L'opera è una formazione di genere. Opera comica Caratteristiche del genere operistico

20.06.2020

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Caratteristiche di Eugene Onegin Descrizione dei personaggi Eugene Onegin

Obbiettivo:

il concetto di specificità del genere.
essenza dell'opera
diverse incarnazioni di varie forme di musica

Compiti:

Educativo:
consolidare il concetto di genere: opera.
Sviluppando:
la cosa principale nell'opera sono i personaggi umani, i sentimenti e le passioni, le collisioni e i conflitti che possono essere rivelati dalla musica.
Sviluppare la capacità di riflettere sulla musica e sulle opere di compositori di epoche diverse.
Educativo: risvegliare l'interesse degli studenti per il genere - opera, il desiderio di ascoltarlo non solo in classe, ma anche fuori.

Durante le lezioni

1. La musica suona. J.B. Pergolesi “Stabat Mater dolorosa”

Riso. 1

Tra innumerevoli miracoli
Ciò che ci viene dato dalla natura stessa,
Ce n'è uno, incomparabile con qualsiasi cosa,
Immutabile attraverso tutti gli anni, -

Dà la tremante delizia dell'amore
E riscalda l'anima sotto la pioggia e il freddo,
Restituire a noi giorni dolci
Quando ogni respiro era pieno di speranza.

Davanti a lui sono sia il mendicante che il re -
Il destino del cantante è arrendersi, esaurirsi.
È stato mandato da Dio per fare il bene -
La morte non ha potere sulla bellezza!
Ilya Korop

“Il XVIII secolo è stato un secolo di bellezza, il XIX secolo è stato un secolo di sentimenti e la fine del XX secolo è stato un secolo di pura spinta. E lo spettatore viene a teatro non per un concetto, non per delle idee, ma per essere nutrito di energia, ha bisogno di uno shock. Pertanto, c'è una tale richiesta di cultura pop: c'è più energia che nella cultura accademica. Cecilia Bartoli mi ha detto che canta l'opera come la musica rock - e ho capito l'enigma della fantastica energia di questa grande cantante. L'opera è sempre stata una forma d'arte popolare, in Italia si è sviluppata quasi come uno sport - una competizione di cantanti. E deve essere popolare". Valery Kichin

Nella letteratura, nella musica e in altre arti durante la loro esistenza, si sono sviluppati vari tipi di opere. In letteratura questo è, per esempio, un romanzo, un racconto, un racconto; in poesia: una poesia, un sonetto, una ballata; nelle arti visive - paesaggio, ritratto, natura morta; nella musica - opera, sinfonia ... Il genere di opere all'interno di un'arte è chiamato genere di parola francese (genere).

5. Cantanti. Durante il XVIII secolo. il culto del cantante virtuoso si sviluppò, prima a Napoli, poi in tutta Europa. A quel tempo, la parte del personaggio principale nell'opera era eseguita da un soprano maschile - castrato, cioè un timbro il cui cambiamento naturale era stato interrotto dalla castrazione. I cantanti castrati spingevano la gamma e la mobilità delle loro voci ai limiti del possibile. Tali opere recitano come il castrato Farinelli (K. Broski, 1705-1782), il cui soprano, secondo i suoi racconti, ha superato in forza il suono della tromba, o il mezzosoprano F. Bordoni, di cui si diceva che potesse tirare il suono più a lungo di qualsiasi altro cantante al mondo, completamente subordinato alla loro abilità quei compositori di cui hanno eseguito la musica. Alcuni di loro componevano essi stessi opere e diressero compagnie d'opera (Farinelli). Si dava per scontato che i cantanti decorassero le melodie composte dal compositore con i propri ornamenti improvvisati, indipendentemente dal fatto che tali decorazioni si adattassero o meno alla situazione della trama dell'opera. Il possessore di qualsiasi tipo di voce deve essere addestrato a eseguire passaggi veloci e trilli. Nelle opere di Rossini, ad esempio, il tenore deve padroneggiare la tecnica della coloratura non peggio del soprano. Revival di questo tipo di arte nel XX secolo. permesso di dare nuova vita alla variegata creatività operistica di Rossini.

Secondo la gamma di voci, i cantanti d'opera sono generalmente divisi in sei tipi. Tre tipi di voci femminili, dall'acuto al grave: soprano, mezzosoprano, contralto (quest'ultimo è raro oggigiorno); tre maschi - tenore, baritono, basso. All'interno di ogni tipo possono esserci diverse sottospecie, a seconda della qualità della voce e dello stile di canto. Il soprano lirico-coloratura si distingue per una voce leggera ed eccezionalmente mobile, tali cantanti sono in grado di eseguire passaggi virtuosistici, scale veloci, trilli e altre decorazioni. Soprano lirico-drammatico (lirico spinto) - una voce di grande luminosità e bellezza.

Il timbro del soprano drammatico è ricco, forte. La distinzione tra voce lirica e voce drammatica vale anche per i tenori. Il basso ha due tipologie principali: “singing bass” (basso cantante) per parti “serie” e comico (basso buffo).

Assegnazione agli studenti. Determina quale tipo di voce sta eseguendo:

Father Frost parte - basso
Parte primaverile - mezzosoprano
Snegurochka parte - soprano
Lelya part - mezzosoprano o contralto
La parte di Mizgir - baritono

Il coro nell'opera è interpretato in modi diversi. Può essere uno sfondo non correlato alla trama principale; a volte una sorta di commentatore di ciò che sta accadendo; il suo potenziale artistico gli consente di mostrare immagini monumentali della vita popolare, per rivelare la relazione tra l'eroe e le masse (ad esempio, il ruolo del coro nei drammi musicali popolari di M. P. Mussorgsky "Boris Godunov" e "Khovanshchina").

Ascoltiamo:

Prologo. La prima foto. M.P. Mussorgsky "Boris Godunov"
Scena due. M.P. Mussorgsky "Boris Godunov"

Assegnazione agli studenti. Determina chi è l'eroe e chi è la massa.

L'eroe qui è Boris Godunov. Le masse sono le persone. L'idea di scrivere un'opera basata sulla tragedia storica di Pushkin "Boris Godunov" (1825) fu suggerita a Mussorgsky dal suo amico, un eminente storico, il professor V. V. Nikolsky. Mussorgsky era estremamente affascinato dall'opportunità di tradurre il tema del rapporto tra lo zar e il popolo, di grande attualità per il suo tempo, per far emergere il popolo come il protagonista principale dell'opera. "Capisco la gente come una grande persona, animata da un'unica idea - ha scritto -. Questo è il mio compito. Ho cercato di risolverlo nell'opera".

6. Orchestra. Nel dramma musicale dell'opera, un ruolo importante è assegnato all'orchestra; i mezzi espressivi sinfonici servono per una divulgazione più completa delle immagini. L'opera comprende anche episodi orchestrali indipendenti - ouverture, intermezzo (introduzione ai singoli atti). Un altro componente di uno spettacolo d'opera è il balletto, scene coreografiche in cui le immagini plastiche sono combinate con quelle musicali. Se i cantanti sono i protagonisti della rappresentazione dell'opera, allora la parte orchestrale costituisce la cornice, il fondamento dell'azione, la fa avanzare e prepara gli ascoltatori per gli eventi imminenti. L'orchestra sostiene i cantanti, sottolinea il climax, colma con il suo suono le lacune del libretto oi momenti del cambio di scena, e infine si esibisce a conclusione dell'opera quando cala il sipario. Ascolta l'ouverture di Rossini alla commedia Il barbiere di Siviglia . La forma dell'ouverture operistica "autonoma" era caduta in decadenza, e quando apparve Tosca L'ouverture di Puccini (1900) potrebbe essere sostituita con pochi accordi di apertura. In una serie di opere del 20 ° secolo. non ci sono affatto preparativi musicali per l'azione scenica. Ma poiché l'essenza dell'opera è il canto, i momenti più alti del dramma si riflettono nelle forme complete dell'aria, del duetto e di altre forme convenzionali, dove la musica viene in primo piano. L'aria è come un monologo, il duetto è come un dialogo, il trio di solito incarna i sentimenti contrastanti di uno dei personaggi in relazione agli altri due partecipanti. Con ulteriore complicazione, compaiono diverse forme di insieme.

Ascoltiamo:

Aria di Gilda “Rigoletto” di Verdi. Azione 1. Rimasta sola, la ragazza ripete il nome del misterioso ammiratore ("Caro nome che il mio cor"; "Il cuore è pieno di gioia").
Duetto di Gilda e Rigoletto “Rigoletto” Verdi. Azione 1. ("Pari siamo! Io la lingua, egli ha il pugnale"; "Siamo uguali a lui: io possiedo la parola, e lui pugnale").
Quartetto nel Rigoletto di Verdi. Azione 3. (Quartetto "Bella figlia dell"amore";"O giovane bellezza").
Sestetto in "Lucia di Lammermoor" di Donizetti

L'introduzione di tali forme di solito interrompe l'azione per fare spazio allo sviluppo di una (o più) emozioni. Solo un gruppo di cantanti uniti in un ensemble può esprimere più punti di vista contemporaneamente sugli eventi che si svolgono. A volte il coro funge da commentatore delle azioni degli eroi dell'opera. Fondamentalmente, il testo nei cori d'opera è pronunciato in modo relativamente lento, le frasi vengono spesso ripetute per rendere comprensibile il contenuto all'ascoltatore.

Non tutte le opere possono tracciare una linea netta tra recitativo e aria. Wagner, ad esempio, abbandonò le forme vocali complete per sviluppare continuamente l'azione musicale. Questa innovazione è stata ripresa, con varie modifiche, da numerosi compositori. Sul suolo russo, l'idea di un "dramma musicale" continuo è stata, indipendentemente da Wagner, testata per la prima volta da AS Dargomyzhsky in "The Stone Guest" e MP Mussorgsky in "The Marriage" - hanno chiamato questa forma "opera parlata, “dialogo d'opera.

7. Teatri d'opera.

l'Opera parigina (in Russia il nome Grand Opera era fisso) era destinata a uno spettacolo vivido (fig. 2).
Il Festspielhaus nella città bavarese di Bayreuth è stato fondato da Wagner nel 1876 per mettere in scena i suoi epici drammi musicali.
il Metropolitan Opera di New York (1883) fu concepito come una vetrina per i migliori cantanti del mondo e per rispettabili abbonati al box.
Olimpico (1583), costruito da A. Palladio a Vicenza. La sua architettura - riflesso del microcosmo della società barocca - si basa su una caratteristica pianta a ferro di cavallo, dove le file di palchi si aprono a ventaglio dal centro - il palco reale.
Teatro alla Scala (1788, Milano)
"San Carlo" (1737, Napoli)
Covent Garden (1858, Londra)
Brooklyn Academy of Music (1908) America
teatro dell'opera di San Francisco (1932)
teatro dell'opera di Chicago (1920)
il nuovo edificio della Metropolitan Opera al Lincoln Center di New York (1966)
Teatro dell'Opera di Sydney (1973, Australia).

Riso. 2

Così, l'opera ha dominato il mondo intero.

Durante l'era Monteverdi, l'opera conquistò rapidamente le principali città d'Italia.

Opera romantica in Italia

L'influenza italiana raggiunse anche l'Inghilterra.

Come la prima opera italiana, l'opera francese della metà del XVI secolo. procedeva dal desiderio di far rivivere l'antica estetica teatrale greca.

Se in Francia lo spettacolo era in prima linea, nel resto d'Europa - l'aria. Napoli divenne in questa fase il centro dell'attività operistica.

Un altro tipo di opera ha origine da Napoli - opera - buffa, che nacque come reazione naturale all'opera - seria. La passione per questo tipo di opera ha rapidamente travolto le città d'Europa: Vienna, Parigi, Londra. Opera romantica in Francia.

L'opera ballata ha influenzato la formazione dell'opera buffa tedesca - il singspiel. Opera romantica in Germania.

Opera russa dell'era del romanticismo.

“Opera ceca” è un termine convenzionale, che significa due direzioni artistiche contrastanti: filo-russo in Slovacchia e filo-tedesco nella Repubblica Ceca.

Compiti a casa per gli studenti. Ad ogni studente è dato il compito di conoscere l'opera del compositore (per scelta), dove l'opera fiorì. Ossia: J. Peri, C. Monteverdi, F. Cavalli, G. Percell, J. B. Lully, J. F. Ramo, A. Scarlatti, G. F. Handel, G. B. Pergolesi, J. Paisiello, KV Gluck, WA Mozart, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi, R. Leoncavallo, G. Puccini, R. Wagner, KM Weber, L. Van Beethoven, R. Strauss, J. Meyerbeer, G. Berlioz, J. Bizet, C. Gounod, J. Offenbach, C. Saint-Saens, L. Delibes, J. Massenet, C. Debussy, MP Mussorgsky, MP Glinka, NA Rimsky-Korsakov, AP Borodin, PITchaikovsky, SS Prokofiev, DD Shostakovich, Antonin Dvorak, Bedrich Smetana , Leos Janacek, B. Britten , Karl Orff, F. Poulenc, I.F. Stravinsky

8. Famosi cantanti lirici.

Gobby, Tito, Domingo, Placido
Callas, Maria (Fig. 3) .
Caruso, Enrico, Corelli, Franco
Pavarotti, Luciano, Patti, Adeline
Scotto, Renata, Tebaldi, Renata
Chaliapin, Fedor Ivanovich, Schwarzkopf, Elizabeth

Riso. 3

9. Domanda e modernità dell'opera.

L'opera è un genere abbastanza conservatore per sua stessa natura. Ciò è dovuto al fatto che esiste una tradizione secolare dovuta alle capacità tecniche delle prestazioni. Questo genere deve la sua longevità al grande effetto che ha sull'ascoltatore attraverso la sintesi di più arti capaci di impressionare da sole. D'altra parte, l'opera è un genere estremamente dispendioso in termini di risorse, non a caso la stessa parola “opera”, tradotta dal latino, significa “opera”: tra tutti i generi musicali, è quella che ha la durata più lunga, richiede elevate -qualità scenografica per la messa in scena, la massima abilità dei cantanti per l'esecuzione e una complessità della composizione di alto livello. L'opera è dunque il limite al quale l'arte tende per fare la massima impressione sul pubblico utilizzando tutte le risorse disponibili. Tuttavia, a causa del conservatorismo del genere, questo insieme di risorse non si presta bene all'espansione: non si può dire che la composizione dell'orchestra sinfonica non sia cambiata affatto negli ultimi decenni, ma l'intera base è rimasta la stesso. Anche la tecnica vocale è poco cambiata a causa della necessità di grande potenza quando si esegue un'opera sul palco. La musica è limitata nel suo movimento da queste risorse.

La rappresentazione scenica in questo senso è più dinamica: si può mettere in scena un'opera classica in stile avanguardistico senza cambiare una sola nota della partitura. L'opera è generalmente considerata musica, e quindi una scenografia originale non può rovinare un capolavoro. Tuttavia, questo di solito non funziona in questo modo. L'opera è un'arte sintetica e la scenografia è importante. Una produzione che non corrisponde allo spirito della musica e la trama è percepita come un'inclusione estranea all'opera. Così, l'opera classica spesso non soddisfa le esigenze dei registi che vogliono esprimere gli stati d'animo moderni sul palcoscenico del teatro musicale, ed è necessario qualcosa di nuovo.

La prima soluzione a questo problema è un musical.

La seconda opzione è l'opera contemporanea.

Ci sono tre gradi di abilità artistica nei contenuti musicali.

Divertimento . Questa opzione non è interessante, poiché per la sua implementazione è sufficiente utilizzare regole già pronte, soprattutto perché non soddisfa i requisiti per l'opera moderna.
Interesse. In questo caso, l'opera fa piacere all'ascoltatore grazie all'ingegno del compositore, che ha trovato un modo originale e più efficace per risolvere un problema artistico.
Profondità. La musica può esprimere sentimenti elevati che danno all'ascoltatore un'armonia interiore. Qui siamo di fronte al fatto che l'opera moderna non deve nuocere allo stato mentale. Questo è molto importante, perché, nonostante il suo alto merito artistico, la musica può contenere caratteristiche che sottomettono impercettibilmente la volontà dell'ascoltatore. Pertanto, è ampiamente noto che Sibelius promuove la depressione e le tendenze suicide e Wagner - l'aggressività interna.

Il significato dell'opera moderna risiede proprio nella combinazione di tecnologia moderna e suono fresco con l'alto valore artistico caratteristico dell'opera in generale. Questo è uno dei modi per conciliare il desiderio di esprimere atmosfere moderne nell'arte con la necessità di mantenere la purezza dei classici.

Voci ideali, basate su radici culturali, rifrangono nella loro individualità la scuola di canto popolare e possono servire come base per il suono unico delle opere moderne scritte per interpreti specifici.

Puoi scrivere un capolavoro che non si adatta a nessuna teoria, ma suona alla grande. Ma per questo deve ancora soddisfare i requisiti della percezione. Le regole delineate, come tutte le altre, possono essere infrante.

Compiti a casa per gli studenti. Padroneggiare le caratteristiche dello stile del compositore di opere di compositori russi, compositori dell'Europa occidentale e contemporanei. Analisi di opere musicali (ad esempio opera).

Libri usati:

Malinina E.M. Educazione vocale dei bambini. - M., 1967.
Kabalevsky D.B. Programma musicale in una scuola comprensiva. - M., 1982.
vero r. Collana “Vite di grandi compositori”. POMATUR LLP. M., 1996.
Makhrova E.V. Il teatro dell'opera nella cultura tedesca della seconda metà del Novecento. SPb, 1998.
Simon G.W. Cento grandi opere e le loro trame. M., 1998.
Yaroslavtseva L.K. Musica lirica. cantanti. Scuole vocali di Italia, Francia, Germania del XVII - XX secolo. - "Casa Editrice "Vello d'Oro", 2004
Dmitriev L.B. Solisti del Teatro alla Scala sull'arte vocale: Dialoghi sulla tecnica del canto. - M., 2002.

musica lirica(Opera italiana - affari, lavoro, lavoro; dal latino opera - lavoro, prodotto, lavoro) - un genere di arte musicale e drammatica, in cui il contenuto è incarnato per mezzo del dramma musicale, principalmente attraverso la musica vocale. La base letteraria dell'opera è il libretto.

Storia del genere

L'opera è apparsa in Italia, nei misteri, cioè spettacoli spirituali in cui la musica introdotta episodicamente era di basso livello. Commedia spirituale: "La conversione di S. Paul ”(1480), Beverini, è già un'opera più seria in cui la musica accompagnava l'azione dall'inizio alla fine. A metà del XVI secolo erano molto popolari i pastorali o giochi pastorali, in cui la musica era limitata ai cori, nel carattere di un mottetto o di un madrigale. In Amfiparnasso, di Orazio Vecchi, il canto corale dietro le quinte, in forma di madrigale a cinque voci, serviva ad accompagnare gli attori in scena. Questa "Commedia armonica" fu data per la prima volta alla corte modenese nel 1597.

Alla fine del XVI secolo, i tentativi di introdurre il canto monofonico (monodia) in tali composizioni misero l'opera sulla strada sulla quale il suo sviluppo proseguì rapidamente. Gli autori di questi tentativi chiamarono le loro opere musicali e drammatiche drama in musica o drama per musica; il nome "opera" cominciò ad essere loro attribuito nella prima metà del XVII secolo. Più tardi, alcuni compositori d'opera, ad esempio Richard Wagner, tornarono di nuovo al nome di "dramma musicale".

Il primo teatro lirico per rappresentazioni pubbliche fu aperto nel 1637 a Venezia; in precedenza, l'opera era solo per l'intrattenimento di corte. La prima grande opera può essere considerata Daphne di Jacopo Peri, rappresentata nel 1597. L'opera si diffuse presto in Italia, e poi nel resto d'Europa. A Venezia, dall'apertura degli spettacoli pubblici, sono apparsi 7 teatri in 65 anni; Per loro sono state scritte 357 opere di vari compositori (fino a 40). I pionieri dell'opera furono: in Germania - Heinrich Schütz (Daphne, 1627), in Francia - Cambert (La pastorale, 1647), in Inghilterra - Purcell; in Spagna, le prime opere apparvero all'inizio del XVIII secolo; in Russia, Araya fu il primo a scrivere un'opera ("Mullet e Procrida") su un testo russo indipendente (1755). La prima opera russa, scritta in costumi russi - "Tanyusha, or Happy Meeting", musica di FG Volkov (1756).

Varietà d'opera

Alcune forme di musica lirica si sono sviluppate storicamente. In presenza di alcune leggi generali del dramma operistico, tutte le sue componenti, a seconda dei tipi di opera, vengono interpretate diversamente.

grande opera (opera seria - italiano, trag "edie lyrique, later grand-op" era - francese),

semi-comico (semiseria),

opera buffa (opera-buffa - italiano, op "era-comique - francese, Spieloper - tedesco),

opera romantica, su una trama romantica.

Nell'opera buffa, tedesca e francese, è consentito il dialogo tra i numeri musicali. Ci sono anche opere serie in cui è inserito il dialogo, per esempio. Fidelio di Beethoven, Medea di Cherubini, Magic Shooter di Weber.

Opere per bambini (ad esempio, le opere di Benjamin Britten - "The Little Chimney Sweep", "Noah's Ark", le opere di Lev Konov - "King Matt the First", "Asgard", "The Ugly Duckling", "Kokinwakasu" ).

Elementi dell'opera

L'opera è un genere sintetico che unisce vari tipi di arti in un'unica azione teatrale: dramma, musica, arti visive (scene, costumi), coreografia (balletto).

Il collettivo d'opera comprende: solista, coro, orchestra, orchestra militare, organo. Voci d'opera: (femminile: soprano, mezzosoprano, contralto; maschile: controtenore, tenore, baritono, basso).

L'opera operistica si articola in atti, quadri, scene, numeri. Prima degli atti c'è un prologo, alla fine dell'opera - un epilogo.

Parti di un'opera d'opera - recitativi, arioso, canzoni, arie, duetti, trii, quartetti, ensemble, ecc. Dalle forme sinfoniche - ouverture, introduzione, intermezzi, pantomima, melodramma, processioni, musica per balletto.

I personaggi degli eroi sono più pienamente rivelati nei numeri solisti (aria, arioso, arietta, cavatina, monologo, ballata, canzone). Il recitativo ha varie funzioni nell'opera: intonazione musicale e riproduzione ritmica del linguaggio umano. Spesso collega (in una trama e musicalmente) numeri interi separati; è spesso un fattore efficace nel dramma musicale. In alcuni generi di opera, principalmente quelli comici, il discorso colloquiale è usato al posto del recitativo, di solito nei dialoghi.

Un ensemble musicale (duetto, trio, quartetto, quintetto, ecc.) corrisponde al dialogo scenico, il palcoscenico di una rappresentazione drammatica nell'opera, la cui specificità consente di creare situazioni di conflitto, di mostrare non solo lo sviluppo di l'azione, ma anche lo scontro di personaggi e idee. Pertanto, gli ensemble appaiono spesso nei momenti culminanti o finali di uno spettacolo d'opera.

Nel dramma musicale dell'opera, un ruolo importante è assegnato all'orchestra; i mezzi espressivi sinfonici servono per una divulgazione più completa delle immagini. L'opera comprende anche episodi orchestrali indipendenti - ouverture, intermezzo (introduzione ai singoli atti). Un altro componente di uno spettacolo d'opera è il balletto, scene coreografiche in cui le immagini plastiche sono combinate con quelle musicali.

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OPERA RUSSA. La scuola lirica russa - insieme a quella italiana, tedesca e francese - è di importanza mondiale; Si tratta principalmente di alcune opere realizzate nella seconda metà del XIX secolo, oltre a diverse opere del XX secolo. Una delle opere più famose sulla scena mondiale alla fine del XX secolo. - Boris Godunov M.P. Mussorgsky, è spesso messo anche La regina di picche P.I. Tchaikovsky (meno spesso le sue altre opere, principalmente Eugene Onegin); è ben noto Principe Igor AP Borodin; di 15 opere di N.A. Rimsky-Korsakov appare regolarmente Il galletto d'oro... Tra le opere del XX secolo. la maggior parte del repertorio Angelo del fuoco S.S. Prokofiev e Lady Macbeth di Mtsensk D.D. Shostakovich. Naturalmente, questo non esaurisce in alcun modo la ricchezza della scuola nazionale d'opera. Guarda anche MUSICA LIRICA.

L'emergere dell'opera in Russia (XVIII secolo). L'opera è stato uno dei primi generi dell'Europa occidentale a prendere piede sul suolo russo. Già negli anni 1730 fu creata un'opera di corte italiana, per la quale scrissero musicisti stranieri che lavorarono in Russia ( cm... MUSICA RUSSA); gli spettacoli d'opera pubblica compaiono nella seconda metà del secolo; le opere sono messe in scena anche nei teatri della gleba. La prima opera russa è considerata Miller - stregone, ingannatore e matchmaker Mikhail Matveyevich Sokolovsky sul testo di A.O. Ablesimov (1779) - una commedia familiare con numeri musicali di natura musicale, che ha gettato le basi per una serie di opere popolari di questo genere - la prima opera comica. Tra questi ci sono le opere di Vasily Alekseevich Pashkevich (c. 1742-1797) ( Avaro, 1782; San Pietroburgo Gostiny Dvor, 1792; La sfortuna della carrozza, 1779) e Evstigney Ipatovich Fomin (1761-1800) ( Cocchieri su un set-up, 1787; Gli americani, 1788). Nel genere delle serie d'opera, due opere del più grande compositore di questo periodo, Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-1825), furono scritte in libretti francesi - Falco(1786) e Il figlio rivale, o Stratonica moderna(1787); ci sono esperienze interessanti nei generi del melodramma e della musica per spettacoli drammatici.

Opera prima di Glinka (XIX secolo). Nel secolo successivo, la popolarità del genere operistico in Russia aumentò ancora di più. L'opera è stata l'apice delle aspirazioni dei compositori russi del XIX secolo, e anche quelli di loro che non hanno lasciato una sola opera in questo genere (ad esempio, M.A. Balakirev, A.K. Lyadov), per molti anni hanno meditato su alcuni progetti operistici. Le ragioni di ciò sono chiare: in primo luogo, l'opera, come ha notato Ciajkovskij, era un genere che permetteva di “parlare nel linguaggio delle masse”; in secondo luogo, l'opera ha permesso di illuminare artisticamente i principali problemi ideologici, storici, psicologici e di altro tipo che occupavano le menti del popolo russo nel XIX secolo; infine, nella giovane cultura professionale vi era una forte gravitazione verso generi che comprendevano, insieme alla musica, alla parola, al movimento scenico, alla pittura. Inoltre, si è già sviluppata una certa tradizione, un'eredità lasciata nel genere musicale e teatrale del XVIII secolo.

Nei primi decenni del XIX sec. la corte e il teatro privato si estinsero

Il monopolio era concentrato nelle mani dello Stato. La vita musicale e teatrale di entrambe le capitali fu molto vivace: il primo quarto di secolo fu il periodo di massimo splendore del balletto russo; nell'Ottocento a San Pietroburgo c'erano quattro compagnie teatrali: russa, francese, tedesca e italiana, di cui le prime tre mettevano in scena sia il dramma che l'opera, l'ultima unica opera; parecchie compagnie lavorarono anche a Mosca. La compagnia italiana si rivelò la più stabile - anche nei primi anni 1870, il giovane Ciajkovskij, esibendosi nel campo critico, fu costretto a lottare per una posizione decente dell'opera russa di Mosca rispetto a quella italiana; Raek Anche Mussorgsky, in uno degli episodi di cui viene ridicolizzata la passione del pubblico e della critica pietroburghese per famosi cantanti italiani, fu scritto a cavallo degli anni Settanta.

L'opera russa è un prezioso contributo al tesoro del teatro musicale mondiale. Nato nell'era del periodo d'oro classico dell'opera italiana, francese e tedesca, opera russa nel XIX secolo. non solo ha raggiunto altre scuole d'opera nazionali, ma le ha anche superate. La natura multiforme dello sviluppo del teatro dell'opera russo nel XIX secolo. contribuito all'arricchimento dell'arte realistica mondiale. Le opere dei compositori russi hanno aperto una nuova area di creatività operistica, introducendo in essa nuovi contenuti, nuovi principi di costruzione del dramma musicale, avvicinando l'opera ad altri tipi di creatività musicale, principalmente alla sinfonia.

La storia dell'opera classica russa è indissolubilmente legata allo sviluppo della vita sociale in Russia, allo sviluppo del pensiero russo progressista. L'opera si distingueva per queste connessioni già nel XVIII secolo, essendo emersa come fenomeno nazionale negli anni '70, l'era dello sviluppo dell'illuminismo russo. La formazione della scuola d'opera russa è avvenuta sotto l'influenza di idee educative, espresse nel desiderio di ritrarre sinceramente la vita delle persone.

Così, fin dai primi passi, l'opera russa si è configurata come un'arte democratica. Le trame delle prime opere russe spesso avanzavano idee anti-servitù, che erano anche caratteristiche del teatro drammatico russo e della letteratura russa alla fine del XVIII secolo. Tuttavia, queste tendenze non erano ancora formate in un sistema integrale, erano espresse empiricamente in scene della vita dei contadini, nel mostrare la loro oppressione da parte dei proprietari terrieri, in una rappresentazione satirica della nobiltà. Queste sono le trame delle prime opere russe: "Sfortuna dalla carrozza" di VA Pashkevich (c. 1742-1797), libretto di Ya. B. Knyazhnin (post, nel 1779); “Allenatori in assetto” di EI Fomin (1761-1800). Nell'opera "The Miller - the Wizard, the Deceiver and the Matchmaker" con il testo di A.O. Ablessimov e la musica di M.M.Sokolovsky (nella seconda edizione - E.I. Nell'opera di M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor", l'usuraio e il corrotto sono mostrati in forma satirica.

Le prime opere russe erano pezzi con episodi musicali lungo la strada. Le scene di conversazione erano molto importanti in loro. La musica delle prime opere era strettamente associata alla canzone popolare russa: i compositori facevano ampio uso delle melodie delle canzoni popolari comuni, le elaboravano, creando la base dell'opera. In Melnik, per esempio, tutte le caratteristiche dei personaggi sono date con l'aiuto di canti popolari di diversa natura. L'opera "St. Petersburg Gostiny Dvor" riproduce con grande accuratezza la cerimonia del matrimonio popolare. In "Coachmen on a Stand" Fomin ha creato il primo esempio di un'opera corale popolare, ponendo così le basi per una delle tradizioni tipiche dell'opera russa successiva.

L'opera russa si è sviluppata nella lotta per la sua identità nazionale. La politica della corte zarista e dell'élite della società nobile, che patrocinava le compagnie straniere, era diretta contro la democrazia dell'arte russa. I lavoratori dell'opera russa hanno dovuto apprendere le abilità operistiche sui modelli dell'opera dell'Europa occidentale e allo stesso tempo difendere l'indipendenza della loro direzione nazionale. Per molti anni questa lotta divenne una condizione per l'esistenza dell'opera russa, assumendo nuove forme in nuove fasi.

Insieme all'opera-commedia nel XVIII secolo. apparvero anche altri generi d'opera. Nel 1790, a corte, si tenne una performance dal titolo "Oleg's Initial Administration", il cui testo fu scritto dall'imperatrice Caterina II, e la musica fu composta congiuntamente dai compositori K. Canobbio, G. Sarti e VA Pashkevich. La rappresentazione non era tanto una rappresentazione operistica quanto di carattere oratorio, e per certi versi può essere considerata il primo esempio del genere storico-musicale, così diffuso nell'Ottocento. Nelle opere dell'eccezionale compositore russo Dmitry Bortnyansky (1751-1825), il genere operistico è rappresentato dalle opere liriche The Falcon e The Rival Son, la cui musica, in termini di sviluppo di forme e abilità operistiche, può essere messa in scena alla pari con esempi contemporanei di opera dell'Europa occidentale.

Il teatro dell'opera è stato utilizzato nel XVIII secolo. molto popolare. A poco a poco, l'opera dalla capitale penetrò nei teatri padronali. Il teatro della gleba a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo fornisce esempi individuali altamente artistici dell'esecuzione di opere e ruoli individuali. Vengono nominati cantanti e attori russi di talento, come la cantante E. Sandunova, che si è esibita sul palco della capitale, o l'attrice serva del teatro Sheremeteva, P. Zhemchugova.

Risultati artistici dell'opera russa del XVIII secolo diede impulso al rapido sviluppo del teatro musicale in Russia nel primo quarto del XIX secolo.

I legami del teatro musicale russo con le idee che definiscono la vita spirituale dell'epoca furono particolarmente rafforzati durante la guerra patriottica del 1812 e durante gli anni del movimento decabrista. Il tema del patriottismo, riflesso nelle storie storiche e contemporanee, diventa la base di molti spettacoli drammatici e musicali. Le idee dell'umanesimo, della protesta contro la disuguaglianza sociale ispirano e fecondano le arti teatrali.

All'inizio del XIX secolo. non si può ancora parlare di opera nel senso pieno della parola. I generi misti svolgono un ruolo importante nel teatro musicale russo: tragedia con musica, vaudeville, opera comica, opera-balletto. Prima di Glinka, l'opera russa non conosceva opere il cui dramma fosse basato solo sulla musica senza episodi di conversazione.

OA Kozlovsky (1757-1831) fu un eccezionale compositore di "tragedie sulla musica", che creò musica per le tragedie di Ozerov, Katenin, Shakhovsky. I compositori A. A. Alyabyev (1787-1851) e A. N. Verstovsky (1799-1862) hanno lavorato con successo nel genere del vaudeville, che hanno composto musica per una serie di contenuti umoristici e satirici di vaudeville.

Opera all'inizio del XIX secolo. sviluppato le tradizioni del periodo precedente. Le esibizioni quotidiane accompagnate da canti popolari erano un fenomeno tipico. Esempi di questo tipo sono gli spettacoli: "Yam", "Sitting", "Devishnik", ecc., la cui musica è stata scritta dal compositore dilettante A. N. Titov (1769-1827). Ma questo non esauriva la ricca vita teatrale dell'epoca. L'attrazione per le tendenze romantiche tipiche di quel tempo si esprimeva nel fascino della società con spettacoli fantastici e fantastici. La sirena del Dnepr (Lesta), che aveva diverse parti, ha avuto un successo particolare. La musica per queste opere, che costituivano, per così dire, capitoli di un romanzo, fu scritta dai compositori S. I. Davydov, K. A. Kavos; la musica del compositore austriaco Cauer è stata utilizzata in parte. "Dnieper Mermaid" non ha lasciato il palco per molto tempo, non solo per la trama divertente, nei contorni principali anticipando la trama della "Sirena" di Pushkin, non solo per la magnifica messa in scena, ma anche per la melodica, musica semplice e accessibile.

Il compositore italiano C.A. Nel 1815 mise in scena l'opera Ivan Susanin a San Pietroburgo, in cui, basandosi su uno degli episodi della lotta del popolo russo contro l'invasione polacca all'inizio del XVII secolo, tentò di creare uno spettacolo patriottico nazionale . Quest'opera rispondeva allo stato d'animo della società sopravvissuta alla guerra di liberazione contro Napoleone.L'opera di Cavos si distingue favorevolmente tra le opere moderne per l'abilità di un musicista professionista, la fiducia nel folklore russo, l'azione vivace. Eppure non si eleva al di sopra delle numerose "opere di salvezza" di compositori francesi sullo stesso palcoscenico; Kavos non è stato in grado di creare in esso un'epopea folk-tragica, che Glinka ha creato vent'anni dopo, utilizzando la stessa trama.

Il più grande compositore del primo terzo del XIX secolo. A. N. Verstovsky, che è stato menzionato come autore di musica per vaudeville, deve essere riconosciuto. Le sue opere Pan Tvardovsky (post, 1828), Askold's Grave (post, 1835), Vadim (post, 1832) e altre costituirono una nuova tappa nello sviluppo dell'opera russa prima di Glinka. Le caratteristiche del romanticismo russo si riflettevano nell'opera di Verstovsky. Antichità russa, leggende poetiche della Rus' di Kiev, fiabe e leggende costituiscono la base delle sue opere. L'elemento magico gioca un ruolo significativo in loro. La musica di Verstovsky, profondamente radicata, basata sull'arte della canzone popolare, ha assorbito le origini popolari nel senso più ampio. I suoi personaggi sono tipici dell'arte popolare. Essendo un maestro del dramma operistico, Verstovsky ha creato scene romantiche e colorate di contenuti fantastici. Un esempio del suo stile è l'opera "Askold's Grave", che è sopravvissuta nel repertorio fino ad oggi. Ha mostrato le migliori caratteristiche di Verstovsky: un dono melodico, un eccellente stile drammatico, la capacità di creare immagini vivide e caratteristiche dei personaggi.

Le opere di Verstovsky appartengono al periodo preclassico dell'opera russa, sebbene il loro significato storico sia molto grande: generalizzano e sviluppano tutte le migliori qualità del periodo di sviluppo precedente e contemporaneo della musica lirica russa.

Dagli anni '30. XIX secolo. L'opera russa entra nel periodo classico. Il fondatore dei classici dell'opera russa MI Glinka (1804-1857) creò l'opera storica e tragica Ivan Susanin (1830) e la favolosa epica Ruslan e Lyudmila (1842). Questi pilastri hanno gettato le basi per due principali tendenze del teatro musicale russo: l'opera storica e l'epica magica; I principi creativi di Glinka sono stati implementati e sviluppati dalla prossima generazione di compositori russi.

Glinka si è sviluppato come artista in un'epoca oscurata dalle idee del decabrismo, che gli ha permesso di elevare il contenuto ideologico e artistico delle sue opere a un livello nuovo e significativo. Fu il primo compositore russo nella cui opera l'immagine del popolo, generalizzata e profonda, divenne il centro dell'intera opera. Il tema del patriottismo nella sua opera è indissolubilmente legato al tema della lotta popolare per l'indipendenza.

Il periodo precedente dell'opera russa ha preparato la comparsa delle opere di Glinka, ma la loro differenza qualitativa rispetto alle prime opere russe è molto significativa. Nelle opere di Glinka, il realismo del pensiero artistico non si manifesta nei suoi aspetti particolari, ma agisce come un metodo creativo olistico che consente di dare una generalizzazione musicale e drammatica dell'idea, del tema e della trama dell'opera. Glinka ha compreso il problema della nazionalità in un modo nuovo: per lui significava non solo lo sviluppo musicale delle canzoni popolari, ma anche una riflessione profonda e sfaccettata nella musica della vita, dei sentimenti e dei pensieri della gente, la divulgazione del caratteristiche del suo aspetto spirituale. Il compositore non si è limitato a riflettere lo stile di vita popolare, ma ha incarnato le caratteristiche tipiche della visione del mondo popolare nella musica. Le opere di Glinka sono opere musicali e drammatiche complete; non ci sono dialoghi di conversazione in loro, il contenuto è espresso per mezzo della musica. Invece di numeri solistici e corali separati e non sviluppati dell'opera comica, Glinka crea forme operistiche ampie ed espanse, sviluppandole con autentica maestria sinfonica.

In Ivan Susanin, Glinka ha glorificato il passato eroico della RUSSIA. Le immagini tipiche del popolo russo sono incarnate nell'opera con grande verità artistica. Lo sviluppo del dramma musicale si basa sull'opposizione di varie sfere musicali nazionali.

Ruslan e Lyudmila è un'opera che ha gettato le basi per le opere popolari russe. Il significato di Ruslan per la musica russa è molto grande. L'opera ha influenzato non solo i generi teatrali, ma anche quelli sinfonici. Il maestoso eroico e misteriosamente magico, così come le colorate immagini orientali di "Ruslan" hanno alimentato a lungo la musica russa.

Dopo Glinka, parlò A.S.Dargomyzhsky (1813-1869), un tipico artista dell'era degli anni 40-50. XIX secolo. Glinka ha avuto una grande influenza su Dargomyzhsky, ma allo stesso tempo sono apparse nuove qualità nel suo lavoro, nate da nuove condizioni sociali, nuovi temi che sono arrivati all'arte russa. L'ardente simpatia per una persona umiliata, la consapevolezza della perniciosità della disuguaglianza sociale, un atteggiamento critico nei confronti della struttura sociale si riflettevano nell'opera di Dargomyzhsky, associata alle idee del realismo critico nella letteratura.

Il percorso di Dargomyzhsky come compositore d'opera è iniziato con la creazione dell'opera Esmeralda, dopo V. Hugo (post. 1847). In quest'opera, il talento di Dargomyzhsky è stato pienamente rivelato e la direzione del suo lavoro è stata determinata. Il dramma della disuguaglianza sociale della figlia del mugnaio Natasha e del principe, che si amano, ha attratto il compositore con l'attualità dell'argomento. Dargomyzhsky ha rafforzato il lato drammatico della trama diminuendo l'elemento fantastico. "Mermaid" è la prima opera liricopsicologica quotidiana russa. La sua musica è profondamente popolare; sulla base della canzone, il compositore ha creato immagini vivide degli eroi, ha sviluppato lo stile declamatorio nelle parti dei personaggi principali, ha sviluppato scene d'insieme, drammatizzandole in modo significativo.

L'ultima opera di Dargomyzhsky, The Stone Guest, dopo Pushkin (post. 1872, dopo la morte del compositore), appartiene già. un altro periodo nello sviluppo dell'honra russo. Dargomyzhsky vi ha posto il compito di creare un linguaggio musicale realistico che rifletta le intonazioni del discorso. Il compositore qui ha abbandonato le forme operistiche tradizionali: arie, ensemble, coro; le parti vocali dell'opera prevalgono sulla parte orchestrale, "L'ospite di pietra" ha segnato l'inizio di una delle direzioni del periodo successivo dell'opera russa, la cosiddetta opera recitativa da camera, poi presentata da "Mozart e Salieri", "Il cavaliere avido" di Rachmaninov e altri. La particolarità di queste opere è che sono tutte scritte sul testo integrale inalterato delle "piccole tragedie" di Pushkin.

Negli anni '60. L'opera russa è entrata in una nuova fase del suo sviluppo. Le opere dei compositori del circolo Balakirevsky ("The Mighty Handful") e Tchaikovsky appaiono sul palcoscenico russo. Negli stessi anni si sviluppò il lavoro di A.N.Serov e A.G. Rubinstein.

L'opera operistica di A.N.Serov (1820-1871), che divenne famoso come critico musicale, non può essere annoverata tra i fenomeni molto significativi del teatro russo. Tuttavia, all'epoca, le sue opere ebbero un ruolo positivo. Nell'opera Judith (post, 1863) Serov ha creato un'opera di carattere eroico patriottico su un soggetto biblico; nell'opera Rogneda (op. e post. nel 1865) si rivolse all'era di Kievan Rus, desiderando continuare la linea di Ruslan. Tuttavia, l'opera non era abbastanza profonda. Di grande interesse è la terza opera di Serov, "Il potere del nemico", basata sul dramma di A. N. Ostrovsky "Non vivere come vuoi" (post. 1871). Il compositore ha deciso di creare un'opera canzone, la cui musica dovrebbe essere basata su fonti primarie. Tuttavia, l'opera non ha un concetto drammatico unificato e la sua musica non raggiunge le vette della generalizzazione realistica.

A. G. Rubinshtein (1829-1894), come compositore d'opera, iniziò con la composizione dell'opera storica La battaglia di Kulikovo (1850). creò l'opera lirica Feramors e l'opera Romagic Children of the Steppes. La migliore opera di Rubinstein, "The Demon" di Lermontov (1871), è sopravvissuta nel repertorio. Quest'opera è un esempio di opera lirica russa, in cui le pagine più talentuose sono dedicate all'espressione dei sentimenti degli eroi. Scene di genere di "The Demon", in cui il compositore ha usato la musica popolare del Caucaso, porta il sapore locale. "L'opera" The Demon "è stata un successo tra i contemporanei che hanno visto nel protagonista l'immagine di un uomo degli anni 40-50.

La creatività operistica dei compositori di The Mighty Handful e Tchaikovsky era strettamente associata alla nuova estetica degli anni '60. Nuove condizioni sociali stabiliscono nuovi compiti per gli artisti russi. Il problema principale dell'epoca era il problema di riflettere la vita popolare nelle opere d'arte in tutta la sua complessità e contraddizioni. L'influenza delle idee dei democratici rivoluzionari (soprattutto Chernyshevsky) si è manifestata nel campo della creatività musicale per gravitazione verso temi e trame generalmente significativi, l'orientamento umanistico delle opere, la glorificazione delle alte forze spirituali del popolo. Il tema storico è di particolare importanza in questo momento.

L'interesse per la storia della loro gente in quegli anni era tipico non solo dei compositori. La stessa scienza storica si sta sviluppando ampiamente; scrittori, poeti e drammaturghi si rivolgono a un tema storico; si sviluppa la pittura storica. Le epoche dei colpi di stato, delle insurrezioni contadine e dei movimenti di massa sono del massimo interesse. Un posto importante è occupato dal problema del rapporto tra il popolo e il governo zarista. A questo argomento sono dedicate le opere storiche di M.P. Mussorgsky e N.A.Rimsky-Korsakov.

Le opere di MP Mussorgsky (1839-1881), Boris Godunov (1872) e Khovanshchina (completate da Rlmsky-Korsakov nel 1882) appartengono al ramo storico e tragico dell'opera classica russa. Il compositore li chiamò "drammi musicali popolari", poiché la parodia è al centro di entrambe le opere. L'idea principale di "Boris Godunov" (basata sulla tragedia con lo stesso nome di Pushkin) è un conflitto: zar - persone. Questa idea è stata una delle più importanti e toccanti nell'era post-riforma. Mussorgsky voleva trovare un'analogia con la modernità negli eventi del passato della Russia. La contraddizione tra interessi popolari e potere autocratico si mostra nelle scene di un movimento popolare che si trasforma in una rivolta aperta. Allo stesso tempo, il compositore presta grande attenzione alla "tragedia della coscienza" vissuta dallo zar Boris. L'immagine sfaccettata di Boris Godunov è una delle più alte conquiste dell'opera mondiale.

Il secondo dramma musicale di Mussorgsky, Khovanshchina, è dedicato alle rivolte di Streltsy alla fine del XVII secolo. L'elemento del movimento popolare in tutta la sua forza violenta è notevolmente espresso dalla musica dell'opera, basata sul ripensamento creativo dell'arte del canto popolare. La musica di Khovanshchina, come la musica di Boris Godunov, è caratterizzata da un'alta tragedia. Il miglio melodico di entrambe le opere si basa sulla sintesi dei principi del canto e della declamazione. L'innovazione di Mussorgsky, nata dalla novità del concetto, la soluzione profondamente originale ai problemi del dramma musicale, fa sì che entrambe le sue opere siano classificate tra le più alte realizzazioni del teatro musicale.

L'opera di AP Borodin (1833-1887) "Il principe Igor" si unisce anche al gruppo di opere musicali storiche (la sua trama era "La campagna di Igor"). L'idea dell'amore per la patria, l'idea dell'unificazione di fronte al nemico è rivelata dal compositore con grande dramma (scene a Putivl). Il compositore ha unito la monumentalità del genere epico con l'inizio lirico nella sua opera. Nell'incarnazione poetica del campo Polovtsiano, furono incarnati i precetti di Glinka; a loro volta, le immagini musicali dell'Oriente di Borodin hanno ispirato molti compositori russi e sovietici a creare immagini orientali. Il notevole dono melodico di Borodin si è manifestato nello stile ampio dell'opera. Borodin non ebbe il tempo di finire l'opera; "Il principe Igor" fu completato da Rimsky-Korsakov e Glazunov e messo in scena nella loro edizione nel 1890.

Il genere del dramma musicale storico è stato sviluppato anche da N.L. Rimsky-Korsakov (1844-1908). Gli uomini liberi di Pskov, in rivolta contro Ivan il Terribile (opera "La donna di Pskov", 1872), sono rappresentati dal compositore con grandezza epica. L'immagine del re è un baldacchino di vero dramma. L'elemento lirico dell'opera, associato all'eroina - Olga, arricchisce la musica, introducendo caratteristiche di sublime tenerezza e gentilezza nel maestoso concetto tragico.

PI Tchaikovsky (1840-1893), famoso soprattutto per i suoi onori psicologici e psicologici, fu autore di tre opere storiche. Le opere The Oprichnik (1872) e Mazepa (1883) sono dedicate a eventi drammatici della storia russa. Nell'opera "The Maid of Orleans" (1879), il compositore si rivolse alla storia della Francia e creò l'immagine dell'eroina nazionale francese Jeanne D "Arc.

La particolarità delle opere storiche di Ciajkovskij è il loro rapporto con le sue opere liriche. Il compositore rivela in loro i tratti caratteristici dell'epoca rappresentata attraverso il destino degli individui. Le immagini dei suoi personaggi si distinguono per la profondità e la veridicità del trasferimento del complesso mondo interiore di una persona.

Oltre ai drammi musicali folk-storici nell'opera russa del XIX secolo. un posto importante è occupato da opere fiabesche popolari, ampiamente rappresentate nell'opera di NA Rimsky-Korsakov, le migliori opere fiabesche di Rimsky-Korsakov - "The Snow Maiden" (1881), "Sadko" (1896), "Kashey l'immortale" (1902) e "Il gallo d'oro" (1907). Un posto speciale è occupato dall'opera "La leggenda della città invisibile di Kitezh e la fanciulla Fevronia" (1904), scritta sulla base di leggende popolari sull'invasione tatara-mongola.

Le opere di Rimsky-Korsakov stupiscono con una varietà di interpretazioni del genere folk-fatato. O è un'interpretazione poetica delle antiche idee popolari sulla natura, espressa in un meraviglioso racconto sulla fanciulla di neve, o una potente immagine dell'antica Novgorod, o un'immagine della Russia all'inizio del XX secolo. nell'immagine allegorica del freddo regno di Kashchey, poi una vera satira sul marcio sistema autocratico in favolose stampe popolari ("The Golden Cockerel"). In diversi casi, i metodi di rappresentazione musicale dei personaggi e le tecniche del dramma musicale di Rimsky-Korsakov sono diversi. Tuttavia, in tutte le sue opere si può percepire la profonda intuizione creativa del compositore nel mondo degli spettacoli popolari, delle credenze popolari e della visione del mondo delle persone. La musica delle sue opere si basa sul linguaggio dei canti popolari. La dipendenza dall'arte popolare, la caratterizzazione dei personaggi attraverso l'uso di vari generi popolari è una caratteristica tipica di Rimsky-Korsakov.

L'apice dell'opera di Rimsky-Korsakov è la maestosa epopea sul patriottismo del popolo russo nell'opera La leggenda della città invisibile di Kitezh e la fanciulla Fevronia, dove il compositore ha raggiunto un'altezza enorme di generalizzazione musicale e sinfonica del tema .

Tra le altre varietà dell'opera classica russa, uno dei luoghi principali appartiene all'opera lirica e psicologica, iniziata dalla "Sirena" di Dargomyzhsky. Il massimo rappresentante di questo genere nella musica russa è Tchaikovsky, autore di opere geniali incluse nel repertorio operistico mondiale: Eugene Onegin (1877-1878), L'incantatrice (1887), La dama di picche (1890), Iolanta (1891). ). L'innovazione di Tchaikovsky è associata alla direzione del suo lavoro, dedicato alle idee dell'umanesimo, alla protesta contro l'umiliazione dell'uomo, alla fede in un futuro migliore per l'umanità. Il mondo interiore delle persone, le loro relazioni, i loro sentimenti si rivelano nelle opere di Tchaikovsky combinando l'efficienza teatrale con il coerente sviluppo sinfonico della musica. La creatività operistica di Ciajkovskij è uno dei più grandi fenomeni dell'arte teatrale musicale mondiale del XIX secolo.

Meno opere sono rappresentate nell'opera operistica di compositori russi, opera comica. Tuttavia, anche questi pochi esemplari si distinguono per la loro originalità nazionale. Non c'è leggerezza divertente in loro, nessun fumetto. La maggior parte di essi sono basati sulle storie di Gogol in Serate in una fattoria vicino a Dikanka. Ciascuna delle opere comiche rifletteva le caratteristiche individuali degli autori. Nell'opera di Tchaikovsky "Chere vichki" (1885; nella prima edizione - "Blacksmith Vakula", 1874), predomina l'elemento lirico; in "May Night" di Rimsky-Korsakov (1878) - fantastico e cerimoniale; in "Sorochinskaya Yarmarka" di Mussorgsky (anni '70, non finito) - puramente comico. Le opere nominate sono esempi dell'abilità di riflessione realistica della vita delle persone nel genere della commedia dei personaggi.

Un certo numero di cosiddetti fenomeni paralleli nel teatro musicale russo si affiancano ai classici dell'opera russa. Intendiamo il lavoro di compositori che non hanno creato opere di significato duraturo, sebbene abbiano dato il proprio contributo allo sviluppo dell'opera russa. Qui è necessario citare le opere di Ts. A. Cui (1835-1918), membro del circolo Balakirev, eminente critico musicale degli anni '60-'70. Le opere di Cui William Ratcliff e Angelo, che non lasciano lo stile romantico convenzionale, sono prive di dramma e, a volte, di musica brillante. Gli appoggi successivi di Cui sono di minore importanza ("La figlia del capitano", "Mademoiselle Fifi", ecc.). Ad accompagnare l'opera classica c'era la creatività del direttore d'orchestra e direttore musicale dell'opera di San Pietroburgo E. F. Napravnik (1839-1916). La più famosa è la sua opera Dubrovsky, composta nella tradizione delle opere liriche di Tchaikovsky.

Dei compositori che si sono esibiti alla fine del XIX secolo. sul palcoscenico dell'opera, è necessario nominare A. S. Arensky (1861-1906), l'autore delle opere "Dream on. Volga "," Raphael "e" Nal e Damayanti ", così come M. M. Ishulitova-Ivanov (1859-1935), la cui opera" Asya ", dopo I. S. Turgenev, è stata scritta nel modo lirico di Tchaikovsky. Si distingue nella storia dell'opera russa "Oresteia" di SI Taneyev (1856-1915), dopo Eschilo, che può essere descritta come un oratorio teatrale.

Allo stesso tempo, è apparso come compositore d'opera S. V. Rachmaninov (1873-1943), che ha composto entro la fine del conservatorio (1892) un honra in un atto "Aleko", sostenuto nelle tradizioni di Tchaikovsky. Le opere successive di Rachmaninoff, Francesca da Rimini (1904) e The Covetous Knight (1904), furono scritte nel carattere di opera-cantatas; in essi l'azione scenica è massimamente compressa e l'inizio musicale e sinfonico è molto sviluppato. La musica di queste opere, talentuosa e brillante, porta il marchio dell'originalità dello stile creativo dell'autore.

Dei fenomeni meno significativi dell'arte operistica all'inizio del XX secolo. chiamiamo l'opera di AT Grechaninov (1864-1956) "Dobrynya Nikitich", in cui i tratti caratteristici dell'opera classica epica-fiaba hanno lasciato il posto a testi romantici, così come l'opera di AD Kastalsky (1856-1926) "Klara Milich", in cui elementi di naturalismo si uniscono a un lirismo sincero e impressionante.

Il XIX secolo è l'era dei classici dell'opera russa. I compositori russi hanno creato capolavori in vari generi di arte operistica: dramma, epico, tragedia eroica, commedia. Hanno creato un dramma musicale innovativo che è nato in stretta connessione con il contenuto innovativo delle opere. L'importante ruolo determinante delle scene popolari di massa, la sfaccettata caratterizzazione dei personaggi, una nuova interpretazione delle forme operistiche tradizionali e la creazione di nuovi principi dell'unità musicale dell'intera opera sono caratteristiche dei classici dell'opera russa.

L'opera classica russa, che si sviluppò sotto l'influenza del pensiero progressista filosofico ed estetico, sotto l'influenza degli eventi nella vita pubblica, divenne uno degli aspetti notevoli della cultura nazionale russa nel XIX secolo. L'intero percorso di sviluppo della creatività operistica russa nel secolo scorso è andato parallelo al grande movimento di liberazione del popolo russo; i compositori si sono ispirati alle alte idee dell'umanesimo e dell'illuminismo democratico, e le loro opere sono per noi grandi esempi di arte veramente realistica.

Varietà d'opera

L'opera inizia la sua storia a cavallo tra il XVI e il XVII secolo nella cerchia di filosofi, poeti e musicisti italiani - "Camerata". Il primo saggio di questo genere è apparso nel 1600, i creatori hanno preso il famoso la storia di Orfeo ed Euridice ... Sono trascorsi molti secoli da allora, ma i compositori continuano a scrivere opere con invidiabile regolarità. Nel corso della sua storia, questo genere ha subito molti cambiamenti, che vanno dai temi, alle forme musicali e terminano con la sua struttura. Quali sono i tipi di opere, quando sono apparse e quali sono le loro caratteristiche - scopriamolo.

Varietà d'opera:

Opera seria(opera seria, opera seria) è un genere operistico nato in Italia a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo. Tali opere sono state composte su soggetti storici ed eroici, leggendari o mitologici. Una caratteristica distintiva di questo tipo di opera era l'eccessiva pompa assolutamente in tutto: il ruolo principale era interpretato da cantanti virtuosi, i sentimenti e le emozioni più semplici venivano presentati in lunghe arie, sul palco prevalevano magnifici scenari. Concerti in costume: così si chiamavano le opere Seria.

Opera comica nasce in Italia nel XVIII secolo. Si chiamava opera-buffa ed era nata come alternativa alla "noiosa" opera della serie. Da qui la piccola scala del genere, un piccolo numero di personaggi, tecniche comiche nel canto, ad esempio, scioglilingua e un aumento del numero di ensemble - una sorta di vendetta per le "lunghe" arie virtuose. In diversi paesi, l'opera buffa aveva i suoi nomi: in Inghilterra è un'opera ballata, la Francia l'ha definita un'opera buffa, in Germania è stata chiamata singspiel e in Spagna è stata chiamata tonadilla.

Opera semiseria(opera semiseria) è un genere di confine tra opera seria e opera buffa, la cui patria è l'Italia. Questo tipo di opera apparve alla fine del XVIII secolo; la trama era basata su storie serie e talvolta tragiche, ma a lieto fine.

Grande opera(grande opera) - è nato in Francia alla fine del primo terzo del XIX secolo. Questo genere è caratterizzato da una grande scala (5 atti invece dei soliti 4), la presenza obbligatoria di un atto di danza, un'abbondanza di scenografie. Sono stati creati principalmente su temi storici.

Opera romantica - nata in Germania nel XIX secolo. Questo tipo di opera comprende tutti i drammi musicali basati su trame romantiche.

balletto dell'opera trae le sue origini in Francia a cavallo dei secoli XVII-XVIII. Il secondo nome di questo genere è balletto di corte francese. Tali opere sono state create per mascherate, pastorali e altre feste tenute presso le corti reali ed eminenti. Tali spettacoli si distinguevano per la loro luminosità, le belle decorazioni, ma i numeri in essi non erano correlati tra loro secondo la trama.

Operetta- "piccola opera", apparsa in Francia nella seconda metà del XIX secolo. Una caratteristica distintiva di questo genere è una trama comica e senza pretese, una scala modesta, forme semplici e musica "leggera", facilmente memorizzabile.

Il contenuto dell'articolo

MUSICA LIRICA, dramma o commedia messi in musica. Nell'opera sono cantati testi drammatici; il canto e l'esecuzione scenica sono quasi sempre accompagnati da un accompagnamento strumentale (di solito orchestrale). Molte opere sono caratterizzate anche dalla presenza di intermezzi orchestrali (introduzioni, conclusioni, intermezzi, ecc.) e interruzioni di trama piene di scene di balletto.

L'opera nasce come divertimento aristocratico, ma presto diventa intrattenimento per il grande pubblico. Il primo teatro d'opera pubblico aprì a Venezia nel 1637, appena quattro decenni dopo la nascita del genere stesso. Poi l'opera si diffuse rapidamente in tutta Europa. Come spettacolo pubblico, ha raggiunto il suo massimo sviluppo nel XIX e all'inizio del XX secolo.

Nel corso della sua storia, l'opera ha avuto una forte influenza su altri generi musicali. La sinfonia nasce da un'introduzione strumentale alle opere italiane del XVIII secolo. I passaggi e le cadenze virtuosistiche del concerto per pianoforte sono per molti versi il frutto di un tentativo di riflettere il virtuosismo vocale operistico nella trama dello strumento a tastiera. Nel 19 ° secolo. La scrittura armonica e orchestrale di R. Wagner, da lui creata per il grandioso "dramma musicale", ha determinato l'ulteriore sviluppo di una serie di forme musicali, e anche nel XX secolo. molti musicisti hanno visto la liberazione dall'influenza di Wagner come la corrente principale del movimento verso la nuova musica.

Forma dell'opera.

Nel cosiddetto. grande opera, la forma più diffusa del genere operistico oggi, viene cantato l'intero testo. Nell'opera buffa, il canto di solito si alterna a scene parlate. Il nome “opera comica” (opéra comique in Francia, opera buffa in Italia, Singspiel in Germania) è in gran parte arbitrario, perché non tutte le opere di questo tipo hanno contenuto comico (una caratteristica dell'“opera comica” è la presenza di dialoghi conversazionali ). Il tipo di opera comica leggera e sentimentale, che si diffuse a Parigi ea Vienna, prese il nome di operetta; in America si chiama commedia musicale. Gli spettacoli con musica (musical) che hanno guadagnato fama a Broadway sono di solito più seri nel contenuto rispetto alle operette europee.

Tutte queste varietà di opere si basano sulla convinzione che la musica, e in particolare il canto, esalti l'espressività drammatica del testo. È vero, a volte altri elementi hanno giocato un ruolo altrettanto importante nell'opera. Così, nell'opera francese di alcuni periodi (e in russo - nel 19 ° secolo), la danza e il lato dello spettacolo hanno acquisito un'importanza molto significativa; Gli autori tedeschi spesso consideravano la parte orchestrale non come una parte di accompagnamento, ma come una parte vocale equivalente. Ma in tutta la storia dell'opera, il canto ha avuto ancora un ruolo dominante.

Se i cantanti sono i protagonisti della rappresentazione dell'opera, allora la parte orchestrale costituisce la cornice, il fondamento dell'azione, la fa avanzare e prepara gli ascoltatori per gli eventi imminenti. L'orchestra sostiene i cantanti, sottolinea il climax, colma con il suo suono le lacune del libretto oi momenti del cambio di scena, e infine si esibisce a conclusione dell'opera quando cala il sipario.

La maggior parte delle opere ha introduzioni strumentali per aiutare a sintonizzare le percezioni degli ascoltatori. Nei secoli XVII e XIX. tale introduzione fu chiamata ouverture. Le ouverture erano pezzi da concerto laconici e indipendenti, tematicamente estranei all'opera e quindi facilmente sostituibili. Ad esempio, l'ouverture alla tragedia Aureliano a Palmira Rossini si è poi trasformato in un'ouverture comica Barbiere di siviglia... Ma nella seconda metà del XIX secolo. i compositori iniziarono a esercitare un'influenza molto maggiore sull'unità dell'umore e sulla connessione tematica tra l'ouverture e l'opera. È sorta una forma di introduzione (Vorspiel) che, ad esempio nei drammi musicali tardi di Wagner, include i temi principali (leitmotiv) dell'opera e li mette direttamente in gioco. La forma dell'ouverture operistica "autonoma" era caduta in decadenza, e nel tempo desiderio L'ouverture di Puccini (1900) potrebbe essere sostituita con pochi accordi di apertura. In una serie di opere del 20 ° secolo. non ci sono affatto preparativi musicali per l'azione scenica.

Quindi, l'azione operistica si sviluppa all'interno dell'ambientazione orchestrale. Ma poiché l'essenza dell'opera è il canto, i momenti più alti del dramma si riflettono nelle forme complete dell'aria, del duetto e di altre forme convenzionali, dove la musica viene in primo piano. L'aria è come un monologo, il duetto è come un dialogo, il trio di solito incarna i sentimenti contrastanti di uno dei personaggi in relazione agli altri due partecipanti. Con ulteriore complicazione, sorgono varie forme d'insieme - come un quartetto in Rigoletto Verdi o sestetto in Lucia di Lammermoor Donizetti. L'introduzione di tali forme di solito interrompe l'azione per fare spazio allo sviluppo di una (o più) emozioni. Solo un gruppo di cantanti uniti in un ensemble può esprimere più punti di vista contemporaneamente sugli eventi che si svolgono. A volte il coro funge da commentatore delle azioni degli eroi dell'opera. Fondamentalmente, il testo nei cori d'opera è pronunciato in modo relativamente lento, le frasi vengono spesso ripetute per rendere comprensibile il contenuto all'ascoltatore.

Le arie da sole non costituiscono opere. Nel tipo classico dell'opera, il principale mezzo per trasmettere al pubblico la trama e lo sviluppo dell'azione è il recitativo: una veloce declamazione melodica in un metro libero, supportata da accordi semplici e basata su intonazioni naturali del discorso. Nelle opere comiche, il recitativo è spesso sostituito dal dialogo. Il recitativo può sembrare noioso agli ascoltatori che non capiscono il significato del testo parlato, ma è spesso indispensabile nella struttura dei contenuti dell'opera.

Non tutte le opere possono tracciare una linea netta tra recitativo e aria. Wagner, ad esempio, abbandonò le forme vocali complete per sviluppare continuamente l'azione musicale. Questa innovazione è stata ripresa, con varie modifiche, da numerosi compositori. Sul suolo russo, l'idea di un "dramma musicale" continuo è stata, indipendentemente da Wagner, testata per la prima volta da A.S. Dargomyzhsky in Ospite di pietra e M.P. Mussorgsky in Matrimonio- hanno chiamato questa forma "opera parlata", dialogo d'opera.

Opera come dramma.

Il contenuto drammatico dell'opera è incarnato non solo nel libretto, ma anche nella musica stessa. I creatori del genere operistico hanno chiamato le loro opere dramma per musica - "dramma espresso in musica". L'opera è più di un gioco con canzoni e balli inseriti. Il dramma è autosufficiente; l'opera senza musica è solo una parte dell'unità drammatica. Questo vale anche per le opere con scene parlate. In opere di questo tipo - per esempio, in Manon Lescaut J. Massenet - i numeri musicali conservano ancora un ruolo chiave.

È estremamente raro che un libretto d'opera venga rappresentato in scena come un pezzo drammatico. Sebbene il contenuto del dramma sia espresso in parole e siano presenti le caratteristiche tecniche sceniche, tuttavia senza la musica qualcosa di importante scompare, qualcosa che può essere espresso solo dalla musica. Per lo stesso motivo, solo occasionalmente si possono usare come libretti drammi drammatici, senza prima ridurre il numero dei personaggi, semplificando la trama e i personaggi principali. Bisogna lasciare spazio al respiro della musica, bisogna ripeterla, formare episodi orchestrali, cambiare umore e colore a seconda delle situazioni drammatiche. E poiché il canto rende ancora difficile capire il significato delle parole, il testo del libretto dovrebbe essere così chiaro da poter essere percepito cantando.

Così, l'opera soggioga la ricchezza lessicale e la raffinatezza della forma di un buon dramma drammatico, ma compensa questo danno con le capacità del proprio linguaggio, che si rivolge direttamente ai sentimenti del pubblico. Quindi, fonte letteraria Madama Butterfly Puccini - un'opera teatrale di D. Belasco su una geisha e un ufficiale della marina americana è irrimediabilmente obsoleta e la tragedia dell'amore e del tradimento espressa nella musica di Puccini non è affatto sbiadita con il tempo.

Quando componeva musica d'opera, la maggior parte dei compositori seguiva determinate convenzioni. Ad esempio, l'uso di registri alti di voci o strumenti significava "passione", armonie discordanti esprimevano "paura". Tali convenzioni non erano arbitrarie: le persone generalmente alzano la voce quando sono preoccupate e la sensazione fisica di paura è disarmonica. Ma i compositori d'opera esperti usavano mezzi più sottili per esprimere contenuti drammatici nella musica. La linea melodica doveva corrispondere organicamente alle parole su cui poggiava; la scrittura armonica doveva riflettere il flusso e riflusso delle emozioni. Era necessario creare diversi schemi ritmici per scene di recitazione frenetiche, ensemble solenni, duetti d'amore e arie. Le capacità espressive dell'orchestra, compresi i timbri e le altre caratteristiche associate a diversi strumenti, sono state poste anche al servizio di obiettivi drammatici.

Tuttavia, l'espressività drammatica non è l'unica funzione della musica nell'opera. Il compositore d'opera risolve due compiti contrastanti: esprimere il contenuto del dramma e compiacere il pubblico. Secondo il primo obiettivo, la musica serve al dramma; secondo il secondo, la musica è autosufficiente. Molti grandi compositori d'opera - Gluck, Wagner, Mussorgsky, R. Strauss, Puccini, Debussy, Berg - hanno sottolineato l'inizio espressivo e drammatico dell'opera. Con altri autori, l'opera ha acquisito un aspetto più poetico, sobrio, da camera. La loro arte è caratterizzata dalla sottigliezza dei mezzitoni ed è meno dipendente dai cambiamenti nei gusti del pubblico. I compositori lirici sono amati dai cantanti, perché sebbene un cantante d'opera debba essere in una certa misura un attore, il suo compito principale è puramente musicale: deve riprodurre accuratamente il testo musicale, dare al suono la colorazione necessaria e una frase meravigliosa. Gli autori dei testi includono i napoletani del XVIII secolo, Handel, Haydn, Rossini, Donizetti, Bellini, Weber, Gounod, Masnet, Tchaikovsky e Rimsky-Korsakov. Pochi autori hanno raggiunto un equilibrio quasi assoluto di elementi drammatici e lirici, tra questi Monteverdi, Mozart, Bizet, Verdi, Janacek e Britten.

Repertorio lirico.

Il repertorio operistico tradizionale è costituito principalmente da opere del XIX secolo. e una serie di opere della fine del XVIII e dell'inizio del XX secolo. Il Romanticismo, con la sua gravitazione verso gesta esaltate e terre lontane, contribuì allo sviluppo della creatività operistica in tutta Europa; la crescita della classe media ha portato alla penetrazione di elementi popolari nel linguaggio operistico e ha fornito all'opera un pubblico vasto e riconoscente.

Il repertorio tradizionale tende a ridurre l'intera varietà di genere dell'opera a due categorie molto capienti: "tragedia" e "commedia". Il primo è solitamente presentato più largo del secondo. La base del repertorio odierno è costituita da opere italiane e tedesche, in particolare "tragedie". Nel campo della "commedia", predomina l'opera italiana, o almeno in italiano (ad esempio, le opere di Mozart). Ci sono poche opere francesi nel repertorio tradizionale e di solito sono eseguite alla maniera degli italiani. Diverse opere russe e ceche, eseguite quasi sempre in traduzione, prendono il loro posto nel repertorio. In generale, le grandi compagnie d'opera aderiscono alla tradizione di eseguire opere in lingua originale.

Il principale regolatore del repertorio è la popolarità e la moda. La prevalenza e la coltivazione di certi tipi di voci gioca un ruolo di primo piano, sebbene alcune opere (come aiutante Verdi) vengono spesso eseguite senza considerare se le voci necessarie sono disponibili o meno (quest'ultima è più comune). In un'epoca in cui le opere con parti di coloratura virtuosa e trame allegoriche passavano di moda, poche persone si preoccupavano dello stile appropriato della loro produzione. Le opere di Händel, ad esempio, furono trascurate fino a quando la famosa cantante Joan Sutherland e altri non iniziarono a eseguirle. E il punto non è solo nel "nuovo" pubblico, che ha scoperto la bellezza di queste opere, ma anche nell'emergere di un gran numero di cantanti con un'alta cultura vocale in grado di affrontare parti operistiche sofisticate. Allo stesso modo, la rinascita di Cherubini e Bellini è stata ispirata dalle brillanti esecuzioni delle loro opere e dalla scoperta della "novità" delle opere più antiche. Anche i compositori del primo barocco, in particolare Monteverdi, Peri e Scarlatti, furono tirati fuori dall'oblio.

Tutti questi revival richiedono edizioni commentate, in particolare le opere di autori del XVII secolo, della cui strumentazione e principi dinamici non abbiamo informazioni precise. Ripetizioni infinite nel cosiddetto. Le arie da capo nelle opere della scuola napoletana e in Händel sono piuttosto faticose nel nostro tempo - il tempo dei digest. L'ascoltatore moderno difficilmente è in grado di condividere la passione degli ascoltatori anche per la grande opera francese del XIX secolo. (Rossini, Spontini, Meyerbeer, Halevy) all'intrattenimento che ha occupato l'intera serata (ad esempio, la partitura completa dell'opera Fernando Cortez Spontini si gioca per 5 ore, esclusi gli intervalli). Non è raro che un direttore d'orchestra o un regista sia tentato da luoghi oscuri della partitura e delle sue dimensioni per tagliare, riordinare i numeri, fare inserti e persino scrivere nuovi pezzi, spesso così goffi che solo un lontano parente dell'opera che appare nel programma appare prima del pubblico.

cantanti.

A poco a poco, si sono formate le regole per la scelta di un timbro di canto per un ruolo specifico. Le parti dei personaggi principali e delle eroine erano solitamente assegnate a tenori e soprani. In generale, più il personaggio è anziano ed esperto, più bassa dovrebbe essere la sua voce. Una ragazza innocente - come Gilda in Rigoletto Verdi è un soprano lirico e l'insidiosa seduttrice Dalila nell'opera di Saint-Saens Sansone e Dalila- mezzo soprano. Parte di Figaro, l'eroe energico e spiritoso di Mozart Matrimoni Figaro e Rossinievsky Barbiere di Siviglia scritto da entrambi i compositori per baritono, anche se la parte di Figaro avrebbe dovuto essere assegnata al primo tenore come protagonista. Le parti di contadini, maghi, persone di età matura, governanti e anziani erano solitamente create per bassi-baritoni (ad esempio, Don Giovanni nell'opera di Mozart) o bassi (Boris Godunov in Mussorgsky).

I cambiamenti nei gusti sociali hanno avuto un ruolo nella formazione degli stili vocali operistici. La tecnica di produzione del suono, la tecnica del vibrato ("singhiozzo") è cambiata nel corso dei secoli. J. Peri (1561-1633), cantante e autore della prima opera parzialmente conservata ( Dafne), presumibilmente cantato nella cosiddetta voce bianca - in uno stile relativamente uniforme, immutabile, con poco o nessun vibrato - secondo l'interpretazione della voce come strumento, in voga fino alla fine del Rinascimento.

Durante il XVIII secolo. il culto del cantante virtuoso si sviluppò, prima a Napoli, poi in tutta Europa. A quel tempo, la parte del personaggio principale nell'opera era eseguita da un soprano maschile - castrato, cioè un timbro il cui cambiamento naturale era stato interrotto dalla castrazione. I cantanti castrati spingevano la gamma e la mobilità delle loro voci ai limiti del possibile. Tali opere recitano come il castrato Farinelli (K. Broski, 1705-1782), il cui soprano, secondo i suoi racconti, ha superato in forza il suono della tromba, o il mezzosoprano F. Bordoni, di cui si diceva che potesse tirare il suono più a lungo di qualsiasi altro cantante al mondo, completamente subordinato alla loro abilità quei compositori di cui hanno eseguito la musica. Alcuni di loro componevano essi stessi opere e diressero compagnie d'opera (Farinelli). Si dava per scontato che i cantanti decorassero le melodie composte dal compositore con i propri ornamenti improvvisati, indipendentemente dal fatto che tali decorazioni si adattassero o meno alla situazione della trama dell'opera. Il possessore di qualsiasi tipo di voce deve essere addestrato a eseguire passaggi veloci e trilli. Nelle opere di Rossini, ad esempio, il tenore deve padroneggiare la tecnica della coloratura non peggio del soprano. Revival di questo tipo di arte nel XX secolo. permesso di dare nuova vita alla variegata creatività operistica di Rossini.

Un solo stile di canto del XVIII secolo. quasi immutato fino ad oggi - lo stile del basso comico, perché effetti semplici e chiacchiere veloci lasciano poco spazio alle interpretazioni individuali, musicali o di scena; Forse le commedie quadrate di D. Pergolesi (1749-1801) vengono rappresentate oggi non meno di 200 anni fa. Il vecchio chiacchierone e irascibile è una figura molto venerata nella tradizione dell'opera, un ruolo preferito per il basso, incline al clownerie vocale.

Il canto puro e cangiante del bel canto, tanto amato da Mozart, Rossini e altri operisti della fine del XVIII e della prima metà del XIX secolo, nella seconda metà del XIX secolo. gradualmente cedette il passo a uno stile di canto più potente e drammatico. Lo sviluppo della moderna scrittura armonica e orchestrale ha gradualmente cambiato la funzione dell'orchestra nell'opera: da accompagnatrice, si è trasformata in protagonista, e quindi i cantanti avevano bisogno di cantare più forte in modo che le loro voci non fossero soffocate dagli strumenti. Questa tendenza ha avuto origine in Germania, ma ha influenzato tutta l'opera europea, compresa quella italiana. L'"eroico tenore" tedesco (Heldentenor) nasce chiaramente dall'esigenza di una voce capace di duellare con l'orchestra di Wagner. Le successive composizioni e opere di Verdi dei suoi seguaci richiedono tenori "forti" (di forza) ed energici soprani drammatici (spinto). Le richieste dell'opera romantica a volte sfociano addirittura in interpretazioni che sembrano in contrasto con le intenzioni espresse dal compositore stesso. Così, R. Strauss ha pensato a Salomè nella sua opera omonima come "una ragazza di 16 anni con la voce di Isotta". Tuttavia, la strumentazione dell'opera è così densa che sono necessarie cantanti-matrone mature per eseguire la parte principale.

Tra i mitici divi dell'opera del passato - E. Caruso (1873-1921, forse il cantante più popolare della storia), J. Farrar (1882-1967, sempre seguito a New York da un seguito di fan), FI Chaliapin (1873-1938, basso potente, maestro del realismo russo), K. Flagstad (1895-1962, soprano eroico dalla Norvegia) e molti altri. Nella generazione successiva furono sostituiti da M. Callas (1923-1977), B. Nilsson (n. 1918), R. Tebaldi (1922-2004), J. Sutherland (n. 1926), L. Price (n. . 1927) ), B. Sills (n. 1929), C. Bartoli (1966), R. Tucker (1913-1975), T. Gobbi (1913-1984), F. Corelli (n. 1921), C. Siepi (n. 1923), J. Vickers (n. 1926), L. Pavarotti (n. 1935), S. Milns (n. 1935), P. Domingo (n. 1941), H. Carreras (n. 1946) .

Teatri d'opera.

Alcuni edifici dei teatri d'opera sono associati a un certo tipo di opera, e in alcuni casi, infatti, l'architettura del teatro è stata determinata dall'uno o dall'altro tipo di spettacolo d'opera. Così, l'Opera parigina (in Russia era fissato il nome Grand Opera) era destinata a uno spettacolo vivido molto prima che il suo edificio attuale fosse costruito nel 1862-1874 (architetto Charles Garnier): avrebbe gareggiato con lo scenario dei balletti e delle magnifiche processioni che si svolgevano posto in scena. Il Festspielhaus nella città bavarese di Bayreuth è stato fondato da Wagner nel 1876 per mettere in scena i suoi epici drammi musicali. Il suo palcoscenico, modellato sulle scene degli antichi anfiteatri greci, ha una grande profondità e l'orchestra si trova nella fossa dell'orchestra ed è nascosta al pubblico, in modo che il suono si diffonda e il cantante non abbia bisogno di estendere eccessivamente la sua voce. L'edificio originale del Metropolitan Opera di New York (1883) è stato concepito come una vetrina per i migliori cantanti del mondo e rispettabili abbonati al box. La sala è così profonda che le sue scatole a "ferro di cavallo di diamante" offrono ai visitatori più opportunità di vedersi rispetto a un palcoscenico relativamente poco profondo.

L'aspetto dei teatri d'opera, come in uno specchio, riflette la storia dell'opera come fenomeno della vita sociale. Le sue origini affondano nella rinascita dell'antico teatro greco negli ambienti aristocratici: questo periodo corrisponde al più antico teatro lirico superstite - Olimpico (1583), costruito da A. Palladio a Vicenza. La sua architettura - riflesso del microcosmo della società barocca - si basa su una caratteristica pianta a ferro di cavallo, dove le file di palchi si aprono a ventaglio dal centro - il palco reale. Una pianta simile è conservata negli edifici del Teatro alla Scala (1788, Milano), La Fenice (1792, incendiata nel 1992, Venezia), San Carlo (1737, Napoli), Covent Garden (1858, Londra). Con meno palchi, ma con livelli più profondi grazie ai supporti in acciaio, questo piano viene utilizzato in teatri d'opera americani come la Brooklyn Academy of Music (1908), i teatri d'opera di San Francisco (1932) e Chicago (1920). Soluzioni più moderne sono dimostrate dal nuovo edificio della Metropolitan Opera al Lincoln Center di New York (1966) e dalla Sydney Opera House (1973, Australia).

Un approccio democratico è caratteristico di Wagner. Ha chiesto la massima concentrazione dal pubblico e ha costruito un teatro dove non ci sono affatto palchi e i posti sono disposti in file continue monotone. L'austero interno di Bayreuth fu ripetuto solo nel "Prince Regent Theatre" di Monaco (1909); anche i teatri tedeschi costruiti dopo la seconda guerra mondiale risalgono ad esempi precedenti. Tuttavia, l'idea di Wagner, a quanto pare, ha contribuito al movimento verso il concetto di arena, ad es. teatro senza boccascena, che viene proposto da alcuni architetti moderni (il prototipo è l'antico circo romano): l'opera è lasciata adattarsi a queste nuove condizioni. L'Anfiteatro Romano di Verona si presta bene per la messa in scena di spettacoli operistici monumentali come Aida Verdi e Guglielmo Tell Rossini.

Festival dell'Opera.

Un elemento importante del concetto di opera di Wagner è il pellegrinaggio estivo a Bayreuth. L'idea fu raccolta: negli anni '20, la città austriaca di Salisburgo organizzò un festival dedicato principalmente alle opere di Mozart e invitò persone di talento come il regista M. Reinhardt e il direttore A. Toscanini a realizzare il progetto. Dalla metà degli anni '30, l'opera operistica di Mozart ha plasmato il festival inglese a Glyndebourne. Dopo la seconda guerra mondiale, a Monaco di Baviera è apparso un festival, dedicato principalmente all'opera di R. Strauss. Firenze ospita il "Maggio Fiorentino Musicale", dove viene eseguito un repertorio molto ampio, che copre sia opere antiche che moderne.

STORIA

Le origini dell'opera.

Il primo esemplare del genere operistico che ci è pervenuto è Euridice J. Peri (1600) è una modesta opera realizzata a Firenze in occasione delle nozze del re di Francia Enrico IV e Maria de' Medici. Come previsto, un giovane cantante e madrigalista che era vicino alla corte è stato ordinato di musica per questo evento solenne. Ma Peri non ha presentato un normale ciclo madrigale su un tema pastorale, ma qualcosa di completamente diverso. Il musicista era un membro della Camerata fiorentina, un circolo di scienziati, poeti e amanti della musica. Per vent'anni, i membri della Camerata hanno indagato sulla questione di come venivano rappresentate le antiche tragedie greche. Conclusero che gli attori greci pronunciavano il testo in uno speciale modo declamatorio, che era un incrocio tra il discorso e il canto reale. Ma il vero risultato di questi esperimenti sulla rinascita di un'arte dimenticata fu un nuovo tipo di canto solista chiamato "monodia": la monodia veniva eseguita a ritmo libero con l'accompagnamento più semplice. Perciò Peri e il suo librettista O. Rinuccini hanno raccontato la storia di Orfeo ed Euridice in un recitativo, sostenuto dagli accordi di una piccola orchestra, anzi un insieme di sette strumenti, e hanno presentato il brano nel fiorentino Palazzo Pitti. Questa fu la seconda opera della Camerata; primo punteggio, Dafne Peri (1598), non è sopravvissuto.

La prima opera ha avuto predecessori. Da sette secoli la chiesa coltiva drammi liturgici come Daniel gioco, dove il canto solista era accompagnato dall'accompagnamento di una varietà di strumenti. Nel XVI secolo. altri compositori, in particolare A. Gabrieli e O. Vecchi, unirono cori laici o madrigali in cicli di trama. Ma ancora, prima di Peri e Rinuccini, non esisteva una forma musicale-drammatica monodica laica. Il loro lavoro non è diventato un revival dell'antica tragedia greca. Ha portato qualcosa in più: è nato un nuovo genere teatrale praticabile.

Tuttavia, la piena divulgazione delle possibilità del genere del dramma per musica, proposta dalla Camerata fiorentina, avvenne nell'opera di un altro musicista. Come Peri, C. Monteverdi (1567-1643) era un uomo istruito di famiglia nobile, ma a differenza di Peri, era un musicista professionista. Nativo di Cremona, Monteverdi divenne famoso alla corte di Vincenzo Gonzaga a Mantova e fino alla fine della sua vita guidò il coro della Cattedrale di S. Marco a Venezia. Sette anni dopo Euridice Peri compose la sua versione della leggenda di Orfeo - La leggenda di Orfeo... Queste opere differiscono l'una dall'altra allo stesso modo in cui un esperimento interessante differisce da un capolavoro. Monteverdi ha quintuplicato la composizione dell'orchestra, assegnando a ciascun personaggio il proprio gruppo di strumenti, e ha preceduto l'opera con un'ouverture. Il suo recitativo non solo ha espresso il testo di A. Strigio, ma ha vissuto la propria vita artistica. La lingua armoniosa di Monteverdi è piena di contrasti drammatici e ancora oggi colpisce per la sua audacia e pittoresca.

Tra le successive opere superstiti di Monteverdi sono Duello di Tancredi e Clorinda(1624) basato su una scena di Gerusalemme liberata Torquato Tasso - poema epico sui crociati; Ritorno di Ulisse in patria(1641) su una trama risalente all'antica leggenda greca di Ulisse; Incoronazione di Poppea(1642), dal tempo dell'imperatore romano Nerone. L'ultimo lavoro è stato creato dal compositore appena un anno prima della sua morte. Quest'opera divenne l'apice della sua opera, in parte per il virtuosismo delle parti vocali, in parte per lo splendore della scrittura strumentale.

La diffusione dell'opera.

Durante l'era Monteverdi, l'opera conquistò rapidamente le principali città d'Italia. Roma ha dato all'autore dell'opera L. Rossi (1598-1653), che ha messo in scena la sua opera a Parigi nel 1647 Orfeo ed Euridice conquistando la luce francese. F. Cavalli (1602-1676), che cantò a Monteverdi a Venezia, creò circa 30 opere; Insieme a MA Chesti (1623-1669), Cavalli divenne il fondatore della scuola veneziana, che ebbe un ruolo importante nell'opera italiana nella seconda metà del XVII secolo. Nella scuola veneziana lo stile monodico, di provenienza fiorentina, aprì la strada allo sviluppo del recitativo e dell'aria. Le arie divennero gradualmente più estese e più complesse e i cantanti virtuosi, di regola, castrati, iniziarono a dominare il palcoscenico dell'opera. Le trame delle opere veneziane erano ancora basate sulla mitologia o su episodi storici romanzati, ma ora decorate con intermezzi burleschi che non avevano nulla a che fare con l'azione principale e episodi spettacolari in cui i cantanti dimostravano il loro virtuosismo. All'Opera d'Onore Mela d'oro(1668), uno dei più difficili dell'epoca, ci sono 50 personaggi, 67 scene e 23 cambi di scenario.

L'influenza italiana raggiunse anche l'Inghilterra. Alla fine del regno di Elisabetta I, compositori e librettisti iniziarono a creare il cosiddetto. maschere - spettacoli di corte, che combinano recitativi, canti, balli e basati su trame fantastiche. Questo nuovo genere occupò un posto importante nell'opera di H. Laws, che nel 1643 mise in musica Comus Milton, e nel 1656 creò la prima vera opera inglese - Assedio di Rodi... Dopo il restauro degli Stuart, l'opera iniziò a prendere gradualmente piede in terra inglese. J. Blow (1649-1708), organista della Cattedrale di Westminster, compose un'opera nel 1684 Venere e Adone, ma il lavoro è stato comunque chiamato una maschera. L'unica opera veramente grande creata da un inglese è stata Didone ed Enea G. Purcell (1659-1695), allievo e successore di Blow. Rappresentata per la prima volta in un college femminile intorno al 1689, questa piccola opera è nota per la sua sorprendente bellezza. Purcell era abile sia nella tecnica francese che in quella italiana, ma la sua opera è un'opera tipicamente inglese. Libretto Didone, di proprietà di N. Tait, ma il compositore si è ripreso con la sua musica, caratterizzata dalla padronanza delle caratteristiche drammatiche, dalla grazia straordinaria e dal contenuto di arie e cori.

Opera francese antica.

Come la prima opera italiana, l'opera francese della metà del XVI secolo. procedeva dal desiderio di far rivivere l'antica estetica teatrale greca. La differenza era che l'opera italiana si concentrava sul canto, mentre quella francese nasceva dal balletto, il genere teatrale preferito dalla corte francese dell'epoca. JB Lully (1632-1687) è un ballerino capace e ambizioso di origine italiana, il fondatore dell'opera francese. Ricevette la sua educazione musicale, compreso lo studio delle basi della tecnica compositiva, alla corte di Luigi XIV e poi fu nominato compositore di corte. Comprendeva perfettamente il palcoscenico, che si manifestava nella sua musica per alcune commedie di Molière, in particolare per Al commerciante della nobiltà(1670). Impressionato dal successo delle compagnie d'opera che arrivarono in Francia, Lully decise di creare la propria compagnia. Le opere di Lully, che chiamò "tragedie liriche" (tragédies lyriques) , dimostrare uno stile musicale e teatrale specificamente francese. Le trame sono tratte dalla mitologia antica o dai poemi italiani, ei libretti, con i loro versi solenni in misure rigorosamente definite, sono guidati dallo stile del grande contemporaneo di Lully, il drammaturgo J. Racin. Lo sviluppo della trama di Lully è intervallato da lunghi discorsi sull'amore e sulla fama, e nei prologhi e in altri punti della trama inserisce divertissements - scene con balli, cori e magnifiche scenografie. La vera portata dell'opera del compositore diventa chiara oggi, quando si riprendono le esecuzioni delle sue opere - Alcesta (1674), Hatisa(1676) e Armidi (1686).

"Opera ceca" è un termine convenzionale, che significa due tendenze artistiche contrastanti: filo-russo in Slovacchia e filo-tedesco nella Repubblica Ceca. Una figura riconosciuta nella musica ceca è Antonín Dvořák (1841-1904), anche se solo una delle sue opere è intrisa di profondo pathos Sirena- si è radicato nel repertorio mondiale. A Praga, la capitale della cultura ceca, Bedřich Smetana (1824-1884) fu la figura principale nel mondo dell'opera. La sposa venduta(1866) entrò rapidamente nel repertorio, solitamente tradotto in tedesco. La trama comica e semplice ha reso quest'opera la più accessibile nell'eredità di Smetana, sebbene sia l'autore di due opere più infuocate-patriottiche: una dinamica "opera di salvezza" Dalibor(1868) e pittoresco-epico Libusha(1872, messo in scena nel 1881), che raffigura l'unificazione del popolo ceco sotto il governo di una saggia regina.

Il centro non ufficiale della scuola slovacca era la città di Brno, dove visse e lavorò Leoš Janáček (1854–1928), un altro ardente sostenitore della riproduzione delle intonazioni recitative naturali nella musica - nello spirito di Mussorgsky e Debussy. I diari di Janacek contengono molte notazioni musicali del discorso e ritmi sonori naturali. Dopo diversi esperimenti iniziali e infruttuosi nel genere dell'opera, Janáček si rivolse per la prima volta alla straordinaria tragedia della vita dei contadini moravi nell'opera Yenufa(1904, l'opera più popolare del compositore). Nelle opere successive, ha sviluppato diverse trame: il dramma di una giovane donna che, per protesta contro l'oppressione familiare, entra in una relazione amorosa illegale ( Katya Kabanova, 1921), la vita della natura ( Imbrogliare i finferli, 1924), incidente soprannaturale ( Significa Makropulos, 1926) e il racconto di Dostoevskij degli anni trascorsi nei lavori forzati ( Appunti da una casa morta, 1930).

Janáček sognava il successo a Praga, ma i suoi colleghi "illuminati" trattavano le sue opere con disprezzo, sia durante la vita del compositore che dopo la sua morte. Come Rimsky-Korsakov, che ha curato Mussorgsky, i colleghi di Janacek credevano di sapere meglio dell'autore come dovevano suonare le sue partiture. Il riconoscimento internazionale di Janacek è arrivato in seguito grazie agli sforzi di restauro di John Tyrrell e del direttore d'orchestra australiano Charles McKeras.

Opere del XX secolo

La prima guerra mondiale pose fine all'era romantica: l'elevazione dei sentimenti caratteristica del romanticismo non poteva sopravvivere agli shock degli anni della guerra. Anche le forme operistiche consolidate tendevano a declinare, era un periodo di incertezza e sperimentazione. Il desiderio per il Medioevo, con una forza speciale espressa in Parsifal e Pellease, ha dato gli ultimi lampi in opere come L'amore dei tre re(1913) Italo Montemezzi (1875-1952), Cavalieri di Ekebu(1925) Riccardo Zandonai (1883-1944), Semirama(1910) e Fiamma(1934) Ottorino Respighi (1879-1936). Il postromanticismo austriaco rappresentato da Franz Schrecker (1878-1933; Suono lontano, 1912; stigmatizzato, 1918), Alexander von Zemlinsky (1871-1942; tragedia fiorentina;Nano- 1922) ed Erik Wolfgang Korngold (1897-1957; città morta, 1920; Miracolo di Heliana, 1927) usava motivi medievali per lo studio artistico di idee spiritualistiche o fenomeni mentali patologici.

L'eredità di Wagner, ripresa da Richard Strauss, passò poi al cosiddetto. la nuova scuola viennese, in particolare ad A. Schoenberg (1874-1951) e A. Berg (1885-1935), le cui opere sono una sorta di reazione antiromantica: ciò si esprime sia in un consapevole allontanamento dal linguaggio musicale tradizionale , particolarmente armonioso, e nella scelta trame "Crudele". La prima opera di Berg Wozzeck(1925) - La storia di un soldato infelice e oppresso - è un dramma incredibilmente potente, nonostante la sua forma insolitamente complessa e altamente intellettuale; seconda opera del compositore, Lulu(1937, completato dopo la morte dell'autore F. Cerchoi) è un dramma musicale altrettanto espressivo su una donna dissoluta. Dopo una serie di piccole opere psicologiche acute, tra le quali la più famosa è aspettativa(1909), Schoenberg ha lavorato alla trama per tutta la vita Mosè e Aronne(1954, l'opera rimase incompiuta) - basata sulla storia biblica del conflitto tra il profeta muto Mosè e l'eloquente Aronne, che sedusse gli israeliti per adorare il vitello d'oro. Scene di orgia, distruzione e sacrificio umano, che possono oltraggiare qualsiasi censura teatrale, nonché l'estrema complessità della composizione, ostacolano la sua popolarità nel teatro dell'opera.

Compositori di varie scuole nazionali cominciarono ad emergere dall'influenza di Wagner. Pertanto, il simbolismo di Debussy servì da impulso al compositore ungherese B.Bartók (1881-1945) per creare la sua parabola psicologica Il castello del duca Barbablù(1918); un altro autore ungherese, Z. Kodai, all'opera Hari Janos(1926) si rivolse a fonti folkloristiche. A Berlino F. Busoni reinterpreta le vecchie trame in opere liriche Arlecchino(1917) e Dottor Faust(1928, rimasto incompiuto). In tutte le opere citate, la pervasiva sinfonia di Wagner e dei suoi seguaci lascia il posto a uno stile molto più laconico, fino al predominio della monodia. Tuttavia, il patrimonio operistico di questa generazione di compositori è relativamente piccolo e questa circostanza, insieme all'elenco delle opere incompiute, testimonia le difficoltà che il genere operistico ha vissuto nell'era dell'espressionismo e dell'imminente fascismo.

Allo stesso tempo, nuove correnti cominciarono ad emergere nell'Europa devastata dalla guerra. L'opera buffa italiana ha dato la sua ultima fuga in un piccolo capolavoro di G. Puccini Gianni Schicchi(1918). Ma a Parigi, M. Ravel ha alzato una torcia morente e ha creato il suo meraviglioso ora spagnola(1911) e poi Bambino e magia(1925, su libretto di Collet). L'opera è apparsa anche in Spagna - Vita breve(1913) e Lo spettacolo del maestro Pedro(1923) Manuel de Falla.

In Inghilterra, l'opera stava vivendo un vero rinascimento, per la prima volta da secoli. I primi esempi sono Ora immortale(1914) Rutland Boughton (1878-1960) su un complotto della mitologia celtica, traditori(1906) e La moglie del nostromo(1916) Ethel Smith (1858-1944). La prima è una storia d'amore bucolica, mentre la seconda riguarda i pirati che si stabiliscono in un povero villaggio costiero inglese. Le opere di Smith godettero di una certa popolarità in Europa, così come le opere di Frederick Delius (1862-1934), in particolare Villaggio di Romeo e Giulietta(1907). Delius, tuttavia, era intrinsecamente incapace di incarnare il dramma del conflitto (sia nel testo che nella musica), e quindi i suoi drammi musicali statici appaiono raramente sul palco.

Il problema scottante per i compositori inglesi era la ricerca di una trama competitiva. Savitri Gustav Holst è stato scritto sulla base di uno degli episodi dell'epopea indiana Mahabharata(1916), e Hugh l'autista R. Voan-Williams (1924) è una pastorale ricca di canti popolari; lo stesso è il caso dell'opera di Vaughan Williams Sir John innamorato secondo Shakespeare Falstaff.

B. Britten (1913-1976) riuscì a portare l'opera inglese a nuovi livelli; la sua prima opera si è rivelata un successo Peter Grimes(1945) - un dramma ambientato in riva al mare, dove il protagonista è un pescatore rifiutato dalla gente, in balia di esperienze mistiche. La fonte della commedia-satira Albert Herring(1947) divenne un racconto di Maupassant, e in Billy Budd viene utilizzato il racconto allegorico di Melville, che tratta del bene e del male (lo sfondo storico è l'epoca delle guerre napoleoniche). Quest'opera è generalmente riconosciuta come il capolavoro di Britten, anche se in seguito ha lavorato con successo nel genere della "grande opera" - gli esempi includono Gloriana(1951), che racconta le turbolente vicende del regno di Elisabetta I, e Un sogno in una notte d'estate(1960; il libretto basato su Shakespeare è stato creato dall'amico e collaboratore più intimo del compositore, il cantante P. Pearce). Negli anni '60, Britten prestò molta attenzione alle opere paraboliche ( fiume della beccaccia – 1964, Azione in grotta – 1966, Figliol prodigo- 1968); ha anche creato un'opera televisiva Owen Wingrave(1971) e opere da camera Girando la vite e Dissacrazione di Lucrezia... L'apice assoluto della creatività operistica del compositore è stata la sua ultima opera in questo genere - Morte a Venezia(1973), dove straordinario ingegno si unisce a grande sincerità.

Tale è l'eredità operistica di Britten che pochi degli scrittori inglesi della generazione successiva furono in grado di uscire dalla sua ombra, sebbene sia degno di menzione il famoso successo operistico di Peter Maxwell Davis (1934). Taverner(1972) e opere di Harrison Birtwistle (b.1934) Gawain(1991). Per quanto riguarda i compositori di altri paesi, possiamo citare opere come Aniara(1951) dello svedese Karl-Birger Blomdahl (1916-1968), dove l'azione si svolge su una nave interplanetaria e utilizza suoni elettronici, o un ciclo d'opera Sia la luce(1978–1979) del tedesco Karlheinz Stockhausen (il ciclo ha il sottotitolo Sette giorni della creazione ed è progettato per essere eseguito entro una settimana). Ma, naturalmente, tali innovazioni sono di natura transitoria. Più significative sono le opere del compositore tedesco Karl Orff (1895-1982) - ad esempio, Antigone(1949), che è costruito sul modello dell'antica tragedia greca usando la declamazione ritmica sullo sfondo dell'accompagnamento ascetico (principalmente strumenti a percussione). Il geniale compositore francese F. Poulenc (1899-1963) iniziò con un'opera umoristica seno Tiresia(1947), per poi rivolgersi a un'estetica che privilegia l'intonazione e il ritmo naturali del discorso. Due delle sue migliori opere sono scritte in questo modo: mono-opera voce umana di Jean Cocteau (1959; libretto costruito come conversazione telefonica di un'eroina) e opera Dialoghi Carmelitani, che descrive la sofferenza delle monache di un ordine cattolico durante la Rivoluzione francese. Le armonie di Poulenc sono ingannevolmente semplici ed emotivamente espressive allo stesso tempo. La popolarità internazionale delle opere di Poulenc fu aiutata anche dall'esigenza del compositore che le sue opere fossero eseguite nelle lingue locali quando possibile.

Destreggiandosi come un mago in stili diversi, IF Stravinsky (1882-1971) creò un numero impressionante di opere; tra questi - scritto per l'impresa romantica di Diaghilev Usignolo basato sul racconto di G.H. Andersen (1914), mozartiano Le avventure di un libertino basato su incisioni di Hogarth (1951), oltre che statico, che ricorda i fregi antichi re Edipo(1927), che è destinato ugualmente al teatro e al palcoscenico dei concerti. Durante il periodo della Repubblica tedesca di Weimar, K. Weil (1900-1950) e B. Brecht (1898-1950), che rifecero L'opera del mendicante John Gay è ancora più popolare Opera da tre soldi(1928), compose un'opera ormai dimenticata su una trama intensamente satirica L'ascesa e la caduta della città di Mahagoni(1930). L'ascesa al potere dei nazisti pose fine a questa fruttuosa cooperazione e Weill, emigrato in America, iniziò a lavorare nel genere del musical americano.

Il compositore argentino Alberto Ginastera (1916-1983) era di gran moda negli anni '60 e '70 quando apparvero le sue opere espressioniste e apertamente erotiche Don Rodrigo (1964), Bomarzo(1967) e Beatrice Cenci(1971). Il tedesco Hans Werner Henze (nato nel 1926) divenne famoso nel 1951 quando la sua opera fu messa in scena boulevard solitudine sul libretto di Greta Weill tratto dalla storia di Manon Lescaut; il linguaggio musicale dell'opera unisce jazz, blues e tecnica dodecafonica. Tra le successive opere di Henze: Elegia per i giovani innamorati(1961; l'azione si svolge nelle Alpi innevate; nella partitura domina il suono dello xilofono, del vibrafono, dell'arpa e della celesta), giovane signore infuso di umorismo nero (1965), Bassaridi(1966; dopo Baccanti Euripide, libretto inglese di Charles Callman e W.H. Auden), antimilitarista Verremo al fiume(1976), opera di fiabe per bambini Pollicino e mare tradito(1990). In Gran Bretagna, Michael Tippett (1905-1998 ) : Matrimonio in una notte di mezza estate(1955), Giardino labirinto (1970), Il ghiaccio si è rotto(1977) e opera di fantascienza Capodanno(1989) - tutto su libretto del compositore. Il compositore inglese d'avanguardia Peter Maxwell Davies è l'autore della suddetta opera Taverner(1972; trama dalla vita del compositore del XVI secolo John Taverner) e Domenica (1987).

Cantanti lirici famosi

Björling, Jussi (Johan Yunatan)(Björling, Jussi) (1911-1960), cantante svedese (tenore). Ha studiato alla Royal Opera School di Stoccolma e ha fatto il suo debutto lì nel 1930 in un piccolo ruolo in Manon Lescaut... Un mese dopo, Ottavio ha cantato in Don Juan... Dal 1938 al 1960, ad eccezione degli anni della guerra, cantò al Metropolitan Opera e riscosse particolare successo nel repertorio italiano e francese.
Galli-Curchi Amelita .
Gobby, Tito(Gobbi, Tito) (1915-1984), cantante italiano (baritono). Ha studiato a Roma e ha debuttato lì come Germont in La Traviate... Si esibì ampiamente a Londra e dopo il 1950 a New York, Chicago e San Francisco, specialmente nelle opere di Verdi; ha continuato a cantare nei maggiori teatri d'Italia. Gobby è considerato il miglior interprete della parte di Scarpia, che ha cantato circa 500 volte. Ha recitato in film d'opera molte volte.
Domingo, Placido .
Callas, Maria .
Caruso, Enrico .
Corelli, Franco- (Corelli, Franco) (n. 1921-2003), cantante italiano (tenore). All'età di 23 anni studia per qualche tempo al Conservatorio di Pesaro. Nel 1952 partecipa al concorso vocale del Maggio Musicale Fiorentino, dove il direttore dell'Opera di Roma lo invita a sostenere una prova al Teatro Sperimentale di Spoletto. Presto si esibì in questo teatro nel ruolo di Don Jose in carmen... In apertura della stagione scaligera nel 1954 canta con Maria Callas in Vestale Spontini. Nel 1961 ha debuttato al Metropolitan Opera come Manrico in Trovatore... Tra le sue feste più famose c'è Cavaradossi in Toske.
Londra, George(London, George) (1920-1985), cantante canadese (basso-baritono), vero nome George Bernstein. Ha studiato a Los Angeles e ha debuttato a Hollywood nel 1942. Nel 1949 è stato invitato all'Opera di Vienna, dove ha debuttato come Amonasro in aiutante... Ha cantato al Metropolitan Opera (1951-1966) e si è esibito anche a Bayreuth dal 1951 al 1959 come Amfortas e l'olandese volante. Ha interpretato superbamente le parti di Don Juan, Scarpia e Boris Godunov.
Milnes, Cheryl .
Nilsson, Birgit(Nilsson, Birgit) (1918-2005), cantante svedese (soprano). Ha studiato a Stoccolma e ha fatto il suo debutto lì come Agatha in Sparatutto gratis Weber. La sua fama internazionale risale al 1951 quando cantò Electra in Idomenee Mozart al Festival di Glyndebourne. Nella stagione 1954/1955 canta Brunilde e Salomè all'Opera di Monaco. Ha fatto il suo debutto come Brunilde al Covent Garden di Londra (1957) e come Isotta al Metropolitan Opera (1959). Riuscì anche in altri partiti, in particolare Turandot, Tosca e Aida. Morì il 25 dicembre 2005 a Stoccolma.
Pavarotti, Luciano .
Patti, Adeline(Patti, Adelina) (1843-1919), cantante italiana (soprano di coloratura). Debuttò a New York nel 1859 come Lucia di Lammermoor, a Londra nel 1861 (come Amina in sonnambulo). Ha cantato al Covent Garden per 23 anni. Possedendo una voce magnifica e una tecnica brillante, Patti fu uno degli ultimi rappresentanti del vero stile belcantista, ma come musicista e come attrice era molto più debole.
Prezzo, Leontina .
Sutherland, Joan .
Skipa, Tito(Schipa, Tito) (1888-1965), cantante italiano (tenore). Studia a Milano e nel 1911 debutta a Vercelli nel ruolo di Alfredo ( La traviata). Si è esibito regolarmente a Milano e Roma. Nel 1920-1932 ebbe un impegno alla Chicago Opera e cantò costantemente a San Francisco dal 1925 e al Metropolitan Opera (1932-1935 e 1940-1941). Ha interpretato superbamente le parti di Don Ottavio, Almaviva, Nemorino, Werther e Wilhelm Meister in Minion.
Scotto, Renata(Scotto, Renata) (b. 1935), cantante italiano (soprano). Debutta nel 1954 al Teatro Nuova Napoli nel ruolo di Violetta ( La traviata), nello stesso anno canta per la prima volta alla Scala. Si è specializzata nel repertorio belcantistico: Gilda, Amina, Norina, Linda de Chamouny, Lucia di Lammermoor, Gilda e Violetta. Il suo debutto americano come Mimi from bohémien ha avuto luogo alla Lyric Opera di Chicago nel 1960, è apparsa per la prima volta al Metropolitan Opera come Cio-cio-san nel 1965. Il suo repertorio comprende anche i ruoli di Norma, La Gioconda, Tosca, Manon Lescaut e Francesca da Rimini.
Siepi, Cesare(Siepi, Cesare) (n. 1923), cantante italiano (basso). Debutta nel 1941 a Venezia come Sparafucillo in Rigoletto... Dopo la guerra iniziò ad esibirsi alla Scala e in altri teatri d'opera italiani. Dal 1950 al 1973 è stato il primo bassista al Metropolitan Opera, dove ha cantato, in particolare, Don Juan, Figaro, Boris, Gurnemanz e Philippe in Don Carlos.
Tebaldi, Renata(Tebaldi, Renata) (n. 1922), cantante italiano (soprano). Ha studiato a Parma e ha debuttato nel 1944 a Rovigo come Elena ( Mefistofele). Toscanini scelse Tebaldi per parlare all'inaugurazione del dopoguerra della Scala (1946). Nel 1950 e nel 1955 si esibì a Londra, nel 1955 fece il suo debutto al Metropolitan Opera come Desdemona e cantò in questo teatro fino al suo ritiro nel 1975. Tra i suoi ruoli migliori ci sono Tosca, Adriana Lecouvreur, Violetta, Leonora, Aida e altri drammatici ruoli da opere di Verdi.
Farrar, Geraldine .
Chaliapin, Fedor Ivanovich .
Schwarzkopf, Elizabeth(Schwarzkopf, Elisabeth) (n. 1915), cantante tedesca (soprano). Ha studiato a Berlino e ha debuttato all'Opera di Berlino nel 1938 come una delle damigelle dei fiori in Parsifal Wagner. Dopo diverse esibizioni all'Opera di Vienna, è stata invitata a interpretare i ruoli principali. Successivamente ha cantato anche al Covent Garden e alla Scala. Nel 1951 a Venezia alla prima dell'opera di Stravinsky Le avventure di un libertino cantò la parte di Anna, nel 1953 alla Scala partecipò alla prima della cantata teatrale di Orff Trionfo di Afrodite... Nel 1964 si esibì per la prima volta al Metropolitan Opera. Ha lasciato il palcoscenico dell'opera nel 1973.

Letteratura:

Makhrova E.V. Teatro dell'Opera nella cultura della Germania nella seconda metà del XX secolo... SPb, 1998
Simon G.W. Cento grandi opere e le loro trame... M., 1998