Descrizione del dipinto dei pescatori di Aivazovsky in riva al mare. F

L'artista ha sempre detto che il mare è la sua vita. Aivazovsky aveva la capacità di trasmettere il respiro e il movimento del mare.

Fin da piccolo è stato molto appassionato del mare, quindi ha saputo creare un'immagine poetica e veritiera di un elemento sfrenato, per trasmettere una percezione romantica, a cui è sempre rimasto fedele.

Distinto da un pensiero straordinario pittoresco, Aivazovsky ha creato le sue magnifiche e sorprendenti combinazioni luminose dal suono decorativo. Affermò che se fosse vissuto per almeno altri trecento anni, avrebbe trovato sempre qualcosa di insolito e di nuovo nel mare, motivo per cui probabilmente le sue opere sono percepite come un canto di bellezza e una sinfonia di colori.

Attraverso gli occhi dell'artista, nei suoi dipinti puoi vedere persone che ammirano la maestosa e sorprendente bellezza della natura e parte integrante dell'universo nell'uomo. I romantici personaggi "fittizi" nei suoi dipinti sono autoritratti a modo loro.

Poiché Aivazovsky credeva che fosse impensabile dipingere dal vero uno scoppio di onde, raffiche di vento, fulmini, tutti i movimenti di elementi naturali che erano inafferrabili per il pennello, si limitò solo a schizzi sommari a matita.

Il gioco color smeraldo del surf del Mar Nero è sprofondato nella sua anima fin dall'infanzia, quando, da bambino, giocava sulla costa della sua nativa Feodosia. E tutti i suoi dipinti dei mari, successivamente si sono rivelati dipinti con schiuma di pizzo lilla e acqua verde trasparente, caratteristica della sua costa natale.

Poiché tutte le sue impressioni più vivide erano associate al mare, quindi, probabilmente dedicò tutto il suo lavoro alle sue immagini. Poteva con uguale potenza trasmettere la trasparenza delle profondità marine, la schiuma bianca come la neve delle onde del mare e lo splendore scintillante dei raggi del sole sull'acqua. Aivazovsky ha sempre iniziato a dipingere immagini del cielo, chiamandolo aria, come il suo insegnante M. Vorobyov. Ha scritto "Air" d'un fiato, letteralmente in una sessione di lavoro. Solo così riuscì a trasmettere con il suo sforzo titanico l'integrità e l'ariosità dei colori celesti. Il suo desiderio di completare l'opera il più rapidamente possibile era determinato dal suo motivo, di non perdere l'unità del suo stato d'animo e di trasmettere alle persone il momento fermo della vita mobile dell'elemento marino. Nei dipinti di Aivazovsky, l'acqua è un oceano infinito, infinito, aspro, ondeggiante, ma non tempestoso.

Aivazovsky ha detto che la trama dei suoi dipinti è composta nella sua memoria, come un poeta ha una poesia, e, facendo schizzi su carta, e poi iniziando a lavorare, non lascia la tela finché non esprime il suo pennello su di essa.

Pescatori sulla riva, 1852.
Tela, olio. 93,5 x 143,0.
Galleria Nazionale dell'Armenia, Yerevan

"Il mare è la mia vita", ha detto l'artista. Aveva la capacità di trasmettere il movimento e il respiro del mare.

Fin dall'infanzia, Aivazovsky ha amato il mare ed è riuscito a creare un'immagine vera e poetica degli elementi sconfinati, alla cui percezione romantica è sempre rimasto fedele.

Il maestro si distingueva per un insolito pensiero pittorico. Sulla tela, l'artista crea combinazioni luminose che stupiscono con il loro magnifico suono decorativo. Percepisci tali opere come una sinfonia di colori, come un canto alla bellezza. "Se avessi vissuto per altri trecento anni", ha detto l'artista, "avrei sempre trovato qualcosa di nuovo nel mare".

Spesso nei dipinti di Aivazovsky puoi vedere persone che ammirano la maestosa bellezza della natura. L'artista vede in una persona una parte integrante dell'universo. I suoi eroi romantici "fittizi" sono autoritratti a modo loro.

L'artista scopre il suo metodo di raffigurare a memoria, anche senza schizzi, limitandosi solo a schizzi sommari a matita. Giustificando questo metodo, l'artista ha affermato: "I movimenti degli elementi viventi sono inafferrabili per il pennello: dipingere un fulmine, una folata di vento, un'ondata di onde è impensabile dalla natura".

Da bambino, ha giocato sulla riva della sua nativa Feodosia, e fin dall'infanzia, il gioco color smeraldo del surf del Mar Nero è sprofondato nella sua anima. Successivamente, non importa quanti mari dipinse, tutto ciò che ottenne era acqua verde limpida con merletti lilla di schiuma, caratteristica del suo nativo Ponto eucsiano. Le impressioni più vivide erano associate al mare; probabilmente è per questo che ha dedicato tutto il suo lavoro all'immagine del mare. Con uguale potenza, poteva trasmettere la brillantezza dei raggi del sole scintillanti sull'acqua, la trasparenza della profondità del mare e la spuma bianca come la neve delle onde.

Le opere di Aivazovsky si sono distinte tra le opere dei pittori contemporanei per le loro qualità coloristiche. Nel 1840, durante una mostra a Berlino, un recensore di un giornale locale spiegò l'aumento del suono del colore nelle opere dell'artista russo dal fatto che era sordo e muto e questa carenza era compensata da una visione accresciuta.

Il critico rigoroso I. N. Kramskoy scrisse a P. M. Tretyakov: "Aivazovsky probabilmente possiede il segreto per disegnare le vernici, e anche le vernici stesse sono segrete; non ho visto toni così luminosi e puliti nemmeno sugli scaffali dei negozi della moschea".

Aivazovsky è stato influenzato dai pittori marini olandesi del 17 ° secolo, è arrivato alla tecnica della pittura "acquerello", quando il colore è sovrapposto alla tela in sottili strati sovrapposti. Ciò ha permesso di trasferire le gradazioni tonali di colore più insignificanti.

Aivazovsky iniziò a dipingere un quadro, raffigurante il cielo, o come lo chiamava dal suo insegnante all'Accademia delle Arti M.N. Vorobyov - aria. Qualunque sia la dimensione della tela, Aivazovsky ha scritto "aria" in una sessione, anche se si è protratta fino a 12 ore di fila. È stato con uno sforzo così titanico che è stato raggiunto il trasferimento dell'ariosità e dell'integrità dei colori del cielo. Il desiderio di completare il quadro il più rapidamente possibile è stato dettato dal desiderio di non perdere l'unità dell'umore del motivo, di trasmettere allo spettatore un momento congelato nella vita di un elemento marino mobile. L'acqua nei suoi dipinti è un oceano infinito, non tempestoso, ma ondeggiante, aspro, infinito. E il cielo, se possibile, è ancora più infinito.

"La trama del quadro", ha detto l'artista, "è composta nella mia memoria, come la trama di una poesia di un poeta; dopo aver fatto uno schizzo su un pezzo di carta, mi metto al lavoro e fino ad allora non parto la tela finché non mi esprimo su di essa con il mio pennello."

Parlando dei suoi dipinti, Aivazovsky ha osservato: "Quei dipinti in cui la forza principale è la luce del sole ... dovrebbero essere considerati i migliori".

Il nostro lavoro

04.03.2015

Aivazovsky Ivan Konstantinovich "Pescatori in riva al mare"

Per Ilya della città di San Pietroburgo, gli artisti della "Galleria n. 30" hanno realizzato una copia del dipinto del famoso artista russo Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Pescatori in riva al mare". Il quadro è eseguito con la tecnica dell'olio su tela.

Ivan Konstantinovich Aivazovsky Sea ha scritto molto, non per niente è chiamato il miglior pittore marino dell'intera storia della pittura. Quando Ivan Konstantinovich iniziò a dipingere un'immagine del mare, dicono, di solito iniziava con una descrizione del cielo, non del mare. Cielo, aria - così l'artista ha dato il tono, l'umore, l'idea della tela futura, la sua unità e il suo carattere. Inoltre, iniziò comunque dal cielo, non importa quanto grande fosse il lavoro futuro.

Un'altra caratteristica del pittore marino è dipingere ciascuna delle sue parti in una sessione. E a volte una sessione di pittura durava 10 o 12 ore di fila. Non ha deviato dall'idea, non ha fermato il corso dei suoi pensieri durante la sessione. In questo modo, ottenendo la creazione di un unico concetto, unità di umore. Dopotutto, ognuno dei suoi dipinti sembra fermare il tempo per un momento. E in questo taglio del momento o della premura, come sulla tela "Pescatori in riva al mare", o della paura, come nel dipinto "La nona onda". Un solo momento, e come diventa vivo e intero su ogni tela del grande pittore marino. Tranquillo o ribollente, ma sempre respirando mare, mobile e vivo.

E se il mare nei suoi quadri è infinito, allora il cielo è ancora più infinito. Così profondo, così sensuale che a volte racconta tutta la storia di ciò che accade nei suoi dipinti.

Il cantante del mare, i suoi compagni lo chiamavano per la macchia. Fu per le sue tele del mare nel 1844 che l'Accademia delle arti di San Pietroburgo conferì a Ivan Konstantinovich Aivazovsky il titolo di accademico. Inoltre l'artista fu iscritto al Comando Generale Navale con il titolo di primo pittore. E aveva il diritto di indossare un'uniforme navale.

Grazie agli straordinari colori delle tele dell'artista, i suoi dipinti possono decorare perfettamente qualsiasi interno. Pertanto, sempre più spesso copie di dipinti di Ivan Konstantinovich Aivazovsky vengono ordinate dai nostri clienti nella "Galleria n. 30".

Tela, olio. 93,5 x 143,0. Galleria Nazionale dell'Armenia, Yerevan

"Il mare è la mia vita", ha detto l'artista. Aveva la capacità di trasmettere il movimento e il respiro del mare.

Fin dall'infanzia, Aivazovsky ha amato il mare ed è riuscito a creare un'immagine vera e poetica degli elementi sconfinati, alla cui percezione romantica è sempre rimasto fedele.

Il maestro si distingueva per un insolito pensiero pittorico. Sulla tela, l'artista crea combinazioni luminose che stupiscono con il loro magnifico suono decorativo. Percepisci tali opere come una sinfonia di colori, come un canto alla bellezza. "Se avessi vissuto per altri trecento anni", ha detto l'artista, "avrei sempre trovato qualcosa di nuovo nel mare".

Spesso nei dipinti di Aivazovsky puoi vedere persone che ammirano la maestosa bellezza della natura. L'artista vede in una persona una parte integrante dell'universo. I suoi eroi romantici "fittizi" sono autoritratti a modo loro.

L'artista scopre il suo metodo di raffigurare a memoria, anche senza schizzi, limitandosi solo a schizzi sommari a matita. Giustificando questo metodo, l'artista ha affermato: "I movimenti degli elementi viventi sono inafferrabili per il pennello: dipingere un fulmine, una folata di vento, un'ondata di onde è impensabile dalla natura".

Il gioco color smeraldo delle onde del Mar Nero è sprofondato. Successivamente, non importa quanti mari dipinse, tutto ciò che ottenne era acqua verde limpida con merletti lilla di schiuma, caratteristica del suo nativo Ponto eucsiano. Le impressioni più vivide erano associate al mare; probabilmente è per questo che ha dedicato tutto il suo lavoro all'immagine del mare. Con uguale potenza, poteva trasmettere la brillantezza dei raggi del sole scintillanti sull'acqua, la trasparenza della profondità del mare e la spuma bianca come la neve delle onde.

Le opere di Aivazovsky si sono distinte tra le opere dei pittori contemporanei per le loro qualità coloristiche. Nel 1840, durante una mostra a Berlino, un recensore di un giornale locale spiegò l'aumento del suono del colore nelle opere dell'artista russo dal fatto che era sordo e muto e questa carenza era compensata da una visione accresciuta.

Il critico rigoroso I. N. Kramskoy scrisse a P. M. Tretyakov: "Aivazovsky probabilmente possiede il segreto per disegnare le vernici, e anche le vernici stesse sono segrete; non ho visto toni così luminosi e puliti nemmeno sugli scaffali dei negozi della moschea".

Aivazovsky è stato influenzato dai pittori marini olandesi del 17 ° secolo, è arrivato alla tecnica della pittura "acquerello", quando il colore è sovrapposto alla tela in sottili strati sovrapposti. Ciò ha permesso di trasferire le gradazioni tonali di colore più insignificanti.

Aivazovsky iniziò a dipingere un quadro, raffigurante il cielo, o come lo chiamava dal suo insegnante all'Accademia delle Arti M.N. Vorobyov - aria. Qualunque sia la dimensione della tela, Aivazovsky ha scritto "aria" in una sessione, anche se si è protratta fino a 12 ore di fila. È stato con uno sforzo così titanico che è stato raggiunto il trasferimento dell'ariosità e dell'integrità dei colori del cielo. Il desiderio di completare il quadro il più rapidamente possibile è stato dettato dal desiderio di non perdere l'unità dell'umore del motivo, di trasmettere allo spettatore un momento congelato nella vita di un elemento marino mobile. L'acqua nei suoi dipinti è un oceano infinito, non tempestoso, ma ondeggiante, aspro, infinito. E il cielo, se possibile, è ancora più infinito.

"La trama del quadro", ha detto l'artista, "è composta nella mia memoria, come la trama di una poesia di un poeta; dopo aver fatto uno schizzo su un pezzo di carta, mi metto al lavoro e fino ad allora non parto la tela finché non mi esprimo su di essa con il mio pennello."

Parlando dei suoi dipinti, Aivazovsky ha osservato: "Quei dipinti in cui la forza principale è la luce del sole ... dovrebbero essere considerati i migliori".

e. Cascate del Niagara

Nel 1892 I.K. Aivazovsky si recò in Nord America, dove si tenne una mostra delle sue opere con grande successo.

L'immagine, dipinta poco dopo il ritorno dall'estero, piace per la freschezza del colore, trasmette perfettamente la sensazione dell'aria umida. Nonostante il cielo coperto di nuvole grigie, il paesaggio è permeato dalla luce dei raggi del sole, che hanno trasformato l'acqua e la costa. Una notevole decorazione della tela è un arcobaleno, che Aivazovsky, a giudicare dai disegni nel suo album di viaggio americano, ha davvero osservato sopra la cascata. La superficie opaca della tela, lo stile di pittura leggera sono comuni per le opere dell'artista di quegli anni.

Genere: paesaggio fluviale

Epoca: Pittura del XIX secolo

Anno di creazione dell'originale: 1893

Dimensioni dell'originale, cm: 126x164

F. Pescatori in riva al mare

Aivazovsky iniziò a dipingere un quadro, raffigurante il cielo, o come lo chiamava dal suo insegnante all'Accademia delle Arti M.N. Vorobyov - aria. Qualunque sia la dimensione della tela, Aivazovsky ha scritto "aria" in una sessione, anche se si è protratta fino a 12 ore di fila. È stato con uno sforzo così titanico che è stato raggiunto il trasferimento dell'ariosità e dell'integrità dei colori del cielo. Il desiderio di completare il quadro il più rapidamente possibile è stato dettato dal desiderio di non perdere l'unità dell'umore del motivo, di trasmettere allo spettatore un momento congelato nella vita di un elemento marino mobile. L'acqua nei suoi dipinti è un oceano infinito, non tempestoso, ma ondeggiante, aspro, infinito. E il cielo, se possibile, è ancora più infinito. La trama del quadro, - disse l'artista, - è composta nella mia memoria, come la trama di una poesia in un poeta; fatto uno schizzo su un pezzo di carta, mi metto al lavoro e fino ad allora non mi allontano dalla tela, finché non mi esprimo su di essa con il mio pennello”. Parlando dei suoi dipinti, Aivazovsky ha detto: "Quei dipinti in cui la forza principale è la luce del sole ... dovrebbero essere considerati i migliori".

Tecnica dell'originale: tela, olio

Genere: Navi

Epoca: Pittura del XIX secolo

Anno di creazione dell'originale: 1852

Dimensioni dell'originale, cm: 93,5х143

h. mare calmo

Il mare... La sua distanza illimitata e le albe radiose, la stregoneria delle notti di luna e la furia delle tempeste non sono mai stati descritti in modo così poetico e stimolante come IK Aivazovsky. L'artista amava molto il mare, ad esso collegava il suo lavoro. Nelle sue opere ha creato l'immagine di un elemento marino libero e poetico. Dipinse il mare di Aivazovsky in diversi momenti della giornata e con condizioni meteorologiche diverse, dipingendolo come rabbioso e calmo. Conosceva perfettamente il mare ei segreti dei suoi movimenti. L'artista ha viaggiato ogni anno nei mari, ha studiato gli effetti della luce e la natura del mare.

Tecnica dell'originale: tela, olio

Genere: Seascape

Epoca: Pittura del XIX secolo

Anno di produzione originale: 1863

Dimensioni dell'originale, cm: 45x58,5

e. Battaglia di Chesme

Questa battaglia ebbe luogo durante la guerra russo-turca del 1768-1774. La notte del 26 giugno 1770, la flotta russa entrò nella baia di Chesme, dove era di stanza la flotta turca. Lo squadrone russo era composto da 7 navi e quattro navi da fuoco. Dopo un duello di artiglieria tra gli squadroni, le navi dei pompieri attaccarono. ... Il distaccamento russo non ha perso una sola nave. Il nemico ha bruciato 15 navi di linea, 6 fregate e oltre 30 navi di altre classi, ha catturato 1 nave di linea e 5 galee. In un rapporto sui risultati della battaglia, l'ammiraglio G.A. Spiridov scrisse: "La flotta fu attaccata, sconfitta, rotta, bruciata, ammessa in cielo, affondata e ridotta in cenere". Queste parole del rapporto ufficiale ci trasmettono l'orgoglio dei marinai che hanno vinto in una battaglia impari. Il dramma e la tensione della battaglia notturna di Chesme A. si esprime nel dipinto del 1848 confrontando due elementi opposti: l'acqua e il fuoco. Le navi nemiche ardono con enormi falò e le fiamme, lacerando l'oscurità della notte mediterranea, si riflettono nell'acqua scura della baia. Le navi russe si stagliano in chiare sagome sullo sfondo delle fiamme. In primo piano, una scialuppa di salvataggio con l'equipaggio della nave da fuoco del tenente Ilyin (che si distinse soprattutto in battaglia) è vista tornare allo squadrone.

Tecnica dell'originale: tela, olio

Genere: genere di battaglia

Epoca: Pittura del XIX secolo

Anno di creazione originale: 1848

Tecnica dell'originale: tela, olio

Genere: genere di battaglia

Epoca: Pittura del XIX secolo

Anno di creazione originale: 1848

Dimensioni dell'originale, cm: 193x183