sigillo della quotidianità, per così dire, spegne la luce interiore nel volto di Chaliapin, più avanti l'artista crea un'immagine complessa e allo stesso tempo convincente; si avverte in lui talento, ampiezza, eleganza e qualche pensiero nascosto (ill. 3).

Il secondo genere diffuso nella grafica degli anni '20 era il paesaggio. Uno dei suoi più grandi maestri fu A.P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955). Il suo precoce interesse per l'arte la portò alla Scuola di Disegno Tecnico Stieglitz, dove studiò sotto la guida di un eccellente insegnante e incisore V.V. Mate, un grande maestro della riproduzione dell'incisione a tono. Il profilo creativo di Ostroumova non è stato immediatamente determinato. Trasferitasi all'Accademia delle Arti, vi studiò con vari insegnanti e successivamente fu accettata come studentessa di I. E. Repin. Questo è stato un evento che ha segnato tutte le ulteriori attività dell'artista. "Nel profondo, nel cuore della nostra arte, il realismo allegro, fresco ed eternamente vivente di Repinsky è la pietra angolare di tutti", scrisse in seguito Ostroumova. A poco a poco, l'interesse dell'artista per l'incisione, e in particolare per le xilografie a colori, sta diventando sempre più determinato. Ha studiato ottimi esempi di quest'arte in varie collezioni durante il suo viaggio a Parigi. Di tutte le tecniche di incisione, le xilografie in Russia all'inizio del XX secolo avevano il valore artistico meno indipendente ed esistevano principalmente come modo per riprodurre dipinti. Le xilografie colorate sono state completamente dimenticate. Pertanto, quando Ostroumova-Lebedeva ha presentato alcune sue incisioni all'Accademia per il concorso, tra cui una xilografia colorata dal dipinto dell'artista fiammingo Rubens "Perseo e Andromeda", la giuria inizialmente ha persino rifiutato questo foglio, scambiandolo per un acquerello .

Durante la sua lunga vita creativa, Ostroumova-Lebedeva ha portato avanti il suo impegno per le xilografie e gli acquerelli. Sul primo di essi, l'artista stessa scrive con amore e poesia:

"Apprezzo in quest'arte l'incredibile brevità e brevità della presentazione, il suo laconicismo e, per questo, la sua estrema nitidezza ed espressività. Apprezzo la spietata certezza e chiarezza delle sue linee nell'incisione su legno ... La tecnica stessa non consente per emendamenti e quindi non c'è spazio per dubbi ed esitazioni nell'incisione su legno...

E com'è bello il funzionamento dell'utensile sul legno duro! La tavola è così lucida che sembra velluto, e su questa superficie dorata lucida scorre veloce uno scalpello affilato, e l'intera opera dell'artista è di tenerlo entro i confini della sua volontà!

Un momento meraviglioso in cui, dopo un lavoro duro e lento associato a un'attenzione incessante e intensa - non commettere errori - ruoti la vernice con un rullo e tutte le linee che hai lasciato sulla lavagna iniziano a brillare di vernice nera e all'improvviso appare un disegno sul tabellone.

Mi sono sempre pentito che dopo una fioritura così brillante dell'incisione, avvenuta nel XVI e XVII secolo, quest'arte iniziasse ad appassire, diventasse un servizio, un mestiere! E ho sempre sognato di dargli la libertà!"

Anche negli anni pre-rivoluzionari, Ostroumova realizzò molte opere meravigliose: vedute di San Pietroburgo e dei suoi dintorni, paesaggi dipinti durante i viaggi in Italia, Spagna, Francia,

Olanda. Precisione invariabile e fedeltà alla natura sono già combinate in esse con un grande dono di generalizzazione. L'artista San Pietroburgo disegna in modo particolarmente penetrante e poetico. La città sorge nelle sue lenzuola maestose, piene di armonia e bellezza. L'armonia della composizione, la chiarezza lineare, la purezza del colore contraddistinguono le sue opere.

Dopo la rivoluzione, che ha causato all'artista, secondo le sue memorie, un'ondata di energia creativa e un'impennata gioiosa, Ostroumova lavora ancora soprattutto nel genere del paesaggio architettonico. Nei suoi fogli, come prima, la città non è strade trafficate ribollenti di una folla attiva, ma soprattutto il regno della bella architettura, la sua bellezza duratura.

Allo stesso tempo, all'artista vengono rivelate nuove caratteristiche nell'aspetto della città e l'emotività contenuta dei suoi dipinti è talvolta sostituita da un sentimento più tempestoso e impulsivo. Nell'ambito di un unico genere paesaggistico, Ostroumova crea cose molto diverse e sempre interiormente integre. Ricorda, ad esempio, il suo acquerello del 1918 "Petrograd. Field of Mars". Questo foglio con il rapido movimento delle nuvole nel cielo alto, la distesa della piazza e la figura snella e lungimirante del monumento a Suvorov è pieno di tensione e pathos nascosti. L'atteggiamento dell'artista qui è coraggioso, allegro, i ritmi di vita da lei ascoltati sono chiari, come una marcia, e, come una marcia, musicali. Ostroumova dipinge con tratti leggeri, generalizzati nella forma, usando i dettagli con sapiente moderazione. Sembrerebbe che questo foglio sia disegnato in modo molto semplice, ma dietro la sua semplicità stanno abilità e grande gusto artistico. Si manifesta anche nella nobiltà della tavolozza modesta e bella di questa cosa.

La xilografia "Smolny" è permeata da un'emotività tempestosa insolita per Ostroumova. Il soffio della rivoluzione, per così dire, soffia su questo paesaggio, e la costruzione di calme forme classiche sembra rivivere, come nell'ebollizione dell'ottobre 1917. Lo scontro del bianco e nero sembra raddoppiare la potenza di ciascuno di questi colori. Le colonne dei Propilei, che segnano l'ingresso di Smolny, diventano minacciosamente nere, la terra risplende di un bianco brillante, i tratti turbinano in rapido movimento, disegnando la strada verso l'edificio nelle profondità, un albero si piega sotto un vento rafficato e obliquo le linee cadenti delineano leggermente il cielo sopra Smolny. Viene creata un'immagine piena di impulso, movimento, eccitazione romantica. Inoltre, quanto è bella e pittoresca questa xilografia nera, quanto sono grandi i suoi pregi puramente decorativi.

Anche il ciclo di piccole xilografie raffiguranti Pavlovsk si distingue per la decorazione. La decoratività è stata vista dall'artista nei contorni di un gruppo di alberi, nella sagoma di una statua o in un reticolo, osservati in vita e quindi convincenti.

Un classico esempio della grande abilità di Ostroumova-Lebedeva è il paesaggio "Summer Garden in Hoarfrost" (1929; ill. 4).

La tranquillità di un giardino deserto ti abbraccia mentre guardi questa incisione; tu, per così dire, ti ritrovi nel suo vicolo: ecco come viene distribuita la composizione del foglio dall'autore. Il punto delle impronte nella neve alta e il ritmo della grata nera innevata disegnano il movimento nelle profondità del foglio, ed è lì delicatamente arrotondato dalla leggera sagoma di un ponte. Il movimento e le figure lontane di persone animano l'intero foglio, ma non ne rompono il fascino nevoso. È nella combinazione di pace sorprendente, silenzio con il senso della vita di una grande città, che scorre da qualche parte molto vicino, che nasce il fascino speciale di questa incisione. La poesia dell'inverno, i suoi colori nebbiosi, l'aria gelida che soffia sulle chiome degli alberi in una brina rosa fragile, è magnificamente trasmessa dall'artista qui.

Durante la Grande Guerra Patriottica, Ostroumova-Lebedeva, che aveva già più di settant'anni, non lasciò Leningrado. Ha condiviso con tutti gli abitanti le incredibili difficoltà del blocco e non ha smesso di lavorare al meglio delle sue capacità. Le pagine delle sue memorie relative a questi anni non sono solo cronaca di stenti e angosce spirituali, ma anche testimonianza di un eterno ardore creativo, di un'instancabile voglia di lavorare. Tale amore per l'arte, grande devozione ad essa sono ancora un esempio per i giovani artisti, e le conquiste di Ostroumova-Lebedeva nell'incisione e, in particolare, il revival di xilografie artistiche a colori da parte sua rimangono come un contributo incrollabile di un grande maestro al nostro arte.

Le opere di V. D. Falileev (1879 - 1948) sono per molti versi vicine alle opere di Ostroumova-Lebedeva in termini di atteggiamento e stile. Fu anche maestro delle xilografie in nero ea colori, e si rivolse all'acquaforte e alla linoleum alla ricerca costante di nuove possibilità tecniche del suo lavoro, in particolare del colore. I paesaggi di Falileev, sia raffiguranti il suo paese natale che quelli stranieri, ci attraggono con la stessa pienezza di sentimenti, la capacità di vedere la bellezza nei soliti motivi della natura, come le opere di Ostroumova-Lebedeva, ma l'armonia e la purezza classica delle linee sono meno comune nelle sue incisioni, il modo del suo disegno è più libero e in qualche modo più irrequieto, la colorazione è più calda e pittoresca. Allo stesso tempo, la capacità di generalizzare le proprie impressioni, di creare un'immagine artistica capiente con un minimo di mezzi, rende Falileev imparentato con Ostroumova-Lebedeva. In questo senso, ad esempio, è caratteristico l'album di incisioni su linoleum a colori di Falileev "Italia", dove l'artista, dedicando un solo foglio all'una o all'altra città, in composizioni estremamente laconiche, a volte raffigurando solo un frammento di un edificio, come se concentra il più caratteristico nell'aspetto delle città italiane.

L'artista è anche interessato alla natura tempestosa, crea una serie di incisioni "Rains", in una serie di fogli varia, studiando l'aspetto mutevole del mare, i contorni di un'onda del mare in tempesta. Nei paesaggi con motivi di tempeste e pioggia, alcuni ricercatori vedono una sorta di risposta grafica a una tempesta rivoluzionaria, ma un tale riavvicinamento sembra ancora troppo semplice. E con Falileev, non oseremo stabilire una relazione simile tra le sue trame e gli eventi sociali. Ma nella totalità delle sue opere, nella speciale intensità della loro struttura interna, c'è davvero un senso della complessità del mondo sociale, ed è più distinto nei suoi fogli di paesaggio che, ad esempio, nell'incisione su linoleum di The Troops , perché Falileev era principalmente un paesaggista.

I. N. Pavlov (1872 - 1951) era anche un rappresentante del genere del paesaggio nella grafica. Nella sua persona, Mosca aveva un poeta tanto devoto e mai stanco di cantarlo, come Leningrado nella persona di Ostroumova-Lebedeva. Pavlov aveva quasi la stessa età di Ostroumova, ma il suo percorso artistico iniziò in altre condizioni di vita più difficili. Figlio di un paramedico carcerario, poi guardiano della cattedrale di Cristo Salvatore a Mosca, dovette presto "andare dal popolo", iscrivendosi come apprendista in un laboratorio artigianale di incisione. La riproduzione delle incisioni dai dipinti di V. Makovsky furono le prime opere che gli portarono il successo. Successivamente, Pavlov studiò presso la Stieglitz School of Technical Drawing e nel workshop di Mate, nonché presso la scuola della Society for the Encouragement of Arts, ma non a lungo per la necessità di lavorare. Nella riproduzione dei dipinti, l'artista raggiunge una grande abilità e le sue incisioni vengono pubblicate su riviste popolari di quegli anni, facendo conoscere ai lettori le opere dei principali pittori, da Repin a V. Makovsky. La fotomeccanica, tuttavia, soppianta ulteriormente questa modalità di riproduzione. Nelle opere di Pavlov appare il tema principale del suo lavoro: gli antichi angoli di Mosca e le città di provincia, il paesaggio della Russia che sta svanendo nel passato.

Il passaggio alla creazione di incisioni originali non è stato facile per l'artista, ma la sua diligenza e l'amore per il suo soggetto hanno fatto molto. Dal 1914 iniziarono ad apparire album di incisioni di paesaggi di I. N. Pavlov. Al centro dei suoi paesaggi c'erano le impressioni della natura vicino a Mosca, dei viaggi lungo il Volga e l'Oka. La percezione da camera della natura, la ricerca di una sorta di intimità in essa contraddistinguono queste prime opere. "Mi sono sforzato di selezionare gli angoli e mi aspettavo di vedere le mie incisioni come veri e propri paesaggi d'atmosfera. Su larga scala, nell'immagine panoramica, mi sembrava che l'intimità e la chiarezza compositiva che cercavo di ottenere potessero scomparire completamente", il artista in seguito ricordato. Iniziando una vasta serie di paesaggi di Mosca, Pavlov, anche qui, cerca principalmente motivi lirici da camera, catturando l'antichità. "Ho cercato gli edifici antichi più rari, i cortili, i vicoli ciechi, le case di legno centenarie, le chiese dell'antica architettura; non ho ignorato molti monumenti eccezionali dell'antichità ... A volte il vecchio si alternava al nuovo, al fine di sottolineare la tipicità del pezzo preso della città", - leggiamo nelle sue memorie.

Di anno in anno si accumulavano le incisioni di Mosca di I. N. Pavlov, che componevano i suoi numerosi album. Molto è cambiato in un periodo di tempo relativamente breve a Mosca, gli angoli tranquilli che I. N. Pavlov ha dipinto nell'enorme città moderna sono diventati irriconoscibili. E siamo grati all'artista, che ci ha conservato il modesto conforto dei vicoli silenziosi, la cordialità delle casette (ill. 5). E in altre città russe - Kostroma, Uglich, Ryazan, Torzhok - Pavlov è attratto dall'architettura antica. Ne sentiva molto bene l'espressività e l'originalità. Ma nel complesso, le opere di Pavlov sono incomparabilmente meno artistiche e di bellezza plastica rispetto, ad esempio, ai paesaggi di Ostroumova-Lebedeva o Falileev. L'accuratezza documentaristica del suo lavoro si trasforma spesso in fotografia.

5. I. N. Pavlov. Foglio dall'album "Old Moscow". Su Varvarka. 1924

Il ciclo di paesaggi moderni di Pavlov fu reintegrato nel 1920 - 1930, quando, dopo essersi unito all'Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria, lui, come molti maestri d'arte, fece viaggi d'affari creativi nei centri industriali del paese. Incisione su linoleum a colori "Astrakhan" con uno stormo scuro di navi e le luci di un grande edificio del Commissariato popolare per il trasporto marittimo sulla riva, il paesaggio "Sul Volga" con sagome nere affilate di barche a vela e acqua leggermente tremante, "Baku" , "Balakhna" e alcuni altri fogli eseguiti in questi anni sono stati tra le migliori opere dell'artista. Il foglio "Zvenigorod. Outskirts", creato dal maestro 78enne nel 1949, conquista con uno stato d'animo gioioso e luminoso.

L'inappropriato elogio del lavoro di Pavlov da parte della critica alla fine degli anni Quaranta e all'inizio degli anni Cinquanta ha oscurato i difetti delle sue opere e, paradossalmente, ha reso difficile accertarne i veri meriti. La completa negazione del suo lavoro non è rara oggi. Ma apprezziamo il grande lavoro dell'artista e la sua ricca esperienza, che ha generosamente condiviso con molti maestri della grafica sovietica all'inizio della loro carriera.

Il merito di Pavlov - insieme a V. D. Falileev - è l'introduzione dell'incisione su linoleum nella vita quotidiana degli artisti sovietici e l'invenzione di un nuovo metodo di stampa delle stampe con gli acquerelli: gli acquatipi.

Degli studenti di I. N. Pavlov, M. V. Matorin, un maestro delle xilografie a colori e un pittore di paesaggi, lavora fruttuosamente come artista e insegnante.

Nel suo appello al paesaggio architettonico, ai monumenti dell'antichità, IN Pavlov non era solo negli anni '20. Vl. Iv. Sokolov, uno studente di Levitan, che lo stesso I. N. Pavlov riuscì a interessare alle tecniche di incisione, pubblicò diversi album nel 1917 - 1925 dedicati a Sergiev Posad, la vecchia Mosca, Rostov. Tutti questi sono buoni esempi del vecchio paesaggio. Negli album di litografie di Yuon e Kustodiev negli anni '20, si possono vedere anche Sergiev Posad, paesaggi russi, immagini della vecchia vita provinciale incontaminata. Gli edifici classici di San Pietroburgo si trovano nelle linee inseguite delle xilografie di P. A. Schillingovsky, il cui album di paesaggi, pubblicato nel 1923, sebbene chiamato "Petersburg. Ruins and Revival", ma fondamentalmente conteneva solo immagini tristi delle rovine: la distruzione causato a Pietrogrado dalla devastazione militare. Una volta in Armenia, il veto di Schilling vede di nuovo solo i tratti dell'antichità, pubblicando un album di incisioni "Old Erivan" nel 1927. Pertanto, il paesaggio antico nella grafica del primo decennio non è un hobby accidentale di singoli maestri, ma un intero fenomeno.

Solo verso il 1927 l'interesse per lui si esaurì e lo stesso Schillingovsky, grande fanatico dell'antichità architettonica, l'anno successivo, 1928, creò l'album "Nuova Armenia", come se notasse nel suo lavoro un cambiamento caratteristico avvenuto in il programma.

Il nuovo, naturalmente, cresce nelle viscere del vecchio, e opere dedicate al paesaggio moderno sono apparse nella grafica, per così dire, nel suo profondo, tra cose a noi già familiari. I loro autori erano artisti che solo ieri hanno dedicato la loro creatività alla contemplazione delle bellezze eterne dell'architettura e della natura. Così, ad esempio, I. I. Nivinsky (1881-1933), il più grande maestro dell'incisione sovietica, nell'album "Crimea", pubblicato nel 1925, artisticamente e facilmente, sebbene con un tocco di contemplazione, trasmette la festa quotidiana della bella natura meridionale. Entro il decimo anniversario di ottobre, per ordine del Consiglio dei commissari del popolo, Nivinsky crea diverse grandi incisioni "Zages", dove, raffigurando una centrale elettrica in Georgia, non solo introduce una nuova trama nei suoi paesaggi, ma cerca anche attivamente nuove forme di espressione per esso.

Di successo è l'acquaforte "Monumento a V. I. Lenin negli Zaga" con il suo disegno accurato e il monumento a V. I. Lenin, naturalmente dominante nel paesaggio industriale - la creazione dello scultore I. D. Shadr (ill. 6). La bellezza di questo monumento, la sua silhouette maestosamente spettacolare diventa qui la componente principale dell'immagine del paesaggio. La natura è ora concepita dall'artista non solo come oggetto di contemplazione ammirata, ma anche come campo di grande attività umana. Le note di un atteggiamento attivo nei confronti della vita per la prima volta risuonavano distintamente nel panorama grafico.

Nuovi motivi compaiono nella seconda metà degli anni '20 nell'opera dell'artista I. A. Sokolov (nato nel 1890). Fin dall'inizio del suo lavoro, I. A. Sokolov, uno studente e grande ammiratore di V. D. Falileev, dipinge scene di lavoro nell'incisione. All'inizio, questo è il duro e fastidioso lavoro domestico di una donna in casa, il lavoro artigianale - un mondo angusto e limitato, mostrato con calore e amore. Un calzolaio chino sul suo lavoro, una lavandaia, una nonna con i suoi nipoti in una stanza angusta e poco attraente la sera, una silhouette slanciata di una merlettaia su uno sfondo di tessuto leggero con un motivo intricato, ovviamente collegato da esso: questi sono i primi lavori di Sokolov (fig. 7).

Per loro natura, sono molto vicini alle opere di I. Pavlov, Vl. Sokolov e altri artisti che ci hanno mostrato gli angoli non ufficiali delle grandi città, la loro antichità incontaminata. "Quindi sembra che la vita, riflessa nelle incisioni di I. A. Sokolov, procedesse dietro le mura di quelle piccole case che I. N. Pavlov raffigurava", scrive giustamente la biografa di I. A. Sokolova M. Z. Kholodovskaya.

Ovviamente, poiché le immagini del lavoro sono sempre state vicine all'artista, è stato lui che è stato uno dei primi ad ampliare la portata ristretta del suo tema e ha iniziato a rappresentare il nuovo mondo del lavoro industriale: il lavoro in un grande stabilimento metallurgico. Nel 1925 appartengono i suoi primi fogli raffiguranti la pianta di Mosca "Hammer and Sickle". A questo punto, l'artista aveva già imparato la tecnica dell'incisione su linoleum su più pannelli colorati e i tipi di laboratori, l'intreccio di potenti capriate in acciaio, la complessa illuminazione di scene con abbagliante metallo rovente sono da lui riprodotti in modo accurato e completo. Successivamente, già maestro maturo, Sokolov torna in una fabbrica familiare e nel 1949 realizza una serie di incisioni a lui dedicate. Questa volta introduce nella serie i fogli dei ritratti; uno di questi, raffigurante l'operaio siderurgico F. I. Sveshnikov, ha avuto particolare successo per l'artista. Nelle vesti di Sveshnikov, che sta osservando attentamente la fusione, è riuscito a trasmettere la modestia, la semplicità, il fascino di una persona con una grande esperienza di vita e di lavoro. Ma anche i primi fogli di "fabbrica" di Sokolov conservano il loro significato per noi; racchiudono la coscienziosa accuratezza dei primi passi lungo un percorso sconosciuto allo stesso autore e ad altri artisti.

Per tutta la sua vita, I. Sokolov ha anche lavorato molto nel campo del paesaggio. I suoi paesaggi degli anni '20 e '30 divennero ampiamente conosciuti; la fredda freschezza dell'inizio della primavera e l'abbigliamento focoso dell'autunno sono sempre impressi in loro con un disegno chiaro e preciso, colori chiari e puri. Migliorando la tecnica dell'incisione su linoleum a colori, ottenendo un trasferimento gratuito di una ricca gamma di colori, l'artista utilizza un gran numero di tavole e talvolta rotola sulla tavola non uno, come al solito, ma diversi colori. La sua famosa incisione "Kuzminki, Autunno", accattivante con colori caldi e pittoreschi, ad esempio, è stata eseguita su sette tavole in nove colori.

Gli eventi della guerra sono stati riflessi dall'artista nella grande serie "Mosca nel 1942" e "What the Enemy Destroyed". Nel primo, dipingendo carri armati in partenza per il fronte per le strade di Mosca, mandrie portate in fondo, orti nei cortili, ecc., l'artista satura i suoi fogli con motivi di genere, ma rimane ancora principalmente un paesaggista nel risolvere la composizione nel suo insieme. Nella seconda serie - landscape - il compito documentaristico viene volutamente portato in primo piano, ma la tristezza colora anche questi fogli, raffiguranti la dolorosa distruzione dei bellissimi insiemi della periferia di Leningrado. Lo stesso compito documentario affronta l'artista nella sua serie di anni del dopoguerra, in cui ha riprodotto scrupolosamente e meticolosamente luoghi memorabili associati alla vita e all'opera di V. I. Lenin e A. M. Gorky.

Le prime opere sulla nuova vita, come i fogli di Nivinsky o Sokolov, non furono numerose. Tuttavia, il loro numero sta gradualmente aumentando. Negli anni del primo piano quinquennale vengono organizzati viaggi di lavoro di pittori e grafici nelle più importanti nuove costruzioni, colossi industriali e le prime fattorie collettive. Gli artisti erano entusiasti di questi nuovi compiti per loro. E sebbene tra le opere realizzate a seguito di questi viaggi vi fossero ancora poche cose di alto pregio artistico, con quest'opera entra nella grafica una nuova corrente fresca, respiro della grande vita del paese.

La complessità di quest'opera consisteva sia nell'insufficiente conoscenza della vita quotidiana di costruzione socialista da parte degli artisti, sia nella discutibilità di molti temi della forma d'arte caratteristica di quegli anni. Numerosi gruppi artistici spesso uscivano con piattaforme teoriche opposte e, nelle controversie sorte in quel momento, il diritto stesso di esistere dell'arte da cavalletto veniva talvolta messo in discussione. Non va dimenticato che questi anni sono stati un periodo di ricerche contrastanti nel campo dell'educazione artistica. Spesso, l'errata formazione degli artisti nelle università li ha privati delle solide basi delle capacità professionali e il giovane grafico ha dovuto recuperare molto più tardi. È vero, le opere di alcuni eccellenti maestri della vecchia generazione, così come i consigli che davano ai giovani, spesso fuori dalle mura ufficiali dell'università, sono stati per lei molto istruttivi. C'erano anche studi come, ad esempio, lo studio di Kardovsky, in cui gli artisti seguirono una fruttuosa scuola di disegno e composizione realistici. Eppure le condizioni di lavoro degli artisti erano difficili. Sono migliorati solo con l'eliminazione dei raggruppamenti artistici all'inizio degli anni '30 e l'unificazione di tutte le sane forze creative su un'unica piattaforma realistica.

Quando si disegnano grafica su argomenti moderni, si sono sviluppate rapidamente diverse aree di lavoro principali per gli artisti. Uno di questi era, come abbiamo visto nelle incisioni di I. Sokolov, per mezzo di una riproduzione accurata, alquanto descrittiva, quasi documentaria delle condizioni di lavoro viste, principalmente industriali. In opere di questo tipo, c'era molto desiderio ingenuo e onesto degli autori di raccontare allo spettatore nel modo più accurato e completo possibile di nuovi edifici e fabbriche. Non per niente gli artisti spesso non si limitano a un foglio, ma in tutta una serie di essi catturano vedute di una fabbrica, di una costruzione, ecc.

La seconda direzione può essere definita quella riscaldata da un sentimento lirico, laconico, che conserva la vivacità del disegno, ma anche la sua reticenza, l'arte del paesaggio industriale, che è stata creata tra la fine degli anni '20 e l'inizio degli anni '30 da N. N. Kupreyanov (1894 - 1933), allievo di artisti così diversi, come Kardovsky, Petrov-Vodkin, Ostroumova-Lebedeva, Kupreyanov ha attraversato un percorso artistico breve ma difficile, pieno di continue ricerche. Ha lavorato in modo interessante non solo nella grafica da cavalletto, ma anche nell'illustrazione di libri. Uno dei primi Kupreyanov dedicò le sue cose alla rivoluzione, e le sue xilografie "Auto blindata" (1918) e "Incrociatore" Aurora "(1923), alquanto deliberate nella loro accentuata spigolosità o rapido movimento delle linee, portavano una particella di genuino spirito spirituale uplift, una risposta vivace agli eventi di ottobre. Lasciando presto le xilografie, Kupreyanov lavora principalmente alla maniera dei liberi, pieni di luce e misteriose transizioni di luci e ombre nei disegni a inchiostro e acquarello. costituiscono uno dei lati del suo lavoro. Ma quello di Kupreyanov presto l'arte entra anche nelle distese di un vasto paese: nella serie "Railway Tracks" (1927), il suo rapido pennello riempie foglio dopo foglio con il movimento rimbombante dei treni, e nel suo ritmo frettoloso si sente l'eco degli affari del paese cicli di vita "Baltico", che iniziò a essere creato nel 1931, e "Pesca del Mar Caspio", sorto a seguito dei viaggi dell'artista lì - la stessa leggerezza è esteriormente negligente oh il modo abbozzato di disegnare. Dietro di essa si avverte la ricerca tutt'altro che compiuta di immagini della modernità, che coniugano l'espressione dell'effimero e il contenuto capiente del caratteristico.

Una morte prematura interruppe in mezzo il lavoro dell'artista.

La terza tendenza nel lavoro dei grafici su temi contemporanei è emersa con una precoce tendenza verso una resa romanticamente ottimista della trama. Trasforma i motivi industriali in uno spettacolo maestoso, a volte incantevole. Sembrerebbe che tali opere abbiano l'approccio più creativo ed emotivo alla natura. E infatti, tra loro cose significative e molto belle nell'esecuzione non sono rare. Ma la loro euforia romantica ha il più delle volte un carattere un po' astratto e soggettivo, come l'accuratezza descrittiva di altre opere, è il risultato solo del primo contatto dell'artista con il tema. Non senza ragione, trascinati da visioni generali di costruzione, officine di fabbriche, ecc., gli autori di tutte le prime opere industriali danno ancora in esse un posto molto modesto alle persone. Un esempio di opere di un piano romantico può essere il foglio di N. I. Dormidontov "Dneprostroy" (1931; ill. 8). Dormidontov (nato nel 1898) è anche uno dei primi artisti del tema moderno nella grafica. Già dalla metà degli anni '20 apparvero i suoi fogli di lavoro dedicati al lavoro, dapprima rigidamente accurati e asciutti, poi più liberi e ritrovati nella composizione. Nel disegno "Dneprostroy", l'artista è affascinato dall'enorme scala della struttura, l'incantevole quadro del lavoro notturno, illuminato dalla luce nitida di numerose lampadine. Nel suo disegno, il lavoro si trasforma in uno spettacolo sorprendente, misterioso, grandioso e leggermente fantastico.

Una simile interpretazione del lavoro può essere vista in una serie di incisioni di AI Kravchenko (1889 - 1940), anch'esse dedicate alla costruzione del Dneproges (1931). È stato creato dall'artista già nel tempo maturo della creatività e in esso si è manifestata chiaramente la sua abilità spettacolare,

Nelle incisioni di questo ciclo, enormi strutture della diga si ammucchiano, salgono, frecce di gru si alzano strettamente intorno a loro, il cielo alto è vorticoso di nuvole e il sole manda in alto i suoi raggi abbaglianti. I contrasti dei colori bianco e nero danno vita a una gamma di incisioni luminosa e inquieta. Lo spettacolo della costruzione vicino a Kravchenko è grandioso e impressionante. E le persone che creano un nuovo gigante industriale in condizioni difficili sono date solo come gruppi che si ripetono ritmicamente di figure identiche di silhouette, come vettori astratti di movimento. Tuttavia, molti artisti a quel tempo erano attratti principalmente dall'espressività panoramica generale del cantiere, dell'officina, ecc. E nelle incisioni di Kravchenko, si esprime solo con il massimo talento.

Creatività Kravchenko fa generalmente una pagina brillante e originale nella storia della nostra grafica. Maestro di xilografie, incisione e disegno, molto sensibile ai temi della forte colorazione sociale nelle cose da cavalletto, scrittore di fantascienza e mago nelle illustrazioni, Kravchenko ha rapidamente guadagnato ampia popolarità in patria e all'estero. Proveniente da una famiglia di contadini, fu educato alla Scuola di Pittura, Scultura e Architettura di Mosca. I suoi insegnanti erano famosi pittori russi S. Ivanov, V. Serov, K. Korovin, A. Arkhipov. Kravchenko ha iniziato la sua carriera come pittore, ma nel campo del disegno e dell'incisione, a cui si è rivolto durante gli anni del potere sovietico, il suo lavoro è particolarmente interessante. Numerosi viaggi in India, Francia, Italia, America e Unione Sovietica completarono l'educazione artistica di Kravchenko e ampliarono i suoi orizzonti. Kravchenko ha lavorato molto duramente. Ha creato un bizzarro mondo di immagini nelle illustrazioni di libri, combinando fantasia e grottesco, la magia tremante dei sentimenti e l'energia dell'ossessione. Ha lavorato costantemente nel campo del paesaggio, i suoi vari fogli catturano l'armonia, la bellezza e la natura modesta della regione di Mosca e delle famose città d'Europa. È uno dei primi artisti grafici a creare serie di storie, rispondendo ad argomenti pubblici. Il ciclo di incisioni dedicato al funerale di V. I. Lenin, realizzato nello stesso anno, 1924, è stato un doloroso resoconto di un testimone oculare, e ora ha acquisito il significato di un'opera storica. L'artista è poi tornato nuovamente al tema leninista, dopo aver eseguito nel 1933 una rigorosa e solenne incisione "Mausoleo". Ha inoltre realizzato un ciclo di incisioni "Una vita di donna nel passato e nel presente" per il padiglione sovietico all'Esposizione Internazionale di Parigi. In dipinti contrastanti, l'artista ha riprodotto il destino di una donna-madre nella Russia zarista e sovietica; ha agito qui come un narratore, il cui discorso è emotivo e vivido, ma non c'era una grande espressività interna e plastica nelle sue immagini. Dopo la serie "Dneprostroy" Kravchenko non abbandona il tema industriale e nel 1938, sulla base dei materiali di un viaggio creativo, realizza disegni e incisioni dedicati alla pianta Azovstal.

Nell'acquaforte raffigurante la colata dell'acciaio (ill. 9), l'artista è ancora affascinato dalla potenza delle enormi strutture tecniche, dalla maestosità del quadro del lavoro. Compone liberamente una scena complessa, la illumina efficacemente con flussi di luce e scintille. Inoltre, qui appare un vero ritmo di lavoro, e con esso l'opportunità di tutto ciò che accade, invece del pathos un po' astratto di Dneproetroy. Oltre all'intrattenimento spettacolare, il foglio acquisisce anche ottimi contenuti.

Questa monumentale incisione è stata realizzata da Kravchenko per la mostra All-Union "Industria del socialismo". Questa mostra sull'arte sovietica è associata all'appello di massa degli artisti al presente. I lavori per esso furono creati per diversi anni, a partire dal 1936. Poco prima dell'inizio di questo lavoro, 1.500 batteristi di una delle più grandi fabbriche hanno scritto sulle pagine della Pravda, rivolgendosi agli artisti:

"Ci aspettiamo grandi dipinti da te. Vogliamo che non siano semplici fotografie. Vogliamo che la passione sia investita in loro. Vogliamo che eccitino noi e i nostri figli. Vogliamo che instillino in noi la gioia della lotta e della sete per nuove vittorie. Vogliamo che tu mostri alla gente del nostro paese: gli eroi e i partecipanti ordinari alla nostra costruzione".

Queste parole ardenti non solo formulavano bene i compiti della nostra arte, ma riflettevano anche l'atmosfera dell'amore esigente delle persone per l'arte, quel sublime interesse per essa di un lavoratore che aiutava gli artisti nel loro lavoro. Organizzata su iniziativa di Sergo Ordzhonikidze e inaugurata nei giorni del 18° Congresso del Partito, la mostra ha coperto ampiamente la vita del Paese sovietico. Qui furono esposte oltre 1000 opere, di cui circa 340 nel reparto grafico (tranne la satira). Pochi di questi fogli erano opere di grande abilità, pochi di loro sono sopravvissuti fino ad oggi. Ma i nuovi temi da loro portati, visti dagli artisti in vita - sulle impalcature dei nuovi edifici, nelle officine della fabbrica - furono una grande conquista per l'arte della grafica. Dneprostroy e lavoro nelle miniere di potassio di Solikamsk, la costruzione di una metropolitana e lo sviluppo dell'Artico, l'estrazione dell'oro nella taiga e il lavoro di un minatore: quanto sono diversi questi argomenti dal circolo vizioso dei fenomeni della vita a cui il mondo di La grafica del cavalletto era limitata in precedenza, quanto poca aderenza all'antichità, retrospettivismo fondamentale! C'erano ancora molti paesaggi industriali qui. Ma oltre ad esse compaiono anche scene di travaglio; e una persona che lavora in una fabbrica, in un campo, in un laboratorio, in una miniera diventa per la prima volta l'eroe delle opere grafiche. Gli artisti ancora non conoscono bene il suo mondo interiore, all'inizio si sentono solo bene e sono in grado di trasmettere la sua abitudine sicura al lavoro, la plasticità dei movimenti professionali. Pertanto, il gesto del lavoro nei disegni è più convincente dell'espressione sul viso e alcune buone opere sono rovinate dalla maleducazione esterna dei personaggi.

L'artista A. Samokhvalov (nato nel 1894), ad esempio, in una serie di acquerelli ha mostrato bene il vigore e l'ottimismo delle "Ragazze Metrostroy", ma ha anche sottolineato la loro maleducazione. Una tale enfasi, per così dire, pone un limite alla nostra conoscenza delle eroine di Samokhvalov e impoverisce il suo lavoro, sebbene nel suo stesso tono, nella sua atmosfera, ci siano caratteristiche che si vedono correttamente nella vita. L'uomo di lavoro è caratterizzato in modo più ponderato nell'acquarello di S. M. Shor (n. 1897) "The Goat Girl" della serie "Old and New Qualifications of the Donbass" (1936; ill. 10). Qui viene creata l'immagine di una donna intelligente ed energica, il suo magazzino spirituale, la forza morale sono indovinati con sensibilità. Non per niente S. Shor diventa un maestro della ritrattistica grafica, il più delle volte da lei eseguita nella tecnica dell'acquaforte.

Negli anni prebellici apparvero fogli dedicati ai lavoratori di I. A. Lukomsky (nato nel 1906). Nel suo disegno seppia "Lavoratore" (1941; ill. 11), l'enfasi è trasferita dalla caratteristica individuale a quella tipica, archiviata sottolineata, come in primo piano. Libertà interiore, orgoglio per il proprio lavoro si legge nel volto del lavoratore.

Negli anni '30 un evento importante per la grafica fu l'allestimento di una mostra di illustrazioni per la storia della festa. Ha focalizzato l'interesse di molti artisti su temi storici, ha fatto ripensare loro il percorso percorso dal nostro stato. Il tema storico-rivoluzionario nasce nella grafica già all'inizio degli anni '20. Tuttavia, a quel tempo si trattava solo di opere separate, principalmente incisioni, in cui spesso la decoratività astratta e lo schematismo erano ancora considerati parte integrante della tecnica dell'incisione. Più tardi, nel 1927, in completo opposto a queste opere, un'immagine dell'eroe delle battaglie di Perekop, alimentata da un pathos rivoluzionario, appare sotto lo scalpello dell'artista ucraino V.I. Kasiyan. V. I. Kasiyan (nato nel 1896) - originario dell'Ucraina occidentale, educato all'Accademia di belle arti di Praga - un artista in cerca di un'anima, un temperamento brillante. La sua lista è luminosa, emozionante, ma rimane ancora solo nel palinsesto di questi anni.

La maggior parte delle opere realizzate per la mostra suddetta acquisirono, piuttosto, un carattere da cavalletto che da illustrativo. Inaugurata nel 1941, prima della guerra, si chiamava "Esposizione di nuove opere di grafica sovietica" e comprendeva una serie di buone opere. Molti di loro appartenevano a maestri della grafica dei libri. Gli illustratori portarono nella sfera del disegno da cavalletto la natura psicologica delle immagini e l'accuratezza della situazione storica, che erano allora conquiste recenti e sorprendenti della loro arte. Tali erano i fogli del gruppo di artisti Kukryniksy - "Sulle barricate", "Chkalov sull'isola di Udd", "Conduce politici", Kibrik - "Khalturin e Obnorsky", Shmarinov "Il funerale di Bauman" e altri.

L'interesse dei grafici per temi storici negli anni '20 e '30 aveva un altro aspetto legato alla letteratura.

Le immagini ispirate di Pushkin e Lermontov hanno attirato l'attenzione creativa degli artisti per molti anni. N. P. Ulyanov (1875 - 1949) ha lavorato molto nella sua serie Pushkin. Uno dei maggiori pittori sovietici della vecchia generazione, uno stretto allievo di V. A. Serov, Ulyanov era un maestro della pittura storica e della ritrattistica, oltre che un artista teatrale.

I disegni di Ulyanov raccontano vari periodi della vita del grande poeta: dai giorni del liceo agli ultimi tragici mesi; sono completati in varia misura: alcuni sono più grandi, altri sembrano schizzi, come pagine di ricerche intense e incompiute, ma in tutti la cosa principale per l'artista è la vita ardente dell'anima di Pushkin. Uno dei migliori è un disegno realizzato in connessione con il dipinto "Pushkin e sua moglie davanti a uno specchio a un ballo di corte". L'orgogliosa e bella immagine di Pushkin appare qui nelle linee laconiche del disegno ispirato di Serov.

Il tema di Pushkin riceve un'altra interpretazione nella grafica: nel paesaggio di luoghi memorabili. L'artista L. S. Khizhinsky (nato nel 1896) si esibisce in questo genere. Nelle sue xilografie di gioielli realizzate con grande maestria, raffiguranti luoghi di Pushkin e Lermontov, realizza una difficile combinazione di accuratezza documentaria e inizio poetico emotivo. Senza questa combinazione, il successo del paesaggio commemorativo, che è sempre costruito su sottili sottotesti, associazioni individuali, è impossibile.

Negli anni '30, i nuovi momenti nello sviluppo della grafica si fanno sentire in modo molto forte. Esse consistono non solo in nuove direzioni nel lavoro degli artisti, che, come abbiamo visto - sostenuto dall'attività espositiva!- stanno prendendo una larga scala, ma anche nei nuovi contenuti dei generi tradizionali del ritratto e del paesaggio, e nella comparsa di opere significative di artisti delle repubbliche dell'Unione. Quindi, V. I. Kasiyan, già menzionato sopra, crea incisioni dedicate a Shevchenko piene di pensieri seri durante questi anni. L'artista ha anche messo molto fuoco spirituale nel suo lavoro successivo sul grande kobzar, raffigurante l'ininterrotto arrabbiato Shevchenko sullo sfondo di episodi di lotta popolare (ill. 12).

Tra le opere più importanti di questi anni ci sono paesaggi e ritratti del maestro armeno M. Abegyan, litografie dedicate alla Moldova dell'ucraino G. Pustovite, una monumentale acquaforte dell'artista georgiano D. Kutateladze raffigurante S. Ordzhonikidze e S. M. Kirov. Durante questo periodo, il noto artista azerbaigiano A. Azimzade - fumettista, disegnatore e artista di manifesti - ha creato le cose più interessanti nel campo della grafica da cavalletto. Le immagini del passato sono riprodotte nei suoi fogli nella maniera originale di un disegno dettagliato, con un tocco di ornamentale. Cosa c'è di nuovo nel ritratto e nel paesaggio degli anni '30? L'antica intimità di questi generi scompare ei loro maestri escono sempre più audacemente verso la vita, conoscendo nuove persone, ampliando la portata geografica delle opere paesaggistiche. Quest'ultimo vale non solo per i maestri dell'industria, ma anche per il paesaggio ordinario. Se prima solo E. E. Lansere, che studiò instancabilmente la natura e la vita dei popoli del Caucaso, e Schillingovsky, che dipinse l'Armenia, si allontanarono dalla consolidata tradizione di Mosca-Leningrado nel paesaggio, ora un'intera galassia di maestri crea le loro opere al di fuori della sua confini stretti. Gli artisti descrivono la natura della Russia centrale, del Nord, della Crimea, del Caucaso e dell'Asia centrale. Il paesaggio diventa un'area di brillante applicazione della tecnica dell'acquarello. Le opere dei grafici L. Bruni, A. Ostroumova-Lebedeva, i pittori S. Gerasimov, A. Deineka, P. Konchalovsky testimoniano la vera fioritura del paesaggio ad acquerello. L'attività della visione del mondo dell'autore è una nuova caratteristica di queste opere. Forse, con particolare chiarezza, è visibile nei paesaggi di quegli artisti che in questi anni sono capitati in visita all'estero.

Una visione acuta dei contrasti della realtà straniera è inerente, ad esempio, ai paesaggi parigini e romani di A. A. Deineka (ill. 13). L'artista non può arrendersi al fascino pacato di architetture e statue maestose, come più volte accadde nelle serie grafiche straniere prerivoluzionarie; su questo bellissimo sfondo, il suo occhio nota sia la figura di un disoccupato che le minacciose figure sicure di sé dei ministri della chiesa. Nella cerchia di opere come i fogli di Deineka, nascono la passione giornalistica e l'intransigenza politica, caratteristiche della grafica sovietica.

Queste qualità si sono manifestate con grande forza anche nella "Serie spagnola" di disegni del Leningrader Yu. N. Petrov (1904 - 1944). La serie di Petrov fu un contributo della grafica da cavalletto alla lotta contro il fascismo, che in quegli anni era già attivamente condotto sia dai maestri della caricatura che dai cartellonisti politici. L'arte di Yu. Petrov, disegnatore e illustratore, era l'arte di una grande cultura e di sentimenti profondi. Petrov ha partecipato alla lotta contro il fascismo in Spagna, conosceva e amava questo paese, la sua gente, i suoi grandi scrittori e artisti del passato, e questo amore e questo rispetto si riflettevano nei suoi disegni. La Spagna, i suoi paesaggi montuosi, le case distrutte dalle bombe, il suo popolo trattenuto, orgoglioso e ardente - i soldati dell'Esercito popolare, donne e bambini che hanno perso la casa, sono catturati in composizioni laconiche, un po' tristi e coraggiose. Alcune pagine della serie di Petrov sembrano schizzi, ma il disegno gentile con modellature morbide delinea la plasticità delle forme e dei piani del paesaggio in modo così accurato, una vita così fremente le riempie che la grande premura di ogni foglio diventa tangibile. Questa serie rimane ancora una delle cose più vissute e sincere nel nostro programma. Il suo autore morì in seguito su una postazione militare durante la Grande Guerra Patriottica e la sua arte, che prometteva molto, non fece in tempo a raggiungere il suo apice.

La Grande Guerra Patriottica, iniziata nel 1941, ha cambiato radicalmente la natura e il ritmo di sviluppo di tutti i tipi di arte. Ha anche causato grandi cambiamenti nella grafica del cavalletto. L'efficienza della grafica, la relativa semplicità delle sue tecniche sono oggi divenute qualità particolarmente preziose. Il bisogno ardente di avere voce in capitolo nell'ora dei processi nazionali, per rispondere rapidamente all'amarezza e all'eroismo del giorno a venire, ha portato molti artisti al disegno, all'acquarello e talvolta all'incisione. Nella grafica da cavalletto, ora, insieme ai suoi maestri riconosciuti, hanno iniziato a lavorare alcuni pittori e, con grande successo, illustratori.

Fin dal primo anno di guerra, insieme a poster e caricature, la grafica da cavalletto divenne una delle forme d'arte più attive, eccitando profondamente il cuore degli spettatori. I maestri del disegno e dell'incisione hanno creato molte cose belle, nate dalla rabbia e dall'ispirazione. Ci sono pinnacoli separati in questa serie di opere, contraddistinte da una speciale abilità plastica. Ma il livello generale della grafica militare è alto. Gli artisti hanno creato i loro disegni sia nei ranghi dell'Armata Rossa, sia nella Leningrado assediata, nelle città attraverso le quali è passata una pesante ondata di ritirata, nelle retrovie, dove tutto era subordinato ai compiti del fronte, e all'estero del nostro paese nell'ultimo periodo della battaglia contro il fascismo. La grafica ci ha mostrato diversi lati della guerra, diverse sfaccettature della vita in questo periodo cruciale nella storia della nostra Patria - dalla fugace premura di un'infermiera stanca al panorama di un'enorme battaglia. Allo stesso tempo, anche la differenza di talenti, il magazzino del pensiero figurativo degli artisti, ne risente chiaramente. Nelle opere di uno, la guerra appare come lunghe strade militari, spesso sgradevoli, e talvolta così acutamente piacevoli alla vista con l'inaspettata bellezza della foresta sopravvissuta. Nei fogli di un altro, ripercorre una serie di semplici scene di vita militare, abbozzate frettolosamente, ma accuratamente. Nei disegni del terzo, ha un'espressione speciale degli occhi di un guerriero o partigiano che ha incontrato la morte più di una volta. Il coraggio e il patriottismo del popolo sovietico, così chiaramente manifestati durante gli anni della guerra, sono stati cantati dagli artisti in queste opere di diversa natura. Le opere grafiche sono piene di quel senso speciale della bellezza della nostra vita sovietica, acuita dalla guerra, che ha segnato le cose migliori in tutte le forme d'arte.

Una caratteristica della grafica era l'aspetto di un gran numero di schizzi. Gli artisti a volte li hanno eseguiti nelle situazioni di combattimento più difficili, cercando di raccontare alle persone la guerra in modo più accurato e completo, per raccogliere materiale per composizioni future. Nella prefazione all'album di disegni "Diario di prima linea" dell'artista grafico di Mosca P. Ya. Kirpichev, Eroe dell'Unione Sovietica S. Borzenko scrive: "Una dopo l'altra, le immagini passano, disegnate sulle nuove tracce della guerra, passano come li vedeva l'artista al momento degli eventi... Nessun pericolo e nessuna difficoltà lo fermarono, si diresse verso gli oggetti scelti tra i campi minati e vi lavorò dalla mattina alla sera, temendo di perdere l'attimo, temendo che gli incendi sarebbe uscito e le squadre del trofeo avrebbero portato via le armi e i carri armati distrutti". Questa descrizione del lavoro in prima linea dell'artista è molto caratteristica, perché, proprio come Kirpichev, molti artisti grafici da cavalletto hanno lavorato durante la guerra. Gli schizzi costituiscono il fondo prezioso della nostra arte, lungi dall'essere pubblicati nella sua interezza. I loro autori sono N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Dzhaparidze, N. N. Zhukov, P. Ya. E. K. Okas, U. Tansykbaev, S. S. Uranova e altri hanno creato un'intera cronaca della difficile vita militare di tutti i giorni, una poesia su un uomo nel guerra, difendendo la sua patria dal fascismo.

Nonostante la scioltezza che contraddistingue i bozzetti, essi indicano già i tratti del talento di ogni artista - e non solo il suo maestro del disegno, ma anche una certa gamma di fenomeni che lo tocca soprattutto.

Quindi, A. V. Kokorin (nato nel 1908), ad esempio, non passerà mai davanti a una scena pittoresca che ha visto all'improvviso, disegnerà nel suo diario grafico entrambe le selle appese a una pistola e un camion rotto con fuori da sotto su tre di lato gli stivali dei soldati che lo riparano, e un combattente di convoglio che cuce con calma qualcosa su una macchina da cucire proprio nel campo, e una figura di prete con un grande zaino che parla con un soldato sovietico. La caratteristica generale dell'aspetto delle persone è accuratamente catturata da Kokorin e dietro le sue semplici scene senti sempre un leggero sorriso, affetto per i tuoi eroi. È in questi schizzi che si accumula l'esperienza di Kokorin come maestro del paesaggio architettonico, in grado di delineare l'aspetto della città, i contorni principali della sua architettura e la vita della strada - qualità che sono state sviluppate nel post- disegni indiani di guerra.

Calore e lirismo contraddistinguono schizzi e disegni di D. K. Mochalsky. Anche nella situazione più inadatta a questo, nel trambusto delle strade in prima linea che portano direttamente a Berlino nell'ultima fase della guerra, o già a Berlino - la cittadella del fascismo che le nostre truppe hanno appena conquistato - il calore di la vita, il suo raggio gioioso, in un aspetto gentile, lampeggerà sicuramente nelle lenzuola dei controllori del traffico delle ragazze Mochalsky, nello sguardo di un combattente, diretto a una donna con una carrozzina.

N. N. Zhukov (nato nel 1908) appare negli schizzi militari come un artista fisiognomico che può vedere molto in una persona. Il costante interesse per il mondo interiore di una persona rende significativo anche il più apparentemente superficiale dei suoi disegni. Paesaggi, schizzi di soldati, scene di genere si alternano nei suoi fogli. Il modo del disegno a matita di Zhukov, privo di qualsiasi sfumatura di appariscente esteriore, riflette, per così dire, la preoccupazione di questo artista per la natura, la premurosità del suo approccio ad essa. Le opere di Zhukov divennero famose anche prima della guerra, quando completò una serie di illustrazioni per la biografia di K. Marx. Successivamente, Zhukov non ha lasciato il suo lavoro su questo argomento responsabile. Molto lavoro è stato investito da lui nella creazione di una serie di disegni "V.I. Lenin". I suoi fogli di maggior successo sono risolti sotto forma di uno schizzo leggero, fissando un breve momento nella catena degli altri, sotto forma di una sorta di studio del ritratto. Ma fu durante la creazione di schizzi militari che si rafforzarono l'osservazione dell'artista e la sua abilità nello schizzo rapido, che gli furono utili in seguito, sia in una vasta serie di disegni dedicati ai bambini, apprezzati dagli spettatori, sia nei ritratti. Soprattutto, l'esperienza del lavoro in tempo di guerra si rifletteva nelle illustrazioni di "The Tale of a Real Man" di B. Polevoy, create da Zhukov poco dopo la guerra.

Va detto che l'esperienza del lavoro militare ha avuto un ruolo nel lavoro illustrativo di altri artisti. Questa esperienza ha aiutato OG Vereisky a creare disegni per "Vasily Terkin" di A. Tvardovsky, per molto tempo ha portato A. V. Kokorin, in seguito illustratore di "Sebastopoli Tales" L. N. Tolstoy, al tema militare. Anche il percorso di A. P. Livanov dalla serie "Partisans", da lui creata poco dopo la guerra, all'illustrazione di "Chapaev" di D. A. Furmanov era logico.

Altro tratto caratteristico della grafica degli anni della guerra era il richiamo degli artisti alla forma di una serie, cioè di una serie di fogli, accomunati da un unico concetto e modo di esecuzione. Abbiamo potuto vedere che le serie sono state create da artisti in precedenza, ma durante gli anni della guerra sono diventate il fenomeno principale della grafica. Una serie va bene solo quando lo spettatore impara qualcosa di nuovo con ciascuna delle sue pagine, quando l'artista dirige le sue impressioni, alternando i fogli in un certo modo, cioè dando alla serie una chiara composizione. Incontriamo sempre il concetto di "composizione" quando analizziamo un'opera d'arte separata. Ma in realtà c'è anche una composizione di un'intera serie grafica come regolarità interna dell'alternanza dei suoi fogli, tra i quali vi sono vari collegamenti. Costruendo chiaramente la composizione della serie, l'artista trova in essa un nuovo mezzo di grande espressività. L'autore della serie esegue essenzialmente un'opera multi-sillabica, sfaccettata, ogni pagina della quale dovrebbe suonare completa e forte, e allo stesso tempo essere parte integrante dell'insieme creato come da un unico respiro. Naturalmente, questo compito non è facile. E spesso la somma dei fogli, definita dall'artista una serie, in sostanza non è una serie.

La composizione della serie è diversa. Così, una serie può essere costruita su una giustapposizione contrastante di fogli, o, al contrario, sul loro suono uniforme e identico. In un altro caso, l'autore può iniziare il suo racconto seriale, aumentando gradualmente la sua tensione emotiva, creando una sorta di culmine di azioni e sentimenti in uno o più fogli e chiudendolo con un finale.

È così che è stato organizzato, ad esempio, un ampio ciclo di litografie di A.F. Pakhomov "Leningrado nei giorni del blocco e della liberazione", pubblicato con il testo del poeta N.S. Tikhonov nel 1946. Questo ciclo è stata la prima grande rappresentazione in grafica da cavalletto di A. F. Pakhomov (nato nel 1900), un maestro di libri per bambini, noto per le sue illustrazioni per le opere di N. A. Nekrasov e I. S. Turgenev. Le litografie di Pakhomov sono testimonianze oculari, e ci toccano con la verità di ciò che vediamo, alla luce di grande solidarietà e coraggio umano.

La serie si apre con il foglio "Seeing the People's Militia", ci porta subito in un'atmosfera di ansia, confusione di una vita felice e turbata. Inoltre, gli eventi si sviluppano rapidamente, la vita della città cambia, bombardamenti e bombardamenti ne diventano parte integrante. I leningradori stanno costruendo bunker per le strade, in servizio durante l'allarme sui tetti, salvando i feriti dalle case distrutte. Tutto questo è mostrato nelle litografie, che si sostituiscono rapidamente, dettagliate, come un racconto, ma piene di tensioni interne. In essi il tempo è compatto e saturo, le persone agiscono senza perdere un minuto, combattono coraggiosamente il nemico.

La pagina successiva dell'album - "On the Neva for Water" (ill. 14) ci porta fuori dal ritmo veloce di questi episodi. Qui il tempo si trascina lentamente: questo è il passo pesante dei giorni freddi e affamati del blocco di Leningrado. Una ragazza con un secchio insopportabilmente pesante si sta muovendo lentamente su per le scale. Questa eroina Pakhomov è una delle immagini più forti non solo della serie, ma dell'intera grafica militare. Lo sguardo dello spettatore si ferma prima di tutto sul viso della ragazza: ecco come viene costruita la composizione della litografia, ecco come detta l'eccezionale espressività di questo viso. L'artista ha sviluppato le sue espressioni facciali in dettaglio: gli occhi scuri che esprimono una profonda stanchezza sembrano particolarmente grandi su un viso più magro, le sopracciglia accigliate si uniscono in un movimento acuto, le labbra esangui di una bocca semiaperta sono così pallide che quasi non risaltano sul viso e l'artista ne delinea leggermente il contorno con la loro linea. Sembrerebbe che l'immagine di questa ragazza sarà l'incarnazione della fatica e della sofferenza. Ma la cosa più notevole in lui è la combinazione di queste caratteristiche di stanchezza fisica e esaurimento con la durezza spirituale.

La fermezza, l'insubordinazione dell'eroina di Pakhomov è la fusione più complessa di molti aspetti della sua vita spirituale, delle sue qualità interiori, e allo stesso tempo questa è la sua qualità principale che prevale su tutte le altre. Qui, insieme alla solita semplicità e all'ingenua chiarezza dell'immagine di Pakhomov, nascono la sua versatilità e profondità. Pakhomov è sempre particolarmente vicino alle immagini dei bambini. E in questa litografia è riuscito a raccontare molto, mostrando come una ragazza versa l'acqua da un bollitore; per lei, questa è una questione in cui è completamente assorbita, una necessità e insieme un gioco. In questa combinazione c'è un dolore doloroso, in essa c'è una vera e propria vita di blocco con le sue note di acuta tragedia nel mezzo della vita quotidiana. La distesa nevosa del fiume, l'aria gelida e trasparente dell'inverno sono ben convogliate nelle litografie. Questo foglio, così come il prossimo disegno "All'ospedale" - il più potente, pieno di sentimento. Costituiscono, per così dire, il culmine della serie. Inoltre, la storia dell'artista è condotta con più calma e, secondo il ritmo degli eventi, i suoi fogli diventano più luminosi e gioiosi: "Krovelolitsy", "Capodanno" e altri. La serie si conclude logicamente con un'immagine di fuochi d'artificio il 27 gennaio 1944 in onore dello sfondamento del blocco della città da parte dell'esercito sovietico, un fuoco d'artificio che eccita così profondamente e gioiosamente le persone, provocando tutta una serie di ricordi e speranze. Sotto i fuochi d'artificio, le persone si rallegrano in diversi modi: sia rumorosamente, arrendendosi al luminoso trionfo di questo momento fino alla fine, sia pensierosamente, allontanandosi leggermente nei ricordi, e profondamente, con tutto il cuore, sentendo la sicurezza dei loro figli. Eccitazione e gioia li uniscono, e la composizione ravvicinata del foglio, per così dire, rende visibile e con i propri occhi questa solidità.

Leningrado militare è dedicato a molte opere di altri artisti. Diamo il nome a una serie di incisioni su linoleum di S. B. Yudovin (1892 - 1954). Abbiamo visto come nelle serie di Pakhomov la tecnica della litografia permettesse all'artista di presentare ogni quadro che aveva concepito nei minimi dettagli, approfondendo i dettagli, combinando la loro finezza lineare con la pittoresca distese che si scioglievano nel paesaggio invernale. La serie di Yudovin è realizzata in linoleum. Yudovin è caratterizzato dall'aggravamento dei sentimenti, note tragiche risuonano autorevolmente nei suoi fogli. E l'intera struttura figurativa dei suoi fogli, e le modalità di esecuzione sono soggette a questo senso di tragedia di ciò che sta accadendo. Il nero intenso e il freddo bagliore della neve regnano nelle sue incisioni. Nel silenzio gelido della città, la gente arranca a fatica, piegandosi sotto il peso del peso, sotto il peso dei guai del blocco. Le loro figure, che di solito sono viste come dall'alto, si stagliano nettamente contro le strade innevate. Un disegno spigoloso, una luce spietata, che strappa terra di Siena dall'oscurità; vita, che è diventata la cornice della tragedia: queste sono le incisioni di Yudovin. Invano rimproverare all'artista la sua dura veridicità, la mancanza di ottimismo. La natura del talento di Yudovin gli ha permesso di esprimere con particolare sensibilità gli aspetti tragici della lotta dei leningrado contro il nemico.

Ma la grafica nel suo insieme era caratterizzata da una visione più luminosa del mondo, anche quando descriveva i processi che hanno colpito il popolo sovietico. Lo abbiamo già visto nella serie di Pakhomov e ne troveremo una nuova conferma facendo conoscenza con una serie di disegni di D. A. Shmarinov "Non dimenticheremo, non perdoneremo!" Shmarinov (nato nel 1907) è uno di quegli artisti i cui sforzi hanno reso l'illustrazione di libri sovietica un grande successo negli anni '30. Ha ricevuto una buona formazione professionale negli studi d'arte di Prakhov a Kiev e Kardovsky a Mosca. Il talento di uno psicologo e una grande cultura interiore contraddistinguono le sue opere librarie. Durante gli anni della guerra, Shmarinov creò poster e disegni da cavalletto. Serie "Non dimenticheremo, non perdoneremo!" fu da lui giustiziato nel 1942 in breve tempo, ma la sua idea si formò durante tutto il primo anno di guerra.

La storia dell'artista inizia non gradualmente, dall'inizio: ci sconvolge immediatamente con l'alta tragedia del disegno "Esecuzione". Le immagini delle prove e delle tribolazioni della guerra si susseguono, ma il tema luminoso del coraggio del popolo sovietico, emerso dalla prima pagina della serie, vince anche nelle sue pagine più amare. Uno dei migliori disegni di questo ciclo è il foglio "Return" (ill. 15). Migliaia di agricoltori collettivi sovietici in vita conoscevano la posizione in cui si trova la donna raffigurata dall'artista. Shmarinov la dipinse nel momento in cui lo spettacolo di una casa devastata e distrutta si aprì per la prima volta ai suoi occhi, costringendola a fermarsi in una sorta di stupore di riflessione dolorosa e indignata. La sua profonda agitazione si manifesta quasi esteriormente nel nulla. Questa è la moderazione di una persona forte che non si concede un'esplosione di sentimenti, momenti di disperazione. E quanto racconta il paesaggio allo spettatore qui! La purezza trasparente dell'aria, la luminosità del bagliore del sole e le ombre che scivolano sulla terra scongelata: questa bellissima immagine dell'inizio della primavera rallegra il complesso sottotesto della scena. Il foglio inizia a suonare come una storia lirica, e questo è molto caratteristico del talento di Shmarinov. I disegni di Shmarinov, eseguiti a carboncino e acquerello nero, attraversano molte fasi del processo di lavoro. Ma evitano felicemente l'arida completezza esteriore, conservando la fremente vivacità dei tratti, come se fossero stati appena posati dall'artista.

Solo negli ultimi due fogli della serie - "Ritorno" e "Incontro" - non c'è immagine dei nazisti e, sebbene la gioia sia ancora molto lontana, l'atmosfera si fa più leggera, gli eroi respirano più facilmente. La dura vita del primo anno di guerra, i cui eventi furono riassunti dall'artista, gli suggerirono la composizione della serie: l'inesorabile tragica tensione della maggior parte delle sue pagine e le leggere note degli ultimi disegni.

Durante gli anni della guerra, V. A. Favorsky (nato nel 1886), uno dei più antichi artisti sovietici, grande maestro dell'incisione su legno, si dedicò anche alla grafica da cavalletto. Durante la sua carriera, l'illustrazione del libro ha attirato la sua attenzione nella massima misura. E ora i telespettatori sovietici e stranieri ammirano, prima di tutto, l'armonioso mondo epico delle sue incisioni per "Il racconto della campagna di Igor", la tragedia e la profondità delle illustrazioni per "Boris Godunov", il polisillabico, ricco di generalizzazioni filosofiche e talvolta aspro , sfumature di vita a volte accattivanti, una serie di incisioni per "Piccole tragedie" di Pushkin. Ma già alla fine degli anni '20, Favorsky creò anche un bellissimo ritratto di F. M. Dostoevsky, un completamente indipendente, sebbene, ovviamente, strettamente correlato ai libri dello scrittore. Luce e ombra si oppongono in questo foglio inquietante; con riverenza, con forza modellato l'immagine di un uomo sopraffatto da un turbine di pensieri dolorosi. Entriamo qui in contatto con una vita spirituale di eccezionale intensità, indovina il mondo interiore, pieno di contraddizioni e di lotte. Nella libera varietà dei tratti, nell'uso sapiente del colore, si sente grande abilità.

Negli anni '40 Favorsky creò i fogli "Minin e Pozharsky", "Kutuzov". L'artista non è stato solo nel suo appello creativo alle pagine gloriose della storia della nostra Patria; naturalmente hanno attirato un'attenzione speciale di pittori e grafici durante gli anni della guerra. Nella serie di incisioni su linoleum ritmicamente sottili eseguite contemporaneamente a Samarcanda, il corso della vita quotidiana è rappresentato con grazia e laconismo senza fretta. Lo sfondo bianco, che gioca un ruolo importante in tutti i suoi fogli, accentua l'eleganza delle silhouette, la musicalità di composizioni semplici ma ponderate.

L'artista e in seguito più di una volta fa riferimento alla grafica da cavalletto (foglio "Flying Birds", 1959; vedi frontespizio, ecc.), ma l'illustrazione del libro lo occupa in misura incommensurabilmente maggiore.

Un posto di rilievo nella grafica in tempo di guerra appartiene alle opere di L. V. Soyfertis (nato nel 1911). Soyfertis ha precedentemente lavorato nel campo della grafica per riviste satiriche e ora appare spesso sulle pagine della rivista Krokodil. Durante gli anni della guerra partecipò alle battaglie di Sebastopoli, Novorossijsk, Odessa. Soyfertis ha avuto la possibilità di vedere molte cose difficili nella guerra, più di una volta la morte è stata accanto a lui, ma il suo talento luminoso e leggero ha estratto da queste scene di battaglia non furiose, non tragedia e morte, ma il sorriso della vita, che rimane se stessa anche sotto i bombardamenti. Una peculiare acutezza, divertimento contraddistingue le posizioni da lui raffigurate. Un marinaio si precipita in prima linea nell'assedio di Sebastopoli, ei ragazzi - per la velocità insieme - gli stanno diligentemente lucidando le scarpe. "Once" è il nome di questo foglio. C'è una battaglia aerea sulla città nel cielo soleggiato, le donne la stanno guardando e la vecchia sta cucendo con calma qualcosa, seduta proprio lì su una sedia al cancello. I marinai alla vetrina del giornale stanno leggendo le ultime notizie, in piedi in un gruppo ravvicinato, irti di baionette di fucili (ill. 16), un marinaio e un fotografo si trovano nell'imbuto della bomba - è necessaria una foto per la festa documento. Tutto questo, ovviamente, può essere chiamato episodi di tutti i giorni, ma questa è una vita che si è stabilita a due passi dalla prima linea, e le scene più senza pretese, persino divertenti a prima vista, qui sono alimentate con un soffio di grande coraggio e eroismo. La grazia genuina contraddistingue i disegni di Soyfertis. E se nella "Serie Samarcanda" di Favorsky le linee inseguite e le sagome delle incisioni su linoleum erano aggraziate, le graziose e le belle di Soyfertis sono leggere, fragili, come se le linee incuranti del disegno di contorno e un riempimento ad acquerello trasparente vivace, traspirante e leggermente colorato.

Soyfertis rimane un artista dal sorriso fugace e dalla grande simpatia per le persone nei suoi disegni degli anni '50. La sua serie "Metro" - una serie di scene di genere, notate nel trambusto dei palazzi sotterranei di Mosca, e disegni e incisioni dedicati ai bambini, sono ancora sorprendentemente vigile, ancora illuminate da un esigente interesse per una persona. A volte toccanti e divertenti, a volte beffardi e anche leggermente grotteschi, acquistando nitidezza nei confronti, questi fogli ci rivelano sempre alcune caratteristiche nuove della vita, qualcosa di nuovo nel normale flusso della vita di tutti i giorni.

Il grande materiale accumulato durante gli anni della guerra non entrava facilmente negli archivi degli artisti. Molti di loro hanno continuato a lavorare su argomenti militari dopo la fine della guerra. Soprattutto molti disegni e incisioni sulla guerra furono mostrati nelle mostre dei primi anni pacifici. Allo stesso tempo, il lavoro dei grafici è andato naturalmente lungo il percorso di generalizzazione delle loro conoscenze e impressioni visive, lungo il percorso da uno schizzo e uno schizzo a un foglio da cavalletto e un'intera serie grafica. Quindi, diverse serie di litografie basate sui materiali dei suoi schizzi militari furono eseguite nel 1946 - 1950 dall'artista V.V. Bogatkin (nato nel 1922). Durante gli anni della guerra, Bogatkin stava appena iniziando il suo lavoro creativo. Ha dipinto molto; un suo disegno, raffigurante un giovane soldato sulle rive del Tibisco (1945), ottenne notevole notorietà. Ma l'area principale del suo lavoro era il paesaggio. Il silenzio delle strade deserte della Leningrado assediata, la Mosca oscurata, la Berlino nei giorni del crollo del fascismo, le montagne di attrezzature rotte sulle sue strade, i carri armati sovietici alla Porta di Brandeburgo sono catturati da Bogatkin nelle sue litografie. Negli anni, l'accuratezza di ciò che abbiamo visto, contenuto in queste schede, create nell'incalzare della guerra, è da noi sempre più apprezzata.

Alla fine degli anni Quaranta e all'inizio degli anni Cinquanta, il quadro dello sviluppo della grafica da cavalletto era complesso e per molti versi contraddittorio. Gli artisti sono riusciti a cogliere e trasmettere alcuni aspetti molto significativi della nostra vita e, soprattutto, a mostrare un uomo che ha attraversato la guerra, la gioia del suo ritorno al lavoro, una sete appassionata di creazione. Ciò era particolarmente evidente in alcune opere dedicate al lavoro agricolo collettivo; la bellezza dei pacifici campi della nostra Patria si sentiva in loro come una proprietà appena acquisita e conquistata. Allo stesso tempo, nel flusso di disegni raffiguranti il popolo sovietico e il loro lavoro, si riflettevano chiaramente le caratteristiche dell'illustratività, la povertà di pensieri e sentimenti. Il documentario in prosa ha impedito a molti artisti in queste opere di elevarsi al livello di una generalizzazione poetica della nostra vita. Sono apparsi molti disegni e incisioni su temi storici e rivoluzionari, gli artisti hanno dato la loro forza e talento alla loro creazione, ma l'influenza del culto della personalità è stata particolarmente dura per loro. Ha impedito agli artisti di creare opere di grande ricchezza ideologica, ha portato in alcune opere a una copertura errata del ruolo del popolo come creatore della storia.

La grafica di questi anni si è sviluppata unilateralmente in termini tecnici. Molte tecniche grafiche erano poco utilizzate, prevaleva il disegno a inchiostro, il carboncino e l'acquerello nero. Solo nel regno del paesaggio la vera pittura ad acquerello e alcuni tipi di incisione erano abbastanza comuni. Ma la varietà delle tecniche spesso coesisteva nel paesaggio con la passività interna delle cose.

D'altra parte, anche in questi anni sono state realizzate opere di grande pregio artistico. Quindi, durante questo periodo, si formò il talento originale e forte di B. I. Prorokov, ora uno dei principali maestri della grafica sovietica. La creatività di Prorokov è strettamente connessa con gli anni della guerra, con ciò che l'artista ha visto e vissuto in quel momento. Ma Prorokov non solo ha restituito tutti questi anni con la memoria del suo cuore alla guerra, è riuscito a dire con la sua arte le parole più necessarie sul mondo.

B. I. Prorokov è nato nel 1911 a Ivanovo-Voznesensk. La sua attitudine al disegno si è manifestata all'inizio del liceo. I suoi disegni scolastici, inviati al concorso del quotidiano Komsomolskaya Pravda, hanno ricevuto il primo premio. Ciò ha dato all'autore il diritto di ricevere un biglietto per l'Istituto superiore artistico e tecnico (Vkhutein). Tuttavia, lo studio lì ha dato poco a Prorokov ed è durato meno di due anni. Solo il consiglio del più grande maestro di grafica politica D. S. Moor, che insegnava litografia, fu molto prezioso per Prorokov. Non avendo ricevuto un'istruzione speciale, Prorokov ha frequentato una buona scuola - politica e artistica - lavorando a Komsomolskaya Pravda e successivamente nella rivista Krokodil. Su incarichi del giornale, ha viaggiato molto per il paese, come giornalista ha imparato a fare una grande scorta di schizzi per un uso futuro per completare rapidamente qualsiasi compito. La maggior parte delle opere prebelliche di Prorokov sono caricature su argomenti nazionali e internazionali. Manifesti separati, anch'essi eseguiti da lui, e in particolare un foglio che esponeva la natura antiumanistica bestiale del fascismo, già prefiguravano l'intensità giornalistica, la passione e l'acutezza delle sue opere future.

Dai primi mesi di guerra, Prorokov ha lavorato nel giornale della guarnigione della penisola di Hanko, che ha resistito eroicamente all'assedio del nemico.

"A volte siamo imbarazzati nel parlare dell'impresa di una persona d'arte ad alta voce come dell'impresa di un soldato o di un comandante, finché uno scrittore o un artista non sostituisce il comandante ucciso in battaglia e guida la difesa dell'altezza", ha scritto Hanko, un partecipante alla difesa, che ne ha parlato nella storia "Ganguttsy" Vl. Rudny - E non riesco a immaginare una strenua lotta dei marinai di Gangut * ( * La penisola di Gangut Hanko fu chiamata al tempo di Pietro I) nel quarantunesimo anno senza risate profetiche e satira, senza i suoi quotidiani feuilleton pittorici, incisioni, ritratti, scolpiti per mancanza di zinco per cliché su linoleum, strappati dai pavimenti delle case dilaniate dalla guerra. "L'artista lasciò Hanko con gli ultimi reparti di "marinai". Kronstadt e Leningrado sotto blocco, Malaya Zemlya vicino a Novorossiysk, Berlino e Port Arthur: queste sono le pietre miliari del suo percorso militare. E ovunque, anche nelle condizioni più difficili e in prima linea, l'artista ha dipinto molto.

La prima serie del dopoguerra di Prorokov, "In Kuomintang China", è stata creata da lui sulla base di ciò che aveva visto in Estremo Oriente subito dopo la sconfitta dei militaristi giapponesi. Di piccolo volume, delinea solo alcuni aspetti della vita del popolo cinese, che ancora subisce l'oppressione coloniale e combatte per la sua liberazione nazionale. Ma la passione dell'atteggiamento dell'autore nei confronti della vita si riflette già pienamente qui. Con simpatia, l'artista disegna un partigiano cinese - un giovane semplice, modesto e coraggioso, con odio e derisione - eleganti americani che inscenavano disumane corse di risciò; condivide, ci sembra, sia la frenesia di un oratore frenetico a un raduno, sia la pesante stanchezza di un risciò accucciato sotto il sole cocente da una carrozza. Nelle prossime opere di Prorokov sentiremo, per così dire, la voce del suo autore, la sua sempre calda indignazione o amore, e quindi le sue opere ci cattureranno con una forza speciale.

Nei successivi cicli di disegni "Eccola, America!" e "Per la pace!" la voce di Prorokov il pubblicista si fece più forte. La vita nelle sue lenzuola acquisisce il potere rabbioso della denuncia politica dell'imperialismo. Nel disegno "Aggressor's Tanks to the Bottom", l'artista mostra in un'immagine patetica emozionante la volontà dei lavoratori per la pace, la forza della loro solidarietà. Una raffica di indignazione ha scatenato le forze, radunato un gruppo monolitico di persone che scaricano un carro armato in acqua. Il foglio è laconico nella composizione, pieno di pathos di lotta; resiste facilmente a un grande aumento, e più di una volta i sostenitori della pace fuori dal nostro paese lo portavano come poster alle manifestazioni. Serie "Eccola, America!" è stato eseguito da Prorokov come illustrazione per un libro di opuscoli e saggi sull'America. Ma si è essenzialmente trasformato in un ciclo da cavalletto: il contenuto dei suoi fogli è così indipendente, comprensibile e senza testo. Allo stesso modo, le successive illustrazioni di Prorokov per il libro "Mayakovsky on America" acquisirono caratteristiche da cavalletto. L'appello a Mayakovsky era profondamente logico nelle opere di Prorokov. L'artista è molto vicino alla pressione appassionata delle poesie di Mayakovsky, alla loro caratteristica alternanza di rabbia e sarcasmo, alle immagini allegoriche audaci e alla valutazione politica obbligatoria dei fenomeni.

In tutte le sue opere, eseguite dopo la guerra, Prorokov lotta per la pace, denuncia l'imperialismo, la disumanità della sua politica coloniale, i suoi disegni militaristici. Ma il discorso più potente dell'artista per il mondo è stata la sua serie "Non deve succedere di nuovo!", in cui, per la prima volta dopo le battaglie che si erano spente, ha toccato visioni militari che non avevano lasciato il cuore.

Due fogli di umore opposto sono evidenziati nella sua serie: da uno - "Hiroshima" - un volto condannato, che ancora ci guarda dall'inferno di un'esplosione atomica, dall'altro - una giovane madre, con un'arma in mano, che protegge un bambino, che difende una vita luminosa sulla terra. Tra questi due fogli, come in una cornice, c'è una serie di immagini della guerra. In essi le persone lottano con la morte che porta il fascismo; e nell'ora della morte disprezzano il nemico, proprio come una giovane donna disprezza i carnefici, nei cui occhi c'è una sanguinosa visione di Babi Yar (ill. 17). Nessun dettaglio che dissipa grande tensione, ogni lenzuolo è una sensazione colta nel suo momento più alto, è un dolore che non è ancora destinato a fermarsi. Una silhouette affilata e un primo piano sono qui scelti come dispositivi artistici obbligatori. Solo un artista di grande coraggio e di ardente fede nelle persone potrebbe ripeterci la crudele verità sulla guerra passata con un potere così sorprendente. Le sue pagine piene di dolore, rabbia e sofferenza non lasciano nessuno indifferente. Testamento del comunista ceco J. Fuchik "Gente, siate vigili!" risuona per noi in questa serie di un artista sovietico.

Tra le opere dedicate a V. I. Lenin, spiccano i disegni del più grande maestro dell'illustrazione di libri E. A. Kibrik (nato nel 1906). In fogli separati della serie, l'artista, che ha studiato attentamente i materiali relativi alle attività di Lenin nell'anno della rivoluzione, non solo ha imparato la prima verità della somiglianza esterna, ma si è anche spostato oltre, nelle profondità della caratterizzazione interna.

Il foglio "V. I. Lenin nel sottosuolo" (ill. 18) riproduce i giorni di luglio del 1917, quando Lenin, residente a Pietrogrado, fu costretto a nascondersi dai segugi del governo provvisorio. Come ha immaginato l'artista stesso la trama di questo disegno? Secondo lui, qui voleva mostrare Lenin il teorico, scienziato, pensatore, che appariva quotidianamente in quei giorni con articoli che armavano il partito nella sua lotta per la dittatura del proletariato; il momento specifico che deve essere rappresentato, l'artista ha descritto come segue: "... Lenin, com'era sua natura, camminava per la stanza, meditando sull'enorme materiale che la vita consegnava ogni giorno e in cui doveva catturare i più importanti cosa, cosa è necessario per mirare alla festa con un altro articolo sulla Pravda Dopo aver trovato questa cosa principale, si è seduto rapidamente al tavolo, dimenticandosi immediatamente di tutto ciò che c'è nel mondo, si è immerso nel lavoro. È caratteristico che Kibrik immagini un'immagine in movimento e, disegnando un singolo momento nella catena degli altri, tenga conto anche del precedente. Il silenzio di una piccola stanza solitaria è carico della tensione di un grande lavoro. L'artista è stato in grado di trasmettere la frenesia e la preoccupazione di Levin per il suo lavoro con l'espressione concentrata del suo viso, la sua postura di una persona che scrive rapidamente.

L'immagine "V. I. Lenin in Razliv" ha un umore diverso: ha un'agitazione, un impulso contenuto. Il flusso dei pensieri di Lenin è lontano dall'ambiente circostante e anche le distese del paesaggio lacustre, per così dire, ampliano la portata del foglio. Nel libro sopra citato, Kibrik descrive in dettaglio il processo del suo lavoro su queste composizioni e chiunque abbia familiarità con i suoi disegni troverà interessante leggere queste pagine,

Verso la metà degli anni '50, le cose belle dei nostri tempi moderni compaiono nella grafica. L'artista Yu. I. Pimenov, pittore, grafico e decoratore teatrale, ha aperto per noi un intero grande mondo pieno di luminosa gioia di vivere con la sua grande serie "Regione di Mosca". Pimenov ha un raro dono della quotidianità poetica, la capacità di vedere la bellezza della vita quotidiana. E la bellezza, notata nell'ordinario, trova sempre i suoi percorsi particolarmente vicini al cuore dello spettatore. L'aria calda di una calda giornata nella regione di Mosca e la figura di una ragazza su una passerella, i ferventi lavoratori nel cantiere di nuove case e lo splendore della pioggia in una piazza alla periferia di Mosca: queste sono le semplici trame dei disegni di Pimenov e acquerelli. "Per un pittore di genere, mi sembra", scrisse, "i reperti più preziosi sono quei pezzi di vita genuini visti, dove in casi ordinari, inimmaginabili, reali di ogni giorno, si rivela la grande verità del paese". L'impetuoso ritmo di lavoro della nostra modernità, la sua bellezza speciale, energica e imprenditoriale rivivono nelle opere dell'artista (vedi copertina). Forse, il fascino principale delle immagini di Pimenov e, in particolare, delle sue costanti eroine: donne che lavorano in un cantiere edile, impegnate nella ristrutturazione di appartamenti, nel cucito, nelle faccende domestiche, risiede nell'attività, nell'attività. La colorazione chiara e chiara dei suoi acquerelli dà festa anche alle scene e alle cose più apparentemente ordinarie. L'artista apporta anche grande pittoresca alla tecnica dell'acquerello nero e del carboncino. Con gradazioni di nero riesce a trasmettere la profondità delle ombre che cadono sull'acqua dagli alberi, e il freddo trasparente dell'inizio della primavera, e la freschezza della pioggia sulla banchina della stazione, e il comfort resinoso della strada forestale . Pimenov è un artista molto integrale. Il suo punto di vista del mondo, la cerchia dei suoi soggetti preferiti rimane lo stesso in una serie di dipinti degli anni '40 - '50 - scene di genere, nature morte, che raccontano in modo così semplice e poetico di un contemporaneo, e nella sua grafica, e anche in prosa - in un libro sulla regione di Mosca, scritto con ardente entusiasmo, rapido, aggraziato e facile, con una visione puramente artistica della vita nella sua veste davvero bella e multicolore.

La vita in movimento, nuova e gioiosa, nata ogni giorno, si affretta a catturare Pimenov nella sua serie successiva "New Quarters".

Dopo aver viaggiato all'estero più di una volta negli anni '50, Pimenov ha creato un'intera serie di piccole tele e schizzi basati sulle impressioni di questi viaggi o direttamente durante i suoi viaggi. Anche qui il suo sguardo resta, soprattutto, lo sguardo di una persona innamorata della bellezza, il giornalismo non lo caratterizza. Ma i testi pieni di tristezza di alcune delle sue opere straniere suonano involontariamente come un contrasto con la sonora felicità dei suoi fogli dedicati ai giorni e agli affari ordinari della nostra vita.

Le opere estere di Pimenov non erano le sole nel nostro programma. Negli anni '50 e successivamente, quando i legami culturali internazionali del nostro paese si espansero e molti artisti viaggiarono in vari paesi del mondo, un intero gruppo di serie apparve sulla base delle impressioni di questi viaggi. Di solito contenevano scene di vita di strada, paesaggi, fogli di ritratti individuali. Gli artisti hanno parlato di ciò che hanno visto, mostrando angoli pittoreschi della natura, famosi monumenti di architettura e scultura, caratteristiche della vita, persone incontrate durante i viaggi. La fluidità forzata ha caratterizzato la maggior parte di questi lavori. Ma a seguito dei viaggi sono state create anche serie complete, in cui reportage, schizzi sono stati sostituiti da vere e proprie generalizzazioni artistiche. Dalla conoscenza di tali cicli, lo spettatore ha ricevuto non solo una catena di vivide impressioni turistiche, ma anche una nuova conoscenza di un particolare paese e del piacere estetico.

Una di queste cose era la serie di N. A. Ponomarev (n. 1918) "Vietnam del Nord", creata nel 1957. L'aspetto di questo paese, visto dall'artista, è ricco di fascino: un cielo alto grigio-azzurro, distese di acque calme, risaie e una catena di rocce lilla all'orizzonte, ora ben visibili, ora che si sciolgono in una foschia perlacea . La poesia calma, leggermente contemplativa della vita quotidiana rivive in questi fogli. Le persone sono raffigurate con profonda simpatia - la modesta gente laboriosa del Vietnam - pescatori, minatori, donne che vanno al mercato (ill. 19), in attesa della traversata della baia. La colorazione delicata e sottile conferisce espressività ai disegni. La serie vietnamita è stata per molti versi un punto di svolta per il suo autore. L'artista inizia la sua carriera con disegni a carboncino e guazzo nero dedicati ai minatori del Donbass (1949-1950). Avevano molta coscienziosità e lavoro e meno ispirazione creativa. Disegnando il Vietnam, l'artista ha scoperto nel suo lavoro non solo nuove note poetiche, ma anche l'abilità di un colorista che può vedere l'armonia e la decoratività della tecnica mista di guazzo e pastello.

Della serie basata su impressioni straniere, erano interessanti anche le opere di O. G. Vereisky (n. 1915). O. Vereisky, ora un importante illustratore di libri di scrittori sovietici e un artista grafico da cavalletto, deve la sua prima conoscenza dell'arte a suo padre G. S. Vereisky. Ha anche studiato all'Accademia delle arti di Leningrado. Con uguale libertà, O. Vereisky padroneggia sia la morbida pittoricità di un disegno a tono con acquerello o inchiostro nero, sia i luminosi contrasti di una tecnica chiara e definita di disegno con una penna. Recentemente, l'artista si è interessato ad alcune tecniche di incisione, e ha ripetuto in stampe alcuni suoi disegni, eseguiti a seguito di viaggi in Egitto, Siria e Libano. Uno dei migliori tra questi è un foglio intitolato "Riposo in arrivo. Siria" (ill. 20). È bello nel colore e nella composizione laconica, ma il suo fascino principale è nell'immagine di una donna. La raffinata bellezza e la leggera tristezza del viso, la trattenuta tenerezza del gesto e la grazia naturale della donna sono riprodotte dall'artista con vero piacere estetico. Anche i fogli della "Serie americana" di O. Vereisky sono pieni di osservazioni precise, e ha visto non solo i lineamenti cerimoniali, ma anche loschi e quotidiani della vita americana.

La nostra conoscenza di questo paese è anche arricchita da graziosi, nella sua abbozzatura lineare, disegni a penna di V. Goryaev, un artista dai modi taglienti e un po' sarcastici, l'illustratore Mark Twain, collaboratore permanente della rivista Crocodile.

La grafica del dopoguerra è caratterizzata da grandi successi degli artisti delle repubbliche dell'Unione. I più forti team di grafici si sono ora formati in Ucraina, Estonia, Lituania e Lettonia. Sia il disegno che l'acquarello hanno i loro grandi artisti in queste repubbliche e l'arte della stampa si è sviluppata qua e là, quando alla fine degli anni Quaranta e all'inizio degli anni Cinquanta era in declino nella RSFSR.

Come esempio di grafica da cavalletto ucraina, si può citare la serie "Pensieri e canzoni popolari ucraine" di M. Deregus. Ampiamente concepito, includendo fogli di vari stati d'animo e temi, questo ciclo caratterizza la maturità della grafica ucraina, anche se nell'opera dello stesso Deregus - pittore paesaggista e illustratore per eccellenza - si distingue in qualche modo. La tristezza e la speranza del foglio "Il pensiero di Marus Boguslavka" e la tragedia della solitudine, la fede ingannata nelle persone nel foglio "Il pensiero dei tre fratelli di Azov" sono sostituite dalla coraggiosa poesia dei nostri giorni nella composizione " Il pensiero dei partigiani" con l'immagine centrale di Kovpak. I giovani artisti ucraini V. Panfilov, che ha dedicato le sue incisioni ai lavoratori dell'acciaio, e I. Selivanov, che ha creato fogli su temi storici e rivoluzionari, stanno lavorando con successo nell'incisione. Un genere tipico per la grafica ucraina è un paesaggio industriale, solitamente eseguito con tecniche di incisione. I suoi maestri sono V. Mironenko, A. Pashchenko, N. Rodzin e altri.

Nelle repubbliche baltiche, la grafica del paesaggio è molto varia. C'è un forte flusso di paesaggio lirico da camera, emotivo, di grande fascino. I suoi creatori sono artisti estoni, maestri dell'incisione R. Kaljo, A. Keerend, L. Ennosaar, acquerellista K. Burman (junior), grafici della Lettonia - A. Junker, lituano - N. Kuzminskis e altri. Nelle loro opere ci sono riflessioni liriche e una stretta comunicazione con la natura che arricchisce l'anima, e ogni volta la bellezza dei loro campi nativi, la pittoresca antica Tallinn, ecc., viene intesa in un modo nuovo.

Nell'opera del più antico disegnatore estone G. Reindorf, le immagini del paesaggio acquisiscono una colorazione più filosofica. È difficile per noi ora immaginare appieno il lungo percorso creativo di questo artista, poiché quasi tutte le sue opere prebelliche sono morte durante la Grande Guerra Patriottica. Ma anche il dopoguerra della sua attività fu fruttuoso. Reindorf è nato nel 1889 a San Pietroburgo. Dopo essersi diplomato con successo alla Scuola di Disegno Tecnico Stieglitz, ricevette il diritto a un viaggio d'affari all'estero e partì per la Francia. Il breve periodo dei pensionati stranieri fu interrotto dalla prima guerra mondiale. Ritornato in patria, Reindorf lavora nel campo della grafica applicata e del paesaggio, ed è impegnato in attività didattica. I suoi principali interessi creativi negli anni '40 - '50 furono assorbiti dal paesaggio e, in una certa misura, dall'illustrazione di libri. Esegue le sue cose in questi anni principalmente sotto forma di disegni; in precedenza, l'artista ha anche creato fogli di incisione espressivi. Il desiderio di una precisione oggettiva dell'immagine va talvolta a scapito della ricchezza emotiva di Reindorf dei suoi fogli, ma nelle sue opere migliori questi due principi sono combinati. I più caratteristici a questo proposito sono i suoi fogli "On the Hot Days of August" (1955). Una sorta di armonia unisce tutto ciò che vive in questo paesaggio rurale, e la tecnica virtuosistica del disegno con una matita di grafite conferisce ai fogli una ricchezza tonale e una particolare esecuzione a filigrana.

C'è anche una linea di paesaggio romantico nella grafica degli stati baltici, satura del pathos dei sentimenti umani tempestosi e irrequieti. Nelle incisioni degli artisti lettoni P. Upitis, O. Abelite, in fogli separati di M. Ozoliņš, le immagini della natura si colorano di acuta emotività, piene di tensione interiore.

Nelle acqueforti del residente a Riga E. Anderson, il paesaggio diventa l'ambiente in cui si svolge la maestosa azione del lavoro.

Molti artisti baltici agiscono sia come paesaggisti che come autori di opere tematiche, e questo non fa che arricchire le loro opere. Nel versatile lavoro dell'artista estone E. K. Okas (n. 1915), ad esempio, si possono trovare fogli di paesaggi, ritratti e oggetti tematici. Okas è nato a Tallinn in una famiglia della classe operaia e lì ha studiato, prima presso la State Artistic and Industrial School e poi presso la State Higher Art School. Durante la Grande Guerra Patriottica, ha lavorato come artista in prima linea. Okas è sia un pittore che un maestro dell'illustrazione di libri. Ma se le immagini che ha creato per le pagine dei libri sono talvolta separate da noi da decenni e secoli, gli eroi delle sue opere da cavalletto vivono sempre nella modernità, respirano la sua atmosfera per nulla serena. Il senso della complessità del mondo moderno con le sue acute contraddizioni sociali riempie, ad esempio, i fogli delle serie olandesi e italiane dei bozzetti di viaggio di Okas, da lui fondamentalmente eseguiti con varie tecniche di incisione. Perspicaci e severamente veritiere, queste incisioni suonano come un vero giornalismo. L'artista lituano V. Yurkunas (nato nel 1910) lavora anche nella grafica di libri e cavalletti. Si diploma alla Kaunas Art School nel 1935 ed è costantemente impegnato in attività di insegnamento. Nelle sue incisioni, le persone sembrano essere particolarmente legate alla loro natura natia, alla loro terra natia. Tali sono gli eroi della poesia di Maironis (1960; ill. 21), da lui riprodotta, tale è il piccolo contadino collettivo che ha conquistato la simpatia di molti telespettatori: l'immagine della giovinezza che cammina sulla bella terra, disinvoltamente semplice e provocatoria, sbalorditiva con un'integrità unica di sentimenti ("Sarò una lattaia", 1960). La tecnica dell'incisione su linoleum in fogli di V. Yurkunas ha sia concisione che flessibilità, serve naturalmente a creare le sue immagini luminose e ottimistiche.

Il traffico baltico nel campo del ritratto lavora con entusiasmo, e se tra le opere degli artisti della RSFSR abbiamo ora, oltre alle invariabilmente riuscite, ma già rare esibizioni di G. S. Vereisky, solo ritratti all'acquaforte acutamente caratteristici di M. Feigin , nel Baltico saremo contenti della sottile e variegata abilità di numerosi ritrattisti.

L'artista estone E. Einmann (nato nel 1913) ha ottenuto molto in questo genere. Ha studiato presso la State School of Applied Arts e la Higher Art School di Tallinn.Il suo percorso creativo è iniziato durante la Grande Guerra Patriottica. Ora, in una lunga serie delle sue opere, sono ben visibili i tratti del suo talento. Atteggiamento premuroso e attento dell'artista verso il mondo interiore dei suoi modelli. Il rispetto per una persona è una caratteristica del suo lavoro. Si manifesta sempre, sia che l'artista dipinga un vecchio pescatore o un giovane studente di scuola professionale, un'infermiera o un'attrice. Allo stesso tempo, l'esperienza diretta dell'autore, la valutazione del modello, rimane da qualche parte, l'importante è una storia contenuta e oggettiva al riguardo. I ritratti di Einmann affascinano con la sottigliezza del modo grafico, estraneo agli effetti esterni. Questa sottigliezza contraddistingue i suoi fogli, eseguiti con grafite o matita italiana, e l'acquarello, e la litografia.

Emotivo e lirico è il ritratto dell'artista estone A. Bach-Liimand, che è particolarmente bravo a ritrarre donne e bambini. I ritratti e l'autoritratto dell'artista lituano A. Makunaite, che lavora su linoleum, sono pieni di pensieri seri. I ritratti a carboncino realizzati dalla giovane disegnatrice lettone F. Pauluk sono espressivi.

La grafica in Ucraina e negli Stati baltici ha una lunga tradizione e quindi il suo successo è in gran parte naturale. Ma anche in repubbliche come, ad esempio, il Kirghizistan o il Kazakistan, dove l'arte grafica è piuttosto giovane, ha già compiuto notevoli progressi.

Il principale maestro di grafica in Kirghizistan è L. Ilyina (nata nel 1915), allieva dell'Istituto poligrafico di Mosca, che ha lavorato per molti anni nella città di Frunze. Monumentalità, grandi forme, laconicismo sono i tratti caratteristici delle sue incisioni su linoleum. Negli ultimi anni, Ilyina, allontanandosi un po' dall'illustrazione libraria, esegue molte opere da cavalletto, in particolare la serie di xilografie paesaggistiche "Native Land" (1957), e una vasta serie di linoleum a colori dedicate alla donna della sua repubblica. I tratti del nuovo, che contraddistinguono la nostra vita, sono forse particolarmente evidenti nei destini femminili mostrati dall'artista kirghisa. Il lavoro non piega le donne ora, ma dà solo maestà e significato alla postura. Un atteggiamento libero e senza vincoli distingue sia la ragazza-coltivatrice di barbabietole (1956) che i delegati del lontano Tien Shan, che ascoltano attentamente l'oratore (1960). I linoleum di L. Ilyina sono di plastica, il volume è liberamente modellato su di essi con un tratto vivace e ruvido, grandi macchie di colore. Allo stesso tempo viene sempre preservato l'effetto decorativo della sagoma del foglio (ill. 22).

In Azerbaigian, l'artista M. Rahman-zade (n. 1916), che dipinge giacimenti petroliferi al largo del Caspio, lavora in modo interessante nel campo della litografia a colori. Sa come introdurre nelle sue serie una varietà di motivi che sembrano simili e, allo stesso tempo, rivelano ogni volta qualcosa di nuovo nel panorama industriale. Il foglio sopraelevato del suo lavoro del 1957 si distingue tra gli altri per la sua snellezza compositiva, la combinazione sonora di acqua giallo brillante e strutture traforate nere. Queste sono alcune delle conquiste degli incisori e disegnatori repubblicani.

La grafica di oggi è molto diversa da quella del primo decennio del dopoguerra. Cosa c'è di nuovo, così diverso dal precedente, è apparso in esso? Se la modernità precedente era catturata con una genuina generalizzazione poetica solo nelle singole cose, ora i suoi tratti vivi sono disseminati in molte opere grafiche. La svolta di massa degli artisti al presente dà i suoi risultati. La modernità viene assimilata nei suoi tratti non esteriori, profondi, gli artisti stanno scoprendo, per così dire, un nuovo volto del nostro paese, l'uomo sovietico. Per molti versi, la grafica degli ultimi anni ha qualcosa in comune con la pittura. Gli artisti di queste arti vedono il volto severo e impetuoso del tempo, una particolare attività di attitudine pervade le loro opere. E anche il desiderio di nuove forme d'arte non testate risulta essere comune a loro. Nella grafica, tutto questo si riferisce principalmente alla stampa. La sua ascesa iniziò a metà degli anni '50 e ora possiamo parlare del suo vero periodo di massimo splendore. Questo periodo di massimo splendore è associato principalmente all'afflusso di nuove giovani forze nell'incisione da cavalletto. Ma vi hanno contribuito anche artisti già esperti. Nei paesaggi di A. Vedernikov, ad esempio, Leningrado, gravato da molte tradizioni della sua rappresentazione, appare improvvisamente in un aspetto così nuovo, scintillante di colori puri, che sembra essere visto per la prima volta. La tecnica della litografia a colori di Vedernikov non imita né un disegno a matita colorata né un dipinto ad acquerello dettagliato. L'artista opera con forme generalizzate, combinazioni audaci di più toni puri. La sua ricerca della decoratività nella litografia a colori è una delle tante stampe caratteristiche oggi.

Tra i successi dell'incisione, possiamo anche attribuire le xilografie di F. D. Konstantinov sul lavoro rurale, e in particolare il suo foglio paesaggistico "La primavera nella fattoria collettiva" (1957; ill. 23) e i paesaggi dell'artista armeno M. M. Abeghyan - "Rocky Shore di Zanga”, “Sulle montagne di Bjni” (1959) e tante altre opere di artisti delle generazioni più anziane e medie.

Ma il nuovo, che contraddistingue l'incisione moderna, si sente particolarmente chiaramente nelle cose dei giovani. I. Golitsyn, A. Ushin, G. Zakharov, Ya. Manukhin, I. Resets, L. Tukachev, K. Nazarov, V. Popkov, D. Nodia, I. Nekrasov, V. Volkov - un'intera galassia di giovani che si è esibito brillantemente sulla stampa. Vediamo paesaggi suburbani ordinari nella "Suite on Wires" di A. Ushin (nato nel 1927), diplomato alla Scuola d'Arte e Pedagogica di Leningrado (ill. 24). Nessun evento accade nelle sue lastre, solo i treni elettrici corrono in silenzio e, allo stesso tempo, qui sta succedendo molto: le capriate d'acciaio si alzano per sostenere i fili, fasci di luce dal finestrino del treno strappano la fitta oscurità notturna, fulmini bianchi di pioggia lo attraversa e le nuvole si accumulano in un mucchio abbagliante nei cieli neri: la vita continua, unica, viva, sentita molto acutamente, nel suo stato più attivo, teso. È questa percezione acuta e attiva della vita nella sua dinamica costante che contraddistingue molte opere dei giovani. Unisce le loro opere. Ma, inoltre, i giovani sono molto individuali nel loro lavoro. Ognuno di questi artisti ha già il proprio volto nell'arte, la propria opinione sulla vita, la propria comprensione del linguaggio dell'incisione.

Gli ampi paesaggi e le scene liriche di G. Zakharov con il loro ritmo enfatizzato di grandi tratti e macchie in bianco e nero suonano unici. I romanzi di paesaggio riflessivi e leggermente ironici di I. Golitsyn sono dettagliati, in cui ogni casa è un'intera storia sulla vita di una grande città e un incrocio stradale ci svela in una visione istantanea e un po' pessimistica un rotolo della vita quotidiana umana. La tecnica flessibile dell'incisione sull'argento di Golitsyn si è in gran parte formata sotto l'influenza di Favorsky. La sottigliezza delle xilografie, la sua ricchezza tonale, così soggetta a Favorsky, come se ampliasse gli orizzonti di Golitsyn, l'artista di una tecnica di incisione su linoleum più ampia e più coraggiosa (ill. 25),

Leggermente aspra, significativa e nelle sue manifestazioni più ordinarie, la vita scorre 24. A. A. U Shin. Piovere. 1960 di una grande città nelle acqueforti di V. Volkov di Leningrado. Liberi dal trambusto delle sciocchezze, i suoi fogli monumentalizzano la realtà, come se ne esponesse il ritmo maestoso e coraggioso nel flusso della vita quotidiana. E le persone sono mostrate dall'artista in un aspetto, ma significativo: si tratta di persone lavoratrici dure e laconiche.

L'artista georgiano D. Nodia vede attivamente il panorama industriale e le scene di lavoro in dinamica. Il mondo trasparente della giovinezza, una meravigliosa fusione tra la chiarezza dell'anima infantile e la sottigliezza adulta dei movimenti spirituali, è rivelato da Y. Manukhin nella fragile immagine del suo popolare Grass of Grass.

Lo stesso artista, in un'incisione dedicata alla lotta per la pace, ottiene un'espressione speciale dell'immagine che incarna la rabbia e il dolore di Hiroshima. Allo stesso tempo, Manukhin ha imparato molto dalla vicinanza del suo foglio da cavalletto all'arte del poster (ill. 26).

V. Popkov (ill. 27) parla in dettaglio del lavoro dei trasportatori in una serie di incisioni e gouaches, che negli ultimi anni ha anche agito in modo interessante come pittore. In tutte queste opere, i giovani artisti ci rivelano sfaccettature diverse della nostra modernità, vista a modo loro e con grande freschezza.

Naturalmente, non tutti nella stampa ora hanno solo successo. C'è anche una piccola scrittura quotidiana, illustrativa. Spesso li incontriamo in serie dedicate al lavoro, oltre che con protocolli noiosi nel panorama industriale. Ci sono anche cose il cui significato intero è esaurito dalla loro decoratività esteriore. D'altra parte, la novità dell'incisione negli ultimi anni è nata nel disegno, anche se qui non si manifestava un così forte distacco di giovani. Indicativo a questo proposito è il percorso creativo di V. E. Tsigal (nato nel 1916). Cominciò nei primi anni del dopoguerra con una serie di disegni a china e acquarello, in cui la vita e l'opera del popolo sovietico venivano mostrate in modo autentico, spesso con lirismo e calore, ma ancora senza grandi scoperte artistiche. Tsigal era in parte ostacolato dalla sua eccessiva attività, dal desiderio di coprire con la sua arte una gamma troppo ampia di fenomeni della vita. Tsigal ha lavorato rapidamente, grandi serie dei suoi fogli sono apparse in quasi tutte le principali mostre. Ma la vera concentrazione creativa gli è venuta solo quando, dopo aver iniziato a viaggiare e studiare la vita dei contadini nei villaggi di montagna del Daghestan, è stato trascinato per un tempo relativamente lungo da questo argomento, di cui, ovviamente, era abbastanza grato l'artista. È così che è apparsa la sua serie "Dagestan" (1959 - 1961), che è stato un grande passo avanti per Tsigal. In questo ciclo c'è anche il fascino inesauribile della novità della vita degli altipiani, che si è rivelata all'artista, e alcuni tratti quotidiani molto segreti, rilevati da uno sguardo amichevole, e da una peculiare sensazione di armonia tra uomo e natura . I suoi fogli sono costruiti su una sottile giustapposizione di motivi comuni al Daghestan, ma ci rivelano improvvisamente sia le specificità del modo di vivere che le relazioni delle persone, eterne e allo stesso tempo sottilmente moderne (ill. 28).

Nell'attuale ascesa della grafica da cavalletto, l'arte complessa/sottile dell'acquerello ha trovato il suo posto. Nell'acquarello sono necessari soprattutto un occhio sicuro e una mano rapida e precisa. Le correzioni sono quasi impossibili in esso e il movimento del pennello con vernice e acqua è ingannevolmente facile e richiede una rigida disciplina da parte dell'artista. Ma le possibilità coloristiche degli acquerelli sono ricche e la traslucenza della carta sotto uno strato trasparente di vernice le conferisce una leggerezza e una grazia uniche. "L'acquerello è una pittura che segretamente vorrebbe diventare grafica. L'acquerello è una grafica che diventa pittura educata e delicata, costruendo le sue realizzazioni non sull'uccisione della carta, ma sulla rivelazione stravagante della sua superficie elastica e instabile", scrisse una volta uno dei più grandi intenditori di Grafica sovietica A. A. Sidorov. Anche oggi, come negli anni '30, i paesaggisti sono i maestri dell'acquarello nel nostro paese. Le opere di S. Boym, N. Volkov, G. Khrapak, S. Semenov, V. Alfeevsky, D. Genin, A. Mogilevsky e molti altri mostrano la vita di una città moderna, la natura nella ricchezza dei suoi colori, in la sua meravigliosa diversità. E sempre meno spesso la descrittività passiva trova rifugio nel paesaggio.

Queste sono alcune delle caratteristiche della moderna grafica sovietica. Tuttavia, la sua immagine è così complessa e ricca che, ovviamente, merita una descrizione a parte. Il nostro obiettivo era solo quello di conoscere il lavoro dei più famosi maestri della grafica da cavalletto e singoli momenti della sua storia.

L'artista Yu. I. Pimenov, i cui disegni sono stati discussi sopra, ha scritto: "Il percorso dell'artista è il percorso dell'incanto con la vita e il percorso della sua espressione piena di delusioni e fallimenti. Ma in ogni cosa sincera c'è un grano , una microparticella del desiderato, poi un'eco, da qualche parte un'onda di questo sentimento viene ricevuta e fiorisce. Per il bene di questo "granulo di ciò che è desiderato", per il bene di un'onda di sentimento reciproca, che è assolutamente necessaria per l'artista, tutto il suo lavoro duro e gioioso è compiuto.

Di seguito verranno presentati artisti famosi in tutto il mondo per la loro capacità di disegnare con una normale matita di ardesia. Ognuno di loro ha il proprio stile, personalità e argomenti preferiti per la creatività. Inoltre, il nome di ogni autore è anche un link alla galleria personale online dell'artista, dove è possibile studiare i disegni a matita e la biografia di ciascuno di essi in modo più dettagliato e dettagliato.
Guardando attraverso le immagini, noterai alcune caratteristiche interessanti in ogni dipinto. Alcuni si distinguono per linee morbide, transizioni morbide tra luce e ombra e forme snelle. Altri, al contrario, usano linee dure e tratti chiari nel loro lavoro che creano un effetto drammatico.
In precedenza, sul nostro sito web, abbiamo già pubblicato le immagini di alcuni maestri. Ecco un elenco di articoli in cui puoi vedere disegni a matita altrettanto attraenti.

Album di incredibili illustrazioni di Mattias Adolfsson;

JD Hillberry

Abilità naturali e un forte desiderio di attirare l'attenzione sul suo lavoro sono apparse in JD Hillberry da bambino. Il desiderio e il talento hanno reso il maestro uno dei migliori artisti di disegno a matita al mondo. Mentre ancora studiava nel Wyoming, iniziò a sviluppare la propria tecnica, mescolando carbone e grafite per ottenere un effetto fotorealistico nei suoi disegni. JD utilizza la luce monocromatica per attirare l'attenzione dello spettatore sul gioco di chiaroscuri e texture. Durante la sua carriera, ha cercato di andare oltre il realismo e l'espressione. Dopo essersi trasferito in Colorado nel 1989, Hillberry iniziò a sperimentare con disegni falsi. Tradizionalmente, questo tipo di lavoro viene eseguito a olio, ma ha trasmesso con successo il realismo della trama con l'aiuto di una matita. Lo spettatore, guardando tali immagini, viene ingannato nel pensare che l'oggetto sia in una cornice o in una finestra, sebbene in realtà tutti questi elementi siano disegnati. Lavorando dal suo studio a Westminster, in Colorado, JD Hillberry continua ad ampliare la percezione del pubblico con i suoi disegni.

Brian Duey

Brian è uno dei più straordinari artisti di disegno a matita che interagisce magnificamente con la matita per creare opere d'arte stimolanti. Ecco cosa dice del suo lavoro e di se stesso:
"Mi chiamo Brian Duey. Sono nato e cresciuto a Grand Rapids, nel Michigan. Ho frequentato una scuola pubblica in un piccolo villaggio chiamato Granville, dove sono stato introdotto per la prima volta all'arte. Non ho mai pensato alla serietà del mio hobby, ma ho scoperto una forte attrazione per il disegno a matita all'età di 20 anni. Ero seduto da solo in casa mia, e per noia ho deciso di prendere una matita e iniziare a disegnare. Mi sono subito innamorato del disegno e volevo farlo tutto il tempo . Con ogni disegno, miglioravo sempre di più. Ho sviluppato la mia tecnica e trucchi originali mentre lavoro. Mi sforzo di creare disegni realistici e aggiungere le mie idee concettuali. Spesso mi viene chiesto cosa mi ispira e dove ho imparato a disegnare. Posso affermare apertamente che sono autodidatta.
Le mie illustrazioni sono state pubblicate su libri e biglietti di auguri, su copertine di CD e su varie riviste. Svolgo lavori commerciali dal 2005 e durante questo periodo ho acquisito clienti in tutto il mondo. La maggior parte dei miei ordini proviene da Stati Uniti, Regno Unito e Canada, ma lavoro anche con clienti in Irlanda. I miei dipinti sono stati esposti in gallerie negli Stati Uniti. Nel 2007, mi è stato chiesto di dipingere un ritratto di Britney Spears che è stato incluso in una galleria d'arte a Hollywood, in California. Questo evento è stato seguito da MTV e sono diventato famoso in tutto il mondo. Non mi fermerò qui e continuerò a lavorare. Ho nuove idee e progetti. Uno dei miei obiettivi per il futuro è pubblicare un libro da disegno educativo.

T.S. Abe

Sebbene non abbiamo trovato molte opere di Abe, le sue illustrazioni mostrano che questo è un maestro di alta classe. L'artista ha eccellenti capacità con la matita e descrive abilmente idee complesse usando i suoi metodi. I dipinti di Abe sono armoniosi ed equilibrati, complessi e allo stesso tempo di facile comprensione. È una delle artiste disegnatrici a matita più talentuose del nostro tempo.

Cesare Del Valle

L'artista nelle sue opere utilizza una speciale tecnica unica per disegnare con una matita. Le illustrazioni di Cesare non solo mostrano il suo talento, ma riflettono anche la sottile percezione dell'ambiente da parte dell'autore.

Henrik

Il lavoro di Henrik è presente nella Deviant Art Gallery. I suoi disegni sono un interessante esempio di matita. Il maestro usa miracolosamente i toni del bianco e nero per trasmettere immagini originali e idee insolite.