"Primavera", Botticelli

Questa eccezionale opera del grande Botticelli è stata scritta per Lorenzo di Pierfrancesco Medici, cugino di Lorenzo il Magnifico.

Gli storici dell'arte non sono d'accordo sulla datazione esatta dell'opera. Si crede che il dipinto sia stato dipinto tra il 1477 e il 1482.

È anche un po' difficile da interpretare numerosi simboli allegorici... Secondo l'interpretazione più comune, il dipinto raffigura il regno di Venere, cantato da antichi poeti e dal letterato più vicino alla corte medicea, Angelo Poliziano.

L'immagine si legge da destra a sinistra: il dio alato dei venti Zefiro, innamorato della ninfa Clori, la raggiunge per sposarla con la forza. Pentito di ciò che aveva fatto, la trasforma in Flora, la dea della natura e della primavera. Venere è raffigurata al centro, a simboleggiare l'umanità che regna sulle persone. Il gruppo a sinistra sono le tre grazie danzanti. La scena è chiusa da Mercurio, che disperde le nuvole con la sua bacchetta magica.

Così Venere, incarnazione umanità, separa l'amore carnale e il materialismo (gruppo a destra) dall'amore per i valori spirituali e morali (gruppo a sinistra). Sotto "umanità" si intendeva l'ideale di una persona umana - altamente morale, fiduciosa nelle proprie forze e capacità e in ascolto dei bisogni degli altri.

Durante il Rinascimento, questo antico concetto fu attentamente studiato dai filosofi umanisti della scuola neoplatonica alla corte dei Medici. Il neoplatonismo, una tendenza filosofica ed estetica, seguì le teorie del filosofo greco Platone. Le concezioni neoplatoniche della bellezza ideale e del sublime amore "platonico" hanno avuto un enorme impatto sulla cultura e sulla visione del mondo delle figure rinascimentali, incluso Botticelli.

Pertanto, l'opera riflette anche l'alto livello intellettuale della dinastia dei Medici e il loro amore per la cultura e l'arte.

Botticelli dipinse con sorprendente accuratezza le diverse varietà di fiori ed erbe che si potevano trovare nei dintorni di Firenze in primavera. L'uso magistrale dei colori, la raffinatezza delle figure legate dal movimento interiore, la poesia della composizione rendono quest'opera incantevole e unica.

Dedicato all'opera di Botticelli, potrete ammirare i suoi capolavori "Primavera" e "La nascita di Venere".

"Primavera" di Sandro Botticelli(1478, Galleria degli Uffizi, Firenze) - una delle opere più famose del Rinascimento italiano. Il dipinto fu commissionato dal duca Lorenzo Medici in occasione del matrimonio di suo nipote (secondo un'altra versione - compleanno). Tutti gli eroi raffigurati su di esso sono personaggi mitologici. Al centro c'è la dea Venere, alla sua sinistra le tre Grazie (Bellezza, Castità e Piacere) e il loro capo Mercurio. A destra è il dio del caldo vento primaverile Zefiro, che sorpassa la ninfa Clorida, e la dea dei fiori Flora. Che tipo di relazione hanno? Cosa li unisce? E perché Botticelli aveva bisogno di tutti questi eroi per raccontare la primavera - un simbolo di nuova vita, amore?

"Questa è la dialettica dell'amore, incarnata nel movimento"

Marina Khaikina, critico d'arte:“Il quadro è stato creato secondo leggi non drammatiche, ma musicali e ritmiche. E quindi è molto difficile dire cosa sta succedendo qui, costruire una trama. Ma proviamo. Sul lato destro dell'immagine, vediamo due eventi contemporaneamente: il rapimento della ninfa Clorida da parte di Zefiro e la sua successiva trasformazione nella dea Flora, che simboleggia la primavera. Tuttavia, la posizione centrale nella foto non è occupata da Flora, ma da un'altra eroina: Venere. Non è solo una dea dell'amore e della bellezza. I neoplatonici, di cui Botticelli conosceva bene le idee, dotarono Venere delle più alte virtù: intelligenza, nobiltà, grazia, e si identificarono con l'Umanità, che era sinonimo di cultura ed educazione. Il movimento di Venere è appena percettibile, ma è diretto dall'amore terreno, personificato da Flora, all'amore celeste, che, a quanto pare, è simboleggiato da Mercurio. La sua postura e il suo gesto indicano che è una guida alla Ragione che regna nelle sfere celesti. La sua mano accanto a un frutto appeso a un albero è un motivo tradizionalmente associato all'Albero della Conoscenza. È molto probabile che Botticelli Qui ha illustrato la dialettica neoplatonica dell'amore - il percorso dall'amore terreno all'amore divino. L'amore, in cui non c'è solo la gioia e la pienezza della vita, ma anche la tristezza della conoscenza e il marchio della sofferenza - non possiamo non vederlo sul volto di Venere. Nella pittura di Botticelli, questa dialettica dell'amore si incarna nel ritmo musicale, magico, del movimento, della danza, ora in via di estinzione, ora in accelerazione, ma infinita bellezza".

"Inno all'attrazione umana vivente"

Andrey Rossokhin, psicoanalista:“Ci sono solo due uomini nella foto, le loro immagini sono fondamentalmente diverse. Zephyr (è sulla destra) è un oscuro e terribile tentatore demoniaco. Mercurio (a sinistra) è narcisisticamente bello. Ma è Zephyr, vivo e mobile, che tocca la donna e la guarda (nessuno dei personaggi nella foto ha più un contatto visivo diretto). Ma Mercurio si allontanò da tutti e contempla il cielo. Secondo il mito, in questo momento disperde le nuvole. Sembra voler sbarazzarsi di ciò che spinge le nuvole - dal vento. Ma il Vento è proprio lo Zefiro che seduce Clorida. Mercurio cerca di liberare lo spazio dal movimento del vento e della vita, dall'attrazione sessuale di un uomo verso una donna.

Ci sono tre Grazie accanto a lui, ma non c'è nessun legame corporeo tra lui e le ragazze: la grazia del Piacere ha le spalle a Mercurio. Lo sguardo di Chastity è rivolto a Mercurio, ma non c'è nemmeno contatto tra loro. In una parola, in tutto questo gruppo non c'è nemmeno un accenno del risveglio della primavera, della sessualità. Ma è questo gruppo che Venere benedice. Lei è qui - non la dea dell'amore, ma il simbolo cristiano della Madre, la Madonna. Non c'è nulla di femminile-sessuale in lei, è la Dea dell'amore spirituale e quindi è solidale con il gruppo di sinistra, priva di sensualità.

Ed ecco quello che vediamo a destra: Zephyr prende Chlorida con la forza, e la ninfa si trasforma in una donna, Flora. E poi cosa succede? Flora non guarda più Zephyr (a differenza di Chlorida), non è interessata a un uomo, è interessata a fiori e bambini. Clorida era una ragazza mortale e la dea Flora ottenne l'immortalità divina. Si scopre che l'idea della foto è questa: puoi essere immortale e onnipotente solo rinunciando alla sessualità.

A livello razionale, il simbolismo dell'immagine ci incoraggia a sentire la grandezza e la divinità della maternità, la fiducia narcisistica di Mercurio, l'autosufficienza delle nostre Grazie interiori. Botticelli chiama a frenare i tuoi desideri "selvaggi", le attrazioni che sono associate a Zephyr, ad abbandonarli e ottenere così l'immortalità. Tuttavia, inconsciamente scrive il contrario, e l'atmosfera stessa dell'immagine ne parla. Viviamo insieme a Zephyr e Chlorida la loro appassionata storia d'amore, sentendo letteralmente con la nostra pelle che solo una tale attrazione sessuale può aprire il circolo vizioso delle Grazie e liberare il piacere dalla trappola narcisistica. Essere vivi, mortali, affettivi, vivere esperienze diverse (paura e piacere), anche a costo di rinunciare all'immortalità divina, è questo, a mio avviso, il principale significato nascosto del messaggio di Botticelli. Un inno non al Divino, razionale, simbolico e casto, ma a un'attrazione umana viva che supera il narcisismo e la paura della propria mortalità».

La storia di un capolavoro

"Primavera" di Sandro Botticelli

Ecco la primavera, e Venere sta arrivando, e Venere è alata
Il messaggero viene avanti, e Zephyr segue, davanti a loro
Flora-madre cammina e, spargendo fiori sulla strada,
Riempie tutto di vernici e un dolce profumo...
I venti, dea, corrono davanti a te; con il tuo approccio
Le nuvole stanno lasciando il cielo, la terra è una magnifica maestra
Stende un tappeto di fiori, sorridono le onde del mare,
E l'azzurro del firmamento risplende di una luce traboccante.

A Firenze, nella Galleria degli Uffizi, tra le tantecapolavori la pittura Rinascimento italiano contiene uno dei dipinti più famosi al mondo - "La Primavera" di Sandro Botticelli. Centinaia di articoli, molte migliaia di pagine, sono stati scritti su questa meravigliosa opera, creata 500 anni fa, nel 1478. La nostra conversazione di oggi riguarda lei.

immagini i dipinti sono ispirati daantiquariato poesia e hanno una connotazione mitologica. Tuttavia, questa non è solo un'allegoria poetica. Botticelli ha dato al suo lavoro un significato filosofico complesso. Per rivelare l'idea principale di "Primavera", passiamo al suo contenuto ecompositivo costruzione.

Il movimento nell'immagine è diretto da destra a sinistra. Dall'angolo in alto a destra, invade una figura verde-bluastra con un mantello fluente. Riconosciamo dalle guance e dalle ali gonfie: questo è il vento. I tronchi degli alberi si piegarono dal suo volo. Tenacemente afferrò la ninfa correndo verso sinistra. Girò verso di lui il viso spaventato e toccò la terza figura con le mani, come per chiedere protezione. Ma lei, come se non se ne accorgesse, cammina verso il bordo inferiore del quadro, guardando lo spettatore, e con il gesto del seminatore, prendendo una nuova manciata di semi, abbassa la mano destra nelle pieghe del suo vestito, traboccante di Rose. Questa ragazza con il viso magro di un'adolescente, con una ghirlanda sui capelli dorati, in un lungo abito ricamato di fiori, era spesso chiamata Primavera. In realtà, questa è la dea dei fiori e delle piante Flora.

L'artista aveva bisogno di tre figure per raccontare il mito di come il vento primaverile Zefiro, con il suo amore, trasformò una ninfa di nome Clori (che significa “verde” o “verde”) nella dea della fioritura. Su come fiorisce la natura in primavera. E come si mostra poeticamente la trasformazione! Insieme al respiro, i fiori volano dalle labbra aperte della ninfa, cadono da sotto la sua mano, le coprono l'orlo con un piccolo motivo. Sembra che i fiori che crescono nel prato brillino attraverso il tessuto. La terza figura da destra è la già trasformata Clori nel suo nuovo aspetto. Divenne una dea in una veste lussureggiante. E quanto sono meravigliosi i motivi ricamati del suo vestito (ad esempio, sul colletto) prendono vita e diventano veri fiori, ricordando al pubblico le cose reali di cui parla questa bellissima fiaba ... Tre figure giustesimboleggiare il primo mese di primavera, per il primo respiro di Zefiro era considerato il suo inizio.

La quarta da destra, leggermente arretrata, è Venere nel dipinto. Si mostra semplice, tranquilla e umile. Questa non è affatto una bellezza brillantetsa dea, abituata a comandare. Non avremmo immaginato che questa sia Venere, se Cupido con un arco e una freccia infuocata (Cupido è il figlio di Venere) non si librasse nell'aria sopra la sua testa. E se gli alberi che riempivano lo sfondo dell'immagine non si separassero attorno ad esso in uno spazio semicircolare, dimostrando che questo è il centro semantico dell'immagine. Piegando la testa da un lato, guarda nella nostra direzione pensierosa, un po' indagatrice. Con un movimento della mano destra, come ferma in aria, Venere benedice il gruppo delle Grazie. Un gesto premuroso, protettivo. Mantiene la nostra attenzione, facendoci vivere meglio un chiaroritmico si ferma al centro dell'immagine e poi manda il nostro sguardo a sinistra.

Venere e le sue compagne Grazie simboleggiano il secondo mese di primavera - aprile. L'antico poeta romano Ovidio scrisse nel poema "Fasti", e i poeti del XV secolo ripeterono dopo di lui che aprile prendeva il nome da Afrodite, questo è il nome greco di Venere.

Infine, l'ultimoil personaggio dipinti - Mercurio (figura estrema a sinistra). Un degno compagno di Grazie, poiché è la divinità della ragione e dell'eloquenza, l'inventore delle arti. Ma la cosa più importante è che nell'antico calendario romano il mese primaverile di maggio era dedicato a Mercurio. Prende il nome dalla madre di Mercurio - Maya. Questo mese era considerato la fine della primavera e l'inizio dell'estate. Forse è per questo che Mercurio, che nella foto funge da simbolo di maggio, ha voltato le spalle ad altre divinità primaverili.

Il mondo raffigurato nel dipinto di Botticelli è insolito e misterioso. I favolosi alberi sono già ricoperti di frutti maturi e il prato è ancora pieno di fiori primaverili. Ogni figura di "Primavera" ha il suoorizzonte ... Li guardiamo dall'alto, poi leggermente dal basso. Può sembrare che alcuni di loro si trovino sul fianco di una collina, ma in un altro momento il prato sotto i piedi sembra livellato. Nel frattempo, un vuoto tra gli alberi, che attraversa l'intera immagine in una striscia ondulata, sul lato destro mostra il cielo dove ci aspetteremmo di vedere la continuazione della superficie del prato. Sembra che Botticelli abbandoni deliberatamente le conquiste del Rinascimentoprospettive per creare un'atmosfera di eccitazione e pathos.

Il ritmo compositivo di "Spring" è frequente, soffocato. L'artista ha disposto una serie di figure in modo ondulatorio, spostandole da vicino, quindi aumentando l'intervallo, circondandole con uno sfondo scuro di verde e creando un secondo ritmo frazionariofiori e ornamenti ... I contorni e le pieghe sono dominati da fino adiagonali leggermente ripide che salgono a sinistra e quasi nessuna linea di contorno.

Nella maggior parte delle figure, lo sguardo ei gesti sono disgiunti, come se fossero mostrati in un momento in cui il movimento precedente continua ancora per inerzia e l'attenzione è rivolta a un nuovo oggetto. Così, per esempio, la Grazia di mezzo è ancora in movimento nella danza tonda delle sue amiche, ma già se ne dimentica, immersa nella contemplazione di Mercurio. Sembra che i movimenti ei gesti nella foto vengano dimenticati nello stesso momento da chi li compie, o da coloro ai quali sono rivolti. Momenti comele linee, rekleypentirsi tra di loro, ma non collegare, ma dissociarsi. Da qui l'atmosfera di profonda contemplazione, grazie alla quale entra in scena un tema più importante del tema di fondo.allegoria , - il tema della vita spirituale.

L'amicizia da nubile, la nascita dell'amore, la coltivazione sognante della vita (il tema dell'immagine di Flora), la tenera cura (il significato del gesto di Venere), la lenta ascesa del pensiero alle altezze vertiginose (il tema di Mercurio ) - tutto questo viene mostrato dall'artista con sincera chiarezza e purezza. Venere allontana da Zephyr il gesto di Graces e Merla curia e la modestia dei suoi vestiti possono essere intesi come una preferenza data allo spirituale in una persona.

"Primavera" di Botticelli è stato scritto per un giovane della più influente famiglia dei Medici a Firenze. Alcuni critici d'arte ritengono che il dipinto avrebbe dovuto rafforzare l'attaccamento dell'adolescente a quegli ideali morali che i suoi educatori gli hanno instillato. Venere nella "Primavera" di Botticelli molto probabilmente simboleggia non solo l'amore e la bellezza, ma "humanitas" - una degna appartenenza all'umanità, all'umanità. È utile qui ricordare che la parola "grazia" nella lingua italiana si riferisce non solo alla bellezza, ma anche alla gentilezza, alla misericordia.

La pittura di Botticelli è strettamente legata alla cultura dell'Italia del XV secolo. I movimenti dei suoi personaggi ricordano alcune delle danze dell'epoca. Per quanto riguarda il tema, la scelta dei personaggi, faceva eco alle processioni in costume che si svolgevano a Firenze ogni primavera, ed era quindi generalmente intesa in quell'epoca.

In conclusione, vorrei dire qualcosa su tali aspetti del contenuto di "Primavera" che erano chiari solo ai contemporanei più istruiti dell'artista. Botticelli ha mostrato due volte Flora-Chloris nella foto. Ma questa non è l'unica ripetizione nella foto. Nel XV secolo Grazia vide tre diverse manifestazioni di un'unica divinità: Venere; credeva che le Grazie fossero lei stessa! Gli scienziati discutono molto su nomi e differenzechiach Graziy a Botticelli; Si scopre che una delle Grazie nel XV secolo veniva spesso chiamata dagli italiani "Verdura" (verde, giovinezza). Non suona come la traduzione del nome Chloris? Alcuni poeti identificavano direttamente Venere con Flora. Quanto a Mercurio, lui, oltre a tutto, era considerato il dio del vento e in questa veste veniva chiamato... Zefiro! Quindi, nella composizione di otto figure, vengono mostrati solo due simboli poetici generalizzati: uno, che personifica il vento, lo spirito, la mente, l'altro: amore, natura, fioritura.

Uno e lo stesso spirito vola sulla terra, diventa la forza dell'amore, portando alla comprensione e alla creazione della fiorente bellezza del mondo - e si rivolge anche al cielo (notare il movimento di Mercurio, che disperde le nuvole con una verga e cercando tra loro un frutto magico). Il cerchio si chiude per ripetersi dall'inizio. La ragione appare nel dipinto "Primavera" in unione con l'amore, l'attrazione - l'inizio e la principale fonte di conoscenza secondo gli insegnamenti dei filosofi fiorentini, i contemporanei di Botticelli ...

A. BARANOV

Il dipinto Primavera di Sandro Botticelli è stato un regalo di nozze di Lorenzo Medici al cugino di secondo grado Lorenzo di Pierfrancesco Medici. Stava per sposare Semiramis, una ragazza della nobile famiglia degli Appiani. "Primavera" doveva appendere sopra il divano-comò intarsiato - lettuccio. Il quadro in realtà non riguarda solo la primavera e l'amore, è una sorta di illustrazione dell'istruzione compilata per Lorenzo di Pierfrancesco dal famoso filosofo fiorentino Marsilio Ficino. In esso, invita un giovane ostinato a fissare il suo sguardo su Humanitas ("umanità", "umanità") come virtù più alta.

Ficino considera la dea Venere l'incarnazione dell'umanità. “Dobbiamo fissare gli occhi su Venere”, scrive Ficino, “cioè l'Umanità. Questo ci ricorda che non possiamo possedere nulla di grande sulla terra senza possedere le stesse persone, dalla cui misericordia procedono tutte le cose terrene. Le persone non possono essere catturate con un'esca diversa dall'Umanità. Pertanto, stai attento e non trascurarla. " Il dipinto rimase a lungo nel palazzo mediceo a Firenze. Nel 1815 entra alla Galleria degli Uffizi. Per molto tempo non è stato esposto, e solo dal 1919, quando il critico d'arte Giovanni Tucci lo ha notato, diventa la perla della mostra principale.

1. Venere... La dea dell'amore sta al centro di un aranceto (l'arancio è simbolo di castità), in un arco di mirto e alloro, tenendo la mano destra in gesto di benedizione. Indossa un velo da donna sposata (allusione al tema del matrimonio). “Lei”, scrive Ficino, “è una ninfa della più amata, nata dal cielo e più delle altre amata da Dio Onnipotente. La sua anima e la sua mente sono Amore e Misericordia, i suoi occhi sono Dignità e Magnanimità, le sue mani sono Generosità e Magnificenza, le sue gambe sono Bontà e Modestia. Il tutto è Moderazione e Onestà, Piacevolezza e Grandezza. O meravigliosa bellezza! Che bello da vedere. Mio buon Lorenzo, una ninfa così nobile si è completamente arresa al tuo potere (il tema del matrimonio è ripreso. - NdA). Se la sposi e la chiami tua, renderà dolci i tuoi anni e tu stesso padre di figli eccellenti".
2. Tre grazie. Questi sono i compagni di Venere. Ficino li chiama Sentimento, Intelligenza e Volontà. “E poiché”, scrive, “[il sentire] non è un atto di pensiero, una delle grazie è dipinta con un volto rivolto verso di noi, come se andasse avanti e non volesse tornare indietro; gli altri due, poiché si riferiscono all'intelletto e alla volontà, che sono caratterizzati dalla funzione del pensare, sono ritratti con il volto rivolto all'indietro, come chi sta tornando”.
3. Mercurio. Il messaggero degli dei è raffigurato con sandali alati. Era figlio della ninfa Maya, da cui prende il nome in latino il mese di maggio, in cui avvennero le nozze di Lorenzo di Pierfrancesco. Con l'aiuto di un caduceo (una verga intrecciata con serpenti), disperde le nuvole in modo che nulla offuschi l'umore primaverile del giardino di Venere. Si ritiene che Botticelli abbia ritratto Lorenzo Medici, committente del dipinto, a immagine di Mercurio.
4. Zefiro e la ninfa Clorida. Questa è un'illustrazione di un estratto dal poema di Ovidio "Fasta" - il vento occidentale Zefiro insegue Clorida e si impossessa di lei: “Una primavera, ho catturato gli occhi di Zefiro; Partii, / Mi volò dietro: era più forte di me... / Eppure Zefiro giustificava la violenza, facendomi moglie, / E non mi lamento mai del mio matrimonio». Dopo il matrimonio, Clorida (un ricciolo di pervinca dalla sua bocca - un simbolo del vero amore) si trasformò nella dea della primavera e dei fiori, che Botticelli raffigura proprio lì, usando così la tecnica della simultaneità - la rappresentazione simultanea di eventi successivi.
5. Primavera. Le seguenti righe di “Fast” si riferiscono ad esso: “La primavera è il periodo migliore: / Ci sono tutti gli alberi in verde, tutta la terra è verde. / Un rigoglioso giardino fiorisce nei campi, la mia dote è data... / Mio marito ha adornato il mio giardino con un bel vestito floreale, / Così dicendomi: "Sii per sempre la dea dei fiori!" / Ma conta tutti i colori sui fiori sparsi ovunque, / non potrei mai: non ce n'è numero." Nel dipinto di Botticelli, la primavera è la diffusione delle rose, come era consuetudine nei ricchi matrimoni fiorentini. Il suo vestito è ricamato con fiordalisi rossi e blu - simboli di cordialità e buona natura. Puoi anche vedere le fragole in una ghirlanda intorno al collo della primavera - un simbolo di tenerezza, camomilla - un simbolo di lealtà e ranuncolo - un simbolo di ricchezza.
6. Cupido. Compagno della dea dell'amore. È bendato (l'amore è cieco) e punta una freccia infuocata su una delle grazie. Forse Botticelli si è ritratto nell'immagine di Cupido.
Foto: BRIDGEMAN / FOTODOM

Arte italiana del XV secolo. Rinascita.
Un capolavoro mondiale, il dipinto "Primavera" è stato creato dall'artista Sandro Botticelli alla fine degli anni '70 del XV secolo. La dimensione del quadro è 203 x 314 cm, legno, tempera. Quest'opera fu dipinta da Botticelli per la Villa Castello vicino a Firenze, di proprietà di Lorenzo di Pierfrancesco Medici. L'anno della sua esecuzione è solitamente considerato il 1478 - l'opera fu completata poco dopo l'acquisto della villa per il quindicenne Lorenzo. Questo parente del Magnifico riceveva allora un'istruzione completa e anche il capo dell'Accademia platonica, Ficino, prese parte amichevole alla sua educazione. Il dipinto, destinato alle stanze personali del futuro conoscitore del Rinascimento, è stato progettato per deliziare gli occhi e allo stesso tempo colpire l'anima di chi lo guarda.

Botticelli nel quadro raffigurava Zefiro che insegue la ninfa Clori, Flora nasce dalla loro unione; poi vediamo Venere, la danza delle Grazie e, infine, Mercurio che, guardando in alto, toglie il velo di nubi con un caduceo che impedisce la contemplazione. Qual è il contenuto dell'immagine? I ricercatori hanno offerto diverse interpretazioni. Il tema della composizione è la primavera accompagnata da antiche divinità. Il centro della costruzione è Venere - non l'incarnazione della passione vile, ma la nobile dea della fioritura e di tutta la buona volontà sulla terra; è un'immagine neoplatonica.

Ampliando questo contesto, gli scienziati hanno sostenuto che l'opera dell'artista fiorentino riflette l'idea della generazione della bellezza dalla luce dell'amore divino e della contemplazione di questa bellezza, che conduce dal terreno al sovramundano. La "Primavera" era anche associata all'oroscopo moralizzante redatto da Ficino per Lorenzo di Pierfrancesco: gli si raccomandava di scegliere il pianeta Venere-Humanitas (l'umanità) come guida all'auto-miglioramento, dotato di tutte le virtù morali e indicante la via alla sfere superiori. Nota che tutte queste sfaccettature del contenuto non si negano, ma piuttosto si completano a vicenda. Ma non esageriamo il significato della tela del contenuto, poiché l'artista ha dipinto l'immagine, trasformando tutto con la sua fantasia animata.

Venere, figura centrale della composizione, si erge all'ombra degli alberi in questo spazio incantato di un bosco primaverile. Il suo vestito realizzato con i migliori tessuti con fili d'oro di gioielli e un lussuoso mantello cremisi, che simboleggia l'amore, testimoniano che siamo di fronte alla dea dell'amore e della bellezza. Ma nel suo aspetto fragile compaiono anche altre caratteristiche. Il capo chino è coperto da una coperta antigas, nella quale Sandro Botticelli amava vestire le sue Madonne. Il volto di Venere con le sopracciglia alzate interrogative esprime tristezza e modestia, il significato del suo gesto non è chiaro: è un saluto, una timida protezione o una benevola accettazione? Il personaggio ricorda la Vergine Maria nella trama dell'"Annunciazione" (ad esempio nel quadro di Alesso Baldovinetti). Pagano e cristiano si intrecciano in un'immagine spiritualizzata. In altre figure della composizione si colgono anche associazioni con motivi religiosi. Così, le immagini di Zefiro e della ninfa Clori riecheggiano l'immagine medievale del diavolo, che non lascia entrare l'anima in Paradiso.

Grazie, compagne e ancelle di Venere, sono le virtù generate dalla Bellezza, i loro nomi sono Castità, Amore, Piacere. L'immagine di Botticelli della bella triade è l'incarnazione stessa della danza. Figure snelle con forme allungate e dolcemente curve si intrecciano in una sequenza ritmica di movimenti circolari. L'artista è estremamente inventivo nell'interpretazione delle acconciature, veicolando i capelli sia come elemento naturale che come materiale decorativo. I capelli di Grace sono raccolti in ciocche, ora finemente ricci, ora cadenti in un'onda, ora sparpagliate sulle spalle, come ruscelli dorati. La luce si piega e si gira delle figure, il dialogo degli sguardi, il grazioso collegamento delle mani e l'impostazione dei piedi: tutto questo trasmette il ritmo progressivo della danza.

Le relazioni dei suoi partecipanti riflettono la formula classica e allo stesso tempo la comprensione neoplatonica dell'eros: l'amore conduce la castità al piacere e tiene insieme le loro mani. Nell'immagine di Botticelli, l'idea dello splendore mitologico prende vita, ma le sue immagini sono dipinte con genuina purezza. Non è un caso che la danza delle Grazie sia paragonata al girotondo degli angeli in Paradiso nella composizione "Il Giudizio Universale" del Beato Angelico. Lo sguardo di Mercurio è rivolto sognante al cielo. Cerca di rompere la densità delle nuvole che interferiscono con la vista. Botticelli dà a Mercurio un tipo di figura giovanile esile, tipica del gusto della Firenze di quegli anni, come nel David del Verrocchio, ma i suoi contorni acquistano melodia e il suo volto - spiritualità.